sábado, 31 de agosto de 2013

Biografías de cine: José Luis Cuerda


José Luis Cuerda, cineasta español, nacido en Albacete, el 18 de febrero de 1947. Comienza a estudiar Derecho, pero lo deja después de tres años y se convierte en técnico de radiodifusión y televisión. En 1969 entró a trabajar en Televisión Española, realizando reportajes y documentales para los servicios informativos (durante cinco años realizó más de 500 reportajes y documentales). Entre 1985 y 1987 trabajó como profesor en la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca.
Después de diversos cortometrajes en 1982 dirigió su primer largometraje Pares y nones, que le situaría en el ámbito de los directores que cultivan la llamada "comedia madrileña" (Fernando Colomo es otro de sus más importantes representantes). Comedia sobre los efectos de los afectos y las relaciones impersonales en parejas de hecho, parejas que dejan de serlo, las que deberían ser y las que nunca debían haber sido. Todo centrado en unos diez personajes principales en los que la edad no siempre va acompañada de la correspondiente madurez. Con Antonio Resines, Silvia Munt, Virginia Mataix, Carles Velat, Mercedes Camins, Marta Fernández Muro, Agustín González, Alicia Sánchez.
 
Su siguiente película El bosque animado (1987) inaugurará en su carrera una nueva etapa carac­terizada por lo que se puede denominar como "humor absurdo" (comentada en este mismo blog, en otra entrada anterior).
Un año después aparecería el trabajo que lo consagra como realizador, además de ser un éxito de taquilla: Amanece, que no es poco (1988). Se trata de una película coral de humor absurdo, con un guion surrealista repleto de situaciones entre lo naïf y lo grotesco en un pueblo de La Mancha. Su especial realización la ha convertido en película de culto tanto en algunos círculos de cinéfilos, como entre fans específicos de este film, que llegan a recitar de memoria pasajes enteros. Algunos de ellos han pasado al acervo popular. Fue grabada en las localidades albaceteñas de Molinicos, Aýna, y Liétor (Albacete), en cuya idiosincrasia popular se basa su línea argumental. Varios de sus habitantes tuvieron la oportunidad de aparecer en la película como extras.
En 1992 dirige La marrana, con Alfredo Landa y Antonio Resines en los principales papeles. Premios Goya: mejor actor (Alfredo Landa). Comedia rural ambientada en el Siglo XV. Tras haber estado cautivo en Túnez, Bartolomé (Landa) regresa a su tierra extremeña con la ilusión de comer su manjar preferido: cerdo. En el camino se topa con un desertor (Resines) que tiene una marrana.
Al año siguiente realizó otra comedia con Antonio Resines y Jorge Sanz , que pasó sin pena ni gloria, Tocando fondo. Fulgencio, un chaval sin oficio ni beneficio, llega a Madrid en 1993 con el propósito de trabajar para su tio Andrés.
Con Así en el cielo como en la tierra (1995) se completa una especie de trilogía con el humor absurdo como elemento común. La película presenta el cielo como una copia absurda de la tierra, donde Dios Padre, Jesucristo, la Virgen María, San Pedro y otros personajes bíblicos conviven al más puro estilo de vida castellano de posguerra. En general, ofrece una visión más humana de estos personajes, con las mismas miserias y deseos que tienen los seres humanos en vida. Por otro lado, deja entrever la supuesta evolución de la tierra desde los tiempos bíblicos y cómo ha llegado a convertirse en algo que ni un apocalipsis es capaz de corregir. Goya al mejor actor de reparto Luis Ciges.
En La lengua de las mariposas (1999) presenta una visión tierna y al mismo tiempo descarnada de la Guerra Civil española desde la relación de un niño con su maestro.Basada en el relato homónimo de Manuel Rivas, del volumen ¿Qué me quieres, amor? El cuento de La lengua de las mariposas de Manuel Rivas trata sobre la relación de un niño y su maestro durante la época de la guerra en España en 1936. Empieza con el niño, Moncho, quien tiene miedo de ir a la escuela ya que lo habían asustado al decirle que los maestros golpeaban a los estudiantes. Moncho no quiere ir al colegio porque teme que el maestro le pegue, como era costumbre en la educación represiva de la época. Pero Don Gregorio no es así. Su maestro, Don Gregorio, es un maestro que utiliza el método de observación como enseñanza. Durante estos sucesos, está ocurriendo la guerra en Madrid y en el cuento, relatan sobre las bases políticas del pueblo. “De forma coral, el pueblo sigue con pasión, a través de la radio, los acontecimientos y debates políticos de Madrid o Barcelona. Pueblo como la mayoría, formado por gentes de todo tipo: conformista, asustados, o un poco de todo; algunos ven en la República una posibilidad de cambio porque confían en la fuerza del aun joven régimen” (Romea Castro. 2001. Comunicar, octubre, pág. 73). Don Gregorio le enseña muchas cosas a Moncho, principalmente le habla sobre la libertad. En consecuencia, cuando los fascistas ganan la guerra, se llevan varios republicanos en un camión. “El relato arremete contra tabúes y dogmas relacionados con una enseñanza eficaz. Defiende la libertad de expresión, la importancia de la propia experiencia como forma de acceso al conocimiento, la cultura como camino hacia la libertad personal y la observación del marco sugestivo y apasionante de la naturaleza para el despertar de los sentidos”(Romea Castro.2001. Comunicar, octubre, pág. 74). En el camión, se encontraban varios republicanos, pero en particular se encontraba Don Gregorio. Los padres de Moncho, en especial su madre, le exhortaba a su familia que gritaran hacia los republicanos; mostrando su “postura” política. Le gritaban ¡Rojos! ¡Asesinos! Pero al final, Moncho se fue corriendo detrás del camión, tirando piedras y gritándole a Don Gregorio: “¡Tilonorrinco! ¡Espiritrompa!”. Estas fueron dos cosas que Moncho aprendió con su maestro. Premios Goya: Mejor guión adaptado.
En el 2000 el corto Primer amor, protagonizado por Claudia Medina y Adrián Fernández, este corto desarrolla el reencuentro de estos dos jóvenes en su pueblo natal. Él, inmaduro, soñador e infantil, y ella madura y realista.

La educación de las hadas (2006) es una coproducción hispano-francesa-portuguesa-argentina, basada en la novela La educación de un hada de Didier van Cauwelaert. Una mañana, en un vuelo de Alicante a Barcelona, Nicolás conoce a Ingrid, una ornitóloga viuda y a su hijo Raúl, un niño con una fantasía fuera de lo normal. En ese momento surge el amor, un cuento de hadas entre la mujer y el inventor de juguetes en el que el pequeño juega un importante papel. Sin embargo todo se rompe repentinamente en el momento en el que Ingrid decide acabar con la relación sin ninguna razón aparente.


En 2008, realiza Los girasoles ciegos, una película dramática española, basada en la novela homónima del escritor Alberto Méndez, ganadora del Premio Nacional de Narrativa de 2005 y el Premio de la Crítica en 2005. Seleccionada por España como candidata al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Premio Goya: mejor guión adaptado y 15 nominaciones. Galicia, años 40. Al mismo tiempo que sortea los rigores de la posguerra, Elena (Verdú) y su hijo Lorenzo (Roger Princep) mantienen las apariencias para ocultar los secretos de la familia: Elenita (Irene Escolar), la hija adolescente, se ha fugado embarazada con su novio Lalo (Martín Rivas), un joven fichado por la policía; y su marido (Javier Cámara) vive oculto en un hueco practicado en el dormitorio matrimonial. Por si fuera poco, la aparición de Salvador (Raúl Arévalo), un diácono con dudas sobre su inminente sacerdocio, complicará aún más las cosas.



En 2012 dirigió Todo es silencio, un thriller que deviene en triángulo amoros. Premios Goya: Nominada a mejor guión adaptado y Seminci de Valladolid: Sección oficial a concurso. Años 70. En Noitía, un pueblo de la costa atlántica gallega, viven Fins y Brinco, dos adolescentes que mantienen una relación de amistosa rivalidad en medio de la cual se encuentra Leda, una chica algo mayor que ellos. La joven elige a Fins y lo arrastra en la búsqueda de los tesoros que los naufragios arrojan a las playas. Su relación se interrumpe bruscamente cuando Fins se va del pueblo, tras la muerte de su padre mientras pescaba con dinamita. Cuando veinte años después, Fins vuelve convertido en policía, comprueba que todo ha cambiado en Noitía: el tradicional contrabando de tabaco ha sido sustituido por el narcotráfico, que está bajo el control del cacique local, cuyo lugarteniente es Brinco, que, además, ha tenido un hijo con Leda. Fins someterá a la pareja a una vigilancia, en la que se entremezclan el cumplimiento del deber con viejos sentimientos.

También se destaca en su rol de productor cinematográfico, haciendo este trabajo en varios de sus filmes y en tres largometrajes del director español Alejandro Amenábar (Tesis, Abre los ojos y Los otros); además de ser el guionista de la mayoría de sus producciones detrás de cámaras.
Para televisión ha dirigido:

  • El telefilm Mala racha (1977), coproducción RAI y TV, con Sancho Gracia, Eufemia Román, Terele Pávez, Antonio Garisa, Miguel Rellán, Fernando Valverde. 
  • Total (1983), telefilm que abre la trilogía que cierran Amanece que no es poco y Así en el Cielo como en la Tierra. Año 2598. Hace tres días que el mundo ha llegado a su fin en Londres, un pequeño y perdido pueblo de ambiente castellano. Lorenzo, pastor de ovejas, nos cuenta una serie de sucesos extraordinarios que han ido anunciando el fin del mundo: las vacas quieren ir a la escuela, las paredes se derrumban, o Doña Paquita se aparece en los lugares más insospechados...



  • La segunda temporada de la serie Makinavaja (1997). Serie de TV (1995-1997). 39 episodios, basada en el famoso personaje de cómic Makinavaja, el último choriso creado por el dibujante Ivá para la revista satírica El Jueves. La serie narra las divertidas peripecias de Makinavaja, un entrañable ladrón macarra, rebelde, ácrata… pero también algo poeta, y su banda en el barrio Chino de Barcelona. Magistral interpretación de Pepe Rubianes en el papel protagonista, acompañado de otros destacados actores como Pedro Reyes o Florinda Chico.





Biografías de cine: Milos Forman

Miloš Forman (Jan Tomáš Forman), director de cine checo, nacionalizado estadounidense.
Vio la luz en Čáslav, Checoslovaquia, el 18 de febrero de 1932. Hijo de padres protestantes, se quedó huérfano a temprana edad después de que su madre muriera en el campo de concentración de Auschwitz y su padre en Buchenwald, donde fue arrestado por distribuir libros prohibidos por el nazismo. Durante la Segunda Guerra Mundial, Milos vivió con parientes y luego descubrió que su padre biológico era un arquitecto judío. Después de la guerra, Miloš acudió a la escuela pública Krále Jiřího en la ciudad de Podebrady, donde sus compañeros de estudios fueron Václav Havel -el último presidente de Checoslovaquia y el primer Presidente de la República Checa.-, y los hermanos Mašín. Posteriormente, estudió dirección cinematográfica en la Escuela de Cine de Praga siendo uno de sus maestros Otakar Vávra.
Dirigió varias películas en Checoslovaquia: 
  • Pedro, el negro (Cerný Petr, 1964). Obtuvo el premio Leopardo de Oro en el Festival Internacional de Cine de Locarno. Ante la presión de su padre, Petr, un adolescente, debe comenzar a trabajar en un almacén. Su trabajo es el de vigilar que los clientes no roben mercadería. En una ocasión, durante el trabajo, creyendo haber visto a un cliente robar, pero no estando seguro, sale a perseguirlo por la ciudad, hasta darse cuenta que está cerca de su casa, por lo que decide no volver al almacén ese día. Petr está mucho más interesado en una joven amiga suya, y prefiere pasar el tiempo con ella,

  • If It Weren't for Music (Kdyby ty muziky nebyly, 1964). Documental en clave de comedia sobre un grupo de músicos amateur.
  • Concurso (Konkurs, 1964, documental musical). Consta de dos mediometrajes semidocumentales unidos por la exploración de la música popular y los avatares de la juventud checa en un contexto de cambio social. En el primero, Forman sigue las peripecias de dos bandas amateurs de música popular tradicional que se preparan para participar en un acto oficial y muestra los problemas de adaptación de los jóvenes en grupos dominados por músicos veteranos. En el segundo, una audición organizada por un músico de éxito que busca cantantes para un espectáculo es el telón de fondo de los sueños y desilusiones de dos jóvenes aspirantes: una cantante de un grupo de rock y una obrera de una fábrica. Por motivos diferentes ambas verán sus ambiciones truncadas. 

  • Los amores de una rubia (Lásky jedné plavovlásky, 1965), una comedia que estuvo nominada al Oscar como mejor película de habla no inglesa y a los Globos de Oro por el mismo concepto. Unas jóvenes obreras viven en una pensión de Zruc, entre ellas Andula. La escasez de hombres en la pequeña ciudad preocupa a los funcionarios de la fábrica de zapatos, ya que las chicas están decididas a irse de Zruc, precisamente por esta razón. Para evitarlo, utilizan sus influencias para conseguir que se instale en la ciudad una guarnición militar. Sin embargo, para desilusión de las chicas, los soldados son todos veteranos.

  • ¡Al fuego bomberos! (Horí, má Panenko, 1967), también nominada al Oscar como mejor película de habla no inglesa. Historia sobre la fiesta de cumpleaños de un veterano bombero. 


Sin embargo, en 1968 cuando la URSS y sus aliados del Pacto de Varsovia invadieron el país para poner fin a lo que se llamó la Primavera de Praga, se encontraba en París negociando la producción de su primera película americana. El estudio checo para el que trabajaba le despidió, alegando que estaba fuera del país ilegalmente. Así las cosas, se trasladó a Nueva York, donde se convirtió en profesor de cine en la Universidad de Columbia y codirector (junto a Frantisek Franek) de la división de cine de Columbia. Uno de sus protegidos fue el futuro director James Mangold.
A pesar de las dificultades iniciales empezó a dirigir en su nuevo país y alcanzó notable éxito con Juventud sin esperanza (Taking off, 1971), gran Premio del Jurado y nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes, y en los BAFTA, siete nominaciones, incluyendo mejor película, mejor director, mejor guión y mejor actriz. Cuando una adolescente se escapa de casa, sus padres se esfuerzan por encontrarla. En estas circunstancias, llegan a conocer a otros matrimonios que se hallan en idéntica situación.
En 1975 con la adaptación de la novela de Ken Kesey One Flew Over the Cuckoo's Nest (Alguien voló sobre el nido del cuco), que ganó cinco Premios de la academia, mejor película, mejor director, mejor actor (Nicholson), mejor actriz (Fletcher), y mejor guión adaptado; cinco Globos de Oro: mejor película, mejor director, mejor actor (Nicholson), mejor actriz (Fletcher) y mejor guión;  Premios BAFTA: mejor película; Premios David di Donatello: mejor director y actor extranjero (Jack Nicholson) y Premios César: nominada a Mejor Película Extranjera. Es un drama centrado en la vida de un hospital psiquiátrico. Randle McMurphy (Jack Nicholson), un violador de espíritu libre, que vive contracorriente, es recluido en un hospital psiquiátrico. La inflexible disciplina del centro acentúa su contagiosa tendencia al desorden, que acabará desencadenando una guerra entre los pacientes y el personal de la clínica con la fría y severa enfermera Ratched (Louise Fletcher) a la cabeza. La suerte de cada paciente del pabellón está en juego.

En 1977, se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos. Dos años más tarde dirige el aclamado musical Hair (1979), que obtuvo una nominación a los Premios César como mejor película extranjera y un  Premio David di Donatello, como mejor director extranjero. Está basada en el musical homónimo de 1967. En la actualidad está considerada una película de culto. Claude Hooper Bukowsky es un campesino que llega a Nueva York para hacer la instrucción militar antes de ir a luchar en Vietnam. En la ciudad descubre un mundo nuevo: miles de jóvenes se oponen a la guerra y defienden el amor libre. Pronto será admitido en un grupo hippie. Adaptación del famoso musical de Broadway de 1968.
En 1981 dirige Ragtime, basada en la novela homónima de E. L. Doctorow. Fue la última película de James Cagney. Recibió ocho nominaciones al Oscar, incluyendo actor secundario (Howard E. Rollins Jr.), actriz secundaria (Elizabeth McGovern). Año 1906. Durante la presidencia de Theodor Roosevelt (1901-1909) Estados Unidos vive una etapa de transición, tanto económica como social. A través de las vicisitudes de varios personajes de Nueva York, se muestra cómo evoluciona el país en los primeros años del siglo XX. Coalhouse Walker (Howard E. Rollins Jr.) es un pianista negro cuya pacífica personalidad sufrirá un gran cambio debido al racismo dominante. Además, su vida ejercerá una gran influencia sobre los miembros de una acaudalada familia.
Otro éxito notable fue la película Amadeus (1984), que ganó 8 Premios de la academia, incluyendo película, director, actor (F. Murray Abraham), guión adaptado; 4 Globos de Oro, incluyendo mejor película -Drama- y 6 nominaciones; 4 Premios BAFTA, incluyendo Mejor fotografía. 9 nominaciones; Premios César: Mejor película extranjera y los Premios David di Donatello: mejor film, director y actor extranjeros (Tom Hulce). Impresionante adaptación de la obra de Shaffer sobre la vida de W.A. Mozart, narrada a través de un Salieri -Murray Abraham- consumido por los celos artísticos ante tanto talento. El cine tiene aquí el mejor retrato de uno de los más comunes de los sentimientos humanos: la admiración con espuma de envidia. Como muestra de inigualable sutileza, atención a la escena en la que Salieri encuentra un manuscrito inédito y sin tachaduras de Mozart... Por lo demás, los ocho 8 Oscar consagraron a una de las mejores películas de los años ochenta. Antonio Salieri es el músico más destacado de la corte del Emperador José II de Austria. Entregado completamente a la música, le promete a Dios humildad y castidad si, a cambio, conserva sus extraordinarias dotes musicales. Pero, después de la llegada a la corte de un joven llamado Wolfang Amadeus Mozart, Salieri queda relegado a un segundo plano. Enfurecido por la pérdida de protagonismo, hará todo lo posible para arruinar la carrera del músico de Salzburgo. Mientras tanto, Mozart, ajeno a las maquinaciones de Salieri, sorprende a todos con su genialidad como músico, pero también con sus excentricidades
En 1989 dirige Valmont, con Colin Firth, Annette Bening, Meg Tilly, Fairuza Balk, Siam Phillips, Jeffrey Jones, Henry Thomas, Fabia Drake. Obtuvo dos Premios César: mejor diseño de vestuario y diseño de producción. 4 nominaciones. Nominada al Oscar: mejor vestuario. Premios BAFTA: nominada a mejor diseño de vestuario. Drama de época basado en la novela francesa de 1782 Las amistades peligrosas, escrita por Choderlos de Laclos. Fue adaptada por Jean-Claude Carrière, guionista habitual de Luis Buñuel. Nadie puede resistirse a los intentos de seducción de la Marquesa de Merteuil y del Vizconde de Valmont. Unidos en sus complots y sus secretos, ambos reinan en los salones y los gabinetes de la aristocracia. Como dos cazadores en el mismo territorio, estos perversos especialistas de la intriga amorosa acabarán por enfrentarse. En este duelo sin piedad, un sentimiento sincero es un error mortal.

En 1996 realiza El escándalo de Larry Flynt (The People vs. Larry Flynt), con Woody Harrelson, Courtney Love, Edward Norton, Crispin Glover, James Cromwell, James Carville, Brett Harrelson, Donna Hanover. Polémica desde su cartel provocador, Forman filmó una encendida defensa de la tolerancia y la libertad de expresión con esta interesante película que narra la vida de Larry Flynt, dueño de una de las revistas pornográficas más famosas del mundo. Un brillante biopic que muestra desde sus comienzos y apogeo -como magnate de un imperio que le inundó de dólares-, hasta su etapa más oscura en la que, postrado en una silla de ruedas por un atentado, se enfrentaba a numerosos problemas con la justicia mientras el amor de su vida se consumía por las drogas. Argumento: En Estados Unidos, a principios de los años setenta, en plena revolución sexual, un empresario llamado Larry Flynt crea una cadena de establecimientos de strip-tease, que será la base de su gran imperio de revistas: Hustler fue, para muchos, una revista vulgar, sensacionalista y provocadora, pero convirtió a Flynt en el adalid de la primera enmienda de la Constitución americana.  2 Nominaciones al Oscar: Mejor director (Milos Forman), actor (Woody Harrelson); 2 Globos de Oro: Mejor director (Milos Forman), guión. 5 nominaciones; National Board of Review: Premio a la libertad de expresión, 10 mejores films; Círculo de críticos de Nueva York: Mejor actriz (Courtney Love); Critics' Choice Awards: Top 10 - Mejores películas del año; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actor de reparto. 2 Nominaciones; Festival de Berlín: Oso de Oro - mejor película.
En 1997 recibió el Globo de Cristal por su destacada contribución artística al mundo del cine en el Festival de Karlovy Vary.
En 1999, dirigió Man on the Moon, con Jim Carrey, Danny DeVito, Courtney Love, Paul Giamatti, Tony Clifton, Marilu Henner, Judd Hirsch, Christopher Lloyd, Norm MacDonald, Vincent Schiavelli, Brent Briscoe, Christina Cabot,Chuck Zito. Narra la vida de Andy Kaufman (Jim Carrey), famoso cómico estadounidense de finales de la década de 1970 y comienzo de la década de 1980. El título de la película se debe a la canción Man on the Moon, que R.E.M. compuso en 1992 en honor a Kaufman y siete años antes de realizarse la película, Milos Forman la incluyó en la banda sonora. Asimismo, para la película R.E.M. compuso en 1999 The Great Beyond, canción que obtuvo un gran éxito a pesar de no lanzarse en disco hasta 2002. Gano en el Festival de Berlín: Oso de Plata - mejor director; el Globo de Oro: mejor actor de comedia y fue nominada a la mejor película comedia, y el Critics' Choice Awards: Top 10 - Películas del año.

Los fantasmas de Goya (Goya's Ghosts) la dirigió en 2006. Una producción hispano-estadounidense, co-producida por The Saul Zaentz Co.(Estados Unidos) y Xuxa Producciones S.L. (España). El guion fue escrito tanto por Forman como por Jean-Claude Carrière. Protagonizada por Javier Bardem, Natalie Portman, Stellan Skarsgård, Randy Quaid, Michael Lonsdale, Blanca Portillo, Unax Ugalde,  Simón Andreu, José Luis Gómez, Carlos Bardem, Fernando Tielve, Julian Wadham. La película transcurre en España, entre los años 1792 y 1809. Cuenta la historia de un grupo de personas que conviven en una época de convulsión política y cambios históricos. La historia es narrada a través de los ojos del gran artista Francisco Goya (Stellan Skarsgård), uno de los grandes pintores universales que ha tenido España. La trama se desarrolla durante los últimos años de la inquisición española, continúa con la invasión del ejército de Napoleón a España y finaliza con la derrota de los franceses y la restauración de la monarquía española, lograda por el poderoso ejército de Wellington, Gran Bretaña. El hermano Lorenzo (Javier Bardem), un enigmático y astuto miembro de la inquisición, se involucra con la joven musa de Goya, Inés (Natalie Portman), cuando es injustamente acusada de herejía y enviada a prisión, en la que pasara más de 15 años de su vida. Al salir de la prisión las cosas han cambiado considerablemente, los franceses han invadido España, su familia ha sido asesinada, y el pintor español se ha quedado absolutamente sordo... Sin embargo, la película no fue bien recibida ni por la crítica ni por el público. Javier Bardem fue nominado al Premio Fernando VII como el peor actor protagonista en los Premios Godoy que galardonaban a las peores películas españolas del año y que se otorgaban mediante votación en Internet.
  • Dobre placená procházka (2009) de Milos Forman y Petr Forman. La joven pareja Uli y Vanilla quieren separarse, pero la lujuria y el dinero aparecen en su camino.

Como actor ha participado en las siguientes películas:


  • Se acabó el pastel (Heartburn, 1986) de Mike Nichols.
  • New Year's Day (1989) de Henry Jaglom. 
  • Más que amigos (Keeping the Faith,  2000) de Edward Norton.
  • Peklo s princeznou (2009) de Milos Smídmajer.
  • Les bien-aimés (2011) de Christophe Honoré.


viernes, 30 de agosto de 2013

Efemérides literarias: Jean Auel

El 18 de febrero de 1936, nace Jean Auel, escritora estadounidense.

Nacida Jean Marie Untiel en Chicago, Illinois, Estados Unidos. De ascendencia
finlandesa. El 19 de marzo de 1954, a los 18 años, Jean M. se casó con Ray Bernard Auel. Para cuando cumplió los 25 años ya había tenido cinco hijos. 
En 1964, se unió a la organización Mensa. Trabajando para pagarse los estudios, asistió a la Portland State University y a la University of Portland. También recibió títulos honorarios de la University of Maine y del Mt. Vernon College. Obtuvo su MBA (Master in Business Administration) en 1976 a la edad de 40 años. 
Tras finalizar su etapa universitaria, en 1977, comenzó sus investigaciones para escribir un libro ambientado en la Edad de Hielo. Además de pasar muchas horas en la biblioteca estudiando, tomó parte en cursos de supervivencia para aprender cómo construir un refugio de hielo y vivir la experiencia de habitar en uno de aquellos. Aprendió también los métodos primitivos de hacer fuego, curtir el cuero y tallar piedra para hacer herramientas.
Finalmente decidió que en vez de un libro escribiría una saga. El primero de los libros, El clan del oso cavernario, publicado en 1980, fue un auténtico éxito. El libro tenía como protagonista a Ayla, una niña Cromañón que queda huérfana tras un terremoto y es recogida por un grupo de hombres de Neanderthal. Cada uno sus siguientes libros fue creado como una secuela del precedente; sin embargo, aunque la acción continúa inmediatamente de un libro en el siguiente, el tiempo de publicación entre los distintos volúmenes ha retrasado hasta 12 años.
La saga se compone de seis libros: El clan del oso cavernarioEl valle de los caballosLos cazadores de mamutsLas llanuras del tránsitoLos refugios de piedra y La tierra de las cuevas pintadas. Para este último, la autora ha estado documentándose en las cuevas cántabras de Altamira, en el yacimiento de Abric Romaní (Barcelona), en Ekain (Deva (Guipúzcoa)) y en Atapuerca. Para documentarse sobre los últimos neandertales que habitaron la península Ibérica hasta su extinción, hace 25 000 años, ha visitado yacimientos prehistóricos y diversas cuevas en Málaga, Gibraltar, Ceuta, Portugal y Asturias. El sexto y último volumen de la serie se publicó en marzo de 2011.
Después del éxito de ventas de su primer libro, Auel tuvo la oportunidad de realizar distintos viajes a los sitios prehistóricos sobre los cuales había escrito y encontrarse con aquellos expertos cuyos libros le sirvieron de documentación. Sus investigaciones la han llevado por gran parte de Europa, desde Francia hasta Ucrania.
La crítica ha llegado a calificar como “un pequeño milagro” su trabajo para describir detalladamente una sociedad de la Edad de Hielo, incluyendo temas tales como la interacción con el medio ambiente, las relaciones humanas, los ritos religiosos y el comercio. Un mensaje común a todos sus libros es no dar las cosas por sentado, como por ejemplo los abundantes pero limitados recursos de la Tierra. Sobre todo, refuerza el hecho de que la gente que vivió hace 20.000 años era tan inteligente y creativa, y tan humana como cualquier persona actual.
Muchos descubrimientos arqueológicos recientes han transformado en inexactos algunos detalles de los libros y otros son, por supuesto, pura ficción (por ejemplo, la domesticación de los caballos ocurrió mucho más tarde en la historia de la humanidad).
Recientes estudios genéticos darían verosimilitud a la novela de la escritora, al indicar que el hombre moderno y los neandertales compartirían un 4% del genoma; a pesar de que las evidencias fósiles son escasas, supone la existencia de al menos algunos episodios de entrecruzamiento entre homínidos del Pleistoceno.





En 1985 se estrenó una adaptación cinematográfica de Michael Chapman, El clan del oso cavernario (The Clan of the Cave Bear), con Daryl Hannah en el papel principal. Ayla, una niña Cro-Magnon que pierde a su familia en un terremoto, es acogida por un clan de Neanderthales. Adoptada por el chamán Creb, el Mog-ur, y su hermana, la curandera Iza, es instruida en las costumbres y formas de El Clan, término con el que se designan a sí mismos. Conforme va creciendo, la niña desafía diversas reglas del clan, como la prohibición a las mujeres de cazar. Su conducta extravagante genera tensiones en la comunidad aunque, finalmente, es tolerada por los demás miembros de la tribu. Nominada al Oscar: mejor maquillaje. 




Efemérides cinematográficas: Bwana Devil

18 de febrero de 1953, en Estados Unidos se estrena la primera película en tres dimensiones, Bwana Devil

Bwana Devil es una película dramática basada en la historia verdadera de los devoradores de hombres de Tsavo. Fue escrita, dirigida y producida por Arch Oboler, y es considerada la primera película en colores norteamericana con efectos estereoscópicos 3D. La misma dio comienzo al boom de películas con efectos tridimensionales en la industria cinematográfica de Estados Unidos desde 1952 a 1954. Actúan Robert Stack, Barbara Britton y Nigel Bruce.

Efemérides literarias: Memorias de Adriano

El 10 de febrero de 1951, la escritora francesa Marguerite Yourcenar publica su novela histórica Memorias de Adriano.
Memorias de Adriano (francés, Mémoires d'Hadrien) es una novela de la escritora francesa nacida en Bélgica, nacionalizada también norteamericana, Marguerite Yourcenar, que narra en primera persona la vida y muerte del emperador Adriano. Escrita entre diciembre de 1948 y diciembre de 1950, en un principio fue editada por entregas en la revista francesa La Table Ronde. En el número de julio, el 43, se publicó la primera parte (Animula vagula blandula) en las páginas 71-84; Varius multiplex multiformis vio la luz en el nº 44, correspondiente al mes de agosto, y en las páginas 94-118, y la tercera, Tellus stabilita, fue publicada el mes siguiente, en el nº 45, y en la páginas 36-59; en todos los casos con la firma M.A. Dada la buena acogida que recibió la edición por entregas, la novela completa fue publicada también en Francia bajo el sello de la editorial Plon, y se puso a la venta el 5 de diciembre de 1951.
El libro tuvo un éxito inmediato, con buenas críticas y excelente acogida por parte del público, y desde entonces no ha dejado de reeditarse en muchos idiomas, siendo el título más conocido de su autora. El 17 de mayo de 1952, recibe el Prémio Fémina Vacaresco, galardón que Marguerite recogerá en junio de ese año en el Hotel Ritz de París. El éxito se traduce en multitud de ediciones, así por ejemplo, entre 1951 y 1958, la editorial Plon llegó a tirar 96.500 ejemplares, y bajo el sello Gallimard (editorial francesa que ahora reúne todos los títulos de la autora), se habían tirado hasta 1989 algo más de 800.000 ejemplares. Entre las muchas traducciones que ha tenido esta obra, merecen la pena destacarse la versión inglesa, realizada por Grace Frick, compañera de Yourcenar, y la de Julio Cortázar en español, absolutamente magnífica.
En la novela, se mencionan unas Memorias que Adriano publicó en vida con el nombre de su liberto Flegón, hoy perdidas, y que sirvieron de base para dos de las fuentes clásicas sobre la vida del emperador: el capítulo correspondiente de la Historia romana de Dión Casio, y la Vita Hadriani, dentro de la Historia Augusta, escrita por Elio Esparciano.
La narración, que comienza con la fórmula: Querido Marco, adopta la manera de una larga epístola dividida en capítulos (Animula Vagula Blandula, Varius Multiplex Multiformis, Tellus Stabilita, Saeculum Aureum, Discilina Augusta y Patientia), y va dirigida a su sucesor, Marco Aurelio, a quien Adriano había adoptado como nieto, al hacerlo adoptar a su vez por su hijo adoptivo y sucesor inmediato, Antonino Pío. En ella, el emperador medita y reflexiona acerca de sus años de reinado, de sus triunfos militares, del amor, de la amistad, de la poesía, de la música, del arte, de los viajes, de la paz, de la pasión por su joven amante Antínoo y del dolor causado por su muerte, todo ello de una manera consistente, pero no exenta de esa "melancolía del mundo antiguo" a la que aludiera Gustave Flaubert. A este respecto, Yourcenar anotó en los Cuadernos de notas a las Memorias de Adriano la conocida frase del escritor francés: "cuando los dioses ya no existían y Cristo no había aparecido aún, hubo un momento único, desde Cicerón a Marco Aurelio, en que solo estuvo el hombre". Como ella misma confesaba: "gran parte de mi vida transcurriría en el intento de definir, después de retratar, a ese hombre solo y al mismo tiempo vinculado con todo."

Efemérides literarias: Boris Pasternak

Nace Borís Leonídovich Pasternak en Moscú, 29 de enero (calendario juliano)/10 de febrero de 1890 (calendario gregoriano) y fallece en Peredélkino, cerca de Moscú, 30 de mayo de 1960), poeta y novelista ruso, Premio Nobel de Literatura en 1958.
En Occidente, Pasternak es conocido sobre todo por su monumental novela trágica ambientada en la Rusia soviética, Doctor Zhivago, publicada por primera vez en Italia en 1957. Pero también destacó enormemente por su poesía: El gemelo en las nubes (1914), Mi hermana la vida (1917), El año 1905 (1927), Segundo nacimiento (1934), son algunas de sus grandes obras poéticas. Además de Aleksandr Blok, Velimir Jlébnikov, Vladímir Mayakovski y Serguéi Yesenin, Pasternak es uno de los cuatro poetas más destacados, en la primera mitad del siglo XX, con sus amigos Anna Ajmátova, Marina Tsvetáyeva y Ósip Mandelstam, y de vida trágica dadas las imposiciones políticas.
Pasternak era hijo del famoso pintor judío, Leonid Pasternak, profesor en la escuela de pintura de Moscú. Su padre se convirtió del judaísmo al cristianismo ortodoxo. La madre de Borís, Rosa Kaufman, era una famosa concertista de piano. Pasternak creció en una atmósfera cosmopolita: en su casa desfilaban artistas como Serguéi Rajmáninov, León Tolstói o Rainer Maria Rilke.
La conversión de su padre tuvo un gran impacto en el joven Borís. En muchos de sus poemas sobrevuelan referencias cristianas. Estudió filosofía en las Universidades de Moscú y de Marburgo, en Alemania, junto a Hermann Cohen y Nicolai Hartmann. Sin embargo, decidió renunciar a la filosofía como profesión. Regresó a Moscú en 1914 y publicó su primera colección de poemas ese mismo año.
Durante la Primera Guerra Mundial trabajó en una fábrica de productos químicos en Perm, en los Urales; seguramente aquí encontró material que luego utilizaría en Doctor Zhivago. La Revolución de 1917 significó el inicio de la fama de Pasternak como poeta.
Como tantos otros de los grandes, perdió la protección de las autoridades soviéticas en la década de los 30 (Gran Purga); se lo acusó de subjetividad aunque consiguió escapar del gulag. A partir de entonces, se ganó la vida traduciendo a los clásicos. Fue un traductor del alemán (Kleist, Brecht), pues había estudiado en Marburgo, y a partir de entonces de Shakespeare, cuyas versiones son canónicas.
La publicación en Italia de Doctor Zhivago, obra personal, llena de lirismo y reflexión sobre el papel de la intelligentsia en la Revolución de Octubre, sin el consentimiento del Gobierno de la Unión Soviética, lo llevó a ser perseguido por las autoridades hasta el día de su muerte. El 29 de de octubre de 1958, en el pleno del Comité Central de la Unión de las Juventudes Comunistas, su jefe, Vladímir Semichastni, desacreditó a Pasternak ante 14.000 personas, entre las que se encontraban Jrushchov y demás jerarcas. Semichastni empezó diciendo que Pasternak era una "oveja sarnosa" que se plegaba a los deseos de los enemigos de la Unión Soviética con "escritos llenos de calumnias". Concluyó diciendo: "Si comparamos a Pasternak con un cerdo, un cerdo no haría lo que él ha hecho" porque un cerdo "jamás caga allá donde come".
Las noticias de aquel discurso llevaron a Pasternak al borde del suicidio. Más tarde se supo que fue el propio Jruschov quien, la noche anterior, había dictado estas frases a Semichastni, quien las describió como "típicas de Jruschov, deliberadamente brutales".
Pasternak ganó el Premio Nobel en 1958, cuando Doctor Zhivago fue publicada en italiano por Feltrinelli y en ruso (pero se desconoce si la edición en ruso fue la condición necesaria para recibir el premio). No existe ningún tipo de prueba al respecto.
En una publicación de la revista Time, el escritor ruso Iván Tolstói, un editor de Radio Europa Libre, describió en su libro, The Laundered Novel, la manera en que el libro fue publicado en ruso. Su investigación, que duró 16 años, revela que la CIA tuvo algo que ver con la publicación del libro en ruso. Según Iván Tolstói, la CIA y el MI6 se enteraron de que el manuscrito de la novela estaría en cierto avión, cierto día de 1958. Desviaron el avión hacia Malta, lo detuvieron allí, y fotografiaron hoja por hoja el manuscrito durante dos horas, para luego devolverlo sin que nadie se diera cuenta. Días después, transcribieron el material y lo editaron utilizando papel ruso y tipografías típicas de las ediciones soviéticas. Luego se encargaron de hacerles llegar algunos ejemplares a los miembros de la Academia Sueca, y ese mismo año Pasternak logró el Premio Nobel. La investigación de Tolstói también afirma que la razón que tuvo la CIA fue avergonzar al Kremlin, quien había prohibido la publicación del texto.
Esta versión inverosímil ha sido tajantemente desautorizada por el mayor especialista en la obra de Pasternak, el profesor de la Universidad de Stanford Lázar Fleishman que la tacha de absolutamente acientífica e inventada.
El resto de la historia es más conocida: Pasternak envió una carta de agradecimiento a la Academia Sueca, contando lo "agradecido" y "sorprendido" que estaba. Días después, bajo una intensa presión del gobierno soviético debió enviar otra carta: "Considerando el significado que este premio ha tenido en la sociedad a la que pertenezco, debo rechazar este premio inmerecido que se me ha concedido. Por favor, no tomen esto a mal". Amenazado con ser expulsado de la Unión Soviética, y presionado por el KGB, Pasternak murió en 1960.
La versión estadounidense ocupó durante 26 semanas el primer lugar entre los éxitos de venta del periódico The New York Times. En 1958, el caricaturista Bill Mauldin ganó el Premio Pulitzer por la caricatura que muestra a un supuesto Pasternak haciendo trabajo forzado en Siberia y diciéndole a otro prisionero: "Yo gané un Premio Nobel, ¿Cuál es tu crimen?".
La novela Doctor Zhivago tuvo que esperar hasta 1988 para ser publicada en la Unión Soviética. Sólo en 1989, su hijo Yevgueni (que se ha ocupado de la difusión de su obra) fue autorizado para recibir el Premio en nombre de su padre.

Película

Doctor Zhivago fue llevada al cine por David Lean e interpretada por Omar Sharif, Julie Christie, Geraldine Chaplin, Tom Courtenay, Alec Guinness, Rod Steiger, Ralph Richardson, Rita Tushingham, Klaus Kinski, Siobhan McKenna, Jeffrey Rockland. Se trata de un drama épico, basado en la novela homónima. La película obtuvo cinco premios Oscar (mejor guión adaptado, mejor fotografía, mejor vestuario, mejor banda sonora y mejor dirección artística) y fue nominada a otros cinco. Además, fue galardonada con cinco premios Globo de Oro, incluyendo los correspondientes a las categorías de mejor película dramática, mejor director y mejor guion. Fue una película muy popular durante décadas, y a partir de 2010 se la consideró en los Estados Unidos la octava película más taquillera de todos los tiempos, ajustadas las cifras por el índice de inflación. Sinopsis: El general soviético Yevgraf Andreyevich Zhivago (Alec Guinness) le cuenta la historia de su medio hermano, el médico y poeta Yuri Zhivago (Omar Sharif), a la joven Tonya Komarovskaya (Rita Tushingam). Yevgraf Zhivago cree que su medio hermano Yuri es en realidad el padre de la muchacha. La narración de Yevgraf Zhivago tiene como marco histórico el tumultuoso período de 1912-1923, que incluyó la primera Guerra Mundial, la revolución rusa de 1917 y la guerra civil rusa, cuando el régimen del zar Nicolás II de Rusia fue derrocado y se estableció la Unión Soviética. Por la edad de la joven Tonya Komarovskaya se deduce que la narración se efectúa a fines de la década de 1940 o en la década de 1950, a pesar de que nunca se menciona una fecha específica.

Omar Sharif como doctor Yuri Zhivago
Se rodó básicamente en España, más concretamente en Madrid, Soria y Salamanca, con el sistema de filmación en color Metrocolor, característico de la Metro-Goldwyn-Mayer.
En Madrid se rodaron las escenas moscovitas en lo que actualmente es la calle de Silvano a la altura del cementerio de Canillas, en aquel entonces campo abierto. Se construyó un decorado de unos 20.000 m² que recreaba Moscú, con su trazado de vías de tranvía electrificado, por donde circulaban incluso dos tranvías cedidos por la Empresa Municipal de Transportes. También se rodó en la Estación de Delicias.
En Soria se rodaron prácticamente todos los exteriores, empleando para ello todas las líneas de ferrocarril que por entonces estaban en uso.
Las escenas finales de la película fueron rodadas en la presa de Aldeadávila, en la provincia de Salamanca.
Julie Christie como Lara en Doctor Zhivago
Se rodaron escenas ferroviarias en los siguientes escenarios:
  • Estación de Delicias
  • Estación de Soria-Cañuelo
  • Candilichera (Campo de Gómara)
  • Villaseca de Arciel (Campo de Gómara)
  • Navaleno (Pinar Grande)
  • Villar del Campo
  • Yanguas
  • Matamala de Almazán
  • Estación de Canfranc
Las escenas de la residencia de Varykino fueron rodadas en Candilichera. La presa que sale al final de la película es la de Aldeadávila de la Ribera, en la provincia de Salamanca. Las escenas del entierro, al principio de la película, con unas montañas al fondo, están rodadas en la provincia de Granada. Las escenas de invierno se rodaron principalmente en Finlandia, cerca de la frontera con la entonces URSS.
En algunos países, este film estuvo en cartelera mucho tiempo, siendo récord de taquilla. Durante varios años, las compañías de cinematógrafos la re-estrenaron a petición del público.
Las fotos de los actores protagonistas fueron encargadas por Metro-Goldwyn-Mayer al fotógrafo húngaro-español Juan Gyenes. Las hizo en su estudio de la calle Isabel la Católica 12 de Madrid.