Sidosa
jueves, 23 de abril de 2026
Películas de la semana: 23 de abril
Hace 100 años: Qualen der Nacht
El 23 de abril de 1926 se estrenó la película alemana Qualen der Nacht, dirigida por Curtis Bernhardt e interpretada por Claire Rommer, Ernst Verebes, William Dieterle, Fritz Rasp, Alexander Granach, Margarete Kupfer, Hermann Vallentin. Productora: Ikarus Film. Duración: 72 minutos.
Comentario: La película, dividida en seis actos y estuvo prohibida para menores.
7 películas de ciencia-ficción que te emocionarán y se alejan de la distopía (VII)
Wall·E (2008), de Andrew Stanton
Pixar logró crear una de las historias más esperanzadoras de la ciencia ficción moderna utilizando a un pequeño robot compactador de basura que apenas habla. Aunque el escenario inicial es una Tierra desolada y cubierta de desperdicios, la película no es una condena, sino un renacimiento. Wall-E, con su curiosidad por los objetos humanos y su capacidad de amar, es el catalizador que despierta a una humanidad aletargada y desconectada.
En el año 2800, en un planeta Tierra devastado y sin vida, tras cientos de solitarios años haciendo aquello para lo que fue construido -limpiar el planeta de basura- el pequeño robot WALL·E (acrónimo de Waste Allocation Load Lifter Earth-Class) descubre una nueva misión en su vida (además de recolectar cosas inservibles) cuando se encuentra con una moderna y lustrosa robot exploradora llamada EVE. Ambos viajarán a lo largo de la galaxia y vivirán una emocionante e inolvidable aventura...
El optimismo aquí reside en la idea de que la naturaleza tiene una voluntad asombrosa, representada por esa pequeña planta en una bota. Y además, que el ser humano siempre puede rectificar sus errores si encuentra una razón por la cual luchar. Ideal para los optimistas de corazón.
miércoles, 22 de abril de 2026
Películas de la semana: 22 de abril
Michael
La ahorcada
Turno de noche
Casi todo bien
7 películas de ciencia-ficción que te emocionarán y se alejan de la distopía (VI)
Encuentros en la tercera fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977), de Steven Spielberg
Esta película de Steven Spielberg es un hito de la ciencia ficción. En especial, por oponerse al hábito cinematográfico de mostrar alienígenas como monstruos o invasores. Al contrario, el director mostró una visión radicalmente pacífica. La película sigue a personas comunes que sienten una llamada irresistible hacia un encuentro con lo desconocido. Lo que hace que esta cinta sea tan optimista es su clímax en la Torre del Diablo, donde la comunicación con los extraterrestres no se logra mediante códigos militares o amenazas, sino a través de la música y la luz.
La trama: Una noche, cerca de su casa, en Indiana, Roy Neary (Richard Dreyfuss) observa en el cielo unos misteriosos objetos voladores. Desde entonces vive tan obsesionado por comprender lo que ha visto que se distancia de su esposa (Teri Garr). Encuentra apoyo en una mujer que también ha sido testigo de los mismos hechos, y juntos intentan encontrar una respuesta al misterio que ha alterado sus vidas. Al mismo tiempo, un nutrido grupo de científicos internacionales comienza a investigar las apariciones de ovnis y otros extraños fenómenos en la zona.
El uso de las famosas cinco notas musicales como lenguaje universal es una metáfora poderosa: el arte y la armonía son la base del entendimiento. Los alienígenas no vienen a juzgarnos ni a destruirnos, sino a intercambiar conocimientos en un gesto de amistad cósmica. Es una película que captura la inocencia y el asombro infantil, sugiriendo que el universo es un lugar benevolente y que nuestro primer encuentro con otras civilizaciones será un momento de belleza sublime y paz absoluta.
“Saw”, en HBO Max: el thriller sádico que, sin querer, dio origen al “porno de tortura” (II)
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Lo que no vemos en esta película es una serie de trampas mortales en acción: la policía solo descubre a sus víctimas después. Y una de ellas, Amanda (fundamental para el resto de la saga), escapa de la legendaria "trampa para osos invertida". La primera película de Saw sigue siendo una experiencia casi claustrofóbica, una sala de escape muy desagradable donde los acertijos, hay que admitirlo, duelen un poco. Sin embargo, Saw se ha convertido en el estandarte de un género al que no pertenece: el porno de tortura, un elemento imprescindible de la escena de terror de los 2000, con innumerables versiones de calidad variable -Hostel (2005), de Eli Roth-, pero en su mayoría mediocres -Wolf Creek (2005), de Greg McLean, La mirada del diablo (Nightmare Man, 2006), de Rolfe Kanefsky. ¿Por qué? Es la segunda entrega Saw II (2005), Darren Lynn Bousman, la que marca el comienzo del giro de la saga hacia una interpretación dudosa de la tortura. Whannell sigue escribiendo el guion, Wan ahora es solo el productor; el guionista australiano es quien lanza franquicias, como Insidious (2010), antes de cederlas a otros menos talentosos que él. Las víctimas en esta nueva tanda de películas son masacradas en minutos mientras que todos los demás mueren agonizando por un gas tóxico.
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| Saw II (2005) |
En 2006, Saw III, también dirigida por Darren Lynn Bousman, confirma esta sórdida dirección: las máquinas se multiplican (incluida una que involucra costillas, resortes, una llave y ácido, famosa pero gratuita); también los cadáveres. No tienen ninguna posibilidad. Y se supone que debemos disfrutar del espectáculo. James Wan coescribe esta entrega, una vez más un recurso argumental desagradable. Implacable en ese sentido. Esta trilogía, estrechamente entrelazada, llega incluso a explicar su descenso a la barbarie con un giro bastante audaz: el trabajo de Jigsaw ha sido corrompido…
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| Saw III (2006) |
Por supuesto, persisten las dudas sobre la lucha de su asesino y el diseñador de sus trampas. Veinte años después, podemos afirmarlo: sufriendo de cáncer terminal, el bueno de Jigsaw se venga de todos aquellos que, según él, no viven "bien". En Saw IV (2007), atrapa a un padre que se pierde en su dolor… ¿para obligarlo a recuperarse? Esta película confirma que la saga jamás cuestionará su moralidad, prefiriendo regodearse en ella. También marca el final de las películas originales de Saw y el comienzo de algo peor: una mezcla insensata de pornografía de tortura repartida en siete secuelas más, algunas más infames que otras, y todas fácilmente olvidables. O simplemente evitables. ¡James Wan jamás habría permitido que esto sucediera! Sin embargo, Saw XI está en camino.
martes, 21 de abril de 2026
75 años del premio al mejor director en el Festival de Cannes: "Los olvidados"
Los olvidados es una película de crimen adolescente mexicana de 1950, dirigida y escrita por Luis Buñuel. Por su trabajo en esta película, el cineasta español obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Cannes. Interpretada por Roberto Cobo, Mario Ramírez, Alfonso Mejía, Estela Inda, Miguel Inclán, Alma Delia Fuentes, Francisco Jambrina, Efraín Arauz, Jorge Pérez, Javier Amézcua. Considerada la película más influyente del cine hispanoamericano, Los olvidados volvió a colocar a Luis Buñuel en la cumbre. Disponible en Amazon Prime Video.
La trama: La película comienza con un prólogo compuesto por imágenes de varias ciudades, advirtiendo de que la historia que se va a narrar podría ocurrir en cualquier parte. A continuación, la cámara llega a un barrio marginal de la capital mexicana donde El Jaibo, un adolescente que escapa de un correccional y se reúne en el barrio con sus amigos. Unos días después, el Jaibo mata, en presencia de su amigo Pedro, al muchacho que supuestamente tuvo la culpa de que lo enviaran al reformatorio. A partir de entonces, los destinos de Pedro y el Jaibo estarán trágicamente unidos.
El cineasta había acordado con el productor Óscar Dacigers la filmación de una película sobre los niños pobres de México D.F. Buñuel estuvo varios meses investigando el tema y conversando con niños, policías y hasta el personal de los reformatorios. A continuación escribiría el guión con el extremeño Luis Alcoriza, que volvería a colaborar con él en varias ocasiones. Les echó una mano el dramaturgo Max Aub, y el escritor mexicano Pedro de Urdimalas, que fue pieza clave para que los diálogos fueran creíbles en boca de personajes de su país.
A pesar del fatalismo habitual del cine de Buñuel, se muestra positivo en cuanto a la capacidad de redención del ser humano. Al tratarse de cine social, que describe con crudeza la situación de los niños marginales, se comparó en su día con el estilo cercano al documental del neorrealismo italiano. Pero lo cierto es que Buñuel se distancia muchísimo de cineastas como Rossellini. Introduce elementos surrealistas, como el sueño de Pedro, en que su madre le ofrece unas vísceras y Jaibo se las quita. Algunos temas, como la muerte y el padre ausente, son típicos del movimiento surrealista.
7 películas de ciencia ficción que te emocionarán y se alejan de la distopía (V)
Tomorrowland: El mundo del mañana (Tomorrowland, 2015), de Brad Bird
Quizás no la conozcas, pero esta película de Brad Bird es una crítica directa a la obsesión actual por el apocalipsis y las historias de futuros deprimentes. La trama nos dice que unidos por el mismo destino, una adolescente inteligente y optimista, llena de curiosidad científica, y un antiguo niño prodigio inventor, hastiado por las desilusiones, se embarcan en una peligrosa misión para desenterrar los secretos de un enigmático lugar localizado en algún lugar del tiempo y el espacio, conocido en la memoria colectiva como “Tomorrowland”, y así salvar a la humanidad. El mensaje central es que el futuro se convierte en una distopía solo si dejamos de creer que podemos mejorarlo.
Además, la cinta es una explosión visual de retrofuturismo que celebra el optimismo como una forma de rebeldía necesaria. Tomorrowland: El mundo del mañana nos invita a dejar de consumir historias de destrucción y a empezar a imaginar soluciones, recordándonos que las grandes hazañas de la humanidad comenzaron simplemente porque alguien se negó a aceptar que el final estaba cerca. Es un toque de atención para la acción para los inventores, los artistas y los soñadores que aún creen que el ingenio humano puede salvar el mundo. Disponible en Disney+.
“Saw”, en HBO Max: el thriller sádico que, sin querer, dio origen al “porno de tortura” (I)
Saw (2004) no es la película que cree. Esto se debe a la saga que le siguió, disponible en parte en HBO Max, una interpretación inesperada y menos ingeniosa de un subgénero del cine de terror que se puso de moda en la década de 2000. Para bien y, sobre todo, para mal.
La sombra de una mano blandiendo un cuchillo se proyecta contra una pared en blanco. No es expresionismo alemán, pero se le parece mucho. De hecho, sí, se le parece muchísimo: es Saw, el primer largometraje del director australiano James Wan. Una serie de pequeñas proezas de dirección filmadas con un presupuesto ínfimo, y probablemente con un filtro verde en la lente, en 2004.
La premisa es simple. Proverbial. Dos hombres despiertan encerrados en el baño más miserable de la historia del cine. Entre ellos, un cadáver y una pistola. En sus bolsillos, instrucciones de un tal Jigsaw: uno debe escapar, el otro… matarlo. También hay dos sierras, demasiado ligeras para cortar sus cadenas, pero suficientes para sus pantorrillas. El guion es de James Wan (quien estira un cortometraje tan bajísimo como audaz) y Leigh Whannell; este último incluso interpreta a una de las dos víctimas.
Un entorno claustrofóbico con edición ultrarrápida
Mucho se ha hablado de la atmósfera, la naturaleza cruda y prohibida de esta primera entrega, que se ha convertido en el epítome de las películas que no hemos visto pero de las que seguimos hablando ("Mi primo me dijo que al final, el cuerpo…"). Su estética amateur es llamativa pero ingeniosa. Y necesaria, dado el presupuesto de alrededor de un millón de dólares: se ha prestado menos atención a las innovaciones de la dirección, el dominio de James Wan del primer plano, la cámara que encuadra ligeramente descentrada la pierna que está siendo serrada, la violencia a menudo sugerida (mencionamos antes la sombra de un cuchillo) que a veces impacta más. O a la calidad del guion, un pequeño artilugio perfectamente elaborado, subrayado por un montaje ultrarrápido, incluso un poco como un tráiler de bajo presupuesto por momentos, que oculta, secuencia y engaña al espectador.
(cont.)
lunes, 20 de abril de 2026
¿Hay alguien por ahí que quiera (re)descubrir las películas y el humor disparatado de los " Z/A/Z Productions", esos tipos locos de la comedia estadounidense? (II)
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Herederos juguetones
Tras esta época dorada, los tres amigos tomaron caminos separados: Jim Abrahams (fallecido en 2024) dirigió Hot Shots! ¡La madre de todos los desmadres! (Hot Shots, 1991) y Hot Shots! Part 2 (1993) en la misma línea. David Zucker se dedicó a hacer travesuras en el género del meta-terror (subgénero autoconsciente que deconstruye los tropos del cine de terror, donde los personajes a menudo conocen las reglas del género, creando una narrativa irónica o reflexiva, como Scary Movie 3 y 4 en 2003 y 2006), mientras que Jerry Zucker de repente se tomó en serio a sí mismo con el romance fantástico Ghost. Más allá del amor (Ghost, 1990).
Desde entonces, nuestras ansias de risas han tenido que conformarse con la reciente Agárralo como puedas (The Naked Gun, 2025), de Akiva Schaffer, una especie de remake-homenaje con Liam Neeson como sucesor de Leslie Nielsen. Es divertida, pero no lo suficientemente tonta ni lo suficientemente brillante como para hacerte olvidar las películas de Z/A/Z.
7 películas de ciencia-ficción que te emocionarán y se alejan de la distopía (IV)
Contact (1997), de Robert Zemeckis
El divulgador científico Carl Sagan escribió esta obra como una reflexión sobre el bien. Por lo que esta película es quizás la representación más pura del optimismo científico.
Tras la prematura muerte de sus padres siendo una niña, Eleanor Arroway perdió la fe en Dios. Como contrapartida, ha concentrado toda su fe en la investigación: trabaja con un grupo de científicos que analizan ondas de radio procedentes del espacio exterior con el fin de encontrar señales de inteligencia extraterrestre. Su trabajo se ve recompensado cuando detecta una señal desconocida que parece contener las instrucciones de fabricación de una máquina que permitiría reunirse con los autores del mensaje. La película no recurre a la paranoia de una invasión.
En su lugar, nos muestra un proceso de descubrimiento lleno de asombro. Contact es optimista porque trata a la humanidad como una especie joven, a veces confundida y asustadiza, pero con un potencial inmenso para unirse a una comunidad galáctica más sabia. El viaje final de Ellie no es una conquista, sino una lección de humildad y maravilla; es la confirmación de que no estamos solos en el cosmos y que el universo es un lugar lleno de posibilidades esperando a ser explorado por aquellos que se atrevan a soñar.
Años 1980: Películas y literatura fantástica (IV)
Y, por último, llegamos a cuento medieval de amores inmortales, luchas de espadas, 
brujas malvadas, conjuros y bellas princesas. Nos referimos a La princesa prometida (The Princess Bride, 1987), dirigida por Rob Reiner y escrita por William Goldman a partir de su propia novela, e interpretada por Cary Elwes, Robin Wright, Mandy Patinkin, Chris Sarandon, Wallace Shawn, André the Giant, Christopher Guest, Fred Savage, Peter Falk, Billy Crystal, Carol Kane, Peter Cook, Mel Smith, Anne Dyson, Willoughby Gray, Malcolm Storry.
“Hola. Me llamo Íñigo Montoya. Tú mataste a mi padre. Prepárate a morir”. Pocas frases resumen tan bien lo que fue el cine de aventuras de los años 1980 como la que pronuncia Mandy Patinkin en la película que comentamos y con la que cerramos este pequeño viaje cronológico a la fantasía “juvenil” de esa década. La película es, en apariencia, un cuento de hadas de capa y espada: Buttercup, Westley, piratas, duelos, gigantes y ratas monstruosas. En realidad, es una comedia romántica, repleta de ironía y de cariño hacia los propios tópicos que utiliza.
Un niño se encuentra enfermo en su casa y su abuelo le cuenta un cuento. El cuento hermoso de una princesa, un caballero, un rey malo, un gigante... Después de buscar fortuna durante cinco años, Westley (Cary Elwes) retorna a su tierra para casarse con su amada, la bella Buttercup (Robin Wright Penn), a la que había jurado amor eterno. Sin embargo, para recuperarla habrá de enfrentarse a Vizzini (Wallace Shawn) y sus esbirros. Una vez derrotados éstos, tendrá que superar el peor de los obstáculos: el príncipe Humperdinck (Chris Sarandon) pretende desposar a la desdichada Buttercup, pese a que ella no lo ama, ya que sigue enamorada de Westley.
Goldman, además de novelista, fue uno de los grandes guionistas de Hollywood, y se nota: ritmo perfecto, diálogos afilados, cambios de tono que funcionan como un reloj. La princesa prometida es aventura de capa y espada, sí; pero también, una parodia cariñosa de los cuentos de hadas, una comedia romántica y una reflexión sobre la forma en que las historias pasan de una generación a otra, como se abuelo y ese nieto que al principio protesta y luego suplica “sigue leyendo”.
De niños nos quedábamos con las peleas de Íñigo, los R.A.G. (Roedor de Aspecto Gigantesco) en el Pantano de Fuego y el “milagro” de Westley. De adultos, la novela nos revela el nivel de ironía con el que Goldman se ríe, al mismo tiempo, de los tópicos del género y de nosotros, los lectores, que seguimos necesitándolos.
domingo, 19 de abril de 2026
7 películas de ciencia ficción que te emocionarán y se alejan de la distopía (III) 19/4
Interestelar (Interstellar, 2014), de Christopher Nolan
La gran obra de ciencia ficción de nuestra época es también una reflexión optimista del futuro. Eso, aunque Christopher Nolan sitúa la acción en una Tierra moribunda por una plaga agrícola, el núcleo de la película late con una fe inquebrantable en el futuro. Es una odisea espacial que utiliza conceptos complejos como los agujeros de gusano y la dilatación temporal para contar una historia sobre el vínculo emocional. El optimismo de Interstellar radica en su tesis principal: que el amor no es solo un sentimiento humano volátil, sino una dimensión real y poderosa que trasciende el tiempo y el espacio.
Al ver que la vida en la Tierra está llegando a su fin, un grupo de exploradores dirigidos por el piloto Cooper (McConaughey) y la científica Amelia (Hathaway) emprende una misión que puede ser la más importante de la historia de la humanidad: viajar más allá de nuestra galaxia para descubrir algún planeta en otra que pueda garantizar el futuro de la raza humana.
La película rechaza la idea de que la humanidad esté destinada a extinguirse en el polvo; en cambio, nos presenta como exploradores natos cuya curiosidad y sacrificio nos permiten dar saltos evolutivos imposibles. La ciencia no se ve como algo frío o distante, sino como la herramienta que permite que la conexión humana se manifieste a escala cósmica. Ver a la humanidad establecerse en estaciones espaciales al final es la recompensa de un viaje donde la esperanza fue el combustible más importante.
Actualmente, puedes ver Interstellar en streaming a través de Max, Netflix y Movistar Plus+. También está disponible para compra o alquiler en plataformas digitales como Apple TV y Amazon Prime Video.
¿Hay alguien por ahí que quiera (re)descubrir las películas y el humor disparatado de los " Z/A/Z Productions", esos tipos locos de la comedia estadounidense? (I)
¿Te gustan las películas de gladiadores?... ¿No? No pasa nada, porque los Z/A/Z nunca hicieron ninguna, al contrario de lo que diga esta frase, pronunciada contra todo sentido común en la cabina de la inolvidable ¡Aterriza como puedas!, su famosa farsa de aviones de 1980. Pero, ¿quiénes son exactamente los Z/A/Z, estos payasos que nos hicieron reír durante varias décadas?... Nada que ver con el cantante del mismo nombre: ZAZ, como David Zucker, Jim Abrahams y Jerry Zucker, dos hermanos y un amigo de la infancia, los tres estadounidenses, originarios de Wisconsin, y miembros del colectivo cinematográfico más escandaloso de finales del siglo XX.
Desde 1977 con Hamburger Film Sandwich (The Kentucky Fried Movie) hasta 1994 con Agárralo como puedas 33 1/3: El insulto final (Naked Gun 33 1/3: The Final Insult), el trío de baby boomers (nacidos entre 1944 y 1950) desató una avalancha de gags a toda velocidad en ocho películas que han marcado para siempre la historia de la comedia contemporánea. Coproductores, guionistas y directores (a excepción de los dos primeros largometrajes de esta época, dirigidos por John Landis y Peter Segal respectivamente), el equipo de Z/A/Z se responsabiliza plenamente de su humor singularmente irreverente.
Parodia por encima de todo
Y aquí solo mencionamos los principales "homenajes": cada una de estas comedias contiene un sinfín de guiños, en todas direcciones, a El mago de Oz y a Fiebre del sábado por la noche , por nombrar solo dos.
Pero Z/A/Z no se trata solo del arte de demoler monumentos culturales. Es también un torrente de frases tan absurdas como políticamente incorrectas e hilarantes ("La verdad duele... no duele tanto como saltar de una bicicleta en plena carrera sin asiento"), pronunciadas a menudo por el héroe por excelencia de "Z/A/Z": el irresistible Leslie Nielsen, fabulosamente impasible en cualquier circunstancia, incluso en las más descabelladas, en la saga de Agárralo como puedas...
Años 1980: Películas y literatura fantástica (III)
Interesante y mágica fantasía, crecer también es perderse. En 1986 Jim Henson 
estrenó Dentro del laberinto (Labyrinth), esa película que unió a una Jennifer Connelly adolescente con un David Bowie hipnótico como Jareth, rey de los goblins. En su momento no fue un éxito de taquilla, pero con el tiempo se ha convertido en una obra de culto: marionetas y criaturas creadas por la factoría Henson, con la participación de George Lucas, escenarios imposibles, canciones pegadizas y un tono a medio camino entre el cuento de hadas y el viaje psicológico, que hoy sería difícil ver en una gran producción “juvenil”.
La historia arranca con Sarah, una chica frustrada con su vida y con su papel de hermana mayor, que en un arrebato desea que los goblins se lleven a su hermano pequeño. El deseo se cumple, y Jareth le da un ultimátum: tiene trece horas para atravesar un laberinto lleno de trampas, engaños y criaturas extrañas si quiere recuperarlo. En ese viaje, Sarah se enfrenta a sus miedos, a sus fantasías, a sus contradicciones y al magnetismo peligroso de un rey goblin que le ofrece quedarse en un sueño eterno de máscaras y cristal.
Volver hoy a Dentro del laberinto, ya sea en papel o en pantalla, es redescubrir lo poco “inocente” que fue siempre este cuento. La relación entre Sarah y Jareth está cargada de ambigüedad, el laberinto es un espacio de manipulación constante, y la película no tiene ningún reparo en mostrar lo inquietante que puede ser dejar de ser niña. No se explican todos los símbolos, ni se subraya cada lección. El espectador —y ahora el lector— tiene que hacer su parte del trabajo.
Los niños de los años 1980 y 1990 lo intuíamos, aunque no tuviéramos todavía palabras para explicarlo. Ahora, con la edición de Nocturna, podemos volver a ese laberinto con menos miedo a perdernos, y quizá con más miedo a entenderlo del todo.
sábado, 18 de abril de 2026
Hace 100 años: París a medianoche
El 18 de abril de 1926 se estrenó la película estadounidense París a medianoche (Paris at Midnight), dirigida por E. Mason Hopper e interpretada por Jetta Goudal, Lionel Barrymore, Mary Brian, Edmund Burns, Émile Chautard, Brandon Hurst, Jocelyn Lee, Mathilde Comont, Carrie Daumery, Fannie Yantis, Jean De Briac, Charles Requa, Bailarines de Marion Morgan. Productora: Metropolitan Pictures Corporation of California. Duración: 70 minutos.
Sinopsis argumental: Eugene de Rastagnic, un artista empobrecido, ama a Victorine Tallefer, una joven abandonada que se hospeda en la misma pensión de París, pero por falta de dinero la rechaza. Consuelan a Frederic Tallefer, un anciano que también se hospeda en el mismo lugar y que da todo su dinero a sus dos hijas, quienes viven cómodamente. Eugene conoce a Delphine, una de las hijas libertinas del hombre, y se enamora de ella. Vautrin, un hombre misterioso de la pensión, logra que el padre de la joven abandonada, quien la odia porque su madre lo abandonó, la acoja de nuevo. Varios incidentes interesantes ocurren debido a las acciones de Vautrin, quien parece encontrar la manera de resolver los problemas de los residentes de la pensión. El artista Eugene finalmente se da cuenta de que ama a Victorine y se reencuentran.
Comentario: Drama que adapta la novela de Honoré de Balzac, Papá Goriot. Una copia de París a medianoche se conserva en la Cinémathèque Française de París.
7 películas de ciencia ficción que te emocionarán y se alejan de la distopía (II)
La llegada (Arrival, 2016), de Denis Villeneuve
Otra adaptación para la lista y esta vez, dirigida por Denis Villeneuve, la mente creativa detrás de la trilogía Dune. Pero, al contrario que el punto de vista épico de la obra de Frank Herbert, esta visión sobre la ciencia ficción es conmovedora y casi íntima. Basada en el cuento La historia de tu vida de Ted Chiang, redefine el tropo del primer contacto desde una perspectiva profundamente humanista y lingüística.
Cuando naves extraterrestres comienzan a llegar a la Tierra, los altos mandos militares piden ayuda a una experta lingüista (Amy Adams) para intentar averiguar si los alienígenas vienen en son de paz o suponen una amenaza. Poco a poco la mujer intentará aprender a comunicarse con los extraños invasores, poseedores de un lenguaje propio, para dar con la verdadera y misteriosa razón de la visita extraterrestre... Adaptación del relato corto The Story of Your Life del escritor Ted Chiang, ganador de los reconocidos premios de ciencia ficción Hugo y Nebula.
La película es optimista porque sugiere que el lenguaje no es solo una herramienta para transmitir datos, sino una forma de moldear nuestra mente y nuestra capacidad de empatía. Algo que también forma parte de Proyecto Salvación, por cierto. Disponible en Amazon Prime Video, Apple TV, Google Play, Netflix y Rakuten TV.
Años 1980: Películas y literatura fantástica (II)
La película adapta aproximadamente la primera mitad de la novela homónima de Michael Ende, publicada en 1979. Bastian, un niño tímido y acosado, roba un libro extraño y empieza a leerlo a escondidas. Dentro del libro, el joven Atreyu intenta salvar el reino de Fantasia de una fuerza devastadora llamada la Nada. A medida que avanza la historia, se hace evidente que el lector del mundo “real” y el destino de Fantasia están mucho más unidos de lo que parece.
Michael Ende, además de este título, es el autor de Momo, otra piedra angular de la fantasía europea. En ambas historias late la misma preocupación: qué hacemos con nuestro tiempo qué nos roba la capacidad de imaginar, cómo nos devora un mundo dominado por la prisa y el consumo. La historia interminable no es solo un desfile de criaturas fantásticas; es un relato sobre responsabilidad, deseo, memoria y la tentación de perderse en las historias para no mirar de frente la realidad.
De niños disfrutábamos del dragón blanco, de volar sobre la ciudad, de imaginar que el libro se dirigía a nosotros. De adultos pesa más el trayecto oscuro de Bastian cuando entra en Fantasia y empieza a olvidarse de quién es. Leer ahora esta nueva edición permite vivir una doble experiencia: acompañar a un lector joven en su primer viaje a Fantasia y, a la vez, enfrentarse a la versión menos cómoda de nosotros mismos que Ende nos puso delante, y que quizá no quisimos o supimos ver entonces.
viernes, 17 de abril de 2026
Películas de la semana: 17 de abril (I)
La momia de Lee Cronin
La familia Benetón +2
La mujer más rica del mundo
Prime Crime: A True Story
Mi querida señorita
Un poeta
Renoir
El chico de los pantalones rosas
La habitación de Mariana
Calcinación
Con la tierra en los pies
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