viernes, 31 de marzo de 2023

Películas de la semana: 31 de marzo

Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones

Título original: Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves. Dirección: John Francis Daley, Jonathan M. Goldstein. País: Estados Unidos. Año: 2023. Duración: 134 minutos. Género: Fantástico. Aventuras.  Dragones. Interpretación: Chris Pine, Michelle Rodriguez, Regé-Jean Page, Justice Smith, Hugh Grant, Sophia Lillis, Chloe Coleman, Jason Wong, Daisy Head, Sophia Eleni. Voz: David Sobolov. Guion: Dave Arneson, John Francis Daley, Jonathan M. Goldstein, E. Gary Gygax, Derek Kolstad. Historia: Chris McKay. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Barry Peterson. Productora: Paramount Pictures, Allspark Pictures, Entertainment One, Hasbro, Hasbro Studios. Distribuidora: Paramount Pictures. Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Sinopsis: Adaptación cinematográfica del primer juego de rol de la historia, publicado por primera vez en 1974. Un ladrón encantador y una banda de aventureros increíbles emprenden un atraco épico para recuperar una reliquia perdida, pero las cosas salen rematadamente mal cuando se topan con las personas equivocadas. Tras una primera adaptación en el año 2000 y dos posteriores secuelas lanzadas al mercado televisivo, esta nueva película promete ampliar los horizontes del universo creado gracias a este juego.

Oso vicioso

Título original: Cocaine Bear. Dirección: Elizabeth Banks. País: Estados Unidos. Año: 2023. Duración: 95 minutos. Género: Comedia. Thriller. Comedia negra. Basado en hechos reales. Años 1980. Osos. Drogas. Interpretación: Keri Russell, Christian Convery, Ray Liotta, Margo Martindale, Alden Ehrenreich, Brooklynn Prince, Kristofer Hivju, O'Shea Jackson Jr., Jesse Tyler Ferguson, Kahyun Kim, Ayoola Smart, Isiah Whitlock Jr., Aaron Holliday, Hannah Hoekstra, Leo Hanna, Matthew Rhys, Shane Connellan. Guion: Jimmy Warden. Música; Mark Mothersbaugh. Fotografía: John Guleserian. Productora: Brownstone Productions, Lord Miller, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures. Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Sinopsis: Un variopinto grupo formado por policías, delincuentes, turistas y adolescentes converge en un bosque de Georgia donde un oso negro de 500 libras se vuelve loco después de ingerir cocaína sin querer, que cayó del avión de un narcotraficante. Está inspirada en la historia real del accidente de avión que en 1985 hizo que un traficante de drogas perdiese la cocaína que transportaba y que acabaría siendo ingerida por un oso negro. Narrada en tono de comedia.

El imperio de la luz

Título original: Empire of LightDirección: Sam Mendes. País: Reino Unido. Año: 2022. Duración: 119 minutos. Género: Romance. Drama. Años 1980. Interpretación: Olivia Colman, Micheal Ward, Colin Firth, Toby Jones, Tanya Moodie, Crystal Clarke, Tom Brooke, Hannah Onslow, Adrian McLoughlin, Ashleigh Reynolds, Eliza Glock, Sara Stewart, Mark Field, Monica Dolan, Ron Cook, Justin Edwards, William Chubb, Spike Leighton, Jacob Avery, Roman Hayeck-Green. Guion: Sam Mendes. Música: Trent Reznor, Atticus Ross. Fotografía: Roger Deakins. Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Neal Street Productions, Searchlight Pictures. Distribuidora: Disney. Premios y nominaciones: Premios Oscar: Nominada a mejor fotografía; Premios BAFTA: 3 nominaciones, incluida mejor film británico; Globos de Oro: Nominada a mejor actriz drama (Colman); Critics Choice Awards: Nominada a mejor fotografía. Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Sinopsis: El imperio de la luz es un drama sobre el poder de la conexión humana en tiempos difíciles. La película, ambientada en un antiguo cine olvidado de un pueblo costero de Inglaterra a principios de los años 80, cuenta la historia de Hilary (Olivia Colman), una directora de cine que pasa por una etapa en la que sufre problemas relacionados con la salud mental, y Stephen (Micheal Ward), un nuevo empleado que quiere escapar de este ambiente de provincianos donde tiene que luchar a diario con la adversidad. Tanto Hilary como Stephen encuentran un sentido de pertenencia a través de su extraña, pero bonita y tierna, relación y consiguen experimentar el poder curativo de la música, el cine y el sentido de comunidad.

Loli Tormenta 

Dirección. Agustí Villaronga. País: España. Año: 2023. Duración: 94 minutos. Género: Comedia. Drama. Familia. Alzheimer. Interpretación: Susi Sánchez, Joel Gálvez, Celso Bugallo, Mor Ngom, Meteora Fontana, Fernando Esteso, Maria Anglada Sellarès. Guion: Mario Torrecillas, Agustí Villaronga. Fotografía: Josep M. Civit. Productora: Irusoin, Vilaüt Films. DistribuidoraCaramel Films Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Sinopsis:Edgar y Robert son dos hermanos que tienen una abuela muy especial, Lola. Lola, o Loli como la llaman los más allegados, es un caos de mujer, todo un torrente de energía y actitud. Sin embargo, la felicidad de Loli se vio mermada hace unos pocos años cuando su hija, madre de Edgar y Robert, falleció. La muerte de su hija dejó a Loli a cargo de los dos pequeños, que se instalan en una casa, junto a su abuela, a las afueras de Barcelona. Aunque pueda parecerlo Loli no es de hierro. La abuela padece Alzheimer en una fase muy avanzada. Tanto ella como los niños temen que en cualquier momento asuntos sociales decidan que no está capacitada para cuidar a los niños, provocando la separación definitiva. Para evitar este mal trago Edgar, Robert y, como no, su abuela hará lo inimaginable por mantener la familia unida, incluso presentarse a una competición de atletismo con obstáculos ¿conseguirán esquivarlos todos?

Tin & Tina 

Dirección: Rubin Stein. País: España. Año: 2023. Duración: 119 minutos. Género: Thriller. Intriga. Terror. Adopción. Religión. Interpretación: Milena Smit, Jaime Lorente, Carlos González Morollón, Anastasia Achikhmina, Teresa Rabal, Ruth Gabriel, Ana Blanco de Córdova, Luis Pérezagua, Enara Prieto. Guion: Rubin Stein. Música: Jocelyn Pook. Fotografía: Alejandro Espadero.  Productora: Coproducción España-Estados Unidos-Rumanía; La Claqueta PC, Filmgate Miami, Andarams Films. DistribuidoraFilmax. Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Sinopsis: Después de sufrir un trágico aborto en el que pierde a los bebés que estaba esperando, Lola pierde también su fe en Dios. Con la intención de recuperarla, acude junto a su marido Adolfo a un convento de monjas, donde conocen a Tin y a Tina, dos angelicales hermanos gemelos de siete años hacia los que siente una extraña atracción. A pesar de que su marido no siente lo mismo, ambos deciden adoptarlos. Los hermanos han tenido una educación ultracatólica que les lleva a interpretar literalmente los pasajes de la Biblia, sin lograr distinguir lo que está bien de lo que está mal. Poco a poco, Lola empieza a sospechar y a obsesionarse con los macabros juegos religiosos que idean los niños. Rubin Stein, cineasta detrás de cortometrajes como Bailaora o Handsome Devil está detrás de las cámaras y del guion de este debut de largometraje, que toma como base su cortometraje del mismo nombre, el cual fue nominado en los premios Méliès de la critica francesa a mejor cortometraje europeo de fantasía.

El castigo 

Dirección: Matías Bize. País: Chile. Año: 2022. Duración: 86 minutos. Género: Drama. Secuestros. Desapariciones. Maternidad. Interpretación: Antonia Zegers, Néstor Cantillana, Catalina Saavedra, Yair Juri, Santiago Urbina, Osqui Guzmán, Julieta Zylberberg, Sebastián Molinaro. GuionCoral Cruz. MúsicaGustavo Pomenarec. FotografíaGabriel Díaz. ProductoraCoproducción Chile-Argentina; Ceneca Producciones, Leyenda Films. Distribuidora: Festival Films. Premios y nominaciones: Festival de Málaga: Mejor dirección; Premios Platino: Nominada a mejor actriz (Antonia Zegers). Estreno en España: 31 de marzo de 2023. SinopsisLucas, el hijo de Ana y Mateo, desaparece después de que lo hayan dejado solo unos minutos como castigo por portarse mal. Cuando vuelven a buscarlo, Lucas no está por ninguna parte. Esta búsqueda desesperada de los padres se desarrolla en tiempo real y tiene como escenario un bosque y una carretera. En 80 minutos, la pareja tendrá que enfrentarse a muchos sentimientos, entre ellos la culpa y el miedo, así como a la fragilidad de su relación y a la más dura de las revelaciones: una parte de Ana espera no encontrar nunca a su hijo porque no ha vuelto a ser feliz desde que nació. El castigo explora a través de un largo plano secuencia la psicología de una madre «arrepentida» y pone sobre la mesa un conflicto tabú e inenarrable al cual se enfrentan miles de mujeres en silencio.

Una bonita mañana 

Título original: Un beau matin. Dirección: Mia Hansen-Løve. País: Francia. Año: 2022. Duración: 112 minutos. Género: Romance. Drama. Enfermedad. Interpretación: Léa Seydoux, Melvil Poupaud, Nicole García, Pascal Greggory, Kester Lovelace, Ema Zampa. Guion: Mia Hansen-Løve. Fotografía: Denis Lenoir. Productora: arte France Cinéma, Mubi, Razor Film. Distribuidora: Les Films du Losange. Distribuidora: Elastica Films. Premios y nominaciones: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor actriz (Seydoux); Festival de Cannes: Sección Quincena de realizadores. Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Sinopsis: Sandra Kienzier (Léa Seydoux) es una mujer que vive junto a su hija de ocho años mientras lucha por conseguir una plaza en una residencia de ancianos donde derivar a su padre (Pascal Greggory), que está enfermo y padece una enfermedad neurodegenerativa. Un día, se reencuentra con Clément (Melvil Poupaud), un amigo que, a pesar de estar en una relación con otra persona, se embarcará con ella en una aventura. Una bonita mañana es una película de la directora y guionista francesa Mia Hansen-Løve, que se ha ganado reconocimiento internacional con su trabajo en La isla de Bergman, El porvenir y Maya.

Un cabaret en la campiña

Título original: Les Folies FermieresDirecciónJean-Pierre Améris. País: Francia. Año: 2022.  Duración: 109 minutos. Género: Comedia. Drama. Basado en hechos reales. Interpretación: Sabrina Ouazani, Guy Marchand, Moussa Maaskri, Alban Ivanov, Bérengère Krief, Michèle Bernier, Ariana Rivoire, Ludovic Berthillot, Alain Rimoux, Jean-Baptiste Heuet, Lise Laffont, Eric Verdin, Nicolas Smlynarczyk, Elsa Godard, Eddie Chignara, Deborah Durand, Marie Blanche Costa, Stéphane Rosier, Philippe Benhamou. Guion: Jean-Pierre Améris, Jean-Luc Gaget, Marion Michau. Música: Quentin Sirjacq. Fotografía: Virginie Saint-Martin. Productora: Apollo Films, Auvergne Rhône-Alpes Cinéma, Escazal Films, France 3 Cinéma, TF1 Films Production. Distribuidora: Flins & Piniculas. Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Sinopsis: Un cabaret en la campiña es una película basada en una historia real que cuenta cómo David, un joven agricultor que vive en El Cantal, una región de la Francia rural, decide montar un cabaret en el campo cuando se da cuenta de que su granja se encuentra al borde de la bancarrota. A pesar de que no hay quien consiga convencerle de lo contrario, las personas que le rodean no están ni de lejos igual de entusiasmadas ni tan positivas como el protagonista. Su madre y en particular su abuelo, se muestran bastante escépticos ante esta innovadora iniciativa que se le ha ocurrido al joven y que en definitiva no es nada más y nada menos que una medida desesperada. Esta comedia francesa está dirigida por Jean-Pierre Améris, director de cine responsable de títulos como Tímidos anónimos, o La historia de Marie Heurtin.

Paula 

Dirección: Florencia Wehbe. País: Argentina. Año: 2022. Duración: 90 minutos. Género: Drama. Adolescencia. Interpretación: Lucía Castro, Lara Griboff, Julieta Montes, Tiziana Faleschini, Liz Correa, Beto Bernuez, María Belén Pistone. Guion: Florencia Wehbe, Daniela De Francesco. Música: Populous. Fotografía: Nadir Medina. Productora: Coproducción Argentina-Italia; Bombilla Cine, The Piranesi Experience. Distribuidora: Reverso Films. Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Sinopsis: La directora argentina, Florencia Wehbe resenta su segundo largometraje, 'Paula', una película co-guionizada por ella junto a Daniela de Fancesco donde a lo largo de los 89 minutos de película la directora se encarga de hacer una crítica completa a los estereotipos y cánones de belleza que se les impone a las mujeres desde muy pequeñas. Para llevar a cabo este crítica, Florencia Wehbe crea al personaje de Paula, una jove adolescente que con tan solo catorce años comienza a padecer un TCA (Trastorno de Conducta Alimentaria) cuando trata de acercarse, peligrosamente, al cuerpo que se supone que ha de tener para ser bella. La manera en la que ella autopercibe y distorsiona su imagen corporal la lleva por un complicado camino que lejos que ayudarle a sentirse mejor consigo misma la hunde aún más en su pozo de desesperación. La anorexia parece haberle arrebatado las riendas de su vida hasta unos niveles muy comprometidos con su salud y vida personal, algunos de los problemas a los que tendrá que hacer frente Paula serán: mala relación con su familia, enemistad con sus compañeras de clase, niveles demasiados altos de autoexigencia o peligrosos sitios webs que incitan a la pérdida extrema de peso. A pesar de no presentarse como una película basada en hechos reales, la historia de Paula se repite en cada rincón del mundo, lo que la convierte en una historia útil en lo que se refiere a conciencia y divulgación.

Human Flowers of Flesh

Dirección: Helena Wittmann. País: Alemania. Año: 2022. Duración: 106 minutos. Género: Drama. Aventuras marinas. Interpretación. Angeliki Papoulia, Ferhat Mouhali, Gustavo Jahn, Ingo Martens, Mauro Soares, Vladimir Vulevic, Steffen Danek, Nina Villanova, Denis Lavant. Guion: Helena Wittmann. Fotografía: Helena Wittmann. Montaje: Helena Wittmann. Productora: Coproducción Alemania-Francia; Fuenferfilm, Tita Productions, If You Hold a Stone. Distribuidora: Lost & Found. Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Sinopsis: Ida (Angeliki Papoulia) es la capitana de su tripulación formada por cinco hombres. Durante su viaje en el barco donde viven, pasan por Marsella, donde el discreto y secreto mundo masculino de la Legión Extranjera Francesa llama su atención y deciden seguir su ruta por el mar Mediterráneo. Una de las paradas de la travesía es Córcega, que sirve como punto de descanso antes de poner rumbo al cuartel histórico de la legión en Argelia. Será aquí cuando las fronteras y las certezas se difuminarán mientras la vida marinera produce un sentimiento empático de comprensión mutua entre Ida y la tripulación de su barco..

Fuego fatuo 

Título original: Fogo FátuoDirección: João Pedro Rodrigues. País: Portugal. Año: 2022. Duración67 minutos. Género: Musical. Comedia. Romance. Bomberos. Homosexualidad. InterpretaciónMauro Costa, André Cabral, Joel Branco, Anabela Moreira, Margarida Vila-Nova, Miguel Loureiro, Ana Bustorff, Raquel Rocha Vieira, João Villas-Boas, Cláudia Jardim, Joana Barrios, Paulo Bragança, João Reis Moreira, João Caçador, Catarina Marques, Mário Santos, Maria Miguel Rodrigues, Oceano Cruz, Dinis Vila-Nova, Luisa Castelo Branco, Vasco Redondo, Teresa Madruga. Guion: Paulo Lopes Graça, João Rui Guerra da Mata, João Pedro Rodrigues. Música: Paulo Bragança, Oceano Cruz. Fotografía: Rui Poças. Productora: Coproducción Portugal-Francia; House on Fire, Filmes Fantasma, Terratreme Filmes. Distribuidora: Vitrine Filmes. Premios y nominaciones: Festival de Cannes: Sección Quincena de realizadores; Festival de Sevilla: Gran Premio del Jurado  Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Sinopsis: En su lecho de muerte, su alteza real Alfredo, rey sin corona, regresa a lejanos recuerdos de juventud y a la época en la que soñaba con ser bombero. El encuentro con el instructor Afonso, del cuerpo de bomberos, abre un nuevo capítulo en la vida de los dos jóvenes inmersos en el amor y el deseo, y suscita su voluntad de cambiar el status quo.

19. Solos frente a la verdad 

Dirección: Javier Kuhn. País: España. Año: 2022. Duración: 60 minutos. Género: Documental. Coronavirus (COVID-19). Mediometraje. Reparto: Documental, Intervenciones de: Luis Tosar, Imanol Arias, Marián Álvarez, Alicia Borrachero, María Castro, Lolita, Javier Gutiérrez, Fele Martínez, Belén Rueda, Jorge Sanz, Unax Ugalde. Guion: Amanda García-Tapia, Nestor Lopez. Música: Juan Antonio Simarro. Fotografía: Cristina Pérez. Productora: Coproducción España-Estados Unidos; Atrevida Producciones, Filmakers Monkeys. Distribuidora: Syldavia Cinema. Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Sinopsis: Once actores y actrices de la industria cinematográfica española desnudan su alma ante la cámara para revelar qué experiencia positiva y transformadora han vivido durante estos difíciles momentos. Cada uno de los intérpretes decidió de forma libre e individualmente aquellos hechos que conforman su relato, con la única premisa de que fuera una narración en positivo. El objetivo que se busca a través de '19, solos frente a la verdad' es transmitir al espectador el descubrimiento o vivencia de algo extraordinario y alentador dentro de una situación llena de incertidumbre. Este conjunto de testimonios sinceros, íntimos y personales tienen como finalidad averiguar cuáles son los motivos que llevan al ser humano a seguir adelante cuando parece que todo a su alrededor se derrumba. Se quiere transmitir cómo el ser humano es capaz de reinventarse, superarse y descubrirse a pesar de las adversidades. La voz en off del actor Mario Zorrilla, que nos presenta durante los primeros segundo del documental lo que vamos a ver, es el único elemento externo. El protagonismo absoluto es de los testimonios. Todos ellos se han rodado en un mismo plató con cuatro cámaras y un fondo neutro.

My Way Out 

Dirección: Izaskun Arandia. País: España. Año: 2022. Duración: 70 minutos. Género: Documental. Transexualidad. Transgénero. Reparto: Documental. Guion: Izaskun Arandia. Fotografía: Nerea Falagan. Productora: Alternative Content, IZAR Films. Distribuidora: Atera Films. Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Sinopsis: ‘My way out’ es la historia de un club londinense, en forma de discoteca, para la comunidad transgénero (creado hace más 25 años, cuando aún no existía ni el lenguaje adecuado para nombrarla). Un mítico lugar de encuentro donde se reúnen travestis, heteros, homos, no binaries, inbetweenies… Un espacio de convivencia festiva y reivindicativa que se define, al final, mucho más por una comunión de personalidad, cualquiera que defienda la libertad de cada uno para expresarse, que por una cuestión de género, identidad u orientación sexual. El legendario club para personas trans The Way Out celebró su 25º aniversario en 2018. El documental repasa las últimas tres décadas de la escena trans de Londres y, a través de entrevistas y grabaciones de archivo, nos descubre el impacto que ha tenido el club en la comunidad trans. En marzo de 2020, y debido a la pandemia mundial causada por el covid-19, el club cerró sus puertas por primera vez en sus 28 años de historia. ¿Qué le depara el futuro a este lugar único?

Oink Oink 

Título originalKnorDirección: Mascha Halberstad. PaísPaíses Bajos (Holanda). Año: 2022. Duración: 72 minutos. Género: Animación. Comedia. Stop Motion. Familia. Animales. Reparto: Animación. Guion: Fiona van Heemstra. Libro: Tosca Menten. Música: Rutger Reinders. Fotografía: Animación, Peter Mansfelt. Productora: Coproducción Países Bajos (Holanda)-Bélgica; A Private View, Viking Film. Distribuidora: A Contracorriente Films. Premios y nominaciones: European Film Awards: Nominated for Best Animated Film; Festival de Sitges: Nominada a Mejor película de animación Estreno en España: 31 de marzo de 2023. SinopsisOink Oink es una película de animación en formato stop-motion para toda la familia. Ubicada en un pequeño pueblo en los Países Bajos, cuenta la historia de Babs, una niña de nueve años que por su cumpleaños recibe de regalo de su abuelo un cerdito llamado Oink. Sin embargo, la madre de la niña no está contenta con el animal en casa, así que la pequeña decide llevar al cerdito a clases de adiestramiento de cachorros y deberá cumplir unas reglas: no puede entrar en casa, no puede acceder al huerto y no puede defecar por todas partes. El pequeño Oink cambiará para siempre la vida de Babs y de toda la familia, pero pronto llegarán los problemas, cuando la niña se dé cuenta de que hay una amenaza mucho más grande para el cerdito que sus padres.

Hace 100 años: Paganini

El 31 de marzo de 1923 se estrenó la película alemana Paganini, dirigida por Heinz Goldberg e interpretada por Conrad Veidt, Eva May, Greta Schröder, Harry Hardt, Hermine Sterler, Jean Nadolovitch, Gustav Fröhlich, Alexander Granach, Martin Herzberg. Productora: Conrad Veidt-Film, Richard-Oswald-Produktion  Duración: 90 minutos. 
Sinopsis argumental: Película biográfica sobre el músico italiano Niccolo Paganini. 
ComentarioLos decorados de la película fueron diseñados por el director de arte Robert Neppach. Se considera una película perdida. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCLXVI)

El gato negro (Gatto nero, 1981), de Lucio Fulci

La fotógrafa norteamericana Jull Trevers realiza un reportaje sobre unas antiguas ruinas de un pueblo de la campiña inglesa cuando una serie de accidentes comienzan a sucederse provocando varias víctimas mortales. Ante las extrañas circunstancias que rodean a todos estos accidentes, la policía local hará venir al pueblo al inspector Gorley de Scotland Yard. La investigación pasará por un extraño personaje que vive en el pueblo llamado Rovert Miles, psíquico e investigador de lo paranormal, quien resulta tener como mascota a un gato negro que, según sospecha Jill, guarda alguna relación con todos los fatales accidentes.
  Libre adaptación del cuento clásico homónimo de Edgar Allan Poe dirigida por Lucio Fulci que ofrece al espectador un entretenimiento a camino entre el giallo y el terror sobrenatural.
De esta película han tomado inspiración otras como la famosa Perro blanco (White Dog, 1982), dirigida por Samuel Fuller, película con una temática de animales asesinos.

jueves, 30 de marzo de 2023

Biografías de cine: Frank Borzage (I)

Frank Borzage
Había trabajado como actor de teatro y cine  antes de dirigir su primera película en
1916. Llegó a convertirse en uno de los directores de mayor éxito de finales del cine mudo y comienzos del sonoro. Aunque sus películas de este período son esencialmente melodramas románticos que rara vez muestran respeto por los límites de la realidad, frecuentemente revelan una profunda comprensión de los esfuerzos del ser humano por sobrevivir en un mundo materialista. 
El núcleo de las películas de Frank Borzage (1893-1962) suele estar constituido por una pareja de amantes, bañados en luz, superando las adversidades de su tiempo y salvados por la inocencia de un amor puro. Desde esta perspectiva no resulta sorprendente que las mejores películas de Borzage fuesen realizadas en los años 1930, en los que sus enamorados se veían amenazados o bien por la Gran Depresión del 1929, Fueros humanos (Man's Castle, 1933), Mannequin (19379, o bien el crecimiento del fascismo en Europa, ¿Y ahora qué? (Little Man, What Now, 1934), Tres camaradas (Three Comrades, 1938) o, ya a comienzos de los años 1940, The Moral Storn (1940). Pero, aunque éstas son sus películas más logradas, otras dos pertenecientes a décadas distintas son fundamentales para descubrir y comprender su genio: El séptimo cielo (The Seventh Heaven, 1927) y Moonrise (1948). 
El séptimo cielo le valió uno de los primeros Oscar a la mejor dirección. La película se basa en la obra de 1922 Seventh Heaven, de Austin Strong. Se trata de un melodrama mudo, que resume a la perfección dicho género. Sus protagonistas, Chico (Charles Farrell) y Diane (Janet Gaynor) son seres de una solo dimensión, pues su existencia se basa únicamente en el amor que siente el uno por el otro. En cuanto se encuentran y enamoran, Borzage los saca del abismo (Chico trabaja en las alcantarillas y Diane es una vagabunda) y los eleva a las alturas mediante un impresionante plano rodado con grúa que termina en la pequeña buhardilla de Chico, situada encima de un bloque de viviendas parisino. Esa buhardilla, con el cielo de lleno de estrellas como techo, es el "séptimo cielo" para la pareja. Obligados a separarse por la I Guerra Mundial, se sienten físicamente unidos cuando piensan el uno en el otro en un determinado momento del día. Pero Chico cae herido y muere en brazos de un sacerdote. Diane recibe la noticia de su muerte el mismo día en que se firma el armisticio. Se desmaya de la impresión y, justo en ese momento, Borzage pasa a un plano de Chico milagrosamente vivo que avanza con esfuerzo entre la multitud para reunirse con ella. Por fin llega junto a Diane y se abrazan. Borzage, sin ofrecer ninguna explicación, deja a los personajes unidos por el amor, renunciando así a toda lógica narrativa (se ha visto a Chico morir) en favor de la imagen de un amor trascendente que sobrevive a la propia muerte.
Fueros humanos es una adaptación de la obra de Lawrence Hazard dirigida por el maestro Frank Borzage en apenas 75 minutos de metraje. La película tuvo problemas con la censura, ya que se estrenó justo cuando entraba en vigor el código Hayes, que impedía mostrar un embarazo fuera del matrimonio, con lo que algunas partes de su argumento tuvieron que ser notablemente modificadas, notándose en exceso en su resultado final.
Spencer Tracy y Loretta Young en Fueros humanos (1933)
Tres camaradas es una delicia de película, situada en la Alemania de entreguerras, que sigue a tres amigos, camaradas del alma, encandilados por la misma mujer, que acabará siendo la prometida de uno y amiga del resto. La crispación del ambiente político, las dificultades laborales y una enfermedad fatal afectarán a sus vidas. Frank Borzage, el cineasta romántico por excelencia, contó con el único guión acreditado de otro romántico, el novelista Francis Scott Fitzgerald, que adaptó la novela de Erich Maria Remarque. El resultado transmite emoción por todos sus poros, en un feliz logro por conjugar reflexión, comedia, tragedia, y todo ello bañado por el amor. Nunca estuvo más encantadora Margaret Sullavan, y los tres amigos del título, Robert Taylor, Franchot Tone y Robert Young componen a las mil maravillas los rasgos de sus personajes.
Robert Taylor, Robert Young y Franchot Tone en Tres camaradas (1938)
(cont.)

Clásicos de cine: El verano de Kikujiro (I)

El verano de Kikujiro (Kikujiro no natsu, 1999), de Takeshi Kitano

Parece que en el cine japonés siempre ha habido un interés para explorar las dificultades de su propia sociedad. Sobretodo en lo que respecta a lo relacionado al concepto de familia. Desde películas fundamentales como Cuentos de Tokio (Tokyo monogatari, 1953), de Yasujiro Ozu, hasta dramas sociales más contemporáneos como Nadie sabe (Dare mo shiranai20049, de Hirokazu Kore-eda o La casa del tejado rojo (Chiisai Ouchi, 2014), de Yōji Yamada. Takeshi Kitano es otro nombre que seguía dicha tendencia, si bien se alejaba de los dramas costumbristas más habituales para hacerlo con otros registros más de su agrado. Como los thrillers policiacos –Sonatine (1993)-, dramas de mafiosos –Brother (2000)-, cine de samuráis –Zatoichi (2003), u otras más enfocadas hacia la comedia más melancólica. Como la entrañable y conmovedora El verano de Kikujiro.
Masao (Yusuke Sekiguchi) es un niño de nueve años al que le toca pasar las vacaciones de verano con su abuela; así que se acabaron los partidos de fútbol, ya que todos sus amigos se han marchado a la playa. El aburrimiento de Masao es tal que se le ocurre la idea de buscar a su madre, a la que nunca ha visto. Con muy poco dinero y con una fotografía y una dirección como únicas referencias, el plan parece condenado al fracaso. Una amiga de su abuela propone que su marido acompañe a Masao. El problema es que Kikujiro (Takeshi Kitano), un antiguo yakuza, no parece la compañía más recomendable para un niño.
La filmografía de Takeshi Kitano está compuesta por películas de gran diversidad. Pese a ello, hay algunas temáticas que se han mantenido constantes en muchas de ellas. Como la importancia de la familia, los vínculos de pareja, conflictos con los yakuzas… Que el tono general de sus películas fuera, al menos durante toda la década de 1990, más bien austero y dramático, no hace más que resaltar lo particular de una propuesta como ésta. Anteriormente ya habría probado con la comedia –Gettin Any? (Minna Yatteruka, 1994)-, y más adelante le seguirían bizarradas como Aquiles y la tortuga (Akiresu to kame, 2008), una película sobre la complejidad del mundo del arte. Ninguna de ellas estaría entre las películas más recomendables del director. La paradoja llega cuando la extraña mezcla entre el drama, la comedia, la ternura y la extravagancia de El verano de Kikujiro se dan la mano para cohesionar en una de las mejores películas del director japonés.
A lo largo de su trayectoria, Kitano ha mantenido un estilo generalmente simple y austero. No suele hacer virguerías con la cámara. Prefiere dejarla tranquila, plantada en el trípode, para que todo el trabajo lo hagan el encuadre, los actores, el sonido y la música de Joe Hisaishi, a la que entraremos más adelante. En sus películas la acción respira para dejar que los personajes -y los espectadores- sientan cuanto va sucediendo en la narración. A su vez, Kitano apuesta por lo poético, la parsimonia y la melancolía. Todo ello con puntos de humor para no caer en un melodrama exacerbado. Es posible que El verano de Kikujiro sea su película más tierna y entrañable hasta la fecha. A pesar de la profunda tristeza de la historia, Kitano consigue irradiar de sus imágenes una gran alegría, gracias a distintos momentos de muy absurdos.
(cont.)

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCLXV)

El resplandor (The Shining, 1980), de Stanley Kubrick

Jack Torrance se traslada con su mujer y su hijo de siete años al impresionante hotel Overlook, en Colorado, para encargarse del mantenimiento de las instalaciones durante la temporada invernal, época en la que permanece cerrado y aislado por la nieve. Su objetivo es encontrar paz y sosiego para escribir una novela. Sin embargo, poco después de su llegada al hotel, al mismo tiempo que Jack empieza a padecer inquietantes trastornos de personalidad, se suceden extraños y espeluznantes fenómenos paranormales.
Kubrick se propuso rodar los vericuetos de una esquizofrenia maníaca, asomarse a los abismos interiores de una mente perturbada, y a fe que lo logró. El relato de Stephen King fue trasladado a la pantalla con una narración inquietante, por momentos angustiosa. El poder de la imagen del maestro neoyorquino consiguió, además de una atmósfera opresiva, algunas de las escenas más impactantes del cine de terror de las últimas décadas.
Tras los mediocres resultados económicos obtenidos por "Barry Lyndon", Stanley Kubrick se decidió por la adaptación de una novela de terror de un especialista en el género, Stephen King. La Warner puso en sus manos 16 millones de euros para un rodaje que estuvo lleno de complicaciones y que duró casi un año. El resultado fue un filme que el público mayoritario encontró fascinante y aterrador. Sin embargo, la acogida crítica fue fría al considerar que un genio como Kubrick no podía realizar una simple película de terror. Sin embargo, el tiempo dejó la cinta en el lugar que se merecía: como una obra maestra y todo un clásico del cine de miedo. Una curiosidad: la habitación embrujada prevista por el guion, la 217, tuvo que ser cambiada por la inexistente 237, ya que el propietario del hotel donde se rodó la película no quería que sus clientes tuvieran reparos en alojarse en la misma.

miércoles, 29 de marzo de 2023

Cine para niños: “Valentina”, un tierno retrato de la discapacidad

En el secreto de su habitación, Valentina se sumerge en una tierra mágica en busca de su abuela desaparecida. Una epopeya sonriente y colorida en la mente de una niña con síndrome de Down. A partir de 6 años.
Valentina (2021), de Chelo Loureiro
Valentina sueña con ser trapecista y cree que por ser Down no podrá conseguirlo, pero su abuela, compañera de juegos, aprendizajes y canciones, le asegura que, si las orugas consiguen convertirse en mariposas, nada es imposible. Y que nunca debemos perder la ilusión ni las ganas de aprender, las mismas que ella pone, aún a su edad, en su afán de convertirse en directora de orquesta.
¿Qué es un niño diferente? Esta bonita película animada española responde con dulzura y humor, dibujando el retrato de Valentina, una niña con síndrome de Down rebosante de ternura e imaginación. Edredones rojos agudos, lentes grandes y redondos, esta soñadora no entiende adónde ha ido de repente su amada abuela, cómplice de todos sus juegos y de toda su felicidad diaria. En el secreto de su habitación, mientras sus padres creen que está dormida, la niña elige abrir las puertas de la tierra mágica donde espera encontrar a quien tanto extraña. ¿Cómo evocar la minusvalía, pero también el duelo, a la altura de un niño, sin ser ni pomposo, ni cursi, ni melodioso?…

Biografías de cine: James Dean (X)

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Esa inmediatez era lo que le ganó a Dean el aprecio y la admiración de los espectadores, pues se trataba de una afirmación del artificio o simulación en el que tenemos que sumergirnos para "creernos" a un personaje cinematográfico a la vez tan real y tan fantasmal. Truffaut comparó a Dean con Chaplin y no andaba demasiado descaminado, pues ambos poseían la misma fachada de abatimiento y fracaso convertida en resplandeciente control y perfección.
James Dean posa junto a 'Little Bastard', el coche que le llevó a la muerte
"En Dean hay algo distinto, una cierta capacidad poética que presta autoridad a todas las libertades que se toma y que incluso los estimula. Cuando nos referimos a él no tiene sentido hablar de buena o mala interpretación, ya que lo que esperamos de Dean es que nos sorprenda a cada minuto, en todo momento... En James Dean, todo está lleno de gracia y encanto... No es que sea mejor ni peor que los demás actores, es que es otra cosa, lo contrario del intérprete convencional."

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCLXIV)

La guerra de las galaxias. Episodio V: El imperio contraataca (Star Wars. Episode V: The Empire Strikes Back, 1980), de Irvin Kershner

Tras un ataque sorpresa de las tropas imperiales a las bases camufladas de la alianza rebelde, Luke Skywalker, en compañía de R2D2, parte hacia el planeta Dagobah en busca de Yoda, el último maestro Jedi, para que le enseñe los secretos de la Fuerza. Mientras, Han Solo, la princesa Leia, Chewbacca, y C3PO esquivan a las fuerzas imperiales y piden refugio al antiguo propietario del Halcón Milenario, Lando Calrissian, en la ciudad minera de Bespin, donde les prepara una trampa urdida por Darth Vader.
Tras el descomunal éxito obtenido con La guerra de las galaxias, en la que el estudio no confiaba en absoluto, la Fox destinó la entonces friolera de 30 millones de dólares a financiar su primera secuela. Así, George Lucas y sus técnicos de la Industrial Light & Magic consiguieron recrear mucho mejor el universo imaginado por el cineasta. Además, la película profundiza más en la psicología de los personajes y se introducen paralelismos con mitos del imaginario popular, como el Rey Arturo o Hamlet. Todo ello hizo que muchos de los seguidores de la saga considerasen a esta película como el más logrado de la trilogía original, y que se convirtiera en uno de los más taquilleros de toda la historia del cine.
El guion, basado en una historia de George Lucas, fue escrito por Lawrence Kasdan y Leigh Brackett. Aunque en términos cronológicos internos sea la quinta película de la saga Star Wars, en realidad fue la segunda película de la saga en ser estrenada.

martes, 28 de marzo de 2023

El cine de Maryam Touzani, un insolente y tierno oficio de libertad

Prostitución, embarazo fuera del matrimonio o hoy homosexualidad en El caftán azul (Le Bleu du caftan, 2022). Fiel a su sutil toque que mezcla realismo social y poesía, la directora y guionista marroquí se esfuerza por cuestionar con delicadeza las costumbres de su país.
En El caftán azul, Maryam Touzani teje con infinita delicadeza una doble historia de amor. En las estrechas y antiguas calles de la medina de Salé, Mina ama desde hace mucho tiempo a su esposo Halim, un sastre, y Halim también la ama sinceramente, aunque oculta su homosexualidad al mundo. La llegada de Youssef, un joven aprendiz, a su pequeño taller, disgustará a la pareja.
Pocas veces tiene un drama sentimental tan íntimamente ligado la sensualidad y la muerte, los gestos precisos de un oficio -la paciente confección de caftanes, esas túnicas largas y ricamente bordadas- y los gestos amorosos. En 2019, el primer largometraje de la actriz y directora marroquí, Adam, ya se basaba en el número tres, con una pastelera viuda y madre de una niña, que acogía a una muy joven embarazada. Adam en la que denuncia la situación de "ilegalidad" de las mujeres solteras embarazadas en Marruecos y la exclusión social de las viudas que no quieren volver a casarse.
“La muerte está presente en todas mis películas”, explica Maryam Touzani. Cuando luchas por vivir a tu manera, también tienes que luchar por morir como quieres. Esta magnífica mujer de 42 años, compañera y coguionista del cineasta Nabil Ayouch, sabe utilizar la vía suave para sacudir la moral.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCLXIII)

El hombre elefante (The Elephant Man, 1980), de David Lynch

A finales del siglo XIX, el doctor Frederick Treves descubre en un circo a un hombre llamado John Merrick. Se trata de un ciudadano británico con la cabeza monstruosamente deformada, que vive en una situación de constante humillación y sufrimiento al ser exhibido diariamente como una atracción de feria.
Interpretada en sus principales papeles por  Anthony Hopkins, John Hurt, Anne Bancroft, John Gielgud. Recibió el Premio César a la mejor película extranjera; 8 nominaciones a los Oscar, incluyendo película y director; 4 nominaciones a los Globos de Oro, incluyendo mejor película-drama; en los BAFTA, fue mejor película, actor (Hurt) y diseño de producción y 7 nominaciones; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion adaptado drama.
Uno de los films más conmovedores de David Lynch, que está inspirado en hechos reales. La historia da vueltas a la idea de que la hermosura no es sólo el aspecto físico de las personas. Un canto al espíritu humano, rodado en un audaz blanco y negro, cuenta con unas magníficas interpretaciones. A destacar John Hurt, que da vida a John Merrick, el hombre elefante.
El ‘Adagio para cuerdas’ del compositor estadounidense Samuel Barber, considerada por muchos melómanos como una de las expresiones más perfectas del dolor y la tragedia, y que está incluida sobre estas mismas líneas y en la música del segundo largometraje de David Lynch, acompaña los últimos momentos de la película y de la vida de John Merrick (el tristemente célebre hombre elefante, de verdadero nombre Joseph Merrick), y es imposible imaginar mayor humildad y belleza en esos momentos.

Biografías de cine: James Dean (IX)

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Pero, un director tan solemne y respetable como Stevens sólo fue capaz de ver que la sólida familia texana de Gigante, era mucho mejor y más educada que el inquieto vecino que descubrió petróleo en sus campos y termina haciéndose multimillonario. Cada vez que Dean tiene una escena solo, como cuando mide su terreno dando pasos o se dejar mojar por el petróleo, su habilidad para llegar físicamente al espectador y para idealizar la soledad consigue insuflar vida a la película. 
Elizabeth Taylor y James Dean en Gigante (1956)
También se esforzó más por transmitir la idea del paso del tiempo y por parecer más envejecido que Rock Hudson y Elizabeth Taylor, quienes se limitaron a dejarse pintar algunas canas sobre unos rostros tan tersos y brillantes como al principio de la historia, y su interpretación nos permite ver algo que Stevens no supo apreciar ni valorar debidamente que el "don nadie" que se convierte en barón del petróleo es mucho más interesante y tan "americano" como los bienpensantes y autosatisfechos Benedict.
James Dean en Gigante (1956)
Cuando James Dean murió, François Truffaut reconoció que su forma de actuar no era psicológica ni se ajustaba siempre al texto. A pesar de su apariencia naturalista se trataba de una manera de interpretar esencialmente lírica que parecía construida sobre la marcha y sobre nuestros sueños. 
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lunes, 27 de marzo de 2023

Biografías de cine: James Dean (VIII)

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Rebelde sin causa
(Rebel Without a Cause, 1955) fue un fenómeno parecido, pues toda la película parece estar al servicio de Dean, desde la pose fetal de antes de los títulos de crédito hasta su angustia en la escena en la que cuenta a la policía que había sacado las balas de la pistola de Plato. Su apariencia es la de una historia contemporánea, pero en el fondo, Rebelde sin causa tiene mucho que ver con el romanticismo decimonónico. 
En ella, Dean parece en todo momento mucho más consciente de lo que realmente esta ocurriendo que sus padres, sus profesores, la policía o sus compañeros. Podía tratarse de un ser procedente del pasado o de alguno de los remotos planetas que contempla en el ominoso teatro del espacio. Conoce sentimientos a los que la sociedad californiana que la película retrata parece ser insensible, lo que confiere el dolor y privilegio de un poeta... o de un director de cine.
Jean Backus el actor que encarnó al padre de Dean en Rebelde sin causa, le contó lo siguiente a la revista Variety: "Fue la primera vez en la historia del cine que un chico de 24 años que sólo había interpretado otra película antes, se vió convertido en prácticamente el co-director de la película". 
Fotograma de Rebelde sin causa (1955)
Años después de realizar Gigante, George Stevens se lamentó de no haber dado a Dean mayor libertad. Hay una escena concreta que Dean hubiese querido modificar, aquella en la que llega al rancho Reata y le ofrecen beber algo. Dean quería que su personaje, Jett Rink, sacase su propia botella para no tener que estarle agradecido a nadie. Se trataba uno de los recursos o improvisaciones típicos de Dean, pero también de una muestra de que tenía ideas propias, de que deseaba usurpar el puesto de director y de que estaba planteándose ya dirigir sus propias películas. 
Sal Mineo y James Dean en Rebelde sin causa (1955)
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Hace 100 años: Almas en venta

El 27 de marzo de 1923 se estrenó la película estadounidense Almas en venta (Souls for Sale), dirigida por Rupert Hughes e interpretada por Eleanor Boardman, Frank Mayo, Richard Dix, Mae Busch, Barbara La Marr, Lew Cody, Forrest Robinson. Productora: Goldwyn Pictures Corporation. Duración: 90 minutos. 
Sinopsis argumental La película era la clásica historia de una chica humilde (la cual por algún extraño motivo se llama Remember) que llega a Hollywood como una completa desconocida y consigue convertirse en una estrella. Como es de esperar, Remember consigue dos pretendientes que están enamorados de ella pese a su absurdo nombre, un director y un actor que parece modelado a partir de Rodolfo Valentino. Pero, oh desgracia, resulta que ella está ya casada con un hombre al que abandonó en un impulso afortunado, puesto que se trata de una especie de Barbazul que se dedica a matar a sus esposas, y teme que si la verdad sale a la luz el escándalo acabaría con su carrera.
Comentario: Basada en la novela del propio director, Rupert Hughes, que muestra el funcionamiento de Hollywood por dentro. 

Clásicos de cine: Colorado Jim

El western estadounidense Colorado Jim (The Naked Spur, 1953) dirigida por Anthony Mann e interpretada en los principales papeles por James Stewart, Janet Leight, Robert Ryan, Milland Mitchell, Ralph Meekera. Producida por Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) y con una duración de 91 minutos. Fue nominada al Oscar al mejor guió e historia. 
Año 1868. Howard Kemp (James Stewart) es un ranchero que perdió su rancho mientras combatía en la guerra de Secesión (1861-1865) y se ha propuesto recuperarlo cazando a Ben Vandergroat (Robert Ryan), atracador y asesino de un «sheriff» por el que se ofrece una jugosa recompensa. Por el camino, Kemp se encuentra con Jesse Tate (Millard Mitchell), un prospector de oro obsesionado, y Roy Anderson (Ralph Meeker), un soldado mujeriego y licenciado con deshonor, quienes se asocian y logran cazar al asesino y a Lina Patch (Janet Leigh), hija de un difunto amigo de Vandergroat. Los cinco emprenderán una travesía en la que tendrán que hacer frente a todo tipo de imprevistos y conflictos morales y saciar sus ansias de venganza, redención y dinero.
Anthony Mann dirige este western, hoy considerado un clásico, y lo hace uniendo los elementos más visuales del género con un retrato introspectivo de los personajes. En especial hay que destacar el trabajo de James Stewart, que obtiene una interpretación memorable de este antiguo soldado metido por necesidad en el oscuro oficio de cazador de recompensas. La película fue nominada al Oscar por su guión y consiguió el aplauso unánime de la crítica.

domingo, 26 de marzo de 2023

Hace 100 años: La orfandad de Chiquilín

El 26 de marzo de 1923 se estrenó la película La orfandad de Chiquilín (Daddy), dirigida por E. Mason Hopper e interpretada por Jackie Coogan, Arthur Edmund Carewe, Josie Sedgwick, Cesare Gravina, Bert Woodruff, Anna Townsend, Willard Louis, George Kuwa. Productora: Jackie Coogan Productions. Duración: 60 minutos. 
Sinopsis argumental: Creyendo que su marido le es nfiel, Helene Savelli (Josie Sedgwick) lleva a su pequeño hijo de Jackie (Coogan) para vivir en la granja Holden. Helene muere poco después, y Jackie se escapa de casa cuando el Holdens (Bert Woodruff y Anna Townsend ) estan en el asilo. En la gran ciudad, Jackie se hace amigo de Gallo (Cesare Gravina), un músico de acera que sólo pasa a ser el antiguo profesor del mundialmente famoso violinista Pablo Savelli (Arthur Edmund Carewe), anciano y perdido padre de Jackie. Antes de morir, Gallo gestiona no sólo para reunir a padre e hijo, sino para restaurar la Granja.
ComentarioEl guión fue escrito por los padres de Jackie Coogan, Jack y Lillian. Un éxito comercial y de crítica, fue la quinta película estadounidense más taquillera de 1923 en taquilla después de Safety Last! Como anécdota señala que  Artiach utilizó el sobrenombre artístico de este niño, estrella del cine mudo durante los años 1920, para atraer al público infantil hacia sus productos.

Biografías de cine: James Dean (VII)

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En Al este del Edén, Dean interpretaba a un joven de 20 años, pero Cal Trask puede considerarse tan viejo como Drácula. El vampirismo constituye uno de los elementos del estrellato llevado a sus últimas consecuencias, lo que indudablemente ocurre en esta película, en la que Kazan permite que todos los demás personajes sucumban a la visión del mundo de Cal. 
Anuncio de la película en l número de abril de 1955 de la revista Photoplay
Dean vampiriza no sólo a los restantes protagonistas de la historia, sino también al público. Al respetar todas sus pausas y vacilaciones, la cámara aumenta su autoridad y dominio de la situación. 
Al este del Edén resulta una película desconcertantemente lánguida y morbosa, precisamente porque Kazan parece renunciar a llevar la batuta y ceder ante la rapsodia de sentimientos heridos "tocada" por Dean. 
Rótulo del título en el tráiler de la película
En este caso, el formato Cinemascope se adecúa perfectamente a los objetivos perseguidos, pues permite que Dean cuente con más espacio para sus nerviosas evoluciones. 
La música de Leonard Rosenman es memorable. Una película rodeada de una aureola mítica que ha quedado como el símbolo de una generación.
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