domingo, 15 de septiembre de 2019

Cumplió 25 años: La boda de Muriel

El 15 de septiembre de 1994 se estrenó la película australiana La boda de Muriel (Muriel's Wedding), dirigida por P.J. Hogan e interpretada por Toni Collette, Bill Hunter, Rachel Griffiths, Jeanine Drynan, Gennie Nevison, Matt Day, Daniel Lapaine, Sophie Lee. Productora: Coproducción Australia-Francia-Estados Unidos; Film Victoria/Ciby 2000/Miramax. Duración: 105 minutos. 
Sinopsis argumentalMuriel es una chica con sobrepeso que vive en un mundo de fantasía, canciones de ABBA y catálogos nupciales. Sueña con un príncipe azul que algún día la liberará de su odiosa familia y de sus burlonas amigas. Cansada de esperar su llegada, decide irse a la ciudad y buscarlo. Uno de los mayores éxitos del cine australiano de los noventa. 
Nominaciones y premiosGlobos de oro: Nominada Mejor actriz - Comedia o musical (Toni Collette); Nominada Premios BAFTA: Mejor guión original; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión original; Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor actriz revelación (Collette).
Comentario: Se trata de una comedia agridulce que recrea la historia de un patito feo, Muriel, que quiere convertirse en cisne, y esto solo lo conseguirá pasando por el altar. Este patito feo está interpretado por la actriz Toni Collette  que tuvo que engordar 25 kilos en tan solo siete semanas para dar vida a Muriel. Collette fue dirigida por P. J. Hogan, que dos años más tarde conquistaría los corazones estadounidenses con otra historia nupcial, La boda de mi mejor amigo (My Best Friend's Wedding, 1997). 

Efemérides de cine: La batalla de Inglaterra

El 15 de septiembre de 1969 se estrenó la película británica La batalla de Inglaterra (Battle of Britain), dirigida por Guy Hamilton e interpretada por Harry Andrews, Michael Caine, Trevor Howard, Curd Jürgens, Ian McShane, Kenneth More, Laurence Olivier, Nigel Patrick, Christopher Plummer, Michael Redgrave, Ralph Richardson, Robert Shaw, Patrick Wymark, Susannah York, Barry Foster, Edward Fox, Karl-Otto Alberty. Productora: Spitfire Productions. Duración: 127 minutos. 
Sinopsis argumental: A principios de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), tuvo lugar la llamada batalla de Inglaterra, en la que la Aviación Británica (la RAF) se enfrentó a la poderosa Luftwaffe alemana para salvar a Inglaterra de la invasión.
Nominaciones y premios: Premios BAFTA: Nominada a mejor banda de sonido; National Board of Review: Mejores diez películas del año. 
Comentario: Guy Hamilton, director de algunos filmes de la saga Bond como James Bond contra Goldfinger y Vive y deja morir, dirigió esta superproducción bélica que recrea uno de los más famosos episodios de la Segunda Guerra Mundial. Hamilton introdujo un gran número de espectaculares secuencias de batallas aéreas y contó con un reparto estelar que reunió a buena parte de las figuras del cine inglés del momento, como Michael Caine, Ralph Richardson, Robert Shaw, Laurence Olivier, Michael Redgrave y Susannah York. La película fue rodada en la Base Aérea de Tablada (Sevilla), algunas playas de la Provincia de Huelva,​ en San Sebastián, Fuenterrabía y Zarauz. Los productores de la película se encontraron con el problema de encontrar, 30 años después, los aviones protagonistas de aquellos enfrentamientos. Su salvación llegó al comprobar que muchos de los aparatos aún estaban en servicio en España. Una curiosidad: el actor alemán Curd Jürgens, que en el filme da vida al general germano von Richter, pasó buena parte de la Segunda Guerra Mundial internado en un campo de concentración nazi por ser considerado políticamente indeseable para el Tercer Reich.

Patrick Dewaere, cara de ángel y rebelde eterno (II)

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Infinitamente más interesado en la búsqueda de roles complejos que en la fama, su trabajo se desarrolló en películas experimentales, de bajo presupuesto y de estilo peculiar. Parecía atraído de forma innata por interpretar a neuróticos, inadaptados y perdedores, desaliñados y miserables, como lo demuestran sus personajes en El cabezazo (Coup de tête, 1979), Serie negra (Série noire, 1979), Huida al sur (La desbandada) (Plein sud, 1981), El hotel de las Américas (Hôtel des Amériques, 1981), coprotagonizada con Catherine Deneuve, y la aclamada por la crítica, Tú me hiciste mujer (Beau-père, 1981).
Esta obsesión puede haber provocado un inmenso y profundo sufrimiento en su propia vida personal fuera de la pantalla. A diferencia de su homólogo Depardieu, la fama de Patrick nunca se extendió internacionalmente, pero fue reconocido constantemente en toda Europa por sus excelentes interpretaciones. Sorprendentemente, fue nominado para siete premios César (el equivalente francés del "Oscar") pero nunca ganó ninguno.
La carrera de Patrick terminó en circunstancias trágicas y aún misteriosas. Poco después del estreno de la película Objetivo felicidad (Paradis pour tous, 1982), una comedia dramática en la que su personaje se suicida, el actor de 35 años decidió terminar con su propia vida, disparándose con un rifle en un Hotel de París el 16 de julio de 1982. Cuando trabajaba en la película de Claude Lelouch Édith et Marcel (1983). Un final impactante e inexplicable para amigos, admiradores y familiares por igual. Dewaere más tarde se convirtiría en el asunto del largometraje documental francés Patrick Dewaere (1992), dirigido por Marc Esposito, presentado en el Festival de Cine de Cannes. El Premio Patrick Dewaere se estableció en Francia en 1983.

sábado, 14 de septiembre de 2019

Cumplió 25 años: El profesional (Léon)

El 14 de septiembre de 1994 se estrenó la película francesa El profesional (Léon) (Leon (Léon)), dirigida por Luc Besson e interpretada por Jean Reno, Natalie Portman, Gary Oldman, Danny Aiello, Samy Naceri, Peter Appel, Michael Badalucco, Ellen Greene, Elizabeth Regen. Productora: Gaumont / Les Films du Dauphin production. Duración: 106 minutos.
Sinopsis argumental: Mathilda es una niña de doce años que no se lleva bien con su familia, excepto con su hermano pequeño. Su padre es un narcotraficante que hace negocios con Stan, un corrupto agente de la D.E.A. (Departamento gubernamental contra las drogas). Un día, mientras Mathilda está en un supermercado, Stan mata a su familia. Se refugia entonces en casa de Léon, un solitario y misterioso vecino que resulta ser un asesino a sueldo, pero, como no le queda otra alternativa, hará un pacto con él: ella se encargará de las tareas domésticas y le enseñará a leer a Léon; éste, a cambio, le enseñará a disparar para poder vengarse de quienes mataron a su hermano.
Nominaciones y premios: Premios César: 7 nominaciones incluyendo Mejor película.
Comentario: Una curiosidad: Natalie Portman en su primer papel cinematográfico. Léon en cierta medida es una expansión de una idea de una película anterior de Besson, Nikita (1990). 

Historia del cine español: Conversaciones de Salamanca (III)

La vida por delante (1958). Dirección: Fernando Fernán Gómez. Interpretación: Analía Gadé, Fernando Fernán Gómez, Rafaela Aparicio, José Isbert, Félix de Pomés, Manuel Alexandre, Rafael Bardem, José María Tasso, Xan das Bolas, Julio Sanjuán, Manuel de Juan, María Luisa Ponte, Gracita Morales, Carola Fernán Gómez, Matilde Muñoz Sampedro, Francisco Bernal, Erasmo Pascual, Carlos Díaz de Mendoza, Carmen López Lagar, Alfredo Muñiz. Guion: Fernando Fernán Gómez, Manuel Pilares. Producción: José María Rodríguez. Música: Rafael de Andrés. Fotografía: Ricardo Torres. Montaje: Rosa G. Salgado. Productora: Estela Films. Comedia. Blanco y negro. Duración: 90 minutos. Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos: Mejor película y mejor argumento original; Festival de Cine de Mar del Plata: Nominada a mejor película internacional. Terminados sus estudios de derecho y medicina respectivamente, Antonio (Fernando Fernán-Gómez) y Josefina (Analí­a Gadé), una pareja de recién casados, buscan trabajo para poder comprarse un piso y comenzar una vida juntos, pero tropiezan con enormes dificultades. Es una película llena de humor, en la que Fernando Fernán Gómez comienza a usar el flashback como recurso narrativo, así como el multiperspectivismo, pues rueda una misma escena desde tres puntos de vista diferentes. Además, resulta bastante actual en los temas que plantea. Fue tal el éxito comercial de la cinta que dio pie a una trilogía de comedias costumbristas que completaron La vida alrededor (1958) y El mundo sigue (1963).

Patrick Dewaere, cara de ángel y rebelde eterno (I)

Tres películas en las que participó Patrick Dewaere se reestrenan en versión restaurada: Un mauvais fils (1980), El hotel de las Américas (Hôtel des Amériques, 1981) y Tú me hiciste mujer (Beau-père, 1981). Una gran oportunidad de rastrear la carrera inusual de este actor volcánico, muerto en toda su gloria.
Murió a los 35 años. Y no acaba de dejar el cine francés. Mientras que se reestrenan, esta temporada, tres películas en las que actuó -en versión restaurada-, hay innumerables actores que se dicen influidos por él. Y le envidian su carácter rompedor, su locura y su explosividad... Quieren ser su herederos cuando se preguntó durante tiempo de dónde venía y quién podría ser su padre ("¿Cómo era él?")...
Patrick Dewaere, nacido el 26 de enero de 1947 en Saint-Brieuc, de apellido Maurin, como su madre, Mado, actriz y líder de la familia. Era el tercero de seis hermanos. Ella tenía dos hijos anteriores. Y tendrá otros tres hijos después de él. Patrick fue reconocido por el padre de sus dos hermanos mayores. Pero será criado con los otros tres hermanos siguientes por Georges Collignon, "un mujeriego" empedernido.
Él está allí, el futuro preparado, espera, puesto en una canastilla, entre bastidores, mientras su madre está en el escenario, o ella llora por sus infelices amores... Él está allí y no se moverá. Nunca tendrá que elegir su destino, porque su madre arrastra a sus hijos a todas partes con ella para que participen en películas, telenovelas, obras de teatro. A los 4 años, el futuro Dewaere da la respuesta a... (A los 4 años, el futuro Dewaere hizo su debut en el cine con el número de Patrick Maurin en la película Monsieur Fabre (1951).
Mientras crecía, sus amigos del patio de la escuela se burlaban de él por sus precoces esfuerzos cinematográficos, aprendió sensibilidad y aislamiento a una temprana edad. Otras películas durante este período adolescente incluyeron su papel de niño, aunque sin acreditar, en El camino feliz (The Happy Road, 1957).
Ya adulto, a principios de la década de 1960, Patrick apareció en la televisión francesa y luego se unió al grupo teatral "Café de Gare" en 1968, donde permaneció durante casi una década. Fue durante estos años cuando cambió su nombre artístico a Dewaere, el apellido de soltera de su bisabuela. También conoció y se involucró sentimentalmente con su compañera y miembro de la compañía Miou-Miou. De esta relación nació Angele en 1974, pero la pareja se separó después de solo dos años convivencia. Otra hija, Lola, nació a principios de la década de 1980 de un matrimonio posterior.
Después de numerosos papeles poco relevantes en numerosas películas, el protagonista fue finalmente suyo con el papel principal de Pierrot en la anarquista comedia de Bertrand Blier, Los rompepelotas (Les valseuses, 1974), que coprotagonizó con el prometedor actor Gérard Depardieu y Miou-Miou . Él y Depardieu consigueron celebridad inmediata como "antihéroe" en esta historia de dos jóvenes marginales. El genio de Patrick para la comedia negra y poco convencional fue evidente por la cantidad de comedias de este en las que apareció. Catherine et Cie (1975), coprotagonizada con Jane Birkin, Catherine, una joven prostituta de París, decide invertir en sí misma tras descubrir los secretos de los negocios gracias a sus clientes... Le siguió el drama policíaco El incorruptible (Adieu poulet, 1975), teniendo como el compañero a Lino Ventura que interpreta a inspector de policía. Dewaere obtuvo excelentes críticas por su papel como desequilibrado en La mejor manera de andar (La meilleure façon de marcher, 1976). De nuevo se emparejó con Depardieu en la comedia cruzada ganadora del Oscar a la mejor película de habla no inglesa ¿Quiere ser el amante de mi mujer? (Préparez vos mouchoirs, 1978).
(cont.)

viernes, 13 de septiembre de 2019

Efemérides de cine: Bara no sôretsu

El 13 de septiembre de 1969 se estrenó la película japonesa Bara no sôretsu (conocida internacionalmente como Funeral Parade of Roses), dirigida por Toshio Matsumoto e interpretada por Pîtâ, Osamu Ogasawara, Yoshio Tsuchiya, Emiko Azuma, Toyosaburo Uchiyama, Don Madrid, Koichi Nakamura, Chieko Kobayashi, Shōtarō Akiyama, Kiyoshi Awazu. Productora: Art Theatre Guild (ATG)/Matsumoto Production Company. Duración: 105 minutos. 
Sinopsis argumental: La película narra los acontecimientos que envuelven la vida de Eddie y otros travestidos de la escena underground de Tokio. El título de la película es un juego de palabras. "Bara", que significa rosa, es un término japonés que sirve para designar peyorativamente a los homosexuales.
Comentario: Se trata de una adaptación libre de Oedipus Rex que recorre los sórdidos recovecos del ambiente gay underground del Tokio de los años 1960, marcada por las drogas, la violencia y la marginalidad. Fuera de Japón, y después de su estreno, la cinta permaneció desconocida para el público hasta que fue reeditada y redistribuida en DVD a principios del siglo XXI. Se trata de una cinta peculiar en relación a la industria fílmica del Japón de la época. Como importante trabajo de la Nueva Ola Japonesa, combina elementos del cine arte, del documental y del cine experimental. El aspecto documental del film es especialmente importante pues la ficción se ve interrumpida en reiteradas ocasiones por entrevistas reales a los actores. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Historia del cine español: Conversaciones de Salamanca (II)

Calle mayor (1956). Dirección: Juan Antonio Bardem. Interpretación: Betsy Blair, José Suárez, Yves Massard, Luis Peña, Dora Doll, Alfonso Godá, Manuel Alexandre. Guion: Juan Antonio Bardem (Teatro: Carlos Arniches).  Producción: Manuel J. Goyanes, Serge Silberman. Música: Joseph Kosma, Isidro B. Maiztegui. Fotografía: Michel Kelber. Montaje: Margarita Ochoa. Vestuario: Humberto Cornejo Productora: Coproducción España-Francia; Suevia Films/Play Art/Iberia Films. Drama. Blanco y negro. Duración: 99 minutos. Festival de Venecia: Premio FIPRESCI. Nominada al León de Oro. Los habitantes de una pequeña ciudad provinciana viven atrapados en sus rancias tradiciones y costumbres. En ese opresivo ambiente, Isabel, una mujer soltera de 35 años, se siente fracasada por no haberse casado. Juan y su grupo de amigos, que combaten el aburrimiento imaginando bromas pesadas, hacen creer a Isabel que Juan está enamorado de ella y que le va a pedir que se case con él. Está muy libremente inspirada en la obra teatral de Carlos Arniches La señorita de Trevélez, si bien eliminando los elementos cómicos de la misma y potenciando los dramáticos. De esta manera, resulta ser un áspero drama que realiza un duro retrato de la vida en una ciudad provinciana. Obtuvo diversos premios nacionales e internacionales y está generalmente considerada como la mejor película de su director.

Cine para niños: Películas con verdaderos animales

En el programa de nuestra selección para niños: una inmersión entre focas, un cachorro de oso huérfano y gorilas en peligro de extinción. Porque ver una buena película familiar no siempre es tan fácil ... periódicamente seleccionamos tres obras accesibles para niños y adolescentes de 8 a 12 años.
Después de un verano abrasador y de educar a los jóvenes para proteger el medio ambiente desde una edad temprana, podemos descubrir en los cines, Un día maravilloso en la Tierra (Earth: One Amazing Day, 2017), dirigido por Richard Dale, Lixin Fan, Peter Webber, documental producido por la BBC, imágenes impresionantes y vida salvaje ecléctico, secuela de Tierra, la película de nuestro planeta (Earth, 2007), dirigida por Alastair Fothergill, Mark Linfield. También podemos privilegiar los clásicos, también filmados con animales reales. Antológico.

1. - El oso (L’Ours, 1988) de Jean-Jacques Annaud 

Galardonado con el Premio César al mejor director en 1989, este western animal encaja en los pasos de un cachorro huérfano, perseguido por cazadores en Canadá a fines del siglo XIX. Jean-Jacques Annaud hizo la apuesta arriesgada de privilegiar el punto de vista del animal. Y para que la empatía con el héroe sea total, le confió a Břetislav Pojar, maestro checo de animación de títeres, el cuidado de coreografiar secuencias de sueños, lo más bello de la película. En cabeza del reparto: Youk, el osezno, y Bart, el oso Kodiak (1977-2000), un plantígrado estrella con una docena de películas en su haber, incluyendo Colmillo blanco (White Fang, 1991), de Randal Kleiser y Leyendas de pasión (Legends of the Fall, 1994), de Edward Zwick.

2.- Gorilas en la niebla (Gorillas in the Mist, 1988), de Michael Apted

Hace treinta años, el autor de El mundo nunca es suficiente (The World Is Not Enough, 1999) puso su maestría al servicio de una película biográfica. La de Dian Fossey, primatóloga estadounidense asesinada en 1985 en Ruanda, que pasó trece años de su vida entre los gorilas de montaña, luchando activamente contra la caza furtiva. Para la ocasión, se filmó con verdaderos primates, incluido un bebé en los brazos de la actriz principal, Sigourney Weaver. Debido a las guerras, la caza o la deforestación, estos gorilas permanecen, hasta el día de hoy, en peligro crítico de extinción.

3.- Océanos (Océans, 2009), de Jacques Perrin y Jacques Cluzaud

Hay innumerables documentales de animales hambrientos de un comentario omnipresente: ejemplo reciente: el oceánico Blue, the Film, dirigido Karina Holden y producido por DisneyNature. Los de Jacques Perrin y su cómplice Jacques Cluzaud saben, por el contrario, dejar que las imágenes hablen. Primero con Nómadas del viento (Le peuple migrateur, 2001) y antes de Las estaciones (Les Saisons, 2015), se sumergieron entre la fauna acuática, amenazados por la contaminación, la pesca abusiva, el calentamiento global. Una verdadera hazaña técnica, la película necesitó cuatro años de rodaje. Resultado: cien minutos de imágenes impresionantes, con solo siete minutos de comentarios.

jueves, 12 de septiembre de 2019

Películas de la semana: 13 de septiembre

A dos metros de ti

Título original: Five Feet Apart. Dirección: Justin Baldoni. País: Estados Unidos. Año: 2019. Duración: 116 minutos. Género: Romance. Drama. Comedia. Drama romántico. Enfermedad. Adolescencia. Interpretación: Haley Lu Richardson, Cole Sprouse, Moises Arias, Kimberly Hebert Gregory, Parminder Nagra, Claire Forlani, Kaleb Williams, Keianna Nutley. Guion: Mikki Daughtry, Tobias Iaconis. Música: Brian Tyler, Breton Vivian. Fotografía: Frank G. DeMarco. Productora: CBS Films/Welle Entertainment/Wayfarer Entertainment. Distribuidora: Lionsgate. Estreno en España: 13 de septiembre de 2019. Sinopsis: Stella Grant (Haley Lu Richardson) es una adolescente de diecisiete años… que vive pegada a su ordenador y que adora a sus mejores amigos. Pero a diferencia de la mayoría de gente de su edad, ella se pasa mucho tiempo de su vida en el hospital debido a que sufre a fibrosis quística. Su vida se compone de rutinas, limitaciones y mucho auto control – que se ponen a prueba cuando conoce a un encantador chico llamado Will Newman (Cole Sprouse) que también es paciente en el mismo hospital. Ambos conectan desde el primer instante, a pesar de que las restricciones les obligan a mantener una distancia segura entre ellos. Cuanto más su conexión se intensifica, más lo hace la tentación de arrojar las reglas por la ventana y sucumbir a la atracción. Por si fuera poco, hay que añadir la potencial y peligrosa rebeldía de Will contra el desarrollo de su tratamiento médico. Stella insipra a Will de una forma gradual a vivir la vida al máximo, pero… ¿podrá finalmente salvar a la persona que ama cuando un solo roce está fuera de los límites?

Sordo

DirecciónAlfonso Cortés-Cavanillas. PaísEspaña. Año2018. GéneroThriller. Años 1940. Posguerra española. Discapacidad auditiva. InterpretaciónAsier Etxeandia, Aitor Luna, Hugo Silva, Marián Álvarez, Imanol Arias, Antonio Dechent, Olimpia Melinte, Cristóbal Suárez, Manuel de Blas, Ruth Díaz, Roberto Bonacini, Rocío Calvo, Jorge Basanta, Javier Ballesteros, Edu Mayo, Stephanie Gil, Íñigo Echevarría, Jaime Martín. Guion: Alfonso Cortés-Cavanillas, Juan Carlos Díaz. Producción: Juanjo López. MúsicaCarlos Martín. FotografíaAdolpho Cañadas. MontajeAlfonso Cortés-Cavanillas. Vestuario: Austen Lasa Menéndez. ProductoraLa Caña Brothers. Estreno en España: 13 de septiembre de 2019. SinopsisAño 1944. Han pasado años tras la Guerra Civil Española, pero muchos maquis siguen escondidos combatiendo al franquismo. Uno de ellos es Anselmo, que es sordo. El silencio de su sordera será su acompañante y su espejo, pero sobre todo su enemigo. ¿Será capaz de sobrevivir en los montes sin uno de los sentidos más importantes? Esta película bélica está basado en el cómic español de nombre homónimo escrito por Rayco Pulido y David Muñoz.

En mil pedazos

Título originalA Million Little PiecesDirecciónSam Taylor-Johnson. País: Estados Unidos. Año: 2018. Duración: 113 minutos. Género: Drama. Drogas. Literatura. Drama social. InterpretaciónAaron Taylor-Johnson, Charlie Hunnam, Billy Bob Thornton, Ryan Hurst, Juliette Lewis, Giovanni Ribisi, David Dastmalchian, Dash Mihok, Andy Buckley, Eugene Byrd, Tom Amandes, Odessa Young, Carson Meyer, Andy Mackenzie, Charles Parnell, Dominic Pace, Elester Latham, Frederick Lawrence, Darrell Keith Harris, Deep Rai, Keith Barber. Guion: Aaron Taylor-Johnson, Sam Taylor-Johnson (Memorias: James Frey). Producción: Pamela Abdy, Alex Heineman, Andrew Rona. MúsicaAtticus Ross, Leopold Ross, Claudia Sarne. Fotografía: Jeff Cronenweth. ProductoraThe Picture Company/Warner Bros. Estreno en España: 13 de septiembre de 2019. SinopsisUn joven escritor, adicto a las drogas, llamado James Frey se encuentra en el peor estado de su vida posible. Con intención de salir del torbellino en el que se encuentra inmerso, James acude a un centro de desintoxicación en Minnesota. Allí, conocerá a un grupo interesante de personas con las que formará todo tipo de relaciones. Entre ellos, se encuentran un jefe de la mafia y una mujer adicta, de la que James se acaba enamorando. Basada en la novela homónima, escrita por el propio James Frey. 

Litus

Dirección: Dani de la Orden. País: España. Año2019. Duración90 minutos. Género: Comedia. Drama. Comedia dramática. Amistad. Interpretación: Marta Nieto, Álex García, Adrián Lastra, Miquel Fernández, Belén Cuesta, Quim Gutiérrez, Jorge Cabrera, José Manuel Valdés. GuionMarta Buchaca, Dani de la Orden (Obra: Marta Buchaca). ProducciónAdolfo Blanco, Eduardo Campoy. MúsicaIván Ferreiro, Dani Trujillo. FotografíaJosé Luis Bernal Ibañez. MontajeAlberto Gutiérrez. VestuarioPuy Uche. ProductoraLitus Audiovisual/Neón Producciones/Producciones Álamo Films S.L/Álamo Producciones Audiovisuales. Distribuidora: A Contracorriente Films. Premios y nominacionesFestival de Málaga: Mejor actor de reparto (Quim Gutiérrez). Estreno en España: 13 de septiembre de 2019. SinopsisHan pasado tres meses desde el accidente de coche que acabaría con la vida de Litus. Toni, el hermano del fallecido, convoca a las personas más allegadas al mismo para entregarles la herencia que les ha dejado Litus. Al encuentro acuden Pablo, su mejor amigo; Laia, la ex novia del difunto, a la que algunos culpan de su suicido; Marcos, a quien la muerte de su amigo ha sumido en una profunda tristeza, y su propia ex-novia, Su. Sin embargo, esta reunión acabará convirtiéndose en una velada donde los secretos del pasado y los traumas de los amigos saldrán a la luz.

Los años más bellos de una vida

Título originalLes plus belles années d'une vieDirecciónClaude Lelouch. País: Francia. Año2019. Duración90 minutos. Género: Romance. Drama. Drama romántico. Vejez. Alzheimer. Secuela. InterpretaciónJean-Louis Trintignant, Anouk Aimée, Souad Amidou, Antoine Sire, Marianne Denicourt, Monica Bellucci, Tess Lauvergne.  GuionClaude Lelouch, Valérie Perrin. ProducciónSamuel Hadida, Victor Hadida, Claude Lelouch. MúsicaCalogero, Francis Lai. FotografíaRobert Alazraki. MontajeStéphane Mazalaigue. Diseño de producción: Bernard Warnas. ProductoraLes Films 13. Estreno en España: 13 de septiembre de 2019. Sinopsis: Un hombre y una mujer, hace años, vivieron una historia de amor fulgurante, inesperada, atrapada en un paréntesis convertido en un mito. En la actualidad, él, antiguo piloto de carreras, se pierde un poco por los caminos de su memoria. Su hijo entonces intenta ayudarle a encontrar a la mujer que su padre no supo guardar junto a él, pero a quien rememora continuamente... Secuela de Un hombre y una mujer (Un homme et une femme, 1966) que a su vez tuvo otra secuela 20 años después. 

El vendedor de sueños

Título originalO Vendedor de SonhosDirecciónJayme Monjardim. PaísBrasil. Año2016. Duración98 minutos. País: Brasil. Género: Drama. Interpretación: César Troncoso, Dan Stulbach, Dani Antunes, Nelson Baskeville, Billy Blanco Jr., Marcelo Flores, Stela Freitas, Leonardo Medeiros, Thiago Mendonça, Guilherme Prates, Giselle Prattes, Alex Teix, Marcelo Valle. GuionL.G. Bayão, L.G. Tubaldini Jr. (Libro: Augusto Cury). ProducciónAndre Skaf, L.G. Tubaldini Jr. MúsicaAlexandre Guerra. FotografíaNonato Estrela. MontajeGustavo Giani. Vestuario: Diana Leste. ProductoraFilmland International. Premios y nominacionesCinema Brazil Grand Prize: Nominada a mejor música. Estreno en España: 13 de septiembre de 2019. Sinopsis: Julio César es un psicólogo que se encuentra decepcionado con el rumbo que ha tomadod su vida. Este se encuentra tan derrumbado que intenta suicidarse. Sin embargo, un mendigo llamado Mestre lo impide. Esto provoca que los dos, que tienen en común la falta de dinero y de felicidad que tienen consigo, desarrollan una amistad peculiar. El dúo decide cambiar su suerte y forjar un nuevo camino para vivir, un camino que pasa por formar una asociación que busca obtener el verdadero éxito y, para ello, tratarán de conseguir lo que el dinero no puede ofrecer.

Cuatro manos

Título original: Die VierhändigeDirección: Oliver Kienle. País: Alemania. Año2017. Duración94 minutos. Género: Drama. Thriller. InterpretaciónFrida-Lovisa Hamann, Friederike Becht, Christoph Letkowski, Agnieszka Guzikowska, Detlef Bothe. GuionOliver Kienle. MúsicaHeiko Maile. FotografíaYoshi Heimrath. ProductoraErfttal Film/Niama Film/Pantaleon Films. Distribuidora: Cinemaran. Estreno en España: 13 de septiembre de 2019. SinopsisJessica (Friedrike Becht) y Sophie (Frida-Lovisa Hamann) son dos hermanas que presenciaron el asesinato de sus padres cuando eran niñas. Veinte años más tarde, Jessica tiene un accidente, ante lo que Sophie entra en pánico por la posibilidad de perder a su hermana, pero también ve un rayo de esperanza: hasta ahora, ha estado viviendo a la sombra de la paranoia de su hermana, sin dejarle vivir una vida normal. Tras prometer a Sophie que siempre la protegería, Jessica veía amenazas para ella y su hermana en todos lados. Sin embargo, con las constantes lagunas que sufre, Sophie empieza a darse cuenta de que alguien está controlando su cuerpo, su vida y su espíritu. Sophie hará todo lo posible por luchar contra esa otra persona que reside en su cuerpo.

Los informes sobre Sarah y Saleem

Título originalThe Reports on Sarah and SaleemDirección: Muayad Alayan. PaísPalestina. Año2018. Duración127 minutos. GéneroDrama. Basado en hechos reales. InterpretaciónIshai Golan, Hanan Hillo, Maisa Abd Elhadi, Kamel El Basha, Sivane Kretchner, Bashar Hassuneh, Adeeb Safadi, Jan Kühne, Rebecca Esmeralda Telhami, Mohammad Eid, Mohammad Titi, Amer Khalil. Guion: Rami Musa Alayan. Música: Frank Gelat, Charlie Rishmawi, Tarek Abu Salameh. Fotografía: Sebastian Bock. ProductoraCoproducción Palestina-Países Bajos (Holanda)-Alemania-México; KeyFilm/Manderley Films/Monofilms/Palcine Productions. Distribuidora: La Aventura Audiovisual. Estreno en España: 13 de septiembre de 2019. Sinopsis: Sarah es israelí y tiene un bar en la parte occidental de Jerusalén. Saleem es un palestino de la parte oriental y trabaja de repartidor. Pese a ser como el día y la noche, lo arriesgan todo para embarcarse en una relación ilícita potencialmente demoledora para sus respectivas familias, que nada sospechan. Después de que una cita nocturna se tuerza y amenace con revelar su secreto, contemplan con impotencia cómo sus esfuerzos desesperados por salvar lo que queda de sus vidas solo sirven para complicar más la situación. Sarah y Saleem, atrapados en la maquinaria de ocupación y la presión social y política, se ven presos de una red de mentiras que ni siquiera la verdad parece poder detener.

Dulcinea

DirecciónDavid Hebrero. PaísEstados Unidos. Año2019. Duración98 minutos. GéneroComedia. InterpretaciónSteven Tulumello, Sara Sanz, Germán Torres, Thalma de Freitas, Phil Miler, Holland Long, Jorge Escalante, Joëlle Berckmans, Raquel Lobelos, Amy Haaven, Javier Kiran. GuionDavid Hebrero, Steven Tulumello. Producción: David Hebrero, Javier Kiran, Steven Tulumello. FotografíaDavid Hebrero. MontajeDave Lobelos, Paula Neves. ProductoraCoproducción Estados Unidos-España; Midas Entertainment. Estreno en España: 13 de septiembre de 2019. Sinopsis: Connor es un joven agente de seguros norteamericano que está obsesionado con España. Tras visitar el país ibérico durante tres meses, Connor regresa a casa para encontrarse con que su madre ha muerto y su novia le engaña con su propio hermano. La insólita situación lleva al joven a intentar suicidarse, sin éxito. Ante esto, su terapeuta decide ofrecerle un particular regalo: un anillo con el que es capaz de viajar a cualquier parte del mundo que desee, con la condición de que no puede visitar el mismo sitio más de una vez.

Acorralado (Rambo)

Título originalRambo: First BloodDirecciónTed Kotcheff. País: Estados Unidos. Año1982. Duración97 minutos. GéneroAcción. Guerra de Vietnam. InterpretaciónSylvester Stallone, Richard Crenna, Brian Dennehy, David Caruso, Jack Starrett, Michael Talbott, Chris Mulkey, Bill McKinney, John McLiam, Alf Humphreys, David L. Crowley, Don MacKay, Charles A. Tamburro, David Petersen. GuionSylvester Stallone, Michael Kozoll, William Sackheim (Novela: David Morrell). ProducciónBuzz Feitshans. MúsicaJerry Goldsmith. FotografíaAndrew Laszlo. MontajeJoan E. Chapman. Diseño de producciónWolf Kroeger. Vestuario: Tom Bronson. Productora: Anabasis N.V/Elcajo Productions. Distribuidora: Orion Pictures. Estreno en España:  17 de diciembre de 1982. Reestreno en España: 13 de septiembre de 2019. 
Sinopsis: Cuando John Rambo, un veterano boina verde, va a visitar a un viejo compañero de armas, se entera de que ha muerto víctima de las secuelas de la guerra. Algunos días después, la policía lo detiene por vagabundo y se ensaña con él. Entonces recuerda las torturas que sufrió en Vietnam y reacciona violentamente.

¿Qué hemos hecho para merecer esto?

Título original: Womit haben wir das verdient? DirecciónEva Spreitzhofer. País: Austria. Año2018. Duración: 91 minutos. GéneroComedia. Religión. Interpretación: Caroline Peters, Chantal Zitzenbacher, Simon Schwarz. Guion: Eva Spreitzhofer. Música. Iva Zabkar: Fotografía: Xiaosu Han, Andreas Thalhammer. ProductoraMona Film/Österreichischer Rundfunk (ORF). Distribuidora: El Sur Films. Estreno en España: 13 de septiembre de 2019. Sinopsis: Wanda ve cómo su mundo se viene abajo cuando descubre que su hija Nina se ha convertido al islam en secreto, a pesar de que su madre siempre ha estado en contra del fanatismo religioso. La madre, que además tiene que lidiar con que su exmarido acaba de tener un hijo con su nueva pareja, es incapaz de convencer a su hija de que cambie de opinión en lo que a sus creencias religiosas se refiere. Pero no es la única que está en contra de los actos de su hija; Hanife, madre de la amiga musulmana de Nina, también quiere cambiar a su hija. Hanife inmigró a Austria cuando aún era una niña, y ahora intenta que su hija no siga los modelos tradicionales de mujer, justo lo opuesto a Wanda. Aún así, ambas mujeres se unirán como aliadas en esta comedia dirigida por Eva Spreitzhofer.

Aute Retrato

Dirección: Gaizka Urresti. País: España. Año: 2019. Duración: 98 minutos. Género: Documental. Documental sobre música. Reparto: Documental. Guion: Nacho Cabana, Juan Moya, Gaizka Urresti. Fotografía: Pepe Añón. Productora: Altube Filmeak S.L/ICAA/Urresti Producciones. Distribuidora: Urresti Producciones. Estreno en España: 13 de septiembre de 2019. Sinopsis: Luis Eduardo Aute es un artista muy polifacético: cantautor, pintor, poeta, cineasta, dibujante... Hace un par de años, en el 50 aniversario de su carrera musical, sufrió un infarto que le mantuvo tres meses en coma y le apartó de la vida pública. Aute Retrato de Gaizka Urresti es una recopilación de los mejores momentos de Luis Eduardo Aute en sus 50 años de carrera musical. Un recorrido por sus distintas facetas creativas y sus increíbles bandas sonoras.Toda la vida el artista desvelada por un grupo de testigos, colaboradores y amigos que, a través de sus testimonios, demuestran el impacto que han tenido sus icónicas canciones sobre la actualidad musical y que marcarán a las futuras generaciones. En el largometraje aparecen muchas de sus canciones, que han sido interpretadas por artistas como Dani Martín, Rozalén, Ana Belén, Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Ismael Serrano, Pedro Guerra, Jorge Dexler y Víctor Manuel, entre otros.

Efemérides de cine: El ejército de las sombras

El 12 de septiembre de 1969 se estrenó la película francesa El ejército de las sombras (L'armée des ombres), dirigida por Jean-Pierre Melville e interpretada por Lino Ventura, Simone Signoret, Paul Meurisse, Jean-Pierre Cassel, Paul Crauchet, Serge Reggiani, Claude Mann, Christian Barbier. Productora: Coproducción Francia-Italia;   Les Films Corona/Fono Roma. Duración: 139 minutos. 
Sinopsis argumentalPhilippe Gerbier (Lino Ventura) es un ingeniero civil que ha entregado todos sus esfuerzos a la valerosa resistencia francesa, de la que es uno de sus máximos responsables. Pero llega el día en que la policía colaboracionista le captura, siendo retenido en un campo de concentración bajo atenta vigilancia. Tras un traslado logrará escapar improvisando una fuga relámpago. A partir de ese momento viviremos con su testimonio el día a día de la resistencia y sus dificultades ante el poderoso invasor.
Nominaciones y premiosCírculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera; Asociación de Críticos de Los Ángeles: Mención especial. 
Comentario: Basada en la novela de Joseph Kessel. La versión restaurada y reestrenada en cines en el año 2006, puede que tenga 37 años, pero fue una de las mejores películas del año en opinión de muchos críticos. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Tan cerca, tan lejos: Cédric Klapisch regresa a París y a una nueva juventud

Dos personajes se cruzan sin verse... El director de Le péril jeune (1994) y Una casa de locos (L'Auberge espagnole, 2002) filma París y su soledad ultramoderna en este romance medio serio y medio en broma, Tan cerca, tan lejos (Deux Moi, 2019).
Han pasado casi treinta años desde que Cédric Klapisch capturaba las emociones de sus jóvenes contemporáneos en el flujo de las ciudades. Así reveló una generación de actores que han envejecido al mismo tiempo que nosotros desde su Le péril jeune. En Barcelona, ​​Cécile de France aprendió el arte de besar a su amigo Romain Duris, Una casa de locos (L'Auberge espagnole, 2002), el mismo que diez años después intentó recuperar a Audrey Tautou en Nueva York en Nueva vida en Nueva York (Casse-tête chinois, 2013). O siguiendo los pasos de Garance Clavel en Cada uno busca su gato (Chacun cherche son chat, 1996) o, nuevamente, a Romain Duris en París (2008), el cineasta regresa regularmente para tomarle el pulso a Paname (apodo de París). Esta vez, el muy actual François Civil y la luminosa Ana Girardot encarnarán al joven "Klapischienne" en una comedia a medias ligera, mitad seria.
Viajando sobre rieles y plataformas de transporte público, para rodear a un joven y una joven que bostezan en medio de la multitud de un tren subterráneo: Rémy y Mélanie viven la soledad ultramoderna, en dos edificios unidos, uno al otro. Mañana y tarde, caminan, sin verse, por la misma acera. Solo en su empresa (que se parece a Amazon) de la que no fue despedido, Remy sufre de insomnio en su pequeño apartamento provincial al que vino a "respirar" en el anonimato de la capital. Investigadora en defensas inmunitarias... Sin saberlo, toman dos caminos que los llevarán en la misma dirección... ¿El de una historia de amor?

miércoles, 11 de septiembre de 2019

Historia del cine español: Conversaciones de Salamanca (I)

A mediados de los años 1950, el cine español se hallaba en un estado deplorable, tanto artística como industrialmente. Motivadas por este panorama tan desolador, las Conversaciones de Salamanca fueron un foro de reflexión sobre el cine español que se celebró en esa ciudad entre el 14 y el 19 de mayo de 1955. Las organizó el Cine Club Universitario de la ciudad, a cuyo frente estaba Basilio Martín Patino, quien años después se convertiría en uno de los principales directores españoles de lo que se llamó “nuevo cine español” (Nueve cartas a Berta, Canciones para después de una guerra, Caudillo, Queridísimos verdugos…). Martín Patino, junto Bardem se encargó de firmar el siguiente texto: "El cine español vive aislado; aislado no sólo del mundo, sino de nuestra propia realidad. Cuando el cine de todos los países concentra su interés en los problemas que la realidad plantea cada día, sirviendo así a una esencial misión de testimonio, el cine español continúa cultivando tópicos conocidos (…). El problema del cine español es que (…) no es ese testigo que nuestro tiempo exige a toda creación humana".
Basilio Martín Patino
En principio, las jornadas estaban destinadas al público universitario, pero fueron adhiriéndose profesionales muy diversos de la industria del cine o relacionados con ella, y algún intelectual. Entre ellos destacaron José María García Escudero, que había sido director general de Cinematografía y Teatro durante un año en 1951-1952 y más tarde volvió a ocupar el mismo cargo entre 1962 y 1968; los directores españoles José Luis Sáenz de Heredia, Antonio del Amo, Fernando Fernán Gómez, Carlos Saura (hasta entonces sólo había dirigido dos cortometrajes), y los ya citados Bardem y Berlanga, así como el portugués Manoel de Oliveira. También se hallaba presente el catedrático de Gramática General y Crítica Literaria en la Universidad de Salamanca Fernando Lázaro Carreter.
Luis García Berlanga, Juan Antonio Bardem y Ricardo Muñoz Suay
El llamamiento para la celebración de estas jornadas lo llevó a cabo el cineclub propugnando que el cine español diera un viraje hacia la tradición realista de la cultura española, y citaba a los escritores Mateo Alemán y Francisco de Quevedo, y los pintores José de Ribera y Francisco de Goya –como explica Román Gubern en su Historia del cine–, y concluía: “El cine español está muerto. ¡Viva el cine español!”.
Aunque fueron muchas las cosas que se dijeron, al final, la frase que más ha trascendido la pronunció un incendiario Juan Antonio Bardem, en un famoso quinteto, calificando al cine español como:
Políticamente ineficaz, 
Socialmente falso, 
Intelectualmente ínfimo, 
Estéticamente nulo, 
Industrialmente raquítico
Asistentes a las Conversaciones de Salamanca
Acertadas o no, las Conversaciones dieron su fruto en 1962 cuando volvió de nuevo al cargo de Director general de Cinematografía José María García Escudero. Medidas tales como el apoyo a producciones afines al espíritu de las Conversaciones dieron como resultado lo que se conoce como Nuevo Cine Español. En las siguientes entradas veremos algunas de las películas que pertenece a este ambicioso proyecto. 

Cine: el nacimiento del star-system (III)

(cont.)
El cine popular había creado el medio por el que la masa, informe y anónima, se convertía en la auténtica estrella: las superproducciones espectaculares, con miles de extras. Eso explicó el predominio del cine italiano antes de la I Guerra Mundial, con sus epopeyas bíblicas o paganas, pero en las que siempre jugaban un importante las masas. 
Mary Miles Minter, una de las muchas "copias" de Mary Pickford, intervino en su primera película a la edad de diez años y, ante de los veinte, se había convertido ya en una gran estrella; pero el asesinato sin resolver del director William Desmond Taylor, supuestamente amante suyo, ocurrido en 1922, dañó su reputación y arruinó su carrera. 
Más adelante, directores como D. W. Griffith, Sergei M. Eisenstein y King Vidor se plantearon dotar a la "masa" de una personalidad propia, repitiéndose así la clásica situación de un artista que se da cuenta de algo que el público   sabía desde hace mucho. Pues, para el público americano la masa no era nunca anónima; los americanos sabían como era formar parte de una gran comunidad, compartían una respuesta personal y visceral con el resto de sus conciudadanos y se sentían gratificados cuando uno de ellos salía de la oscuridad y se transformaba en una figura conocida. Los desconocidos convertidos en objeto de preferencia fueron así los que mejor representaban su heroica lucha para romper con un pasado sin esperanzas y labrarse un porvenir más brillante. 
La auténtica Mary Pickford con su madre; las dos eran audaces e inteligentes mujeres de negocio y, Mary siguió siendo durante mucho tiempo la actriz mejor pagada de la industria
Las estrellas de cine se convirtieron en algo así como la "realeza americana", y ganaron enormes fortunas. El sistema proporcionaría héroes y heroínas legendarios, pero también víctimas, una de las cuales sería la propia Florence Lawrence. A diferencia de Mary Pickford (a la que llegaría a conocerse como la novia del mundo), la Lawrence no estaba demasiado dotada para los negocios. En 1911, posiblemente traumatizada por los métodos empleados por Laemmle, le dejó para unirse a la Lubin Company, con base en Filadelfia, a cambio de un pequeño aumento de sueldo. Mary Pickfor, que se había convertido mientras tanto en la nueva estrella de la Biograph, ocupó el puesto de la Lawrence en la IMP (dónde se la etiquetó como la "pequeña Mary", y se asignó un sueldo de 175 dólares semanales). Un año después, Florence Lawrence se pasó a la Victor Company, pero muy pronto se convertiría en pionera de las retiradas prematuras, alejándose voluntariamente del cine para dedicarse a descansar y cuidar de su jardín. Luego, en 1915, fue también la primera estrella que intentó realizar un "comeback", una vuelta. Pero, su época había pasado ya. A mediados de los años 1930 trabajaba como "extra" en los estudios Paramount y Metro-Goldwin-Mayer (MGM); y, en 1938, se suicidó. 
Francis X. Bushman y Ruth Stonehouse en Ashes of Hope (1914), uno de los actores mejor pagados de la época del cine mudo. 
(cont.)