"Chicas tristes": una ópera prima frágil pero sensible

Chicas tristes (2026), dirigida por Fernanda Tovar con Darana Álvarez, Rocío Guzmán, Mónica del Carmen, Ayax, Daniel Aranzubia, Andrea Camacho, Tomás García Agráz, Héctor Kuri Hernández, Raúl Villegas, Tatsumi Milori, Oscar Lever, Lucio Lemus. 

Sinopsis : La Maestra y Paula son las mejores nadadoras de su equipo y mejores amigas, hasta que un incidente en una fiesta lo cambia todo. La Maestra, intensa e imparable, nota que algo en su mejor amiga ha cambiado: ahora está triste. Cuando la verdad sale a la luz, ambas enfrentan una decisión imposible: Paula quiere guardar silencio, La Maestra quiere justicia. Su amistad, antes invencible, se pone a prueba como nunca.

¿Cómo se denomina este encuentro sexual no consentido? ¿Fue violación? ¿Es mejor guardar silencio? ¿Qué opina la inteligencia artificial? Estas son las preguntas de actualidad con las que la directora novel confronta a sus desconcertadas protagonistas. Al igual que ellas, la película es frágil, vacilante, pero sensible. Juega hábilmente con el poder de la identificación y, de hecho, ha ganado un premio.

“All of a Sudden”: una conmovedora oda a la empatía y a la libertad excepcional

All of a Sudden (Soudain, 2026), de Ryûsuke Hamaguchi con Sachie Tanaka, Hazuki Kikuchi, Maiko Mihara, Rira Kawamura. 

Sinopsis: En París, Marie-Lou Fontaine, directora de una residencia de ancianos, se esfuerza por implementar una filosofía de atención innovadora basada en la escucha activa y el respeto a la dignidad de los residentes, a pesar de la escasez de medios y la resistencia de parte de su personal. En medio de estos problemas, su encuentro con Mari Morisaki, una directora de teatro japonesa que lucha contra el cáncer, transformará profundamente su vida. Al forjar una profunda amistad, ambas mujeres unen fuerzas en una lucha compartida para lograr lo imposible.

El director japonés nos ofrece una película conmovedora y extraordinaria, alejada del melodrama y centrada en la vida misma. Desde Happy Hour (Happî awâ, 2015) hasta La ruleta de la fortuna y la fantasía (Guzen to sozo, 2021), las películas de Ryūsuke Hamaguchi suelen ser historias de iniciación que nos adentran en la comprensión de la condición humana. Nos obligan a desplazarnos, a viajar, a recorrer distancias mayores o menores. Aparte de dos magníficas secuencias en Japón, en las colinas de Kioto, All of a Sudden se desarrolla en París. Sin embargo, abundan las caminatas, se celebra la verticalidad y el pie recibe una atención tan particular como desconcertante, sobre todo a través de sesiones de masaje con propiedades beneficiosas. En resumen, la película toma un camino largo y poco convencional.

“Peter y el dragón”, una aventura mágica

Precisamente el mismo año en que se estrenó Vaiana, David Lowery también mostró al mundo su Peter y el dragón (Pete's Dragon, 2016), una preciosa historia de amistad entre un niño y un dragón gigante llamado Elliot. Interpretada por Bryce Dallas Howard, Robert Redford, Karl Urban, Oakes Fegley, Wes Bentley, Craig Hall, Oona Laurence, Isiah Whitlock Jr., Marcus Henderson, Gareth Reeves, Esmée Myers. En plena oleada de adaptaciones en imagen real de sus clásicos de animación, Walt Disney reinventa Pete’s Dragon, de 1977, que entonces se tradujo como Pedro y el dragón Elliot, que combinaba actores con un único personaje de dibujos, el ser verde, aquí recreado con modernos gráficos de ordenador.

Sinopsis: Durante años el Sr. Meacham, un viejo tallador de madera, ha fascinado a los niños de la región con sus cuentos acerca de un feroz dragón que reside en lo más profundo de los bosques del Noroeste del Pacífico. Para su hija Grace, que trabaja como guarda forestal, estas historias no son más que cuentos para niños… hasta que conoce a Peter. Peter es un misterioso niño de 10 años que no tiene familia ni hogar, y que asegura que vive en el bosque con un gigante dragón verde llamado Eliott. Con la ayuda de Natalie, una niña de 11 años cuyo padre es dueño de la serrería local, Grace partirá en busca de respuestas que averigüen de dónde viene Peter, cuál es su verdadero hogar y la verdad acerca de ese dragón.

“Girl”: una historia sensible sobre la violencia doméstica

Girl (Nühai, 2025), dirigida por Shu Qi con Roy Chiu, 9m88, Xiao-Ying Bai, Audrey Lin, Lai Yu Fei, Esther Liu, Bamboo Chen, Liu Kuan-Ting. 

Sinopsis: Hsiao-lee es una chica tímida y melancólica. Cuando conoce a la despreocupada Li-li, resurgen en ella sueños que había reprimido tiempo atrás debido a su complejo contexto familiar: su padre, alcohólico, es violento con su madre, quien a su vez descarga todo su resentimiento en Hsiao-lee. Con los años de transformación económica en Taiwán como telón de fondo, Shu Qi da forma a una historia coming-of-age sobre el deseo de liberación de los traumas heredados y nos exhorta a buscar la belleza de lo cotidiano incluso en las situaciones más difíciles.

Shu Qi, la actriz favorita del maestro taiwanés Hou Hsiao-hsien, debuta como directora con la historia, en gran parte autobiográfica, de una adolescente víctima de un padre tóxico y una madre indiferente en el Taipéi de los años 1980. 

Va de anime: El niño y la bestia

El niño y la bestia (Bakemono no Ko, 2015), dirigida por Mamoru Hosoda. Reparto: Animación. 

Sinopsis: Kyuta es un niño solitario que vive en Tokio, y Kumatetsu es una criatura sobrenatural aislada en un mundo fantástico. Un día, el niño cruza la frontera al otro mundo y entabla amistad con Kumatetsu, que se convierte en su amigo y guía espiritual. Este encuentro les llevará a vivir multitud de aventuras. Una historia de aprendizaje, de mundos paralelos, de infancia perpleja. 

Isekai es un subgénero del anime en el que los personajes son transportados, reencarnados o atrapados en un mundo paralelo, generalmente de fantasía o ciencia ficción. Los protagonistas suelen adquirir nuevas habilidades o poderes en este mundo alternativo, donde enfrentan desafíos y aventuras que no existirían en su realidad original. Aunque existen obras occidentales con esas características (p.e.; Alicia en el País de las Maravillas) este topic es exclusivamente para anime. Disponible en Amazon Prime Video, Filmin y acontra+. 

Cinco películas basadas en libros (IV)

Cadena perpetua (The Shawshank Redemption, 1994), de Frank Darabont

Esta película está basada en Rita Hayworth y la redención de Shawshank (1982), una novela corta de Stephen King  Stephen King. Lo curioso detrás de esta obra es que el conocido como "maestro del misterio" vendió los derechos de su historia por un dólar a un cineasta emergente que ya había adaptado en un cortometraje una de sus novelas. Es una obra que, a pesar de ser hoy en día un clásico ineludible, fracasó estrepitosamente en la taquilla: tan solo logró recaudar un total de 16 millones de dólares frente a un presupuesto de 25 millones. Sin embargo, gracias a sus nominaciones a los Oscar y a su posterior lanzamiento en VHS, vivió una segunda vida, convirtiéndose en el clásico de culto que es hoy.

Sin duda, destaca por la calidad del guion, de sus interpretaciones y por una fotografía expresiva que logra transformar el carácter opresivo del drama carcelario en una bandera de esperanza. En el centro de la trama encontramos a Andrew Dufresne (interpretado por Tim Robbins), un hombre acusado y condenado por el asesinato de su mujer a la cárcel de Shawshank, en Maine, a pesar de clamar incansablemente su inocencia.

Cinco películas basadas en libros (II)

Ben-Hur (1959), de William Wyler

Una obra cinematográfica que nace de la novela homónima Ben-Hur: una historia de Cristo (título original en inglés: Ben-Hur: A Tale of the Christ), escrita por el autor y militar estadounidense Lewis Wallace. Se ambienta en la antigua Roma, bajo el régimen de los emperadores Augusto y Tiberio (s. I d.C.). Judá Ben-Hur, que proviene de una familia noble de la ciudad de Jerusalén, tiene una amistad con Mesala, un tribuno romano que dirige los ejércitos de ocupación. Sin embargo, un accidente romperá definitivamente esta amistad, convirtiéndola en una enemistad profunda e irreversible. De ahí en adelante su vida cambia radicalmente: el joven es acusado de atentar contra la vida del nuevo gobernador romano, lo que le valdrá el encarcelamiento a él y a toda su familia. Mesala lo condena a una vida de galeras; sin embargo, un hombre desconocido llamado Jesús se apiada de él y le da de beber.

Tras sobrevivir como esclavo durante años, el cónsul romano Quinto Arrio le salva la vida y le otorga la libertad, lo que le permite regresar a Judea convertido en un hombre nuevo que emprende una búsqueda sin descanso para encontrar a su madre y a su hermana. Esta obra es, sin duda, una historia de superación y perdón en la que el director hace uso de un despliegue técnico sin precedentes y una puesta en escena magistral, haciendo de ella una obra que hay que ver de manera indispensable.

"Look Back": una historia conmovedora

Look Back (2026), dirigida por Hirokazu Koreeda. Reparto: Animación. 

Sinopsis: Fujino es una chica extrovertida, orgullosa de sus dibujos y que destaca por sus tiras cómicas en el periódico escolar, pero su mundo cambia cuando conoce a Kyomoto, una compañera de clase muy talentosa en el dibujo, retraída y casi siempre ausente. Lo que empieza como envidia pronto se transforma en una amistad creativa: Fujino escribe y dibuja los personajes, mientras Kyomoto aporta fondos complejos. 

El elemento más importante de la historia son las dos protagonistas, ya que todo el peso de la trama recae en Fujino y Kyomoto. Son dos chicas con personalidades totalmente opuestas, y sus caracteres se reflejan en sus obras. Así, la obsesión de Fujino por mejorar su técnica y los problemas de ansiedad social de Kyomoto, se manifiestan en su gran talento para dibujar los escenarios de sus historias.

En menos de una hora, Look Back, dirigida por Kiyotaka Oshiyama, entrega uno de los relatos animados más intensos y emotivos que he visto. Es una adaptación del manga homónimo del mangaka Tatsuki Fujimoto, conocido dentro del mundo del anime por obras como Chainsaw Man. Disponible en Amazon Prime Video. 

"Shana”, de Lila Pinell, crisis de identidad

Shana (2026), de Lila Pinell con Eva Huault, Noémie Lvovsky, Palachandiran Thyshaant, Inès Anane, Anaïs Monah, Bettina de Van, Sékouba Doucouré, Solal Bouloudnine, Sarah Benabdallah, Anthony Sonigo, Geneviève Krief, Adam Lévy-Zauberman, Lisa Nyarko, Sarah Djourou, Maëva Dahan, Divine Mboyo, Sarah Bramms, Martin Jauvat. 

Sinopsis: Shana afronta las dificultades del día a día con una energía desbordante y el apoyo de su grupo de amigas. Cuando fallece su abuela, hereda un anillo que, según dicen, protege contra el mal de ojo. A Shana le viene muy bien ese empujoncito. Sobre todo porque, con la salida de la cárcel de su pareja tóxica, los problemas no dejan de acumularse.

Un retrato magnético y cautivador de una mujer locuaz y explosiva (la arrolladora Eva Huault), que no sabe qué hacer consigo misma. Lejos de los clichés más lamentables, Lila Pinell retrata a una generación que usa las apariencias como escudo y el cuerpo como moneda de cambio, oscilando entre la vulgaridad y la vulnerabilidad.

"A Second Life", al estilo de la Nouvelle Vague

A Second Life (2025),  de Laurent Slama con Agathe Rousselle, Alex Lawther, Suzy Bemba, Jonas Bachan. 

Sinopsis: Durante los Juegos Olímpicos, se crea un vínculo inesperado entre una persona estadounidense con discapacidad auditiva y otra de espíritu libre que deambula por las vibrantes calles de París.

En julio de 2024, mientras que en París estaba prohibido filmar debido a los Juegos Olímpicos, Laurent Slama logró rodar su tercer largometraje -y primera estrenada con su auténtico nombre, las dos anteriores lo hizo bajo el seudónimo Elisabeth Vogle-, en las calles de la capital, durante la ceremonia de apertura, que estaba siendo vigilada por miles de policías y soldados. Este espíritu de libertad tan propio de la Nouvelle Vague confiere cierto encanto a la película, un retrato de una joven sorda (Agathe Rousselle, la estrella revelación de Titane de 2021) que intenta superar su depresión en medio del caos de la ciudad. 

El director, que también produce, coescribe el guion y fotografía, nos la presenta desde el mismo arranque aturdida, estresada y solitaria, en primeros planos a contraluz, reflexionando en una intensa voz superpuesta que parece dirigirse a una persona perdida de su pasado, preparándose en casa batidos de verduras y ansiolíticos, o soportando a excéntricos e irrespetuosos turistas con una radical carencia de empatía.

D'un monde à l'autre": un emotivo documental

D'un monde à l'autre (2025), de de Jérémie Renier y Loury Lag. Reparto: Documental. Intervenciones:  Jérémie Renier, Loury Lag. 

Sinopsis: Tras la muerte accidental de su mejor amigo, Jérémie emprende un camino de reflexión a través de su encuentro con Loury, un explorador francés que viaja por territorios deshabitados en condiciones extremas. Juntos, se aventuran a cruzar los témpanos de hielo del Ártico. Abandonados a su suerte, los dos hombres pondrán a prueba al otro hasta que vuelvan a sentirse verdaderamente vivos.

Un documental íntimo, un viaje humano, catártico y sensorial a través del duelo y la amistad. Una forma de afrontar el vacío dejado por la desaparición de su amigo (un emotivo y sincero, aunque algo sentimental  homenaje al actor Gaspard Ulliel, cuyo nombre se revela al final de la película). Para intentar reconstruir su vida, Renier decide enfrentarse a la extrema hostilidad de la naturaleza cruzando el Ártico en esquís en condiciones extremas. 

Jérémie Renier, rodeado de un equipo técnico reducido a cinco personas, tomó la cámara en momentos de fatiga y aislamiento para capturar una verdad cruda.

Efemérides de cine: Novecento

El 21 de mayo de 1976 se estrenó la película italiana Novecento, dirigida por Bernardo Bertolucci e interpretada por Robert De Niro, Gérard Depardieu, Dominique Sanda, Laura Betti, Stefania Casini, Francesca Bertini, Werner Bruhns, Sterling Hayden, Anna Henkel, Burt Lancaster, Donald Sutherland, Alida Valli, Stefania Sandrelli. Productora: Coproducción Italia-Francia-Alemania del Oeste (RFA); Produzioni Europee Associati (PEA), Les Productions Artistes Associes, Artemis Film. Duración: 314 minutos. 

Sinopsis argumental:  En el año 1901, en una finca del norte de Italia, nacen el mismo día el hijo de un terrateniente y el hijo de un bracero que serán amigos inseparables, aunque su relación se verá nublada por sus diferentes actitudes frente al fascismo. Drama que hace un complejo recorrido político y social por la Italia del siglo XX.

Nominaciones y premios: Premios National Society of Film Critics (NSFC): nominada a mejor fotografía; Bodil Awards (Dinamarca): Mejor Película Europea; 1976: Sindicato Italiano de Periodistas de Cine: Nominadas Actrices Sec. (Valli & Betti); Premios Sant Jordi: Mejor Interpretación en Película Extranjera (de Niro). 

Comentario: Octavo largometraje de Bernardo Bertolucci, dedicado a exaltar la lucha del movimiento obrero italiano de 1901 a 1945. La música de Ennio Morricone y la fotografía de Vittorio Storaro están cerca de la perfección.

Elio, una aventura clásica espacial

Elio (2025), de Madeline Sharafian, Domee Shi, Adrian Molina, película de animación.  Escrita y codirigida por Adrián Molina (en su debut como director de largometrajes).

Desde el principio de los tiempos, la humanidad ha mirado a las estrellas en busca de respuestas… ¡y esta vez, el universo ha respondido! Elio, un niño soñador de 11 años y apasionado del espacio, lucha por encontrar su lugar en la Tierra. Pero su vida da un giro inesperado cuando es teletransportado misteriosamente al Commuseum, una organización intergaláctica que reúne a representantes (tan extraños como fascinantes) de galaxias lejanas. Confundido con el embajador oficial de la Tierra, se ve inmerso en una misión peligrosa y extraordinaria. Por suerte, puede contar con Glordon, un extraterrestre tan excéntrico como entrañable, y con su tía Olga, que lo cuida desde la Tierra. Durante esta extraordinaria aventura, Elio deberá demostrar que es un digno representante de la humanidad mientras descubre quién es realmente y a dónde pertenece.

Elio es la tercera película animada de Pixar que aborda el género de ciencia ficción, después de WALL·E (2008) y Lightyear (2022). Se explora con sensibilidad el conflicto generacional, centrándose en cómo las nuevas generaciones —hijos y sobrinos— muchas veces no encajan con las expectativas de los adultos. Y, sin embargo, ese desencuentro no anula el amor incondicional: aunque no sean como uno los imaginaba, se les quiere igualmente. También se sugiere que los jóvenes, en su visión limitada del mundo, no siempre comprenden el esfuerzo, las renuncias y el cariño con el que sus tutores los acompañan. Se habla también de amistad, del pacifismo y se ofrece una visión muy útil de la negociación para resolver conflictos. Disponible en Disney +. 

Retrospectiva: Capitanes intrépidos

Capitanes intrépidos (Captains Courageous, 1937), dirigida por Victor Fleming e interpretada por Spencer Tracy, Freddie Bartholomew, Lionel Barrymore, Melvyn Douglas, John Carradine, Charley Grapewin, Mickey Rooney, Oscar O'Shea, Jack La Rue. Disponible en Amazon Prime Video, Google Play Películas, Apple TV. 

Spencer Tracy y Freddie Bartholomew en Capitanes intrépidos (1937)

La trama: Harvey Cheyne (Freddie Bartholomew) es un caprichoso y malcriado niño rico que está haciendo un crucero con su padre. Inesperadamente, cae por la borda del yate y es rescatado por un barco de pesca al mando de un intrépido capitán (Lionel Barrymore). El pesquero tiene que acabar la larga campaña de pesca antes de llevar al chico a tierra firme. Harvey, al principio a regañadientes, conseguirá adaptarse a la dura vida en alta mar gracias a su íntima relación con Manuel (Spencer Tracy), un bondadoso marinero portugués que ejercerá sobre el niño una benéfica influencia.

Spencer Tracy, Freddie Bartholomew y Lionel Barrymore en Capitanes intrépidos (1937)

Curiosidades: Basada en la novela homónima de Kipling, publicada en 1897, la mezcla de aventuras marineras y el tierno drama consiguió una maravillosa y conmovedora película que se instaló en el corazón de varias generaciones. En el recuerdo, un Spencer Tracy insuperable (atención a la emocionante escena en la que el chico le dice: "I want to be with you, Manuel" -Yo quiero estar contigo, Manuel-, dos rostros empapados de una sinceridad desarmante). La magnífica interpretación de Tracy sería galardonada con un Oscar de la Academia. Inolvidable la tonadilla "Ay, mi pescadito...".

Los 12 mejores wésterns de la década de los 60 (sin incluir ningún spaghetti) (I)

El género en esos años estaba en uno de sus momentos más ricos y diversos. Entre el cine de las grandes llanuras, la toma de los fuertes y los pioneros y el descreimiento de los antihéroes implacables y profundamente solitarios, se yergue el wéstern de la década de los años 1960 en uno de sus momentos más ricos y diversos. Aquí ofrecemos sólo doce repitiendo sólo una vez de director.

1. Los siete magníficos (The Magnificent Seven, 1960), de John Sturges

Sinopsis: Los humildes habitantes de un pueblo mexicano, que viven modestamente de la agricultura, se hallan a merced de una despiadada banda de forajidos que constantemente les exigen un pago por sus cosechas. Como ellos no saben defenderse, deciden contratar los servicios de siete pistoleros, siete implacables mercenarios cada uno con una habilidad especial en el manejo de las armas.

Sobrio remake de Los sietes samuráis de Kurosawa pese a que la banda sonora de Elmer Bernstein le otorgó un tono casi festivo cuando está lejos de ser una película amable. Pese a contar con Yul Bryner, Steve McQueen, Charles Bronson, Eli Wallach y James Coburn fue un fracaso de taquilla, aunque el tiempo la ha catapultado a la categoría de clásico.

2. El último atardecer (The Last Sunset, 1961), de Robert Aldrich

Sinopsis: Brendan O'Malley (Kirk Douglas), un antiguo pistolero, llega a México para buscar a Belle Breckenridge (Dorothy Malone), que resulta estar casada con un borracho (Cotten). Éste le pide ayuda para conducir un rebaño a Texas. Tras los pasos de O'Malley va Dana Stribling (Rock Hudson), un vengativo sheriff que tiene motivos personales para arrestarlo. 

Con guion de Dalton Trumbo, cuenta la historia de un pistolero a quien contrata una antigua amante para llevar sus reses a Texas. Kirk Douglas, Dorothy Malone, Joseph Cotten y Rock Hudson construyen un relato sobre la obsesión, el odio, el desprecio y la revancha de la mano de Robert Aldrich que formó parte de la generación de directores que renovarían los cánones del viejo Hollywood.

3. El rostro impenetrable (One Eyed Jacks, 1961), de Marlon Brando

Sinopsis: Tras el atraco a un banco fronterizo, Johnny Río es traicionado por Dad, su mejor amigo y compañero de correrías. Apresado por la policía mexicana, pasa cinco amargos años en la prision de Sonora, durante los cuales, vive obsesionado con la idea de vengarse del traidor. Tras ser puesto en libertad, visita a Dad, que se ha convertido en un hombre respetable y es el sheriff de Monterrey. Cuando Dad le presenta a su hijastra Louisa, Jonnhy queda prendado de su belleza y la seduce.

La única película dirigida por Brado es absolutamente irrepetible, pues junto a Karl Malden protagoniza una historia de venganza atípica y fantasmagórica, abstracta casi, que se hizo con la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. Es una película lastimera, luminosa y cruel que la Paramount destrozó en la sala de montaje y que, con todo, es una maravilla.

4. Duelo en alta sierra (Ride the High Country AKA Guns in the Afternoon, 1962), de Sam Peckinpah

Sinopsis: Dos viejos amigos se asocian para escoltar un cargamento de oro desde las minas de Alta Sierra hasta un banco. Uno de ellos (Joel McCrea) es un hombre honrado que sólo se propone hacer bien su trabajo; el otro (Randolph Scott), en cambio, carece de escrúpulos y proyecta robar la valiosa mercancía.

Ellos son Randolph Scott y Joel McCrea y juntos protagonizan una de las mejores finales de la historia del wéstern en una película soberbia y sobrecogedora sobre la lealtad y el honor en el otoño de la vida. Y la estupenda y lírica banda sonora de George Bassman engrandece el aire crepuscular de la película. Se trata de uno de los primeros éxitos de Sam Peckinpah.  

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Próximamente, “Balls Up”, comedia ambientada en el mundial de fútbol

Balls Up (Con un par) (Balls Up, 2026), dirigida por Peter Farrelly y escrita por Rhett Reese y Paul Wernick, protagonizada por Mark Wahlberg, Paul Walter Hauser, Daniela Melchior, Benjamin Bratt, Eva De Dominici, Molly Shannon, Sacha Baron Cohen, Eric André, Chelsey Crisp, Jackson Tozer. 

Mark Wahlberg y Paul Walter Hauser en Balls Up (Con un par) (2026)

La trama: En esta comedia, los ejecutivos de marketing Brad (Mark Wahlberg) y Elijah (Paul Walter Hauser) van a por todas y proponen un atrevido patrocinio de preservativos de cobertura total para el Mundial de Fútbol. Después de que su descontrolada celebración en Brasil desate un escándalo mundial, tendrán que escapar de aficionados furiosos, delincuentes y funcionarios hambrientos de poder para salvar sus carreras y volver a casa con vida.

Peter Farrely regresa a las comedias absurdas con un escándalo colosal en plena Copa del Mundo, que convertirá a Wahlberg y Hauser en los más buscados de Brasil.Próximo estreno el 15 de abril de 2026 en Amazon Prime Video. 

Retrospectiva: "Novecento", una película fundamental...

Novecento (1900) (1976), dirigida por Bernardo Bertolucci e interpretada por Robert De Niro, Gérard Depardieu, Dominique Sanda, Laura Betti, Stefania Casini, Francesca Bertini, Werner Bruhns, Sterling Hayden, Anna Henkel, Burt Lancaster, Donald Sutherland, Alida Valli, Stefania Sandrelli.  un fresco histórico de extraordinaria belleza visual, a ratos épico, intimista en otros, poético siempre. 

Gérard Depardieu y Robert De Niro en Novecento (1900) (1976)

La trama: Impresionante fresco histórico que recorre la historia italiana del siglo XX a través de la historia de dos hombres que, naciendo el mismo día, pertenecen a clases sociales diferentes: Robert De Niro interpreta al hijo de un rico terrateniente y Gérard Depardieu al de uno de los obreros de su finca. Juntos vivirán experiencias sexuales en su juventud, los horrores de la Guerra en su madurez y seguirán discutiendo ya ancianos en uno de los finales más extravagantes que nunca ha tenido una película.

Donald Sutherland en Novecento (1900) (1976)

Tan irregular como poderosa, esta producción de Alberto Grimaldi cuenta con un reparto excepcional.Donald Sutherland en el papel de un fascista que dejó boquiabierto a los espectadores cuando aplasta con su cabeza a un gato y luego despedaza a un niño. Debido a su exagerada duración la película fue estrenada en dos partes. La música de Ennio Morricone y la fotografía de Vittorio Storaro están cerca de la perfección.

Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (III)

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5. E.T., el extraterrestre (E.T.: The Extra-Terrestrial, 1982)

Reparto: Henry Thomas, Dee Wallace, Peter Coyote, Robert McNaughton, Drew Barrymore, Erika Eleniak, C. Thomas Howell, K.C. Martel, Sean Frye. 

La trama: Un pequeño ser de otro planeta se queda abandonado en la Tierra cuando su nave, al emprender el regreso, se olvida de él. Está completamente solo y tiene miedo, pero se hará amigo de un niño, que lo esconde en su casa. El pequeño y sus hermanos intentan encontrar la forma de que el pequeño extraterrestre regrese a su planeta antes de que lo encuentren los científicos y la policía. La historia combina ternura, descubrimiento y emoción, logrando una conexión universal basada en la inocencia y el deseo de regresar a casa.

Drew Barrymore en E. T., el extraterrestre (1982)

Curiosidades: La historia nació de una cicatriz personal: Spielberg la apoyó en el amigo imaginario que se inventó tras el divorcio de sus padres, y esa raíz explica el pulso doméstico de todo el relato. Para facilitar interpretaciones convincentes en el reparto infantil, rodó en un orden casi cronológico, de manera que cada escena llegara cuando la relación ya estaba asentada. Steven Spielberg no sería quien es si no hubiera rodado esta película. Si ya antes había sorprendido con una visión favorable de la vida más allá de la Tierra en Encuentros en la tercera fase, su siguiente película fue directamente a destrozar el mito del marciano con malas pulgas que viene a nuestro planeta para sembrar la destrucción. Disponible en Prime Video, SkyShowtime, Disney+, Movistar+, Filmin. 

6. Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and the Temple of Doom, 1984)

Reparto: Harrison Ford, Kate Capshaw, Ke Huy Quan, Amrish Puri, Roshan Seth, Dan Aykroyd, Philip Stone, Roy Chiao, David Yip, Ric Young. 

La trama: 1935. Shanghai. El intrépido arqueólogo Indiana Jones, tras meterse en jaleos en un local nocturno, consigue escapar junto a una bella cantante y su joven acompañante. Tras un accidentado vuelo, los tres acaban en la India, donde intentarán ayudar a los habitantes de un pequeño poblado, cuyos niños han sido raptados. Esta peligrosa misión lo arrastra a rituales oscuros, persecuciones y una de las aventuras más intensas y frenéticas de toda la saga.

Jonathan Ke Quan y Harrison Ford en Indiana Jones y el templo maldito (1984)

Curiosidades: La secuencia de la cámara de insectos fue tan real como parece: Kate Capshaw aceptó rodar cubierta por más de dos mil insectos vivos y, para vencer el miedo inicial, tomó sedantes antes de entrar en el set. Ella misma reconoció que le ayudaron a dar el paso. Se trata de la película con más elementos fantásticos de la serie de Indiana Jones. Las escenas se suceden a una velocidad de vértigo en varios continentes distintos. El sentido del humor es un elemento constante, y está reforzado por la presencia del joven Jonathan Ke Quan. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, SkyShowtime, Tivify. 

7. El color púrpura (The Color Purple, 1985)

Reparto: Danny Glover, Whoopi Goldberg, Margaret Avery, Oprah Winfrey, Willard E. Pugh, Dana Ivey, Akosua Busia, Laurence Fishburne, Desreta Jackson, Adolph Caesar, Rae Dawn Chong, Leonard Jackson, Bennet Guillory, Carl Anderson, John Patton Jr., Susan Beaubian, James Tillis, Phillip Strong. 

La trama: Principios del siglo XX. Historia ambientada en Estados Unidos, en el sur rural. Whoopi Goldberg interpreta a una joven muchacha negra, obligada por su padre a casarse con un hombre odioso al que no quiere. Sólo encuentra consuelo en su hermana, a quien escribe puntualmente, aunque sus cartas de respuesta sean retenidas por su malvado marido. Un viaje emocional que combina dolor y esperanza con una sensibilidad profunda.

Whoopi Goldberg en El color púrpura (1985)

Curiosidades: La respuesta inicial fue un no: Spielberg se veía inseguro, dudaba de su mirada para retratar el Sur profundo y sentía que la historia pedía otra voz. Quincy Jones le desmontó el miedo con una frase perfecta, recordándole que no hacía falta “ser un extraterrestre” para dirigir a uno, y ese empujón lo metió de lleno en la película. Algunas escenas han pasado a la historia del cine, por su maestría y sutileza. Está basada en la novela homónima de Alice Walker, ganadora del Premio Pulitzer. A pesar de contar con un montón de nominaciones al Oscar, el film se fue sin ninguna estatuilla a casa, era la época en que no se toma muy en serio a Spielberg. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, SkyShowtime, Tivify.

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Efemérides de cine: Los picarones

El 5 de abril de 1976 se estrenó la película estadounidense Los picarones (The Bad News Bears), dirigida por Michael Ritchie e interpretada por Walter Matthau, Tatum O'Neal, Ben Piazza, Vic Morrow, Chris Barnes, Jackie Earle Haley, Erin Blunt, Gary Lee Cavagnaro, Joyce Van Patten, Jaime Escobedo, Alfred Lutter III, Scott Firestone. Productora: Paramount Pictures. Duración: 102 minutos. 

Sinopsis argumental: Matthau es un antiguo jugador profesional de béisbol, famoso por su mal humor, que se hace cargo de un equipo juvenil. Su intención es conseguir el título, pero, para ello, tienen que empezar por ganar su primer partido. 

Nominaciones y premios: Premios BAFTA: Nominada a mejor actor (Walter Matthau);  Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión original comedia.

Comentario: Primera película de la trilogía dirigida por Michael Ritchie y compuesta por Déjenlos jugar (The Bad News Bears in Breaking Training, 1977) y La pandilla de picarones va al Japón (The Bad News Bears Go to Japan, 1978). Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Para ver: Will Foxes", rompiendo barreras

Will Foxes, título original La Danse des renards (2025), de Valéry Carnoy, con Samuel Kircher, Fayçal Anaflous, Jean-Baptiste Durand, Jef Jacobs y Anna Heckel. Protagonizada por jóvenes actores muy convincentes, esta película enérgica explora con sutileza la fuerza y ​​la sensibilidad masculinas. Valéry Carnoy continúa su exploración de la relación masculina con el cuerpo y la violencia, la forma en que las imposiciones de la virilidad pueden moldear los destinos y el precio que deben pagar quienes intentan escapar de ellas. 

Samuel Kircher en Will Foxes (2025)

La trama: Camille (Samuel Kircher) es el campeón júnior de boxeo en Francia. Su título le ha dado fama y le ha convertido en el ídolo del grupo, especialmente de Matteo (Faycal Anaflous), su mejor amigo y mayor admirador. Ambos chicos comparten el boxeo, que constituye el tejido de su amistad, pero también lo que queda de su infancia: una complicidad y un ritual consistente en dar de comer a los zorros en el bosque que rodea la escuela, para observar mejor su danza. Durante una de estas expediciones, Camille se pone en peligro, pero Matteo lo salva. Este accidente, que parecía destinado a estrechar su vínculo, acaba por distanciarles. Tras la lesión, Camille ya no es el mismo. Su relación con su cuerpo, con la violencia y con el sufrimiento cambia. Dentro del grupo, su aura se resquebraja y el lugar que ocupa comienza a ponerse en tela de juicio. Aunque se dice que está curado, siente dolores que se consideran fantasmas. Entonces surge la pregunta: ¿y si ese dolor fuera tan existencial como físico?