viernes, 20 de marzo de 2026

Películas de la semana: 20 de marzo

Amarga Navidad

Título alternativo: Bitter Christmas. Dirección: Pedro Almodóvar. PaísEspaña. Año2026. Duración: 115 minutos. GéneroDrama. Navidad. Familia. InterpretaciónBárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Vicky Luengo, Patrick Criado, Milena Smit, Quim Gutiérrez, Carmen Machi, Rossy de Palma, Belén Riquelme, Amaia Romero, Gloria Muñoz. GuionPedro Almodóvar. Producción: Agustín Almodóvar. MúsicaAlberto Iglesias. FotografíaPau Esteve Birba. ProductoraEl Deseo, Movistar Plus+. Distribuidora: Warner. Estreno en España: 20 de marzo de 2026. SinopsisElsa es una directora de publicidad cuya madre muere durante un largo puente del mes de diciembre. Encuentra refugio en el trabajo, aunque es más bien una huida hacia adelante. Trabaja sin parar y, sin darse cuenta, no se concede el tiempo necesario para guardar el duelo por la ausencia materna. Hasta que una crisis de pánico la obliga a detenerse e imponerse un descanso. Su pareja, Bonifacio, es su tabla de salvación en esos momentos de crisis. Elsa decide viajar a la isla de Lanzarote acompañada por su amiga Patricia, que también necesita alejarse de Madrid, mientras que Bonifacio se queda en la ciudad. La historia de estos tres personajes, y algunos más, se narran paralelamente a la del guionista y director de cine Raúl Durán, entremezclando ficción y realidad.

Whistle: El silbido del mal

Título original: Whistle. Dirección: Corin Hardy. País: Canadá. Año: 2025. Duración: 85 minutos. Género: Terror. Slasher. Sobrenatural. Terror adolescente. Interpretación: Dafne Keen, Sophie Nélisse, Sky Yang, Percy Hynes White, Nick Frost, Ali Skovbye, Michelle Fairley, Lanette Ware, Mika Amonsen. Guion: Owen Egerton. Producción: Whitney Brown, David Gross, Macdara Kelleher. Música: Doomphonic. Fotografía: Björn Charpentier. Diseño de producción: Jennifer Spence. Montaje: Nick Emerson. Productora: Coproducción Canadá-Irlanda; No Trace Camping, Wild Atlantic Pictures. Distribuidora: Beta Fiction. Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Sinopsis: Un grupo de estudiantes inadaptados encuentra por accidente un objeto maldito: un antiguo silbato de la muerte azteca. Al soplarlo, descubren que el terrorífico sonido que produce invoca a sus propias muertes futuras para perseguirlos. Mientras las víctimas aumentan, los amigos intentan descubrir el origen del artefacto y detener la terrible cadena de sucesos que han provocado. Adaptación del relato corto escrito por el propio guionista. 

Una hija en Tokio

Título original: Une part manquante. Título alternativo: A Missing PartDirección: Guillaume Senez. País: Francia. Año: 2024. Duración: 98 minutos. Género: Drama. Familia. Interpretación: Romain Duris, Judith Chemla, Mei Cirne-Masuki, Tsuyu Shimizu, Shungiku Uchida, Yumi Narita, Patrick Descamps, Shinnosuke Abe, Morio Agata, Toshihiro Yashiba, Eriko Takeda, Masayuki Shida. Guion: Guillaume Senez, Jean Denizot. Música: Olivier Marguerit. Fotografía: Elin Kirschfink. Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Les Films Pelléas, Savage Film, Versus Production. Distribuidora: A Contracorriente Films. Premios y nominaciones: Festival de Sevilla: Nominada a Giraldillo de Oro - mejor película. Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Sinopsis: Jay, de origen francés, trabaja como taxista en Tokio, y presta apoyo en una red de padres que han experimentado lo mismo que él. Que, casados con una persona de nacionalidad japonesa, ven que en un momento de crisis conyugal se llevan a su prole, y las autoridades locales le conceden la custodia total y exclusiva, impidiendo las visitas e incluso obligando a costear la manutención. De modo que guía en situación tan injusta a Jessica, casada con un diplomático nipón. Tal tesitura coincide con que en una de sus carreras debe llevar a una colegiala con muletas, en la que advierte algo familiar: en efecto, reconoce a su hija Lily, a la que no ve desde hace años, porque también ha sido víctima de la legislación japonesa. Mientras piensa sobre cómo proceder, de momento disfruta llevándola al colegio todos los días sin revelarle su identidad, y tratando de hablar con ella y recuperar el tiempo perdido.

La sonrisa del mal

Título original: La valle dei sorrisi. Dirección: Paolo Strippoli. País: Italia. Año: 2025. Duración: 122 minutos. Género: Drama. Terror. Posesiones. Exorcismos. Interpretación: Michele Riondino, Romana Maggiora Vergano, Roberto Citran, Giulio Feltri, Sergio Romano, Anna Bellato, Sandra Toffolatti, Gabriele Benedetti, Diego Nardini, Paolo Pierobon, Vincenzo Tosetto. Guion: Jacopo Del Giudice, Paolo Strippoli, Milo Tissone. Música: Federico Bisozzi, Davide Tomat. Fotografía: Cristiano Di Nicola. Productora: Coproducción Italia-Eslovenia; Fandango Produzione, NIghtswim, SPOK Films, Vision Distribution, Ministero della Cultura, Friuli Venezia Giulia Film Commission, Intromagine Pictures. Distribuidora: Alfa Pictures. Premios y nominaciones: Paris International Fantastic Film Festival 2025: Premio de Cine+Frisson (Mejor película). Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Sinopsis: Remis es un pequeño pueblo enclavado en un valle aislado en las montañas. Sus habitantes son excepcionalmente felices. Parece el destino perfecto para el nuevo profesor de educación física Sergio Rossetti, atormentado por un pasado misterioso. Al poco tiempo de llegar, el profesor descubre que tras esta aparente serenidad se esconde un ritual inquietante: una noche a la semana, los aldeanos se reúnen para abrazar a Matteo Corbin, un adolescente capaz de absorber el dolor ajeno. El intento de Sergio por salvar al joven despertará el lado oscuro de la comunidad.

Elegir mi vida

Título original: Partir un jour. Título alternativo: Leave One Day. Dirección: Amélie Bonnin. País: Francia. Año: 2025. Duración: 94 minutos. Género: Musical. Comedia. Drama. Romance. Comedia dramática. Interpretación: Juliette Armanet, Bastien Bouillon, François Rollin, Tewfik Jallab, Dominique Blanc, Mhamed Arezki, Pierre-Antoine Billon, Amandine Dewasmes. Guion: Amélie Bonnin, Dimitri Lucas. Música: Thomas Krameyer. Fotografía: David Cailley. Productora: Topshot Films, Les Films du Worso, Pathé, France 3 Cinéma, Canal+. Distribuidora: Syldavia Cinema. Premios y nominaciones: Premios César (Francia): 4 nominaciones. Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Sinopsis: Tras ganar un concurso televisivo de cocina, la chef de éxito Cécile se dispone a abrir su propio restaurante con su marido. Su vida parece encarrilada: reconocimiento profesional, estabilidad sentimental y, además, está embarazada. La noticia de que su padre ha sufrido un infarto la obliga a regresar al pueblecito donde creció. Allí, vuelve a cruzarse con Raphaël, antiguo compañero de colegio con el que compartió una relación adolescente nunca del todo resuelta, y que permanece anclado en el mismo lugar, viviendo una vida sencilla que contrasta con la carrera brillante de ella en la ciudad. Largometraje que adapta el cortometraje homónimo de 2021.

Tafiti y sus amigos

Título original: Tafiti - Ab durch die Wüste. Título alternativo: Tafiti: Across the Desert. Dirección: Nina Wels, Timo Berg. País: Alemania. Año: 2025. Duración: 81 minutos. Género: Animación. Aventuras. Comedia. Animales. Cine familiar. Reparto: Animación. Guion: Julia Boehme, Nicholas Hause. Música: Carsten Rocker. Fotografía: Animación. Productora: Little Dream Entertainment, Red Parrot Studios, Tradewind Pictures. Distribuidora: Vercine. Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Sinopsis: Cuando Tafiti, una joven suricata conoce a Bristles, el cerdo salvaje, sabe que no pueden ser amigos. "¡Las suricatas se quedan con los suyos!" es lo que siempre le ha dicho el abuelo, ya que, la vida en el desierto está llena de peligros. Pero cuando Bristles es atacado por un águila, es Tafiti quien corre a rescatarlo. En busca desesperada de un amigo, el divertido cerdo salvaje sigue a Tafiti hasta su casa, provocando sin querer un desafortunado accidente: el abuelo de Tafiti es mordido por una serpiente venenosa mortal. Sólo una mítica flor azul del desierto podrá salvarlo. Tafiti emprende un peligroso viaje para encontrar la flor, convencida de que debe hacerlo ella sola. ¡Depende de Bristles demostrar que las aventuras siempre son mejores con amigos!

Reestrenos de la semana: 20 de marzo

Your Name

Título original: Kimi no Na wa. Dirección: Makoto Shinkai. País: Japón. Año: 2016. Duración: 106 minutos. Género: Animación. Drama. Romance. Fantástico. Drama romántico. Adolescencia. Viajes en el tiempo. Película de culto. Reparto: Animación. Guion: Makoto Shinkai. Producción: Katsuhiro Takei, Kôichirô Itô. Música: Radwimps. Fotografía: Animación, Makoto Shinkai. Productora: CoMix Wave Films. Distribuidora: Selecta Visión. Premios y nominaciones: Premios Annie: Nominada a mejor director y película independiente; Festival de Sitges: Mejor film de animación; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor largometraje de animación; Satellite Awards: Nominada a mejor largometraje de animación; London Film Festival: Nominada a mejor película; Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor film de animación. Reestreno en España: 20 de marzo de 2026. Sinopsis: Se trata de una historia con un componente mágico incomprensible, por el cual Taki y Mitsuha, que no se conocen y viven en sitios diferentes, se despiertan en determinados días con sus cuerpos intercambiados, por lo cual, debido a este extraño fenómeno, él y ella viven en parte la vida del otro. El problema es que cuando cada cual vuelve a su yo normal, no saben lo que ocurrió en su ausencia, aunque arbitrarán un sistema de comunicación mínimo con mensajes. Las vidas de ambos se enriquecen, aunque un trágico suceso va a marcar sus vidas, trauma que podría ser superado por el amor creciente que intuyen entre ellos, a pesar de que nunca se han visto. Anime de Makoto Shinkai, director y guionista, que reincide en los temas mostrados en títulos como Viaje a AgarthaYour Name fue un éxito rotundo en taquilla, colocándose como la cuarta película más exitosa de la historia en Japón (por detrás de El viaje de Chihiro, Titanic y Frozen) con más de 172 millones de dólares recaudados a fecha de diciembre de 2016, tras nueve semanas en primera posición del ranking. En China, es la película de animación 2D más taquillera de la historia, con 81 millones recaudados."

Las 30 mejores películas basadas en psicópatas y dónde verlas (IV)

(cont.)

10. Henry: Retrato de un asesino (Henry: Portrait of a Serial Killer, 1986)

Director: John McNaughton. Reparto: Anne Bartoletti, Denise Sullivan, Michael Rooker, Ray Atherton, Tom Towles, Tracy Arnold.
Michael Rourke en Henry: retrato de un asesino (1986)
La trama: Henry Lee Lucas tuvo una infancia muy desgraciada y acabó en la cárcel por acuchillar a su madre. Una vez en libertad, se convierte en un asesino que escoge a sus víctimas al azar y cada vez utiliza un método distinto con el fin de no ser descubierto. Otis, un tipo que conoció en prisión, es su cómplice. Un día llega Becky, la hermana de Otis, y se queda a vivir con ellos. Pronto entre ella y Henry surge un sentimiento mutuo de atracción. Una noche, Otis y Henry salen de juerga y matan a dos prostitutas en un callejón. Desde entonces, la sed de sangre que se apodera de ellos no conoce límites. La cámara observa sin adornos, creando un retrato incómodo de frialdad emocional y destrucción.
Curiosidades: Rodada en apenas 28 días y con un presupuesto mínimo, la película se apoyó en amigos, familiares y localizaciones personales para levantar un retrato tan crudo como directo de la violencia cotidiana. Esa lógica de supervivencia marcó incluso el reparto: María Dimas interpretó a tres víctimas distintas, un recurso que acentúa el carácter casi documental de la película y su insistencia en mostrar el horror sin artificios de un asesino real: Henry Lee Lucas. Disponible en Filmin. 

11. El silencio de los corderos (The Silence of the Lambs, 1991)

Director: Jonathan Demme. Reparto:  Jodie Foster, Anthony Hopkins, Scott Glenn, Anthony Heald, Ted Levine, Brooke Smith, Diane Baker, Frankie Faison, Charles Napier, Daniel von Bargen, Kasi Lemmons, Don Brockett. 
Anthony Hopkins en El silencio de los corderos (1991)
La trama: El FBI busca a "Buffalo Bill", un asesino en serie que mata a sus víctimas, todas adolescentes, después de prepararlas minuciosamente y arrancarles la piel. Para poder atraparlo recurren a Clarice Starling, una brillante licenciada universitaria, experta en conductas psicópatas, que aspira a formar parte del FBI. Siguiendo las instrucciones de su jefe, Jack Crawford, Clarice visita la cárcel de alta seguridad donde el gobierno mantiene encerrado al Dr. Hannibal Lecter, antiguo psicoanalista y asesino, dotado de una inteligencia superior a la normal. Su misión será intentar sacarle información sobre los patrones de conducta del asesino que están buscando. El juego psicológico entre ambos impulsa una pesquisa llena de tensión.
Curiosidades: Basada en la novela homónima de Thomas Harris. Hopkins aceptó leer el guion creyendo que se trataba de un cuento infantil, pero pronto entendió que estaba ante un personaje capaz de redefinir su carrera, y la paradoja es que su presencia en pantalla apenas supera los 24 minutos, un tiempo mínimo que, sin embargo, le bastó para construir una de las interpretaciones más memorables y ganar el Oscar a mejor actor. Disponible en Filmin, MGM+.

12. El cabo del miedo (Cape Fear, 1991)

Director: Martin Scorsese. Reparto: Robert De Niro, Nick Nolte, Juliette Lewis, Jessica Lange, Joe Don Baker, Robert Mitchum, Gregory Peck, Illeana Douglas. 
Robert de Niro en El cabo del miedo (1991)
La trama: Max Cady (de Niro), un delincuente que acaba de ser puesto en libertad tras catorce años entre rejas, busca al abogado Sam Bowden (Nolte), para vengarse de él, pues lo considera responsable de su condena. La presión y el acoso que ejerce sobre la familia Bowden es cada vez más intensa y amenazadora. La amenaza crece con cada aparición, elevando la tensión y mostrando el alcance del deseo de venganza.
Curiosidades: Remake de la película de J. Lee Thompson El cabo del terror, de 1962. De Niro llevó los tatuajes vegetales de Max Cady durante meses después del rodaje, una huella física de un personaje que había construido a base de observar a hombres del sur de EE. UU. con acentos ásperos y violencia latente, hasta encontrar un modo de hablar aterrador. La identificación fue tan extrema que se dedicó a llamar a Scorsese con la voz de Cady para ponerle nervioso. Disponible en SkyShowtime, Movistar+ Ficción Total, Filmin.
(cont.)

jueves, 19 de marzo de 2026

Películas de la semana: 19 de marzo

Dhurandhar: The Revenge

AKA Dhurandhar 2. Dirección: Aditya Dhar. País: India. Año: 2026. Duración: 210 minutos. Género: Acción. Thriller. Secuela. Espionaje. Interpretación: Ranveer Singh, Sanjay Dutt, Madhavan, Arjun Rampal, Sara Arjun, Rakesh Bedi, Gaurav Gera, Manav Gohil, Akash Khurana.  Guion: Aditya Dhar.  Producción: Aditya Dhar. Música. Shashwat Sachdev. Fotografía: Vikash Nowlakha. Productora: B62 Studios, Jio Studios. Distribuidora:  Lighthouse Distribution, Estreno en España: 19 der marzo de 20026.  Sinopsis: Bajo la identidad de Hamza Ali Mazari, el agente de inteligencia indio Jaskirat Singh Rangi (interpretado por Ranveer Singh) se adentra aún más en el peligroso submundo criminal de Pakistán, manteniendo su fachada mientras sigue la pista de Majo, una figura envuelta en secretos y traiciones. Cada paso que da lo acerca a una red de conspiraciones más compleja de lo que había anticipado, donde aliados y enemigos se confunden y donde cualquier descuido podría ser fatal. Mientras desentraña pistas, se enfrenta a dilemas morales y a desafíos que pondrán a prueba no solo su astucia como espía, sino también su resistencia física y emocional. 

Retrospectiva: El graduado, una película icónica, reflejo de una generación

El graduado (The Graduate, 1967), dirigida por Mike Nichols. Con Anne Bancroft, Dustin Hoffman, Katharine Ross, William Daniels, Murray Hamilton, Elizabeth Wilson, Buck Henry, Brian Avery, Walter Brooke, Norman Fell, Alice Ghostley, Marion Lorne, Eddra Gale. Basada en la novela 
La tramaEl joven e inseguro Ben acaba de graduarse y ha llegado a su casa de California para pasar unos días. Allí recibe el agasajo de sus padres y amigos de éstos, algo tan desproporcionado que le resulta abrumador. Una noche, la mujer del mejor amigo de su padre, la sexy señora Robinson, lo seduce, y Ben cae inevitablemente en sus redes. El joven y la mujer madura inician una relación sexual a espaldas de todos, yendo a contracorriente de lo establecido y de las normas morales. Pero un día llega a la ciudad la hija de la señora Robinson, Elaine, y los padres de Ben insisten para que quede con ella...
Película rompedora de los tiempos en que la revolución sexual exponía sus argumentos a la sociedad estadounidense, con la que Mike Nichols recibió un Oscar al mejor director. Fue la película más taquillera en USA en el año 1968 convirtiéndose rápidamente en un icono para los jóvenes estadounidenses. El graduado mostraba a la familia media-alta americana de puertas para dentro: divorcio, adulterio, alcoholismo... situaciones políticamente incorrectas durante la América de Jonhson. Por ello, aunque ahora parezca un poco desfasada, impactó como un obús en los cerebros más conservadores de la América profunda. American Beauty se inspiró, sin duda, en el clásico, para convertirse en su revisión de los años 1990.
Destaca un magnífico guión, muy escandaloso y audaz, y plagado de sutilezas visuales, donde se reflexiona sobre las dudas propias de la juventud, el deseo de rebeldía y placer, y la incomunicación que surge, muchas veces, entre padres e hijos. La sensualidad que desprende Anne Bancroft no es vulgar u obscena, sino sutil; la escena en la que se coloca la media en la pierna ha quedado como icono lleno de significado. Bancroft, Hoffman y Ross, entre otros, también recibieron nominaciones para el Oscar. Destacan las inolvidables canciones de Simon y Garfunkel, con el tema principal Mrs. Robinson.

Las 30 mejores películas basadas en psicópatas y dónde verlas (III)

(cont.)

7. La naranja mecánica (A Clockwork Orange, 1971)

Director: Stanley Kubrick. Reparto: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, Warren Clarke, John Clive, Adrienne Corri, Carl Duering, Clive Francis, Miriam Karlin, Paul Farrell, Aubrey Morris, Sheila Raynor, Godfrey Quigley, Michael Gover, James Marcus, Madge Ryan, Anthony Sharp, John Savident.
Malcolm McDowell en La naranja mecánica (1971)
La trama: Gran Bretaña, en un futuro indeterminado. Alex (Malcolm McDowell) es un joven muy agresivo que tiene dos pasiones: la violencia desaforada y Beethoven. Es el jefe de la banda de los drugos, que dan rienda suelta a sus instintos más salvajes apaleando, violando y aterrorizando a la población. Cuando esa escalada de terror llega hasta el asesinato, Alex es detenido y, en prisión, se someterá voluntariamente a una innovadora experiencia de reeducación que pretende anular drásticamente cualquier atisbo de conducta antisocial. 
Curiosidades: Basada en la novela homónima de Anthony Burgess. Kubrick retiró la película del Reino Unido durante décadas tras comprobar cómo ciertos crímenes eran asociados a su influencia, un gesto tan drástico como revelador de su preocupación por el impacto social de la obra, y esa misma sensibilidad lo llevó también a introducir una serpiente en escena para acentuar el malestar real de McDowell, explotando su fobia para reforzar la perturbación que transmite el personaje. Disponible en HBO Max, Movistar+, Filmin. 

8. Terciopelo azul (Blue Velvet, 1986)

Director: David Lynch. Reparto: Isabella Rossellini, Kyle MacLachlan, Dennis Hopper, Laura Dern, Hope Lange, Dean Stockwell, George Dickerson, Frances Bay, Priscilla Pointer, Brad Dourif, Jack Nance. 
Laura Dern, Isabella Rossellini y Kyle MacLachlan en Terciopelo azul (1986)
La tramaUna mañana, Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan), después de visitar a su padre en el hospital, encuentra entre unos arbustos una oreja humana. La guarda en una bolsa de papel y la lleva a la comisaría de policía, donde le atiende el detective Williams (George Dickerson), que es vecino suyo. Comienza así una misteriosa intriga que desvelará extraños sucesos acontecidos en una pequeña localidad de Carolina del Norte. El contraste entre apariencia y realidad sostiene un misterio inquietante lleno de atmósferas densas y personajes turbios.
Curiosidades: Lynch incorporó In Dreams pese al rechazo inicial de Roy Orbison, que descubrió su uso por sorpresa en una sala de cine, un gesto que subraya la confianza del director en la fuerza emocional de la escena. Utilizada para intensificar la atmósfera onírica y siniestra de la película. Su uso en la escena del club de Ben (Dean Stockwell), donde sincroniza los labios con la canción, crea un contraste inquietante entre el romanticismo melancólico y la obsesión oscura. Esa misma determinación lo llevó a pelear durante años con estudios que rehuían el guion por su violencia y su tono perturbador, hasta que De Laurentiis aceptó asumir el riesgo y darle forma a su visión. Disponible en Apple TV y Rakuten TV.

9. Carretera al infierno (The Hitcher, 1986)

Director: Robert Harmon. Reparto: Rutger Hauer, C. Thomas Howell, Jennifer Jason Leigh, John M. Jackson, Billy Green Bush, Jeffrey DeMunn.
Rutger Hauer en Carretera al infierno (1986)
La tramaEl joven Jim Hasley (C. Thomas Howell) recoge con su cadillac a un autoestopista, John Ryder (Rutger Hauer), en una carretera de Texas. Cuando John le confiesa a Jim que es un asesino y que espera que le recojan y le lleven para matar, Jim lo deja en la cuneta y sigue adelante, pensando que lo ha dejado atrás. A partir de este momento, los dos empiezan a jugar al gato y al ratón. El asesino sigue matando y dejando pistas que inculpan al joven Jim de los asesinatos. La tensión se incrementa con cada encuentro, mostrando el miedo creciente y la imposibilidad de escapar del peligro.
Curiosidades: Rutger Hauer convirtió a John Ryder en un villano inolvidable gracias a una presencia que imponía incluso antes de hablar, un depredador sin fisuras que marcó la identidad visual y emocional de la película. Esa decisión de mantenerlo sin pasado ni motivaciones responde a la apuesta de Harmon por un mal absoluto, inexplicable y por eso mismo más inquietante. Carretera al infierno provocó en 1986 más de una pesadilla. La película se inscribe en la tradición de historias de miedo que transcurre en esas interminables carreteras rectas donde apenas circula un alma, tan abundantes en Estados Unidos. Con una historia así, El diablo sobre ruedas (1971), dio el golpe Steven Spielberg cuando era un desconocido. Y títulos recientes como Nunca juegues con extraños (2001) y Jeepers Creepers (2002) siguen esta estela terrorífica. Incluso esta película dio lugar a una secuela en 2003, Carretera al infierno II. Disponible en: Prime Video, Filmin. 
(cont.)

miércoles, 18 de marzo de 2026

"Guillaume y los chicos, ¡a la mesa!"; una versión ligera de un psicodrama orientado a resolver un complejo de Edipo

Guillaume y los chicos, ¡a la mesa! (Les Garçons et Guillaume, à table!, 2013), escrita, dirigida e interpretada por Guillaume Gallienne con la participación de Guillaume Gallienne, André Marcon, Françoise Fabian, Nanou Garcia, Diane Kruger, Reda Kateb, Götz Otto, Brigitte Catillon. 
Mientras regresa a los cines con Asesinato en la tercera planta (Le crime du 3e étage, 2026), redescubamos en streaming la ópera prima de Guillaume Gallienne como director, inspirada en su propia vida, ¡en la que interpreta tanto al protagonista como a su madre! Una pequeña joya, tan divertida como conmovedora, que rápidamente se convirtió en un clásico.
La trama: Película biográfica con toques de comedia sobre el cineasta y artista Guillaume Gallienne. Se centra sobre todo en la estrecha relación que tenía con su madre. Un recorrido por las emociones, los recuerdos y la familia. El primer recuerdo que tengo de mi madre es de cuando tenía cuatro o cinco años: nos llamaba a mis dos hermanos y a mi a la mesa diciendo: «Niños, Guillaume, ¡a cenar!» y la última vez que hablé con ella por teléfono, colgó diciendo: «Cuídate, mi niña grande.» Y, bueno, entre estos dos momentos hubo un buen número de malentendidos.
Es una adaptación de la obra de teatro homónima y la primera película dirigida por el actor Guillaume Gallienne, miembro de la Comédie-Française.
La película se estructura como si fuera la escenificación gráfica de los capítulos de un monólogo biográfico que el propio Galliene interpreta en el escenario. Así da cuenta de un sinfín de situaciones, a menudo esperpénticas y siempre humorísticas, que ejemplifican el descomunal desconcierto vital del protagonista –él mismo–, sus dificultades para ser amado, sus dubitativos acercamientos sexuales, sus traumas edípicos y sus desventuras emotivas en diferentes lugares –un pueblo andaluz, un colegio religioso, un college de Oxford, unas vacaciones en Marruecos, una clínica–, en diversas épocas y con distintas personas, especialmente con su adorada madre. El material tiene mucho de 'sketch', donde prevalece el gesto corporal acompañado del diálogo cómico o la voz en off, sobre cualquier otro elemento externo. La libertad narrativa de Galliene se manifiesta en multitud de detalles, aunque destacan las proyecciones materno-mentales del protagonista y también las logradas transiciones que van del monólogo del escenario a su correspondiente recreación cinematográfica. Disponible en varias plataformas de streaming. 

Efemérides de cine: El hombre que cayó a la Tierra

El 18 de marzo de 1976 se estrenó la película británica El hombre que cayó a la Tierra (The Man Who Fell to Earth), dirigida por Nicolas Roeg e interpretada por David Bowie, Rip Torn, Candy Clark, Buck Henry, Bernie Casey, Jackson D. Kane, Rick Riccardo, Tony Mascia. Productora: British Lion Film Corporation, Columbia Pictures. Duración: 140 minutos. 
Sinopsis. argumentalThomas Jerome (David Bowie) es un extraterrestre de apariencia humanoide que viaja a la Tierra con el objetivo de conseguir agua para remediar la escasez que hay en su planeta y asegurar así, la supervivencia de los suyos. En su visita al planeta azul, el alienígena sufre los desvaríos de una raza desconocida. Sus avanzados conocimientos en el ámbito de la tecnología beneficiarán su estancia al mismo tiempo que levantará sospechas entre los habitantes de la tierra.   
Nominaciones y premios: Saturn Awards: Mejor actor. 2 nominaciones; Premios Hugo: Nominada a mejor presentación dramática.
ComentarioUna de las películas de culto más grandes de la historia de la cultura pop. El hombre que cayó a la Tierra, basada en la novela homónima de Walter Tevis, se ha convertido en un clásico de ciencia-ficción. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las 30 mejores películas basadas en psicópatas y dónde verlas (II)

(cont.)

4. El fotógrafo del pánico (Peeping Tom, 1960)

Director: Michael Powell. Reparto: Karlheinz Böhm, Moira Shearer, Anna Massey, Maxine Audley, Brenda Bruce, Miles Malleson, Esmond Knight, Martin Miller, Michael Goodliffe, Shirley Anne Field, Jack Watson, Pamela Green.
Karlheinz Böhm en El fotógrafo del pánico (1960)
La trama: Böhm interpreta a psicópata que fotografía a sus víctimas mientras mueren; es un hombre profundamente perturbado, cuyo desequilibrio hunde sus raíces en la infancia. Su padre, un científico obsesionado por estudiar las reacciones infantiles ante el miedo, destrozó su psique y lo convirtió en un adulto acomplejado y afectado por una demencia demoníaca. El personaje necesita registrar en imágenes el terror que sienten sus víctimas antes de morir. Por eso ejerce la profesión de fotógrafo, para encubrir sus intenciones y poder satisfacer sus morbosos impulsos sin levantar sospechas. Presenta un retrato inquietante sobre trauma, obsesión y violencia, explorando la mirada como herramienta destructiva.
Curiosidades: Retirada de los cines en apenas cinco días, la película quedó marcada por un rechazo que no solo alimentó su leyenda maldita, sino que terminó arrasando la carrera de Michael Powell, quien pasó de ser una figura central del cine británico a convertirse en un director defenestrado por la industria. Disponible en Movistar+, Cultpix. 

5. Psicosis (Psycho, 1960)

Director: Alfred Hitchcock. Reparto: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam, John McIntire, Simon Oakland, Frank Albertson, Patricia Hitchcock, Lurene Tuttle, Vaughn Taylor, John Anderson, Mort Mills. 
Anthony Perkins en Psicosis (1960)
La trama: Marion Crane, una joven secretaria, tras cometer el robo de un dinero en su empresa, huye de la ciudad y, después de conducir durante horas, decide descansar en un pequeño y apartado motel de carretera regentado por un tímido joven, Norman Bates, que vive en la casa de al lado con su madre. La tensión, el misterio y los giros inesperados crean un thriller psicológico que marcó para siempre el género.
CuriosidadesUna de las obras maestras del cine de Alfred Hitchcock y, sin duda, la más terrorífica. Psicosis contiene la famosa escena del asesinato de la ducha, que resulta sobrecogedora por su rápido montaje, su excelente fotografía en blanco y negro y por los acordes de violín de la música del maestro Bernard Herrmann. El resto de la película mantiene estas características con varios momentos memorables llenos de tensión. Todo el conjunto es una lección técnica de cómo narrar una historia en la pantalla, desde la meticulosa planificación, con inteligentes movimientos de cámara como el de la toma cenital en la escalera, hasta el uso de la elipsis, pasando por la utilización del croma o la profundidad de campo. Y por supuesto, estamos quizá ante unos de los mejores ejemplos de Macguffin dentro de la filmografía de Hitchcock. Disponible en Filmin. 

6. El estrangulador de Boston (The Boston Strangler, 1968)

Director: Richard Fleischer. Reparto: Tony Curtis, Henry Fonda, George Kennedy, Mike Kellin, Hurd Hatfield, Murray Hamilton, Jeff Corey, Sally Kellerman, Leora Dana, William Marshall, George Voskovec, Jeanne Cooper, Carolyn Conwell
Tony Curtis y Henry Fonda  en El estrangulador de Boston (1968)
La trama: Boston, 1962. La policía encuentra a una anciana estrangulada en su casa. Las pistas no conducen a ninguna parte. Después de varios asesinatos que siguen el mismo patrón, el criminal empieza a atacar a mujeres más jóvenes. El inspector Phil DiNatale (George Kennedy) asigna al detective John S. Bottomly (Henry Fonda,) para dirigir la investigación. Éste interroga a todo tipo de criminales son obtener resultados hasta que llega a Albert DeSalvo (Tony Curtis), un fontanero felizmente casado que dice ser inocente. Sin embargo, las pruebas demuestran lo contrario. Durante el interrogatorio, el criminal, que no recuerda nada, comienza a desmoronarse... El enfoque combina procedimiento policial y tensión psicológica para mostrar el caos y la incertidumbre de la época.
Curiosidades: Recreación de los trágicos sucesos reales que tuvieron lugar en la ciudad de Boston entre 1962 y 1964. Trece mujeres fueron horriblemente estranguladas por Robert de Salva. Cuando la policía consiguió detenerle, se descubrió que era un fontanero felizmente casado que llevaba una vida aparentemente normal. Era conocido con el macabro nombre de El Patito, debido a que sólo tenía tres dedos en una mano. La película sigue la aparición de los primeros cadáveres y como varios policías expertos llevaron a cabo la investigación. En un principio cuentan con pocas pistas, pero este hecho no les desanima. Disponible en Disney +. 
(cont.)

martes, 17 de marzo de 2026

Hace 100 años: Radiante juventud

El 17 de marzo de 1926 se estrenó la película estadounidense Radiante juventud  (Fascinating Youth), dirigida por Sam Wood e interpretada por Charles 'Buddy' Rogers, Ivy Harris, Jack Luden, Roland Drew, Claude Buchanan, Mona Palma, Thelma Todd, Josephine Dunn, Thelda Kenvin, Jean Fenwick, Dorothy Nourse, Irving Hartley, Gregory Blackton, Robert Andrews, Charles Brokaw, Iris Gray, Ralph Lewis, Joseph Burke. Productora: Paramount Pictures. Duración: 70 minutos. 
Sinopsis argumental: El seductor Teddy Ward quiere casarse con la artista Jeannie King; su padre quiere que se case con Loris Lane, pero le dice que puede casarse con su elección si logra que Mountain Inn sea una operación rentable.
ComentarioProducida para aprovechar el éxito de "School for Stars" de Paramount Pictures, un concepto de marketing que el estudio utilizaba para promocionar talentos. La promoción solo contó con un actor que se convertiría en una gran estrella: Charles "Buddy" Rogers. Esta comedia ligera incluyó cameos de estrellas consagradas como Clara Bow, Richard Dix y Adolphe Menjou. Es una película perdida sin copias ubicadas en ningún archivo cinematográfico, y solo sobrevive el tráiler.

"Todo lo que fuimos", de Cherien Dabis: la desgarradora historia de una familia palestina, atrapada entre el dolor y la resiliencia

A lo largo de tres generaciones, la historia de una familia expulsada de su tierra tras la creación del Estado de Israel. Una saga profunda y políticamente cargada donde el trauma y las ganas de vivir se transmiten.
Todo lo que fuimos (Allly baqi mink, 2025) es una película que conmueve, que nos conmueve, pero también nos deja con una extraña paz. No es que la palestino-estadounidense Cherien Dabis, quien está a ambos lados de la cámara, evite a sus personajes, atrapados en la vorágine de un conflicto más relevante que nunca. Pero la actriz y directora logra, a través de esta epopeya arrolladora y dolorosa (su segundo largometraje después de Amerrika en 2009), dar vida a la humanidad de sus protagonistas de una manera que permanece en el espectador mucho después de los créditos finales.
Durante una protesta en Cisjordania, un adolescente palestino se ve implicado en un conflicto que sacude la vida de toda su familia. Conmocionada, su madre Hanan narra la historia familiar que abarca tres generaciones durante 70 años, a través de las tensiones políticas y emocionales que les condujeron a tan fatídico momento.

Las 30 mejores películas basadas en psicópatas y dónde verlas (I)

Un recorrido por el cine que mejor ha explorado la mente fría, manipuladora y perturbadora de los grandes psicópatas de la ficción y del mundo real.
En esta selección no se habla de ‘asesinos en serie’ en sentido estricto, sino de psicópatas cinematográficos, personajes cuya perturbación, manipulación, frialdad o perversidad marcan el pulso de cada historia. Por eso no todas las películas incluidas giran necesariamente en torno a muertes ni requieren un patrón homicida para explorar esa mente desviada que las define: algunas se centran en el control, otras en la obsesión, la violencia emocional o la imposibilidad de empatizar. Además de los títulos presentes, hay muchas otras obras que encajarían perfectamente en esta mirada al lado más oscuro de la condición humana, como El estrangulador de Rillington Place (1971), Maniac (1980), Copycat (1995), El coleccionista de amantes (1997), El talento de Mr. Ripley (1999) o Monster (2003), todas ellas ejemplos potentes de cómo el cine ha diseccionado la psicopatía desde ángulos muy diferentes.

1. M, el vampiro de Düsseldorf (M: Eine Stadt sucht einen Mörder, 1931)

Director: Fritz Lang. Reparto: Peter Lorre, Ellen Widmann, Inge Landgut, Otto Wernicke, Theodor Loos, Gustaf Gründgens.
La trama: Un asesino de niñas tiene atemorizada a toda la ciudad de Berlín. La policía lo busca frenética y desesperadamente, deteniendo a cualquier persona mínimamente sospechosa. Por su parte, los jefes del hampa, furiosos por las redadas que están sufriendo por culpa del asesino, deciden buscarlo ellos mismos.  El ambiente opresivo y la tensión creciente muestran el miedo colectivo.
Peter Lorre en M, el vampiro de Düsseldorf (1931)
Curiosidades: Una de las primeras obras maestras del cine sonoro alemán. En su penúltimo trabajo antes de exiliarse de Alemania, el maestro Fritz Lang describe el contexto social de inestabilidad e inseguridad que potenció el auge del nazismo. Lang reclutó a delincuentes reales para dar autenticidad al submundo que persigue al asesino, un rodaje que se complicó por las detenciones de algunos de sus ‘actores’. Ese retrato áspero llamó la atención de Goebbels, que quiso reclutar al director para el aparato propagandístico nazi, una propuesta que aceleró su huida. Disponible en Prime Video, Filmin.

2. La noche del cazador (The Night of the Hunter, 1955)

Director: Charles Laughton. Reparto: Robert Mitchum, Shelley Winters, Lillian Gish, James Gleason, Evelyn Varden, Peter Graves, Don Beddoe, Billy Chapin, Sally Jane Bruce. 
La trama: Tras realizar un atraco en el que han muerto dos personas, Ben Harper regresa a su casa y esconde el botín confiando el secreto a sus hijos. En la cárcel, antes de ser ejecutado, comparte celda con Harry Powell y en sueños habla del dinero. Tras ser puesto en libertad, Powell, obsesionado por apoderarse del botín, va al pueblo de Harper, convertido en un falso predicador, enamora a su viuda y se casa con ella. El contraste entre inocencia y maldad impulsa una historia inquietante con imágenes poderosas y un tono casi de cuento siniestro.
Robert Mitchum en La noche del cazador (1955)
Curiosidades: Laughton nunca volvió a dirigir después del fracaso inicial de la película, pero en ese único intento volcó una mirada muy personal marcada por su fascinación por el expresionismo alemán, una influencia que, junto al trabajo de Stanley Cortez, definió la estética de sombras extremas y atmósfera inquietante que hoy sostiene su condición de obra de culto. Se trata de un fascinante dibujo de los miedos infantiles. Ensoñación, cuento con ogros y hadas, título terrorífico y fábula moral. Basada en el libro de Davis Grubb. Disponible en Filmin.

3. Mientras Nueva York duerme (While the City Sleeps, 1956)

Director: Fritz Lang. Reparto: Dana Andrews, Rhonda Fleming, Ida Lupino, George Sanders, Howard Duff, Thomas Mitchell, Vincent Price, Sally Forrest, John Drew Barrymore, James Craig, Robert Warwick, Mae Marsh, Vladimir Sokoloff, Pitt Herbert, Ralph Peters, Sandra White. 
La trama: Los periodistas del Sentinel están a punto terminar la edición del periódico. En los pasillos y en las mesas se conspira y se intriga para hacerse con la dirección del diario. Mientras tanto, un criminal que se dedica a matar mujeres jóvenes, tras cada asesinato, deja a la policía un mensaje escrito con pintalabios. En el periódico se establece una feroz competición: el primero que consiga la noticia de la captura del asesino "del pintalabios", tendrá todas las de ganar. Un redactor sin ambiciones consigue convencer a una secretaria de la que está enamorado para que sirva de cebo a fin de atraer al asesino, contando, por supuesto, con vigilancia policial. El ritmo tenso muestra cómo la búsqueda de poder eclipsa la justicia.
Dana Andrews en Mientras Nueva York duerme (1956)
Curiosidades: La figura del “asesino del pintalabios”, inspirada en los crímenes reales de William Heirens, sirve aquí como punto de partida para un relato que Lang orienta más hacia la disección del poder mediático que hacia el propio thriller, mostrando cómo la carrera por controlar un imperio periodístico distorsiona ambiciones y lealtades hasta convertir la investigación en un juego de intereses. Prensa y cine negro unidos en un título imprescindible del Hollywood de los años 1950, rodada en tan solo cinco semanas utilizando el sistema panorámico conocido como "Superscope" magistralmente resuelto gracias a la poderosa fotografía en blanco y negro de Ernest Laszlo. Adaptación de la novela The Bloody Spur, de Charles Einstein, donde se narra el devenir diario del periódico New York Sentinel.
(cont.)

lunes, 16 de marzo de 2026

Efemérides de cine: A la legión le gustan las mujeres... (y a las mujeres les gusta la legión)

El 16 de marzo de 1976 se estrenó la  película española A la legión le gustan las mujeres... (y a las mujeres les gusta la legión), dirigida por Rafael Gil e interpretada por Manolo Codeso, Luis Varela, Francisco Cecilio, Susana Mayo, Ricardo Palacios, María Salerno, Manuel Gil, Juanito Navarro, Venancio Muro, José Nieto, Tota Alba, Miguel Armario, Fernando Sancho, Mirta Miller, Mabel Escaño, Antonio del Real, Xan das Bolas, Luis Induni, Rafael Conesa, María Sanchez Aroca, Fernanda Hurtado, Carmen Martínez Sierra, Beni Deus. Productora: Coral P. C.. Duración: 95 minutos. 
Sinopsis argumental: En plena guerra civil española, una Bandera de la Legión Española ocupa un puesto en el frente sin excesivo riesgo cerca de un pueblo donde vive una chica llamada Pilar, la novia de un alférez reputado de dicha Bandera, justo tras las líneas enemigas. Cuatro legionarios cruzan dichas líneas enemigas para rescatar a la novia de las Brigadas Internacionales.
ComentarioUna de las comedias más populares de la última etapa de Rafael Gil, que llevó al cine a casi un millón de espectadores. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Volvimos a ver “Buckaroo Banzai” en Prime Video: una extraña e indescriptible película B

Las aventuras de Buckaroo Banzai (The Adventures of Buckaroo Banzai Across the 8th Dimension), dirigida por W. D. Richter, esta disparatada historia de invasión extraterrestre, estrenada en 1984, es ahora un clásico de culto en Estados Unidos. Es una oportunidad para descubrir esta película peculiar, poco conocida, protagonizada por Peter Weller como un "científico-músico-superhéroe".
La tramaBuckaroo Banzai, un prestigioso científico, neurocirujano, piloto de carreras, cantante de rock y héroe de cómics, en una de sus investigaciones, abre una puerta a otra dimensión. El problema es que la referida dimensión está siendo empleada como cárcel por una raza alienígena, y la Tierra se ve amenazada de ser invadida o destruida por la policía alienígena. De modo que Buckaroo, con ayuda de su guardaespaldas, sus colegas científicos, el grupo de rock, algunos de sus fans, un embajador alienígena y un cantante de country tejano tomará cartas en el asunto...
De la guitarra al piano, pasando por la trompeta de bolsillo… El multiinstrumentista Peter Weller (futuro Robocop) ofrece un espectáculo en el escenario con su banda, The Hong Kong Riders. Esta irresistible secuencia de concierto contribuyó a la fama de Las aventuras de Buckaroo Banzai a través de la octava dimensión, una curiosidad con una trama indescriptible —básicamente, salvar la Tierra de una invasión alienígena— que mezcla géneros (comedia, romance, acción) y su héroe es multifacético (neurocirujano, piloto de pruebas, estrella de rock).
El largometraje de W.D. Richter fusiona innumerables versiones del guionista Earl MacRauch. Estimulante sobre el papel, este frenético collage e historia alocada.

Cinco películas de ciencia-ficción que merecieron ganar el Oscar a mejor película (II)

(cont.)

3. Blade Runner (1982)

Dirección: Ridley Scott. Interpretación: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Edward James Olmos, Joanna Cassidy, Daryl Hannah, M. Emmet Walsh, Brion James, William Sanderson, Joe Turkel, James Hong, Morgan Paull. 
La trama: Noviembre de 2019. A principios del siglo XXI, la poderosa Tyrell Corporation creó, gracias a los avances de la ingeniería genética, un robot llamado Nexus 6, un ser virtualmente idéntico al hombre pero superior a él en fuerza y agilidad, al que se dio el nombre de Replicante. Estos robots trabajaban como esclavos en las colonias exteriores de la Tierra. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de Nexus-6, los Replicantes fueron desterrados de la Tierra. Brigadas especiales de policía, los Blade Runners, tenían órdenes de matar a todos los que no hubieran acatado la condena. Pero a esto no se le llamaba ejecución, se le llamaba "retiro". Tras un grave incidente, el ex Blade Runner Rick Deckard es llamado de nuevo al servicio para encontrar y "retirar" a unos replicantes rebeldes. 
Harrison Ford en Blade Runner (1982)
Basada en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (Do Androids Dream of Electric Sheep? 1968), de Philip K. Dick. Ridley Scott y Harrison Ford dieron forma a una auténtica obra maestra del género. Una cautivadora obra retro-futurista, con una fotografía excelsa que fue, es y será siempre una de las grandes películas de ciencia ficción. Sin embargo, no fue nominada a mejor película. Disponible en Movistar Plus+, Prime video, Filmin y HBO Max.

4. Interstellar  (2014)

Dirección: Christopher Nolan. Interpretación: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine, Casey Affleck, John Lithgow, David Gyasi, Mackenzie Foy, Wes Bentley, Timothée Chalamet, Topher Grace, David Oyelowo, Matt Damon, Ellen Burstyn, Leah Cairns, Collette Wolfe, William Devane, Francis X. McCarthy, Andrew Borba.
La trama: Un futuro de tintes apocalípticos, no muy lejano. Los habitantes de la Tierra han abusado de los recursos naturales, el clima ha cambiado y la mayor parte de la población ha debido reciclarse como granjeros, para producir alimentos que les permitan subsistir, enfrentados a plagas y tormentas de polvo. Es el caso de Cooper, antiguo astronauta, viudo, que vive con su anciano padre y dos jóvenes hijos, el adolescente Tom, que se siente cómodo como futuro granjero, y la niña Murph, soñadora como su padre. Unos extraños mensajes codificados de los "fantasmas", como los llama Murph, conducen a Cooper a unas instalaciones secretas de la NASA. Allí su antiguo mentor, el profesor Banks, trabaja en el proyecto Lazarus, un viaje interestelar a mundos lejanos a través de un agujero de gusano, donde tres planetas con características similares a la Tierra podrían asegurar el futuro de la humanidad.
Matthew McConaughey y Anne Hathaway en Interstellar (2014)
Ambiciosa cinta épica de ciencia ficción, de amplio y espectacular lienzo, dirigida por Christopher Nolan, coescrita con su hermano Jonathan, y coproducida con su esposa Emma Thomas. La que para muchos —el debate siempre estará servido— es la mejor película de Christopher Nolan ganó el Oscar a mejores efectos visuales, pero ni siquiera estuvo nominada a Mejor Película, algo que cualquier fan de la ciencia ficción considera una injusticia. Con premios o sin ellos, es una de las películas más aclamadas que existen dentro del género. Disponible en HBO Max y Movistar Plus+. 

5. La llegada (Arrival, 2016)

Dirección: Denis Villeneuve. Interpretación: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Nathaly Thibault, Mark O'Brien, Tzi Ma, Abigail Pniowsky, Pat Kiely. 
La tramaLa doctora Louise Banks. La mayor experta en lenguas del planeta. Que conoce lo que es el dolor, perdió a una hija en edad universitaria, seguramente por un cáncer. A punto de comenzar a impartir una clase en la facultad donde trabaja, se entera, como el resto del mundo, del aterrizaje de 12 naves espaciales en otros tantos puntos diferentes del planeta. Una de ellas está en montana, y Louise es requerida, junto a otros muchos expertos en distintos campos de la ciencia, como el matemático Ian, para tratar de comunicarse y entender cuáles son las intenciones de los visitantes extraterrestres. La situación es delicada, pues la población está asustada, se han producido disturbios y saqueos, reacciones violentas de todo tipo, más los planteamientos de distintos tipos de iluminados. Además, países como China y Rusia, se muestran más temerosos y podrían responder con un ataque militar preventivo.
Jeremy Renner y Amy Adams en La llegada (2016)
Adaptación del relato corto The Story of Your Life del escritor Ted Chiang, ganador de los reconocidos premios de ciencia ficción Hugo y Nebula. No es raro ver a muchos aficionados del cine referirse a ella como una de las grandes películas de ciencia-ficción del siglo XXI. La obra de Denis Villeneuve pone sobre la mesa lo que parece una invasión extraterrestre, aunque su mensaje va mucho más allá del clásico enfrentamiento entre humanos y alienígenas. Fue nominada al Oscar a mejor película 2016, pero la ganadora resultó ser Moonlight de Barry Jenkins, obtuvo el de mejores efectos sonoros.  Disponible en Netflix.

domingo, 15 de marzo de 2026

Hace 100 años: The New Klondike

El 15 de marzo de 1926 se estrenó la película estadounidense The New Klondike, dirigida por Lewis Milestone e interpretada por Thomas Meighan, Lila Lee, Paul Kelly, Tefft Johnson, Hallie Manning, Robert W. Craig, George De Carlton,
Jack W. Johnston, Brenda Lane, Danny Hayes. Productora: Famous Players-Lasky Corporation. Duración: 80 minutos. 
Sinopsis argumentalEl lanzador de un pequeño pueblo Thomas Kelly (Thomas Meighan ) es enviado a los entrenamientos de primavera con su equipo de béisbol en Florida, pero es despedido por el celoso mánager del equipo, Joe Cooley (Jack W. Johnston). Kelly es entonces convencido de ser el famoso patrocinador de una inmobiliaria de Florida, y sus antiguos compañeros invierten dinero en la empresa a través de él. Aún celoso de la popularidad de Kelly, Cooley conspira con el corredor de bolsa corrupto Morgan West (Robert Craig) para venderle a Kelly y a los inversores un terreno pantanoso sin valor. Kelly y sus amigos pierden su dinero, pero Kelly lucha por recuperar las pérdidas. Finalmente, amasó una fortuna, pagó a los inversores y fue nombrado mánager del equipo en lugar de Cooley.
ComentarioLa película se ambienta en el contexto del auge inmobiliario de Florida de la década de 1920 y se erige como el primer encargo cinematográfico de Ben Hecht. Una copia de The New Klondike se conserva en el archivo cinematográfico de la Biblioteca del Congreso. Es una copia de 35 mm a la que le falta un carrete.

Retrospectiva: El temible burlón

Hoy recordamos la película, en coproducción Estados Unidos-Reino Unido, El temible burlón (The Crimson Pirate, 1952), dirigida por por Robert Siodmak, y protagonizada por Burt Lancaster, Nick Cravat, Eva Bartok, Torin Thatcher, James Hayter, Leslie Bradley, Margot Grahame, Dana Wynter, Christopher Lee, Noel Purcell, Frederick Leister, Frank Pettingell, Eliot Makeham, Ewan Roberts, John Chandos, Charles Farrell. Producida por Norman Deming y Harold Hecht para Warner Bros. 
Nick Cravat y Burt Lancaster en El temible burlón (1952)
La tramaSiglo XVIII. Narra las correrías de un pirata y su acrobático e inseparable compañero, unos temibles corsarios que aterrorizan a las tripulaciones de los barcos que navegan por el Mar Caribe. Se trata de una emocionante aventura que no solo implica fugas de presos, grandes navíos y luchas navales sino que también se suceden numerables luchas con espadas y la aparición de un excéntrico científico.
Vibrante muestra del cine de piratas que Burt Lancaster protagoniza y produce en una fulgurante muestra de diversión y espectáculo. La película recuerda así su azarosa vida, cuando al cumplir la mayoría de edad se metió a acróbata de un circo. La historia parte de un guión original de Roland Kibbee, que en 1974 codirigiría con el actor El hombre de la medianoche. En el mismo, un pirata se enfrenta al delegado del gobierno español en la isla de Cobra, ya que se ha enamorado de la hija del líder revolucionario local (encarnada por Eva Bartok).
Burt Lancaster, Eva Bartok y James Hayter en El temible burlón (1952)
Para las escenas de batalla se usaron 900 extras en una filmación que tuvo lugar en la isla de Ischia, en Nápoles. La producción fue bastante compleja porque el guión no estaba terminado al comenzar el rodaje.