sábado, 31 de octubre de 2020

Hace 100 años: An Old Fashioned Boy

El 31 de octubre de 1920 se estrenó la película estadounidense An Old Fashioned Boy, dirigida por Jerome Storm e interpretada por Charles Ray, Ethel Shannon, Alfred Allen, Wade Boteler, Grace Morse, Gloria Joy, Frankie Lee, Hallam Cooley, Virginia Brown. Productora: Famous Players-Lasky. Duración: 50 minutos.
Sinopsis argumental: David Warrington (Ray) es un chico anticuado con ideas anticuadas sobre el matrimonio, la vida en una casa real, los bebés y cosas por el estilo. Está enamorado de Betty Graves (Shannon), una joven que cree en las fases modernas de la vida. Después de varios dolores de cabeza y numerosas situaciones cómicas, las cosas se perfilan de modo que Betty se encuentra en los brazos de su amada de camino al ministro para la boda, convencida de que la manera antigua es la mejor después de todo.
Comentario: Existen copias de la película en la Biblioteca del Congreso, Gosfilmofond, Archivo de Cine y Televisión de la Universidad de California, Los Angeles (UCLA).

El núcleo del terror (I)

Halloween o Hallowe'en ​ (una contracción de "All Hallows 'evening"), también conocido como Allhalloween, ​ Víspera de Todos los Santos, ​ Noche de Todos los Santos, ​ o Noche de los Muertos, ​ es una celebración que se observa en muchos países el 31 de octubre, víspera de la fiesta cristiana occidental del Día de Todos los Santos. Las actividades de Halloween incluyen el dulce o truco (o el disfraz y el alma relacionados), asistir a fiestas de disfraces de Halloween, tallar calabazas en jack-o'-lanterns, encender hogueras, menear manzanas, juegos de adivinación, hacer bromas, visitar atracciones embrujadas, contar cosas de miedo historias, además de ver películas de terror.
A continuación les proponemos algunas que ha ocupado varias décadas de la historia del cine. 

Psicosis (Psycho, 1960)

Menospreciada en su momento, hoy en día está considerada una obra maestra del terror y un modelo de realización y planificación, sobre todo por la famosa escena de la ducha. Además, con esta película, Hitchcock inventó el cine de terror sin elementos sobrenaturales, introduciendo la figura del psicópata. Esto fue ampliamente imitado en producciones posteriores y aún hoy se nota su influencia en directores como Brian de Palma o John Carpenter. El ejemplo más extremista es el de Psycho (1998) de Gus Van Sant, que repitió plano a plano la película de Hitchcock. La película lanzó a la fama a Anthony Perkins quien, años más tarde, dirigió, escribió y protagonizó tres secuelas de Psicosis. Hitchcock también contó con las actrices Janet Leigh y Vera Miles y con la espeluznante e inolvidable música de Bernard Herrmann.

Ganja and  Hess (1973)

Película estadounidense de 1973 de cine experimental, escrita y dirigida por Bill Gunn y protagonizanda por Duane Jones. Emmarcada en el género de terror, narra la transformación en vampiro de un antropólogo afroamericano, el Dr. Hess, y su relación con su asistenta, Ganja. Considerada una película de culto del blaxploitation, la cinta se proyectó en el Festival de Cannes, donde fue elegida como una de las diez mejores películas estadounidenses de la década. En 2014, Spike Lee dirigió una nueva versión titulada Da Sweet Blood of Jesus.

El exorcista (The Exorcist, 1973)

Tras conseguir renombre en Hollywood por su thriller policial The French Connection, William Friedkin volvió a sorprender a crítica y público pocos años más tarde con El exorcista, una de las más aterradoras películas de la historia del cine. Para ello, se basó en un superventas de William Peter Blatty, que el mismo novelista se encargó de guionizar. Basado en un exorcismo real, en España no llegó a las pantallas hasta septiembre de 1975, pues la Iglesia católica y la censura del régimen franquista prohibieron su comercialización. No fue el único país en el que la película creó polémica, pues en Estados Unidos fueron tantas las amenazas de muerte que recibió Linda Blair por parte de fanáticos que creían que la cinta era una glorificación de Satán que la joven actriz tuvo que contratar guardaespaldas durante seis meses.

El resplandor (The Shining, 1980)

En este nefasto 2020 se cumplen 40 años de una película que fue el mayor éxito de taquilla de la carrera de Stanley Kubrick. Aunque la película logró el gran éxito deseado por Kubrick (con un presupuesto de 19 millones recaudó más de 44), la crítica no pensó lo mismo en el estreno. Tanto la novela, en la que se basa de Stephen King, como la película cuentan la historia de Jack Torrance, un escritor en apuros y alcohólico en recuperación, su esposa y su pequeño hijo Danny. Hoy en día El resplandor es considerada una película de culto.

La cosa (The Thing, 1982)

Revisión del clásico de terror El enigma de otro mundo (The Thing from Another Wor), que dirigieron Christian Nyby y Howard Hawks en 1951. Ambas películas están inspiradas en la novela de John W. Campbell Who Goes There?, pero mientras que la original difería bastante del libro, la que nos ocupa fue extremadamente fiel. La carrera de Carpenter osciló entre enormes éxitos y grandes fracasos. Pese a ser considerada cinta de culto, en el momento de su estreno La cosa recaudó cifras muy pobres. Parte de la culpa fue atribuida a Spielberg y a su ET, ya que la gente prefirió ir a ver una visión más optimista de la llegada de alienígenas a la Tierra. A pesar del desengaño que se llevó el propio director (Carpenter reconoció que de todos sus fracasos, La cosa es el que más le dolió), el cineasta continuó con su trilogía del Apocalipsis, completada con El príncipe de las tinieblas (Prince of Darkness, 1987) y En la boca del miedo (In the Mouth of Madness, 1994)A destacar también la banda sonora (una de las primeras no compuestas por Carpenter), a cargo de Ennio Morricone.

The Ring (El círculo) (Ringu (The Ring), 1998)

El argumento puede parecer a priori propio de sanguinolentas cintas tipo Scream, que usan efectismos, violencia y sangre fácil para conseguir su objetivo que es el de lograr un ambiente de terror y susto en el espectador. Esta película sin embargo está mucho más cerca de las enigmáticas historias de fantasmas japonesas que de las fuentes de terror moderno nombradas anteriormente con las que, afortunadamente, no tiene ninguna similitud. The Ring consigue un ambiente de terror e inquietud en el espectador sin necesidad de recurrir a efectismos fáciles: la propia historia da miedo por si misma. En definitiva, esta película es un claro ejemplo de que para lograr asustar al espectador no hacen falta litros de sangre.
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Por el estreno de Druk (Another Round)... (X)

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55.- La lamentabilidad de las cosas también conocida como The Misfortunates (De helaasheid der dingen, 2009), de Felix Van Groeningen

La lamentabilidad de las cosas cuenta la historia de Gunther Strobbe (en gran parte basada en la de Dimitri Verhulst), quien vive donde su abuela, su padre Celle y sus tíos Breejen, Koen y Petrol en el pueblo flamenco de Reetveerdegem (que es ficticio). La familia es marginal, pues Gunther y sus tíos, que se dedican a beber alcohol, a vanagloriarse de sus encuentros con mujeres y a vagar en los cafés. La rutina se ve sin embargo interrumpida cuando la asistente social Nele Fockedey visita la casa. La historia se cuenta años después, cuando Gunther es adulto y es padre de un niño no deseado. La cinta ganó el premio Arte y Ensayo en el Festival de Cannes de 2009.​ También fue premiada en el 17° Festival Internacional de Cine de Hamptons.2​ Por su parte, representó a Bélgica en la 82° Ceremonia de los Premios Óscar en la categoría Óscar a la mejor película extranjera.

56.- Una visita inoportuna (Le bruit des glaçons, 2010), de Bertrand Blier

Tras ser abandonado por su mujer y su hijo, el famoso escritor Charles Faulque, se hunde en una crisis de alcoholismo y falta de inspiración. Un día, recibe una peculiar visita: un extraño individuo que le dice: "Hola, soy tu cáncer, pensé que sería bueno que nos conociéramos". La cinta, que gira en torno al cáncer de un escritor alcohólico sin inspiración ha sido elogiada por su salvaje humor negro, surrealismo poético, estilo sin florituras y sutil ternura. Magistralmente interpretada por Jean Dujardin, Albert Dupontel, Anne Alvaro y Myriam Boyer.

57.- Submarino (2010), de Thomas Vinterberg

Thomas Vinterberg, ex realizador del grupo Dogma, ha escogido la historia de dos hermanos, que se perdieron de vista después de una infancia difícil y que vuelven a encontrarse en la cárcel, para su nueva película basada en la novela del escritor danés Jonas T. Bengtsson, conocido por su duro realismo. El título hace referencia a un horrible método de tortura, el "submarino", que consiste en sujetar la cabeza de alguien debajo del agua hasta el borde la asfixia. Nick y su hermano menor crecieron en un ambiente deplorable; su infancia se vio marcada por la pobreza, los abusos y el alcoholismo de su madre, hasta que una tragedia desgarró a la familia. Nick tiene 33 años, acaba de salir de la cárcel. Sabe lo que quiere: entrenarse a fondo y beber. Le apasiona el culturismo y vive en un decrépito refugio a las afueras de Copenhague. Su hermano es yonqui y padre soltero. Para él, solo existen dos cosas en la vida, su chute diario y conseguir una vida mejor para Martin, su hijo de seis años, por lo que vende heroína. Cada hermano vive su vida en un lúgubre barrio de Copenhague, pero les une su dura lucha por sobrevivir. Sus caminos se cruzan ocasionalmente, pero solo vuelven a encontrarse en la cárcel, cuando ya casi es demasiado tarde.

58.- Más allá (Svinalängorna, 2010), de Pernilla August

Leena esta disfrutando de una tarde en la playa junto sus hijos cuando recibe una llamada: su madre se esta muriendo en el hospital. Tras insistir su marido, Leena acude al hospital. Durante el viaje observamos flashbacks de la infancia de Leena. Hija de extranjeros finlandeses establecidos en Suecia, la menor crece un ambiente hostil: su padre Kimmo es alcohólico y maltrata a su madre Aili; por otro lado, ella sigue enamorada de su marido a pesar de las humillaciones y daños. Fue el debut en la dirección de la actriz Pernilla August. Recibió el  Premio Internacional Semana de la Críticae en el Festival Internacional de Cine de Venecia y los premios Guldbagge (Suecia) al mejor director, actriz de reparto, y logro - mención.

59.- La vida en una pecera (Vonarstræti AKA Vonarstraeti 2014), de Daldvin Zophoniasson

El destino unirá las vidas de tres personajes en Reykjavik. Móri, refugiado en el alcohol para olvidar una tragedia que sucedió hace 20 años; Eik, madre soltera que ejerce de prostituta para poder llegar a fin de mes y Sölvi, buen padre y esposo que se ve inmerso en los entramados de las instituciones financieras. Esta película es una coproducción islandesa, finesa, y danesa, cine llegado desde el Norte pero que nos muestra cómo los problemas, las inquietudes y las alegrías son las mismas en todas partes. Personajes puede ser que no muy originales, pero muy bien interpretados y dotados todos ellos de una gran sensibilidad.

60.- A Esmorga (2014), de Ignacio Villar

Adaptación de la novela homónima de Eduardo Blanco Amor. Cibrán (Miguel de Lira) es un obrero que se junta con la Raxada (Melania Cruz), una ex-prostituta y madre soltera. Una mañana, de camino al trabajo, es abordado por dos amigos borrachos, Bocas (Karra Elejalde) y el atormentado Milhomes (Antonio Durán "Morris"). Cibrán se junta a ellos en su deambular incierto por la zona, dejando tras de sí un sendero de destrucción. Hacen un alto en la taberna de la tía Esquilacha (Covadonga Berdiñas), acceden a la vivienda de un cacique local llegado hace poco de Francia donde Bocas se enamora de la misteriosa dueña de la fiesta; llegan a un pazo al que Cibrán, ya borracho, prende fuego sin querer; los echan de un burdel; galantean a una loca pueril, Socorrito (Sabela Arán), que cada mañana saca a pasear un muñeco en un cochecito de bebé. Entretanto, Bocas es sospechoso de haber matado a un hombre durante una reyerta en una taberna, y además la homosexualidad reprimida de Milhomes no deja de fastidiar al Bocas de una manera que ninguno de los dos hombres son quien para comprender. Bocas y Milhomes emprendieron una especie de misión suicida al abeiro de la borrachera a la cual el miserable Cibrán se sumó sin saberlo. El alcohol es para Cibrán el refugio de lo que él denomina “el pensamiento”, una terrible lucidez que le hace ser consciente de su sórdida existencia.

viernes, 30 de octubre de 2020

Películas de la semana: 30 de octubre

Las Brujas (de Roald Dahl)

Título originalThe WitchesDirección: Robert Zemeckis. PaísEstados Unidos. Año2020. Duración99 minutos. GéneroTerror. Fantástico. Brujería. Años 1960. InterpretaciónAnne Hathaway, Octavia Spencer, Stanley Tucci, Chris Rock, Angus Wright, Jahzir Bruno, Philippe Spall, Simon Manyonda, Jon Prophet, Charles Edwards, Morgana Robinson, Anna Devlin, Eugenia Caruso, Codie-Lei Eastick, Eurydice El-Etr, Jonathan Livingstone, Miranda Sarfo Peprah, Abi Adeyemi, Me'sha Bryan, Joseph Zinyemba. GuionRobert Zemeckis, Kenya Barris, Guillermo del Toro (Novela: Roald Dahl. Guion original: Allan Scott). Producción:: Guillermo del Toro, Alfonso Cuarón. MúsicaAlan Silvestri. FotografíaDon Burgess. ProductoraWarner Bros./ImageMovers/Esperanto Filmoj/Double Dare You. Distribuidora: Warner Bros. Pictures. Estreno en España: 30 de octubre de 2020. SinopsisCuenta la conmovedora historia de un pequeño huérfano (Bruno) que, a finales de 1967, se va a vivir con su querida abuela (Spencer) a Demopolis, un pueblo de Alabama. El niño y su abuela tienen extraños encuentros con algunas brujas aparentemente glamurosas pero absolutamente diabólicas, así que ella decide quitarse de en medio y llevarse al chico a un hotel de lujo en la costa. Por desgracia, llegan exactamente al mismo tiempo que la Gran Bruja (Hathaway) que ha reunido a sus compinches de todo el planeta -que van de incógnito- para llevar a cabo sus horribles planes. Adaptación del libro Las brujas de Roald Dahl.

Sentimental

Dirección: Cesc Gay. País: España. Año: 2020. Duración: 82 minutos. Género: Comedia. Interpretación: Javier Cámara, Griselda Siciliani, Belén Cuesta, Alberto San Juan. Guion: Cesc Gay (Obra: Cesc Gay). Fotografía: Andreu Rebés. Productora: Imposible Films/Movistar+/TV3/ICEC/Sentimentalfilm/Televisión Española (TVE). Distribuidora: Filmax. Estreno en España: 30 de septiembre de 2020. Sinopsis: Julio (Javier Cámara) y Ana (Griselda Siciliani) hace más de quince años que están juntos. Forman una pareja que ya no se mira ni se toca, y que ha hecho del combate diario la esencia de su relación. Esta noche Ana ha invitado a casa a sus vecinos del piso de arriba, Salva (Alberto San Juan) y Laura (Belén Cuesta), una pareja más joven que ellos, amable y simpática, pero cuyos “ruidos” se han convertido en una molestia para Julio y Ana... ¿o quizás en un estímulo? Los vecinos de arriba les harán una inusual y sorprendente propuesta que convertirá la velada en una experiencia excesiva y catártica para los cuatro... Adaptación cinematográfica de Los vecinos de arriba, la obra teatral debut de Cesc Gay.

Emma

Dirección: Autumn de Wilde. PaísReino Unido. Año2020. Duración: 124 minutos. Género: Comedia. Romance. Drama de época. Siglo XIX. 
InterpretaciónAnya Taylor-Joy, Johnny Flynn, Bill Nighy, Miranda Hart, Mia Goth, Josh O'Connor, Callum Turner, Rupert Graves, Gemma Whelan, Amber Anderson, Tanya Reynolds, Chloe Pirrie. GuionEleanor Catton (Novela: Jane Austen). MúsicaIsobel Waller-Bridge, David Schweitzer. FotografíaChristopher Blauvelt. ProductoraWorking Title Films/Blueprint Pictures. Distribuidora: Universal Pictures. Estreno en España: 30 de octubre de 2020. SinopsisEmma Woodhouse es una joven inglesa que vive con su padre hipocondriaco, quien se preocupa en demasía por la salud y bienestar de sus seres queridos. A Emma le gusta hacer de casamentera para sus amigas, pero preocuparse por los sentimientos de ellos hace que no se ocupe de los suyos propios. Cuando su institutriz, la señorita Taylor, gran amiga suya, decide casarse, Emma se queda sola. La joven termina culpándose de su soledad porque fue ella quien le presentó a Taylor a su futuro marido. Para llenar el vacío, Emma sigue en su papel como casamentera y está decidida a buscarle un novio a su amiga Harriet Smith, una chica sencilla y modesta, muy diferente a la vida de lujos que tiene Emma. Woodhouse le anima para que rechace la propuesta de matrimonio de un granjero y acepte al señor Elton, el vicario local. Sin embargo, Elton con quien realmente quiere casarse es con Emma. 'Emma' es una nueva adaptación de la novela homónima de Jane Austen, publicada en 1815. Autumn de Wilde, conocido por dirigir cortos, es quien va a dirigir la película. Eleanor Catton, novelista ganadora del Premio Booker, es la encargada de escribir el guion. Se convirtió en 2013 en la persona más joven en conseguir el galardón.

Jóvenes y brujas

Título original: The Craft: Legacy. Dirección: Zoe Lister Jones. País: Estados Unidos. Año: 2020. Duración: 97 minutos. Género: Terror. Fantástico. Brujería. Remake. Interpretación: Cailee Spaeny, Michelle Monaghan, David Duchovny, Gideon Adlon, Nicholas Galitzine, Lovie Simone, Charles Vandervaart, Donald MacLean Jr., Hannah Gordon, Zoey Luna, Julian Grey, Travis Caverhill, Mike Dara, Devin Cecchetto, Chris Tomassetti, Owen Szabo, James Madge, Victor Chiu. Guion: Zoe Lister Jones. Fotografía: Hillary Spera. Productora: Blumhouse Productions/Columbia Pictures/Red Wagon Productions. Distribuidora: Sony Pictures Entertainment (SPE). Estreno en España: 30 de octubre de 2020. Sinopsis:  Esta película transcurre 20 años después de la original y en ella una chica llamada Hannah que llega nueva al instituto es iniciada en la brujería por sus nuevas 3 amigas después de que le baje su primera regla. Pronto se darán cuenta de que son mucho más poderosas de lo que esperaban, algo similar a lo que le ocurrió al aquelarre original formado por Sarah (Robin Tunney) , Nancy (Fairuza Balk), Bonnie (Neve Campbell) y Rochelle (Rachel True). Ellas tampoco usarán su recién descubierta magia para hacer precisamente el bien, lo que generará ciertas tensiones en el grupo. Remake de Jóvenes y brujas (The Craft), estrenada originalmente en 1996.

Lúa vermella

Dirección: Lois Patiño. País: España. Año: 2020. Duración: 84 minutos. Género: Drama. Fantástico. Secuestros. Desapariciones. Interpretación: Ana Marra, Carmen Martínez, Pilar Rodlos Rubio de Camelle. Fotografía: Lois Patiño. Productora: Zeitun Films/Amanita Films. Distribuidora: Elamedia Estudios. Estreno en España: 30 de octubre de 2020. Sinopsis: En un pueblo de la costa de Galicia, le da la sensación a sus lugareños y a aquellos que van a visitarlo que el tiempo se ha detenido por completo. Nada cambia ni hay atisbo de ello. Todas las personas se encuentran paralizadas, pero sus voces se siguen escuchando. Algunos hablan de fantasmas, otros de brujas y de monstruos. A aquel lugar llegan tres mujeres buscando a un hombre llamado Rubio, un marinero que ha desaparecido en el mar. Lúa Vermella se basa en la historia real de O Rubio de Camelle, un buzo que rescató más de cuarenta cadáveres de náufragos perdidos en el mar. Esta trama se ve envuelta por los seres que pueblan el imaginario fantástico gallego, como las meigas o la Santa Compaña. Para Patiño, durante el proceso del duelo, la desaparición del cadáver no permite cerrar la herida que se ha creado. Lois Patiño se adentra en la Galicia más marítima para hacer un ejercicio de comprensión tanto en su dimensión física como imaginaria, donde la realidad y la leyenda se funden y el mar y la muerte se entrecruzan más habitual de lo que a sus lugareños les gustaría.

She Dies Tomorrow

Dirección: Amy Seimetz. País: Estados Unidos Año: 2020. Duración: 84 minutos. Género: Drama. Comedia. Thriller. Interpretación: Kate Lyn Sheil, Jane Adams, Kentucker Audley, Katie Aselton, Chris Messina, Tunde Adebimpe, Jennifer Kim, Olivia Taylor Dudley, Josh Lucas, Michelle Rodriguez, Adam Wingard, Madison Calderon. Guion: Amy Seimetz. Música: Mondo Boys. Fotografía: Jay Keitel. Productora: Rustic Films. Distribuidora: Filmin. Premios y nominaciones: Festival de Sitges: Premio Jurado Carnet Jove a la Mejor Película. Estreno en España: 30 de octubre de 2020. Sinopsis: Dirigida, escrita y producida por Amy Seimetz, su segundo largometraje, esta mezcla entre thriller, comedia y terror, muy rica en humor negro, se centra en Amy, una joven que acaba de comprarse una casa pero está convencida de que se va a morir mañana. De hecho, lo tiene tan claro que no duda en hacérselo saber a su amiga Jane cuando va a visitarla, asegurando que cuando su negro destino se cumpla, quiere su cuerpo se transforme en una chaqueta de cuero. Jane, sorprendida ante las afirmaciones de Amy, achaca el extraño comportamiento de esta a la bebida, ya que su amiga tiene un pasado ligado al consumo de alcohol. Así Jane regresa a su vida con normalidad, pero de repente se vuelve paranoica e intenta desesperadamente contactar con Amy. Al no conseguirlo, se va a la fiesta de cumpleaños de su cuñada, plan con el que se había comprometido previamente. Allí aparece despeinada y en pijama confundiendo a los demás invitados que se sorprenderán aún más cuando empiece a asegurar que está convencida de que también morirá mañana. Así comienza a extenderse el miedo de Amy, que contagia a Jane provocando que esta a su vez le pegue ese temor a más invitados de la fiesta.

El cerro de los dioses

Dirección: Daniel M. Caneiro. País: España. Año: 2019. Duración: 81 minutos. Género: Intriga. Comedia. Falso documental. Interpretación: Paula Muñoz, Jaume Ulled, Itziar Castro, Carmen Muñoz, Mariam Bachir, Will Shephard, Jaime Adalid, Darko Peric, Iñigo Galiano, Christian Caner, Pau Escobar, Alain Hernández, Lluís Altés. Guion: Daniel M. Caneiro, Borja Figuerola. Música: Maese César. Fotografía: Jep Brengaret. Productora: Lacima Producciones/Etérea Films/Cromagnon Producciones/Odessa Films/Sevenfor Servicios Audiovisuales/Altamira Entertainment/TV3. Distribuidora: Begin Again Films. Estreno en España: 30 de octubre de 2020. Sinopsis: El Cerro de los Dioses es un falso documental que comenzó a rodarse en 2018 y que sigue a Paula y Pedro en una investigación sobre la fama, el éxito, el ego, lo tradicional y el mundo rural. Ambos son una directora y su productor, especializados en documentales. Marcos, un youtuber con muchos seguidores, Itziar, una actriz y Will, un realizador de cine de autor, son sus objetivos, que se desplazarán a Fuentelsaz del Campo, un pequeño pueblo en Castilla la Mancha, para ser homenajeados por sus carreras en campo del audiovisual en una celebración llamada La Siega. Y tras ellos irán los protagonistas, acompañados de Marc, su cámara que documentará todo proceso de observación, para ver qué traman. Ya en el pueblo se les unirá Tania, la hija del alcalde, y pieza clave en la revelación de una leyenda negra del lugar sobre vender almas. La desaparición de Pedro dará un vuelco a la trama. El falso documental cuenta para su correcto desarrollo con una serie de entrevistas realizadas a diversos celebrities del país español.

El siglo de Galdós

Dirección: Miguel Ángel Calvo Buttini. País: España. Año: 2020. Duración: 94 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental. Guion: Álvaro Lion Depetre. Fotografía: Almudena Sánchez. Productora: Salto de Eje/Televisión Española (TVE). Distribuidora: Barton Films. Estreno en España: 30 de octubre de 2020. Sinopsis: ¿Quién no conoce el nombre, el personaje de Don Benito Pérez – Galdós? ¿Su obra?  Pero probablemente no conozcan la faceta más personal del segundo escritor más importante de todos los tiempos en España después de Cervantes.  Es una vida “de película”, que así pretendemos retratar en este largometraje documental de marcado estilo cinematográfico. Benito Pérez-Galdós nació y vivió en Las Palmas de Gran Canaria hasta los 19 años que se trasladó a Madrid, en donde vivió la mayor parte de su vida hasta que falleció, un 4 de Enero del 1920. El año 2020 es el centenario de su muerte. Un momento idóneo para este documental con marcado estilo cinematográfico de un extraordinario narrador de su época, el siglo XIX y comienzos del siglo XX, una de las épocas mas convulsas de España y en el mundo con el inicio de la Primera guerra mundial. Galdós fue un hombre comprometido con su tiempo, muy tímido, celoso de su intimidad, escritor, dibujante, dramaturgo, amante, liberal, republicano, político 3 veces diputado, viajero, acabó casi arruinado y ciego, por todo esto y más, este documental, a propósito de su efemérides, es más necesario que nunca. Fue propuesto al premio NOBEL hasta tres veces pero nunca se le concedió por su implicación política en la sociedad española del siglo XIX anclada en el pasado. Disputas entre las derechas y las izquierdas. ¿Les suena?  A través de sus cartas, sus ilustraciones, su ceguera, con gran material de archivo, e indagando en las localizaciones en las que transcurrió su vida, iremos narrando cinematográficamente su vida, que no dejará indiferente a nadie, obra y el siglo que Don Benito Pérez-Galdós. canario de nacimiento, vivió. Un siglo, el siglo de Galdós, convulso e interesante. Este documental, de marcado estilo cinematográfico, pretende hablar de un extraordinario narrador de su época, el siglo XIX y comienzos del Siglo XX. Galdós fue un hombre comprometido con su tiempo, escritor, político, y gran desconocido en lo que a su vida privada se refiere. Fue propuesto al premio Nóbel pero nunca se le concedió. A través de sus cartas, sus ilustraciones, su ceguera, entrevistas a grandes personalidades, con gran material de archivo desconocido, e indagando en las localizaciones en las que transcurrió su vida, iremos narrando cinematográficamente su vida, obra y el siglo que Don Benito Pérez-Galdós. canario de nacimiento, vivió. Un siglo, el siglo de Galdós, convulso e interesante.

Joan Micklin Silver, directora olvidada de los años 1970

Joan Micklin Silver (nacida el 24 de mayo de 1935) es una directora  estadounidense. Comenzó su carrera en el cine en la década de 1960 escribiendo guiones para películas educativas para niños producidas por Encyclopedia Britannica. También dirigió tres cortometrajes de este tipo para Learning Corporation of America (LCA): The Case of the Elevator Duck, The Fur Coat y The Immigrant Experience. Ha señalado en reiteradas ocasiones que las barreras para la incorporación de las mujeres en el cine eran tan importantes, a principios de la década de 1970, que "no tenía absolutamente ninguna posibilidad de conseguir trabajo como directora". 

Su primera película de bajo presupuesto, Hester Street (1975), recibió una nominación al Oscar a mejor actriz para la actriz Carol Kane. Su película de 1977, Al otro lado de la noticia (Between the Lines) se inscribió en el 27º Festival Internacional de Cine de Berlín. También es conocida por la película Crossing Delancey que se estrenó en 1988 y está protagonizada por Amy Irving. También concibió y dirigió la revista musical A... My Name Is Alice con Julianne Boyd (1983).

Por el estreno de Druk (Another Round)... (IX)

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49.- Aberdeen (2000), de Hans Petter Moland

La abogada Kaisa Heller, recién ascendida, no tiene vínculos emocionales aparentes y prefiere los encuentros anónimos con hombres. Ella se sorprende al recibir una llamada de Helen, su madre moribunda, con una solicitud final para llevar al padre de Kaisa, Tomás, a verla en el hospital. La película es una especie de road movie con encuentros en el camino, algunos de confrontación, como borracheras que acosan a su padre o azafatas enojadas que dan ultimátums, mientras que algunas son románticas, como el camionero Clive, a quien Kaisa intenta usar, pero en cambio. se encuentra apegada a. Lo que empezó como una tarea ineludible, quizás la última que nunca habrá podido esquivar, se convierte en un nuevo punto de partida en su vida.

50.- Pan y leche (Kruh in mleko, 2001), de Jan Cvitkovic

La historia de un hombre que salió a buscar pan y leche y se perdió en el alcohol. Un cuento tragicómico acerca de la soledad, la pérdida y los rescoldos del amor que quedan donde antes había un fuego. Estimable película eslovaca, corta y agradable de ver, que narra un día en la vida de un alcohólico empedernido al que acaban de dar el alta. La película oscila entre la comedia y el drama, como suele ocurrir con los borrachos de la vida real. Peter Musevski realiza un trabajo excepcional, minimalista, representando a la perfección a un borracho de pueblo; el resto de secundarios completa una película basada en los personajes y las situaciones cotidianas que se dan entre ellos. El estilo es sencillo; la película está rodada en blanco y negro y con pocos artificios.

51.- Factotum (2005), de Bent Hamer

Hank Chinaski es escritor. Escribe poemas, relatos, y los manda a revistas literarias que siempre los rechazan. Para pagar las pensiones baratas en las que vive y las copas que se toma, acepta cualquier trabajo. Ha trabajado en almacenes, en fábricas, de portero e incluso de taxista, pero nunca dura mucho. Para Hank la vida significa apostar en el hipódromo, amar con pasión a dos mujeres, Jan y Laura, a las que les gusta beber tanto como a él y escribir. Después de perder a Jan, que le deja por un hombre que le ofrece seguridad material, Hank acaba bebiendo en la calle con los borrachos del barrio. Pero en el último momento, una prestigiosa revista literaria acepta publicar uno de sus relatos. Factótum nos explica la historia de un perdedor que se dedica a escribir sin que ninguna revista o editorial se interese por sus relatos y que, tal vez por ello, cambia de trabajo de un día para otro, aliviando sus penas en el alcohol y en las apuestas y manteniendo relaciones sin futuro con mujeres que conoce en los bares. Ni siquiera la relación con sus padres es buena, en particular con su padre, de ahí que ni siquiera en casa de su familia pueda sentirse cómodo. La película está basada en el libro del mismo título del escritor Charles Bukowski, un alcohólico que reflejó en el protagonista parte de su personalidad. En la cinta también se utilizan pasajes de otras obras suyas como “Lo más importante es saber atravesar el fuego” y “El capitán salió a comer y los marineros tomaron el barco”. Desde el punto de vista que nos interesa, ésta es la historia de un perdedor. A diferencia de El borracho, donde el personaje se autodestruía, aquí nos encontramos con alguien a quien la suerte no le ha acompañado nunca y se ha visto obligado a malvivir a base de trabajos precarios y mucho alcohol. La cinta no juzga a los personajes y se limita a mostrar el alcoholismo como una consecuencia de la incapacidad de acceder a una vida mejor. Para los personajes es una huida, una forma de evadirse del día a día. El personaje, ante todo ello, actúa con cobardía y prefiere sumergirse en los paraísos artificiales antes de luchar con ahínco por lo que verdaderamente desea. Por ello al final deducimos que, una vez ha logrado publicar, abandonará las calles y la bebida para vivir una nueva vida. En contra hay que señalar que la película tiene un desarrollo lento y que los personajes son, dentro de su complejidad, bastante estereotipados. Es una lástima ya que hubiera sido muy interesante entender las motivaciones profundas que llevan a alguien a afrontar la realidad a través de la vidriosa óptica del alcohol.

52.- 16 Years of Alcohol AKA Sixteen Years of Alcohol (2003), de Richard Jobson

La película se desarrolla en Edimburgo, en tres periodos diferentes de la vida de Frankie Mac. Durante su infancia, Frankie Mac ve como el mundo a su alrededor se ahoga en alcohol. Su padre, que siempre ha sido un ídolo para Frankie, aparece por primera vez como un mentiroso mujeriego. En sus años de adolescencia, Frankie es líder de una banda callejera. Viven para la música, la ropa y la violencia. Frankie se enamora de Helen, pero no puede distanciarse de la tiranía del pasado, que vuelve para perseguirle a él y a cualquier posible relación. A medida que su vida vuelve de nuevo al mal camino, vuelve a caer en el modelo familiar de violencia y alcohol. Ya de adulto, Frankie ha vuelto a centrarse gracias a las reuniones de grupo y su papel como actor. Comienza a aparecer la sensación real de lo que puede llegar a ser su vida. Tiene la oportunidad de comprender finalmente el significado de la esperanza y de sentir el poder del amor en todo su esplendor contándole a Mary sus verdaderos sentimientos...

53.- La dernier pour la route (2009), de Philippe Godeau

Hervé (François Cluzet), jefe de una agencia de prensa, sufre de su adicción al alcohol, lo que afecta a su vida familiar y profesional. Para salir de ella, accede a ingresar a una clínica aislada especializada en desintoxicación. La cura es muy difícil para Hervé. Allí entabló amistad con Magali, una paciente muy joven de la clínica. Con una actitud casi paternalista hacia ella, intenta ayudarla a salvarse, pero así se enfrenta a sus propios demonios. Mientras Magali se hunde en su comportamiento autodestructivo, Hervé se cura gradualmente de su adicción. Obtuvo cinco nominaciones en los Premios Cesar. Hervé Chabalier , autor de la novela de la que la película es una adaptación, hace un cameo al principio de la película cruzando brevemente a François Cluzet en un tren.

54.- Corazón rebelde (Crazy Heart, 2009), de Scott Couper

Bad Blake es un cantante de música 'country' que después de diversos fracasos matrimoniales se refugia en el alcohol. Cuando parece que su vida se derrumba y no hay ninguna salvación, aparece Jean, una reportera que descubrirá quién es el verdadero Bad. La ópera prima del semidesconocido Scott Cooper como director es esta emotiva cinta, en la que el típico vaquero texano busca la redención alejándose de la miseria en que le sume su alcoholismo. Cooper, que además es guionista y productor, adapta una novela de Thomas Cobb para crear esta película con aspecto de 'road movie' en la que Jeff Bridges borda su interpretación de Bad Blake. El actor californiano dota al personaje de gran cantidad de matices con increíble naturalidad, lo que le valió alzarse con el Oscar al mejor actor principal en 2010. Bridges está acompañado de un gran elenco formado por Maggie Gyllenhaal  Colin Farrell ") y Robert Duvall. Cabe destacar el importante papel que juega la música y el excelente trabajo de Ryan Bingham y T-Bone Burnett, galardonados con el Oscar a la mejor canción.
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jueves, 29 de octubre de 2020

Cumplió 25 años: Cómo conquistar Hollywood

El 29 de octubre de 1995 se estrenó la película estadounidense Cómo conquistar Hollywood (Get Shorty), dirigida por Barry Sonnenfeld e interpretada por John Travolta, Gene Hackman, René Russo, Danny DeVito,Dennis Farina, Delroy Lindo, James Gandolfini, Jon Gries, Renee Props, David Paymer, Martin Ferrero, Miguel Sandoval, Linda Hart, Harvey Keitel, Bette Midler, Jacob Vargas. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)/Jersey Films. Duración: 105 minutos. 
Sinopsis argumentalChili Palmer, un gángster de Miami, viaja a Los Ángeles para cobrar una deuda a un mediocre productor. Pero una vez allí, entra de lleno en el mundo del cine: se hace productor, tiene un idilio con una estrella de cine e incluso reserva mesa en los restaurantes de moda. Todo sería perfecto si no fuera por el acoso al que lo someten unos estafadores locales y un gángster de su pasado. 
Nominaciones y premiosGlobos de Oro: Mejor actor - Comedia o musical (John Travolta). 3 nominaciones; Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor actor (John Travolta);Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión adaptado; Sindicato de Actores (SAG): Nominada mejor reparto (Largometraje); 1995: Asociación de Críticos de Chicago: 2 nominaciones, incluida mejor banda sonora.
ComentarioBarry Sonnenfeld, el director de La familia Addams, presentó esta aguda sátira sobre el lado oscuro de la industria cinematográfica estadounidense basándose en una novela del aclamado escritor Elmore Leonard. La historia se basa en la divertida experiencia hollywoodiense del autor que, además de haber trabajado como guionista, vio adaptados a la pantalla otros textos suyos como Jackie Brown o Un romance muy peligrosoEl protagonista de la película es John Travolta, secundado por un trío de envergadura: Gene Hackman, Rene Russo y Danny DeVito, también productor de la cinta.

Efemérides de cine: La vida privada de Sherlock Holmes

El 29 de octubre de 1970 se estrenó la película británica La vida privada de Sherlock Holmes (The Private Life of Sherlock Holmes), dirigida por Billy Wilder con Robert Stephens, Colin Blakely, Geneviève Page, Christopher Lee, Clive Revill, Tamara Toumanova, Irene Handl, Mollie Maureen, Stanley Holloway, Catherine Lacey, Michael Balfour, Peter Madden. Productora: United Artists. Duración: 125 minutos. 
Sinopsis argumentalSherlock Holmes y el doctor Watson parten hacia Escocia para investigar la desaparición del marido de una bella mujer. Una vez allí, descubren que en el caso está involucrada una sociedad que pertenece al Servicio Secreto de su Majestad. Pero, antes de que pueda aplicar sus extraordinarias dotes de deducción para resolver el asunto, Holmes comete un error que, además de arruinar su reputación, podría también poner en peligro la seguridad de Gran Bretaña. 
Nominaciones y premiosSindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión original comedia.
Comentario: Una visión muy personal de Billy Wilder sobre Sherlock Holmes y el doctor Watson. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Películas de la semana: 29 de octubre

Mónica Naranjo: La huella de la pantera

Dirección: Miguel Bosch, Ana Joven. País: España. Año: 2020. Duración: 120 minutos. Género: Documental. Conciertos. Reparto: Documental (intervenciones de: Mónica Naranjo, Pepe Herrero, Gloria Trevi). Guion: Ana Joven. Música: (Canciones: Mónica Naranjo). Productora: Distribuidora: Versión Digital. Estreno en España: 29 de octubre de 2020. Sinopsis
Mónica Naranjo, con más de 8 millones de discos vendidos en todo el mundo, es la cantante española con mas premios del World Music Awards. Icono de los derechos de las mujeres y los colectivos LGTBI, se mostrará en la gran pantalla a través de un documental espectacular, impregnado de la fuerza y la integridad propia de una pantera. En 2019 Mónica Naranjo dio el pistoletazo de salida a Renaissance, la gira con la que celebró sus 25 años en la música y en la que reunió sobre el escenario a una orquesta sinfónica con el Maestro Pepe Herrero al frente. No estaba solo en el escenario. Una banda de rock y un completo coro que hicieron del espectáculo una auténtica celebración con más de 60 personas en escena dando vida al repertorio más conocido de la artista. Ahora, meses después y en exclusiva para cines, llega el documental La huella de la pantera. que desvela, a lo largo de sus 120 minutos, las imágenes, anécdotas, y curiosidades alrededor, no sólo de esta gira, sino de los más de 25 años de carrera de la artista

miércoles, 28 de octubre de 2020

Hace 100 años: Der Richter von Zalamea

El 28 de octubre de 1920 se estrenó la película alemana Der Richter von Zalamea, dirigida por Ludwig Berger e interpretada por Lil Dagover, Albert Steinrück, Agnes Straub, Elisabeth Horn, Lothar Müthel, Heinrich Witte, Max Schreck, Ernst Legal, Ernst Rotmund, Hermann Vallentin, Armin Schweizer, Helmuth Krüger. Productora: Decla-Bioscop AG. Duración: 87 minutos.
Sinopsis argumental: España a principios de la década de 1580, en tiempos de Felipe II. Las tropas del rey entraron en el pueblo de Zalamea. El capitán Don Álvaro está alojado en la casa de Pedro Crespo y sus dos hijos. Álvaro está muy interesado en la orgullosa hija Isabel, quien, sin embargo, le muestra  frialdad. Esto enfurece al capitán, que no está acostumbrado a los rechazos, y toma por la fuerza a la bella Isabel por la fuerza. A los ojos de Pedro, esta violación también significa una pérdida de honor para él, por lo que él, que, entre tanto, ha sido nombrado alcalde de Zalamea, obliga a que el violento capitán se sea juzgado. El comandante de Álvaro, los generales de Lope, advierten a Pedro que no vaya demasiado lejos. Pero el juez de Zalamea no está impresionado, por lo que el juicio termina con la sentencia de muerte contra el abusador Don Álvaro. Luego De Lope intenta cuestionar la competencia judicial de Pedro Crespo. Sin haberse anunciado, el rey Felipe aparece de repente en el pueblo y confirma la sentencia de muerte, pero deja que brille su voluntad de perdón. Pero es demasiado tarde, el veredicto ya se cumplió poco antes de la llegada real y el violador fue ejecutado con un garrote .
ComentarioLa película se basó en la histórica obra de teatro española del mismo nombre de Pedro Calderón de la Barca. Fue el debut de Berger como director.

Hace 100 años: El último mohicano

El 28 de octubre de 1920 se estrenó la película estadounidense El último mohicano (The Last of the Mohicans), dirigida por Clarence Brown, Maurice Tourneur e interpretada por Wallace Beery, Barbara Bedford, Alan Roscoe, Lillian Hall, Henry Woodward, James Gordon, George Hackathorne, Nelson McDowell, Harry Lorraine, Theodore Lorch, Jack McDonald, Sydney Deane, Joseph Singleton, Boris Karloff. Productora: Maurice Tourneur. Duración: 73 minutos. 
Sinopsis argumentalLas hijas de un oficial británico son secuestradas durante una guerra que enfrenta a Francia e Inglaterra. Los últimos representantes de la tribu de los mohicanos y Ojo de Halcón, un explorador blanco amigo de los pieles rojas, sitian el fuerte donde están encerradas para intentar rescatarlas. 
ComentarioAdaptación de la novela homónima del escritor norteamericano James Fenimore Cooper. Esta película de 1920 ha sido catalogada como «culturalmente significativa» por la Biblioteca del Congreso y seleccionada para ser conservada en el National Film Registry de los Estados Unidos.

Por el estreno de Druk (Another Round)... (VIII)

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43.- Guerreros de antaño (Once Were Warriors, 1994), de Lee Tamahori

Los miembros de la familia Heke viven en un barrio humilde de Auckland, la capital de Nueva Zelanda. El padre, Jake, es un hombre alcohólico y violento que suele pegar a su mujer, mientras que sus hijos varones tampoco parecen ir por buen camino: el mayor se une a una banda callejera y el pequeño es perseguido por la policía. El contrapunto de sensatez lo aporta Grace, la hija mayor del matrimonio, que intenta evadirse de la desesperación que le rodea a través de la escritura. Viéndolos en una situación tan deplorable, nadie diría que los Heke son descendientes directos de un antiguo clan de guerreros maoríes. Esta producción neozelandesa de 1994 ofrece un duro retrato de la vida cotidiana de una familia maorí de clase trabajadora, adaptando la novela del mismo título de Alan Duff. La película, premiada en los festivales de Venecia y Montreal, supuso el debut en la gran pantalla del realizador Lee Tamahori, que más tarde firmaría obras como “Mulholland Falls” o “El desafío”. En el reparto encontramos los nombres de Temuera Morrison y Julian Arahanga. En 1999 se estrenaría una segunda parte del filme, What Becomes of the Broken Hearted?.

44.- Drunks (1995), de Peter Cohn

Jim, un hombre con problemas de alcoholismo, acude durante siete meses a la reunión de Alcohólicos Anónimos que tiene lugar en el sótano de una Iglesia de Nueva York. Una noche, se siente especialmente abatido y cuando le animan a hablar empieza a contar cómo empezó a beber a causa de la repentina muerte de su esposa. Los otros miembros del grupo explican sus propias experiencias con el alcohol: Rachel, una psicóloga que intenta llenar el vacío de su vida sin su marido y su hijo; Joseph, un padre destrozado al causar la muerte de su hijo de cinco años conduciendo borracho; Debbie, una joven que desearía ser Janis Joplin; Shelly, cuya fuerza de voluntad será puesta a prueba por la visita de su madre; Becky, una divorciada que no está segura de conseguir la custodia de su hijo; Brenda, una portadora del virus del Sida drogadicta y Louis, que intenta entrar en el coro de la iglesia. Drama basado en la obra de teatro Blackout, de Gary Lennon, interpretado más que competentemente por un atractivo reparto encabezado por Faye Dunaway, Dianne Wiest, Calista Flockhart, Amanda Plummer, Lisa Gay Hamilton, Parker Posey y Richard Lewis, un actor cómico que muestra aquí otra faceta.

45.- Leaving Las Vegas (1995), de Mike Figgis 

Ben Sanderson es un hombre normal que cae en una espiral autodestructiva tras divorciarse y perder su puesto de trabajo. Por ello decide ir a la ciudad de Las Vegas con la firme decisión de beber hasta la muerte. Allí traba amistad con Sera  una prostituta a la que no le importa cambiar su dignidad por dinero y que tiene una violenta relación con un proxeneta ucraniano. Juntos comienzan una complicada relación donde el amor, el alcohol y la dependencia mutua marcan el hilo de una historia de dos personas que no tienen nada que perder. A pesar del amor que le muestra Sera, Ben no cejará en su intento de matarse bebiendo. Leaving Las Vegas está basada en la novela autobiográfica de John O'Brien, un escritor que se suicidó pocos meses antes del estreno de la película. Mike Figgis, guionista y director, ilustra la tragedia del novelista con una vigorosa puesta en escena sin dejar de mostrar el carácter autodestructivo, su adicción al alcohol y el nihilismo que le lleva a matarse literalmente. La película recuerda a Días de vino y rosas, ya que es principalmente un duro drama sobre el alcoholismo, en el que un hombre convulsionado en la dependencia de la bebida intenta parecer coherente cuando lo único que desea es terminar cuando antes, ya que su viaje está más cerca del infierno que de la vida. Es, por ello, tan dura como descorazonadora. Cuando uno ve por primera vez la película, sólo le viene una pregunta a la cabeza: ¿por qué esta persona ha decidido ahogarse en el alcohol como forma de acabar con su vida? Muy probablemente lo que nos muestra el director es sólo el desenlace de su drama. Lo que intuimos es tal vez más interesante: la soledad, la incomprensión, la imposibilidad de comunicar a nadie sus sentimientos. Al final sí encuentra esa persona en la figura de la prostituta, pero ya es tarde, ya no hay posibilidad para él. Extraordinariamente interpretada, la película muestra escenas que llegan a estremecernos y que demuestran el grado de deterioro al que puede llegar un ser humano por culpa del alcohol. Deterioro que va de lo moral (esa desesperanza hacia todo y todos) a lo físico (ver cómo el cuerpo de Ben se va apagando resulta estremecedor). Película completísima, cruda y que nos permitirá llevar a cabo un trabajo educativo de primera magnitud.

46.- Trees Lounge (Una última copa) (Trees Lounge, 1996), de Steve Buscemi 

Tommy Basilio es un fracasado a quien acaba de dejar su novia, ha sido abandonado por su mejor amigo y jefe, y ha perdido su trabajo como mecánico. Tommy se dedica temporalmente a repartir helados con la vieja furgoneta de su difunto tío y, mientras lo hace, se enamora de su joven ayudante. Pero sólo encontrará el consuelo que necesita dándose a la bebida. Steve Buscemi, uno de los actores más reconocidos del cine independiente norteamericano (Reservoir Dogs, Fargo), debutó en la dirección de largometrajes con este drama, del que es además guionista y protagonista. Buscemi parte de lo que parece un típico cliché de película de televisión para construir un guión dramático, no exento de cierto humor desgarrado, en el que el amplio abanico de personajes que habitan el extraño mundo del alcohólico protagonista juega un papel fundamental. Anthony LaPaglia, Annette Arnold, Samuel L. Jackson o Mimi Rogers son algunos de los nombres ilustres que forman parte del reparto.

47.- Solas (1999) de Benito Zambrano

Una madre y una hija se ven obligadas a convivir después de mucho tiempo separadas. La relación es difícil pero la soledad en la que ambas se encuentran las irá acercando. A pesar de que la ópera prima de Benito Zambrano contó con un presupuesto muy reducido y se estrenó en pocas salas, el boca a boca logró que este drama social se mantuviera más tiempo del habitual en cartel y acabase atrayendo a un elevadísimo número de espectadores. La película, además, fue una de las grandes triunfadoras de la edición de los Goya del 1999, obteniendo cinco galardones de los once a los que optaba: los de mejor actor (Carlos Álvarez-Novoa), actriz revelación (Ana Fernández), actriz secundaria (María Galiana) y director novel y guion original (ambos para Zambrano). Cabe destacar que el filme tuvo una versión teatral seis años después protagonizada por Lola Herrera y Natalia Dicenta que también arrasó en los premios Max, los Goya de las tablas, cosechando cinco nominaciones y el galardón a la mejor actriz para Herrera; lo que confirma la solidez de la historia escrita por el cineasta sevillano.

48.- 28 días (28 Days, 2000), de Betty Thomas

Como consecuencia de su adicción al alcohol, la periodista Gwen Cummings tiene un accidente con la limusina que le ha robado a su hermana el día de su boda. Este hecho le acarrea una sentencia judicial que la obliga a ingresar en una clínica de rehabilitación para alcohólicos en la que tendrá que permanecer durante 28 días, todo un mes. Allí conocerá a mucha gente, especialmente a su compañera de cuarto, y a un jugador de béisbol profesional llamado Eddie. Aunque al principio será difícil, poco a poco se irá recuperando. 28 días es el relato de la lucha de una escritora alcohólica por limpiar su vida y regresar a la sobriedad de una vez por todas. Lo más curioso de la película es que el guión es una mezcla de comedia y drama, lo cual le da a la cinta un tono irregular pero, a la vez, la hace muy asequible para ser trabajada educativamente con alumnos de Educación Secundaria. Aclaremos que el aspecto dramático no está nada mal trazado, ya que en el guión se señalan ciertos puntos interesantes sobre la naturaleza de las adicciones y las variadas razones que las producen. Sobre este tema se profundiza y se hace una interesante reflexión sobre la vida fácil y cómoda de determinados sectores de nuestra población, así como sobre lo fácil que es acceder al alcohol en situaciones cotidianas. Dejando de lado esa vertiente más dramática, la película juega con el humor más fácil para hacer próximos a los personajes. Esa circunstancia, que la prensa especializada se encargó de criticar con saña en su momento, nos parece que es una circunstancia que facilita la empatía con los personajes. Evidentemente ello repercute en la profundidad de los personajes y en un guión que, en muchos pasajes, resulta tan previsible como poco creíble. Ésta es una película comercial pensada para el gran público. Pero tenemos que agradecer que dentro de esta idea de un cine apto para todos los públicos, se opte por tratar una temática social con un lenguaje llano y facilitando la identificación. Con todas sus limitaciones, que las tiene, ésta resulta una película interesante para hablar sobre el problema del alcoholismo.
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martes, 27 de octubre de 2020

Cumplió 25 años: Powder (Pura energía)

El 27 de octubre de 1995 se estrenó Powder (Pura energía) (Powder), dirigida por Victor Salva e interpretada por Mary Steenburgen, Sean Patrick Flanery, Lance Henriksen, Jeff Goldblum, Brandon Smith,  Bradford Tatum, Susan Tyrrell, Ray Wise, Missy Crider. Productora: Hollywood Pictures/Caravan Pictures. Duración: 114 minutos. 
Sinopsis argumentalEn un pequeño pueblo norteamericano, cuando el sherif Barnum investiga el fallecimiento de un anciano, descubre a su nieto adolescente viviendo en su granja. Sin más parientes vivos, ha vivido aislado del resto del mundo, que sólo conoce a través de los libros que ha leído. Enviado a un orfanato estatal para chicos inadaptados, el extraño muchacho tendrá serios problemas para integrarse socialmente con los demás internos. Su extraña apariencia -albina y sin cabellos-, su extraordinaria inteligencia y, sobre todo, sus inusuales y asombrosos poderes sobrenaturales, provocarán el miedo y la burla de los vecinos de la localidad. 
ComentarioUna película que se vio afectada en su estreno americano por la revelación de que su director, Victor Salva, había estado 15 meses en la cárcel por acoso sexual a un menor durante la producción de un telefilme, en 1988. Controversias a parte, la película, que combina fantasía y drama, tiene un argumento original y unas innegables buenas intenciones. El resultado es una cinta a caballo entre E.T. y El hombre elefante que, sin ser una gran obra, intenta, de forma sincera, contar una historia maravillosa y original.

Cumplió 25 años: Hotel y domicilio

El 27 de octubre de 1995 se estrenó la película española Hotel y domicilio, dirigida por Ernesto del Río e interpretada por Jorge Sanz, Santiago Ramos, Enrique San Francisco, Anabel Alonso, Ramón Barea, Joseba Apaolaza, José Manuel Cervino, Saturnino García. Productora: Lan Zinema/Sendeja Films. Duración: 99 minutos. 
Sinopsis argumental: Ángel trabaja como médico forense en la Audiencia de una ciudad de tamaño medio. Abandonado por su pareja, un psiquiatra amigo y vecino le ayuda, le induce a hacer deporte y le encamina hacia una agencia de contactos para resolver su problema más acuciante. Ángel conoce así a Bruno, un chapero de poco más de veinte años cuyo presente se circunscribe a una agencia en la que trabaja, y a Mavi, una prostituta con la que éste mantiene una relación de compañerismo. En el pasado de Bruno figura Guillermo, un ex policía cincuentón que fue su chulo hasta que lo metieron en la cárcel y que sigue acosándolo.
Comentario: Un thriller de aséptica factura, que toca de forma explícita temas como la prostitución o la homosexualidad. Pasó por las taquillas con más pena que gloria.