jueves, 30 de junio de 2022

Noticias de libro: Telegramas cinéfilos

Telegramas cinéfilos

José Luis Garci
Reino de Cordelia
Madrid
2022
216 págs.
Prólogo de Jesús García Calero
Durante cincuenta semanas, José Luis Garci ha ido publicando Telegramas cinéfilos en el ABC Cultural sobre esquinas y rincones poco visitados: los cameramans, los músicos de bandas sonoras, los diseñadores gráficos de carteles y títulos de crédito, los especialistas españoles que se han jugado la vida en los spaghetti westerns, las grandes guionistas de Hollywood que han caído en el olvido o la filmografía de Fernando Fernán Gómez como director. Tampoco se le han pasado los besos de cine, la carrera como actor del gran Frank Sinatra o la risa provocada por los Hermanos Marx, Charlot, el Gordo y el Flaco, Woody Allen... y tantos otros genios dedicados a la comedia, género poco valorado que ha dado joyas como Con faldas y a lo loco. Un viaje apasionante por la vida reflejada a través de lo que él llama la «sábana santa».
José Luis Garci ganador del primer Oscar para una película en lengua española, Volver a empezar, guionista de La cabina (Antonio Mercero), también primer y único Emmy obtenido hasta hoy, por la televisión en España; ganador asimismo del Goya al Mejor Director y del Premio Nacional de Cinematografía (sus películas han sido cuatro veces nominadas por la Academia de Hollywood), también es Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Como escritor, Garci ha conseguido los premios Puerta de Oro de relatos, Clarín, Pluma de Plata, Nueva Dimensión, y así como el Mariano de Cavia, el González-Ruano y el Continente de Periodismo. Entre sus libros, destacan Ray Bradbury, humanista del futuro, Morir de cine, Beber de cine, Noir, Las siete maravillas del cine, Campo del Gas, Insert Coin, A este lado del gallinero, El toque Lutitsch y otros roces o Robín de los Bosques. Y entre su filmografía sobresalen Asignatura pendiente, la trilogía de El crack, Canción de cuna, El abuelo, You’re the one o Tiovivo c. 1950. Por sus colaboraciones radiofónicas ha sido galardonado con dos Antenas de Oro y el Premio Ojo Crítico de Radio Nacional de España.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCXXVI)

Cabeza borradora (Eraserhead, 1977), de David Lynch

Henry Spencer, un joven depresivo y asustadizo, sufre desde pequeño unas extrañas pesadillas de las que intenta liberarse a través de su imaginación. Un día, su amiga Mary lo invita a cenar a casa; se entera entonces de que ha sido padre de un bebé prematuro y no humano. Mary y el extraño bebé se instalan en casa de Henry, donde un escenario iluminado tras el radiador muestra la presencia de una mujer. 
Aunque en cierto modo podría decirse que todo el cine de Lynch respira la esencia de las películas de culto, pocas encajan en la categoría mejor que Cabeza borradora, aún hoy la más extraña, sugerente y terroríficas de sus invenciones. Fue su opera prima y, como tantas otras de esta lista, fue recibida entre la más absoluta indiferencia, pero los pases de madrugada y el boca-oreja la convirtieron en el clásico reconocido del cine extraño que es hoy, hasta el punto que figura en la Librería del Congreso de los Estados Unidos por su importancia histórica. Lo curioso es que la película, pese a lo críptico de sus imágenes, posee una serie de iconos reconocibles que se han convertido en parte indisociable de la cultura moderna: la chica del radiador y su irrepetible nana sobre cómo en el cielo todo va bien, el pelo de Jack Nance, el bebé deforme, los exteriores de fábricas en corrosivo blanco y negro... una mezcla intuitiva y muy estética de simbología post-industrial y enigma irresoluble que han reforzado su categoría de obra maestra del cine de culto durante todos estos años. David Lynch debutó en la dirección de su primera película con esta historia donde también se encargó del guion, producción, montaje y decoración. La película es una historia surrealista donde lo onírico y fantástico se mezcla con el terror y la angustia. Atmósfera conseguida de este controvertido director que sorprende con los estilos tan variados de cada una de sus películas.

miércoles, 29 de junio de 2022

Mujeres de cine: Katherine Hepburn

El 29 de junio de 2003 fallece en Fenwick, Katharine Houghton Hepburn, más conocida como Katherine Hepburn, actriz estadounidense. Conocida por su fuerte independencia y personalidad enérgica, fue una primera actriz en Hollywood durante más de sesenta años. Intervino en una variedad de géneros que van desde la comedia alocada a dramas basados en obras literarias y recibió cuatro premios Oscar a la mejor actriz, un récord no superado por ningún intérprete hasta la fecha.​ Es uno de los grandes mitos femeninos de la historia del cine. En 1999, Hepburn fue nombrada por el American Film Institute como la mayor estrella femenina de la historia de Hollywood.
Criada en Connecticut por padres reformistas y de clase alta, Hepburn comenzó a actuar mientras estudiaba en el Bryn Mawr College.​ Tras cuatro años en el teatro, las críticas favorables de su labor en Broadway llamaron la atención de Hollywood. Sus primeros años en la industria del cine estuvieron marcados por el éxito e incluso recibió un premio de la Academia por su tercera película, Gloria de un día (Morning Glory, 1933), dirigida por Lowell Sherman, aunque a esta le siguieron una serie de fracasos comerciales que la llevaron a ser calificada como «veneno de taquilla» en 1938.​ Hepburn planeó su regreso al comprar la cancelación de parte de su contrato con RKO Radio Pictures y adquirir los derechos cinematográficos de Historia de Filadelfia (The Philadelphia Story, 1940), de George Cukor, que vendió a condición de ser la protagonista.​ En la década de 1940 fue contratada por la Metro-Goldwyn-Mayer, donde su carrera se centró en un dúo con Spencer Tracy. La asociación de ambos en pantalla siguió durante 25 años y produjo nueve películas.
Cary Grant, Katherine Hepburn y James Stewart en Historias de Filadelfia (1940)
Hepburn se desafió en la segunda mitad de su vida cuando apareció regularmente en producciones teatrales de Shakespeare y abordó una amplia gama de papeles de obras literarias.​ Encontró un lugar propio recreando a solteronas de mediana edad. como en La reina de África (The African Queen, 1951), que tuvieron aceptación entre el público.​ Recibió tres premios más de la Academia por su trabajo en Adivina quién viene esta noche (Guess Who's Coming to Dinner, 1967), de Stanley Kramer; El león en invierno (The Lion in Winter, 1968), de Anthony Harvey, y En el estanque dorado (On Golden Pond, 1981), de Mark Rydell. 
Henry Fonda y Katherine Hepburn en En el estanque dorado (1981)
En la década de 1970, comenzó a participar en películas para televisión, que se convirtieron en el foco central de su carrera en su vejez. Se mantuvo activa en el final de su vida y se retiró en 1994 a los 87 años. Tras un período de inactividad y mala salud, Hepburn murió en 2003 a la edad de 96 años.
Fue reconocida por rechazar el sistema publicitario de Hollywood y por negarse a cumplir con las expectativas que la sociedad tenía para con las mujeres.​ Cuando era joven, se casó con Ludlow O. Smith pero después de su divorcio, vivió sola el resto de su vida aunque mantuvo un romance oculto de 26 años con su coestrella Spencer Tracy.​ Con su estilo de vida poco común y los personajes seguros de sí mismos que interpretó en la pantalla, Hepburn personificó a la «mujer moderna» en los Estados Unidos del siglo XX y es recordada como una importante figura cultural.

Efemérides de cine: El candidato

El 29 de junio de 1972 se estrenó la película estadounidense El candidato (The Candidate), dirigida por Michael Ritchie con Robert Redford, Peter Boyle, Melvyn Douglas, Don Porter, Allen Garfield, Karen Carlson, Barry Sullivan. Productora: Warner Bros. Duración: 109 minutos. 
Sinopsis argumentalCuando, en 1972, Richard Nixon está a punto de ser reelegido, otro candidato está empezando a aprender que lo único que cuenta en el mundo de la política es alcanzar el poder. Es un joven abogado idealista que se permite decir lo que piensa, ya que sabe que no tiene ninguna posibilidad de ser elegido.
Nominaciones y premios: Oscar: Mejor guion original; Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guion original drama.
Comentario: Este drama político dirigido por Michael Ritchie contribuyó a acrecentar la fama de Robert Redford, tanto en su faceta de actor como en su imagen de hombre comprometido socialmente. De hecho, fue el mismo Redford quien puso en marcha este proyecto y quien contrató personalmente a Ritchie, ya que ya había trabajado como consejero técnico en varias campañas políticas. El candidato, por el que el periodista Jeremy Larner recibió el Oscar a mejor guion adaptado, tiene cierto aire de documental, ya que describe con minuciosidad como funcionan las elecciones en Estados Unidos. Cabe resaltar la presencia de un buen número de políticos de la época, como los entonces senadores Hubert H. Humphrey o George McGovern, que se interpretan a sí mismos. Además, destaca el 'cameo' de Groucho Marx en la que se convertiría en su última aparición en la gran pantalla. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: La rebelión de los simios

El 29 de junio de 1972 se estrenó la película La rebelión de los simios (29-6-1972), dirigida por J. Lee Thompson e interpretada por Roddy McDowall, Don Murray, Natalie Trundy, Ricardo Montalban,  Hari Rhodes, Severn Darden. Productora: 20th Century Fox. Duración: 85 minutos. 
Sinopsis argumentalEstados Unidos, 1991. Tras una epidemia que mató a todos los gatos y perros de la Tierra, los hombres adoptaron como mascotas a los monos, que acabaron convertidos en sirvientes. Se creó entonces un centro para domesticar a los ejemplares salvajes por medio de la violencia y del electroshock. Armando ha criado en secreto a César, el hijo de dos simios parlantes: Zira y Cornelius. Cuando César comprueba lo que los hombres están haciendo con los de su especie, manifiesta públicamente su desacuerdo y, desde entonces, se ve obligado a ocultarse. Cuando descubre que puede comunicarse con los suyos telepáticamente, empieza a organizar una insurrección: incita a los suyos a la desobediencia general, los arma y comienza a vislumbrar que la inteligencia es poder. 
ComentarioCuarta de las cinco entregas de la saga de los simios y quizás la película más oscura de la serie. Es la cinta que narra como los simios consiguen desbancar a los humanos de la cima de la pirámide evolutiva, pero lo hace incurriendo en una grave paradoja temporal. Con un presupuesto inferior a los dos millones de dólares, recaudó nueve sólo en los Estados Unidos, lo que justificaría el rodaje de una quinta y última entrega. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

martes, 28 de junio de 2022

Efemérides de cine: El Mesías salvaje

El 28 de junio de 1972 se estrenó la película británica El Mesías salvaje (Savage Messiah), dirigida por Ken Russell e interpretada por Dorothy Tutin, Scott Antony, Helen Mirren, Lindsay Kemp, Michael Gough, John Justin, Aubrey Richards, Peter Vaughan, Ben Aris, Eleanor Fazan, Otto Diamant, Imogen Claire, Maggy Maxwell.
Sinopsis argumental: Henri Gaudier, un escultor joven, talentoso y extravagante, conoce a Sophie Brzeska, una mujer veinte años mayor que él. Entre ambos nacerá una atracción que nunca rebasará los límites de lo platónico, pero que marcará de forma decisiva la trayectoria artística y personal de Henri. Juntos se trasladarán de París a Londres, donde él se convertirá en uno de los principales impulsores del Manifiesto Vorticista y en héroe de la Primera Guerra Mundial.
Nominaciones y premios: Premios BAFTA: nominada a mejor actriz (Dorothy Tutin). 
Comentario: Biografía del escultor francés Henri Gaudier a cargo del controvertido director británico Ken Russell, responsable, entre otros trabajos, de la ópera rock "Tommy" del grupo The Who. La película intenta trazar la fina línea que separa la genialidad de la locura, tomando como ejemplo la corta pero intensa vida de Gaudier y haciéndolo a través de una biografía realizada por el escritor H.S. Ede. Como sucede en este tipo de películas, la narración se centra casi exclusivamente en las obsesiones del artista, intentando dar una visión de su mundo personal.

Efemérides de cine: The Happiness Cage

El 28 de junio de 1972 se estrenó la película The Happiness Cage, AKA Mind Snatchers AKA The Demon Within dirigida por Bernard Girard e interpretada por Christopher Walken, Joss Ackland, Ralph Meeker, Claus Nissen, Ronny Cox, Tom Aldredge, Marco St. John. Productora: International Film Ventures Ltd, Latema Film. Duración: 94 minutos. 
Sinopsis argumentalEl doctor Frederick (Joss Ackland) está tratando de encontrar la manera de calmar la naturaleza agresiva de los soldados, para lo que desarrolla un microchip que permite acceder a los centros de placer del cerebro.
ComentarioBasada en la obra de Broadway de larga duración de Dennis Reardon, The Cage of happiness, es un drama acerca de la experimentación médica en los militares de EE.UU.. El experimento es una operación del cerebro que elimina el dolor, la sustitución, ya sea con felicidad o la satisfacción sensual. Empiezan experimentando en pacientes con cáncer terminal, pero finalmente los médicos reciben permiso para probar el procedimiento en un sujeto sano. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCXXV)

Suspiria (1977), de Dario Argento

Suzy Bannion (Jessica Harper), estudiante de ballet estadounidense, llega a la ciudad alemana de Friburgo a fin de perfeccionar sus estudios en la prestigiosa academia Tanz. Coincidiendo con su llegada, una alumna recientemente expulsada, Pat Hingle (Eva Axén), es salvajemente asesinada en el apartamento de una amiga a la que, huyendo de algún grave peligro, había recurrido en busca de ayuda. 
La ingenua Suzy, pronto se percatará del extraño comportamiento del personal de la academia lo que, unido a las terribles muertes que han empezado a sucederse, le hará sospechar que algo siniestro está ocurriendo. Más adelante, su compañera Sarah (Stefania Casini) confirmará sus sospechas al confesarle que la difunta Pat le comentó que conocía un oscuro secreto relacionado con la academia que no llegó a revelarle.. La película es la primera de la trilogía que Argento denomina Las tres madres, que también comprende Inferno (1980) y La terza madre (2007). Suspiria se ha convertido en uno de los largometrajes más exitosos de Argento, recibiendo elogios de la crítica por su estilo visual y estilístico, el uso de colores vibrantes y la música de la banda de rock progresivo Goblin. Suspiria fue candidata a dos Saturn Awards, mejor actriz de reparto para Bennett en 1978, y mejor lanzamiento en DVD de una película clásica, en 2002. Se ha convertido en un clásico de culto, y se reconoce como una película influyente en el género de terror. Fue la inspiración para la película del mismo nombre, dirigida por Luca Guadagnino, estrenada el 1 de septiembre de 2018 en el Festival Internacional de Cine de Venecia.

lunes, 27 de junio de 2022

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCXXIV)

House (Hausu, 1977), de Nobuhiko Ôbayashi

Siete chicas de instituto ven sus vacaciones chafadas cuando su profesor (Kiyohiko Ozaki) tiene que cancelar el viaje que tenía planeado realizar con ellas. Las cosas marchan incluso algo peor para Oshare (Kimiko Ikegami), una de las chicas, ya que recientemente su padre le ha presentado su nueva madastra (Haruko Wanibuchi), lo que no le ha hecho demasiada gracia. Mirando un álbum de fotos, Oshare se encuentra con la foto de boda de su madre a quien se la ve acompañada de su hermana (Yoko Minamida) quien nunca llegó a casarse ya que su prometido murió en la guerra. Oshare se pone en contacto con su tía y ésta la invita a ella y a sus amigas a pasar las vacaciones en su mansión en el campo. Cuando el grupo de chicas se presentan en la mansión, allí las recibe la tía de Oshare en sillas de ruedas y medio ciega. Muy pronto las chicas descubren que la mansión tiene vida propia… La película esta protagoniza en su mayoría por actrices  principiantes, y solo Kimiko Ikegami y Yōko Minamida tenían alguna experiencia interpretativa. El guión se inspiró en parte en Chigumi, la hija de Ôbayashi que entonces tenía 12 años. Ella le contó que tenía miedo de que el espejo que usaba se la comiera. Esta película es el debut como director de  Nobuhiko Ôbayashi.

Historia del cine aleman: Magos de la luz

El período del cine alemán dominado por la UFA destacó sobre todo por la eficiencia técnica de sus estudios. Las producciones se caracterizaban por lo cuidado de sus decorados y por una excelente fotografía en blanco y negro. Los dos directores de fotografía más destacados fueron Fritz Arno Wagner (1899-1958) y Karl Freund (1890-1969), que trabajaron fundamentalmente para la UFA. 
Wagner comenzó como operador de noticiarios, y rodó su primer largometraje en 1919, Der Galeerensträfling. Fue el director de fotografía de películas tan conseguidas del cine mudo como: Las tres luces (Der müde Tod, 1921) y Los espías (Spione, 1928), ambas de Fritz Lang; Nosferatu: una sinfonía del horror (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens, 1922), de F. W. Murnau; Sombras (Schatten 1923), de Arthur Robison; La crónica de Grieshuus (Zur Chronik von Grieshuus, 1925), de Arthur von Gerlach, y El amor de Jeanne Ney (Die Liebe der Jeanne Ney, 1925), de Georg Wilhelm Pabst. Permaneció en Alemania durante todo el III Reich, y trabajó incluso después de la II Guerra Mundial, pero sin demasiadas oportunidades de demostrar su talento. 
Fritz Lang y Fritz Arno Wagner durante un rodaje
Por otro lado, Karl Freund marchó a Hollywood en 1929, tras haber fotografiado titulos clásicos como El Golem (Der Golem, wie er in die Welt kam, 1920), de Paul Wegener y Carl Boese; El último (Der Letzte Mann, 1924) y Tartufo o el hipócrita (Herr Tartüff, 1925), de F. W. Murnau; Varieté (1925), de E. A. Dupont, y Metrópolis (Metropolis, 1927), de Fritz Lang. Freund había comenzado también como operador de noticias y, al igual que Wagner, se especializó en los efectos de claroscuro propios del cine alemán de la época y, sobre todo, de las películas que abordaban temas de misterio y sobrenaturales. 
Karl Freund también durante un rodaje
En el libros de The German Cinema, de Roger Manvell y Heinrich Fraenkel han descrito su trabajo y el Wagner así: "Si cabe definir el arte fotográfico como el plantar una escena con la luz, eso es precisamente lo que hicieron esos dos destacados directores de fotografía, utilizando con mano maestra la combinación de luces altas con zonas de penumbra, construyendo composiciones de luces y sombras, rodeando la imagen de niebla, disolviéndola mediante  sobreimpresiones, convirtiéndola en mágica por medio de las exposiciones múltiples y creando vastas perspectivas dotadas de una altura y profundidad ilusorias mediante el método Scüfftan y otros capaces de combinar maquetas con decorados a tamaño real. Suyas fueron la habilidad técnica y artística que permitieron reflejar bi-dimensionales, en blanco y negro, en luces y sombras, en niebla e iluminación, las visiones imaginarias de directores tan diferentes como Lang y Pabst, Wiene y Murnau, así como de los hombres que diseñaron y construyeron sus magníficos y expresivos decorados".
Los directores de fotografía alemanes (especialmente Freund) utilizaron mucho los efectos especiales durante toda la década de los años 1920 (con la ayuda de los decoradores), incluyendo las maquetas y los trucos de fotografía. El procedimiento más célebre de la época era el llamado Schüfftan, que ahorro millones de marcos en los costos de producción. Fue obra del director de fotografía Wugen Schüfftan (1893-1977). Se basaba en la utilización de un espejo inclinado para reflejar la imagen la fotográfica de una representación en miniatura de la parte superior de un gran plató, uniéndola luego con la estructura a escala real del suelo del mismo, que representaba sólo la parte inferior del decorado en el que actuaba realmente los intérpretes. Esta área, en la que transcurría la acción, era fotografiada por el operador a través del cristal de un espejo que, desprovisto de su azogue, permitía que la parte inferior del decorado a escala real se uniese sin solución de continuidad con la imagen reflejada y colocada encima de la misma, Freund utilizó mucho este procedimiento en el rodaje de Metrópolis
Louise Rainer y Paul Muni en La buena tierra (1937)
En Estados Unidos, Freund continuo creando memorables imágenes cinematográficas para Drácula (Dracula, 1931), La buena tierra (The Good Earth, 1937), por la que obtuvo el Oscar de la Academia, y Cayo Largo (Key Largo, 1948), aparte de dirigir La momia (The Mummy, 1932), Las manos de Orlac (Mad Love (The Hands of Orlac), 1935)  y otras películas. 

domingo, 26 de junio de 2022

Mujeres de cine: Viola Dana

El 26 de junio de 1897 nació en Brooklyn, Nueva York, Viola Dana ( su verdadero nombre era Virginia Flugrath), actriz cinematográfica estadounidense que destacó principalmente en la época del cine mudo.
Dana fue una niña actriz, apareciendo en escena con tan solo tres años de edad. Era lectora de Shakespeare y se encontraba particularmente identificada con la adolescente Julieta. Con 16 años participó en la producción de David Belasco Poor Little Rich Girl. Posteriormente actuó en el vodevil junto a Dustin Farnum en The Little Rebel, además de hacer un pequeño papel en The Model, de Augustus Thomas.
Dana se inició en el cine en 1910. Su primera película se rodó en Manhattan, convirtiéndose en una estrella de los Estudios Edison. Allí se enamoró de John Hancock Collins, director de la plantilla del estudio, con el cual se casó en 1915. El éxito de Dana en películas de Collins como Los hijos de Eva (Children of Eve, 1915) y The Cossack Whip (1916) hizo que el productor B. A. Rolfe ofreciera a la pareja unos lucrativos contratos con su compañía, Rolfe Photoplays, la cual estrenaba con el sello de Metro Pictures. Dana y Collins aceptaron la oferta de Rolfe en 1916, rodando varias películas de importancia, destacando entre ellas The Girl Without A Soul y Blue Jeans (ambas de 1917). Rolfe cerró su estudio neoyorquino ante la epidemia de gripe de 1918, mandando a la mayor parte de su personal a California. Dana dejó Nueva York antes que Collins, que debía finalizar su trabajo en el estudio. Sin embargo, Collins contrajo la gripe, que se complicó con una neumonía y que le produjo la muerte el 23 de octubre de 1918.
Viola Dana continuó actuando para Metro Pictures en California y en 1920 inició una relación sentimental con Ormer Locklear, aviador y antiguo militar. Locklear falleció al estrellarse su avión el 2 de agosto de 1920, durante una filmación nocturna. Dana fue testigo del accidente y a consecuencia de ello, estuvo 25 años sin volar.
Dana siguió actuando en la década de 1920, pero su popularidad declinaba. Uno de sus últimos papeles de importancia llegó con el primer film de Frank Capra para Columbia Pictures, Como se corta el jamón (That Certain Thing, 1928). Ella se retiró del cine en 1929. Sus últimos trabajos fueron para las producciones Two Sisters (1929), One Splendid Hour (1929), y El show de los shows (The Show of Shows, 1929), junto a su hermana Shirley Mason. A lo largo de su carrera trabajó en un total de más de 100 películas. Más de cincuenta años tras retirarse, Dana apareció en el documental Hollywood (1980) hablando sobre su carrera como estrella del cine mudo.
Dana se casó por última vez en 1930, con el jugador de golf Jimmy Thomson, en un matrimonio que acabó en divorcio en 1945.
Viola Dana falleció en 1987 en Woodland Hills (Los Ángeles), California, a causa de un fallo cardiaco. Tenía 90 años de edad. Fue enterrada en el Cementerio Hollywood Forever de Hollywood.

Efemérides de cine: Drácula 73

El 26 de junio de 1972 se estrenó la película británica Drácula 73 (Drácula 72)  (Dracula A.D. 1972, 1972), dirigida por Alan Gibson e interpretada por Christopher Lee, Peter Cushing, Stephanie Beacham, Christopher Neame, Michael Coles, William Ellis, Marsha Hunt, Janet Key, Philip Miller, Michael Kitchen, David Andrews, Caroline Munro, Lally Bowers. Productora: Hammer Productions. Duración: 100 minutos. 
Sinopsis argumentalLondres, años 1970. Johnny Alucard, un discípulo de Drácula, organiza una ceremonia de magia negra en un desolado cementerio para resucitar al siniestro Conde. Entre las víctimas que Alucard atrae al cementerio está Jessica Van Helsing, nieta del más famoso cazador de vampiros de todos los tiempos. Su abuelo intentará salvarla utilizando todos los recursos necesarios para atrapar y destruir a Drácula.
Comentario: Sexta película de la saga del conde Drácula realizada por la Hammer Productions y protagonizada por Christopher Lee. Tras el hiato que supone Las cicatrices de Drácula (Scars of Dracula, 1970) que interrumpía la continuidad de las películas, esta representaba un nuevo inicio, conformando un díptico con la siguiente cinta del ciclo, Los ritos satánicos de Drácula (The Satanic Rites of Dracula, 1973), que repite la ambientación actual y la mayoría de personajes. Al contrario que las anteriores películas, tuvo un escenario contemporáneo en un intento de actualizar la historia de Drácula para el público moderno. Amén de la aparición de Lee, en ambas Peter Cushing recupera su papel de Van Helsing, e interpreta también a un descendiente de ese médico e investigador, no obstante ambas se desligan de las entregas anteriores desde el prólogo. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCXXIII)

El ex-preso de Corea (Rolling Thunder, 1977), de  John Flynn

El mayor Ranen (William Devane) y el soldado Vohden (Tommy Lee Jones) regresan tras siete años presos en alguna cárcel de Hanoi. La expresión adusta, granítica de Devane y ese par de potentes líneas de expresión que enmarcan su boca, construyen al personaje con su mera presencia. Impávido, incapaz de sentir ya entonces, es una criatura semoviente, un uniforme vacío. El consejo que dirige a su compañero y un gesto, hacen el resto, “Protégete tras las gafas”, y se encaja las suyas. El cristal ahumado vela la mirada cargada de horror que deberá afrontar homenajes y palabras de gratitud, que deberá repartirse en traiciones personales y la pérdida del hijo. Esas gafas permiten el recogimiento, aislarse de un mundo apacible que nada sabe de la jungla ni su olor a muerte, un mundo que en su corazón es igual de salvaje que aquella, solo que sus reglas son otras. En adelante, esas gafas formarán parte de su anatomía. Como el garfio que pronto ocupará el lugar de la mano derecha.
 Una película que se salva de ser una rutinaria historia de venganza gracias a la profundidad del guion de Paul Schrader y a la buena interpretación del habitual secundario, William Devane. Las comparaciones con otro guion similar de Schrader, Taxi Driver, son inevitables, pero mientras que en la película de Scorsese el espectador podía bucear en la personalidad del protagonista gracias a sus monólogos, aquí el personaje principal es como un muro de piedra, que sólo muestra a los demás lo que él desea. Dirige un especialista en películas de tiroteos como John Flynn y un juvenil Tommy Lee Jones aparece en un rol secundario. Es además uno de las películas preferidas del realizador Quentin Tarantino. 

sábado, 25 de junio de 2022

Mujeres de cine: Inma Cuesta

El 25 de junio de 1980 nació en Valencia Inmaculada Cuesta Martínez, más conocida como Inma Cuesta, actriz española, conocida principalmente por sus interpretaciones en la serie Águila Roja (2009-2016), 3 bodas de más (2013) y La novia (2015).
A los 18 años se marchó a Córdoba para estudiar la Licenciatura en Arte Dramático en la Escuela Superior de Arte Dramático. Tras licenciarse completó su formación en Sevilla, para finalmente en el año 2005 mudarse a Madrid1​ donde ingresó en el Conservatorio y Escuela de Danza, Centro de Artes Escénicas que dirige Carmen Roche.
Inició su carrera profesional en el mundo del teatro en Madrid de la mano de Nacho Cano protagonizando el musical Hoy no me puedo levantar. Su primer papel protagonista de televisión le llegó en la serie Amar en tiempos revueltos, encarnando el papel de Elisa, una humilde muchacha que trabajaba como cigarrera en una coctelería y se convertía en una conocida cantante de la época. Después de tres temporadas y casi tres años en el musical fichó por otra serie de televisión, Plan América, junto a Pepe Sancho (TVE, 2008).
Le llegó su primera oportunidad en el cine con la película Café solo o con ellas (2007) junto a Asier Etxeandía, Alejo Sauras, Diego Paris, Terele Pávez y Elena Ballesteros, entre otros.​ Más tarde protagonizó junto a Fele Martínez y Ángel de Andrés la película El kaserón (2008).​ Compaginó sus primeros pasos en el cine con el rodaje de la serie de televisión de la serie Águila roja de TVE en la que interpretó el papel de Margarita.6 Tuvo un papel protagónico en la serie durante todas sus temporadas, hasta el fin de la misma, en 2016. En abril de 2011 estrenó Águila Roja: la película, versión cinematográfica de la serie.
Más tarde, protagonizó la película Primos (2011) una comedia de Daniel Sánchez Arévalo, junto a Quim Gutiérrez, Raúl Arévalo y Antonio de la Torre.​ El 21 de octubre de 2011, estrenó La voz dormida, película de Benito Zambrano que coprotagoniza junto a María León, ambientada en la postguerra civil española y preseleccionada por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. Por su interpretación en la película, fue nominada en los Premios Goya como mejor interpretación femenina protagonista.
En 2012 participó en tres de los estrenos del año: Blancanieves, de Pablo Berger en la que interpretó el papel de Carmen de Triana, en la adaptación española de Blancanieves, una película muda y en blanco y negro con la música como hilo conductor, compartiendo reparto con Maribel Verdú, Ángela Molina y Macarena García;​ Grupo 7 de Alberto Rodríguez, junto a Mario Casas y Antonio de la Torre; e Invasor de Daniel Calparsoro junto a Alberto Ammann, Karra Elejalde y Antonio de la Torre, con la que consigue la candidatura a mejor actriz de reparto en los Premios Mestre Mateo.​ Entre las tres películas acapararon 39 candidaturas a los Goya de 2013 (se llevaron 12).
Casi al mismo tiempo, protagonizó el corto de Rodrigo Atíenza Muchacha con paisaje y la participación en la película Words with Gods (idea de Guillermo Arriaga) de la mano de Álex de la Iglesia, en un proyecto donde directores de todo el mundo presentan un episodio sobre la religión.​ En 2013 dio vida a Ruth en la película de Javier Ruiz Caldera 3 bodas de más, estrenada en diciembre en cines junto a Martiño Rivas, Paco León, Quim Gutiérrez, Rossy de Palma y Laura Sánchez, entre otros.16​ Por su interpretación en la película, volvió a ser nominada en los Goya como mejor interpretación femenina protagonista y en la primera edición de los Premios Feroz como mejor actriz protagonista.18​ Ese mismo año, regresó a los musicales junto a Javier Gutiérrez y Marta Ribera con la obra ¡Ay, Carmela!.
En 2014 protagonizó el largometraje Las ovejas no pierden el tren de Álvaro Fernández Armero, junto a Raúl Arévalo. Con la película La novia (2015) dirigida por Paula Ortíz,​ ganó el Premio Feroz a la mejor actriz protagonista y fue nuevamente nominada en los Goya como mejor interpretación femenina protagonista.​ Este papel le abrió las puertas a trabajar con Pedro Almodóvar en Julieta (2016).​ Ese mismo año, junto al actor argentino Ricardo Darín, dio vida a una joven habitante de una pequeña villa del interior bonaerense en la película Kóblic, de Sebastián Borensztein.
En 2017 estrenó la serie El accidente para Telecinco, interpretando a Lucía Romero Montes.​ En 2018 participó en la serie de televisión Arde Madrid de Movistar+, una serie en la que narra la vida de la actriz Ava Gardner durante su residencia en Madrid en los años 1960, desde el punto de vista de sus empleados domésticos y en plena época franquista, por la que recibió otro Premio Feroz, esta vez como . También participó en la película Todos lo saben, protagonizada por Penélope Cruz y Javier Bardem. Un año más tarde protagonizó Vivir dos veces, dirigida por María Ripoll.​ En diciembre de 2020 estrenó la serie original de Netflix El desorden que dejas, en el papel de Raquel Valero, en la que interpretó el papel protagonista junto a Bárbara Lennie y un episodio para la televisión Historias para no dormir: El asfalto.
En 2021, participa en El páramo, dirigida por David Casademunt, que narra la historia de una familia que vive aislada del resto de la sociedad, cuya tranquilidad se verá perturbada por una presencia aterradora que pondrá a prueba los lazos que les unen. Y aún sin estrenar Los buenos modales (2022), dirigida por Marta Díaz de Lope Díaz, y El favor, de Juana Macías, que se estrenará el próximo año 2023. 

Mujeres de cine: Jutta Bruckner

El 25 de junio de 1941 nace en Düsseldorf, Alemania, Jutta Bruckner, directora de cine y guionista alemana.
Después de graduarse de la escuela secundaria en 1959, Jutta Brückner estudió ciencias políticas, historia y filosofía en Colonia, Berlín, París y Múnich. Escribió su tesis doctoral en 1973 sobre el tema de la ciencia política alemana en el siglo XVIII . A partir de 1970 se volcó al mundo del cine y trabajó en The Experts (Die Sachverständigen, 1973), de Norbert Kückelmann. En 1973 fue guionista del Bayerischer Rundfunk para dos programas del programa Familie und Schule .
Su primer trabajo como directora y guionista se produjo a mediados de la década de 1970. En la película documental Do Right and Fear No One (Tue recht und scheue niemand – Das Leben der Gerda Siepenbrink, 1975), en la que retrata de la vida de una mujer entre 1915 y 1975. En el documental de Jutta Brückner, su madre recapitula 60 años de su vida, hablando de la temprana muerte accidental de su padre, las estrecheces económicas que afrontaron como familia de clase media-baja, su aprendizaje como costurera, su matrimonio con un contable comprometido con ideales social-democráticos, las privaciones de la guerra, y su postrera comprensión de que el miedo podría haberle causado perder oportunidades.
Su siguiente película fue The Hunger Years: In a Land of Plenty (Hungerjahre - in einem reichen Land, 1980), una adolescente Ursula Zweites crece como hija única de una familia pequeñoburguesa en tiempos de Adenauer. La pubertad conduce a la chica a crecientes conflictos con sus padres y su entorno..
En 1976 fue coautora de la película Der Fangschuss de Volker Schlöndorff. En 1977 escribió su radioteatro Bis daß der Tod euch scheidet, y también dirigió los radioteatros Mein Babylon de Andrea Vogel y Der Kunst in der Arme de Ursula Krechel. Publica ensayos sobre teoría del cine.
En 2005 dirige Hitler Cantata (Die Hitlerkantate) en la que famoso compositor Broch recibe el encargo de componer una cantata con ocasión del cincuenta compleaños de Adolf Hitler. Sin embargo, el oficial de las SS Gottlieb sabe que Broch no es simpatizante Nazi y le asigna su novia Ursula como asistente para tenerle vigilado. Ursula es una talentosa e incipiente compositora que siente devoción por Hitler y su causa. Hasta ahora su última película.
En 1981 fue miembro del jurado de la Berlinale de 1981. De 1986 a 2006 fue profesora en la Universidad de las Artes de Berlín. Desde 1993 es miembro electo de la Academia de las Artes de Berlín. De 2003 a 2009 fue subdirectora de la Sección de Cine y Arte Mediático, y es su directora desde 2009. En las nuevas elecciones de 2015 dio deliberadamente un paso más corto, pero volvió a asumir la vicepresidencia de la sección. 
Brückner vive y trabaja en Berlín.

Cumplió 25 años: Hombres de negro

El 25 de junio de 1997 se estrenó la película estadounidense Hombres de negro (Men in Black (MIB)), dirigida por Barry Sonnenfeld e interpretada por Tommy Lee Jones, Will Smith, Linda Fiorentino, Vincent D'Onofrio, Rip Torn, Tony Shalhoub, Siobhan Fallon, Mike Nussbaum, Richard Hamilton, Carel Struycken, Sergio Calderon, David Cross, John Alexander. Productora: Columbia Pictures. Duración: 98 minutos. 
Sinopsis argumentalDurante muchos años los extraterrestres han vivido en la Tierra, mezclados con los seres humanos, sin que nadie lo supiese. Los Hombres de Negro son agentes especiales que forman parte de una unidad altamente secreta del gobierno; su misión consiste en controlar a los alienígenas. Dos de estos agentes (uno veterano y otro recién incorporado), cuya misión consiste en vigilar a los alienígenas que viven en Nueva York, descubren a un terrorista galáctico que pretende acabar con la Humanidad. 
Nominaciones y premios: Oscar: Mejor maquillaje. 3 nominaciones; Nominada al Globo de Oro: Mejor película comedia o musical; Nominada Premios BAFTA: Mejores efectos especiales visuales.
ComentarioUna película de ciencia-ficción con un planteamiento muy original. Es divertida en todo momento, y los espectaculares efectos especiales cautivan enseguida al espectador.La película fue la auténtica sensación del año en el gusto de los espectadores. Aunque tiene una finalidad cómica, y el desarrollo de la acción está supeditado a este objetivo, es una película que marca una nueva línea en el género.

Efemérides de cine: Las amargas lágrimas de Petra von Kant

El 25 de junio de 1972 se estrenó la película alemana Las amargas lágrimas de Petra von Kant (Die Bitteren tränen der Petra von Kant),  dirigida por Rainer Werner Fassbinder e interpretada por Margit Carstensen, Hanna Schygulla, Irm Hermann, Eva Mattes, Katrin Schaake, Gisela Fackeldey. Productora: Filmverlag der Autoren, Tango-Film. Duración: 124 minutos
Sinopsis argumentalPetra von Kant, una diseñadora de moda que acaba de separarse de su marido, vive con su secretaria-esclava Marlene (personaje simbólicamente mudo). Cuando su amiga y confidente Sidonie le presenta a Karin, una joven de origen humilde, se enamora locamente de ella y le promete que va a convertirla en una famosa modelo. Sin embargo, Karin la abandona poco tiempo después para irse con su marido que, después de un viaje, acaba de volver a Frankfurt. Petra cae entonces en una profunda depresión. 
Nominaciones y premios: 3 Premios del cine Alemán: incluyendo mejor actriz (Margit Carstensen).
Comentario: Modélica pieza de Kammerspiel rodada con minuciosa precisión por Fassbinder, se desarrolla por completo en la vivienda-estudio de la diseñadora de modas Petra von Kant (Margit Carstensen). La dominación sexual y la explotación económica se funden aquí en una historia de amor lésbico donde confluyen seis personajes femeninos, pero en la que, a su vez, el hombre también está presente. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.  

viernes, 24 de junio de 2022

Películas de la semana: 24 de junio

Black Phone

Dirección: Scott Derrickson. País: Estados Unidos. Año: 2021. Duración: 102 minutos. Género: Terror. Años 1970. Secuestros. Interpretación: Ethan Hawke, Mason Thames, Jeremy Davies, James Ransone, Madeleine McGraw, Gina Jun, E. Roger Mitchell, Ron Blake, Robert Fortunato, Chris TC Edge, Braxton Alexander, Andrew Farmer, Kellan Rhude, Derrick Lemmon, Rocco Poveromo, Troy Rudeseal, Michael Banks Repeta. Guion: C. Robert Cargill, Scott Derrickson. Historia original: Joe Hill. Fotografía: Brett Jutkiewicz. Productora: Blumhouse Productions, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures. Estreno en España: 24 de junio de 2022. Sinopsis: esta es la historia de un niño de 13 años, llamado Finney, que es secuestrado por un asesino, que después lo encierra en un sótano donde solo hay un colchón y un teléfono negro pegado en la pared (de ahí el nombre de la película). Pero, este no es cualquier teléfono, sino que le permite a Finney (Mason Thames) comunicarse con otros niños que también fueron víctimas del asesino, quienes lo ayudan a encontrar la forma de escapar de ese lugar antes de que sea tarde..
La película tiene elementos sobrenaturales y de fantasía, pero su historia nos recuerda a dos casos famosos de niños secuestrados, y el pánico relacionado con el Stranger Danger de los años 1980 y 1990, que llevó a muchos padres a enseñar a sus hijos que nunca deben confiar o hablar con extraños.

Elvis

Dirección: Baz Luhrmann. País: Australia. Año2022. Duración159 minutos. Género. Drama. Musical. Biográfico. Música. Interpretación. Austin Butler, Tom Hanks, Richard Roxburgh, David Wenham, Olivia DeJonge, Kodi Smit-McPhee, Dacre Montgomery, Luke Bracey, Xavier Samuel, Kate Mulvany, Natasha Bassett, Charles Grounds, Leon Ford, Helen Thomson, Josh McConville, Adam Dunn, Kelvin Harrison Jr., Gareth Davies, Elizabeth Cullen, Melina Vidler, Yola, Christopher Sommers, Gary Clark Jr. GuionJeremy Doner, Sam Bromell, Baz Luhrmann, Craig Pearce. Historia: Jeremy Doner. MúsicaElliott Wheeler. FotografíaMandy Walker. ProductoraCoproducción Australia-Estados Unidos; Bazmark Films, Roadshow Entertainment, Warner Bros., Whalerock Industries, The Jackal Group. Distribuidora: Warner Bros. Estreno en España: 24 de junio de 2022. Sinopsis: La película explora la vida y la música de Elvis Presley (Butler) a través del prisma de su complicada relación con el coronel Tom Parker (Hanks), su enigmático manager. La historia profundiza en la compleja dinámica que existía entre Presley y Parker que abarca más de 20 años, desde el ascenso de Presley a la fama hasta su estrellato sin precedentes, en el contexto de la revolución cultural y la pérdida de la inocencia en Estados Unidos. Y en el centro de ese periplo está Priscilla Presley (Olivia DeJonge), una de las personas más importantes e influyentes en la vida de Elvis.

Llenos de gracia 

Dirección: Roberto Bueso. País: España. Año: 2022. Duración: 109 minutos. Género: Comedia. Basado en hechos reales. Colegios  Fútbol. Años 1990. Interpretación: Carmen Machi, Paula Usero, Pablo Chiapella, Manolo Solo, Nuria González, Dairon Tallon, Anis Doroftei. Guion: Roberto Bueso, Óscar Díaz. Música: Vicente Ortiz Gimeno. Fotografía: Víctor Entrecanales. Productora: Mod Producciones, Misent Producciones, RTVE, À Punt Media. Distribuidora:  Paramount Pictures Spain. Estreno en España: 24 de junio de 2022. Sinopsis: La hermana Marina es enviada a principios de los años noventa a El Parral, un orfanato que se encuentra en sus horas bajas y está a punto de cerrar. A su llegada al centro, los niños están fuera de control, pero Marina capta su atención rápidamente y trata de gafarse de todas sus gamberradas. Valdo, uno de los jóvenes de la escuela, será el ingrediente prefecto para dar forma a la idea que tiene Marina, crear un equipo de fútbol en El Parral. Con la ayuda de la hermana Angeline y de la hermana Tatiana (Anis Doroftei) crearán algo parecido a una familia. Película elegida para clausurar la 25ª Edición del Festival de Cine de Málaga.

Promesas en París

Título original: Les Promesses. Dirección: Thomas Kruithof. País: Francia. Año: 2021. Duración: 98 minutos. Género: Drama. Thriller. Política. Interpretación: Isabelle Huppert, Reda Kateb, Naidra Ayadi, Jean-Paul Bordes, Mustapha Abourachid, Soufiane Guerrab, Hervé Pierre, Laurent Poitrenaux, Walid Afkir, Vincent Garanger, Christian Benedetti, Anne Loiret, Mama Prassinos, Youssouf Wague, Gauthier Battoue, Bruno Georis, Stefan Crepon. Guion: Jean-Baptiste Delafon, Thomas Kruithof. Música: Grégoire Auger. Fotografía: Alex Lamarque. Productora: 2425 Films, Wild Bunch, France 2 Cinema, Les Films du Camelia, Indéfilms 9. Distribuidora: Filmax. Estreno en España: 24 de junio de 2022. Sinopsis: Tras toda una trayectoria como alcaldesa de una ciudad cerca de París, Clémence (Isabelle Huppert) afronta su mayor reto hasta el momento: presentarse como Ministra. Valiente y decidida, siempre se ha volcado con los más desfavorecidos para salvar a la ciudad de la pobreza y el desempleo junto con la ayuda de su fiel mano derecha Yazid (Reda Kateb), pero ahora, este nuevo cargo despertará en ella una ambición desconocida. ¿Será capaz de mantener su compromiso con los ciudadanos y su integridad política o acabará sucumbiendo al poder?

Un amor en Escocia

Título original: L'ombre d'un mensongeDirección: Bouli Lanners. País: Francia. Año: 2021. Duración: 99 minutos. Género: Romance. Drama. Drama romántico. Interpretación: Michelle Fairley, Bouli Lanners, Cal Macaninch, Clovis Cornillac, Julian Glover. Guion: Michelle Fairley, Bouli Lanners, Stéphane Malandrin. Música: Pascal Humbert, Sébastien Willemyns. FotografíaFrank van den Eeden. Productora: Coproducción Francia-Bélgica-Reino Unido; Barry Crerar, Films Distribution, Versus Production. DistribuidoraVercine.  Premios y nominaciones: Festival Internacional de Cine de Chicago: Mejor actor (Bouli Lanners), mejor actriz (Michelle Fairley) y nominada a mejor película; Festival Internacional de Cine de La Roche-sur-Yon: Gran Premio del Jurado. Estreno en España: 24 de junio de 2022. Sinopsis: Phil se ha exiliado a una pequeña comunidad presbiteriana en la isla de Lewis, en el norte de Escocia. Una noche sufre un derrame cerebral que le hace perder la memoria. De vuelta a la isla, encuentra a Millie, una mujer de la comunidad que comienza a cuidarle. Mientras él intenta recuperar sus recuerdos, ella afirma que estaban enamorados en secreto antes de su accidente.

Un lío inesperado

Título original: Tout nous sourit. Dirección: Melissa Drigeard. Año: 2020. Duración: 101 minutos. Género: Comedia. Familia. Interpretación: Elsa Zylberstein, Stéphane De Groodt, Guy Marchand, Anne Benoît, Émilie Caen, Karidja Touré, Giovanni Cirfiera, Chine Thybaud, Grégoire Didelot, Baptiste Clavely, Rio Vega, Adil Dehbi, Jeanne Arènes, Jean-Noël Cnokaert, Alexis Trégarot, Muriel Bonnet, Denis Sixou, June McGrane, Ian McCamy, Nicolas Medad, Melissa Drigeard, Vincent Juillet, Sophie Hansen. Guion: Melissa Drigeard, Vincent Juillet. Música: Brad Thomas Ackley. Fotografía: Myriam Vinocour. Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Single Man Productions, UGC Images, France 2 Cinema, JM Films, Gapbusters, Hands Up, Shelter Prod, RTBF (Télévision Belge), VOO, BE TV, SofiTVciné 6, France Télévision, OCS, Taxshelter. be, Le Tax Shelter du Gouvernem, Centre du Cinéma et de l'Audiovisuel et des Télédistributeurs Wallons, DevTVciné 6, Palatine Étoile 14. Distribuidora: Adso Films. Estreno en España: 24 de junio de 2022. Sinopsis: La vida sonríe a Audrey y a Jérôme. Tienen tres hijos maravillosos y una vida profesional perfecta. Un fin de semana, deciden viajar cada uno por su cuenta... Con sus respectivos amantes. Solo que ambos han tenido la misma idea: ir a su casa de campo. Una comedia francesa que gira en torno a la familia, la pareja y la mentira en tono amable y delicado. 

Camila saldrá esta noche 

Dirección: Inés María Barrionuevo. País: Argentina. Año: 2021. Duración: 103 minutos. Género: Drama, Feminismo. Adolescencia. Colegios. Interpretación: Nina Dziembrowski, Maite Valero, Adriana Ferrer, Carolina Rojas, Federico Sack, Guillermo Pfening. Guion: Andrés Aloi, Inés María Barrionuevo. Música: Diego Ulises Cano, Juan Ignacio Espinosa, Joaquín Sánchez. Fotografía: Constanza Sandoval. Productora: Gale Cine, Aeroplano Cine. DistribuidoraAtera Films. Premios y nominaciones: Festival Internacional de Kerala: Mejor director, mención especial (Nina Dziembrowski) y nominada a mejor guion; Festival de Cine de Mar del Plata: Nominada a mejor película latino-americana; Festival Internacional de Cine de San Sebastián: Nominada a la Concha de Oro y al Premio Sebastiane como mejor película. Estreno en España: 24 de junio de 2022. Sinopsis: Camila se ve obligada a mudarse a Buenos Aires cuando su abuela enferma gravemente. Deja atrás a sus amigos y una escuela secundaria pública liberal por una institución privada tradicional. El temperamento feroz pero prematuro de Camila se pone a prueba.

La ley de Teherán

Título original: Metri Shesh Va Nim (Just 6.5). Dirección: Saeed Roustayi. País: Irán. Año: 2019. Duración: 135 minutos. Género: Thriller. Acción. Drama. Drogas. Crimen. Policíaco. Interpretación: Navid Mohammadzadeh, Peyman Moaadi, Parinaz Izadyar, Farhad Aslani, Houman Kiai, Maziar Seyedi, Ali Bagheri, Marjan Ghamari, Yusef Khosravi. Guion: Saeed Roustayi. Música: Peyman Yazdanian. Fotografía: Houman Behmanesh. Productora: Boshra Film. Distribuidora: La Aventura Audiovisual. Premios y nominaciones: Premios César: Nominada a mejor película extranjera; Festival de Venecia: Sección Orizzonti; Festival Internacional de Tokyo: Mejor director y actor (Mohammadzadeh). Estreno en España: 24 de junio de 2022. Sinopsis: En Irán, la pena por posesión de drogas es la misma tanto si llevas 30g como 50kg: la pena de muerte. En estas condiciones, los narcotraficantes no tienen reparos en jugar a lo grande y la venta de crack se ha disparado. Como resultado, 6,5 millones de personas son toxicómanos. Después de varios años de seguir la pista al narcotraficante Nasser K. Samad, un policía persistente y expeditivo consigue por fin echarle el guante. Aunque creía que el caso estaba cerrado, el enfrentamiento con el cerebro de la red toma un giro completamente inesperado...

El leopardo de las nieves

Título original: La panthère des neiges. Dirección: Marie Amiguet. País: Francia. Año: 2021. Duración: 92 minutos. Género: Documental. Animales. Naturaleza. Reparto: Documental, intervenciones de: Vincent Munier, Sylvain Tesson. Guion: Marie Amiguet, Vincent Munier. Música: Warren Ellis. Fotografía: Marie Amiguet, Léo-Pol Jacquot, Vincent Munier. Productora: Kobalann, Le Bureau, Paprika Films, arte France Cinéma. Distribuidora: Wanda Films. Premios y nominaciones: Premios César: Mejor documental. Estreno en España: 24 de junio de 2022. Sinopsis: En el corazón de las tierras altas del Tíbet, el fotógrafo Vincent Munier guía al escritor Sylvain Tesson durante su búsqueda del leopardo de las nieves. Lo inicia en el delicado arte de la observación, en la interpretación de las huellas y en la paciencia necesaria para localizar a los animales. Mientras recorren las cumbres habitadas por presencias invisibles, los dos hombres entablan un diálogo sobre cuál es nuestro lugar entre los seres vivos y celebran la belleza del mundo.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCXXII)

Las colinas tienen ojos (The Hills Have Eyes, 1977), de Wes Craven 

Los Carter, una familia media típicamente estadounidense, se dirigen por carretera hacia California en dirección a unas minas de plata abandonadas que les ha regalado un familiar. El vehículo con el que se trasladan sufre una avería mientras atraviesan Nevada. Obligados a acampar en medio del desierto su viaje se transforma en un calvario cuando se conviertan en el objetivo de un clan de caníbales deformes que viven en las minas del lugar.
 Fue la tercera película dirigida por Craven,​ está considerada una de sus obras fundamentales. Inspirándose en la leyenda de la familia escocesa Sawney Beane, que en el siglo XV supuestamente asesinaba a los viajeros para luego devorarlos, un inexperto Wes Craven estrenó con éxito su segundo largometraje. En su día, la película causó un tremendo revuelo entre el público, poco acostumbrado a este tipo de depravaciones, convirtiéndose en una de las cintas de terror más importantes de los años 1970, junto a La matanza de Texas (The Texas Chainsaw Massacre, 1974), de Tobe Hooper y La noche de Halloween (Halloween, 1978), de John Carpenter. Aunque Las colinas tienen ojos puede parecer anticuada en la actualidad, lo cierto es que la cinta se ha convertido en una obra de culto, puesto que originó numerosos tópicos ahora clásicos en el género de terror e introdujo uno de los temas preferidos de las obras de Craven: la disolución y ruptura de la familia. La aceptación de la cinta fue tal que en 1985 se rodó una secuela y, en 2006 se estrenó el primer remake, a cargo del director francés Alexandre Aja.

Homenaje a Jean-Louis Tritignant: diez películas para recordar su carrera (II)

(cont.)

6.- Mi noche con Maud (Ma nuit chez Maud, 1969), de Eric Rohmer

Nuevamente, escucha con atención, pronuncia un "Oh, sí" de antología. Y allí nuevamente, su personaje se llama Jean-Louis. Ingeniero católico, quiere casarse con una rubia (Marie-Christine Barrault) pero pasa la noche con una morena (Françoise Fabian). ¿Es engañoso filosofar? Es terriblemente erótico, de todos modos, cuando piensas en ello, y a menudo piensas en ello, ¡tan inolvidable es la historia moral de Rohmer! Trintignant la citó entre sus películas favoritas, aunque, lleno de humor, juró que terminó usando tapones para los oídos en el set para cortar las explicaciones y consejos del cineasta.
Marie-Christine Barrault y Jean-Louis Trintignant en Mi noche con Maud (1969)

7.- El conformista (Il conformista, 1970), de Bernardo Bertolucci

Ahí está, la famosa ambigüedad de Tritignant. En ese papel de fascista sin convicción, que se conforma con su clase social, a su época, hasta la abyección. Traumatizado desde niño por una agresión sexual, atormentado por el crimen que cree haber cometido, Marcello va por la vida disfrazado de hombre “normal”, burgués y cobarde. Un derroche de terrible oscuridad, adaptado de Moravia y ensalzado por la puesta en escena de Bertolucci. Un papel de oro para un actor que no se veía a sí mismo como un héroe.
 Jean-Louis Trintignant en El conformista (1970)

8.- El tren (Le train, 1973), de Pierre Granier-Deferre

Un hombre y una mujer sumidos en la confusión del éxodo, en 1940. Adaptada de una novela de Simenon, este hermoso drama reúne de nuevo a Trintignant y a Romy Schneider, él como un modesto electricista francés, ella como una refugiada judía que huye de los nazis. A menudo transmitido por televisión, El tren da una idea de la popularidad del actor y la variedad de sus trabajos en los años 1970 y 1980. En la línea del público más generalista de su obra, hay cara a cara que nos gustaría volver a ver hoy (Flic Story (Historia de un policía) (1975), con Alain Delon) y otras que no hemos olvidado (Mi amante prohibido (Le Bon Plaisir, 1984), con Deneuve). Cada vez, en cualquier caso, su precisión deslumbra.
Jean-Louis Trintignant y Rommy Schneider en El tren (1973)

9.- Tres colores: rojo (Trois couleurs: rouge, 1994), de Krzysztof Kieslowski

Una joven modelo (Irène Jacob) se hace amiga de un juez jubilado... Después de la libertad y la igualdad, la última parte de la colorida trilogía del director polaco ilustra la fraternidad. Rojo de pasión, rojo de drama, de fuego… Suficiente para hacer las delicias de Trintignant, según quien un buen actor es “una página en blanco a la que le ponemos colores. Es muy humilde, la condición de un actor. En el cine es colaborador del director, como el ingeniero de sonido o el utilero."
Irène Jacob y Jean-Louis Trintignant, en Tres colores: rojo (1994)

10.- Amor (Amour, 2012), de Michael Haneke

Pensó en su momento que sería su última película y era casi cierto -todavía encontró a Haneke en 2017 para la irónica Happy End, y también a Lelouch con Los años más bellos de una vida (Les plus belles années d'une vie, 2019), donde se hizo cargo de nuevo del personaje de Jean-Louis Duroc por tercera vez. Digamos entonces que Amor, Palma de Oro en Cannes, fue su última gran película. Para acercarse al indescifrable misterio del actor francés, el cineasta austriaco le ofreció este detrás de cámaras, del que Jean-Louis Trintignant, que no era de presumir, admitió estar "muy orgulloso". En su estreno, la crítica estuvo dividida por esta historia de eutanasia: ¿belleza oscura o complacencia sádica? Emmanuelle Riva y su pareja, en cambio, consiguieron, la unanimidad de la misma. Enormes.
Emmanuelle Riva y Jean-Louis Tritignant en Amor (2012)