sábado, 27 de mayo de 2023

Parejas de cine: Jean Harlow y Clark Gable

Jean Harlow y Clark Gable, ambos coprotagonizaron seis películas en los años 1930: Los seis misteriosos (The Secret Six, 1931), Tierra de pasión (Red Dust, 1932), Tú eres mío (Hold Your Man, 1933), Los mares de China (China Seas, 1935), Entre esposa y secretaria (Wife vs. Secretary, 1936) y Saratoga (1937)
Jean Harlow y Clark Gable en Saratoga (1937)
La última, Saratoga en 1937 supuso también la ultima para la actriz, que falleció con 26 años de un fallo renal. Una pareja con mucha química en la pantalla y Saratoga, sin ser un obra maestra, bien merece un visionado por la trama entretenida, la actuación de los actores y algunas escenas realmente divertidas. Se estrenó dos meses después de la muerte de la actriz y fue su mayor éxito de taquilla. Se adelantó muchísimo a su tiempo y se la considera la precursora de Marilyn Monroe.

Cumplió 25 años: En el ojo del huracán

El 27 de mayo de 1998 se estrenó la película estadounidense En el ojo del huracán (Knock Off), dirigida por Tsui Hark e interpretada por Jean-Claude Van Damme, Rob Schneider, Lela Rochon, Paul Sorvino,  Carman Lee, Wyman Wong, Glen Chin, Michael Wong, Moses Chan, Lynne Langdon, Ray Nicholas, Jeff Wolfe, Michael Miller, Steve Brettingham, Mark Houghton, Peter Nelson, Leslie Cheung. Productora: Coproducción Estados Unidos-Aruba-Hong Kong; Knock Off Films, MDP Worldwide, Film Workshop, Val D'oro Entertainment. Duración: 91 minutos. 
Sinopsis argumental: Marcus Ray es una agente de la CIA que trabaja en Hong Kong como representante comercial de una marca de pantalones vaqueros. La acción transcurre durante la entrega de la ciudad al gobierno chino, momento que es aprovechado por la mafia rusa para introducir unas mortíferas microbombas con la intención de distribuirlas en el mercado terrorista internacional.
ComentarioDirige la cinta un gran conocedor de Hong Kong: el director de esa ciudad Tsui Hark, con quien el musculoso actor belga había trabajado ya en Double Team. El hecho de que Steven E. De Souza –guionista de Límite 48 horas y La jungla de cristal– firme el libreto de la historia, es garantía de que tenemos explosiones y bofetadas a granel, a lo largo del metraje.

Hace 100 años: Mary of the Movies

El 27 de mayo de 1923 se estrenó la película estadounidense Mary of the Movies, dirigida por John McDermott e interpretada por Marion Mack, Florence Lee, Mary Kane, Harry Cornelli, John Geough, Raymond Cannon, Rosemary Cooper, Creighton Hale, Francis McDonald, John McDermott, Jack Perrin, Ray Hanford, Henry A. Barrows, David Butler, Marjorie Daw, Elliott Dexter, Louise Fazenda, Alec B. Francis. Productora: Columbia Pictures, Robertson-Cole Pictures Corporation. Duración: 57 minutos. 
Sinopsis argumentalEl hermano menor de Mary necesita una operación y, para pagarla, Mary va a un estudio de Hollywood y solicita un trabajo como actriz. Mary recibe un trabajo como camarera en la comisaría y conoce a 40 actores, actrices y directores, ninguno de los cuales da una propina lo suficientemente grande como para permitirle a Mary ganar suficiente dinero para pagar una operación. ¿Mary se convertirá en actriz y ganará mucho dinero? ¿Crece el maíz en Iowa?
Comentario: Se consideraba perdida, se descubrió una copia de la misma en un archivo cinematográfico de Nueva Zelanda durante 2010, junto con otras películas mudas "perdidas" anteriormente. La impresión aún se encuentra en condiciones visibles y se conservará cuidadosamente en los Estados Unidos.

viernes, 26 de mayo de 2023

Mujeres de cine: Hedy Lamarr

Hedy Lamarr tal y como apareció en la polémica película checoslovaca de 1933 Éxtasis (Ekstase), dirigida por Gustav Machatý. Tras casarse con su marido, un viejo caballero, Eva (Hedy Lamarr) descubre que éste está obsesionado con el orden y la tranquilidad, dejando poco tiempo a la pasión y el romanticismo que ella esperaba. Desanimada, abandonará a su marido y regresará con su padre. Un día, mientras se baña en el lago conoce a un joven del que se enamora.
En ella, la actriz checoslovaca Hedwig Kieslerová, posteriormente una estrella del cine mundial conocida como Hedy Lamarr, realizó el primer desnudo integral (y la primera simulación de hacer el amor) de la historia del cine.
El Papa Pío XI denunció Extásis en un periódico del Vaticano en 1933; la película fue condenada después por la Legión Católica de la Decencia en los Estados Unidos, que intentó prohibir la película. La historia cuenta que el primer marido de Hedy Lamarr, el rico traficante de armas Friedrich Mandl, también se opuso a la película, y gastó 280,000 dólares (unos 4,5 millones de dólares en dólares de hoy) en comprar cada impresión existente (no tuvo éxito en suprimir la película checoslovaca). Sí se proyectó en los Estados Unidos en 1935 pero sin la aprobación del código Hays, relegándola a breves proyecciones en cines independientes.

Películas de la semana: 26 de mayo

La sirenita

Título original: The Little Mermaid. Dirección: Rob Marshall. País: Estados Unidos. Año: 2023. Duración: 135 minutos. Género: Fantástico. Musical. Romance. Aventuras marinas. Mitología. Cuentos. Remake. Interpretación: Halle Bailey, Jonah Hauer-King, Melissa McCarthy, Javier Bardem, Noma Dumezweni, Art Malik, Daveed Diggs, Jacob Tremblay, Awkwafina, Jessica Alexander, Martina Laird, Emily Coates, Christopher Fairbank, John Dagleish, Matthew Carver, Jude Akuwudike, Lorena Andrea, Simone Ashley. Guion: Jane Goldman, David Magee, Ron Clements, John Musker. Cuento: Hans Christian Andersen. Música: Alan Menken, Lin-Manuel Miranda. Fotografía: Dion Beebe. Productora: Lucamar Productions, Marc Platt Productions, Walt Disney Pictures, 5000 Broadway Productions, Xm2 Pursuit. Distribuidora: Walt Disney Pictures. Distribuidora: Walt Disney Pictures. Estreno en España: 26 de mayo de 2023. Sinopsis: Ariel, la más joven de las hijas del Rey Tritón y la más desafiante, desea saber más sobre el mundo más allá del mar y, mientras visita la superficie, se enamora del apuesto Príncipe Eric. Si bien las sirenas tienen prohibido interactuar con los humanos, Ariel debe seguir su corazón. Así, hace un trato con la malvada bruja del mar, Úrsula, que le da la oportunidad de experimentar la vida en la tierra, lo que pone en peligro su vida y la corona de su padre.

Los caballeros del zodiaco

Título original: Saint Seiya: Knights of the Zodiac. Dirección: Tomasz Bagiński. País: Japón. Año: 2023. Duración: 112 minutos. Género: Acción. Fantástico. Aventuras. Drama. Artes marciales. Manga. Live-Action. Interpretación: Mark Dacascos, Famke Janssen, Sean Bean, Madison Iseman, Nick Stahl, Mackenyu, Diego Tinoco, David Torok. Guion: Josh Campbell, Matthew Stuecken, Kiel Murray. Manga: Masami Kurumada. Música: Yoshihiro Ike. Fotografía: Tomasz Naumiuk. Productora: Coproducción Japón-Estados Unidos-Hungría; Toei Animation, Sony Pictures Entertainment (SPE), Toei, Sola Entertainment, Hero Squared, Stage 6 Films. Distribuidora: Sony. Estreno en España: 26 de mayo de 2023. Sinopsis: Seiya (Mackenyu), un testarudo adolescente callejero, se pasa el tiempo luchando por dinero mientras busca a su hermana secuestrada. Cuando en una de sus peleas se le revelan poderes místicos que desconocía, Seiya se ve inmerso en un mundo de santos en guerra, antiguos entrenamientos mágicos y una diosa reencarnada que necesita su protección. Para sobrevivir, tendrá que aceptar su destino y sacrificarlo todo para ocupar el lugar que le corresponde entre Los Caballeros del Zodiaco. Por primera vez a la gran pantalla la saga de Saint Seiya en acción real.

Extraña forma de vida

Título original: Strange Way of LifeDirección: Pedro Almodóvar. País: España. Año: 2023. Duración: 31 minutos. Género: Western. Homosexualidad. Melodrama. Mediometraje. Interpretación: Ethan Hawke, Pedro Pascal, Manu Ríos, José Condessa, Jason Fernández, Sara Sálamo, Erenice Lohan, Pedro Casablanc, George Steane, Daniel Rived, Vasileios Papatheocharis. Guion: Pedro Almodóvar. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: José Luis Alcaine. Montaje: Teresa Font. Diseño de producción: Antxón Gómez. Dirección artística: María Clara Notari. Productora: Coproducción España-Francia; El Deseo, Saint Laurent. Distribuidora: BTeam Pictures. Estreno en España: 26 de mayo de 2023. Sinopsis: Un hombre cruza a caballo el desierto que le separa de Bitter Creek. Viene a visitar al Sheriff Jake. Veinticinco años antes, ambos -el sheriff y Silva, el ranchero que cabalga a su encuentro- trabajaron juntos como pistoleros a sueldo. Silva viene con el pretexto de reencontrarse con su amigo de juventud, y en efecto celebran su encuentro, pero a la mañana siguiente el sheriff Jake le dice que la razón de su viaje no es el recuerdo de su vieja amistad. El mediometraje de Almodóvar cuenta, de hecho, la historia de una colisión, la de sus protagonistas, quienes llevan en lo más dentro de sí mismos las dos pulsiones que Almodóvar ha ido trabajando a lo largo de su filmografía.

El colibrí

Título original: Il colibrì. Dirección: Francesca Archibugi. País: Italia. Año: 2022. Género: Drama. Romance. Interpretación: Pierfrancesco Favino, Kasia Smutniak, Bérénice Bejo, Nanni Moretti, Laura Morante, Sergio Albelli, Fotinì Peluso, Alessandro Tedeschi, Benedetta Porcaroli, Massimo Ceccherini. Guion: Francesca Archibugi, Laura Paolucci, Francesco Piccolo. Novela: Sandro Veronesi. Música: Battista Lena. Fotografía: Luca Bigazzi. Productora: Coproducción Italia-Francia; Fandango Produzione, RAI Cinema, Les Films des Tournelles, Orange Studio. Premios y nominaciones:  Premios David di Donatello (Italia). 4 nominaciones. Estreno en España: 26 de mayo de 2023. Sinopsis: La película sigue la vida de Marco Carrera (Favino), al que todos sus conocidos apodan "el colibrí", a lo largo de las décadas. Desde la playa en la que en su adolescencia Marco conoce a Luisa (Bérénice Bejo), la mujer que amará toda su vida; pasando por Roma, donde vivirá durante años junto a su esposa Marina (Kasia Smutniak) y su hija Adèle; y terminando en Florencia junto a su amigo el psicoanalista Daniele Carradori (Nanni Moretti), que le enseñará a hacer frente a los continuos cambios de rumbo y golpes del destino con el mejor de los ánimos. Basada en el best seller del escritor italiano Sandro Veronesi, El colibrí es un relato sobre el amor, la superación y el optimismo, sobre la necesidad de mirar hacia el futuro y vivir la vida con intensidad. 

Maestro(s)

Dirección: Bruno Chiche. País: Francia. Año: 2022. Duración: 96 minutos. Género: Drama. Familia. Música. Interpretación: Yvan Attal, Pierre Arditi, Miou-Miou, Caroline Anglade, Pascale Arbillot, Nils Othenin-Girard, André Marcon, Caterina Murino, Benoît Moret, Valentina Vandelli, Stéphanie Bore, Emilie Pierson , Clément Giren, Philippe Morel, Sébastien Surel. Guion: Bruno Chiche, Yaël Langmann, Cecilia Rouaud. Idea: Joseph Cedar. Música: Florencia Di Concilio. Fotografía: Denis Rouden. Productora: Apollo Films, Orange Studio, Vendôme Films, Vendôme Production. Distribuidora: Vértigo. Estreno en España: 26 de mayo de 2023. Sinopsis: Divorciado, con un hijo, el director de orquesta Denis Dumar gana el Premio de las Victoires de la Musique. Al recoger el galardón da las gracias a su progenitor, François Dumar, con el que comparte la misma profesión, pero que no ha acudido a la ceremonia de entrega. Este último recibe una llamada telefónica durante un ensayo en la que le comunican que le han escogido como director artístico de la Scala de Milán, un puesto con el que siempre había soñado. Por desgracia, ha habido un malentendido…

Matar cangrejos

Dirección: Omar Al Abdul Razzak Martínez. País: España. Año: 2023. Duración: 106 minutos. Género: Drama. Años 1990. Infancia. Interpretación: Paula Campos, Agustín Díaz, Sigrid Ojel, Casper Gimbrère, Nino Hernández Ávila. Guion:  Omar Al Abdul Razzak Martínez. Producción:   Omar Al Abdul Razzak Martínez Fotografía: Sara Gallego. Productora: Coproducción España-Países Bajos (Holanda); Tourmalet Films, Ijswater Film & Television, ICAA, Radio Televisión Canaria. Distribuidora: Filmax. Estreno en España: 26 de mayo de 22023. Sinopsis: Tenerife, 1993. Ángeles tiene un trabajo modesto en un parque recreativo para turistas, el Papagayo Park. Vive en una casa de una barriada de la costa y sueña con ser una de las elegidas para recibir en el aeropuerto a Michael Jackson, que tiene previsto celebrar un concierto en la isla en septiembre. Sus hijos, Paula, de catorce años, y Rayco, de ocho, pasan los días del verano por ahí, dando vueltas con amigos y conocidos. Y la abuela de los críos, madre de Ángeles, cuida de la ermita de la Virgen del Carmen mientras teme que el ayuntamiento pueda quitarle la casa. Sólida película escrita y dirigida por Omar Al Abdul Razzak Martínez, quien ofrece un retrato entrañable de una familia tinerfeña

Anhell69

Dirección: Theo Montoya. País: Colombia. Año: 2022. Duración: 75 minutos. Género: Drama. Homosexualidad. Interpretación: Camilo Najar, Sergio Pérez, Juan Pérez, Alejandro Hincapié, Julian David Moncada, Camilo Machado, Víctor Gaviria, Alejandro Mendigana. Guion: Theo Montoya. Producción: Theo Montoya. Fotografía: Theo Montoya. Productora: Coproducción Colombia-Rumanía-Francia-Alemania; Monogram Film. Distribuidora: Surtsey Films. Estreno en España: 26 de mayo de 2023. Sinopsis: Un coche funerario recorre las calles de Medellín, mientras un joven director cuenta la historia de su pasado en esta ciudad violenta y conservadora. Recuerda la preproducción de su primera película, una película de serie B con fantasmas. La joven escena queer de Medellín es contratada para la película, pero el protagonista principal muere de una sobredosis de heroína a los 21 años, al igual que muchos amigos del director. Opera prima de Theo Montoya. La película tuvo su estreno mundial en la sección oficial (competencia latinoamericana) de la 37.ª edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.3 En España fue estrenada en el Festival Internacional de Cine de Gijón.

La pecera

Dirección: Glorimar Marrero Sánchez. País: Puerto Rico. Año: 2023. Duración: 92 minutos. Género: Drama. Enfermedad. Interpretación: Isel Rodriguez, Modesto Lacen, Magali Carrasquillo, Maximiliano Rivas. Guion: Glorimar Marrero Sánchez. Producción: Glorimar Marrero Sánchez. Música: Sergio de la Puente. Fotografía: PJ López. Productora: Coproducción Puerto Rico-España; Solita Films, Auna Producciones, La Canica Films. Distribuidora: Elamedia. Estreno en España: 26 de mayo de 2023. Sinopsis: Noelia, una artista visual puertorriqueña de 40 años, descubre que tiene metástasis tras pasar varios años en remisión de su cáncer. A pesar de la insistencia de Jorge, su pareja, ella rechaza continuar su tratamiento y decide regresar a Vieques, la pequeña isla caribeña al este de Puerto Rico donde creció y donde vive su madre, Flora. Una vez allí, mantiene en secreto el estado de su salud para poder vivir con la libertad que ha perdido debido a su enfermedad. Reconecta con la belleza de su tierra y con su comunidad, pero también se involucra con un grupo ambientalista que denuncia la contaminación dejada por el ejército estadounidense tras años de prácticas militares en la isla. Opera prima de Glorimar Marrero Sánchez. 

De humani corporis fabrica

Dirección: Lucien Castaing-Taylor, Verena Paravel. País: Francia. Año: 2022. Duración: 115 minutos. Género: Documental. Medicina. Enfermedad. Reparto: Documental. Fotografía: Lucien Castaing-Taylor, Verena Paravel, Patrick Lindenmaier. Productora: Norte Productions, CG Cinéma, Rita Productions. Premios y nominaciones: International Cinephile Society Awards: Nominado a mejor documental; Festival de Cine de la Ciudad de Luxemburgo: mejor documental; Cinema for Peace Awards: Nominado a mejor realización; Festival Internacional de Cine Independiente IndieLisboa: Nominado a mejor realización; Docville: Nominado a mejor documental científico; DocAviv Film Festival: Una nominación; Festival de Cine de Cannes: Nominado al Golden Eye; Festival Internacional de Cine de Calgary: Nominado al mejor documental internacional; Festival Internacional de cine de Atenas: Nominado a mejor documental. Estreno en España: 26 de mayo de 2023. Sinopsis: Hace cinco siglos, el anatomista Andrés Vesalio abrió el cuerpo humano a la ciencia por primera vez en la historia. Hoy, De Humani Corporis Fabrica abre el cuerpo humano al cine. Revela que la carne humana es un paisaje extraordinario que solo existe a través de la mirada y la atención de los demás. Como lugares de cuidado, sufrimiento y esperanza, los hospitales son laboratorios que conectan todos los cuerpos del mundo.

Toda una vida

Dirección: Marta Romero Coll. País: España. Año: 2023. Duración: 72 minutos. Género: Documental. Vejez. Madurez. Enfermedad de Alzheimer. Reparto: Documental. Paco Coll, Trini Muñoz. Guion: Marta Romero Coll. Música: Max Villavecchia. Fotografía: Marta Romero Coll. Productora: Distinto Films. Distribuidora: Filmin. Estreno en España: 26 de mayo de 2023. SinopsisToda una vida es una película hecha de retazos, las grabaciones domésticas con las que a lo largo de 12 años la directora ha retratado a sus abuelos, Paco y Trini, de 75 y 73 años, respectivamente. Juntos durante más de 60 años, la suya es una historia de amor única que Marta Romero captura con su cámara para salvarla del paso del tiempo y del olvido. Un amor que se extiende a toda su familia y que será puesto a prueba cuando el Alzheimer se cruce en sus vidas. A raíz del diagnóstico de Alzheimer, Paco y sus hijos toman la difícil decisión de ingresar a Trini en un geriátrico, donde él la visita y la cuida a diario.

Clásicos de cine: El mayor espectáculo del mundo

El mayor espectáculo del mundo (The Greatest Show on Earth, 1952), de Cecil B. DeMille

El mayor espectáculo del mundo  recrea un tiempo en el que en las pequeñas ciudades, el circo era todo un gran acontecimiento, solía ser el divertimento familiar por antonomasia,  una vez o dos al año en el que la gran caravana ambulante llena de vida y color llegaba a tu ciudad. Generalmente en verano o Navidad, era un fin de semana de representaciones, apto para todos los públicos. Te asustabas con las fieras, te reías con los payasos y te asombrabas con la precisión de los malabaristas, pero quedaba por llegar el más difícil todavía, el trapecio, donde el público guardaba un silencio respetuoso con un redoble de tambores que anunciaba el doble o triple salto mortal. Cecil B. DeMille rinde homenaje a esas personas que llevaban el circo en las venas y dedicaron su vida a hacernos felices y disfrutar de lo que llegó a ser El mayor espectáculo del mundo.
Cuenta entre sus intérpretes grandes actores y actrices: James Stewart, Charlton .Heston, Cornel Wilde, Gloria. Grahame, Betty Hutton, Dorothy Lamour, entre otros. Un mundo nómada, aventurero, caótico, abigarrado, pintoresco, lleno de drama y pasión, desbordante de actividad y entusiasmo, envuelto en apariencias engañosas, que el cineasta supo reflejar con un vigor que no cabía esperar de sus setenta años. No había en el mundo ninguna institución comparable a un circo, era como un ejército, una familia, una ciudad que se desplazaba sin cesar. Era un gigante ágil, que se montaba y desmontaba cada semana, el propio cineasta se enroló en uno de ellos en 1949, para vivir y palpar esa filosofía de vida.
Charlton Heston y James Stewart en El mayor espectáculo del mundo (1952)
Película emblemática sobre el mundo del circo, a pesar de no ser la mejor obra de DeMille, uno de los pioneros del cine de Hollywood, es una cinta nada despreciable. La construcción dramática del film, se apoya en la idea de un espectáculo – un espectáculo que representa casi una vida aparte – que debe transformarse a diario de función en función. Sobre esta base, el cineasta y sus guionistas elaboraron una historia de motivaciones y ramificaciones amorosas que articula no el enfrentamiento de dos mundos sino el de dos conceptos del circo, dos posturas distintas frente a él: la representada por Brad (Charlton Heston) director de la compañía, del que se asegura que “lleva el circo en las venas” sin necesidad de actuar y la representada por los demás, encabezados por los trapecistas Holly (Betty Hutton) y Sebastián (Cornel Wilde) y por el payaso Botones (James Stewart); mientras para Brad la vida es la organización del circo, unos – Holly y Sebastián – sublimarán las suyas mediante la rivalidad en el trapecio y botones toma el trabajo como refugio de un pasado oscuro, escondido tras su maquillaje.
DeMille narra en tono épico, los entresijos del mundo del circo, un microcosmos donde habitan personas, sentimientos, dudas, triunfos y fracasos, pero siempre trabajando en equipo y todo aderezado con la fantasía de luz, color y emoción que siempre ha tenido el circo, con un buen pulso narrativo que nos mantiene expectantes ante el devenir de sus problemas y circunstancias de esa gran familia. Un gran espectáculo, evocador de un arte que desgraciadamente se ha ido extinguiendo, pues la tradición del circo era de estirpe casi familiar, pasando de padres a hijos. Esta sociedad de la información y la tecnología, ha perdido su ingenuidad y su nobleza, arrinconando la ilusión y la sorpresa, despreciando la magia y la emoción, por otros tipos de ocio, menos fraternales, cibernéticos, a veces mezquinos y violentos. Nuestros padres nos llevaron al circo cuando éramos niños, pero nosotros ya no podremos hacerlo, el circo prácticamente ha desaparecido y con él parte de nuestra infancia.
Fue premiada con 2 Oscar (mejor película y mejor guión) y cinco nominaciones, así como de 3 Globos de Oro, incluyendo mejor película - drama. 

jueves, 25 de mayo de 2023

Películas de la semana: 25 de mayo

Tubular Bells: 50 aniversario

Título original: Tubular Bells 50th Anniversary TourDirección: Matt Hargreaves. País: Reino Unido. Año: 2022. Duración: 90 minutos. Género: Documental. Documental sobre música. Reparto: Documental. Intervenciones: Mike Oldfield, Richard  Branson, Robin Smith, Tom Newman, Yaron, Lifschitz, Música: Mike Oldfield. Fotografía: Will Knights. Productora: Ibb Media. Distribuidora: A Contracorriente. Estreno en España: 25 de mayo de 2023. Sinopsis: En 1973 un joven de diecinueve años se presentó en la discográfica Virgin Records, propiedad del empresario Richard Branson, con un trabajo grabado en una cinta. Antes muchas discográficas habían rechazado la maqueta, pero esta vez los responsables musicales de Virgin Records quedaron fascinados y decidieron lanzarlo. Se trataba de Tubular Bells, un sinfonía completamente distinta a todo lo que habían escuchado hasta entonces. El álbum vendió casi cinco millones de copias y pronto llegó a ser icónico. Los años corroboraron que Mike Olfield, convertido ya en una celebridad, había compuesto uno de los álbumes más famosos de la historia. Con motivo del 50 aniversario del lanzamiento del disco, unos cuentos profesionales de la música decidieron festejarlo como se merecía. Con el consentimiento de Mike Oldfield, planearon así celebrar un concierto extraordinario en donde interpretarían la sinfonía con algunos arreglos para el directo, al tiempo que ofrecerían al público un espectáculo de danza. Al frente del aparato musical estuvo Robin Smith –colaborador de Oldfield– y para la “performance” se contrató a una compañía de acróbatas de Australia, la Circa Contemporary Circus, bajo la dirección artística de Yaron Lifschitz. El espectáculo se celebró durante tres noches del verano de 2021 en el Royal Festival Hall de Londres.

Roger Waters: This Is Not A Drill – Live From Prague

Dirección: Roger Waters, Sean Evans. País: Reino Unido. Año: 2023. Duración: 165 minutos. Género: Documental. Documental sobre música. Conciertos, Reparto: Documental. Intervenciones: Roger Waters, Jonathan Wilson, Dave Kilminster, Jon Carin, Gus Seyffert, Robert Walter, Joey Waronker, Shanay Johnson, Amanda Belair, Seamus Blake. Productora: Rue 21 Productions. Estreno en España: 25 de mayo de 2023. Sinopsis: Roger Waters, la fuerza creativa que impulsó los años dorados de Pink Floyd, presenta por una única noche su primera gira de despedida, "This Is Not A Drill", en directo desde Praga, en cines de todo el mundo. Esta gran obra cinematográfica refleja una asombrosa denuncia de la distopía corporativa en la que nos esforzamos por sobrevivir, e incluirá 20 canciones clásicas de Pink Floyd y Roger Waters, entre ellas: "Us & Them", "Comfortably Numb", "Wish You Were Here" y "Is This The Life We Really Want?". Waters también presentará su nueva canción, "The Bar". El cantautor se despedirá de los escenarios con una transmisión mundial ajustada a la zona horaria de cada país para un alcance máximo. Roger Waters, activista, vocalista y bajista de la icónica banda de rock Pink Floyd, traerá una “extravaganza cinematográfica” a la gran pantalla con su retiro desde la ciudad de Praga con su show This is not a drill. En el cual se recuperan diferentes éxitos de su trayectoria. Waters confronta las “distopías corporativas en las que todos luchamos por sobrevivir”. Si bien esta no es la primera vez que este suceso toma lugar, el bajista nunca había buscado un alcance tan grande desde la concepción del tour en 2020; mismo que fue pospuesto por la pandemia mundial del covid-19.

Cine clásico: Ángeles con caras sucias

Ángeles con caras sucias (Angels With Dirty Faces, 1938), Michael Curtiz

Interpretada por James Cagney, Pat O'Brien, Humphrey Bogart, Ann Sheridan, George Bancroft, Leo Gorcey, Billy Halop, Bobby Jordan, Gabriel Dell, Huntz Hall, Bernard Punsly. 
Rocky Sullivan y Jerry Connelly son dos pequeños delincuentes juveniles. Un día son sorprendidos mientras intentan robar unas estilográficas en un vagón de tren. Mientras Jerry consigue huir, Rocky es detenido. Tras múltiples salidas y entradas en prisión, Rocky acaba convirtiéndose en un gánster. Mientras tanto, Jerry acaba convirtiéndose en el padre Connolly, un sacerdote católico, que trata de salvar de la delincuencia a los jóvenes del barrio. Tras un periodo en la cárcel, Rocky sale libre. Pretende recuperar 100.000 dólares de un atraco anterior, y que están en manos de su anterior socio, Jim Frazier. Pero éste le da largas, puesto que ahora trabaja para Mac Keefer, uno de los jefes mafiosos de la ciudad. Las cosas se van complicando, puesto que Rocky por una parte se convierte en el ídolo de los jóvenes a los que el sacerdote pretende redimir y por otra acaba matando a Frazier y Keefer. Tras ser detenido es condenado a muerte. En un gesto de nobleza, y a petición de su viejo amigo Connelly, implora perdón y finge cobardía ante la silla eléctrica, con el objetivo de ser despreciado por los jóvenes y que de ese modo no le tomen como modelo.
Considerada como uno de los más famosos largometrajes de cine negro de la década de 1930 (la de mayor auge del género), Ángeles con caras sucias fue dirigida por el prolífico y versátil Michael Curtiz ("Casablanca"). Este cineasta de origen húngaro conseguiría un hito en la historia del cine al ser nominado ese año por partida doble al Oscar como mejor director por este película y por Las cuatro hijas. Rodada con no demasiados medios, fue protagonizada por dos de las mayores estrellas del género: James Cagney (nominado como mejor actor por su trabajo) y Pat O’Brien. Un Humphrey Bogart lejos aún de su posterior fama también aparece en un papel secundario.
Obtuvo tres nominaciones a los premios de la Academia: Mejor actor, Premio mejor director y mejor guión. El Círculo de Críticos de Nueva York concedió el premio al mejor actor a James Cagney.

Fallece Helmut Berger, numen de Luchino Visconti (II)

Símbolo de una nueva era
Sin Visconti, Helmut no sería nada. Bonito, pero aburrido en El jardín de los Finzi-Contini (Il giardino dei Finzi-Contini, 1970), de Vittorio De Sica; totalmente transparente en El padrino. Parte 3 (The Godfather Part III, 1990), de Francis Ford Coppola. Rodará mucho pero malo. En Una inglesa romántica (The Romantic Englishwoman, 1975), sin embargo, Joseph Losey, siempre astuto, transforma de nuevo al gigoló que encarna en un personaje a lo Harold Pinter: un intruso ambiguo que, bajo su aparente servilismo, ejerce una atracción sexual sobre una pareja británica y burguesa.
Helmut Berger y Dominique Sanda en El jardín de los Finzi-Contini (1970)
En cierto sentido, Helmut Berger habría simbolizado una nueva era: el nacimiento de un hombre deseado, viril y que se ofrece. En El bello monstruo (Un beau monstre, 1971), del muy olvidado Sergio Gobbi, es codiciado tanto por una mujer soberbia (Virna Lisi) como por un chico sexy (Alain Noury). "¡Pasado de moda! lanza, además, el joven gay a su rival que, conformista como ya no está permitido, se niega a compartirlo… Enorme éxito de público para este pequeño thriller policiaco definidor de una época.
Virna Lisi y Helmut Berger en El bello monstruo (1971)
Un último destello: Saint Laurent (2014). Bertrand Bonello le hace encarnar al modisto envejecido y derrotado. En una serie de escenas magníficas y terribles, vemos en quien se ha convertido Helmut Berger al contemplar, en una pantalla de televisión, en una secuencia de La caída de los dioses, el que fue. Un espectro de repente parece estar mirando a un fantasma. Por una vez, estamos muy cerca de Marcel Proust. Porque, de repente, la memoria triunfa sobre el olvido. Gracias a la magia del cine, el pasado y el presente se unen y se fusionan. En un tiempo perdido, de repente encontrado.
Helmut Berger en Saint Laurent (2014)

Efemérides de cine: Un toque de distinción

El 25 de mayo de 1973 se estrenó la película británica Un toque de distinción (A Touch of Class), dirigida por Melvin Frank e interpretada por George Segal, Glenda Jackson, Paul Sorvino, Hildegarde Neil, Cec Linder, K. Callan, Mary Barclay. Productora: Joseph E. Levine Productions. Duración: 106 minutos. 
Sinopsis argumentalSteve Blackburn es un importante ejecutivo estadounidense que trabaja en Londres para una compañía de seguros. Pese a su condición de casado, no duda en iniciar una relación amorosa con Vicky Allessio, una diseñadora de modas divorciada que le ha impresionado. Su tumultuoso romance le causará no pocos sobresaltos, especialmente cuando los dos amantes organicen lo que imaginan como una placentera escapada a España.
Nominaciones y premios:  Premios Oscar: Mejor actriz (Glenda Jackson). 5 nominaciones; 2 Globos de Oro: Actor (Segal) y actriz (Jackson) -comedia/musical. 5 nominaciones; Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz (Jackson) y mejor guión; Festival de San Sebastián: Concha de Plata y mejor actriz (Glenda Jackson); Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor actriz (Glenda Jackson); Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión original comedia.
ComentarioLa película es una adaptación de Melvin Frank y Jack Rose de la historia She Loves Me, She Told Me So Last Night de Marvin Frank. Comedia romántica muy de los años 1970, de enorme éxito en su día, que se apoya en las excelentes interpretaciones de la británica Glenda Jackson y el yanqui George Segal. El director Melvin Frank  rodó en España parte de la película. Años después, una secuela titulada Un toque con más clase vio la luz con los mismos protagonistas. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

miércoles, 24 de mayo de 2023

Trenque Lauquen: de Antonioni a Rivette, una película bajo influencia

La película de Laura Citarella, una laberíntica búsqueda del tesoro en torno a la desaparición de una mujer, se intercala con eminentes referencias cinematográficas y literarias. 
A priori, ¡esta película no tiene nada a su favor! El título es más incomprensible que misterioso:  Trenque Lauquen (2022). Tiene una duración total de 250 minutos (dos episodios de más de dos horas cada uno). Este ambicioso ensayo está rodado en colores pálidos, casi desteñidos. Y, a modo de intriga, acumula pistas, algunas de las cuales conducen a callejones sin salida.
Excepto que es precisamente esta serie de trampas, enredos barrocos y acertijos vagamente locos lo que fascina. Firmada por Laura Citarella, Trenque Lauquen  es la última incorporación de una productora argentina, El Pampero Cine, que desde 2002, fuera de los circuitos tradicionales, produce unos ambiciosos y dementes ovnis. En concreto  La Flor  (2018), dirigida por Mariano Llinás: un fresco de 13h 34m, con seis pícaros episodios que se sumergen alegremente en el abismo…
En  Trenque Lauquen  -de hecho, es el nombre de un pueblo a unos cientos de kilómetros de Buenos Aires- una joven desaparece. Laura trabajaba en la clasificación de plantas raras y escribía una columna en la radio local. Antes de desmayarse en la naturaleza, garabateó una palabra inquietante y romántica: "Adiós, adiós, me voy..."Su prometido, Rafael, la busca, al igual que Ezequiel, conocido por "Chicho". Iremos sabiendo, poco a poco (pero Rafael, él nunca sabrá nada de eso) que Chicho compartió con Laura un secreto del que nació su amistad amorosa. La joven lo había hecho cómplice, de hecho, de su extraño descubrimiento: escondidas en los libros de la biblioteca, Laura había encontrado las cartas de amor -locas, sensuales, excitantes- que una vez intercambiaron un profesor y un hombre casado... Laura había quedado fascinada por el destino de este fantasma del pasado, cuya identidad había logrado descubrir.
Laura (Laura Paredes) en Trenque Lauquen (2022)
Esta correspondencia, súbitamente sacada a la luz, ¿había despertado otros secretos, otras amenazas? ¿Será por culpa de este zombi que Laura haya desaparecido? Chicho está convencido de ello, hasta que descubre una parte desconocida de la vida de su amigo: Laura se siente atraída por un extraño incidente: la presencia, alrededor de un lago y con un par de mujeres, de una criatura con ADN de caimán que se alimenta exclusivamente de extraños amarillos. flores…
Oscilando constantemente entre el thriller y la fantasía, la película está llena de referencias que podemos, ¡o no! – aprovechar al vuelo: el primer nombre de la heroína evoca irresistiblemente una película de Otto Preminger con una Gene Tierney posiblemente asesinada, Laura (1944). Rafael y Chicho buscan a la desaparecida como la pareja de  La aventura (L'avventura, 1960), uno de los capítulos de la película de Laura Citarella retoma, además, el título de Michelangelo Antonioni. Por momentos, cuando la realidad revela un misterio insospechado, pensamos en Blow-Up (Deseo de una mañana de verano) (Blow Up, 1966), del mismo Antonioni, o Impacto (Blow Out, 1981), su variante americana imaginada por Brian De Palma...
Sobre la película también se cierne el mundo del novelista Jorge Luis Borges, en quien, como escribió Dominique Lebel, “lo imposible se opone a lo posible, lo visible a lo invisible”. Y cuya obra se basa “en laberintos, espejos, acertijos, enciclopedias y bibliotecas, como tantas representaciones del mundo”. La directora habla de la influencia que ejerció sobre ella el filósofo Henry David Thoreau y, en particular, su ensayo De la Marche: “Un viaje sin destino preciso, un paseo."
Rafa (Rafael Spregelburd) en Trenque Lauquen (2022)
Pero la referencia esencial sigue siendo Jacques Rivette. Sus largometrajes tortuosos, torturados y abarrotados de sociedades secretas y conspiraciones al estilo Balzac (Out One: Noli me tangere, 1971). Las largas andanzas en París de un ex convicto y un vagabundo, perseguidos por una fuerza policial paralela (Le Pont du Nord, 1981). Sin olvidar, por supuesto, el complejo y delirante viaje de un bibliotecario-mago y un mago bailarín que se infiltran en una divertida obra de teatro, representada cada noche en una casa abandonada por seres extravagantes: apariciones, sin duda, Céline y Julia van en barco (Céline et Julie vont en bateau, 1974).
Y de pronto, a través del espacio y del tiempo, el 7 bis, rue du Nadir-aux-Pommes, inventado por Rivette en  Céline y Julia…, parece trasplantado, por la magia del cine, en algún lugar de Argentina, en los suburbios de un Trenque Lauquen soñado por Laura Citarella…

Efemérides de cine: El Sanatorio de la Clepsidra

El 24 de mayo de 1973 se estrenó la película polaca El Sanatorio de la Clepsidra (Sanatorium pod Klepsydra), dirigida por Wojciech Has e interpretada por Jan Nowicki, Tadeusz Kondrat, Irena Orska, Halina Kowalska, Gustaw Holoubek, Mieczyslaw Voit, Bozena Adamek, Jerzy Przybylski, Ludwik Benoit, Filip Zylber, Wiktor Sadecki, Henryk Boukolowski, Seweryn Dalecki, Jan Szurmiej. Productora: Zespól Filmowy "Silesia". Duración: 124 minutos. 
Sinopsis argumental: Joseph (Jan Nowicki) viaja a través de un mundo de ensueño, tomando un tren en ruinas para visitar a su moribundo padre, Jacob, en un sanatorio. Cuando llega al hospital, encuentra que toda la instalación se va a arruinar y nadie parece estar a cargo o incluso cuidar a los pacientes. El tiempo parece comportarse de maneras impredecibles, reanimando el pasado en un elaborado capricho artificial. Aunque Joseph siempre se muestra como un adulto, su comportamiento y la gente alrededor a menudo lo representan como un niño. Se hace amigo de Rudolf, un muchacho joven que posee un álbum del sello del franqueo. Los nombres de los sellos desencadenan una riqueza de asociación y aventura de Joseph. Entre las muchas ocurrencias de esta fantasmagórica y visualmente potente aventura, encontramos a Joseph reingresando en episodios de su infancia, con un padre descontroladamente excéntrico (que vive con pájaros en un ático), siendo arrestado por una misteriosa unidad de soldados por tener un sueño que fue severamente criticado en las altas esferas de poder, reflexionando sobre una chica con la que fantaseaba en su infancia y comandando un grupo de maniquíes de cera de personajes históricos. A lo largo de su extraño viaje, un ominoso conductor ciego reaparece como una figura de muerte.
Nominaciones y premiosFestival de Cine de Cannes: Premio del Jurado.
Comentario La película es una adaptación de la colección de cuentos de Bruno Schulz Sanatorium pod Klepsydrą (El sanatorio de la clepsidra). También se han añadido una serie de reflexiones sobre el Holocausto que no estaban presentes en los textos originales, leyendo la prosa de Schulz a través del prisma de la muerte del autor durante la Segunda Guerra Mundial y la muerte del mundo que describió. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: El emperador del norte

El 24 de mayo de 1973 se estrenó la película estadounidense El emperador del norte (Emperor of the North Pole), dirigida por Robert Aldrich e interpretada por Lee Marvin, Ernest Borgnine, Keith Carradine, Charles Tyner, Malcolm Atterbury, Simon Oakland, Harry Caesar, Matt Clark, Elisha Cook Jr., Lance Henriksen, Sid Haig. Productora: 20th Century Fox. Duración: 119 minutos.
Sinopsis argumentalOregón, 1933. Entre los vagabundos sin trabajo que, durante la Gran Depresión, se desplazan de un estado a otro viajando clandestinamente en los trenes, el número uno es el Emperador del Norte (Marvin), llamado así por su astucia para burlar a los ferroviarios. Dos hombres aspiran a arrebatarle el título, pero para ello tendrán que llegar a Portland en el tren de Sack (Borgnine), un sádico e implacable maquinista. 
Comentario: Inspirada en las aventuras de Jack London, estamos ante una gran película de acción de Robert Aldrich, el enfrentamiento resulta un auténtico duelo de titanes. Inolvidables las escenas en el techo de los vagones. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

martes, 23 de mayo de 2023

Fallece Helmut Berger, numen de Luchino Visconti (I)

Helmut Steinberger, (Bad Ischl, Austria, 29 de mayo de 1944) conocido artísticamente como Helmut Berger, falleció en Salzburgo a los 78 años de edad. Descubierto y elevado hasta el Olimpo por el cineasta italiano Luchino Visconti, será eternamente el sublime interprete de Luis II de Baviera, el rey loco (Ludwig, 1973). 
Fue su amante, su Pigmalión y su Némesis. Fascinado por su belleza, el director Luchino Visconti captura el destino de Helmut Steinberger, un modesto empleado de un hotel de lujo austriaco. Lo modela. Le da forma. Sin duda, nunca logrará convertirlo en lo que soñó que se convirtiera: un personaje de Marcel Proust, el Saint-Loup de En busca del tiempo perdido, un proyecto que nunca se completó. Pero, a partir de La caída de los dioses (La caduta degli dei, 1969), lo transformó en una espléndida fantasía gay: mitad gamberro, mitad Marlene Dietrich. Aquejado de un evidente complejo de Edipo, además: en la Alemania de los años 1930 donde galopaba el nazismo, el joven -tal como Nerón mató a Agripina- acabó asesinando a su madre demasiado amada para liberar, en él, las fuerzas del mal. Gran éxito: Helmut, rebautizado como Berger, se convierte en un ídolo...
Helmut Berger y Helmut Griemein en La caída de los dioses (1969)
Unos años más tarde, en Confidencias (Gruppo di famiglia in un interno, 1974), Visconti revelará -aunque apenas- cuál debió ser su aventura. Luego se retratará a sí mismo bajo la apariencia de Burt Lancaster, un viejo esteta egoísta. Y su amante como un joven viejo, dañado por el dinero, el lujo y la comodidad. Por él, de hecho...
Helmut Berger y Silvana Mangano en Confidencias (1974)
Por eso Luis II de Baviera, el rey loco (1973) sigue siendo su obra maestra conjunta. Este fresco íntimo sobre el destino de Luis II de Baviera es, implícitamente, una reflexión, imbuida de pesar y remordimiento, sobre los estragos que un creador puede infligir a su criatura. Pocas veces hemos mostrado tan bien en el cine la doble decadencia de un personaje y de quien lo encarna. En esta obra donde la grandeza compite con el terror, Helmut Berger es grandioso de principio a fin: una silueta aterradoramente pura, durante la coronación, un cuerpo lastrado y derrotado, al borde de la muerte... Visconti dirige a Berger al milímetro, con una asombrosa mezcla de amor y sadismo. Oímos, a cada momento, resonar los versos de Baudelaire: “¡Yo soy la herida y el cuchillo! ¡Soy el fuelle y la mejilla! ¡Soy los miembros y la rueda, y la víctima y el verdugo!…” Poema número 83 de Las flores del mal (edición de 1861).
Helmut Berger y Romy Schneider en Luis II de Baviera, el rey loco (1973)
(cont.)

Cine y literatura: Curzio Malaparte

Curzio Malaparte, nacido Kurt Erich Suckert, fue un periodista, dramaturgo, escritor de relato corto, novelista y diplomático italiano. El apellido elegido para firmar sus obras, que utilizó desde 1925 y significa literalmente 'de mal lugar', es un juego de palabras con Buonaparte, en referencia a Napoleón Bonaparte. 
Dos de sus obras se llevaron al cine:
- Un drama bélico, El Cristo prohibido (Il Cristo proibito, 1951), dirigida por propio autor, con Raf Vallone como protagonista. Tras terminar la segunda guerra mundial, Bruno (Raf Vallone), vuelve a su tierra tras haber sido puesto en libertad de un campo de prisioneros en Rusia. Su única motivación por esta vuelta, es vengar la muerte de su hermano fusilado por los alemanes al haber sido delatado por alguien del pueblo. Al llegar nadie quiere contarle quien fue el culpable (ni tan siquiera su propia madre), todos sus vecinos insisten en que se olvide del asunto, que todo es agua pasada y es mejor dejarlo estar. Una noche, uno de sus vecinos le dice que se asegure de que nadie le vea y que le siga a cierta distancia hasta su casa, pues tiene algo muy importante que contarle. La única incursión en el cine de Curzio Malaparte, que aquí acomete las labores de dirección, escritura del guión e incluso composición de la banda sonora. Un trabajo realmente meritorio si tenemos en cuenta que el resultado destila una enorme profesionalidad que sería premiada en el Festival de Berlín. La película se engloba dentro de ese ciclo de obras que muestran el trauma de posguerra, el momento en que los soldados vuelven a sus hogares teóricamente eufóricos al haber logrado la paz. Pero lo que nos muestra el film es que en el fondo esa ruptura entre guerra y paz es un tanto artificial, y los crímenes y errores cometidos durante la guerra no desaparecen de la noche al día.
- La piel (La pelle, 1981) dirigida por Liliana Cavani y protagonizada por Marcelo Mastroianni, Claudia Cardinale y Burt Lancaster. 
En el tramo final de la Segunda Guerra Mundial, Nápoles acaba de ser liberada por las fuerzas aliadas. La ciudad se encuentra sumida en la miseria. Entre las ruinas, las mujeres se prostituyen y ofrecen a sus hijos como mercancía sexual, los prisioneros alemanes son vendidos al peso y los tanques son desmontados en pleno centro por hábiles muchachos que buscan cómo sobrevivir en un panorama incierto, en el que nadie sabe todavía cuándo acabará la guerra y en el que lo único claro parece el hambre. En este desolador contexto se desarrolla la acción, protagonizada por Curzio Malaparte, capitán del Cuerpo Italiano de Liberación. Polémica –cómo no– incursión de Liliana Cavani en la postguerra italiana, más en concreto en la actuación de los soldados norteamericanos en las ciudades de Nápoles y Capri. En realidad se trata de hilvanar como se pueda una serie de historias con el denominador común de la guerra, muy bien ambientada con reminiscencias de cierto barroquismo del más puro estilo Fellini. Eso sí tiene algunos momentos francamente desagradables como el del soldado con las tripas fuera, el partisano espachurrado por un tanque y las torturas a los perros. Marcello Mastroianni encarna al escritor Curzio Malaparte (autor de la novela que da origen a la película), quien en su papel de oficial del ejército italiano ha de colaborar con los americanos en las funciones más extravagantes.  

Efemérides de cine: Pat Garrett y Billy The Kid

El 23 de mayo de 1973 se estrenó la película estadounidense Pat Garrett y Billy The Kid (23-5-1973), dirigida por Sam Peckinpah e interpretada por James Coburn, Kris Kristofferson, Jason Robards, L.Q. Jones, Bob Dylan, Richard Jaeckel, Katy Jurado, Slim Pickens, Chill Wills, Harry Dean Stanton, Barry Sullivan, Charles Martin Smith, Jack Elam, Luke Askew, Elisha Cook Jr., Bruce Dern, John Beck. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 122 minutos. 
Sinopsis argumental: Pat Garrett (James Coburn), que había sido compañero del bandido Billy the Kid (Kris Kristofferson), se ha pasado al otro lado de la ley y es ahora sheriff del condado de Lincoln. Defiende los intereses del Gobernador Lew Wallace (Jason Robards) y de los ganaderos del territorio en el que actúa su antiguo compañero. Pocos días después de ser nombrado sheriff, Garrett consigue frustrar un intento de robo de Billy y lo lleva a prisión. Sin embargo, este consigue escapar matando a cuatro hombres. Garrett lo persigue sin descanso durante semanas. Sin embargo, los ganaderos son tan poderosos que algunas cosas escapan de su poder. El trabajo fuera de la ley (pero a su vez dentro de ella) del sheriff Pat Garrett, consiste básicamente en perseguir y conseguir información de viejos amigos y conocidos, y deshacerse así del que alguna vez fue compañero suyo de fechorías tiempo atrás y terminó muerto gracias a un sheriff del condado.
Nominaciones y premios Premios BAFTA: Nominada a mejor actor revelación (Kristofferson) y música. 
ComentarioLa figura de Billy el niño fue reinventada por el director Sam Peckinpah como una especie de estrella del rock del viejo Oeste; un joven que intenta vivir según sus propias reglas pero que topa constantemente con los poderes establecidos (en este caso, los grandes ganaderos). Quizás por ello, Peckinpah contrató al mismísimo Bob Dylan para dar vida a un forajido llamado Alias y a la mayoría del grupo de Kris Kristofferson para interpretar a los miembros de la banda de Billy. Considerada como una de las mejores obras de su director, la película fue, sin embargo, mutilada por su productora, la MGM, que cortó casi un cuarto de hora de su metraje, amputando así el desarrollo de los personajes imaginado por el director y cargando las tintas en las escenas de tiroteos. El cambio fue tal, que hasta el propio Peckinpah quiso quitar su nombre de los créditos. La versión original de Peckinpah no pudo verse hasta 1990, después de su muerte. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

lunes, 22 de mayo de 2023

Cinco icónicas escenas de graduación para ver

La primavera está en el aire, y estamos echando un vistazo a las escenas de graduación de películas más memorables que se pueden ver en este momento. Desde el clásico de terror Carrie hasta dos celebraciones para adolescentes con motivaciones musicales.

1.- Carrie (1976), de Brian De Palma

Película y novela tratan acerca de una introvertida adolescente, Carrie White, quien descubre que posee poderes telequinéticos que salen a la luz en el momento que ella estalla de ira. Adicionalmente ella sufre constantes humillaciones por parte de sus compañeros, lo cual termina en tragedia el día del baile de graduación, cuando usa sus poderes en contra de todos los que se burlan de ella. La película está protagonizada por Sissy Spacek y le sigue Piper Laurie, Amy Irving, William Katt, Betty Buckley y John Travolta en los papeles principales.
William Katt y Sissy Spacek en Carrie (1975)

2.-  Footloose (1984), de Herbert Ross

Poco se imaginaba Herbert Ross cuando dirigió este correcto drama musical que se acabaría convirtiendo en todo un fenómeno de la época, obteniendo un gran éxito de taquilla y sentando los precedentes de un género semidesconocido hasta entonces, el cine sobre adolescentes y para adolescentes. Y buena parte de este éxito fue debido a su pegadiza banda sonora, con dos temas que serían nominados a los Oscar. Además, la película sirvió para lanzar la carrera de un joven Kevin Bacon, que comparte protagonismo en la cinta con Lori Singer (rostro popular entonces por su participación en la serie "Fama"). En la década de 1990 la película sería llevada a los escenarios de Broadway en forma de musical y en 2011 sería objeto de un remake. Está ligeramente inspirada en hechos reales ocurridos en la pequeña comunidad rural religiosa de Elmore City, Oklahoma.
Footloose (1984)

3.- 10 razones para odiarte (10 Things I Hate about You, 1999), de Gil Junger

Comedia adolescente que adapta libremente la novela La fierecilla domada, de William Shakespeare. La cinta está protagonizada por Julia Stiles, una de las actrices jóvenes con más proyección del Hollywood del nuevo milenio, y el fallecido actor australiano Heath Ledger, nominado al Oscar por Brokeback Mountain.
Heath Ledger y Julia Stiles en 10 razones para odiarte (2008)

4.- High School Musical 3: Fin de curso (High School Musical 3: Senior Year, 2008), de Kenny Ortega

Tercera entrega del popular musical de Disney creado para televisión. Una digna sucesora, en el sentido de que mantiene los elementos básicos de la serie: un argumento blanco para toda la familia, canciones y números musicales elaborados, y amor, mucho amor. 
High School Musical 3: Fin de curso (2008)

5.- #SexPact (Blockers, 2018), de Kay Cannon

Comedia coral y sexual que mezcla el humor grueso y el sermón emotivo. La trama, en ambiente de noche de fiesta por la graduación, se basa en el pacto de tres adolescentes para perder la virginidad y los intentos ridículos de sus padres para evitarlo. La película trata temas como la homosexualidad, el adulterio, las relaciones paterno-filiales, el tabú que es el sexo, la no aceptación del paso del tiempo… con crítica a la excesiva sobreprotección paterna.
Miles Robbins, Kathryn Newton, Graham Phillips, Jimmy Bellinger, Gideon Adlon y Geraldine Viswanathan en #SexPact (2018)