Efemérides de cine: King Kong

El 8 de septiembre de 1976 se estrenó la película estadounidense King Kong, dirigida por John Guillermin e interpretada por Jeff Bridges, Charles Grodin, Jessica Lange, John Randolph, Julius Harris, Rene Auberjonois, Jack O'Halloran, Dennis Fimple, Ed Lauter, Jorge Moreno, Mario Gallo, John Agar, John Lone. Productora:  Paramount Pictures. Duración: 135 minutos. 

Sinopsis argumental: La "Petrox Company" envía una expedición, dirigida por Fred Wilson, a la Micronesia con la intención de encontrar petróleo. Con ellos va Jack Prescott, cuyo objetivo es encontrar un monstruo prehistórico. Durante la travesía, se encuentran un bote con una mujer que se ha salvado del naufragio del barco en que viajaba con un productor de cine. Cuando desembarcan, descubren una gran empalizada, y dentro observan que unos nativos colocan a una mujer nativa en una plataforma, mientras invocan a una misteriosa deidad animal.

Nominaciones y premios:  Oscar: Mejores Efectos Visuales (Premio especial) 2 nominaciones: Fotografía, sonido; Globos de Oro: Mejor actriz revelación (Jessica Lange);  Premios BAFTA: Nominada a mejor diseño de producción.

Comentario: Nueva adaptación de uno de los grandes clásicos del cine fantástico y de aventuras, que ha conocido con el tiempo numerosas versiones. La que nos ocupa cuenta con la producción de Dine de Laurentiis. Entre las novedades con respecto al clásico de 1933 está la sustitución del Empire State Building en el clímax neoyorquino por las Torres Gemelas. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Diez profesores de la pantalla que todos hubiéramos querido tener… o no (II)

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6. La ola (Die Welle, 2008), de Dennis Gansel

En Alemania, durante la semana de proyectos, al profesor de instituto Rainer Wenger (Jürgen Vogel) se le ocurre hacer un experimento para explicar a sus alumnos el funcionamiento de un régimen totalitario. En apenas unos días, lo que parecía una prueba inocua basada en la disciplina y el sentimiento de comunidad va derivando hacia una situación sobre la que el profesor pierde todo control.

Dennis Gansel ya demostró en Napola que le interesan los jóvenes y la atracción que pueden ejercer en ellos las ideologías totalitarias. Éste es justamente el tema de La ola, aunque situado en un contexto contemporáneo en vez de nazi. 

7. Profesor Lazhar (Monsieur Lazhar, 2011), de Philippe Falardeau

Bachir Lazhar, un humilde maestro de primaria de origen argelino, es contratado en un colegio de Montreal para sustituir a una profesora que se ha suicidado ahorcándose dentro del aula. En la escuela, Lazhar entra en contacto con un grupo de niños que están muy afectados por el trágico suceso. Pero Lazhar entiende bien el duelo de los pequeños porque él también ha sufrido una gran pérdida.

Magnífica película escrita y dirigida por el canadiense Philippe Falardeau, que adapta una obra de teatro de Evelyne de la Chenelière. Profesor Lazhar ha sido nominada al Oscar a la mejor película extranjera, y tiene la mayoría de las cualidades exigibles a una gran película: una historia interesante, conflictos, apasionantes temas de fondo, y personajes bien definidos. Todo presentado con un tono sobrio, una paleta de colores apagados –gran parte de la narración transcurre en invierno–, y una partitura musical perfecta para acentuar el “mood” entre triste y esperanzado que preside la película.

8. El profesor (Detachment, 2011), de Tony Kaye

A un instituto lleno de alumnos problemáticos y con unos resultados académicos muy bajos, llega Henry Bathes, un profesor sustituto que posee un auténtico don para conectar con los alumnos. Pero Henry prefiere ignorar su talento. Al trabajar sólo sustituciones, nunca permanece bastante tiempo en un instituto como para mantener una relación afectiva con sus alumnos o sus compañeros. Cuando llega a este instituto donde una frustrada administración ha conseguido volver totalmente apáticos a los alumnos, Henry no tarda en convertirse en un ejemplo a seguir para los adolescentes. Logra una conexión emocional con los alumnos, con los otros profesores y con una adolescente prostituta a la que recoge en la calle. Puede que gracias a ellos se dé cuenta de que no está solo en su desesperada búsqueda de la belleza en un mundo aparentemente falto de amor y lleno de maldad.

De la película se puede decir que es de todo menos convencional. Tiene un magnífico protagonista, que permite a Adrien Brody hacer su mejor interpretación desde que ganara el Oscar con El pianista; y la selección de secundarios, algunos muy conocidos sobre todo en televisión, es perfecta. Su estructura narrativa es original, con la voz en off justa de Henry de lo que se dirían declaraciones para un documental, ciertas animaciones sobre una pizarra, planos brevísimos de la infancia del profesor que desvelan poco a poco su historia, y escenas sobre los otros profesores –la directora del colegio, la psicóloga, etc.–, lo que junto a las escenas en clase, con el abuelo y con Erica, propician un rico mosaico que es paradójicamente realista, casi documental, pero también onírico y estilizado, artístico.

9. Los que se quedan (The Holdovers, 2023), de Alexander Payne

Paul Hunham, un profesor cascarrabias de un prestigioso colegio de Nueva Inglaterra, se ve obligado a permanecer en el campus durante las vacaciones de Navidad de 1970 para velar por un puñado de estudiantes que no tienen a dónde ir. Contra todo pronóstico, la convivencia le llevará a forjar un insólito vínculo con uno de ellos, Angus, un inteligente y problemático muchacho con sus propios traumas, y con Mary, la jefa de cocina de la escuela, que acaba de perder a un hijo en Vietnam.

En apariencia, la trama es bastante simple, y a priori no deja demasiado espacio para sorprender, una vez planteada la premisa inicial. la película ofrece muchos requiebros en el camino, lecciones de vida acompañadas de emociones genuinas, que hacen avanzar la historia, a veces provocando la sonrisa, y otras conmoviendo pura y llanamente, y que culminan en la excursión a Boston. Tiene mérito saber incluir en el caso de profesor y alumno sendas atracciones amorosas, por una administrativa del colegio, y por la sobrina de ésta, respectivamente, y concederles la encantadora presencia justa, porque no es aquí donde se desea poner el foco argumental.

10. El maestro que prometió el mar (El mestre que va prometre el mar, 2023), de Patricia Font

Ariadna (Laia Costa) descubre que su abuelo busca desde hace tiempo los restos de su padre, desaparecido en la Guerra Civil. Decidida a ayudarlo, viaja a Burgos, donde están exhumando una fosa común en la que podría estar enterrado. Durante su estancia allí, conocerá la historia de Antoni Benaiges (Enric Auquer), un joven maestro de Tarragona que antes de la guerra fue profesor de su abuelo. Mediante un innovador método pedagógico Antoni inspiró a sus alumnos y les hizo una promesa: llevarlos a ver el mar.

Una novela de Francesc Escribano sirve a la catalana Patricia Font para contar otra historia más que hurga en las heridas de la Guerra Civil. Inspirada en la triste biografía del maestro Antonio Benaiges, cuya tumba sigue hoy en día desaparecida, la directora saca a la luz uno de esos sucesos terribles provocados por el odio fratricida y para ello propone un ejercicio de memoria que es también un sentido homenaje al protagonista.

Jedi, cantante romántico o cazador de dinosaurios en “El final de Oak Street”: Ewan McGregor en cinco papeles memorables (II)

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3.  Christian en Moulin Rouge (Moulin Rouge!, 2001)

Moulin Rouge retrata una historia de amor compleja, apasionada y poderosa, que además es increíblemente conmovedora. Vista a cualquier edad, puede parecer una película casi perfecta: por su estética general, con sus magníficos vestuarios, su deslumbrante coreografía y su suntuosa cinematografía. Baz Luhrmann, el director, sabe dar peso específico a la sensual historia de amor que centra la película.

Nicole Kidman y Ewan McGregor en Moulin Rouge (2001)

El guion era algo literario poético, especialmente cuando Christian compara a Satine, la bella cortesana, con un "brillante diamante", y cuando Toulouse-Lautrec exclama: "Espero que el piano esté afinado". Las canciones son muy buenas, en particular Come What May y The Show Must Go On". Ewan MacGregor, como siempre, está muy sincero y entrañable en el papel de Christian, y Nicole Kidman es fabulosamente sexy y maravillosamente trágica como la tuberculosa Satine. La escena de su muerte fue desgarradora y recuerda en parte a la película La dama de las camelias (Camille (Margarita Gautier), 1936), protagonizada por Greta Garbo. En opinión de nuestro homenajeado, "Christian está absolutamente impulsado por el amor, de la forma más descarada. Después de conocer a Satine, es de ella de lo único que habla. No hay nada más que no sea el amor."

4. Obi-Wan Kenobi en la saga Star Wars

Escrito y dirigido por el estadounidense George Lucas. Es la cuarta película de la saga La guerra de la galaxias y el primero en orden cronológico interno de la saga. Ewan McGregor interpreta al icónico maestro Jedi Obi-Wan Kenobi en la saga Star Wars. Tomó el relevo del actor Alec Guinness para dar vida a una versión más joven del personaje en la trilogía de precuelas y en su propia serie de televisión.

Ewan McGregor en Star Wars: Episodio I: La amenaza fantasma (2019)

Participación en películas y series

- Episodio I: La Amenaza Fantasma (Star Wars: Episode I - The Phantom Menace, 1999): Inicia su papel como el joven Padawan (aprendiz) de Qui-Gon Jinn.

- Episodio II: El Ataque de los Clones (Star Wars. Episode II: Attack of the Clones, 2002): Actúa como el maestro Jedi encargado de entrenar a Anakin Skywalker.

- Episodio III: La Venganza de los Sith (Star Wars: Episode III Revenge of the Sith, 2005): Protagoniza el trágico enfrentamiento contra Anakin en Mustafar.

- Star Wars: El despertar de la fuerza (Star Wars. Episode VII: The Force Awaken, 2015): Contribuye con un cameo de voz para una visión del personaje de Rey.

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Diez profesores de la pantalla que todos hubiéramos querido tener… o no (I)

¡Vuelve el colegio! Y con él, la gran pregunta: ¿quiénes serán mis profesores este año? Para que nos hagamos una idea, aquí tenemoss diez perfiles de profesores, desde los más simpáticos hasta los más detestables, que aparecen en algunas de las mejores películas  disponibles en plataformas de streaming.

Ha llegado la época de la vuelta al cole, y la pregunta que todos los estudiantes (y sus padres) se hacen es: ¿quién será mi profesor o profesora y cómo será este curso? Si el estrés es abrumador, hay una solución: relajarse (o exorcizar las preocupaciones) con una película. Porque si bien los profesores que aparecen en documentales como Apprendre (2024), de Claire Simon nos devuelven la fe en la escuela y en la humanidad, la ficción juega constantemente con la figura del profesor. Ultraestrictos, rockeros, poco convencionales, idealistas… no faltan perfiles típicos. Y tampoco faltan los clichés. Por eso, hemos seleccionado diez profesores que o te encantarán o te encantarán odiar.

1. El club de los poetas muertos (Dead Poets Society, 1989), de Peter Weir

En un elitista y estricto colegio privado de Nueva Inglaterra, un grupo de alumnos descubrirá la poesía, el significado del "carpe diem" -aprovechar el momento- y la importancia vital de luchar por alcanzar los sueños, gracias al Sr. Keating, un excéntrico profesor que despierta sus mentes por medio de métodos poco convencionales. 

Existen pocas películas que hayan conseguido llegar hasta el público tanto como esta impresionante y profunda creación dirigida por el australiano Peter Weir. Cinta magníficamente rodada, que cuenta con un guión (Tom Schulman) realmente sobresaliente, que fue premiado con un Oscar. Robin Williams logró uno de los mejores papeles de su carrera y algunos de los alumnos se convirtieron en estrellas consagradas. La música de Maurice Jarre no tiene desperdicio. Una película sobre la educación, distinta, arriesgada e impresionante.

2. Mentes peligrosas (Dangerous Minds, 1995), de John N. Smith

Una inexperta maestra es contratada como profesora de un grupo de chicos difíciles, cada uno de los cuales es un problema social en sí mismo. Pero, aunque la tarea es difícil y la rigidez de la dirección del centro no ayuda, la voluntariosa maestra intentará que los chicos lleguen a graduarse.

La experiencia educativa de LouAnne Johnson, recogida en su libro My Posse Don’t Do Homework (Mi pelotón no hace los deberes) ha servido de base argumental para el film Mentes peligrosas. La película se enmarca en la tradición de películas con profesor que se enfrenta a alumnos difíciles. El educador debe ingeniárselas para inventar métodos capaces de atraer la atención de sus pupilos: comenzar la lección con unas clases de kárate, iniciar en la poesía a través de las canciones de Bob Dylan... 

3. Profesor Holland (Mr. Holland's Opus, 1995), de Stephen Herek

Glenn Holland (Richard Dreyfuss) ve como su trabajo actual como músico en fiestas privadas no da para mucho, mientras sueña con componer su gran obra. Cuando se decide a cambiar de trabajo y se convierte en profesor de una destartalada escuela, descubre su verdadera vocación; enseñar a los jóvenes a entender la vida a través de la música. 

Sentido homenaje al mundo de la docencia, con un convincente Richard Dreyfuss que da vida al mismo personaje a través de los años.

4. La lengua de las mariposas (1999), de José Luis Cuerda

Situada en 1936, Don Gregorio enseñará a Moncho con dedicación y paciencia toda su sabiduría en cuanto a los conocimientos, la literatura, la naturaleza, y hasta las mujeres. Pero el trasfondo de la amenaza política subsistirá siempre, especialmente cuando Don Gregorio es atacado por ser considerado un enemigo del régimen fascista. Así se irá abriendo entre estos dos amigos una brecha, traída por la fuerza del contexto que los rodea. 

José Luis Cuerda, con guión de Rafael Azcona, adapta y entrelaza tres relatos de Manuel Rivas, incluidos en el libro ¿Qué me quieres, amor?. Resulta muy emotiva la relación profesor-alumno, y la historia de amor platónico entre el hermano de Moncho y una chica filipina. La ambientación, fotografía y música están cuidadísimas. Fernando Fernán Gómez está perfecto. 

5. Escuela de rock (School of Rock, 2003), de Richard Linklater

Dewey Finn (Jack Black), un guitarrista con delirios de grandeza, es expulsado de su banda. La falta de recursos económicos lo obliga a buscar trabajo, cosa nada fácil, por lo que, finalmente, decide suplantar a un profesor sustituto en una escuela privada. A los alumnos de 5º grado intentará enseñarles el "rock & roll de alto voltaje". Además, entre los niños está Yuki, un guitarrista prodigio de nueve años que puede ayudarle a ganar la competición de bandas de música y, de paso, solucionar sus problemas económicos.

Gracias a una buena composición de Black, la química del profe con los alumnos resulta creíble. Los niños, también, están bien escogidos. Y Joan Cusack, una de las grandes comediantes femeninas ddel cine estadounidense, es perfecta como severa directiva de la escuela: la transición que la humaniza es creíble. 

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"La dernière patiente": dos heroínas frágiles pero fuertes, unidas en un mundo en decadencia

La dernère patiente (2026), dirigida por Rémi Bassaler con Anouk Grinberg, Luàna Bajrami, Félix Lefebvre, Achille Reggiani, Rabah Nait Oufella. 

Sinopsis: En vísperas de su jubilación, Judith, una médica de los suburbios, abre la puerta de su consulta a Aïda, una joven embarazada de ocho meses que ha quedado fuera del sistema de atención sanitaria. Ante un sistema de salud llevado al límite, Judith decide acoger a la joven, dando inicio a una noche que pondrá a prueba todas sus convicciones como profesional de la salud.   Al abordar los lazos que escasean en una sociedad, esta ópera prima nos interpela. Al igual que sus heroínas, frágiles pero fuertes y solidarias. 

Se forjan lazos al margen de una sociedad donde las conexiones se desintegran… Reconocemos la Francia contemporánea en esta película de un director novel que elige la intimidad sin darle la espalda a la realidad. Con dos personajes heridos cuya resiliencia busca, nos invita a compartir, algo que aún es posible a pesar de la dureza habitual. Un tema poderoso para una historia ambientada en las colinas de Nancy: en un edificio de apartamentos de gran altura destinado a la demolición, y con la jubilación ya alcanzada, una doctora cierra su consulta. Rechaza a la última paciente que acudió a su puerta, una joven embarazada. Entonces decide ayudarla…

Jedi, cantante romántico o cazador de dinosaurios en “El final de Oak Street”: Ewan McGregor en cinco papeles memorables (I)

Antes de proteger a su familia de los voraces terópodos en El final de Oak Street, 
actualmente en cartelera, el actor británico demostró su talento en diversos papeles. Aquí están nuestros favoritos.

A sus 55 años, el actor británico Ewan McGregor conserva algo de aquel joven electrizante de sus inicios: una mezcla de encanto irreverente, nerviosismo y vulnerabilidad. Ni del todo ordinario ni del todo heroico. Con él, incluso un Jedi puede parecer abrumado por los acontecimientos, y en El final de Oak Street, en cines desde el miércoles, un simple padre de familia perseguido por dinosaurios puede reinventarse repentinamente como un salvador. Tumba abierta, Trainspotting, Moulin Rouge… Un repaso a cinco papeles para trazar las metamorfosis de un actor que ha destacado por difuminar las fronteras durante treinta años.

1. Alex Law en Tumba abierta(Shallow Grave, 1994)

Juliet Miller (Kerry Fox), David Stephens (Christopher Eccleston) y Alex Law (Ewan McGregor) son tres compañeros de piso que buscan a alguien para alquilar la cuarta habitación. Todos son sarcásticos, mordaces y, en general, malintencionados. Coinciden en que el carismático Hugo (Keith Allen) es el inquilino ideal, pero desconocen sus actividades delictivas. Cuando descubren su cadáver, también encuentran una maleta llena de dinero. 

Ewan McGregor, Christopher Eccleston y Kerry Fox en Tumba abierta (1994)

Antes del éxito arrollador de Danny Boyle, Trainspotting, esta fue su primera película. Los protagonistas no son simpáticos. Son unos cretinos egoístas, antipáticos y detestables. Es oscura. Cuenta con tres interpretaciones increíbles. Y tiene un gran estilo hitchcockiano. Es ingeniosa y brillante. Tiene algunos momentos divertidos, sobre todo cuando se burlan de las entrevistas a los compañeros de piso. La tensión aumenta progresivamente. Es simplemente una buena dosis de humor negro y británico. El magnetismo de un joven Ewan McGregor, cuyo desparpajo y energía en pantalla anticiparon el éxito mundial que lograría poco después con Trainspotting.

2. Mark "Rent Boy" Renton en Trainspotting (1996)

Trainspotting, de Danny Boyle, es una película en la que todo sale a la perfección. Pocas películas tienen la fortuna de estar en el momento y lugar precisos y conquistar el mundo como lo hizo Trainspotting, pero la prueba definitiva de su grandeza reside en que, ya sea que la vieras solo o en grupo, en 2008 o en 1996, el efecto es el mismo: una fuerza arrolladora. Esta película es, ni más ni menos, una de las obras artísticas más efectivas y perfectas jamás filmadas. 

Ewan McGregor en Trainspotting (1996)

La película narra la vida de un grupo de jóvenes que viven en un ático de drogadictos en Escocia a finales de los años 1980, pero se estructura menos como una narrativa convencional y más como una serie de viñetas conectadas por los personajes y ambientadas con su deslumbrante banda sonora (el hecho de que mencione que las escenas están ambientadas con la banda sonora demuestra su importancia en esta película). Casi todas las escenas son tan impactantes y los montajes en particular son posiblemente los ejemplos definitivos de cómo realizar un montaje cinematográfico memorable. La interpretación de Ewan McGregor como Mark Renton en Trainspotting (1996) fue aclamada de forma unánime como una fuerza de la naturaleza. Su actuación como un carismático antihéroe atrapado en la adicción combinó un humor ácido, vulnerabilidad y una energía frenética que definió a toda una generación.

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Hace 100 años: Tom and His Pals

El 7 de septiembre de 1926 se estrenó la película estadounidense Tom and His Pals, dirigida por  Robert De Lacey e interpretada por Tom Tyler, Doris Hil, Frankie Darro, Dick Brandon, LeRoy Mason, Helen Lynch, Sitting Bull. Productora: Robertson-Cole Pictures Corporation. Duración: 54 minutos. 

Sinopsis argumental: Tom Duffy, cuyo padre es el medio dueño del Rancho Flying-U, pasa la mitad de su tiempo leyendo revistas de cine y la otra mitad con Mary Smith. Mary y su hermano menor, Frankie, son herederos de la otra mitad de la U voladora, y pupilos del padre de Tom. El interés de Tom por las revistas de cine es Pandora Golden, la vamp del cine. Tom se emociona cuando se entera de que la próxima película de Pandora se rodará en el rancho. La coprotagonista de Pandora, Courtney, se entera de la herencia de Mary, y él conspira con Pandora para alejar a Tom mientras él conversa a Mary para que se fugue. Este último, al ver a Tom en los brazos de Pandora, se enoja y le dice a Courtney que se fugará con él. En tanto, una niña actriz de la compañía cinematográfica, es rescatada de un toro furioso por Tom, y Tom se entera de que Pandora es la madre del niño. Ella le cuenta el esquema para hacer que Mary se case con Courtney, y Tom golpea la silla y saca a Courtney.

Comentario: Sitting Bull. Se estrenó en Gran Bretaña con el título alternativo de Movie Struck. 

"The Good Sister": una deconstrucción de la figura del “monstruo” sin maniqueísmo

The Good Sister (Schwesterherz, 2025), dirigida por Sarah Miro Fischer con Marie Bloching, Anton Weil, Proschat Madani, Jane Chirwa, Aram Tafreshian, Franziska von Harsdorf, Ilknur Boyraz. 

Sinopsis: La película, rodada al estilo de un thriller, narra  como Rose mantiene un estrecho vínculo con su querido hermano mayor Sam. Cuando una mujer acusa a Sam de violación, se pide a Rose que testifique en una investigación contra él. Esto pone a prueba tanto su relación como su integridad moral. Una película inteligente y sensible sobre lealtades en conflicto.

Un thriller sutil y un profundo dilema moral para Rose, una enfermera algo perdida cuyo querido hermano es acusado de violación. Una deconstrucción inteligente y sensible de la figura del "monstruo".

El Muro de Berlín cumplió 65 años... (IV)

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La paradoja es magnífica, quizás única en la historia del cine: la verdadera Puerta de Brandeburgo se volvió inaccesible justo cuando su contraparte cinematográfica la hacía transitable en la pantalla. Billy Wilder no podía, o no quería, incluir el Muro en la película, porque toda la trama se habría derrumbado, y ¿qué importaba si el espectador en diciembre de 1961 sabía que estaba viendo algo imposible al ver a los personajes cruzar a toda velocidad esa frontera de piedra? Por lo tanto, reescribió el guion, conservando solo la acción que tiene lugar justo antes del Muro. También suavizó ciertos chistes, negándose a herir a las familias ahora separadas o a reírse de un "paso" que se había vuelto potencialmente mortal.

James Cagney, Horst Buchholz y Pamela Tiffin en Uno, dos, tres (1961)

Ver hoy esta película injustamente olvidada del gran Billy Wilder, una película inevitablemente malinterpretada en su estreno —el público de la época no supo captar el humor que rodeaba un drama geopolítico trágicamente contemporáneo— es presenciar una película que se ha convertido en histórica en tiempo real y contra su voluntad. Wilder concibió Uno, dos, tres como una comedia sobre el absurdo de la Guerra Fría. La Guerra Fría respondió con un muro. Y fue la caída de ese muro en 1989 lo que, en un giro maravilloso del destino, convirtió la película en un clásico de culto… en Alemania.

“Tres adioses”: una bella reflexión sobre la muerte, el desamor...

Tres adioses (Tre ciotole, 2025), dirigida por Isabel Coixet con Alba Rohrwacher, Elio Germano, Francesco Carril,  Silvia D'Amico, Galatea Bellugi, Sarita Choudhury, Vera Gemma. 

Sinopsis: Tras lo que parecía una discusión sin importancia, Marta (Alba Rohrwacher) y Antonio (Elio Germano) se separan. Él, un chef prometedor, se refugia en sus fogones; ella, en su silencio, empieza a notar algo más que tristeza: ha perdido el apetito… y no solo por desamor. Cuando descubre que detrás hay un problema de salud, todo da un giro inesperado: la comida sabe mejor, la música le llega como nunca y el deseo despierta sus ganas de vivir sin miedo. Filmada en Roma e inspirada en la novelista Michela Murgia, esta luminosa y profunda película se sostiene gracias a la conmovedora interpretación de Alba Rohrwacher. 

Nos habla de los asuntos más delicados de la vida con una sencillez luminosa: la cineasta española Isabel Coixet demuestra estar muy inspirada con esta adaptación de la autobiografía de la autora italiana Michela Murgia, quien falleció de cáncer de riñón a los 51 años en 2023. Comienza como una película de la Nouvelle Vague, una pareja charlando, discutiendo, casi juguetonamente. Pero entonces, Antonio abandona definitivamente a Marta. Para esta profesora de gimnasia, una repentina soledad se mezcla con la rutina de reunirse con su peculiar hermana y los momentos encantadores que comparte con un colega también encantador, Agostino. Pero algo, o alguien, falta, y pronto, también pierde el apetito.

"La frappe": Una electrizante y explosiva película

La frappe (2026), dirigida por Julien Gaspar-Oliveri con Bastien Bouillon, Héloïse Volle, Sophie Cattani, Florencia Janas, Manon Clavel, Carole Franck, Mustafá Abourachid, Bwanga Pilipili, Jean-Louis Garçon, Julien Gaspar-Oliveri, Julie Ledru. 

Sinopsis: Enzo, de 19 años, y su hermana Carla, de 20, llevan años viviendo por su cuenta. Cuando su padre Anthony sale de prisión, aparece la posibilidad de reconstruir una familia, aunque para Carla esa idea resulta imposible. El pasado familiar reaparece y Enzo se ve obligado a enfrentarse a una verdad que ha mantenido oculta durante demasiado tiempo. El director examina minuciosamente los cuerpos, la piel, para reflexionar directamente sobre la cuestión del control y el trauma.

Bajo el impactante título se esconde una película electrizante. En cualquier momento, algo amenaza con estallar, provocando un frenesí en sus dos jóvenes protagonistas, Enzo y Carla. Hermanos, gato y perro, son los protagonistas que el actor y director Julien Gaspar-Oliveri examina en su ópera prima, descubierta en la Semana de la Crítica de Cannes el pasado mes de mayo. El chico, de 19 años, con su rostro y sonrisa juveniles, trabaja en los mercados de la región de Provenza-Alpes-Costa Azul, vendiendo electrodomésticos baratos y de baja calidad. La chica, de 20 años, con su mirada penetrante y espíritu luchador, es estudiante universitaria. Solteros desde hace mucho tiempo, comparten una complicidad bulliciosa.

El Muro de Berlín cumplió 65 años... (III)

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Un muro antes del Muro

Es 5 de junio de 1961, en Berlín Occidental. Comienza el rodaje, principalmente en los alrededores de Kurfürstendamm, la Columna de la Victoria (Siegessäule), en el Tiergarten y en la planta embotelladora de Coca-Cola. La Puerta de Brandeburgo, por supuesto, se presenta como el telón de fondo ideal, como una entrada teatral: por un lado, se entra al capitalismo; por el otro, se emerge al comunismo. Pero la puesta en escena no es tan sencilla. Una secuencia, por ejemplo, debe mostrar a Otto, el joven comunista convertido al sueño del dólar, cruzando la puerta en motocicleta hacia Berlín Oriental con un globo que lleva un lema antisoviético. Las autoridades han dado su permiso, pero el rodaje se detiene cuando los guardias descubren que el globo dice "¡Russki, vete a casa!". La escena se volverá a rodar en los Estudios Bavaria en Geiselgasteig, cerca de Múnich, donde el renombrado diseñador de producción Alexander Trauner recreará la Puerta de Brandeburgo.

Horst Buchholz en Uno, dos, tres (1961)

Cabe señalar que esta reconstrucción no data de la construcción del Muro, que comenzó a mediados de agosto: una fotografía de la época muestra a trabajadores de Bavaria Studios construyendo la réplica de la puerta ya en julio de 1961… Adiós a la encantadora pero falsa leyenda de que Wilder se enteró el 13 de agosto de que la frontera acababa de cerrarse e inmediatamente ordenó la construcción de una puerta falsa. ¿Billy buscaba el absurdo? Lo consiguió, por así decirlo: en la noche del 12 al 13 de agosto de 1961, las autoridades de la República Democrática Alemana cerraron el acceso entre Berlín Este y Oeste, con policías y soldados desplegando kilómetros de alambre de púas. La situación es, sin embargo, catastrófica, ya que el humor de Uno, dos, tres se basa en el hecho de que sus personajes pueden cruzar constantemente Berlín de este a oeste y de oeste a este. La "puerta teatral" entre el capitalismo y el comunismo se ha vuelto infranqueable.

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Hace 100 años: Kosher Kitty Kelly

El 5 de septiembre de 1926 se estrenó la película estadounidense Kosher Kitty Kelly, dirigida por James W. Horne e interpretada por Viola Dana, Tom B. Forman, Vera Gordon, Kathleen Myers, Nat Carr, Stanley Taylor, Carroll Nye, Aggie Herring. Productora: Robertson-Cole Pictures Corporation. Duración: 70 minutos. 

Sinopsis argumental: Kitty Kelly, su hermano Barney y la Sra. Kelly son vecinos de Rosie Feinbaum y su madre, quienes viven en la tienda de delicatessen de Moses Ginsburg, en el East Side de Nueva York. Rosie está enamorada del joven Morris Rosen, un interno de un hospital; Kitty ama al oficial Pat Sullivan. Con una banda, Barney intenta detener a Ginsburg, y el oficial Pat, que persigue a la banda, hiere a Barney en el hombro. Aunque Kitty le suplica, Pat antepone el deber al amor y lleva a Barney a una ambulancia que lo espera. De camino al hospital, Morris consuela a Kitty; Pat y Rosie, creyendo que las otras dos tienen una relación íntima, forman equipo. La señora Kelly se enfurece y una disputa con los Feinbaums se convierte en una batalla vecinal. Pat se retira de la carrera por concejales para conseguir la libertad condicional de Barney, el chico se dispone a vengarse y la tienda de Ginsburg se incendia durante una batalla; Morris salva a Rosie y Pat salva a Kitty. Los amantes originales se unen, junto con Ginsburg y la Sra. Feinbaum.

Comentario: Basada en la obra musical Kosher Kitty Kelly de Leon De Costa: En la película, actuó la estrella de cine Viola Dana. Una copia de la película se preserva en la Biblioteca del Congreso pero incompleta, pues falta un carrete.

"Salvation”: un poderoso western moderno sobre los orígenes de la violencia

Salvation (Kurkulus), dirigida por Emin Alper con Berkay Ateş, Feyyaz Duman, Emin Alper, Mehmet Akgül. 

Sinopsis: En una remota aldea en lo alto de las montañas turcas, el regreso de un clan exiliado reaviva una disputa territorial de décadas. Mientras resurgen resentimientos latentes, Mesut, hermano del líder local, sufre visiones inquietantes. Creyendo que son advertencias divinas, comienza a desafiar el liderazgo de su hermano. Las convicciones religiosas, las luchas de poder y las tensiones aumentan en la comunidad. ¿Conducirá todo esto a la tragedia o a la salvación? 

Un western y drama implacable, con tintes fantásticos, sobre la escalada de violencia y las razones de una masacre.

Aunque su filmografía aún no es tan reconocida como la de su predecesor, Nuri Bilge Ceylan, el director turco Emin Alper se consagró con su primer largometraje, Beyond the Hill (Tepenin ardi, 2012), como un cineasta de gran relevancia que explora los mecanismos del miedo y el resentimiento en pequeñas comunidades propensas a crear enemigos. Salvation, ganadora del Oso de Plata en el último Festival de Cine de Berlín, profundiza en este tema con un estilo, como siempre en Alper, profundamente arraigado en el cine de género.

El Muro de Berlín cumplió 65 años... (II)

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Un escenario estrechamente vinculado a los acontecimientos actuales.

Originalmente, Uno, dos, tres era una obra de teatro en un acto de Ferenc Molnár, Egy, kettő, három, estrenada en 1929, que Wilder había visto en Berlín. Treinta años después, el cineasta y su coguionista I.A.L. Diamond conservaron poco de su trama apolítica —básicamente, cómo transformar a un joven poco convencional en un yerno presentable— y la trasladaron a la actualidad. El resultado: la hija del director de Coca-Cola en Berlín Occidental (interpretado por un enérgico James Cagney) se ha casado con Otto (Horst Buchholz , quien saltó a la fama con Los siete magníficos de John Sturges en 1960), un comunista de Alemania Oriental a quien el Sr. Coca-Cola, por supuesto, decide convertir al capitalismo.

James Cagney, Horst Buchholz, Hanns Lothar y Pamela Tiffin en Uno, dos, tres (1961)

Berlín es el lugar ideal para esta comedia satírica, ya que Wilder quiere escribir chistes (en serie y que se reflejan entre sí) sobre el comunismo soviético, el capitalismo estadounidense, las viejas peculiaridades prusianas y el legado nazi. ¡Con diplomáticos soviéticos soñando con negociar licencias para fabricar el siempre rentable refresco! Él e I.A.L. Diamond no empiezan un solo día de escritura sin escuchar las noticias sobre la "Crisis de Berlín" en la American Forces Network, el servicio de radio y televisión que el ejército estadounidense proporciona a sus soldados destinados o desplegados en el extranjero. Y por las noches, devoran la edición internacional del New York Times, lo que les impulsa a modificar su guion según los últimos acontecimientos políticos y militares.

James Cagney en Uno, dos, tres (1961)

Quieren avanzar tan rápido como la historia misma y convertir Berlín en el escenario de todos los choques ideológicos, con un humor demoledor. En su libro de entrevistas con Cameron Crowe, Wilder relata que quería que Uno, dos, tres  fuera "la película más rápida del mundo", acumulando chistes hasta el punto de que el espectador apenas tiene tiempo de reírse entre líneas. Por eso también eligió a James Cagney y su ritmo frenético como protagonista. Y sin embargo, el gran Billy será superado, porque la historia avanza aún más rápido que él…

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Películas de la semana: 4 de septiembre

Cronos

Dirección: Fernando González Molina. País: España. Año: 2026. Duración: 118 minutos. Género: Thriller. Drama. Basado en hechos reales. Terrorismo. Policíaco. Interpretación: Enric Auquer, Diana Gómez, Mónica López, Pablo Derqui, Xavi Sáez, David Vert, Israel Elejalde, Kidai Charkaoui Haitam, Mima Rivera, Manu Fullola, David Selvas, Beth Cohen, Jordi Martínez, Joan Pedrola, Joan Amargós, Faouzia, Jose Pérez-Ocaña, Patrícia Bargalló. Guion: Alberto Marini. Producción: Mercedes Gamero, Núria Valls, Adrián Guerra, Pablo Nogueroles. Música: Audrey Ismaël. Fotografía; Pau Castejón. Productora: Nostromo Pictures, Beta Fiction Spain, Hogar Producción, RTVE, 3Cat, Movistar Plus+. Distribuidora: Beta Fiction Spain, Estreno en España: 4 de septiembre de 2026. Sinopsis: Basada en testimonios reales de los diferentes implicados, la película narra el desarrollo de la operación Cronos, el dispositivo activado el 17 de agosto de 2017 como reacción al acto terrorista de las Ramblas. Cuatro días interminables de confusión, tensión, dolor, frustración, rabia y confrontación política que acabaron con el abatimiento del último terrorista huido y muchas heridas dejadas abiertas. Una narración sobre el atentado de Barcelona 2017, que explora cómo el terrorismo afecta a personas y comunidades.

Dulce sabor a muerte

Título original: Ice Cream Man. Dirección: Eli Roth. País: Estados Unidos. Año: 2026. Duración: 86 minutos. Género: Terror. Slasher. Infancia. Crimen. Interpretación: Ari Millen, Charlie Zeltzer, Shiloh O'Reilly, Kiori Mirza Waldman, Sarah Abbott, Benjamin Byron Davis, Eli Roth. Guion: Noah Nelson, Eli Roth, Noah Belson. Historia: Eli Roth. Música: Brandon Roberts. Fotografía: Simon Shohet. Productora: Coproducción Canadá-Estados Unidos-Francia-Reino Unido; Media Capital Technologies, The Horror Section, Cream Productions, Head Gear Films, Mass Appeal, Metrol Technology. Distribuidora: Diamond Films. Estreno en España: 4 de septiembre de 2026. Sinopsis: Durante un verano aparentemente tranquilo, una pequeña localidad se ve arrastrada a una espiral de horror y locura cuando un inquietante vendedor de helados (Ari Millen) comienza a repartir sus dulces por las calles del pueblo. Lo que al principio parece una inocente golosina para los más pequeños pronto revela unas consecuencias devastadoras: los niños que prueban sus helados se transforman en criaturas violentas dominadas por un irresistible impulso asesino. A medida que el número de afectados aumenta, el caos y el terror se extienden rápidamente, sumiendo a toda la comunidad en una pesadilla de la que parece imposible escapar.

Black Box: Vuelo 298

Título original: Black Box AKA Flight 298. Dirección: Steven Quale. País: Estados Unidos. Año: 2026. Duración: 85 minutos. Género: Thriller. Terror. Intriga. Aviones. Sobrenatural. Remake. Interpretación: Tom Brittney, Holly White, Molly Belle Wright, Boadicea Ricketts, Betsy-Blue English, Kaja Chan, Danny Mac, Asa Ali, Ceallach Spellman, Dane Whyte O'Hara, Georgina Leonidas, Anton Trendafilov, Weronika Rosati, Vaughn Johseph, Georgi S. Georgiev. Guión: Stephen Susco. Argumento: Matt Duffer, Ross Duffe, Clark Baker. Producción: Stephen Susco. Música: Raffertie. Fotografía: Steven Quale. Productora: Capstone Pictures, Hammerstone Studios, Inzide Media. Distribuidora: Vértice 360. Estreno en España: 4 de septiembre de 2026. Sinopsis: El vuelo comercial 298 que cubre la ruta de Nueva Orleans a Seattle acaba estrellándose y convirtiéndose en el centro de un escalofriante misterio sobrenatural. El motivo del accidente se desconoce hasta que se encuentran las grabaciones entre los restos. Lo que les sucedió a los pasajeros del vuelo 298 escapa totalmente a la razón humana... Remake del cortometraje Vessel (2012) de Clark Baker.

Enjambre

Título original: Eixam. Dirección: Óscar Bernàcer. País: España. Año: 2026. Duración: 100 minutos. Género: Thriller. Vida rural. Interpretación: Pablo Molinero, Cristina Fernández Pintado, María Maroto, Pablo Derqui, Marta Belenguer, Jordi Aguilar, Gloria March, Àngel Fígols, Abdelatif Hwidar, Elias Hwidar, June Bernàcer, Nuria Herrero, Neus Asensi, Sergio Caballero. Guion: Joana M. Ortueta, Jordi Juan Martínez. Música: Raquel Sánchez. Fotografía: Victor Entrecanales. Productora: Nakamura Films, Maqueta Films, Corte y Confección de Películas, RTVE, À Punt. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 4 de septiembre de 2026. Sinopsis: Tras un problema grave, que incluso le ha hecho temer por su integridad física, Lluc (Pablo Molinero) recala en una pequeña aldea de las montañas, por mediación de una amiga de la infancia. Allí vive aislada una pequeña comunidad de personas al margen de la sociedad. No hay dinero, no hay móviles, el alcohol está controlado, los niños no están escolarizados, etc. Lluc será bien recibido y les ayudará a canalizar las aguas de un arroyo para poder disfrutar de agua potable. Sin embargo, la vida no será allí tan perfecta como se cree.

Cinco segundos

Título original: Cinque secondi. Dirección: Paolo Virzì. País: Italia. Año: 2025. Duración: 105 minutos. Género: Drama. Vida rural. Interpretación: Valerio Mastandrea, Galatéa Bellugi, Valeria Bruni Tedeschi, Ilaria Spada, Anna Ferraioli Ravel, Anna Lazzeri, Caterina Rugghia, Francesco Maria Dominedò. Guion: Francesco Bruni, Carlo Virzì, Paolo Virzì. Producción: Marco Belardi. Música: Carlo Virzì. Fotografía: Luca Bigazzi. Productora: greenBoo Production, Indiana Production, Motorino Amaranto, Vision Distribution. Distribuidora: Vercine. Premios y nominaciones: Premios David di Donatello (Italia): 4 nominaciones. Estreno en España: 4 de septiembre de 2026. Sinopsis: Adriano Sereni (Valerio Mastandrea) es un hombre rudo y solitario que vive en los establos restaurados de una antigua mansión en ruinas. Un día, descubre que la villa vecina ha sido ocupada por una comunidad de jóvenes estudiantes, que se dedican a revitalizar el campo y los viñedos abandonados. La llegada de estos intrusos le molesta, y pronto considera ahuyentarlos por todos los medios. Pero entre esos jóvenes se encuentra Matilde (Galatea Bellugi), la nieta del último conde Guelfi, quien creció allí y trabajó con su abuelo en los viñedos. Matilde siente curiosidad por Adriano y su pasado, y comienza a observarlo con atención, preguntándose por qué un hombre como él vive allí solo y rechaza toda forma de interacción social, casi como si guardara un secreto. Con la llegada de la primavera, el conflicto entre Adriano y los jóvenes se transforma en una cohabitación forzada que, inesperadamente, se convierte en una alianza sorprendente.

El olor a leche quemada

Título original: Milch ins Feuer. Título alternativo: Smell Of Burnt Milk. Dirección: Justine Bauer. País: Alemania. Año: 2024. Duración: 78 minutos. Género: Drama. Vida rural. Interpretación: Karolin Nothacker, Johanna Wokalek, Pauline Bullinger, Anne Nothacker, Sara Nothacker, Simon Steinhorst, Lore Bauer, Johannes Nothacker. Guion: Justine Bauer. Música: Cris Derksen. Fotografía: Pedro Carnicer. Productora: Kunsthochschule für Medien Köln, Sweet Godless Turtle Film Productions. Distribuidora: #ConUnPack Distribución. Estreno en España: 4 de septiembre de 2026. Sinopsis: En la región rural de Hohenlohe, Katinka vive con su familia en una explotación de vacas lecheras al borde de la ruina. Mientras el sector agrícola se hunde, ella sueña con continuar el negocio familiar pese a que su madre no ve futuro en él. Su amiga Anna afronta un embarazo inesperado mientras ambas viven un verano marcado por las dudas y los cambios. Entre el trabajo, los campos y los animales, Katinka deberá decidir si está dispuesta a luchar por una forma de vida que parece condenada a desaparecer.

Jim Queen

Dirección: Marco Nguyen, Nicolas Athane. País: Francia. Año: 2026. Duración: 85 minutos. Género: Animación. Comedia. Animación para adultos. Comedia negra. Homosexualidad. Redes sociales. Reparto: Animación. Guion: Simon Balteaux, Brice Chevillard, Nicolas Athane, Marco Nguyen. Música: Kirosen, Benjamin Nakache, Mathieu Rosenzweig. Fotografía: Animación. Productora: Bobbypills, CNC Avance sur recettes, Eurimages, Umedia. Distribuidora: Elástica Films. Estreno en España: 4 de septiembre de 2025. Sinopsis: En la escena gay parisina, Jim es el rey de Gym Queens, la comunidad más sexy y codiciada de las redes sociales. Un día, se da cuenta de que ha sido infectado por Heterosis, un extraño virus que diezma la comunidad y convierte a los gays en... ¡heterosexuales! Jim pierde su trono y es abandonado por todo su entorno. Todos menos un seguidor: Lucien, un escuálido joven virgen. Juntos, emprenden un viaje a través del Marais (el pueblo gay parisino), en busca del misterioso doctor Ragoult, que afirma haber encontrado una cura para el virus. Esta cura no sólo podría salvar a Jim, sino también evitar la extinción de la homosexualidad.