viernes, 14 de junio de 2024

trece cuentos de fantasía épica para ver (I)

Desde damiselas en apuros hasta dragones en el cielo, la fantasía épica ha estado capturando la imaginación de los fanáticos del cine y la televisión durante décadas. El subgénero generalmente se define por la gran naturaleza de su entorno, trama, personajes o temas y, por lo general, se desarrolla en un mundo diferente o en una versión muy alterada del nuestro. Como fanático devoto de todos los géneros, nunca pierdo la oportunidad de emprender una aventura en algún lugar nuevo, ya sea en los bosques teñidos de terror de El Continente o a través de un desgarro en la realidad hacia un universo paralelo. Si Vd. es como nosotros, la temporada 2 de La casa del Dragón (House of the Dragon) solo alimentará esa necesidad de más fantasía, así que, entre lanzamientos de episodios, ¡vea estas series y películas! 

1. Jasón y los argonautas (Jason and the Argonauts, 1963), de Don Chaffney 

A Pelías, usurpador del trono de Tesalia, le ha sido profetizado que Jasón un día volverá y le arrebatará el trono que le corresponde y, que si lo matase, él moriría también. Cuando ese día llega Pelías engaña al héroe haciéndose pasar por noble y diciéndole que el tirano se rendirá si encuentra el místico y misterioso vellocino de oro que se haya en la remota Cólquida. Siguiendo su consejo Jasón organiza unos juegos y escoge como tripulación para su nave Argo a héroes de toda Grecia, entre los que se encuentran Cástor, Peleo e incluso Hércules, pero también Acasto, hijo de Pelías. Con ellos emprenderá su viaje y se enfrentarán con gigantes de bronce y toda serie de monstruos. Aunque cuentan con la protección de Hera, reina de los dioses, Zeus solo le concede intervenir a su favor en cinco ocasiones.
Don Chaffey aceptó el testigo tendido por Ray Harryhausen, el rey de la técnica stop motion, para dirigir esta película. Harryhausen fue la mente creadora detrás de la adaptación del mito griego a la gran pantalla. Y aunque Jasón y los Argonautas fue un fracaso en taquilla, el tiempo la ha colocado en su sitio como una de las mejores películas de cine fantástico y de aventuras de todos los tiempos. De hecho, su secuencia de lucha en la que Jasón se enfrenta a siete esqueletos animados es considerada de los mejores trabajos del técnico.

2. Furia de titanes (Clash of the Titans, 1981), de Desmond Davis

Cuando el rey de Argos está a punto de sacrificar a su hija Dánae y a su nieto Perseo, Zeus (padre del niño) decide salvarlos y arrasar la ciudad. Perseo crece feliz hasta que la diosa Thetis para vengarse de Zeus, que ha castigado a su hijo Calibos con una horrible deformidad, lo secuestra y lo abandona a su suerte. Al conocer la noticia, Zeus ordena a los demás dioses que ofrezcan a su hijo regalos que le permitan defenderse: una espada capaz de cortar la piedra, un casco que lo vuelve invisible y un escudo que lo hace invulnerable. Con estas armas se dirige a la ciudad de Joppa, cuya princesa es víctima de una maldición.
Imaginativo espectáculo que toma pie de la mitología griega para mostrar a dioses del Olimpo, bravos mortales y monstruos increíbles. Destaca el "divino" reparto, el más repleto de estrellas en que haya intervenido Ray Harryhausen: Maggie Smith, mujer del guionista de la película, Beverley Cross, en el papel de Tetis, Laurence Olivier (Zeus), Claire Bloom (Hera), Burgess Meredith (Amón) y Ursula Andress (Afrodita). Ray Harryhausen, el rey de la técnica "stop-motion", en que los muñecos se animan fotograma a fotograma, empezó su trabajo en esta película en 1979, y diseñó a lo largo de un año 244 planos animados diferentes, que requirieron 202 escenarios: las criaturas y las miniaturas del decorado fueron cuidadosamente alineadas para que unas y otras encajaran a la perfección. Se tardaba entre 3 horas y 3 días en la preparación de los escenarios, según su menor o mayor complejidad.

3. Conan, el Bárbaro (Conan the Barbarian, 1982), de John Milius

Un niño que pertenece a una tribu primitiva graba en su memoria los rostros de los guerreros que han exterminado a su familia y a él lo han vendido a unos mercaderes de esclavos. Años después, el joven se ha convertido en un forzudo y valiente guerrero. 
Adaptación para el cine de las aventuras del famoso personaje literario creado por Robert E. Howard y llevado al cómic de la mano de Barry Windsor-Smith. La película resultó un éxito y alumbró el nacimiento de una nueva estrella del celuloide: un culturista austríaco llamado Arnold Schwarzenegger. La cinta se rodó íntegramente en España. Los decorados se construyeron en varios hangares abandonados de la base militar de Torrejón de Ardoz y los exteriores se rodaron en la sierra madrileña, en las montañas próximas a Segovia, en el Bosque Encantado de Cuenca y en los desiertos y playas de Almería. Además, también intervino en la película un actor español: un jovencísimo Jorge Sanz que encarnó a Conan en el periodo de su infancia. Basil Poledouris es la mano detrás de la batuta de la banda sonora original que le puso música al primer Conan del cine y aunque la música de Conan, el Bárbaro no llegó a llevarse ningún premio, hemos de admitir que sigue siendo mágica. Gracias a ella Conan, el Bárbaro se consagró como un viaje irrepetible a la Edad Hyboria, y también un referente del cine de espada y hechicería, un subgénero del cine fantástico. 

4. Cristal oscuro (The Dark Crystal, 1982), de Jim Henson y Frank Oz

En otro mundo, en otro tiempo, en la era de la maravilla, hace mil años el Cristal Oscuro se quebró. El caos y la confusión se extendieron por todo el planeta Thra. Así empezó la profecía y aparecieron dos nuevas razas: los crueles skekses y los apacibles místicos. Si nadie repara el cristal, los skekses dominarán Thra hasta el fin de los tiempos. Será Jen, el último superviviente de los Gelfings, quien intente restaurar el cristal y acabar con el mal para siempre.
Si es de Jim Henson y tiene marionetas no puede ser malo, por mucho que haya envejecido de aquella manera. Un ejemplo de ello es Cristal Oscuro, el intento del 'marionetista' de inmortalizar su propia saga épica de fantasía. Cristal Oscuro (The Dark Crystal) es el colofón de un relato mitológico de Henson ambientado en la tierra fantástica de Thra, hogar de elfos y criaturas de leyenda.

5. La historia interminable (Die unendliche Geschichte, 1984), de Wolfgang Petersen

Escondido en el desván de su colegio, Bastian devora durante las horas de clase un libro enigmático, ”La historia interminable”, que relata la paulatina destrucción del Reino de Fantasía. Una especie de ”Nada” misteriosa destruye el país y a las criaturas que lo habitan. A medida que avanza en la lectura, Bastian se da cuenta de que la salvación de Fantasía depende de él; de que consiga entrar dentro del libro...
Primera película en lengua inglesa del director alemán Wolfgang Petersen, quien a partir de ese momento trabajó ya en los Estados Unidos, firmando títulos como En la línea de fuego o La tormenta perfecta. Petersen adaptó la famosa novela homónima de Michael Ende y consiguió crear un mundo de fantasía, lleno de imaginación y personajes memorables (muchos de ellos hechos con marionetas), que cautivó a miles de niños de todo el mundo y los animó a practicar la lectura. El gran éxito de la cinta hizo que le siguieran dos secuelas y que la novela de Ende ganara todavía más popularidad entre el público infantil. A pesar de ello, Ende se mostró en desacuerdo con la versión cinematográfica de su obra literaria y pidió que su nombre no apareciera en los títulos de crédito.
(cont.) 

Películas de la semana: 14 de junio

Sombras del pasado

Título original: Sleeping Dogs. Dirección: Adam Cooper. País: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 110 minutos. Género: Thriller. Alzheimer. Interpretación: Russell Crowe, Karen Gillan, Marton Csokas, Tommy Flanagan, Thomas M. Wright, Harry Greenwood, Pacharo Mzembe, Lynn Gilmartin, Paula Arundell, Elizabeth Blackmore, Kelly Greyson, Arthur Angel. Guion: Bill Collage, Adam Cooper. Novela: El libro de los espejos de  E.O. Chirovici. Producción: Adam Cooper. Música: David Hirschfelder. Fotografía: Ben Nott. Productora: Nickel City Pictures, Film Victoria, Gramercy Park Media, Highland Film Group, Screen Australia. Distribuidora: Yourplanet. Estreno en España: 14 de junio de 2024. Sinopsis: Roy Freeman, detective de la policía retirado, con problemas de amnesia próximos al alzheimer por el consumo de sustancias, está recibiendo un tratamiento experimental. Lo que coincide con una llamada de una activista que le habla de que el condenado por un antiguo caso está a punto de recibir la pena capital, y que es inocente. De modo que entre la nebulosa de su memoria, con post-its al estilo Memento, decide enfrentarse al pasado, el asesinato de un profesor universitario, y pronto encuentra algunos elementos turbios relacionados con gente de la facultad y de una investigación que llevaban a cabo, con veteranos de guerra y vídeos de contenido sexual. Debut en la dirección del australiano Adam Cooper, guionista de títulos no memorables como Assassin's Creed.

Vidas perfectas

Título original: Mothers' Instinct. Dirección: Benoît Delhomme. País: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 94 minutos. Género: Intriga. Drama. Años 1960. Remake. Amistad. Interpretación: Anne Hathaway, Jessica Chastain, Barbara Abel, Anders Danielsen Lie, Caroline Lagerfelt, Alexander Blaise, Scott Robertson, Eamon Patrick O'Connell, Baylen D. Bielitz. Guion: Sarah Conradt-Kroehler. Novela: Derrière la haine de Barbara Abel. Producción: Jessica Chastain, Anne Hathaway. Música: Anne Nikitin. Fotografía: Benoît Delhomme. Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Freckle Films, ACE, Mosaic Media Group, Versus Production. Distribuidora: Vértice 360. Estreno en España: 14 de junio de 2024. Sinopsis: Dos familias vecinas, amigas del alma, en la década de 1960 del presidente Kennedy, con estupendas casas unifamiliares de preciosos jardines. En ambos casos tienen un único hijo de ocho años, que son muy amigos y van al mismo colegio, por distintas razones. Celine y Damian no pueden tener más niños después del nacimiento de Max, mientras que Alice y Simon no quieren por ahora aumentar la familia, se conforman con Theo. Sus vidas de apariencia perfecta se ven trágicamente sacudidas por la muerte accidental de Max, Alice no logra evitarla ni avisar a tiempo a Celine. Es época de duelo, en que una madre no parece capaz de perdonar a la otra, aunque al rechazo luego seguirá un comportamiento obsesivo, en que Alice comienza a pensar que la vida de Theo corre peligro. Benoît Delhomme debuta en la dirección con un remake en inglés de la película belga Instinto maternal (Duelles, 2018), de Olivier Masset-Depasse. 

La bandera

Dirección: Martín Cuervo. País: España. Año: 2024. Duración: 89 minutos. Género: Comedia. Drama. Comedia dramática. Interpretación: Imanol Arias, Aitor Luna, Miquel Fernández, Ana Fernández. Guion: Guillem Clua. Argumento:  Obra de teatro de Guillem Clua. Producción: Adolfo Blanco, Eduardo Campoy. Música: Iván Valdés. Fotografía: Pablo Bürmann. Productora: Álamo Producciones Audiovisuales. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 14 de junio de 2024. Sinopsis: Jesús, empresario de éxito, y su hermano Antonio, artista, acuden al chalet de su padre viudo, Tomás, que les ha invitado a comer. Allí está también Lina, la biógrafa de Tomás, que dedica las horas a tomar notas de las aventuras y de las increíbles anécdotas de la vida de Tomás, a lo largo de la cual a conocido a numerosas personalidades públicas. Sin embargo, en el transcurso de la reunión los hijos descubrirán que su padre ha plantado una enorme bandera en su jardín, una decisión que llevará a la discordia entre los dos hermanos y su padre. El guionista Guillem Clua adapta para la pantalla su propia obra teatral, una historia de padres e hijos, de relaciones familiares, de herencias y sinceridades.

Respira

Título original: Breathe. Dirección: Stefon Bristol.
País
: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 93 minutos. Género: Acción. Thriller. Ciencia-ficción. Futuro postapocalíptico. Supervivencia. Interpretación: Jennifer Hudson, Milla Jovovich, Sam Worthington, Quvenzhané Wallis, Common, Raúl Castillo, James Saito, Dan Martin, Kaliswa Brewster. Guion: Doug Simon. Música: Isabella Summers. Fotografía: Felipe Vara de Rey. Productora: Capstone Studios, Thunder Road Pictures. Distribuidora: DeAPlaneta. Estreno en España: 14 de junio de 2024. Sinopsis: Brooklyn, 2039. El planeta ha sufrido una hecatombe y ahora la atmósfera es irrespirable debido a su escasa cantidad de oxígeno. En un pequeño búnker preparado con alta tecnología para la supervivencia se refugian Maya (Jennifer Hudson) y su hija adolescente Zora (Quvenzhané Wallis). Las cosas se complicarán para ellas cuando llegan hasta allí una mujer (Milla Jovovich) y un hombre (Sam Worthington) que les piden ayuda para acceder a su tecnología y así poder salvar a un puñado de compañeros ocultos en un refugio de Filadelfia. Una película distópica cuyo planteamiento catastrofista, sin ser demasiado original, tenía elementos para haber alcanzado altura.

El cielo rojo

Título original: Roter Himmel AKA Afire. Dirección: Christian Petzold. País: Alemania. Año: 2023. Duración: 102 minutos. Género: Drama. Comedia. Literatura. Interpretación: Thomas Schubert, Paula Beer, Langston Uibel, Enno Trebs, Matthias Brandt, Jennipher Antoni, Esther Esche, Assunta Hamm, Markus Schweiger, Ralph Barnebeck, Sven Tarnowski, Mario Fürstenberg. Guion: Christian Petzold. Fotografía: Hans Fromm. Montaje: Bettina Böhler. Diseño de producción: Klaus-Dieter Gruber. Dirección artística: Petra Ringleb. Productora: Schramm Film Koerner & Weber, The Match Factory, ZDF/Arte, Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF). Distribuidora: Filmin. Premios y nominaciones:  Festival de Berlín: Gran Premio del Jurado; Premios del Cine Europeo (EFA): Nominada a mejor actor. Estreno en España: 14 de junio de 2024. Sinopsis: Un verano caluroso y seco, como tantos en los últimos años. Los incendios forestales son incontrolables. Cuatro jóvenes desconocidos entre ellos, por distintas razones, comparten una casa de verano al lado de la playa. Uno de ellos es Leon (Thomas Schubert), un escritor engreído y estancado en su última obra que se va de vacaciones con su amigo, de carácter opuesto, Felix (Langston Uibel). Devid (Enno Trebs), por su lado, es el socorrista de la playa y Nadja (Paula Beer), quien ya estaba en la casa cuando los demás llegaron, es una chica misteriosa y escurridiza que va arriba y abajo con su bicicleta.

Green Border

Título original: Zielona granica. Dirección: Agnieszka Holland. País: Polonia. Año: 2023. Duración: 147 minutos. Género: Drama. Inmigración. Interpretación: Behi Djanati Atai, Jan Aleksandrowicz-Krasko, Jalal Altawil, Maja Ostaszewska, Tomasz Wlosok, Al Rashi Mohamad, Dalia Naous, Monika Frajczyk, Jasmina Polak, Maciej Stuhr, Agata Kulesza, Michal Zielinski. Guion: Gabriela Lazarkiewicz-Sieczko, Maciej Pisuk, Agnieszka Holland. Producción: Agnieszka Holland. Música: Frédéric Vercheval. Fotografía: Tomasz Naumiuk. Productora: Coproducción Polonia-Francia-República Checa-Bélgica; Astute Films, Blick Productions, Beluga Tree, Canal+ Polska, Centre du Cinéma et de l'Audiovisuel, Metro Films, Marlene Film Production. Distribuidora: Vercine. Estreno en España: 14 de junio de 2024. Sinopsis: Una familia siria busca refugio en Europa, y espera que les concedan el asilo político por un camino “fácil”, viajando por vía aérea a Bielorrusia para pasar la frontera a Polonia. Y allí, ya en la Unión Europea, podrán pasar a Suecia, donde les aguardan unos parientes, que han pagado todos los gastos del desplazamiento. Pero no es tan sencillo, tampoco para una mujer afgana que se les une. Porque en la frontera boscosa, la frontera verde, hay un juego geopolítico donde ellos son peones: los bielorrusos de Alexander Lukashenko, espoleados por Vladimir Putin, empujan a que todo tipo de inmigrantes procedentes de Oriente Medio, crucen al otro lado, al modo de “proyectiles humanos”; y en Polonia, las autoridades los devuelven “en caliente”, para que no se les cuelen criminales o terroristas. Se trata de una especie de lamentable partida de ping-pong donde los seres humanos son las pelotas. Una situación que se hace insoportable para Jan, uno de los guardias fronterizos, cuya esposa está embarazada, y a la que tratan de poner remedio un grupo de activistas que prestan ayuda humanitaria, al que se sumará Julia.

Eureka

Dirección: Lisandro Alonso. País: Argentina. Año: 2023. Duración: 146 minutos. Género: Drama. Western. Fantástico. Policíaco. Siglo XIX. Película de episodios. Interpretación: Viggo Mortensen, Chiara Mastroianni, Alaina Clifford, Sadie LaPointe, Viilbjørk Malling Agger, Adanilo, Márcio Mariante, Rafi Pitts, Luísa Cruz. Guion: Lisandro Alonso, Fabián Casas, Martín Camano. Fotografía: Timo Salminen, Mauro Herce. Productora: Coproducción Argentina-Francia-Alemania-Portugal-México; 4L, Luxbox, Komplizen Film, Woo Films, Rosa Filmes, Fortuna Films. Distribuidora: Atalante. Premios y nominaciones:  Festival de Sevilla: Nominada a Giraldillo de Oro- Mejor película; Festival de Gijón: Premio a la Distribución. 2 nominaciones. Estreno en España: 14 de junio de 2024. Sinopsis: Alaina está cansada de ser oficial de policía en la reserva de Pine Ridge y decide dejar de contestar su radio. Su sobrina Sadie pasa una larga noche esperándola, sin éxito. Herida, decide emprender su viaje con la ayuda de su abuelo: volará a través del tiempo y el espacio hasta Sudamérica, finalmente dejará de ver viejos westerns en blanco y negro que no la representan de ninguna manera, y todo se sentirá diferente. cuando escucha los sueños de otras personas, las que viven en el bosque. Pero no habrá conclusiones definitivas…

La patria perdida

Título original: Lost CountryDirección: Vladimir Perisic. País: Serbia. Año: 2023. Género: Drama. Años 1990. Política. Interpretación: Jovan Ginic, Jasna Djuricic, Miodrag Jovanovic, Lazar Kocic, Pavle Cemerikic, Dusko Valentic, Helena Buljan, Ana Simeunovic, Boris Isakovic, Marija Skaricic, Despot Ilibasic, Janko Milicevic, Goran Navojec, Branka Petric, Vinko Kraljevic, Aleksandar Djurica, Andrej Jovovic, Dubravka Kovjanic, Vanja Ginic, Marko Arsic, Maja Juric, Marko Basic. Guión: Vladimir Perisic, Alice Winocour. Producción: Omar El Kadi, Janja Kralj, Vladimir Perisic, Nadia Turincev. Fotografía: Sarah Blum, Louise Botkay Mathieu Giombini. Montaje: Jelena Maksimovic. Martial Salomon. Diseño de producción: Daniela Dimitrovska, Iva Ilic. Dirección artística: Marina Markovic. Vestuario: Milica Kolaric. Productora: Coproducción Serbia-Francia-Croacia-Luxemburgo-Catar; Easy Riders Films, KinoElektron, Kinorama, arte France Cinéma, Trilema, Red Lion Sarl. Distribuidora: Surtsey Films. Estreno en España: 14 de junio de 2024. Sinopsis: Serbia, 1996. Durante las manifestaciones estudiantiles contra el régimen de Milosević, Stefan, de 15 años, tiene que pasar por la revolución más dura de todas. Tiene que enfrentarse a su amada madre, portavoz y cómplice del gobierno corrupto contra el que se levantan sus amigos. 

The Arctic Convoy

Título original: Konvoi. Dirección: Henrik Martin Dahlsbakken. País: Noruega. Año: 2023. Duración: 108 minutos. Género: Acción. Thriller. Drama. II Guerra Mundial. Basado en hechos reales. Interpretación: Tobias Santelmann, Anders Baasmo, Fredrik Stenberg Ditlev-Simonsen, Adam Lundgren, Jakob Fort, Preben Hodneland, Heidi Ruud Ellingsen, Jon Ranes, Kristian Repshus, Olav Waastad, Tord Kinge. Guion: Lars Gudmestad, Harald Rosenløw-Eeg, Christian Siebenherz. Música: Johannes Ringen. Fotografía: Oskar Dahlsbakken. Productora: Fantefilm. Distribuidora: Alfa Pictures. Estreno en España: 14 de junio de 2024. Sinopsis: 1942. El gobierno noruego ha tomado el camino del exilio dejando el país al albur de los alemanes. En esta tesitura una forma de ayudar al esfuerzo bélico contra los nazis la proporciona la marina mercante, numerosos barcos con su tripulación civil transportan suministros para la Unión Soviética, con la escolta de barcos de guerra de los aliados. Pero en uno de sus viajes entre Islandia y Murmansk, se retira esta protección sin explicación alguna. Skar, el capitán de unos de los barcos, insiste tozudamente en poner motores a toda máquina y seguir hacia su destino, mientras su segundo, con amarga experiencia bélica, Mørk, es partidario de dar marcha atrás y regresar al punto de partida. El ataque de los stukas alemanes obliga a defenderse y a tomar difíciles decisiones.

Campeón

Título original: Strijder. Dirección: Camiel Schouwenaar. País: Países Bajos (Holanda). Año: 2022. Duración: 90 minutos. Género: Drama. Basado en hechos reales. Discapacidad. Fútbol. Adolescencia. Amistad. Interpretación: Maik Cillekens, Anouar Kasmi, Kailani Busker, Mohammed Tijani, Martijn Fischer, Maartje van de Wetering, Walid Benmbarek, Soufiane Touzani, Kailani Busker, Terence Schreurs, Ali Ben Horsting, Jonathan Huisman, Indira Flipse. Dylan Monteiro Semedo, Justin Breeveld, Martin van Waardenberg, Terence Schreurs, Jonathan Huisman, Bram Van der Heijden, Eva Wennekers, Naomi van der Linden.  Guion: Camiel Schouwenaar, Job Tichelman. Música: Lennert Busch, Floris de Haan. Fotografía: Marc de Meijer. Montaje: Patrick Schonewille. Dirección artística: Camille van Zadelhoff. Vestuario: Heleen Heintjes, Els Schut. Productora: Ostlicht Filmproduktion, Rinkel Film. Distribuidora: European Dreams Factory. Estreno en España: 14 de junio de 2024. Sinopsis: Dylan tiene 13 años y su vida gira en torno al fútbol. Comparte esta pasión con Youssef, su mejor amigo. Cuando descubren que pronto se celebrará una competición para chicos de su edad, la Copa Touzani, deciden prepararse para participar junto al resto de su equipo. Una grave lesión producida en un accidente fortuito parece dar al traste con la ilusión de Dylan. Pero él está convencido de su recuperación y de la victoria en el torneo.

Benedetti, sesenta años con Luz 

AKA Benedetti, 60 años con Luz. Dirección: Andrés Varela. País: Uruguay. Año: 2022. Duración: 80 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental. Intervenciones: Luz López Alegre, Mario Benedetti. Guion: Andrés Varela. Música: Hernán González Villamil, Anderson de Oliveira. Fotografía: César Charlone. Productora: Coral Cine. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 14 de junio de 2024. Sinopsis: Mario Benedetti y Luz López se conocieron en la adolescencia, él se volvió escritor y ella empleada pública. Juntos compartieron la vida, el exilio, los fracasos, el éxito, los amigos y el amor. Sesenta años y ochenta libros después, Luz padece Alzheimer, olvida todo su pasado y finalmente a Mario, justo antes de morir... La película reconstruye esta memoria con la mirada puesta en el autor y en el amor que los unió. El director Andrés Varela desvela los momentos más importantes de la vida de Benedetti. Vivió una infancia dura debido a la mala relación entre sus padres y a los catorce años se vio obligado a dejar los estudios para llevar dinero a casa con trabajos de todo tipo. Él mismo se financió sus primeros libros, mientras Luz –a quien había conocido cuando ella tenía doce– trabajaba en la aduana. Ambos se casaron en 1946. Diez años más tarde, con su libro de Poemas de la oficina, alcanzó el éxito y la fama de modo muy repentino.

La primera mirada

Dirección: Luis E. Parés. País: España. Año: 2023. Duración: 74 minutos. Género: Documental. Documental sobre cine. Reparto: Documental. Intervenciones: Pedro Casablanc, Aitana Sánchez-Gijón. Guion: Luis E. Parés, Luis Deltell, José Manuel Carrasco. Música: Bruno Dozza. Productora: Pantalla Partida Producciones, Malvalanda. Estreno en España: 14 de junio de 2024. Sinopsis: Luis E. Parés debuta en el largometraje con La primera mirada, un documental sobre la primera escuela de cine que hubo en España. Fundada en 1947 como Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC), en 1962 pasó a llamarse Escuela Oficial de Cinematografía (EOC). Nacida en pleno franquismo, fue un reducto de libertad y de ella salieron nombres como Berlanga, Bardem, Saura, Picazo, Borau, Camus, Martín Patino, Mercero y Erice, también Josefina Molina, Cecilia Bartolomé o Pilar Miró. Parés rescata las prácticas fílmicas de aquellos cineastas en ciernes, olvidadas hasta que Filmoteca Española las restauró, para contar la historia de aquella escuela y de todo un país. La proyección, en estreno mundial, se acompaña de una selección de aquellas prácticas, que salen a la luz por primera vez y que podrán verse en otra sesión.

Pico de Oro y sus amigos

Título original: Goldbeak. Dirección: Nigel W. Tierney, Dong Long. País: China. Año: 2023. Duración: 94 minutos. Género: Animación. Comedia. Infantil. Reparto: Animación. Guion: Robert N. Skir, Jeff Sloniker, Vivian Yoon. Fotografía: Animación. Productora: Liang Zi Film, Tierney Corp Productions. Estreno en España: 14 de junio de 2024. Sinopsis: Criado por una mamá gallina en un pueblo lejano, Pico De Oro, un aguilucho perdido, lucha por encajar. Decidido a descubrir su verdadera identidad, emprende un viaje hacia Ciudad Aviar, donde encuentra su linaje y se une a los exploradores águila. Pero cuando una antigua conspiración desata una guerra entre pollos y águilas, Pico De Oro se ve obligado a elegir entre la familia que lo crió y la que comparte su sangre. ¿Podrá un águila joven convertirse en el héroe que su mundo necesita? Descubre el viaje de Pico De Oro mientras lucha por encontrar su lugar en un mundo donde las diferencias dividen y el coraje define el destino. Los directores Nigel W. Tierney y Dong Long nos presentan una película animada de acción y aventura que incorpora elementos tradicionales chinos.

Metro-Goldwin-Mayer cumple 100 años (XXIV)

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Años 1980
  • Fama (Fame, 1980), dirigida por Alan Parker. Tras el gran éxito de "El expreso de medianoche", Alan Parker volvió a dar en el blanco con este filme que contribuyó a reflotar un género que parecía moribundo: el musical. Aunque la película presentaba varias subtramas, el director prefirió centrar su atención en los números musicales antes que en desarrollar los personajes. Quizás como desaprobación a este sensacionalismo, los responsables de la escuela superior de Arte Dramático de Nueva York le prohibieron que filmase en sus instalaciones. Aún así, la cinta fue candidata a seis Oscar y ganó los destinados a mejor canción y banda sonora. Fama sirvió también para dar pie a una serie, que arrasó en las televisiones de todo el mundo en los años 1980. Varios de los actores de la película (Lee Curreri, Gene Anthony Ray, Debbie Allen y el veterano Albert Hague) repitieron sus papeles en la pequeña pantalla.
  • Toro Salvaje (Raging Bull, 1981), de Martin Scorsese. Tras el tremendo éxito de público y crítica de Taxi Driver, el director Martin Scorsese, el guionista Paul Schrader y el actor Robert De Niro volvieron a trabajar juntos en esta biografía del boxeador Jake LaMotta. Rodada en un sobrio blanco y negro, la película retrata con gran crudeza la ascensión y caída del púgil y deja de lado el aspecto puramente deportivo del boxeo para centrarse en el turbio ambiente que le rodea. Robert De Niro, que engordó más de treinta kilos para dar vida a LaMotta en su etapa de decadencia, consiguió el Oscar al mejor actor en 1981 por este papel.
  • Dinero caído del cielo (Pennies From Heaven, 1981), de Herbert Ross. Un filme a la vez oscuro y entusiasta que es capaz de presentar con la misma eficacia emociones situadas en polos opuestos, utilizando para ello estilos visuales completamente diferentes (desde un deprimente blanco y negro a un lujoso tecnicolor, que adorna coreografías dignas de Busby Berkeley). Hasta esta película, Steve Martin era básicamente conocido por su faceta cómica, pero aquí dio todo un recital de versatilidad, demostrando sus habilidades como actor dramático y bailarín. Y por si esto no fuera suficiente sorpresa, Christopher Walken destapó también el tarro de las esencias en un memorable y sensual número de baile, en el que se desnudaba mientras bailaba claqué. Aún así, y pese a sus innegables cualidades, la cinta fue todo un fracaso en taquilla.
  • Furia de titanes (Clash of the Titans, 1981), de  Desmond Davis. Versión del mito de Perseo que cuenta con la participación de un plantel de veteranas estrellas encabezadas por Laurence Olivier y Ursula Andress. Sin embargo, el papel protagonista es interpretado por Harry Hamlin, conocido por su papel en la serie televisiva La Ley de Los ÁngelesCabe destacar en esta película el trabajo en los efectos especiales -el último, por cierto- del maestro Ray Harryhausen, responsable de títulos míticos como El viaje fantástico de Simbad, Los viajes de Gulliver y Hace un millón de años. Este no solo se dedicó a plasmar el imaginario de la historia, sino que también se dedicó a tareas de producción. De hecho, él fue quien tiró adelante esta empresa cuando un estudiante de mitología, Beverley Cross (quien ya conocía porque había trabajado con él en Jasón y los argonautas y Sinbad y el ojo del tigre), le desarrolló la idea. Eso sí, añadió más criaturas extrañas para animar las escenas.
  • 1997: Rescate en Nueva York (Escape from New York, 1981), de John Carpenter. Una de las películas más populares de John Carpenter, imitada luego hasta la saciedad, que, además de funcionar como película de acción futurista, tiene una segunda lectura como una lúcida sátira de una sociedad irreparablemente fraccionada por criterios de raza y clase. 15 años más tarde, el propio Carpenter realizó una secuela, todavía más políticamente incorrecta, titulada 2013: Rescate en L.A. en la que Kurt Russell recuperó su carismático personaje de "Serpiente Plissken".
Diner (1982), dirigida por Barry Levinson. Los problemas inherentes a la llegada de la edad adulta fueron bien sintetizados por el guionista y director Barry Levinson en esta historia sobre las tribulaciones de cinco jóvenes amigos en el Baltimore de los años 1950. Realizada con evidente cuidado y cariño, obtuvo un éxito inesperado. Fue la primera película de Levinson como director y significó también el debut cinematográfico de Ellen Barkin y Paul Reiser.
  • Pink Floyd: El muro (Pink Floyd: The Wall, 1982), de Alan Parker. La película está basada en el disco homónimo, y coloca como protagonistra a Pink (Bob Geldof), un joven rockero con traumas del pasado y que acaba dándose a la droga como única alternativa a la presión que ha soportado siempre, que para él es como un muro que no le permite ser libre. Rodado con una estética oscura, violenta, con multitudes que actúan al unísono e intercalado con animaciones simbólicas, Alan Parker dirige este drama musical que hará las delicias de los seguidores de la banda.
  • ¿Víctor o Victoria? (Victor Victoria, 1982), de Blake Edwards. Blake Edwards, popular por ser el director de toda la saga de La Pantera Rosa y de clásicos del cine como Desayuno con diamantes, construye aquí una comedia musical sobre la identidad sexual que sería uno de sus últimos grandes éxitos de taquilla. La protagoniza Julie Andrews, esposa del cineasta y una habitual de los musicales desde que saltara a la fama gracias a Mary Poppins. Curiosamente, la actriz, que estaba pasando un pequeño bache en su carrera, consiguió con la que nos ocupa su mejor actuación, hecho que le valió otra candidatura al Óscar. No fue la única de la cinta, pues también optaron a la estatuilla los actores Robert Preston y Lesley Ann Warren, y el mismo Edwards, en el apartado de mejor guion adaptado. Sin embargo, el único en llevarse el trofeo a casa fue Henry Mancini, por su banda sonora.
Rocky III (1982), dirigida por Sylvester Stallone. Tercera entrega de la saga Rocky, al igual que la segunda, dirigida por el propio Sylvester Stallone. Contó con el mismo equipo técnico que las dos entregas anteriores, aunque la crítica se apresuró a señalar el progresivo tono repetitivo de la serie. En esta ocasión, Apollo Creed, el contrincante de las dos anteriores, se hace amigo de Rocky. A destacar la presencia del veterano Burgess Meredith, en una película que volvió a obtener una gran recaudación y que permitió la realización de dos secuelas más. Cabe destacar que el contrincante del Potro Italiano está interpretado por Laurence Tureaud, más conocido como Mr. T, el sempiterno B. A. Baracus de la serie El equipo A.
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jueves, 13 de junio de 2024

Françoise Hardy en el cine

Recientemente fallecida, Françoise Hardy, la voz melancólica de la canción francesa y uno de los icónos del movimiento ye-yé de lso años 1960, también participó en el cine de ficción en películas como: 

Un castillo de Suecia (Château en Suède, 1963), de Roger Vadim

Una comedia romántica protagonizada por Monica Vitti quien interpreta a Eleanore Falsen, Jean-Claude Brialy en el papel de Sébastien, Curd Jürgens como Hugo Falsen, Suzanne Flon personificando a Agathe y Françoise Hardy desempeñando el papel de Ophélie. Basada en una obra de Françoise Sagan. Y Narra como dos jóvenes que viven juntos en un castillo procuran llevar una existencia libre y despreocupada. Esta armonía se verá amenazada con la aparición de un tercer joven, quien llega al castillo en busca de refugio.

¿Qué tal, Pussycat? (What's New Pussycat?, 1965), de Woody Allen

El productor Charles F. Feldman contactó con Woody Allen tras verle actuar en un local nocturno de Nueva York. Le propuso que rescribiera y diera forma al guion de "¿Qué tal Pussycat?", que había pasado ya por muchas manos. Allen lo llenó de gags y se retrató a sí mismo, no solo en el personaje que él interpreta, sino también en los de Peter Sellers y Peter O'Toole (papeles que en un principio debían ser para Groucho Marx y Warren Beatty). La cinta, que es uno de los máximos exponentes de la estética pop en el cine, se beneficia también de una excelente banda sonora y de la presencia de tres bellezas del calibre de Ursula Andress, Capucine y Paula Prentiss, que aportaron toneladas de glamur a la historia. Sagan aparece en un pequeño papel como secretaria. 

Una bala al corazón (Una balle al cœur, 1965), de Jean-Daniel Pollet

Françoise Hardy coprotagoniza esta película, un drama romántico, en la que un joven aristócrata siciliano hiere a un anciano gangster que desea apoderarse de su propiedad. Se ve obligado a huir a Grecia con su novia, perseguido por los sicarios del gangster. 

Masculino, femenino (Masculin, féminin, 1966), de Jean-Luc Godard

Paul es un joven idealista que acaba de terminar el servicio militar. Conoce a Madeleine, una joven atractiva que aspira a ser cantante pop, y trata de conquistarla. Ambos salen juntos y terminan juntos en la cama, aunque con dos amigas de Madeleine, Elisabeth y Catherine. Encuadrada dentro del movimiento de la Nouvelle Vague, Masculino, femenino es un retrato de Jean-Luc Godard de los jóvenes de la generación de los años 1960, a los que él llamaba ‘los chicos de Marx y la Coca Cola’. Después de Pierrot el loco, la cima de su carrera como director, Godard abandona la postura de artista para acercarse a la investigación sociológica. Aún así, no deja de lado características propias de su cine y de la Nouvelle Vague, como el hecho de dejar en un plano secundario la línea argumental para centrarse en otros elementos como el diálogo, la iluminación o la libertad interpretativa de los actores. La película fue galardonada con varios premios en el Festival de Berlín. Françoise Hardy en el papel de la acompañante del oficial americano. 

Grand Prix (1966), de John Frankenheimer

Pete Aron (James Garner), un corredor del Grand Prix estadounidense, es expulsado de su equipo, el Jordan-BRM, por su responsabilidad en un accidente, en el que resultó herido el corredor británico Scott Stoddard. Ficha entonces por un equipo japonés, manteniendo, al mismo tiempo, una relación con la mujer de Stoddard. Hardy en el papel de Lisa. Fue una de las diez películas más taquilleras de 1966.

Les Colombes (1972), de Jean-Claude Lord

Hardy interpretando a una joven hippy en este drama canadiense que trata sobre la vida de dos familias que viven en Montreal, una obrera y que vive al este y la otra burguesa y vive al oeste de la ciudad.

Metro-Goldwin-Mayer cumple 100 años (XXIV)

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  • Rocky (1976), dirigida por John G. Avildsen. La película que lanzó al estrellato a Sylvester Stallone, un actor que hasta entonces solo había aparecido en películas eróticas o en roles minúsculos de títulos como Bananas o Klute. Stallone escribió el guion y se negó a venderlo si no era él quien lo protagonizaba. Finalmente, el estudio cedió a sus demandas y el papel del boxeador que llega a lo más alto a base de esfuerzo hizo de él una estrella. Rocky fue candidata a diez premios Oscar, aunque finalmente obtuvo solamente tres estatuillas: mejor película, director y montaje. Sin embargo, Stallone se quedó sin premio, a pesar de optar a él en las categorías de actor y de guion. El tema musical de la película, compuesto por Bill Conti, se hizo también muy popular y contribuyó al éxito de la cinta.
  • Hollywood, Hollywood (That's Entertainment, Part II, 1976), de Gene Kelly. Coincidiendo con su quincuagésimo aniversario, la productora Metro Goldwyn Mayer presentó Érase una vez en Hollywood, un documental en el que se recogían algunos de los mejores momentos de sus musicales. A raíz de su éxito la productora decidió realizar una segunda entrega. El resultado fue Hollywood, Hollywood, un documental presentado por Gene Kelly (también director de las escenas rodadas especialmente para presentar el documental) y Fred Astaire, que suma a las escenas más memorables del musical clásico, algunas de las mejores secuencias de drama y de comedias protagonizadas por los Hermanos Marx, Buster Keaton o Oliver y Hardy.
  • Network, un mundo implacable (Network, 1976), de Sidney Lumet. Sátira sobre la televisión basura y la dictadura de la audiencia dirigida por Sidney Lumet, antiguo realizador televisivo, a partir del guion de Paddy Chayefsky con el que logró Oscar. La interpretación de los actores fue reconocida por la academia estadounidense con otros tres galardones. Faye Dunaway se llevó el de mejor actriz principal y Beatrice Straight, el de mejor secundaria. Peter Finch también rascó premio por el papel del veterano periodista. Sin embargo, falleció antes de la ceremonia, por lo que fue el primer actor en la historia premiado a título póstumo. Un jovencísimo Tim Robbins aparece brevemente en pantalla.
  • La chica del adiós (The Goodbye Girl, 1977), dirigida por Herbert Ross. Cuatro nominaciones y un premio Oscar al mejor actor para Richard Dreyfuss, fue lo que recibió esta fantástica comedia romántica. Herbert Ross sabe mezclar humor y buenos sentimientos en esta película considerada una de las mejores comedias de los años 1970.
  • Correrías de verano (Corvette Summer, 1978), de Matthew Robbins. El papel protagonista de Luke Skywalker en La guerra de las galaxias convirtió a Mark Hamill en un actor muy conocido, pero, al mismo tiempo, le encasilló en este personaje, limitando su carrera de actor. De hecho, sus siguientes trabajos (al margen de las secuelas El imperio contraataca y El retorno del Jedi) fueron bastante olvidables. Además, un desgraciado accidente automovilístico le desfiguró la cara, endureciendo su rostro aniñado. Antes del accidente y cuando todavía iba para estrella, protagonizó Correrías de verano, encarnando a un muchacho obsesionado con la idea de recuperar su coche deportivo. Las limitaciones argumentales de esta anécdota intentaron enriquecerse a base de persecuciones automovilísticas y elementos románticos, pero la película pasó desapercibida en taquilla.
  • Hair (1979), dirigida por Milos Forman.  Adaptación de un musical de Broadway de gran éxito a finales de la década de los años 1960, realizada por el director checo Milos Forman. El hecho que se rodase en 1979 amortiguó su repercusión, puesto que la temática hippy ya había perdido vigencia y los temas tratados en la película estaban desfasados. A pesar de todo,la película tiene un tono más reflexivo que el del musical y también cuenta con unos números musicales y una banda sonora muy destacados, con el tema The Age of Aquarius al frente. Como curiosidad, el legendario director Nicholas Ray aparece en un papel secundario.
  • Rocky II (1979), dirigida por Sylvester Stallone. Secuela de la exitosa "Rocky" que mantuvo el mismo equipo técnico y artístico de la predecesora. En esta ocasión, sin embargo, Sylvester Stallone se convirtió en el director, como haría a posteriori con la tercera, cuarta y sexta entrega. La famosa banda sonora fue de nuevo encargada a Bill Conti, autor también de la de Karate Kid. Esta segunda parte repitió el gran éxito de taquilla y abrió definitivamente las puertas del estrellato a Stallone. El intérprete neoyorquino se jugó el físico en más de una ocasión por este personaje. De hecho, mientras se preparaba físicamente para esta primera secuela, tuvo un accidente mientras intentaba levantar 100 kilos en un ejercicio de 'press' de banca. Por ello, tuvo que rodar la escena de la pelea final gravemente lesionado.
Manhattan (1979), dirigida por Woody AllenRealizada tras el éxito de Annie Hall, Manhattan es un encantador homenaje a la ciudad de Nueva York y, en especial, a las gentes del barrio que da nombre a la película. Woody Allen construye un retrato cargado de ironía y de autocrítica, poniendo en evidencia la inestabilidad, seudointelectualidad y neurosis de los personajes protagonistas. Pero también es un relato sobre la difícil búsqueda del amor. Magnífica fotografía en blanco y negro de Gordon Willis, habitual colaborador de Allen, y brillante uso de la música de Gershwin en la banda sonora, especialmente en la larga secuencia inicial, con Rhapsody in Blue sonando de fondo. El largometraje obtuvo dos candidaturas al Oscar, por el guión de Allen y Marshall Brickman y por la interpretación de la adorable Mariel Hemingway, que interpreta a la amante adolescente de Allen.
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miércoles, 12 de junio de 2024

Metro-Goldwin-Mayer cumple 100 años (XXIII)

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Años 1970
  • La hija de Ryan (Ryan's Daughter, 1970), de David Lean. Después de "Doctor Zhivago", el célebre cineasta David Lean rodó otra historia épica con triángulo amoroso incluido que protagonizaron Robert Mitchum, Sarah Miles y Trevor Howard. Lean invirtió cinco años para desarrollar el guion y uno entero para el rodaje, que tuvo lugar en la península de Dingle, el lugar más lluvioso de Irlanda. La película, a pesar de ganar dos Oscar, fue duramente desprestigiada por la crítica, provocando que Lean, uno de los directores que más dinero diera a la industria durante los años 1960, se alejara de las pantallas durante 14 años.
  • Shaft (Las noches rojas de Harlem) (Shaft, 1971), de Gordon Parks. Protagonizada por Richard Roundree, es el primer exponente del subgénero llamado 'blaxpoitation' (cine de acción hecho por y para afroamericanos). Es decir, se trata de un thriller en el que el héroe duro, listo y sensual es un actor de color cuando, hasta entonces, el único referente en el cine había sido Sidney Poitier. La película, además, plasma con una crudeza y una violencia inusitada, el mundo de los guetos, de la delincuencia, de la droga y de la vida cotidiana de Harlem. Sorprendió que los estudios Metro-Goldwin-Mayer no censuraran al director por ello. La banda sonora de Isaac Hayes, ganador del Oscar a la mejor canción, fue todo un éxito y fue incluida en el 'remake' que protagonizó Samuel L. Jackson.
  • Cuando el destino nos alcance (Soylent Green, 1973), de Richard Fleisher. Richard Fleischer dirigió esta cinta de ciencia-ficción que especula sobre la sobrepoblación en el mundo basándose en la novela de Harry Harrison. Éste fue uno de las primeras películas que tratan el tema de la ruptura del equilibrio ecológico y que ofrece su particular visión acerca del desarrollo tecnológico y sus interconexiones con la política. En este sentido, Cuando el destino nos alcance es una película que expresa las preocupaciones vigentes de la década de 1970, cuando la idea de un futuro negativo empezaba a nacer en la mente de las personas. Una preocupación que se reflejó en posteriores cintas tan conocidos como Blade Runner o Terminator.
  • Almas de metal (Westworld, 1973), de Michael Crichton. El famoso escritor Michael Crichton, autor de novelas como Parque Jurásico, Esfera o El guerrero número 13, debutó en la dirección de largometrajes con esta película, del que también escribió el guión. Partiendo de una historia inicialmente de ciencia-ficción, Crichton planteó, no sólo una visión crítica del mundo del entretenimiento, sino también una revisión irónica del mismo concepto de género cinematográfico. Para ello contó con Yul Brynner, interpretando un calco robótico de su papel en Los siete magníficos" consiguiendo un éxito crítico y comercial, que permitiría a Crichton seguir en la realización cinematográfica.
  • Érase una vez en Hollywood (That's Entertainment!, 1974), de Jack Haley Jr. La productora Metro-Goldwyn-Mayer se encarga de realizar este documental, al cumplir su 50º amiversario, que recoge escenas de los mejores musicales del estudio a lo largo de tres décadas, años 1930, 1940 y 1950. La cinta es un verdadero desfile de estrellas, en donde destacan Fred Astaire, Gene Kelly, Bing Crosby, Liza Minnelli, Frank Sinatra, Judy Garland, Elizabeth Taylor, Cyd Charisse, Leslie Caron... y muchos más. Era la época en que productora presumía de contar con más estrellas que el firmamento, afirmación que distaba mucho de la exageración. Junto a números muy conocidos de títulos como Cantando bajo la lluvia o El mago de Oz, de inolvidables coreografías y canciones, también hay otras rarezas muy interesantes, como la posibilidad de ver cantar a James Stewart, Clark Gable, Cary Grant o Grace Kelly, o los momentos en que coincidieron en pantalla Judy Garland y Deanna Durbin, y Fred Astaire y Gene Kelly. El conjunto es emotivo, de modo especial en el recuerdo que Liza Minnelli tiene para con su madre Judy Garland. Si la mirada a los musicales de la Metro se hubiera ampliado al resto de los estudios, el resultado habría sido casi perfecto.
  • El viento y el león (The Wind and the Lion, 1975), de John Milius. Segundo largometraje de John Milius después del éxito obtenido con Dillinger, su debut tras las cámaras. En esta ocasión, escribió un guion donde se recreaban todos los elementos clásicos del cine de aventuras, en un momento en que el género no pasaba por su mejor momento. La crítica señaló que uno de los aciertos de la película fue plantearla bajo el punto de vista del hijo de la mujer raptada, dando a la historia un aspecto de narración fantástica, cercana al cuento. El viento y el león consiguió un importante éxito de público y fue candidata al Oscar por la banda sonora de Jerry Goldsmith. La película estaba basada en un hecho real, aunque su conclusión fue muy diferente. Hubo, efectivamente, el rapto de una estadounidense a manos de un líder béreber, pero todo se saldó con una amenazadora carta del presidente estadounidense que logró su liberación.
  • La pareja chiflada (The Sunshine Boys, 1975), de Herbert Ross. Primera comedia nacida de la colaboración entre el director Herbert Ross y el dramaturgo Neil Simon, responsable de la obra teatral homónima y de la adaptación del texto a la gran pantalla. A ésta le seguirían títulos como La chica del adiós o California suite, todas ellas producidas por Ray Stark. La película destaca por su cómica pareja protagonista, formada por Walter Matthau (esta vez sin su inseparable Jack Lemmon) y George Burns, que volvía al cine tras una ausencia de más de 30 años, sustituyendo al actor Jack Benny que abandonó el proyecto por enfermedad. Quizás por eso, de las cuatro nominaciones que cosechó la película, solamente la de Burns se convirtió en un Oscar, el único que obtuvo el actor en su larga carrera. La cinta, además, logró tres Globos de Oro: mejor película, mejor actor (Walter Matthau) y mejor actor secundario (Richard Benjamín).
  • La fuga de Logan (Logan's Run, 1976), de Michael Anderson. Michael York protagoniza la adaptación de la novela homónima de William F. Nolan y George Clayton Johnson, que imagina un futuro apocalíptico y totalitarista. Dirigida por ese competente artesano que es Michael Anderson. La película ganó un Oscar especial por sus efectos visuales y consiguió un notable éxito de taquilla, amén de dar pie a una serie de TV de idéntico argumento y corta vida.
  • Carrie (1976), dirigida por  Brian De Palma. Esta película, la primera adaptación al cine de una novela de Stephen King, sirvió de trampolín a Brian De Palma. El director, gran admirador y deudor del cine de Hitchcock, demuestra aquí su dominio de la técnica, con trávelin circulares, planos secuencia y ralentís, que perfeccionaría más tarde en posteriores trabajos como Doble cuerpo y Los intocables. Carrie obtuvo dos candidaturas a los Oscars para sus actrices protagonistas. La joven Sissy Spacek optaba a la estatuilla por su interpretación de la joven y Piper Laurie por su papel como madre de la muchacha, en su vuelta al cine tras un paréntesis de 15 años.
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