Ídolos de Hollywood: antes y ahora (XLIII)

Uma Thurman en Johnny Superstar (1988)

Uma Thurman en Pulp Fiction (1994)

Uma Thurman en Los vengadores (1998)

Uma Thurman en Kill Bill: Volumen 1 (2003)

Las 10 mejores bandas sonora de Ennio Morricone para el cine (II)

(cont.)

6.- La cosa (El enigma de otro mundo) (The Thing, 1982). Estados Unidos

A John Carpenter le hubiera gustado componer el mismo la música de La cosa, colocando las capas de sintetizador que contribuyen a la atmósfera asfixiante de sus películas. Pero la filmación no le dio tiempo. Los productores primero sondearon a Jerry Goldsmith, quien se negó, también porque estaba con Poltergeist (1982) de Tobe Hooper y En los límites de la realidad: La película (Twilight Zone: The Movie, 1982), dirigida entre otros por Steven Spielberg. La elección recayó finalmente en Ennio Morricone, del que Carpenter era admirador. Pero los comienzos no fueron tan sencillos. Al llegar al set, el italiano se sorprendió al descubrir que el director estaba componiendo una partitura electrónica para la película: "¿Por qué me llamaste si estás haciendo las cosas tú mismo? ? La respuesta de Carpenter: "Porque me casé con tu música. Después de que se mostró la película, Morricone todavía estaba sorprendido de ver al director marcharse, sin decir una palabra. Los dos hombres no intercambiarán ideas durante todo el proceso. Morricone termina presentando al director varios temas en varios estilos, con la ayuda de una orquesta sinfónica. Solo uno fue interpretado usando simples sintetizadores. Obviamente, este es el que eligió John Carpenter. Una banda sonora original cuyos títulos dan una visión general de la atmósfera: contaminación, bestialidad, esterilización, desesperación...

7.- La misión (The Mission, 1986). Reino Unido

La película de Roland Joffé, con Robert De Niro y Jeremy Irons, Palma de Oro en Cannes en 1986, cuenta la misión de los jesuitas españoles que fueron a las selvas sudamericanas para evangelizar a los indios guaraníes en el siglo XVIII y resistir a los ejércitos portugueses. El guión inspira a Morricone con música que tenderá un puente espiritual entre culturas a las que la historia opone violentamente. El oboe de Gabriel encarna las intenciones del compositor, él mismo un creyente: en la película, el padre Gabriel interpreta el tema en oboe para establecer contacto con los guaraníes que lo rodean con sus arcos y lanzas. Primero intrigado y luego seducido, su líder finalmente romperá el oboe. Pero la música habrá permitido un primer paso. La orquestación de Morricone toman prestadas principalmente tres tradiciones dispares: el oboe y los violines del Renacimiento, la música sagrada que sucedió al Concilio de Trento y, finalmente, las tradiciones indígenas. Su combinación armoniosa, que simboliza la fuerza de lo sagrado al final de la película, es lo que Morricone llamará su "milagro técnico" y "una gran bendición".

8.- Los intocables de Eliot Ness (The Untouchables, 1987). Estados Unidos

Ennio Morricone inaugura su colaboración con Brian De Palma, a quien encontrará para Corazones de hierro (Casualties of War, 1989) y Misión de Marte (Mission to Mars, 2000), al son de los tiroteos del Chicago de la Prohibición, con Kevin Costner como Eliot Ness, Sean Connery en Jim Malone y Robert De Niro en Al Capone. Para la sangrienta escena final, el compositor propuso nueve versiones diferentes, esperando que el director no eligiera la séptima. Cosa que hizo, por supuesto. "Él tenía razón", dijo Morricone.

9.- Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso, 1988). Italia

No se puede saborear la lírica Morricone de las películas sentimentales. Pero su partitura y llas diferentes orquestaciones contribuyen perfectamente a la atmósfera de Cinema Paradiso, el triunfo internacional de Giuseppe Tornatore. Luego, los dos hombres inauguran una sociedad que se extenderá a una docena de películas (el récord pertenece a las quince colaboraciones con Mauro Bolognini de 1967 a 1991). La última, La correspondencia (La corrispondenza, 2016), se estrenó en enero de 2016. 

10.- Los odiosos ocho (The Hateful Eight, 2015). Estados Unidos

Por primera vez en cuarenta años, Morricone regresa al oeste. Hay que decir que la solicitud fue hecha por uno de sus mayores admiradores, Quentin Tarantino. Cinéfilo solía hacer referencia a sus maestros en sus películas, el director a menudo ha integrado música compuesta por Morricone para otros: Django desencadenado (Django Unchained, 2012), por ejemplo, incluye extractos de temas escritos para Los despiadados (I crudeli, 1967) y Dos mulas y una mujer (Two Mules for Sister Sara, 1970). Los dos hombres se habían expresado un respeto mutuo desde Kill Bill, y luego parecieron haberse decaído después de que Morricone se quejó, frente a los estudiantes romanos, de que Tarantino "coloca la música en sus películas sin ninguna lógica". Debemos creer que antepusieron su ego. El acuerdo ese forjó en la casa del maestro, cuando Tarantino vino a darle el guión de Los odiosos ocho para la cual quería, esta vez, una música original. Idealmente, incluso habría trabajado con el compositor como Sergio Leone en el pasado: primero la música, luego las imágenes. Pero la película, entonces, ya había sido filmada. Y la producción requirió que la banda sonora se compusiera en cuatro semanas. Morricone primero se negó, argumentando que tenía que terminar su trabajo para Giuseppe Tornatore. Pero el guión le complació y terminó componiendo veinticinco minutos de música original y autorizó a Tarantino a buscar en sus archivos: así es como se exhumaron las grabaciones sinfónicas de La cosa, nunca utilizadas por Carpenter que prefería las versiones sintéticas. Los  odiosos ocho que le valieron a Morricone su primer Oscar real (anteriormente había recibido un Oscar honorario). Definitivamente reconciliados, los dos hombres habían planeado trabajar juntos de nuevo. Suficiente para mantener al maestro de 87 años en buena forma, quien recientemente expulsó a un periodista de Liberación de su departamento, culpable de hacer una pregunta considerada inadecuada, arrojándole a la cara: "¡Vete a la mierda!".

Efemérides de cine: ¿Dónde está papá?

El 9 de julio de 1970 la película estadounidense ¿Dónde está papá? (Where's Poppa?), dirigida por Carl Reiner e interpretada por George Segal, Ruth Gordon, Trish Van Devere, Vincent Gardenia, Ron Leibman, Rob Reiner, Rae Allen, Paul Sorvino. Productora: United Artists. Duración: 82 minutos. 

Sinopsis argumental: Un abogado vive con su madre, una anciana irritante y caprichosa que no sólo le complica la vida, sino que también le arruina sus probables romances. Tampoco le sirve de mucho la ayuda circunstancial que le suele prestar su hermano, que vive al otro lado de Central Park... 

Premios y nominaciones: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión adaptado comedia.

Comentario: Adaptación de la novela de Robert Klane. Humor negro y rozando el absurdo en esta comedia disparatada, violenta y salvaje, que en su día fue considerada una obra de culto para muchos y una película de mal gusto para otros. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Películas de la semana: 10 de julio

La maldición del guapo

Dirección: Beda Docampo Feijóo. País: España. Año: 2020. Duración: 89 minutos. Género: Comedia. Interpretación: Gonzalo de Castro, Juan Grandinetti, Malena Alterio, Cayetana Guillén Cuervo, Ginés García Millán, Carlos Hipólito, Andrea Duro, Paula Sartor, Roberto Álamo, Ana Iglesias. Guion: Beda Docampo Feijóo. Música: Federico Jusid. Fotografía: Imanol Nabea. Productora: Coproducción España-Argentina; Arcadia Motion Pictures/Cados Producciones/Dammed Bello/Zarlek Producciones/Televisión Española (TVE). Distribuidora: Filmax. Estreno en España: 10 de julio de 2020. Sinopsis: Una comedia donde se tocan temáticas con las que cualquier persona pueda conectar como la paternidad, el egoísmo, la atracción hacia el dinero, las amistades peligrosas, la presión de la búsqueda del éxito, las vocaciones postergadas, las tentaciones de los desafíos que se tornan imposibles o la dificultad de encontrar el amor. El protagonista de la cinta, Humberto, es un hombre seductor y estafador a partes iguales. Lleva un vida tranquila en Madrid tras haber cumplido una estafa que le costó la relación que tenía con su hijo. Jorge, su hijo, es ahora un hombre muy honrado que poco se verá representado en su padre, pero que finalmente terminará siendo envuelto en sus problemas al ser víctima de un robo en la joyería en la que trabaja. 'La maldición del guapo' es una elegante y astuta comedia de estafadores donde nadie es realmente quién es.

Dónde estás, Bernadette

Título original: Where'd You Go, Bernadette. Dirección: Richard Linklater. País: Estados Unidos. Año: 2019. Duración: 104 minutos. Género: Comedia. Drama. Secuestros. Desapariciones. Adolescencia. Interpretación: Cate Blanchett, Kristen Wiig, Billy Crudup, Judy Greer, Laurence Fishburne, Troian Avery Bellisario, Jóhannes Haukur Jóhannesson, James Urbaniak, Zoe Chao, Claudia Doumit, Zachary Davis Brown. Guion: Richard Linklater, Holly Gent Palmo, Vincent Palmo Jr. (Novela: Maria Semple). Música: Graham Reynolds, Sam Lipman. Fotografía: Shane F. Kelly. Productora: Detour Filmproduction/Annapurna Pictures/Color Force. Distribuidora: eOne Films Spain. Estreno en España: 10 de julio de 2020. Sinopsis: Basada en un libro publicado en 2012 que se convirtió en best-seller. Esta es la historia de Bernadette Fox, una mujer de Seattle casada y madre de una hija. Tiene todo lo que una persona puede desear, una vida plena. Un día, sin razón aparente, desaparece. Este será el momento en que su marido y su hija tendrán que aventurarse a buscarla y resolver el misterio que hay detrás.

First Love

Título original: Hatsukoi. Dirección: Takashi Miike. País: Japón. Año: 2019. Duración: 108 minutos. Género: Thriller. Acción. Comedia. Romance. Yakuza & Triada. Comedia negra. Drogas. Crimen. Boxeo. Interpretación: Becky, Bengal, Masayuki Deai, Mami Fujioka, Sakurako Konishi, Masataka Kubota, Takahiro Miura, Jun Murakami, Nao Ohmori, Sansei Shiomi, Shôta Sometani, Ken'ichi Takitô, Nazeeh Tarsha, Chun-hao Tuan, Seiyô Uchino. Guion: Masa Nakamura. Música: Kôji Endô. Fotografía: Nobuyasu Kita. Productora: Coproducción Japón-Reino Unido; Recorded Picture Company (RPC)/Oriental Light and Magic (OLM)/Toei. Estreno en España: 10 de julio de 2020. Sinopsis: Leo es un joven boxeador que atraviesa una mala racha. Durante el transcurso de una noche en la ciudad de Tokyo (Japón) se encuentra con el primer gran amor de su vida, Mónica, una prostituta adicta a la droga que pese a sus circunstancias personales sigue siendo una joven inocente. Aunque Leo no lo sabe, la chica se encuentra inmersa en una compleja trama relacionada con el tráfico de droga que la convierte en el objetivo de varias personas: un yakuza, un policía corrupto y una asesina enviada por la tríadas chinas.

Under the Skin

Dirección: Jonathan Glazer. País: Reino Unido. Año: 2013. Duración: 108 minutos. Género: Ciencia-ficción. Drama. Drama psicológico. Extraterrestres. Película de culto. Interpretación: Scarlett Johansson, Paul Brannigan, Robert J. Goodwin, Krystof Hádek, Scott Dymond, Michael Moreland, Jessica Mance, Jeremy McWilliams, Adam Pearson. Guion: Walter Campbell, Jonathan Glazer (Novela: Michel Faber). Música: Mica Levi. Fotografía: Dan Landin. Productora: Film4 Productions, Nick Wechsler Productions. Premios y nominaciones: 2014: Premios BAFTA: 2 nominaciones incluyendo Mejor film británico; British Independent Film Awards (BIFA): Nominada a mejor director y actriz (Johansson); Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor banda sonora; Premios del Cine Europeo: Mejor banda sonora; Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera; Premios Gotham: Nominada a mejor película y actriz (Johansson); Critics Choice Awards: Nominada a mejor película de ciencia-ficción/terror; Asociación de Críticos de Chicago: Mejor banda sonora. 4 nominaciones; Círculo de Críticos de San Francisco: 5 nominaciones incluyendo mejor película y director. Estreno en España: 10 de julio de 2020. Sinopsis: Una misteriosa mujer (Scarlett Johansson) deambula por las calles de Escocia, arrastrando a hombres solitarios y confiados a un destino fatal... Adaptación surrealista de la novela homónima de Michel Faber. 

Supa Modo

Dirección: Likarion Wainaina. País: Kenia. Año: 2018. Duración: 74 minutos. Género: Drama. Enfermedad. Interpretación: Stycie Waweru, Marrianne Nungo, Nyawara Ndambia, Johnson Gitau Chege, Humphrey Maina, Joseph Omari, Rita Njenga, Dinah Githinji, Nellex Nderitu, Ednah Daisy, Peris Wambui, Mercy Kariuki, Cindy Kahura, Nick Mwathi, Muriithi Mwangi, Martin Nyakabete, Joseph Wairimu, Isaya Evans. Guion: Wanjeri Gakuru, Gathoni Kamau, Ian Masters, Kamau Wa Ndung'u, Mugambi Nthiga (Obra: Silas Miami. Historia: Likarion Wainaina). Música: Sean Peevers. Fotografía: Enos Olik, Volker Tittel. Productora: Coproducción Kenia-Alemania; One Fine Day Films/Ginger Ink Films. Estreno en España: 10 de julio de 2020. Sinopsis: Jo, una niña de nueve años, está loca por las películas de acción y sueña con ser una superheroína. Su mayor deseo es rodar una película y protagonizarla. Gracias a su imaginación olvida que está en la fase terminal de una grave enfermedad. Su hermana ya no aguanta ver a la risueña Jo pasar el tiempo que le queda en una cama y la anima a usar sus poderes mágicos. De paso, convence a todo el pueblo para que haga realidad el sueño de la niña.

Marcelino, el mejor payaso del mundo

Dirección: Germán Roda. País: España. Año: 2020. Duración: 83 minutos. Género: Documental. Drama. Biográfico. Reparto: Documental, Pepe Viyuela, Alberto Castrillo Ferrer, Laura Gómez-Lacueva, Salomé Jiménez, Nacho Rubio. Guion: Miguel Ángel Lamata, Germán Roda. Fotografía: Daniel Vergara. Productora: Estación Cinema. Estreno en España: 10 de julio de 2020. Sinopsis: Docudrama sobre Marcelino Orbés, considerado el mejor payaso del mundo desde 1900 a 1914, triunfando en Londres y Nueva York. Fue el mejor y el más aclamado por el público en la mayor industria del entretenimiento de la época. Actuaba en el teatro más grande jamás construido, El Hippodrome, y lo veían 2 millones y medio de personas al año. No sólo fue un payaso sino un clown, acróbata y un cómico admirado por Charles Chaplin y del que Buster Keaton afirmó que era el mejor del mundo. Nacido en Jaca (Aragón), recorrió España, Europa y EE.UU. haciendo reír a la gente pero acabó protagonizando el tópico del payaso atormentado fuera de los escenarios.

Las letras de Jordi

Dirección: Maider Fernandez Iriarte. País: España. Año: 2020. Duración: 70 minutos. Género: Documental. Enfermedad. Reparto: Documental. Guion: Maider Fernandez Iriarte, Virginia García del Pino. Fotografía: Maider Fernandez Iriarte, Carlos Muñoz Gómez-Quintero. Productora: Señor & Señora. Estreno en España: 10 de julio de 2020. Sinopsis: Jordi nació hace 51 años con parálisis cerebral. Sin embargo, no se considera un enfermo. A pesar de no poder hablar, intenta charlar a través de su tabla de cartón. Es así como se comunica conmigo. Cuando tenía 21 años sintió que Dios le hablaba por primera vez. Sin embargo, hoy, tras dejar su hogar y a sus padres y mudarse a una residencia, no siente la presencia de Dios. Jordi está vacío por su silencio. Esta película trata del amor a Dios y a la palabra de un hombre libre

Películas de la semana: Reestrenos

El laberinto del fauno

Dirección: Guillermo del Toro. País: España. Año: 2006. Duración: 112 minutos. Género: Fantástico. Drama. Thriller. Vida rural. Años 40. Posguerra española. Monstruos. Cuentos. Interpretación: Ivana Baquero, Sergi López, Maribel Verdú, Doug Jones, Ariadna Gil, Álex Angulo, Federico Luppi, Roger Casamajor, Fernando Tielve, Pepa Pedroche, José Luis Torrijo. Guion: Guillermo del Toro. Música: Javier Navarrete. Fotografía: Guillermo Navarro. Productora: Coproducción España-México-Estados Unidos; Estudios Picasso, Tequila Gang, Telecinco, Sententia Entertainment. Premios y nominaciones: 3 Oscar: Mejor fotografía, dirección artística, maquillaje. 6 Nominaciones; Globos de oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa (México);  7 Premios Goya, incluyendo guión original y actriz revelación (Baquero); 3 Premios BAFTA: Mejor vestuario, maquillaje y película de habla no inglesa. 8 nominaciones; Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película); Círculo de críticos de Nueva York: Mejor fotografía; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor diseño de producción. 2 nominaciones; 2 nominaciones Critics' Choice Awards: Película de habla no inglesa, actriz joven; Premios Ariel: 9 Premios incluyendo Mejor película y director. 12 nominaciones; National Board of Review (NBR): Top películas extranjeras del año; Premios Independent Spirit: Mejor fotografía. 2 nominaciones; Asociación de Críticos de Chicago: 2 nominaciones, incluyendo mejor película extranjera; Premios Forqué: Mejor película; Premios Sur: Nominada a mejor película extranjera. Reestreno en España: 10 de julio de 2020. Sinopsis: Año 1944, posguerra española. Ofelia (Ivana Baquero) y su madre, Carmen (Ariadna Gil), que está embarazada, se trasladan a un pequeño pueblo al que ha sido destinado el nuevo marido de Carmen, Vidal (Sergi López), un cruel capitán del ejército franquista por el que la niña no siente ningún afecto. La misión de Vidal es acabar con los últimos miembros de la resistencia republicana que permanecen escondidos en los montes de la zona. En la zona viven Mercedes (Maribel Verdú), el ama de llaves, y el médico (Álex Angulo) que se hace cargo del delicado estado de salud de Carmen. Una noche, Ofelia descubre las ruinas de un laberinto, y allí se encuentra con un fauno (Doug Jones), una extraña criatura que le hace una sorprendente revelación: ella es en realidad una princesa, la última de su estirpe, y los suyos la esperan desde hace mucho tiempo. Para poder regresar a su mágico reino, la niña deberá enfrentarse a tres pruebas. 

Dersu Uzala (El cazador)

Título original: Dersu Uzala. Dirección: Akira Kurosawa. País: Unión Soviética (URSS). Año: 1975. Duración: 141 minutos. Género: Aventuras. Drama. Años 1900. Amistad. Basado en hechos reales. Caza. Interpretación: Maksim Munzuk, Yuriy Solomin, Svetlana Danilchenko, Vladimir Kremena, Dmitriy Korshikov, Suymenkul Chokmorov. Guion: Akira Kurosawa, Yuri Nagibin (Libro: Vladimir Arsenev). Música: Isaac Schwartz. Fotografía: Asakazu Nakai, Youri Gantoman, Fyodor Dobronravov. Productora: Coproducción Unión Soviética (URSS)-Japón; Mosfilm/Atelier 41. Premios y nominaciones: Oscar: Mejor película de habla no inglesa; Gran premio en el festival internacional de Moscú; Premios David di Donatello: Mejor director extranjero. Reestreno en España: 10 de julio de 2020. Sinopsis: El capitán Vladimir Arseniev y su destacamento tienen que realizar unas prospecciones geológicas en los bosques de la taiga siberiana. La inmensidad del territorio y la dureza del clima hacen que se extravíe. Condenado a vagar por una tierra salvaje, Vladimir conoce a Dersu Uzala, un cazador nómada que conoce el territorio como la palma de su mano y sabe cómo afrontar las inclemencias del tiempo. Dersu enseñará a Vladimir a respetar la naturaleza y a convivir en plena armonía con ella, una lección que difícilmente olvidará el resto de su vida. 

Hace 100 años: Der Bucklige und die Tänzerin

El 8 de julio de 1920 se estrenó la película alemana Der Bucklige und die Tänzerin, dirigida por F.W. Murnau e interpretada por Sascha Gura, John Gottowt, Paul Biensfeldt, Anna von Palen, Henri Peters-Arnolds, Bella Polini. Productora: Helios Film. Duración: 50 minutos. 

Sinopsis argumental: Wilton, un jorobado, que siempre fue despreciado y ridiculizado por las mujeres, regresa de Java como un hombre rico después de haber descubierto una mina de diamantes. Él se enamora de Gina, quien está recuperándose de un romance roto, y la colma con regalos caros. Después de que Gina se reconcilia con su novio, ella sigue viendo a Wilton por lo que él le da. Después de descubrir su perfidia, Wilton inventa un veneno y lo mezcla con su lápiz labial, lo que matará a cualquier hombre que la bese.

Comentario: La película en la actualidad se considera perdida. 

Una crisis ayer... ¿y después? Cinco películas sobre futuros desilusionantes

El pan nuestro de cada día de King Vidor, Las uvas de la ira de John Ford, Danzad, danzad, malditos de Sydney Pollack, Luna de papel de Peter Bogdanovich y El luchador de Walter Hill. Cuando el peligro (económico, social, de salud ...) amenaza, los cineastas se apresuran a pensar.

Los riesgos para la salud ya no están en la agenda por el momento. Pero la crisis económica es amenazadora, que según los nuevos profetas será parecida, desde el otoño, a la Gran Depresión, producida a finales de la década de 1920. En general, los cineastas estadounidenses no tienen parangón para reflejar  al instante el espíritu de los tiempos. Pero los grandes estudios de la época estaban bajo el control de magnates de la prensa y moralistas que actuaban en las ligas de la virtud: no se trataba de angustiar a las multitudes, incluso al revelarles lo que ya sabían. Pronto, sin embargo, los cineastas se divertirían y sus películas sobre unos Estados Unidos angustiados abundaran a lo largo de los años... Aquí hay algunos ejemplos de lo que todavía nos negamos a aceptar como nuestro futuro cercano.

1.- El pan nuestro de cada día (Our Daily Bread , 1934), de King Vidor

Es uno de los primeros cineastas en desafiar la censura. Con un lirismo que sus detractores a menudo le reprocharán, el King Vidor milita por las cooperativas agrícolas que, en el campo, acogen a los habitantes de las ciudades, víctimas del desempleo masivo. La película molesta, despertando la furia de los poderosos: "Una película comunista", ladrará Randolph Hearst, gran jefe de prensa que caricaturizó, unos años más tarde, Orson Welles en Ciudadano Kane...

Karen Morley y Tom Keene en El pan nuestro de cada día (1934)

2.- Las uvas de la ira (The Grapes of Wrath, 1940), de John Ford

Cuando hablamos de crisis, pensamos en John Steinbeck. Y en la película de John Ford, la triste odisea de una familia de aparceros que abandonan su región hacia California, una falsa tierra prometida donde solo encuentran indiferencia, injusticia y explotación... El cineasta se demora tanto en los grandes espacios desérticos como en el vacío que se infiltra en estos supernumerarios, condenados a morir en un mundo indiferente. Y hace de Henry Fonda una figura de crística: "Estaré en todas partes en la oscuridad. Estaré donde sea que mires. Donde haya una pelea para que la gente coma, yo estaré allí. Cuando un policía golpea a un hombre, allí estaré..."

Henry Fonda en Las uvas de la ira (1940)

3.- Danzad, danzad, malditos (They Shoot Horses, Don't They?, 1969), de Sydney Pollack

Después del padre, la hija. Gracias a Roger Vadim, su entonces esposo, quien le revela, comentó ella dice, la importancia de la novela de Horace McCoy, Jane Fonda acepta la propuesta de un joven y talentoso cineasta. Ella encarna, lejos de la sofisticación de sus comienzos, una boca hambrienta, furiosa y dolorida, que termina pidiendo la muerte como una liberación. Con Danzad, danzad, malditos, Sidney Pollack tiene éxito en una puerta cerrada, al mismo tiempo espectacular y aterradora, en estos maratones de baile donde las madres pobres se gastaron unos pocos dólares y dos comidas al día...

Jane Fonda y Michael Sarrazin en Danzad, danzad, malditos (1969)

4.- Luna de papel (Paper Moon, 1973), de Peter Bogdanovich

Los estafadores pululan cuando todo va mal. El de Luna de papel no es muy inteligente, pero una niña, que lo elige como padre, lo ayudará en los trucos de su oficio... Una comedia viva y deliciosamente amoral de un cineasta primero sobrevalorada, luego injustamente despreciada. Para esta película en blanco y negro, es Orson Welles quien aconseja a Peter Bogdanovich, su angustiado admirador, que coloque un filtro rojo frente a la lente para oscurecer los cielos e iluminar las caras.

Ryan y Tatum O'Neal en Luna de papel (1969)

5.- El luchador (Hard Times AKA The Streetfighter, 1975), de Walter Hill 

Hacemos cualquier cosa para sobrevivir en tiempos de crisis, incluso peleamos a puñetazo limpio  en luchas ilícitas... Primera película -refinada, ambiciosa, original- de Walter Hill, especialista en cine de acción efectivo (La presa, Límite: 48 horas, Johnny el guapo). Y la mejor interpretación de Charles Bronson en su desigual carrera: su personaje parece viajar por el país como un mensajero que revelara a quienes conocen la verdad sobre sí mismos...

Charles Bronson en El luchador (1975)

Las 10 mejores bandas sonora de Ennio Morricone para el cine (I)

Célebre por su duo con Sergio Leone y sus éxitos en Hollywood, capaz de colaborar tanto Pier Paolo Pasolini como Pedro Almodovar, Ennio Morricone ha ilustrado seis decenios de cine. Retrato del maestro que acaba de morir a los 91 años de edad, en diez bandas sonoras, 

1.- El federal (Il federale, 1961). Italia

Película de Luciano Salce con Ugo Tognazzi, Georges Wilson y Stefania Sandrelli, El federal inaugura la carrera de Ennio Morricone en el cine. Con una formación académica como compositor, arreglista y director de orquesta, trompetista de jazz en la década de 1940, el romano se impuso en la radio y la televisión. En el cine, trabaja bajo cuerda para compositores famosos que no lo acreditan. A lo largo de su carrera, mientras Hollywood aprovechaba su talento, Morricone no dejó de componer para muchas comedias y películas de género italianas. Resultado: seis décadas después de su debut, su mostrador muestra medio millar de menciones entre cine y televisión.

2.- Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964). Italia

Sergio Leone y Ennio Morricone son amigos de la infancia desde que asistieron, antes de la guerra, a los bancos de la misma escuela romana. Su amistad dará a luz a una de las parejas de director-compositor, que tanto abundan en el cine (Hitchcock-Herrmann, Spielberg-Williams, Fellini-Rota, Burton-Elfman, Lynch-Badalamenti ...).

Morricone tuvo la particular y revolucionaria idea de introducir la guitarra eléctrica en la primera de sus colaboraciones con Leone, Por un puñado de dólares, cuyo tema principal está influenciado por una composición de Woody Guthrie, Pastures of Plenty (1941). Esta película inauguró en 1964 la Trilogía del dólar, que fue completada por La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più, 1965) y El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966). Morricone aderezó sus partituras con gritos, latigazos, silbidos y ruidos de campana. Su dúo con el cineasta alcanza su apogeo con el sonido palpitante de una armónica, en Hasta que llegó su hora (C'era una volta il west, 1968), y la colaboración continuará hasta la última película de Leone, Érase una vez en América (Once Upon a Time in America, 1984). Obras que han entrado en el imaginario colectivo, inseparables de su música. Probablemente porque las partituras de Morricone no solo ilustraron las películas: las inspiraron. De hecho, de acuerdo con el método establecido por el compositor y el director, la banda sonora original, generalmente, se grababa antes de que se filmara la más mínima escena. El editor tuvo la tarea de adaptarse a la música. Por lo tanto, las escenas a menudo se alargaban, dando a las películas de Leone su ritmo particular, para no interrumpir los vuelos líricos de su amigo de la infancia.

3.- El clan de los sicilianos (Le clan des siciliens, 1969). Francia

Jean Gabin, Lino Ventura y Alain Delon en el mismo póster, eso era ya la película. El clan de los sicilianos, dirigido por Henri Verneuil, merecía música del mismo nivel. Ennio Morricone, quien a menudo ha descrito su música como una ilustración del dolor en un personaje, sobresale en películas y thrillers de gángsters, como lo demostrará en Los intocables de Eliot Ness (The Untouchables, 1984) y Érase una vez en América. El tema principal de El clan de los sicilianos, con su aire y su motivo de guitarra de surf, se ha convertido en uno de sus éxitos populares, inevitable en los conciertos que ha dirigido.

4.- Autopsia (Macchie solari, 1975). Italia

Dirigida por Armando Crispino, Autopsia cuenta la historia de Simona quien, empleada en la morgue mientras Roma es golpeada por una ola de suicidios, es presa de alucinaciones durante las cuales los muertos se despiertan y fornicarn en las camillas. El tema es típico del genéro giallo, un género italiano que combina horror y erotismo, para el cual Morricone ha compuesto una buena docena de bandas sonoras, especialmente para la primera película de Dario Argento -El pájaro de las plumas de cristal (L'uccello dalle piume di cristallo, 1970) o para directores como Paolo Cavara (La tarántula del vientre negro (La tarantola dal ventre nero, 1970) y Luigi Bazzoni El día negro, (Giornata nera per l'ariete, 1971)-. Películas gracias a las cuales Morricone pudo explotar sus cualidades para la abstracción y la vanguardia, mientras se divertía con el sexo y la sangre.

5.- El profesional (Le professionnel, 1981). Francia

Belmondo, su arma, la realización de Georges Lautner, los diálogos de Michel Audiard y, por supuesto, el tema musical de Ennio Morricone: Chi Mai. Inspirado en el segundo movimiento del Concierto para clavecín de Bach en Re menor, e inicialmente compuesta para la película Maddalena (dirigida por Jerry Kawalerowicz en 1971), la pieza fue elegida por el propio Belmondo. Bébel, por lo tanto, no solo tenía una pistola, también tenía un buen oído: las 45 revoluciones de Chi Mai vendieron casi un millón de copias en Francia, un acontecimiento en términos de música instrumental cuando al mismo tiempo, las listas estaban dominadas por El baile de los pajaritos. La banda sonora original de El profesional incluso desalojó a los Rolling Stones (Tattoo You) del primer lugar en ventas de álbumes en noviembre de 1981.

(cont.)

Cumplió 25 años: El primer caballero

El 7 de julio de 1995 se estrenó la película estadounidense El primer caballero (First Knight), dirigida por Jerry Zucker e interpretada por Richard Gere, Sean Connery, Julia Ormond, Ben Cross, Liam Cunningham, John Gielgud, Colin McCormack, Christopher Villiers, Valentine Pelka, Tom Lucy. Productora: Columbia Pictures. Duración: 133 minutos.

Sinopsis argumental: Amor, honor, traición y pasión en el Reino de Camelot. Cuando Lady Ginebra contrae matrimonio con el rey Arturo, lo hace movida por dos razones: el respeto y la admiración que siente por él y la necesidad de que proteja su reino, Leonesse. Pero, cuando el destino lleva a Camelot al apuesto caballero Lanzarote, surge de inmediato el amor entre ellos, lo que sitúa a Ginebra ante un difícil dilema.

Comentario: Una de las muchas adaptaciones cinematográficas que se han hecho de las leyendas artúricas, que ya habían propiciado títulos como Excalibur o Los caballeros del Rey Arturo. Esta versión se centra más en el triángulo Arturo-Ginebra-Lanzarote y deja de lado los aspectos y personajes mágicos, como Merlín y Morgana.

Cumplió 25 años: Species: Especie mortal

El 7 de julio de 1995 se estrenó la película estadounidense Species: Especie mortal (Species), dirigida por Roger Donaldson e interpretada por Natasha Henstridge, Ben Kingsley, Michael Madsen, Alfred Molina, Forest Whitaker, Marg Helgenberger, Michelle Williams. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 108 minutos. 

Sinopsis argumental: Cuando una bella hembra resultante del cruce de un ser humano y un alienígena (Natasha Henstridge) se escapa de un laboratorio de observación, el científico Javier Fich (Ben Kingsley) envía en su búsqueda a un asesino profesional (Michael Madsen), a un psiquiatra, a una bióloga y a un antropólogo. Mientras siguen su pista por Los Ángeles, el equipo descubre cuál es su plan; aparearse con hombres para producir crías que puedan destruir a la raza humana. Mientras su mortal reloj biológico avanza con rapidez, Fitch y su equipo se lanzan a una inquietante persecución de la que depende el destino de la humanidad. 

Nominaciones y premios: Festival de Cine Fantástico de Sitges: Mejores efectos especiales.

Comentario: El éxito de la película propició la aparición de una secuela, mucho menos afortunada, donde repitieron papel varios de los protagonistas de la primera.

Cumplió 25 años: Clueless (Fuera de onda)

El 7 de julio de 1995 se estrenó la película estadounidense Clueless (Fuera de onda) (Clueless), dirigida por Amy Heckerling e interpretada por Alicia Silverstone, Stacey Dash, Brittany Murphy, Paul Rudd, Dan Hedaya, Breckin Meyer, Justin Walker, Wallace Shawn, Jeremy Sisto, Elisa Donovan, Donald Faison, Aida Linares, Twink Caplan, Julie Brown, Nicole Bilderback, Ron Orbach, Sean Holland, Roger Kabler, Jace Alexander, Carl Gottlieb, Joseph D. Reitman, Anthony Beninati, Jermaine Montell. Productora: Paramount Pictures. Duración: 92 minutos. 

Sinopsis argumental: Cher y Dionne son dos de las chicas más populares de un instituto de Beverly Hills y cuya preocupación más que las notas académicas es llevar la ropa más atractiva y ser tan populares como sea posible. Pero Cher, que vive con su duro padre, un abogado, y con su sensible padrastro, también tiene la necesidad innata de ayudar a los desamparados presentándoles a dos profesoras y convirtiendo a su tímida nueva amiga Tai en todo un prodigio de belleza.

Nominaciones y premios:  Asociación de Críticos de Chicago: Nom. a Mejor actriz revelación (Silverstone); National Board of Review: Mejor actriz revelación (Silverstone); Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor guión; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión original.

Comentario: La fiebre por hacer películas para adolescentes llevó a algunos cineastas a inspirarse en clásicos literarios, sobre los que rodaron versiones muy libres. Este es el caso de "Fuera de onda" donde la realizadora Amy Heckerling  traslada a la decimonónica protagonista de la obra de Jane Austen, Emma, a los años 1990. La apuesta resultó ganadora y la película fue todo un éxito de taquilla que, además, convirtió a su joven protagonista, Alicia Silverstone, en toda una estrella de Hollywood.

Efemérides de cine: Cuadrilátero

El 6 de julio de 1970 se estrenó la película española Cuadrilátero, dirigida por Eloy de la Iglesia e interpretada por Dean Selmier, Gerard Tichy, José Legra, José María Prada, Rosanna Yanni, Irene Daina, José María Tasso. Productora: Federal Films International. Duración: 89 minutos.

Sinopsis argumental: Un promotor y mánager de boxeo, además de controlar la carrera profesional de sus jóvenes pupilos con la intención de llevarlos al estrellato, también se encarga de vigilar su vida sentimental. Uno de los púgiles que promociona, Miguel Valdés (Dean Selmier) comienza a salir con Elena (Rosanna Yanni) una joven y guapa modelo de quien el promotor está enamorado. Las maniobras para deshacer la relación no dan resultado y, loco de celos, organiza en represalia un sangriento combate frente a otro brillante pupilo, José Laguna (José Legrá), con fatídicas consecuencias para Miguel.

Comentario: Se trata de la tercera película del realizador vasco tras su debut con Fantasía...3 (1965) y su segundo largometraje Algo amargo en la boca (1969). Interpretada por el boxeador profesional José Legrá, la película es un melodrama ambientado en el mundo del boxeo. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Una de las mejores películas de 2020: una opera prima convertida en película de culto

Conocido por Steven Soderbergh, el desconocido Andrew Patterson dirige su primera película de ciencia-ficción inteligente y cautivadora, The Vast of Night, con una puesta en escena sorprendentemente magistral. Gran cine, casi sin efectos especiales, donde el diálogo juega un papel decisivo y abre nuestra imaginación.

Siempre es emocionante, e incluso conmovedor, descubrir el primer trabajo de un cineasta desconocido que tiene a priori todas las cualidades necesarias para convertirse en realizador de renombre. Andrew Patterson puede caer fácilmente en esta categoría. Rechazado por más de quince festivales antes de aterrizar en Slamdance en 2019, su película The Vast of Night ha llamado la atención de muchos espectadores, incluidos algunos prestigiosos como Steven Soderbergh, durante su gira de primavera. El director de Contagio incluso quería encontrarse con Patterson para expresarle su admiración y darle valiosos consejos.

Soderbergh no puede esperar para ver las próximas películas de Patterson y lo entendemos. Para probar, The Vast of Night es una obra maestra. Según el precepto, de menos es más, esta es una gran película de ciencia-ficción cuya acción tiene lugar solo de noche y en tiempo real...

Ficha técnico-artística:

The Vast of Night (2019). Estados Unidos. Dirección: Andrew Patterson. Interpretación: Sierra McCormick, Jake Horowitz, Bruce Davis, Gail Cronauer, Mollie Milligan, Richard Jackson, Gary Teague, Mallorie Rodak, Brett Brock, Nicolette Doke, Brandon Stewart, Jessica Peterson, Pam Dougherty, Laura Griffin, Antoinette Anders, Rob Bullock, Shelley Kaehr. Guion: James Montague, Craig W. Sanger. Música: Erick Alexander, Jared Bulmer. Fotografía: Miguel I. Littin-Menz. Productora: GED Cinema. Ciencia-ficción. Intriga. Años 1950. Radio. Duración: 91 minutos. Sinopsis: Son los años 1950 y un pequeño pueblo de Nuevo México acoge un partido de baloncesto en el instituto, de esos que nadie en el pueblo quiere perderse. Sin embargo, dos jóvenes tienen que atender sus respectivos deberes: Everett (Jake Horowitz), locutor de la radio local, y Fay (Sierra McCormick), una adolescente que se encarga de traspasar las llamadas del pueblo desde una pequeña centralita, desde donde escucha un sonido extraño que no sabe identificar. Juntos investigarán el origen de ese ruido que se ha colado en la línea telefónica y que esconde el secreto de algo mucho más grande y espeluznante de lo que jamás hubieran imaginado. Pero lo realmente interesante de The Vast of Night es cómo se sirve de esa sencillez narrativa para jugar con lo visual y extraer de la verborrea admirable de sus personajes una reflexión sobre el poder de las historias. Estreno: Amazon Prime.

100 sagas de cine: Rocky (II)

(cont.)

5.- Rocky V (1990). Estados Unidos. Dirección: John G. Avildsen. Interpretación: Sylvester Stallone, Talia Shire, Burgess Meredith, Burt Young, Sage Stallone, Tommy Morrison, Richard Gant. Guion: Sylvester Stallone. Música: Bill Conti. Fotografía: Steven Poster. Productora: United Artists. Drama. Deporte. Boxeo. Secuela. Duración: 104 minutos.  7 nominaciones a los Premios Razzie, incluyendo peor película, director y guión. Rocky Balboa es el boxeador del momento. Gracias a su gran victoria sobre Iván Drago en Rusia, se ha hecho conocido mundialmente, reportándole una enorme suma de dinero. Pronto decide mudarse a una mansión con su familia, donde parece que tendrá una vida plácida. Sin embargo, lejos de la realidad que aparentaba ser, Rocky está viviendo tiempos difíciles. Debido a las graves secuelas físicas que padece éste se ve obligado a retirarse del boxeo. Además, su retorcido contable le está conduciendo a serios problemas económicos. Casi arruinados, pronto surge la idea de que Balboa vuelva a luchar para salvar a su familia de esa delicada situación. No obstante, las pruebas médicas confirman que no debería combatir ya que sus combates anteriores le han dejado daños cerebrales muy serios. La familia Balboa decide volver a sus raíces e instalarse en un barrio donde un aspirante a boxeador se quiere convertir en un campeón en potencia... Como anécdota señalar que Tommy Morrison (boxeador real que batió a George Foreman por el título vacante del campeonato mundial de pesos pesados de la WBO en 1993), quien interpreta al boxeador 'Tommy Gunn'.

6.- Rocky Balboa (2006). Estados Unidos. Dirección: Sylvester Stallone. Interpretación: Sylvester Stallone, Burt Young, Antonio Tarver, Geraldine Hughes, Milo Ventimiglia, Tony Burton, James Francis Kelly III, Angela Boyd, A.J. Benza, Mike Tyson. Guion: Sylvester Stallone. Música: Bill Conti. Fotografía: J. Clark Mathis. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)/Columbia Pictures/Revolution Studios. Drama. Acción. Deporte. Boxeo. Secuela. Duración: 102 minutos. El mundo del boxeo está tan devaluado que el campeón Mason Dixon no encuentra un rival a su altura. Han pasado 30 años desde que a Rocky Balboa (Stallone), un hombre sin futuro, se le presentó la oportunidad de boxear y enfrentarse contra el gran campeón Apollo Creed. El coraje y perseverancia de Rocky, tanto en la vida como en el ring, alimentó las esperanzas de millones de personas. Ahora, ya retirado, se pasa las tardes contando viejas historias a los clientes del Adrian's, el restaurante que lleva el nombre de su esposa, por la que todavía guarda un silencioso luto. Apenas ve a su hijo (Milo Ventimiglia), que está demasiado centrado en su propia vida. El paso del tiempo y los golpes recibidos lo han hecho más humilde y lo han envejecido, pero en el fondo aún sigue siendo un luchador. Y Sylvester Stallone, con el rosto más curtido que nunca, resucitó a Rocky.

7.- Creed (2015). Estados Unidos. Dirección: Ryan Coogler. Interpretación: Michael B. Jordan, Sylvester Stallone, Tessa Thompson, Phylicia Rashad, Will Blagrove, J.P. Veizaga, Andre Ward, Tony Bellew, Philip Greene, Manny Ayala, Cory Kastle, Vincent Cucuzza, Christopher Weite. Guion: Ryan Coogler, Aaron Covington. Música: Ludwig Göransson. Fotografía: Maryse Alberti. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)/Warner Bros. Drama. Deporte. Boxeo. Amistad. Enfermedad. Spin-off. Secuela. Duración: 132 minutos. : Premios Oscar: Nominada a mejor actor de reparto (Sylvester Stallone); Globos de Oro: Mejor actor de reparto (Sylvester Stallone); National Board of Review (NBR): Mejor actor secundario (Stallone). Top 10; Critics Choice Awards: Mejor actor de reparto (Sylvester Stallone); Asociación de Críticos de Los Angeles: Premio Nueva generación; Asociación Críticos de Chicago: Nominada a mejor actor secundario (Stallone); Círculo de Críticos de San Francisco: Nom. mejor actor secundario (Stallone); Satellite Awards: Nominada a mejor actor de reparto (Sylvester Stallone); Premios Razzie: Premio Razzie a la Redención (Sylvester Stallone). Adonis Johnson no llegó a conocer a su padre, el campeón del mundo de los pesos pesados Apollo Creed, que falleció antes de que él naciera. Sin embargo, nadie puede negar que lleva el boxeo en la sangre, por lo que pone rumbo a Philadelphia, el lugar en el que se celebró el legendario combate entre su padre y Rocky Balboa. Una vez allí, Adonis busca a Rocky y le pide que sea su entrenador. A pesar de que este insiste en que ya ha dejado ese mundo para siempre, Rocky ve en Adonis la fuerza y determinación que tenía su enconado rival, y que terminó por convertirse en su mejor amigo. Finalmente, acepta entrenarle a pesar de estar librando su propio combate contra un rival más letal que cualquiera a los que se enfrentó en el cuadrilátero.

8.- Creed II: La leyenda de Rocky (Creed II, 2018). Estados Unidos. Dirección: Steven Caple Jr. Interpretación: Michael B. Jordan, Sylvester Stallone, Tessa Thompson, Dolph Lundgren, Florian Munteanu, Phylicia Rashad, Wood Harris, Kristina Aponte, Andre Ward, Russell Hornsby, Gina Destra, Brigitte Nielsen, Milo Ventimiglia, Ivo Nandi. Guion: Sylvester Stallone, Ryan Coogler. Música: Ludwig Göransson. Fotografía: Kramer Morgenthau. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Warner Bros./New Line Cinema. Drama. Boxeo. Deporte. Secuela. Duración: 130 minutos. Adonis Creed se debate entre las obligaciones personales y el entrenamiento para su próxima gran pelea, con el desafío de su vida por delante. Enfrentarse a un oponente que tiene vínculos con el pasado de su familia solo intensifica su inminente batalla en el ring. Afortunadamente Rocky Balboa está a su lado a lo largo de todo el camino, y juntos se cuestionarán por lo que vale la pena luchar y descubrirán que nada es más importante que la familia... Secuela de "Creed", el spin-off de Rocky que en 2015 obtuvo muy buenas críticas y dio inicio a una nueva saga. Es la octava entrega de la serie de películas de Rocky. está dedicada a Tony Burton, quien apareció en seis de las películas de Rocky y falleció en febrero del año 2016.