domingo, 9 de mayo de 2021

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXXXVI)

El valle de los placeres (Beyond the Valley of the Dolls, 1970), de Russ Meyer

Kelly MacNamara (Dolly Read), Casey Anderson (Cynthia Myers) y Petronella «Pet» Danforth (Marcia McBroom) son tres jóvenes miembros de la banda The Kelly Affair, cuyo mánager es Harris Allsworth (David Gurian), novio de Kelly. Los cuatro deciden viajar a Los Ángeles para encontrar a la tía de esta última, Susan Lake (Phyllis Davis), dueña de una gran fortuna, quien tras conocer a Kelly le promete un tercio de su herencia, lo que provoca la desconfianza de Porter Hall (Duncan McLeod), asesor financiero de Susan, quien considera a Kelly una hippie y tratará de desacreditarla con el fin de poder quedarse con todo el dinero. Tras conocer al excéntrico productor de música rock Ronnie «Z-Man» Barzell (John LaZar), los cuatro jóvenes se sumergen en un mundo de alcohol, drogas, sexo y depravación en el que descubrirán lo caro que puede llegar a ser alcanzar la fama. La historia sobre los problemas y ventajas de un trio femenino de rock para conseguir un lugar en el panorama de finales de los sesenta... En su primera película para un gran estudio, Meyer simplemente hizo lo que había venido ofreciendo durante años (esto es: chicas neumáticas, diálogos delirantes e incorrectos -escritos por el famoso crítico de cine americano Roger Ebert-, además de sexo y drogas por doquier) pero a lo grande. Así consiguió, pese a su clasificación X, uno de sus mayores éxitos. Concebida originalmente como una secuela de El valle de las muñecas (Valley of the Dolls, 1967), la película terminó convirtiéndose en una parodia de la misma.

Cumplió 25 años: Twister

El 8 de mayo de 1996 Tse estrenó la película estadounidense Twister, dirigida por Jan de Bont e interpretada por Helen Hunt, Bill Paxton, Cary Elwes, Jami Gertz, Philip Seymour Hoffman, Lois Smith, Alan Ruck, Todd Field, Zach Grenier, Jeremy Davies, Abraham Benrubi, Jake Busey, Sean Whalen, Scott Thomson, Joey Slotnick, Wendle Josepher, Gregory Sporleder, Anthony Rapp. Productora: Warner Bros./Universal Pictures/Amblin Entertainment. Duración: 113 minutos.
Sinopsis argumentalDos grupos de científicos, que siguen a las tormentas y tornados para estudiar su comportamiento, compiten por ser los primeros en conseguir resultados. Su objetivo es analizar la mayor tormenta de Oklahoma en el último medio siglo. En el grupo con menos recursos está Jo Harding, una mujer a punto de divorciarse, que tendrá que pedir ayuda a su marido. El otro grupo está mucho mejor equipado. 
Nominaciones y premios 2 nominaciones al Oscar: Mejor sonido, efectos visuales; Premios BAFTA: Mejores efectos especiales visuales; Satellite Awards: Nominada a mejores efectos visuales: Premios Razzie: Peor película con recaudación superior a los 100 millones de dólares
Comentario: Después de debutar con éxito en la dirección con Speed, el prestigioso director de fotografía Jan de Bont, volvió a dar en la diana comercial con Twister, una cinta del género catastrófico que analiza el fenómeno de los tornados. Lo que más destaca de la cinta es el despliegue de efectos especiales que consiguen hacer volar todo lo que estos vendavales encuentran en su camino, desde tractores hasta vacas. La pareja protagonista está formada por el veterano Bill Paxton y la ganadora de un Oscar por Mejor...imposible, Helen Hunt, en uno de sus primeros papeles importantes en la gran pantalla después de triunfar en televisión con la serie Loco por ti.

sábado, 8 de mayo de 2021

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXXXV)

Roxanna (1970), de Nick Millard

La naturaleza omnisexual de Roxanna, de 19 años, la está arrastrando a un mundo de hedonismo y sensual auto-indulgencia, sólo para darse cuenta de que su cordura está en juego. Roxanna es una película que roza la delgada línea que separa el erotismo de la pornografía. La protagonista es una joven adicta al sexo que después de todo es infeliz, sufre de soledad y hasta de paranoia. Más de una vez intentó suicidarse. A ella le encanta el sexo bizarro, cree que lo normal es muy banal, prefiriendo las relaciones sexuales con lesbianas, aunque también con hombres extraños y travestis. A falta de diálogos entre los personajes, se utiliza la voz en off para narrar de principio a fin lo que el espectador presencia, haciéndonos partícipes de manera tácita en sus aventuras y desventuras existenciales. Las escenas son acompañadas con música de fondo que a veces son canciones de porno antiguo y en las escenas de delirio se escucha melodías de ultratumba, jodidamente aterradoras. Por otro lado, los personajes así como el director no fueron acreditados en la película. Louise Thompson es la protagonista de tremenda e indescriptible obra.  Imposible olvidar una frase de la voz en off que resume todo lo visto: “Nothing last, only misery and unhappiness” (“Nada dura, solo la miseria y la infelicidad”).

"Gattaca": la pesadilla de ciencia-ficción de Andrew Niccol no ha envejecido

Casi un cuarto de siglo después de su lanzamiento, la fábula política anticipatoria de Andrew Niccol, "Gattaca"  sigue siendo tan fascinante como siempre, gracias a su ADN distópico relevante y un trío de actores perfectos: Uma Thurman, Ethan Hawke y Jude Law.
Una distopía transhumanista, aunque esta palabra aún no estaba de moda cuando se estrenó la película a finales del siglo pasado (1997). Andrew Niccol (que luego continuará con Simone (2002) a Anon (2018) ) de hecho pinta una elegante pesadilla, vagamente inspirada en un gran clásico del género, Un mundo feliz, escrita por el británico Aldous Huxley. Donde el progreso científico - aquí, la posibilidad de "perfeccionar" el ADN de los individuos - configura una sociedad eugenésica y desigual, donde la élite está reservada para aquellos que pueden permitirse este lujo. La prueba la tiene Vincent (Ethan Hawke), un joven inteligente y ambicioso, pero condenado a tareas serviles, porque es "natural", es decir, concebido sin manipulación genética. Para lograr su sueño y convertirse en astronauta, Vincent debe hacer trampa y pedir prestado el ADN de otro, Jerome (Jude Law), un sujeto "mejorado", pero quebrantado por un accidente, que necesita dinero. Cabello, huellas dactilares, lentillas: el disfraz es casi perfecto. 
No se debe confundir con el libro Gataca, de Franck Thilliez, ya que solo tienen en común el tema genético. El título de la película es una secuencia de ADN (Guanina, Adenina, Timina, Timina, Adenina, Citosina, Adenina). La simbología genética es omnipresente, y el principal exponente de esto es la gran escalera espiral del apartamento del protagonista, que si bien se la observa de otra forma es similar a un ADN, o también en el segundo nombre de Jerome, Eugene, que significa "el bien creado" en griego.

"Gloria": una de las mejores películas de John Cassavetes y Gena Rowlands

Una antigua bailarina acepta refunfuñando proteger a un niño antes de encariñarse con él. Estamos en 1980, es la penúltima vez que Gena Rowlands actúa para su marido John Cassavetes, y es sublime.
Gloria (1980) de John Cassavetes (1980), con John Adames y Gena Rowlands
John Cassavetes filma una realidad desnuda y violenta, la de la gran ciudad, sus arterias bloqueadas, sus edificios vertiginosos, sus estaciones anónimas. En este inmenso laberinto urbano, el thriller florece de forma casi natural: el asesinato de una familia por parte de la mafia. Justo antes de recibir un disparo, Jack Dawn confía su pequeño a Gloria, una ex bailarina. Al principio, reacia, se compromete a salvar al niño, un testigo vergonzoso perseguido por los asesinos de la organización criminal.
Una noticia entre miles. Nueva York late al ritmo de guerrillas privadas, cuyo estallido de repente parece casi normal. La historia de amor y domesticación que el cineasta inserta en este frenesí es excepcional. Gloria, un personaje ambiguo, decidido, hasta entonces decididamente egoísta, poco a poco se apega a un extraño de 6 años. Un "mini-macho" que la molesta y la conmueve como un verdadero amante. Entre ellos, poco a poco, recrean en su vuelo una celda original, una extraña forma de hogar. Contra un ejército de ogros terriblemente reales, toda la dureza de Gloria se convierte en un baluarte de dedicación imprudente, de generosidad. Cassavetes entrega aquí un maravilloso discurso sobre el amor, una elección irreversible, fuente de vida y de peligro. Ofrece a Gena Rowlands, su esposa y actriz favorita, uno de sus papeles más bellos, una Gloria muy simple, brusco y sublime. Una obra maestra.

viernes, 7 de mayo de 2021

Hace 100 años: Por la puerta de servicio

El 5 de mayo de 1921 se estrenó la película estadounidense Por la puerta de servicio (Through the Back Door), dirigida por Alfred E. Green, Jack Pickford e interpretada por Mary Pickford, Gertrude Astor, Wilfred Lucas, Helen Raymond, C. Norman Hammond, Elinor Fair, Adolphe Menjou, Peaches Jackson, Doreen Turner, John Harron, George Dromgold. Productora: Mary Pickford Company. Duración: 88 minutos.
Sinopsis argumentalCuando su madre se vuelve a casar, una niña belga se queda en el país a cargo de su cuidadora. Más tarde, ya mayor, asiste a la invasión alemana y decide marchar a Norteamérica para buscar a su madre.
ComentarioLa autora sueca Astrid Lindgren vio la película en 1922 a la edad de 15 años y luego tomó prestadas algunas ideas para sus libros infantiles Pippi Calzaslargas, sobre todo Pippi usando matorrales como patines para limpiar el suelo.

“Napoleón” de Abel Gance: una restauración consagrada

Una versión restaurada del fresco histórico de Abel Gance debería ver la luz a finales de año. Cientos de películas vistas, copias dispersas, un meticuloso trabajo de investigación... “Reinventar” la película fue tan épico como la obra maestra muda estrenada en 1927.
Devorado por Napoleón, el actor Albert Dieudonné confundió su existencia con la del emperador...
Ya que tenemos que comenzar en alguna parte la nebulosa historia de una película de "monstruos" que ha durado casi un siglo, tomemos el día en que Georges Mourier descubre al Napoleón de Abel Gance. En el libro que escribe sobre una restauración que devoró catorce años de su vida, el investigador y director, alistado en 2007 por la Cinémathèque francesa, denominó el capítulo sobre la proyección "Big bang" que le hizo pasar a otra dimensión.
En julio de 1983, el calor era insoportable, y Georges Mourier no supo decir qué lo impulsó a tomar la carretera del Palais des Congrès, en París, para asistir con tres mil personas sobreexcitadas al espectáculo de una película sin palabras. Gance (1889-1981) y su Napoleón eran en ese momento "famosos desconocidos" cuya leyenda continúa. Cuando deja Porte Maillot, está en estado de shock. “No sabía nada de cine mudo”, dice, “y descubrí el poder de esta forma de expresión que Paul Éluard llamó“ lisiado superior ”. » Los increíbles inventos técnicos molestaron al joven estudiante que quiere embarcarse en la realización: “Abren vías de las que el cine actual no ha agotado todos los recursos”, dice, parafraseando al historiador del cine Georges Sadoul.

“La trilogía romántica” de Doris Day et Rock Hudson: un desaire sexy a la América mojigata (II)

(cont.)
Nuevas fronteras
No puedes evitar buscar en estas películas en las que se encarna el sueño americano en todo su esplendor las alusiones a su homosexualidad, oculta durante mucho tiempo, y que sus parejas siempre han afirmado ignorar, lo cual es difícil de creer. Hay algunos y Rock Hudson los acepta con humor, ya que están reservados para los pocos felices. En Confidencias en la almohada, un malentendido la lleva a sugerir varias veces su futuro parto a un ginecólogo que, asombrado, elogia a su secretaria a este innovador que "abre nuevas fronteras a la humanidad"... ve entrar, después de una noche de niño, desnudo con un abrigo de piel, lo que provoca el reflejo de dos observadores, por muy acostumbrados que estén a sus escapadas: "¡Oye, nunca lo hubiéramos creído de él!" » Cazado por Doris Day en No me mandes flores, termina en la cama con su mejor amigo, lo que resulta en una breve escena de "menage", uno deseando dormir con la ventana abierta y el otro temiendo atrapar un resfriado...
De los tres guiones, el mejor es Pijama para dos: la historia de una lucha entre dos publicistas para venderle a una audiencia ya robótica un producto que no existe. Y cuando lo inventa un chiflado, es un caramelo alucinógeno que despierta el entusiasmo del inventor: "Le di a este país lo que buscaba: una buena droga a diez centavos ...
Rock Hudson y Tony Randall en No me mandes flores (1964)
Una realización sin un encanto particular
Queda la puesta en escena. Son tan impersonales que incluso el equipo de Elephant Films no siente la necesidad de citar a ningún director en la portada del cofre que acaban de editar... Probablemente para no molestarse con celebridades a veces caprichosas, los productores de las tres películas (incluido el marido de Doris Day que, además, la arruinará…) olvida a los viejos todavía en actividad (Billy Wilder, George Cukor) y descuida a los jóvenes prometedores (Blake Edwards). Llaman a los buenos realizadores que no les plantean ningún problema: Michael Gordon (Confidencias de medianoche), Delbert Mann (Pijama para dos) y Norman Jewison, el mejor de los tres, que se enreda un poco en No me mandes flores...
Las tres películas siguen siendo divertidas. Apuesto. A menudo divertido. Y a veces insolente. Pero estamos muy lejos del Lubitsch de Una mujer para dos (Design for Living, 1933)  y Ninotchka (1939). O El imposible señor bebé (Bringing Up Baby, 1938) de Howard Hawks.

jueves, 6 de mayo de 2021

Noticias de libro: Gilda

Gilda

El libro del 75 aniversario

David Felipe Arranz, Guillermo Balmori, Esperanza García Claver, Alejandro Melero
Salvador, Enric Ros, LucÍa Tello Díaz
Notorious
Madrid
2021
192 págs. 
Fotografías en color y blanco y negro
Convertido en uno de los iconos más perdurables del siglo XX, la irresistible imagen de Rita Hayworth despojándose de su guante mientras canta Put he Blame on Mame lleva cautivando al público casi un siglo. Pero Gilda es mucho más que un striptease y una bofetada. Dotada de esa magia inexplicable que solo poseen las elegidas, todo parece confabularse para que esta película resulte una experiencia única e imposible de olvidar.
Este libro celebra el 75 aniversario de esta obra maestra a través de la mirada de seis prestigiosos expertos que la analizan desde múltiples perspectivas: los actores, el mito, el erotismo, el vestuario…

Películas de la semana: 7 de mayo

Aquellos que desean mi muerte

Título original: Those Who Wish Me Dead. Dirección: Taylor Sheridan. País: Estados Unidos. Año: 2021. Género: Thriller. Crimen. Interpretación: Angelina Jolie, Jon Bernthal, Nicholas Hoult, Aidan Gillen, Tyler Perry, Jake Weber, Finn Little, Medina Senghore, James Jordan, Tory Kittles, Lora Martinez, Laura Niemi, Alma Sisneros. Guion: Taylor Sheridan, Michael Koryta. Novela: Michael Koryta. Producción: Garrett Basch, Aaron L. Gilbert, Taylor Sheridan, Kevin Turen, Steven Zaillian. Música: Brian Tyler. Fotografía: Ben Richardson. Montaje: Chad Galster. Diseño de producción: Neil Spisak. Dirección artística: Sandra Doyle Carmola, Greg Papalia, Dawn Swiderski. Productora: Bron Studios/Film Rites/Creative Wealth Media Finance. Distribuidora: New Line Cinema/HBO Max. Estreno en España: 7 de mayo de 2021. Sinopsis: Un adolescente testigo de un asesinato es perseguido por dos asesinos gemelos a través de las tierras salvajes de Montana. Aunque cuenta con una experta de la supervivencia para evitar que los secuaces le den caza, un incendio cercano pronto amenaza con robar la vida de todos los implicados. 

El olvido que seremos

Dirección: Fernando Trueba. País: Colombia. Año: 2020. Duración: 136 minutos. Género: Drama. Biográfico. Años 1970. Años 1980. Interpretación: Javier Cámara, Aída Morales, Patricia Tamayo, Juan Pablo Urrego, Sebastián Giraldo, Whit Stillman. Guion: David Trueba. Novela: Héctor Abad Faciolince. Música: Zbigniew Preisner. Fotografía: Sergio Iván Castaño. Productora: Caracol Televisión/Dago García Producciones. Premios y nominaciones: Premios Goya: Mejor Película Iberoamericana; Premios José María Forqué: Nominada a mejor película latinoamericana. Estreno en España: 7 de mayo de 2021. Sinopsis: Narra de manera íntima la vida de un hombre bueno, el médico Héctor Abad Gómez, carismático líder social y hombre de familia, un destacado médico y activista por los derechos humanos en el Medellín polarizado y violento de los años 1970. La historia relata la vida del doctor, padre de familia preocupado tanto por sus hijos como por los niños de clases menos favorecidas. En su casa se respiraba la vitalidad y la creatividad características de una educación fundamentada en la tolerancia y el amor, pero la tragedia asomaba.

Tiburón blanco

Título original: Great White. Dirección: Martin Wilson. País: Estados Unidos. Año: 2021. Género: Terror. Tiburones. Interpretación: Katrina Bowden, Aaron Jakubenko, Tim Kano, Kimie Tsukakoshi, Te Kohe Tuhaka, Tatjana Alexis, Jason Wilder, Patrick Atchison. Guion: Michael Boughen. Producción: Pam Collins, Neal Kingston, Michael Robertson. Música: Tim Count. Fotografía: Tony O'Loughlan. Montaje: Lawrie Silvestrin. Diseño de producción: Adam Head. Dirección artística: Daniella Rigby. Productora: ProdigyMovies/Cornerstone Pictures/Thrills & Spills/Filmology/Truth or Dare. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 7 de mayo de 2021. Sinopsis: Una escapada en hidroavión a la Gran Barrera de Coral australiana se convierte en una pesadilla para un grupo de jóvenes cuando son atacados por un gigantesco tiburón blanco. Varado en alta mar sobre un frágil bote salvavidas, el grupo tendrá que usar todo su ingenio para resistir a la monstruosa amenaza que les acecha bajo el agua.

4 días

Título original: Four Good Days. Dirección: Rodrigo García. País: Estados Unidos. Año: 2020. Duración: 100 minutos. Género: Drama. Basado en hechos reales. Drogas. Familia. Interpretación: Glenn Close, Mila Kunis, Stephen Root, Chad Lindberg, Joshua Leonard, Michael Hyatt, Rebecca Field, Gloria Garayua, Sam Hennings, Mandy June Turpin, Violet Brinson, Senyo Amoaku, Emanuel Loarca, Rebecca Tilney, Nicholas Oteri, Pam Cook, Nina Millin, Carla Gallo. Guion: Rodrigo García, Eli Saslow. Música: Ed Shearmur. Fotografía: Igor Jadue-Lillo. Productora: Productivity Media/Indigenous Media/Oakhurst Entertainment. Estreno en España: 7 de mayo de 2021. Sinopsis: Diez años de consumo de opioides han dejado en ruinas la vida de Molly. Una nueva medicina podría darle alas para comenzar de nuevo si es capaz de mantenerse limpia durante cuatro días, algo que trata de lograr con la ayuda de su madre Deb, una mujer de ideas férreas. El amor que ambas se profesan se verá puesto a prueba como nunca antes en sus vidas.

Quo Vadis, Aida?

Dirección: Jasmila Zbanic. País: Bosnia y Herzegovina. Año: 2020. Duración: 104 minutos. Género: Drama. Bélico. Guerra de los Balcanes. Años 1990. Interpretación: Jasna Djuricic, Izudin Bajrovic, Boris Ler, Dino Bajrovic, Boris Isakovic, Johan Heldenbergh, Raymond Thiry, Emir Hadzihafizbegovic, Joes Brauers, Reinout Bussemaker, Teun Luijkx, Ermin Sijamija, Alban Ukaj, Rijad Gvozden, Juda Goslinga, Ermin Bravo, Sanne den Hartogh, Micha Hulshof, Sol Vinken, Emina Muftic, Job Raaijmakers, Drazen Pavlovic. Guion: Jasmila Zbanic. Música: Antoni Lazarkiewicz. Fotografía: Christine A. Maier. Productora: Coproducción Bosnia y Herzegovina-Austria-Rumanía-Alemania-Polonia; Deblokada/Coop 99/Digital Cube/Extreme Emotions/Indie Prod/N279 Entertainment/Razor Film/Tordenfilm AS. Premios y nominaciones: Premios Oscar: Nominada a mejor película internacional; Premios BAFTA: Nominada a mejor director y mejor película en habla no inglesa; Premios Independent Spirit: Mejor película extranjera. Estreno en España: 7 de mayo de 2021. Sinopsis: Bosnia, julio de 1995. Aida trabaja como traductora para la ONU en la pequeña ciudad de Srebrenica. Cuando el ejército serbio ocupa el pueblo, su familia está entre los miles de personas que buscan refugio en los campos de la ONU. Como participa en las negociaciones, Aida tiene acceso a información importante.

Boda sin fin

Título original: Hallo Again. Dirección: Maggie Peren. País: Alemania. Año: 2020. Duración: 95 minutos. Género: Romance. Comedia. Comedia romántica. Bodas. Interpretación: Edin Hasanovic, Alicia von Rittberg, Samuel Schneider, Tim Oliver Schultz, Emilia Schüle. Guion: Maggie Peren. Fotografía: Marc Achenbach. Productora: Sommerhaus Filmproduktionen/Warner Bros. Film Productions Germany. Estreno en España: 7 de mayo de 2021. Sinopsis: Zazie vive con el mujeriego Patrick y su fiel y dulce amigo Anton en un piso compartido. Los tres son incapaces de tener una relación. Cuando Philipp, el mejor amigo de Zazie desde su infancia, le envía una invitación a su boda, el papel se queda atascado en el buzón durante meses. Cuando Zazie finalmente recibe la invitación, se sorprende al descubrir que la boda de Philipp está planeada... para el día siguiente, y que quiere casarse con la engreída y viciosa Franziska. ¡Pero Franziska es definitivamente la chica equivocada para Philipp! Así que Zazie decide hacer todo lo posible para salvarle antes que cometa el mayor error de su vida.

Isabella

Dirección: Matías Piñeiro. País: Argentina. Año: 2020. Duración: 81 minutos. Género: Drama. Interpretación: María Villar, Agustina Muñoz, Pablo Sigal, Gabi Saidón, Ana Cambre, Guillermo Solovey, Tom Cambre Solovey, Alberto Suárez. Guion: Matías Piñeiro. Música: Santi Grandone, Gabriela Saidon. Fotografía: Fernando Lockett. Productora: Trapecio Cine. Premios y nominaciones: Festival de Mar del Plata: Mejor director e interpretación (María Villar); Festival de Cine de Gijón: Nominada a mejor película; Festival Internacional de Cine de Berlín: Premio Encounters-Mención especial y una nominación; IndieLisboa International Independent Film Festival: Nominada a mejor largometraje. Estreno en España: 7 de mayo de 2021. Sinopsis: Mariel (María Villar) es una actriz de Buenos Aires que intenta obtener a lo largo de dos años de audiciones el papel de Isabella, la heroína de la comedia 'Medida por medida'. En el camino entre la frustración y la idea del éxito, Mariel se encuentra una y otra vez con Luciana (Agustina Muñoz), una antigua compañera de teatro, que actúa como una suerte de sombra brillante, un destino que no puede evitar, que la ilumina y encandila al mismo tiempo.

Más allá de las estrellas. Fotografiando un agujero negro

Dirección: Gonzalo Gurrea Ysasi. País: España. Año: 2020. Duración: 87 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental. Guion: Gonzalo Gurrea Ysasi. Música: Claude Debussy, Frédéric Chopin, Camille Saint-Saëns, Erik Satie. Fotografía: Christian Villalba. Productora: GGY Audiovisuales. Distribuidora: Con Un Pack Distribución Estreno en España: 7 de mayo de 2021. Sinopsis: El 10 de abril de 2019 tuvo lugar uno de los acontecimientos científicos más impactantes del siglo: la obtención de la primera imagen de un agujero negro. Una fotografía que convulsionó al mundo ya que confirmaba la teoría de la relatividad de Einstein. Pero, ¿cómo se llega a un descubrimiento tan relevante? El documental conversa con los físicos más prestigiosos de España, incluyendo varios que intervinieron en la obtención de la imagen, e indaga en sus motivaciones personales con el objetivo de dar respuesta a estas preguntas tan fundamentales.

Frank Capra, un falso optimista

Infundido de idealismo, el cine de Capra es mucho más rico y complejo de lo que parece. Como sus héroes engañosamente ingenuos. Cinco joyas para repasar. 
¡Incluso se ha acuñado un adjetivo laudatorio en torno a su obra: " capraesque "! En la foto, el cineasta en 1938 año del estreno de Vive como quierasYou Can't Take it With You)
Esta es la historia de un forastero. Un ciudadano modesto, un hombre honesto. Sus sueños son simples y sinceros, incluso ingenuos, pero siempre más grandes que él: vivir en armonía con sus hermanos humanos, su familia, todos sus "Vecinos Unidos de América". Casi de mala gana, los inocentes se defenderán a sí mismos contra las instituciones corruptas, las élites manipuladoras y otros depredadores tacaños. Este personaje, una especie de Cristo secular en la tierra de Roosevelt y Truman, tenía la altiva belleza de Gary Cooper en El secreto de vivir (Mr. Deeds Goes to Town, 1936) y Juan Nadie (Meet John Doe, 1941). Asumió los rasgos sensibles de James Stewart, desde Caballero sin espada (MrSmith Goes to Washington, 1939) hasta ¡Qué bello es vivir! (It's a Wonderful Life, 1946). Entre ellos dos, y en cuatro películas, encarnan el mismo arquetipo, el héroe por excelencia del cine de Frank Capra, de esta visión ahora tan famosa que se ha transformado en un adjetivo: "capraesque". ¿Qué es? Una poción embriagadora basada en el optimismo, una fantasía de pureza unida, realzada con determinación y un toque de fantasía. Donde la bondad triunfa sobre el cinismo, y todos los David del mundo se unen para arrancar los puros a sus Goliats adinerados. Conclusión tan invariablemente reconfortante que los detractores del cineasta han inventado otro calificativo, mucho menos halagador: "capracorn", acrónimo que añade su nombre al término cursi: "corny", en inglés. "Capraesque" o "capracorn": dos caras de un mismo cliché, que se adhieren a la obra del hombre que fue el rey de Hollywood desde principios de la década de 1930 hasta la posguerra.

“A pleno sol”, "Crónica negra"" y “El otro señor Klein”: tres veces Alain Delon y sus dobles, para volver a ver, en Netflix (III)

(cont.)
Segunda colaboración del realizador Joseph Losey con el actor Alain Delon. Nominado a la Palma de Oro (Cannes), gana tres César (dirección, película y decorados) y producido por Alain Delon. París, 1942. A pesar de la ocupación de Francia por los nazis, Robert Klein (Alain Delon), un hombre pragmático y desprovisto de ideales, lleva una existencia feliz y despreocupada: tiene un hermoso apartamento, una amante y un negocio floreciente. Los problemas surgen cuando la policía lo busca, sospechando que es judío. Robert acaba averiguando que existe otro señor Klein, de origen judío, con quien podría ser confundido. 
La película suma crimen, drama, misterio y guerra. El relato desarrolla una historia que enfrenta a un personaje pragmático, desprovisto de ideales, que goza de buena posición y muchas relaciones sociales, con otro, de origen judío, que tiene su mismo nombre, su mismo apellido, una edad similar, una apariencia que muchos confunden con la suya y una gran capacidad de confundir y engañar. Se establece un juego parecido al del ratón y el gato, que a medida que avanza descubre una maraña espesa de misterio e intriga crecientes, que alcanza formas y dimensiones casi fantásticas. Dibuja con acierto y eficacia la frialdad del protagonista. Reproduce con vigor la atmósfera de autoritarismo, impunidad, control policial, desconfianza y temor que vive la población. Explica sin disimulos el fenómeno del colaboracionismo francés. Muestra la progresión que experimenta la persecución de los judíos y el comienzo de las deportaciones a los campos de exterminio nazis. Explica los hechos históricos que rodearon las detenciones masivas de judíos y su internamiento temporal en el Velódromo de Invierno durante la noche del 16 al 17 de julio de 1942 (“Rafle du Vel’d’hiv”). Algunos dicen que la obra es una pesadilla filmada.
La película guarda relación con obras de Kafka (Las metamorfosis, El castillo y El proceso), que los guionistas tienen en cuenta a la hora de construir la evolución personal del protagonista. Desarrolla una intriga que algunos califican de hitchcockiana por su intensidad y fuerza. Se sirve del distanciamiento respecto de los personajes, a la manera de Bertold Brecht, para subrayar la frialdad del conjunto. El hieratismo del protagonista refuerza, en mayor o menor medida, con mayor o menor acierto, la frialdad de su personalidad y su gélida indiferencia ante el dolor ajeno.

miércoles, 5 de mayo de 2021

Películas de la semana: 7 de mayo

El señor de los anillos: Las dos torres

Título original: The Lord of the Rings: The Two Towers. Dirección: Peter Jackson. País: Nueva Zelanda. Año: 2002. Duración: 179 minutos. Género: Fantástico. Aventuras. Acción. Fantasía medieval. Espada y brujería. Cine épico. Secuela. Película de culto. Interpretación: Elijah Wood, Viggo Mortensen, Ian McKellen, Sean Astin, Andy Serkis, John Rhys-Davies, Orlando Bloom, Bernard Hill, Miranda Otto, David Wenham, Dominic Monaghan, Billy Boyd, Christopher Lee, Liv Tyler, Karl Urban, Brad Dourif, Hugo Weaving, Cate Blanchett, Craig Parker, John Leigh, Sean Bean, John Noble. GuionPeter Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens, Stephen Sinclair. Novela: J.R.R. Tolkien. MúsicaHoward Shore. FotografíaAndrew Lesnie. ProductoraCoproducción Nueva Zelanda-Estados Unidos; Wingnut Films. Distribuidora: New Line Cinema. Premios y nominaciones2 Oscar: mejores efectos sonoros y mejores efectos visuales. 6 nominaciones; Globos de Oro: 2 nominaciones: Mejor director y película - drama; 2 Premios BAFTA: Mejor diseño de vestuario y efectos visuales. 9 nominaciones; American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año; Critics' Choice Awards: Nominada a mejor película y compositor (Shore);  Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor reparto (Largometraje): Asociación de Críticos de Chicago: 4 nominaciones, incluida mejor película y director. Reestreno en cines España (remasterizada en 4K): 7 de mayo 2de 021. SinopsisTras la disolución de la Compañía del Anillo, Frodo y su fiel amigo Sam se dirigen hacia Mordor para destruir el Anillo Único y acabar con el poder de Sauron, pero les sigue un siniestro personaje llamado Gollum. Mientras, y tras la dura batalla contra los orcos donde cayó Boromir, el hombre Aragorn, el elfo Legolas y el enano Gimli intentan rescatar a los medianos Merry y Pipin, secuestrados por los orcos de Mordor. Por su parte, Saurón y el traidor Sarumán continúan con sus planes en Mordor, a la espera de la guerra contra las razas libres de la Tierra Media.

Masacre: Ven y mira

Título original: Idi i smotri. Dirección: Elem Klimov. País: Unión Soviética. Año: 1985. Duración: 136 minutos. Género: Bélico. Drama. II Guerra Mundial. Nazismo. Holocausto. Drama psicológico. Basado en hechos reales. Interpretación: Alexei Kravchenko, Olga Mironova, Liubomiras Laucevicius, Vladas Bagdonas, Victor Lorents. Guion: Elem Klimov, Ales Adamovich. Música: Oleg Yanchenko. Fotografía: Aleksei Rodionov. Productora: Mosfilm/Belarusfilm. Premios y nominacionesFestival Internacional de Moscú: Premio Fipresci, Premio de Oro. Reestreno en España (copia restaurada): 7 de mayo de 2021. Sinopsis: Película de encargo para celebrar el 40 aniversario de la victoria aliada en la Segunda Guerra Mundial. Relata, a través de los ojos de un niño progresivamente endurecido por el sufrimiento, la matanza sistemática de los habitantes de las aldeas bielorrusas, más de 600, durante la guerra. Verdadera lección de cine sobre el horror y la crueldad padecida en carne viva a lo largo de la guerra más brutal en la historia humana, comprueba por qué las obras maestras nunca envejecen.

“La trilogía romántica” de Doris Day et Rock Hudson: un desaire sexy a la América mojigata (I)

Confidencias de medianoche”, “Un pijama para dos” y “No me mandes flores” : tres comedias llenas de audacia en las que la pareja desborda sensualidad interpreta con malicia y audacia la mojigatería del Hollywood de la década de 1950. Podemos redescubrirlas en DVD. 
¿Por qué las tres películas con Doris Day y Rock Hudson (la primera, sobre todo, Confidencias de medianoche (Pillow Talk, 1959)  triunfaron en los Estados Unidos de los años cincuenta? Muy pudoroso, este país, en ese momento: el director Otto Preminger casi fue llevado a los tribunales por haber usado, en Autopsia de un asesinato (1959), las palabras "bragas" y "esperma"... Ahora, Confidencias de medianoche trata de sexo. Palabras cubiertas, por supuesto, con alusiones ocultas y diálogos bidireccionales. Visualmente, el "código Hays", que no será abolido hasta quince años después, todavía tiene una censura muy estricta en el cine. Pero, gracias a la "pantalla partida" (la pantalla se divide en dos, o incluso más...). En Confidencias de medianoche, Michael Gordon se atreve a filmar a un hombre y una mujer, sin duda en su respectiva bañera, pero cuyas piernas parecen, un largo momento, se unen. Loco atrevimiento...
Doris Day y Rock Hudson en Confidencias de medianoche (1959) de Michael Gordon
Moralidad y libertinaje
"Conocí a Doris Day antes de que fuera virgen", había dicho Groucho Marx (a menos que fuera el comediante Oscar Levant). Es decir, la reputación que tiene en Hollywood, donde solo la hacen interpretar a la ingenua mojigata. Se trata de hacerla menos cursi, se convierte en decoradora de interiores en Confidencias a medianoche y publicista en Un pijama para dos (Lover Come Back, 1961). Para erotizarla al máximo también. De hecho, si exceptuamos los abominables sombreros que rivalizan con los de la reina de Inglaterra en fealdad, ella está muy sexy en las tres películas, especialmente con un vestido blanco, hábilmente escotado en la espalda... Sexy, pero honesta, ya sea sentimental y profesionalmente. Esto es lo que le opone, en Un pijama para dos, a Rock Hudson, publicista como ella, pero decidido, para ganar jugosos contratos, ahogar a sus futuros clientes en el alcohol y el estupor. De ahí, entre ellos, este tenso intercambio telefónico:
ELLA (molesta): "¡No empleo el sexo con fines profesionales!"
ÉL (burlonamente): "¿Cuándo lo empleas? "
ELLA (decidida): “¡Nunca! "
ÉL (burlonamente): "Mi más sentido pésame a su marido..."
ELLE (furiosa): "No estoy casada..."
Él: (bozal): "Está todo explicado..."
Doris Day en Pijama para dos (1961)
Si, en las tres películas, Doris Day simboliza a Estados Unidos como todavía se ve a sí misma, hermosa, emprendedora, saludable y realizada, se necesita todo el encanto de Rock Hudson para hacer agradables a sus odiosos personajes: un adicto al sexo en Confidencias a medianoche, un despreciable empresario en Pijama para dos, un hipocondríaco insufrible en No me mandes flores (Send Me No Flowers, 1964). Lo consigue muy bien: alto (1,95 m!), moreno, atlético, varonil...
Rock Hudson y Doris Day dans No me mandes flores, de Norman Jewison (1964).
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Joseph Losey, un maestro cineasta en un juego de engaños (II)

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Silencios y tartamudeos sin decir
Es este novelista, británico y convencional, quien rápidamente se convierte en el objetivo del cineasta. Lo tiene todo mal, de hecho: es presuntuoso, hasta el punto de que un simple cumplido, hipócrita, basta para calmar un repentino nerviosismo. Condescendiente con esta esposa que se fue a Alemania "para encontrarse a sí misma", como él dice, no sin ironía ... Y cuando el rival que él creía imaginario aparece en Inglaterra, considera inteligente contratarla como secretaria - ¡para humillarlo! -, que se vuelve en su contra. De hecho, se parece a esos héroes de Molière que con paciencia, inconscientemente, construyen su propia ruina.
Losey siente mucha más simpatía por su heroína (Glenda Jackson , porque se embarca en una aventura, se desvía del sistema y lo desafía, a riesgo, como prueba el último plan, de pagar caro por ello ... Y por el amante (Helmut Berger): un gigoló, claro, y un narcotraficante execrable (¡esconde la mercadería en una cuneta, sin pensar en el tiempo!). Pero un cínico, sobre todo, un especulador, un anarquista mundano que, en lugar de matarlo, se vende al adversario para derrotarlo. Subsistir siendo bien pagado por aquellos a quienes se desprecia, y que te lo devuelven, ya es una sedición. ¡Y qué secretos placeres proporciona!
A pesar de un último cuarto de hora decepcionante (ya que, curiosamente, allí triunfa el realismo), la película brilla con sus no dichos, sus silencios, sus balbuceos, sus miradas. En fin, toda una cosa indescriptible que el director toca como tantos enigmas sin resolver.
Elizabeth Taylor, vulgar y noble a la vez
Lo que hace aún mejor en Ceremonia secreta (1968). Otro fracaso empresarial y otro trío, mucho más angustioso: una virgen loca (Mia Farrow), una prostituta envejecida (Elizabeth Taylor) y un depredador sexual (Robert Mitchum). Una rechaza la muerte de su madre, la otra de su hija y el tercero de su virilidad. De ahí muchos engaños y mentiras. Los tres mienten, se mienten el uno al otro, aceptan pasar por lo que no son, hacer el papel que el otro quiere, incluso creer en él, a veces, sin que sepamos realmente cuando las víctimas se convierten en monstruos. Y viceversa.
En un escenario suntuoso y mortífero (parece un sarcófago gigante), con una puesta en escena que parece envolver a los personajes - ¡y a los espectadores! - para reprimirlos mejor, fascina Elizabeth Taylor, vulgar y noble al mismo tiempo. Una vez causó una muerte involuntaria, le gustaría expiar salvando una vida. Pero no: a su alrededor, morimos. Ella sobrevive. Es su dolor y su castigo. Losey la abandona acurrucada en su cama, rodeada de sombras, murmurando una extraña fábula: “Dos ratones caen en una jarra de leche. Uno pide ayuda y se ahoga. El otro está agitado toda la noche y, por la mañana, se encuentra con un trozo de mantequilla... "

“A pleno sol”, "Crónica negra"" y “El otro Señor Klein”: tres veces Alain Delon y sus dobles, para volver a ver, en Netflix (II)

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Crónica negra (Un flic, 1972) es la última palabra de J.P. Melville, antes de fallecer, sobre el género negro y sus arquetipos, y supone su absoluta voluntad de abstracción porque, ante todo, representa la simplificación a su esencia de los tradicionales procedimientos estilísticos y retóricos. En esta película crepuscular a Melville ya ni siquiera le interesa la intriga, que soluciona mediante elipsis y sobreentendidos, sino, únicamente, la peripecia y la ambigüedad en estado puro.
Décimotercer largometraje y último de Jean-Pierre Melville. La acción dramática tiene lugar en Paris y en Saint-Jean-de-Mont entre el 23/12/1971 y el 10/2/1972. La banda de Simón (Crenna), amigo del comisario Edouard Coleman (Delon), atraca una sucursal bancaria de una pequeña localidad turística de la costa atlántica. Posteriormente interceptan y sustraen una partida de droga (cocaína) en poder de una banda rival. Uno de los malhechores, Marc Albouis (Pousse), resulta herido de bala. Los otros dos asaltantes son Paul Weber (Cucciola) y Louis Costa (Conrad). Simón regenta, con la colaboración de Cathy (Deneuve), la sala de fiestas de noche “Simon’s”, de Paris. Es duro, codicioso, ambicioso y desconsiderado. El comisario Coleman es tan duro y frío como los malhechores.
Catherine Deneuve y Alain Delon en Crónica negra (1972)
Al realizador, le interesa, sobre todo, la exploración de la ambigüedad moral de los protagonistas y las equivalencias entre la policía y los atracadores. La lucha de la policía contra los criminales no se identifica con el enfrentamiento secular entre el bien y el mal. Los criminales son fríos, carecen de sentimientos, maltratan a quienes se cruzan en su camino, son sanguinarios y crueles. La policía, personificada en la figura del comisario Coleman, actúa de manera similar. Otros referentes temáticos de la película son la exploración de las debilidades humanas, la preocupación por la muerte, la amistad masculina, la lucha entre el sentido del deber y los sentimientos de amistad, la tensión entre realidad y apariencias, la ambigüedad sexual (travestido enamorado del comisario). Los personajes dudan, sueñan, actúan y albergan miedos, frustraciones y esperanzas. Se comportan como seres humanos inmersos en una realidad cotidiana, ordinaria y corriente. Los diálogos son breves, escasos y casi lacónicos. El realizador muestra la atracción que siente por la tragedia. Destaca la secuencia del asalto a la oficina bancaria y el cruel interrogatorio (sólo insinuado) de Louis Costa. La película destila la gélida frialdad que anida en el espíritu de los criminales y de la policía.
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martes, 4 de mayo de 2021

Joseph Losey, un maestro cineasta en un juego de engaños (I)

Una joven novia necesitada de amor se va a Alemania a recargar pilas y se cruza en la calle de un gigoló, un narcotraficante… En Una inglesa romántica (The Romantic Englishwoman, 1975), reeditada hoy, el director estadounidense transforma un guión banal en una sutil película. La oportunidad de evocar también Ceremonia secreta (Secret Ceremony, 1968), otro trío donde el engaño y la mentira se llevan hasta las últimas consecuencias. 
Helmut Berger y Glenda Jackson en  Una inglesa romántica  (1975) de Joseph Losey 
Los grandes cineastas son geniales solo porque saben cómo moverse con  en guiones convencionales que a veces se ven obligados a aceptar: ¡tienes que vivir! - su universo, su personalidad, su perspectiva. Este es el punto de Una inglesa romántica que Joseph Losey rodó en 1975, después del triunfo en Cannes de El mensajero (The Go-Between, 1971) y los duros fracasos de El asesinato de Trotsky (The Assassination of Trotsky, 1972), con Alain Delon y Richard Burton y Chantaje a una esposa (A Doll's House, 1973), con Jane Fonda.
La trama de Una inglesa romántica es banal: la escapada a Baden-Baden de un burgués inglés, mal casado, que cruza la calle de un gigoló proveedor de drogas ... Gracias a la ayuda del dramaturgo Tom Stoppard (unos años después de que Harold Pinter hiciera el mismo trabajo para Accidente (1967)), Losey convierte esta novela de la estación en una farsa sofisticada. Con espejos por todas partes, como para sugerir que sus personajes solo viven de sus reflejos. Y como leitmotiv, una secuencia erótica en un ascensor: convencido de su desgracia conyugal, uno de los tres héroes (Michael Caine) lo imagina, lo insiste, lo repite. Y, a fuerza de soñarlo, le da vida...
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“A pleno sol”, "Crónica negra"" y “El otro Señor Klein”: tres veces Alain Delon y sus dobles, para volver a ver, en Netflix (I)

Si un tema sigue cuestionando en la filmografía de Alain Delon, es el de la dualidad. Netflix ofrece tres películas que resuenan con este tema, dirigidas por tres de los cineastas de su panteón personal. Con esta constante: cuanto más "lejos" está Delon, más carismático es.
A pleno sol (1960), de René Clément (1960), la película que descubrió a Alain Delon. 
Conocemos la historia de A pleno sol (Plein soleil, 1960), la película que convirtió al joven Alain en una estrella. Una historia de robo de identidad como se describe en esta adaptación de la novela El talento de Mr. Ripley (1955) de Patricia Highsmith, unida a otra historia de identidad cambiante durante el casting de la película. Originalmente, René Clément imaginó a Jacques Charrier para interpretar a Tom Ripley, y Delon interpretaría a Philippe Greenleaf, el joven heredero. Convencido de que es Ripley, ese personaje dispuesto a robarle la vida a otro, llega a la casa de René Clément para defender su caso. Los hermanos Hakim, productores de la película, presentes esa noche, se enfurecen: ¿quién se cree que es?
Con Delon, la pregunta es más profunda de lo que parece. Hará falta la intervención de Belle Clément, la esposa del director, para convencer a todos de que es una buena idea (Jacques Charrier rechazará el otro papel que será para Maurice Ronet). Así que fue una mujer que sintió hasta qué punto Delon era, y seguirá siendo, en un Ripley de cine (¿una repetición? ¿Una copia fascinante de sí mismo, una y otra vez, de película en película?): Un hombre cuya belleza ideal, su rostro tan suave como el agua del lago donde se inclina Narciso, esconde un vacío por llenar. Un Ripley listo para mezclarse y desaparecer en cualquier cosa menos en él mismo. ¿Por qué? Delon encarna la pregunta, no la respuesta, y la película, más allá de su maravilloso dominio formal de un thriller pervertido, se basa, una y otra vez, en este magnetismo del vacío.
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Hace 100 años: Danton

El 4 de mayo de 1921 se estrenó la película alemana Danton, dirigida por Dimitri Buchowetzki e interpretada por Emil Jannings, Werner Krauss, Ossip Runitsch, Ferdinand von Alten, Eduard von Winterstein, Charlotte Ander, Maly Delschaft, Hilde Woerner, Hugo Döblin, Friedrich Kühne, Robert Scholz. Productora: Wörner-Filmgesellschaft. Duración: 60 minutos. 
Sinopsis argumentalEn el apogeo del Reinado del Terror, Maximilien Robespierre orquesta el juicio y la ejecución de varios de sus principales compañeros revolucionarios franceses, incluido Georges DantonLa verdadera historia del conflicto entre Danton y Robespierre, los líderes de la Revolución Francesa. 
Comentario: Se baso en la obra La muerte de Danton de Georg Büchner. 

lunes, 3 de mayo de 2021

Cumplió 25 años: Barb Wire

El 3 de mayo de 1996 se estrenó la película estadounidense Barb Wire, dirigida por David Hogan e interpretada por Pamela Anderson, Temuera Morrison, Victoria Rowell, Jack Noseworthy, Xander Berkeley, Udo Kier, Steve Railsback, Clint Howard, Jennifer Banko-Stewart, Tony Bill, Tom Lister, Jr., Marshall Manesh, Salvator Xuereb, Nicholas Worth, Candace Kita, Diana Lee Inosanto. Productora: Polygram Filmed Entertainment/Propaganda Films/Dark Horse Entertainment. Duración: 98 minutos.
Sinopsis argumentalSiglo XXI. EEUU. La segunda guerra civil. Todo el país se encuentra en estado de emergencia. Lo que una vez fue el Congreso ahora se rige por métodos fascistas. Sólo queda una ciudad libre, Steel Harbor, cuartel general de la resistencia. Esta es la ciudad natal de Barb Wire, dueña del night club Hammerhead. Como los tiempos no son buenos, Barb tiene un segundo trabajo. Es una caza-recompensas, y probablemente no la quieras detrás de ti. El credo de Barb es no ponerse de parte de nadie, la única forma de sobrevivir en estos tiempos. Cuando su antiguo amante Axel Hood aparece pidiéndole un favor, Barb de pronto se convierte en pieza clave en un juego de intrigas políticas. Ahora va a tener que tomar partido.
Nominaciones y premiosPremio Razzie: Peor nueva estrella (Anderson). 6 nominaciones, incluyendo peor película. 
ComentarioBarb Wire es una adaptación del cómic Dark Horse Comics y una "rescritura" del clásico CasablancaLa película de Hogan responde a un intento de sacarle partido a la fama de Pamela Anderson en la época de su máximo esplendor, así como a su físico. 

domingo, 2 de mayo de 2021

En Netflix, "En Las apariencias de las cosas”: una película atormentada por el machismo

De esta clásica película de terror poblada por fantasmas inofensivos, recordaremos especialmente la acusación contra hombres dispuestos a esclavizar y destruir todo en nombre de una hipotética superioridad.
George Clare enseña historia del arte, su esposa Catherine restaura frescos religiosos; ella es piadosa, él es ateo, son hermosos. ¿La pareja americana perfecta? Puede ser. Por el momento, George obtiene una posición bastante prestigiosa en el campo de Hudson. Catalina lo sigue un poco constreñida, con su hija. Es que el hombre debe realizarse a sí mismo, ya que sin duda requeriría un plan de desarrollo personal (muy personal). Aún así, la choza en la que se instalan está atravesada por sacudidas bastante inquietantes. Entonces, mientras el brillante esposo desfila por el pueblo, Catherine investiga estos fenómenos que parecen ser testigos de un pasado oscuro, mientras su pareja se desintegra...
Shari Springer Berman y Robert Pulcini, los directores de Las apariencias delas cosas ya anidaron en American Splendor (2003) la ficción en el documental y el documental en el cómic, lo verdadero en lo falso, lo banal en lo extraordinario. Tanto es así que ya sentimos en esta biografía del famoso Harvey Pekar todo lo que tenía el arte para designar el mundo, y el mundo del material para el cine. No debería sorprendernos entonces ver que lo que inicialmente parece una película banal de una casa encantada es tanto una película encantada por la pintura: desde el primer plano, literalmente nos sumergimos en un lienzo. Luego hay una mística que el maniqueísmo puede posponer. Debe decirse que el libro Las apariencias de las cosas sobre la que la adaptación descansa, se basa mucho en el pensamiento del teósofo Emanuel, considerado por algunos como el digno sucesor escandinavo de Aristóteles, para otros como un iluminado furioso (Dios le dirigió sus proyectos personalmente, al parecer).

Hace 100 años: The Blazing Trail

En mayo de 1921 se estrenó la película The Blazing Trail, dirigida por Robert Thornby e interpretada por Frank Mayo, Frank Holland, Verne Winter, Bert Sprotte, Madge Hunt, Mary Philbin, Lillian Rich, Ray Ripley, Joy Winthrop, Helen Gilmore. Productora: Universal Film Manufacturing Company. Duración: 50 minutos.
Sinopsis argumentalEl joven médico Bradley Yates ha estado tratando de encontrar un suero para contrarrestar el envenenamiento de la sangre, sin resultados. Agotado, descansa en las montañas Blue Ridge y se queda en una pequeña comunidad de montaña. Cuando una joven maestra llega a la ciudad, se desarrolla un romance entre ella y Bradley, pero los chismes locales han difundido rumores de que ha seducido a Talithy, una chica local, y la abandonará por la maestra. Sobrevienen complicaciones.
Comentario: Basada en la novela The Truant, escrita por Izola Forrester y Mann Page. Película que supuso el debut cinematográfico de Mary Philbin.

"A sangre fría" de Richard Brooks: Para maníaco o maníaco y medio

Al filmar en la escena del crimen y contratar a ciertos jurados (¡y al verdugo!) Para que desempeñaran su propio papel, el cineasta estadounidense se embarcó en 1967, un año después de su publicación, en una reconstrucción más que meticulosa de la fascinante historia de Truman Capote.
Entonces casi desconocidos, Robert Blake y Scott Wilson interpretan a los criminales de A sangre fría
Truman Capote había sido perturbado por su visita al set de rodaje A sangre fría (In Cold Blood, 1967), apenas un año después de la publicación de su "historia real de los asesinatos múltiples y sus secuelas". Pero esto no fue nada comparado con la conmoción que sintió el escritor cuando, en una pequeña sala de proyecciones de Hollywood, descubrió antes que nadie la película de Richard Brooks extraída de su exitosa "novela basada en un hecho real": "Y fue como nadar en aguas familiares, y dejarse llevar por el asombro de una ola musculosa de siniestra altura, y quedar atrapado en una corriente tumultuosa, que me hundió hasta el fondo del mar y que me abandonó, atiborrado de golpes en la sangre, aturdido, en una playa desierta: no, ay, víctima de alguna ilusión - "no es" fue solo un sueño !del cine!" - pero víctima de la realidad. "
Para Capote, la razón de ser de De sang-froid era ser precisa en los hechos. Fiel al espíritu, si no a la letra del libro, Richard Brooks diseña su adaptación, ahora disponible en DVD en una magnífica edición de coleccionista, con una preocupación por la autenticidad maníaca. Se mudó a la casa de Herb Clutter para filmar la muerte del granjero adinerado, su esposa Bonnie y sus dos hijos Sally y Kenyon en la escena de su terrible experiencia, luego organiza el juicio de Perry Smith y Dick Hickock en el juzgado de Garden City donde los dos los asesinos fueron condenados.

sábado, 1 de mayo de 2021

Efemérides de cine: Billy, el defensor

El 1 de mayo de 1971 se estrenó la película estadounidense Billy, el defensor (Billy Jack), dirigida por Tom Laughlin e interpretada por Tom Laughlin, Delores Taylor, Clark Howat, Victor Izay, Julie Webb, Debbie Schock, Teresa Kelly, Lynn Baker. Productora: National Student Film Corporation. Duración: 114 minutos. 
Sinopsis argumentalTom Laughlin interpreta a Billy Jack, un medio indio, medio blanco ex boina verde el cual ve más próximo su lado indio que su lado blanco. Vive en un mundo de blancos del que no puede escapar y reniega de la violencia. Billy tendrá que posicionarse entre unos estudiantes amantes de la paz y el amor que se encuentran en el desierto y los chicos malos clásicos que viven cerca de la ciudad.
Nominaciones y premios: Globos de Oro: Nominada nueva promesa femenina (Delores Taylor). 
ComentarioLa película trata temas candentes de la sociedad norteamericana de los años 1960 como haz el amor y no la guerra, la separación racial... Una película de una saga de cuatro películas centradas en el protagonista Billy Jack, siendo ésta la segunda. Nacidos para perder (The Born Losers, 1967), Billy el defensor, The Trial of Billy Jack  (1974) y Billy Jack goes to Whasinghton (1977). Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Chloe Zhao triunfa en los Oscar y China prefiere vendarse los ojos

Cuando la cineasta china recibió  los Oscar a mejor Director y Mejor Película, Beijing ha querido ignorar el evento y organizar su censura en los medios de comunicación nacionales. Pero, ¿qué hizo Chloe Zhao para merecer esto?
Por tanto, una cineasta china se ha convertido, en la noche del domingo 25 al lunes 26 de abril de 2021, en la segunda mujer de la historia en recibir el Oscar a la mejor directora. Podemos imaginar el orgullo del presidente Xi Jinping ante el triunfo de Chloé Zhao cuyo tercer largometraje, Nomadland, con Frances McDormand, ya ganadora del León de Oro en la Mostra de Venecia, también recibió el Oscar a la mejor película. Salvo que para nada... Ningún comunicado oficial aclamó el triunfo de la directora. Peor aún, la ceremonia de los Oscar, de la que Chloe Zhao era la gran favorita, no fue retransmitida por la televisión estatal, los principales diarios oficiales ni siquiera publicaron la información y los comentarios en las redes sociales que felicitaban a la joven fueron borrados de inmediato por la censura.
Frances McDormand y Chloé Zhao en el rodaje de Nomadland
¿Qué crimen cometió Chloe Zhao para merecer ese trato? En una entrevista con una revista de cine estadounidense hace ocho años, que pasó desapercibida en su momento pero desenterrada por la prensa oficial a principios de 2021, la cineasta afincada en Estados Unidos relató su adolescencia en China con estas palabras: "Crecí en un ambiente lleno de mentiras. Muchas de las cosas que se dijeron resultaron ser falsas y eso moldeó mi carácter rebelde." No es suficiente para poner en peligro la omnipotencia del gobierno de Beijing, a priori, pero esta sincera admisión fue el detonante de un virulento "ataque a Zhao" en la web china por parte de los internautas nacionalistas, con el apoyo del Partido Comunista, la joven se ve tratada, entre otras lindeces, de un "traidora" a la patria.
Ante este estallido de violencia, la directora de Nomadland tuvo la respuesta más inteligente posible. Citando un poema de la época Song (960-1279) al recibir el Oscar a la mejor película, rindió homenaje a la antigua cultura china tan elogiada por las autoridades de su país natal. Y también demostró el carácter totalmente contraproducente, por no decir estúpido, de la campaña de calumnias en su contra.