Hace 100 años: Überflüssige Menschen

El 2 de noviembre de 1926 se estrenó la película alemana Überflüssige Menschen, dirigida por Aleksandr Razumnyj e interpretada por Eugen Klöpfer, Camilla von Hollay, Heinrich George, Albert Steinrück, Vera Pawlowa, Bruno Arno, Fritz Rasp, Emil Lind, Werner Krau, Philipp Manning, Hedwig Wangel, Elza Temáry, Illo Gutschwager, Hans Brausewetter, Wilhelm Diegelmann, Fritz Kampers, Jaro Fürth, Nikolai Malikoff, Vera Zakharova. Productora: Coproducción Alemania-Unión Soviética (URSS); Prometheus-Film-Verleih und Vertriebs-GmbH. Duración: 106 minutos. 

Sinopsis argumental: Rusia, durante la época zarista. La historia se centra en varios hombres de la pequeña burguesía, con sus preocupaciones y penurias en un shtetl de las provincias más remotas, aislados del mundo exterior: son artesanos y proveedores de servicios sencillos, como el carpintero Bronsa, que ya piensa en el tamaño del ataúd para su esposa, que padece una enfermedad terminal; el cochero Balagula; y el sastre Sigayev. Los tres tocan música en la banda del pueblo por las noches. Son hombres que se entregan al alcohol y a las peleas, tipos toscos y a veces insensibles, o como sugiere el título: Gente Superflua. Sigayev, por ejemplo, el bajista de la orquesta del pueblo, ha sido abandonado por su esposa, que se ha fugado con un mago e ilusionista de dudosa reputación. En su dolor y embriaguez, Sigayev incendia su propia casa y es rescatado por los pelos por el cochero Balagula...
Comentario: La primera coproducción germano-soviética procesó once cuentos de Chejov. En los créditos iniciales se lee: "Antes de la guerra, la gente de Rusia vivía en el interior de Rusia. Las 'bendiciones' de la civilización no les habían llegado. De esas personas superfluas que viven en una pequeña ciudad rusa habla esta película". Se trata de una farsa provincial idílica con acentos trágicamente conmovedores, exageraciones grotescas y humor grosero, caracterizada por una humanidad conciliadora. La película se creyó perdida durante mucho tiempo y se reconstruyó en 1978.

Blasfemias y monjas poseídas: la versión sin censura de "Los demonios" de Ken Russell llega a los cines

Los demonios (The Devils AKA Ken Russell's Film of The Devils, 1971), dirigida por Ken Russell con Oliver Reed, Vanessa Redgrave, Gemma Jones, Brian Murphy, Kenneth Colley, Michael Gothard, Dudley Sutton, Max Adrian, Murray Melvin, Georgina Hale, John Woodvine, Christopher Logue, Graham Armitage, Andrew Faulds, Judith Paris, Catherine Willmer. Esta sátira del poder religioso, una dramatización frenética y desenfrenada de los sucesos ocurridos en un convento francés del siglo XVII. Los demonios se enfrentó a una dura reacción de los sistemas nacionales e internacionales de clasificación cinematográfica debido a su contenido violento, sexual y religioso, y originalmente recibió una clasificación X tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos. Fue prohibida en varios países, y recortada severamente para su estreno en otros. Medio siglo después, sus provocaciones aún resuenan.

Sinopsis: Un clérigo, en la Francia del XVII, es acusado de herejía. La historia se basa en los hechos reales de la ciudad de Loudun, que son conocidos como el caso más grande de posesión diabólica jamás registrado dentro de la Iglesia católica. Restauración en 4K y sin cortes de la obra maestra de Ken Russell. Una versión íntegra, hasta hace poco perdida, de la que está considerada como una de las películas más polémicas de la historia. 

Durante el Festival de Cannes de 2026 , una multitud de cinéfilos, periodistas y profesionales del cine se reunieron para una única proyección como parte de la selección Cannes Classics. El evento agotó las entradas: Los demonios se proyectaría por primera vez en su versión sin censura, restaurada en 4K por Warner Bros. La viuda del cineasta, Elize Tribble Russell, presentó la proyección: "Ken era un soñador, y es un sueño que este momento pueda existir". Habían pasado cincuenta y cinco años.

Russell se basó parcialmente en la novela de 1952 The Devils of Loudun de Aldous Huxley y en la obra de teatro de 1960 The Devils, y relata el caso de las endemoniadas de Loudun, en el que acusaron al sacerdote católico Urbain Grandier de brujería.

Cuando realizó Los demonios, el director inglés (1927-2011) acababa de cosechar un gran éxito de público con su adaptación de la novela de D.H. Lawrence. En 2002, Russell restauró el metraje cortado por Warner Bros y sacó la versión definitiva de la película, con un estreno limitado en Inglaterra. En 2026, película fue restaurada en formato 4k y tuvo su estreno internacional en el Festival de Cannes, para luego ser estrenada en cines de Estados Unidos e Inglaterra.

"El misterio de Lucy Lost": Una atractiva y emotiva aventura bélica

El misterio de Lucy Lost (Le Mystère Lucy Lost, 2026), dirigida por Olivier Clert. Reparto: Animación. Esta maravilla animada, con su excepcional riqueza visual, cautivará tanto a niños como a adultos. Recomendada para mayores de 6 años. 

Sinopsis: A las afueras de un remoto pueblo pesquero vive con su familia la misteriosa Lucy, una niña de once años que tiene visiones y una llamativa melena blanca. Sus dones despiertan una curiosidad que pronto se convierte en recelo entre los vecinos del pueblo. Cuando Lucy conoce a Milly, su amiga imaginaria, ambas se embarcan en una aventura mágica para descubrir el secreto que se esconde tras sus poderes.

El universo del autor británico de literatura infantil Michael Morpurgo es, sin duda, una rica fuente de inspiración para el cine de animación. Tras la magnífica Kensuke's Kingdom (2023), de Neil Boyle y Kirk Hendry, llega otra historia ambientada en una isla, marcada por los traumas de la guerra, que posee todas las cualidades narrativas y estéticas para cautivar tanto a los jóvenes espectadores como a sus padres. Debut en el largometraje para Olivier Clert como director. 

Hace 100 años: La dama del harén

El 1 de noviembre de 1926 se estrenó la película estadounidense La dama del harén (The Lady of the Harem), dirigida por Raoul Walsh e interpretada por Ernest Torrence, William Collier Jr., Greta Nissen, Louise Fazenda, George Beranger, Sôjin Kamiyama, Frank Leigh, Noble Johnson, Daniel Makarenko, Christian J. Frank, Snitz Edwards, Chester Conklin, Brandon Hurst, Leo White. Productora: Paramount Pictures. Duración: 60 minutos. 

Sinopsis argumental: La resplandeciente provincia de Jorasán gime ante los altos impuestos y crueldades impuestos por su tiránico sultán; solo Hassan, el bondadoso pastelero, vive tranquilo. Se une a Rafi, que llega a la ciudad en busca de su amada, Pervaneh, que ha sido secuestrada por el sultán. En el mercado de esclavos, Rafi consigue suficiente dinero para comprar su libertad, pero es secuestrada y llevada al palacio por uno de los hombres del sultán. Más tarde, creyendo que estaba muerta, Rafi jura vengarse y organiza una banda para aterrorizar a los funcionarios del tirano. Disfrazado, el sultán asiste a una reunión de los secuaces de Rafi y lo atrae al palacio con un mensaje supuestamente enviado por Pervaneh; allí el sultán organiza una orgía bacanal para celebrar su muerte torturada. Hassan lidera a los hombres de Rafi en un ataque sorpresa contra el palacio en el que el sultán muere y sus soldados son derrotados. Los amantes se unen y Hassan asciende al trono.

Comentario: También tuvo el título alternativo en inglés The Golden Voyage y Sultane. Al no localizarse ninguna copia de la película, se considera perdida. 

"Sanguine": horror corporal

Sanguine (2026), dirigida por Marion Le Corroller con Mara Taquin, Karin Viard, Kim Higelin, Sami Outalbali, Stefan Crepon, Sonia Faidi, Edouard Ducamp, Clément Bresson, Benjamin Mendes, Joël Cudennec, Lancelot Courciéras. La ópera prima de la directora aresulta atractiva por su sencillez: una película de serie B que oscila entre el thriller paranoico y el terror corporal, y que aborda principalmente la desilusión de los jóvenes adultos. 

Sinopsis: Margot, una brillante pero insegura estudiante de medicina, lucha por sobrevivir al ritmo frenético de sus prácticas en urgencias. Sin embargo, el agotamiento no es su mayor problema: una oleada de pacientes jóvenes ingresa con síntomas inexplicables que desafían toda lógica clínica. A medida que la frontera entre su diagnóstico y su propia realidad se desdibuja, Margot descubre con horror que su cuerpo está empezando a replicar la misma y misteriosa patología que intenta curar.

¿Pueden las palomitas de maíz curar la psoriasis? Sanguine, una película de serie B con un toque de autoconciencia dirigida por un director novel, resulta atractiva por su sencillez. Recién contratada en la sala de urgencias de un hospital al borde del colapso, Margot (Mara Taquin) descubre que padece una afección cutánea no diagnosticada: entra en pánico. Una mezcla de thriller paranoico donde las víctimas —por ser jóvenes— no son creídas, y comedia sangrienta, la película, con su ambientación médica y carne mutilada, evoca a Crudo (Grave, 2016), de Julia Ducournau. La substancia (The Substance, 2024), de Coralie Fargeat tampoco se queda atrás en cuanto a su provocación descarada… y efectos especiales, cortesía del mismo Pierre-Olivier Persin, especialista en supuración y dislocación de columna. 

"Palabras de amor": comedia dramática sobre los lazos familiares y el apoyo mutuo.

Palabras de amor (Quelques mots d'amour, 2026), dirigida por Rudi Rosenberg con  Hafsia Herzi, Nour Salam, Ella Bedoucha, Mateo Danila, Aïdan Djouadi, Paulette Chetrit, Jacques Sebban. Hafsia Herzi está impresionante en esta elegante película sobre la familia.

Sinopsis: Durante 14 años, Erika ha sido el ancla de un hogar que rara vez se detiene, haciendo todo lo posible por criar a la adolescente Abigail, a su torbellino hermano pequeño, Yoni, y a un perro con una devoción extrema por el queso. Cuando el deseo de Abi de conocer a su padre ausente se convierte en una obsesión en toda regla y se corre la voz de que ha sido visto cerca, Erika teme que el frágil equilibrio se derrumbe para siempre. Sin embargo, el impredecible viaje que sigue lleva a madre e hija a verse de nuevo, conduciendo a su animada y adorable familia hacia un nuevo capítulo feliz.

Una madre y su hija se encuentran frente a la puerta cerrada de un edificio de apartamentos parisino. Un hombre aparece finalmente en una ventana, solo para cerrarla de inmediato sin decir palabra. La pequeña Abi no podrá conocer al padre que no conoce esta vez… En unos pocos minutos sencillos pero intensos, Rudi Rosenberg establece el tema central de la película: la búsqueda obsesiva, que se extiende a lo largo de varios años, de una joven de Sarcelles, convencida de ser amada por un hombre que la evita, en una época —los años noventa— en la que la gente buscaba al ausente en la guía telefónica de Seine-Saint-Denis y aún escribía cartas (con dibujos de corazones y caballos) antes de esperar interminablemente una respuesta. Y así, Erika, una madre soltera, se ve envuelta en esta historia.

"Moulin": el hombre tras el héroe

Moulin (2026), dirigida por  László Nemes con Gilles Lellouche, Lars Eidinger, Louise Bourgoin, Marcin Czarnik, Félix Lefebvre, Théo Costa-Marini, Pierre Nisse, Max Warburton, Hortense de Gromard, Izabella Caussanel, Christian Harting, Cser Kinga. Una película sobria que nos adentra en la mente de un prisionero que se enfrenta a su verdugo.

Sinopsis: Jean Moulin se lanzó en paracaídas sobre la Francia ocupada para unificar a los combatientes de la Resistencia francesa bajo el mando del general De Gaulle. A pesar de sus esfuerzos por mantenerse en la clandestinidad, Moulin fue traicionado y entregado a la Gestapo en Lyon, dirigida por el despiadado Klaus Barbie. Torturado sin piedad, jamás se doblegó. Su firme silencio contribuyó a fortalecer a las fuerzas de la Resistencia e infundió un nuevo espíritu de lucha y libertad en Francia.

La película biográfica de Jean Moulin, del cineasta húngaro László Nemes, era una de las más esperadas del año. Incluso fue objeto de un intenso escrutinio, dado que el carismático líder del Consejo Nacional de la Resistencia (1899-1943), quien murió torturado sin revelar sus secretos, se presenta como una figura histórica intocable. Y, sobre el papel, la elección del popular Gilles Lellouche para interpretarlo parecía una apuesta arriesgada.

"Hope": un gran espectáculo de ciencia ficción

Hope (Hopeu, 2026), dirigida por Na Hong-jin con Hwang Jung-min, Jo In-sung, Hoyeon Jung, Alicia Vikander, Michael Fassbender, Taylor Russell, Cameron Britton, Eum Moon-suk como Yang-bae, Lee Sang-hee, Im Hyun-sik. Impresionante dirección y escenografía, con un toque grotesco: una película rica y entretenida.

Sinopsis: Los refuerzos se han desviado para combatir los incendios forestales y se han cortado todas las comunicaciones. El jefe del puesto policial de Hope, Bum-seok, y la agente Sung-ae luchan por defender un pueblo de ancianos, mientras que en las montañas, Sung-ki y los lugareños que se han lanzado a la búsqueda de la bestia se ven, por el contrario, acosados por ella. Lo que comienza como ignorancia siembra la semilla del desastre, que se intensifica a través del conflicto humano hasta convertirse en una tragedia de proporciones cósmicas. 

Quien espere espectáculo del cine quedará fascinado con Hope. Espectacular en el mejor sentido de la palabra: no una avalancha de imágenes insulsas y ruidosas, sino un éxito de taquilla meticuloso y de alta calidad que alterna entre ritmo y pausa para desplegar mejor sus considerables recursos en una mezcla que desafía los géneros. Thriller criminal, farsa, western, terror, película de catástrofes, ciencia ficción… No, este no es el director de Parasite, Bong Joon-ho (durante su período de The Host), sino Na Hong-jin, un compatriota surcoreano, unos años menor que él. Es el director de dos thrillers criminales muy aclamados por su violencia gráfica, nos referimos a The Chaser (Chugyeogja, 2008) y The Yellow Sea (Hwanghae, 2010) y una película fantástica, El extraño (Goksung, 2016), con una visión tremendamente imaginativa .

“Un hijo”: la psicología que no ayuda

En la película Un hijo (2025), dirigida por Nacho La Casa y basada en la novela de Alejandro Palomas, no hay un culpable criminal ni un maltratador, a pesar de que la trama juega con los prejuicios y el suspense psicológico. 

El verdadero hecho: La madre del niño (Guille) falleció en un accidente aéreo.
El papel del padre (Manuel): Manuel, interpretado por Hugo Silva, no es un villano ni un agresor; simplemente está atrapado en un profundo bloqueo emocional y un duelo severo. Su dureza y su incapacidad para conectar o dejar expresar el dolor a su hijo de 8 años se deben al miedo y al trauma de haber perdido a su esposa, ocultándole la verdad por falta de herramientas para gestionar el dolor.
La investigación de la psicóloga (María): María (Macarena García) sospecha al principio de malos tratos o abuso al analizar los dibujos y los comportamientos extraños del niño (quien quiere ser Mary Poppins y sufre un bloqueo), pero la verdad es la gestión del dolor y la orfandad materna.

En resumen, la película, al principio va buscando un culpable, por supuesto el padre, pero después la trama se reconduce a cómo un padre y un hijo atraviesan el duelo y la falta de comunicación tras una tragedia. 

Hace 100 años: El payaso

El 30 de octubre de 1926 se estrenó la película danesa El payaso  (Klovnen), dirigida por A.W. Sandberg e interpretada por Gösta Ekman, Karina Bell, Maurice de Féraudy, Robert Schmidt, Kate Fabian, Erik Bertner, Edmonde Guy, Philip Bech, Karen Caspersen, Jacoba Jessen, Sigurd Langberg, Torben Meyer, Mathilde Nielsen, Peter Nielsen, Holger Pedersen, Henry Seemann, Ernst Van Duren. Productora: Nordisk Film. Duración: 128 minutos. 

Sinopsis argumental: La película desarrolla el clásico drama del «payaso que llora»: detrás de la apariencia alegre y las risas que ofrece en la pista de circo, el protagonista (Joe Higgins) esconde una vida marcada por el sufrimiento, los reveses personales y los problemas sentimentales.

Comentario: Una de las películas más exitosas en los cines daneses durante la década de 1920. Estuvo en cartelera durante ocho meses.

“Minotauro”: toda la brutalidad de la Rusia de Putin en una película magistral

Minotauro (Minotaur, 2026), dirigida por Andrey Zvyagintsev con Dmitriy Mazurov, Iris Lebedeva, Boris Kudrin, Yuriy Zavalnyouk, Varvara Shmykova, Vladimir Friedman. 

Sinopsis: Rusia, 2022. Gleb, un exitoso hombre de negocios, se ve acorralado por las crecientes presiones empresariales y por un mundo cada vez más inestable. Su vida, tan cuidadosamente ordenada, amenaza con desmoronarse y arrastrarle al colapso emocional y moral. Partiendo de una historia de adulterio inspirada en Chabrol, el cineasta ruso crea una alegoría feroz y cautivadora de su país asolado por la autocracia. 

Al igual que el Minotauro, la criatura mitológica simboliza una personalidad dominada por sus impulsos animales e instintivos. No se podría describir mejor la fuerza masiva e irresistible que se abalanza sobre los personajes más vulnerables de la película. Al adaptar, contra todo pronóstico, un guion del francés Claude Chabrol, La mujer infiel (La Femme infidèle, 1969), Andrey Zvyagintsev va más allá de una simple transposición a la Rusia de la que huyó hace más de cuatro años. Eleva este drama matrimonial al ámbito de la alegoría, contrastándolo con la historia contemporánea y sus horrores. El aspecto femenino del título original ya no se corresponde con la realidad. Ganadora del Gran Premio en Cannes, la película representará a Francia en los Oscar.

"Le Roi du Game": simplemente simple

Le Roi du Game (2026), dirigida por Éric Judor con Eric Judor, Alexandra Lamy, Hafid Benamar, Marc Labrèche, Liona Bordonaro. Pierre Gommé, Maxime Biaggi, Dominique Frot. 

Sinopsis: Alexandre está dispuesto a hacer lo que sea para volver a conectar con su hija, incluso infiltrarse en un grupo de inadaptados en un mundo de rol de fantasía medieval. Esta improbable aventura podría llevarle de vuelta a sus propios sueños, hace tiempo olvidados… Éric Judor explora con ingenio el mundo de los juegos de rol en vivo. Con su característico humor, un elenco de personajes secundarios de lo más variopintos evita que la historia resulte repetitiva. 

El actor y director se burla con delicadeza del mundo de los juegos de rol en vivo. Haciendo uso de su característico humor, se salva de la mera repetición gracias a un elenco de personajes secundarios muy carismáticos.

Parece que Éric Judor encuentra inspiración en la inmersión. Con Problemos (2017), ya se situó dentro de una comunidad de activistas ZAD que se enfrentaban a la posible extinción de la humanidad. Para Le Roi du game, su segundo largometraje en solitario, el actor y director se adentra en el mundo de los juegos de rol en vivo (LARP, para los entendidos). Entre las pelucas extravagantes, las orejas de elfo y un glosario algo críptico (recordaremos el famoso "HRP", de "fuera de juego de rol", que se mostraba cada vez que se pausaba el juego, lo cual ocurría a menudo), había material de sobra con el que trabajar.

"Wicker": una fábula atrevida

Wicker (2026), dirigida por Eleanor Wilson y Alex Huston Fischer con Olivia Colman, Alexander Skarsgård, Peter Dinklage, Elizabeth Debicki, Marli Siu, Nabhaan Rizwan, Richard E. Grant, Ben Ashenden, Scott Alexander Young, Ella Bruccoleri, Kiell Smith-Bynoe, Gustav Lindh. Más atrevida que Pinocho , esta historia fantástica para adultos satiriza con humor el patriarcado y su orden social. La forma, sobre todo, es deslumbrante, empezando por la belleza de un marido hecho de mimbre.

Sinopsis: Marginada por su aldea, una solitaria pescadora encarga un marido de mimbre al cestero local, quien resulta ser cariñoso y talentoso. Pero pronto, su singular esposo despierta los deseos, los celos y las fantasías de los aldeanos, sacudiendo los cimientos de una comunidad hasta entonces ordenada...  ¿Un hombre sexy... hecho completamente de mimbre? ¡Suficiente para sembrar el caos en el pueblo! Una fábula tierna y descarada, visualmente impactante.

«Quiero que me hagas un marido», le ordena la pescadora al cestero. «Nos vemos en la capilla dentro de un mes», responde el artesano (Peter Dinklage), y, como por arte de magia, el truco se cumple y el marido llega pronto. La criatura tiene unos hermosos ojos azules —como los de Alexander Skarsgård—, un cuerpo atlético de mimbre y, aunque despiadado, siente un cariño inmediato por la solterona abandonada con olor a pescado (Olivia Colman, una actriz brillante y, en esta ocasión, coproductora). Mientras ella encuentra la felicidad en los brazos de este «hombre» providencial, atento e ingenioso, los aldeanos cotillean y envidian sin cesar, atrapados en matrimonios tradicionales que no satisfacen a ninguna de las partes.

Efemérides de cine: Las largas vacaciones del 36

El 28 de octubre de 1976 se estrenó la película española Las largas vacaciones del 36, dirigida por Jaime Camino e interpretada por Francisco Rabal, Concha Velasco, José Sacristán, Manuel Gas, Analía Gadé, Ismael Merlo, Ángela Molina, José Vivó, Vicente Parra, Charo Soriano, Conchita Bardem, Jarque Zurbano, Alfred Lucchetti, Rafael Anglada. Productora: José Frade Producciones Cinematográficas S. A. Duración: 102 minutos.

Sinopsis argumental: La Guerra Civil española (1936-1939) cogió por sorpresa a mucha gente que estaba en plenas vacaciones estivales. En un pueblecito próximo a Barcelona, varias familias amigas decidieron seguir en sus casas de veraneo hasta que terminara la guerra. Para los niños fueron éstas unas largas e inesperadas vacaciones. A medida que la guerra se recrudecía, la actitud de los adultos empezó a cambiar: algunos iban diariamente a la ciudad para mantener su trabajo; otros, en cambio, tuvieron que permanecer escondidos debido a su ideología.

Nominaciones y premios: Festival Internacional de Berlín: Nominada al Oso de Oro - Mejor película, FIPRESCI - Premio Internacional de la Crítica, Premio Interfilm (Recomendación) y Premio UNICRIT (Mención de honor).

Comentario: Se trata de la primera incursión cinematográfica en la guerra civil española desde una óptica no propagandística, en la que intervino activamente la censura, que incluso llegó a eliminar una escena donde entraban las tropas moras en Barcelona. Una manida visión de la Guerra Civil española que, como ocurre con la mayoría de las películas españolas centradas en la guerra de 1936, resulta algo pretenciosa. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: La Corea

El 28 de octubre de 1976 se estrenó la película española La Corea, dirigida por Pedro Olea e interpretada por Queta Claver, Ángel Pardo, Cristina Galbó, Gonzalo Fernández Benavides, Encarna Paso, Mimí Muñoz, José Franco Pumarega, Imanol Arias, José Luis Alexandre. Productora: José Frade P.C. Duración: 88 minutos. 

Sinopsis argumental: Toni (Ángel Pardo) ha salido de su pueblo por primera vez para vivir en la capital (Madrid) y encontrar trabajo. No conoce a nadie, solo a una mujer sobre la que le han hablado en el pueblo. Esta mujer es Charo (Queta Claver), conocida como La Corea, que se dedica a proporcionar chicos a los militares de la base militar de Torrejón de Ardoz con fines sexuales. El problema aparece cuando Charo se enamora de Toni, despertando así la ira de uno de los antiguos gigolós de La Corea llamado Sebas (José Luis Alexandre), que intentará por todos los medios que esa relación termine.

Comentario: Forma parte de la llamada por el director "Trilogía de Madrid" junto a Tormento (1974) y Pim, pam, pum... ¡fuego! (1975). Supuso el debut cinematográfico de Imanol Arias. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: El anacoreta

El 27 de octubre de 1976 se estrenó la película española El anacoreta, dirigida por Juan Estelrich e interpretada por Fernando Fernán Gómez, Martine Audó, José María Mompín, Charo Soriano, Claude Dauphin, Maribel Ayuso, Eduardo Calvo, Luis Ciges, Isabel Mestres, Ángel Álvarez, Ricardo G. Lilló, Sergio Mendizábal. Productora: Coproducción España-Francia; InCine S.A, Arcadie Productions, Hispano Foxfilms S.A.E. Duración: 104 minutos. 

Sinopsis argumental: Hace once años que Fernando Tobajas, un hombre de cierta edad, decidió vivir en el cuarto de baño, en el que creó un pequeño apartamento, y no salir nunca de él. Tobajas ha renunciado a todo, excepto a la vanidad, y sus contactos con el mundo se reducen a las visitas de los amigos y a los mensajes que envía por el retrete dentro de tubos de aspirinas con la esperanza de que alguien los reciba y sepa de su existencia. Arabel Lee, una chica preciosa, encuentra uno de esos mensajes.

Nominaciones y premios: Festival de Berlín: Oso de Plata - Mejor actor (Fernando Fernán Gómez); Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos: Mejor guion.

Comentario: Surrealista comedia llena de inteligentes ironías y un humor sarcástico. Protagoniza un divertido Fernando Fernán Gómez, cuyo personaje acaba llevándose a su terreno a todos los demás. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Muslo o pechuga

El 27 de octubre de 1976 se estrenó la película francesas Muslo o pechuga (L'aile ou la cuisse), dirigida por Claude Zidi e interpretada por Louis de Funès, Coluche, Ann Zacharias, Julien Guiomar, Claude Gensac, Georges Chamarat. Productora: Les Films Christian Fechner. Duración: 104 minutos. 

Sinopsis argumental: Louis de Funès interpreta a un prestigioso crítico gastronómico que edita la guía "Duchemin", y donde valora la calidad de los restaurantes... a los cuales acude disfrazado. Está a punto de jubilarse y legarle todo a su hijo, como es tradición en la familia. Pero aunque a su hijo tiene talento, tiene otra vocación en la vida: payaso de circo, y no se atreve a decírselo a su padre... 

Comentario: Divertida comedia de Louis de Funès, escrita y dirigida por Claude Zidi. El gran actor cómico francés despliega todo su catálogo de muecas y aspavientos, innegablemente divertidos. Hay momentos muy graciosos, cuando su personaje está disfrazado, o en la secuencia en que un "fontanero" se cuela en el despacho de Duchemin (indudable juego de palabras con la guía Michelin) para practicar espionaje gastronómico. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Último deseo

El 27 de octubre de 1976 se estrenó la película española Último deseo AKA Planeta ciego, dirigida por León Klimovsky e interpretada por Alberto de Mendoza, Nadiuska, Paul Naschy, Teresa Gimpera, Emiliano Redondo, Julia Saly, Maria Perschy, Diana Polakov, Antonio Mayans, Leona Devine, Ricardo Palacios, Tomás Picó. Productora: Newcal, Trefilms. Duración: 95 minutos. 

Sinopsis argumental: Un grupo de hombres prominentes (científicos militares, negociantes, diplomáticos, médicos de prestigio), alojados en un lujosa mansión de la villa de Vilemore para pasar un fin de semana de orgías con prostitutas de lujo, son testigos de cómo una explosión nuclear deja ciegos a todos los humanos que se encuentran en el exterior. El destino hará que los hombres y mujeres de la mansión se conviertan en el objetivo de la rabia de estos personajes invidentes y enloquecidos, que acaban actuando como zombis sitiando el lugar. No faltan además los conflictos entre los ocupantes de la mansión, en cuyo microcosmos opresivo comenzará a haber recelos y se adoptará un juego de supervivencia basado en la ley del más fuerte. 

Comentario: Producto típico de los años 1970, en la línea de toda la filmografía de León Klimovsky quien aquí juega al despiste, pues parece que va a contar una historia erótica muy subida de tono y de repente da un giro radical hacia el thriller, con momentos que evocan al clásico La noche de los muertos vivientes (1968). Cuenta para ello con un elenco de actores de calidad significativa. No hay mucha verosimilitud en todo lo que ocurre (era la época en que se temía una guerra entre las grandes potencias militares, EE.UU. y Rusia), pero desde luego no es de lo peor del director. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

"La Gradiva": la escuela de la vida

La Gradiva (2026), dirigida por Marine Atlan con Colas Quignard, Suzanne Gerin, Mitia Capellier-Audat, Antonia Buresi, Rouge Isaac, Hadya Fofana, Lou-Anne Le Glorennec, Chamathka Warahena, Chérazade Hammedi, Camille Ménard-Harnisch, Gustave Tersiguel, Mathéo De Carlo, Alma Polgár, Mariam Bouras, Léonilde Moucheroud, Emmanuelle Lafon, Lila Latronche, Anna Heckel. 

Marine Atlan nos ofrece una magnífica ópera prima sobre la adolescencia y sus turbulencias. Deseo, celos, alegría y tristeza les esperan. Un mosaico de momentos magníficos dedicados a la adolescencia, con la mitología como telón de fondo.  Un mosaico de momentos sublimes, un paseo donde la historia antigua resuena con la adolescencia contemporánea.

Sinopsis: Un pequeño grupo de estudiantes de secundaria franceses se embarca en un viaje escolar a Napoles y Pompeya para explorar sus ruinas y los cuerpos petrificados por el Vesubio en el año 79 d.C. En esta ciudad fantasma, de repente se ven invadidos por una sensación de vértigo. 

¿Por qué magia se puede sostener todo esto? ¿Cuál es el secreto que permite transmitir esta formidable gama de sensaciones y sentimientos? Alegría, melancolía, belleza, asco, amor, resentimiento, celos, fatiga, ardor, miedo, nostalgia, desesperación, embriaguez… La lista podría continuar. Uno no puede evitar sentirse cautivado e incluso abrumado por el torrente de emociones que evoca este primer largometraje de Marine Atlan , una verdadera revelación. Su título —La Gradiva («una mujer que camina» en latín)— hace referencia al cuento de un escritor alemán poco conocido, Wilhelm Jensen (1837-1911). En él, relata la obsesión de un arqueólogo con un bajorrelieve que cree que proviene de Pompeya. Freud se inspiró en él.

Desde la carnicería de "Carrie" de Brian De Palma hasta hoy, cincuenta años de menstruación en la pantalla

Un tema tabú u horripilante, objeto de burla o repugnancia, antes de convertirse en un problema social y político… La representación de la menstruación femenina en la ficción ha cambiado considerablemente.

En 1976, ante la cámara de Brian De Palma, nació una escena icónica del cine: en las duchas de su instituto, la aterrorizada joven Carrie White (Sissy Spacek) grita al descubrir sangre menstrual corriendo por sus piernas, y sus compañeras, burlándose de ella, la bombardean con tampones ("¡Cúbrelo!"). 

Cincuenta años después de Carrie, su creador, Mike Flanagan, retoma esta "escena de la ducha", tan icónica como la de Psicosis, en una emocionante y escalofriante nueva versión en Prime Video, Carrie (2026). Pero esta vez, la vergüenza se filma y se publica en las redes sociales… El ciclo (sangriento) se completa.