Two Lovers: cinco referencias a Hitchcock, inesperadas en una melodrama

Después de tres thrillers, James Gray hizo una película romántica en 2008. Pero, no podemos olvidarlo, el cineasta estadounidense lo rodó como un gran thriller, bajo la sombra de Alfred Hitchcock. La demostración en cinco puntos.

La rubia y la morena

Un hombre duda entre una rubia y una morena: la trama de Two Lovers es muy simple, tan antiguo como el cine. Si el color del cabello, en la historia del séptimo arte, no siempre ha tenido la misma connotación. James Grey se sitúa menos del lado de Murnau (en L'Aurore, la rubia encarna la seguridad y la morena del peligro), que del de Hitchcock. La rubia Michelle (Gwyneth Paltrow) es una escurridiza "vecina" que no envía las mismas promesas que la morena Sandra (Vinessa Shaw), cariñosa y atenta desde el primer beso.

Vértigo en el tejado

Como James Stewart en Vértigo (De entre los muertos), en España, Leonard (Joaquin Phoenix) no ve a Michelle como es, la proyecta como una fantasía. James Gray mostró la obra maestra de Hitchcock a sus actores. Cuando en la azotea del edificio Gwyneth Paltrow mira a cámara, es un homenaje a Kim Novak en dicha película.

El ojo vecino de La ventana indiscreta

Desde la ventana de su dormitorio, Leonard puede ver la de Michelle. A diferencia de La ventana indiscreta, esta vez no hay ningún asesinato que ver, y apenas se habla de voyeurismo: los dos personajes se miran y se comunican. Pero como Jeff (James Stewart) en la obra de Hitchcock, Leonard es un fotógrafo aprisionado en un apartamento. Por encima de todo, Two Lovers es también una película sobre la mirada. Leonard es espiado por su madre, escudriñado por su futuro padrastro, obsesionado por el retrato de la mujer que lo dejó (volvemos a Vértigo…).

Un halo de misterio

Es un lugar común llamar a Hitchcock "el maestro del suspense"; podría llegar a ser así designar a James Gray de esta manera. Es raro que una drama sea tan fascinante. Joaquin Phoenix tiene algo que ver, dándole a su personaje un poco de emocionante misterio. La fotografía tenebrosa de Joaquín Baca-Asay ayuda, encajando a la perfección con los otros thrillers de James Grey (ya se había ocupado el director de fotografía de La noche es nuestra (We Own the Night., 2007). Y luego está la forma en que el cineasta orquesta la bipolaridad de Leonard, delicadamente con la presión que pesa sobre sus hombros. El desarrollo de su futuro suegro, justo antes del compromiso, se parece mucho al de un líder de pandilla (ciertamente más cercano a un mafioso de New Hollywood que a un gángster hitchcockiano).

Un corte revelador

James Gray le gusta el siglo XIX:  siempre hay ópera aquí y allá, adapta un cuento de Dostoievski (Noches  blancas) en Two Lovers, y concluye su película con un préstamo de La education sentimental, de Flaubert. Pero este desenlace está cortado de una forma que a Hitchcock le hubiera gustado, con dos primeros planos de objetos caídos al suelo que cuentan, mejor que cualquier diálogo, lo que pasa por la cabeza del personaje. O cómo adentrarse en el alma de los hombres con una cámara.

Diez películas protagonizadas por Marsella (I)

Desde los antaño paisajes pagnolescooss de Marius (1931) hasta la aglomeración globalizada de Stillwater (2021), mucho más que un escenario, la ciudad de Marsella se erige como protagonista por derecho propio.

¿Películas rodadas en Marsella? Evidentemente, primero pensamos en los coches (las persecuciones de coches en Taxi Express (Taxi, 1998) y la prisión (la de Les Baumettes en Un profeta (Un prophète, 2009)). Pero esto es injustamente descuidar la diversidad de paisajes que ofrece la ciudad de Marsella, desde el Puerto Viejo hasta los barrios del norte, pasando por los arroyos, las islas Frioul y el barrio medieval de Le Panier... He aquí diez películas, de thrillers a la comedia, presentada en orden cronológico, que honran a una Marsella plural, moderna y auténtica, urbana y salvaje, hechizante y violenta, a menudo estimulante y bañada por el sol, a veces inquietante.

La trilogia marsellesa, de Pagnol (1931-1936)

Por supuesto, están Marius (1931), Fanny (1932) y César (1936). Pero sobre todo está Marsella, protagonista de la obra del escritor nacido en Aubagne. No hace falta resumir la historia ya que las tres películas (y, antes que ellas, los tres libros) se han convertido en clásicos. Si la primera, Marius, se rodó principalmente en el estudio, las otras dos obras revelan una Marsella desaparecida: el Café de la Marine de los años 1930, el puente transportador, las tiendas antiguas... A través de estas películas, la ciudad de Marsella se vuelve accesible todos, con sus lugares míticos, su población, su acento sureño. Un verdadero patrimonio.

Fanny (1932), de Marc Allegret

El ejército de las sombras (L’Armée des ombres, 1969), de Jean-Pierre Melville 

Basada en la novela homónima de Joseph Kessel, El ejército de las sombras de Melville es la película esencial para comprender la Resistencia, incluida su crueldad. La historia de Philippe Gerbier (Lino Ventura), al frente de una red de resistencia con base en... Marsella, la rebelde, por supuesto. Sin embargo, vemos relativamente poco de la ciudad: París y Lyon tienen un papel más importante, es cierto. Pero una cosa es también verdad: después de la película de Melville, ya no podemos mirar al palacio de justicia de Marsella de la misma manera.

El ejército de las sombras (1969), de Jean-Pierre Melville

The French Connection. Contra el imperio de la droga (The French Connection, 1971), de William Friedkin

Marsella, centro del narcotráfico. Violencia, drogas y persecuciones de coches: The French Connection es uno de esos thrillers imprescindibles y espectaculares (todavía hoy), que ganó nada menos que cinco premios Oscar (incluidos los de mejor película, mejor actor y mejor director). Entre Le Panier, el Vallon des Auffes, el Puerto Viejo y el Castillo de If, ​​la película muestra una ciudad criminal, siniestra... y nos deja en la mente una Marsella convulsa.

The French Connection. Contra el imperio de la droga (1971), de William Friedkin

Un, deux, trois, soleil (1993), de Bertrand Blier

Anouk Grinberg, Marcello Mastroianni, Myriam Boyer, Jean-Pierre Marielle y Claude Brasseur en una historia de familia, amor y aprendizaje en una ciudad. Blier pinta un impactante retrato de los suburbios de Marsella, en toda su dureza, sin ideas preconcebidas. La luz dura y aplastante, el sofocante calor del sur, los largos bloques de apartamentos blancos que se elevan desde al pie de las montañas rocosas e incluso el sonido de los grillos contribuyen a la atmósfera sofocante de la película. Uno, dos, tres... Marsella, sin folklore.

Un, deux, trois, soleil (1993), de Bertrand Blier

Marius y Jeannette (Un amor en Marsella) (Marius et Jeannette, 1997), de Robert Guédiguian

La historia de un encuentro entre dos seres maltrados, pero que poco a poco encontrarán la felicidad. Una crónica realista, anclada en el barrio de L'Estaque, antiguo pueblo de pescadores y artesanos, como suele ocurrir en las películas de Guédiguian –podríamos haber incluido Las nieves del Kilimanjaro (Les neiges du Kilimanjaro, 2011) o La casa junto al mar (La villa, 2017). En 1997, sin embargo, eran principalmente trabajadores los que habitaban el distrito: Marius vivía en una fábrica de cemento en ruinas. La historia de un encuentro, sí; la historia de Marsella, también.

Marius y Jeannette (Un amor en Marsella) (1997), de Robert Guédiguian

El expresionismo alemán (III)

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Un buen ejemplo de iluminación expresiva que mantiene una interacción dinámica con unos decorados llenos de imaginación lo ofrece El Golem (Der Golem, wie er in die Welt kam, 1920), de Paul Wegener, una variación sobre el mito de Frankenstein, que cuenta la creación de un monstruo en el ghetto medieval de Praga (remake de su obra anterior, también titulada El Golem de 1913). Los decorados, magníficamente iluminados, fueron obra de Hans Poelzig, quien también había diseñado los del montaje teatral de "Grosses Schauspielhaus" para Reinhardt, en Berlín. No obstante, puede decirse que esa película se alejaba ya del movimiento expresionista como tal, convirtiéndose en una muestra del romanticismo alemán y de la estilización en un sentido mucho más general de la palabra.

El Golem (Der Golem, wie er in die Welt kam, 1920)

No ocurre lo mismo con El hombre de las figuras de cera (Das Wachsfigurenkabinett, 1924), de Paul Leni, decorador, pintor y anterior colaborador de Reinhardt. Al igual que El gabinete del Dr Caligari, la película estaba ambientada en un parque de atracciones, en el que un grupo de figuras de cera cobraban alarmantemente vida. Es innegable que las observaciones del propio Leni muestra una actitud muy similar a la de numerosos pintores y diseñadores expresionistas.

El hombre de las figuras de cera (Das Wachsfigurenkabinett, 1924)

"He intentado crear unos decorados tan estilizados que marginen cualquier referencia a la realidad. Lo que la cámara percibe no es la realidad externa, sino la de los acontecimientos internos, que resulta más profunda, efectiva y conmovedora que la que vemos todos los días... Creo que el cine es capaz captar y reproducir esa otra realidad" -afirmo Leni-. 

De hecho, muy pocas películas pueden considerarse genuinamente expresionistas, y las que más se aproximan al expresionismo puramente visual o teatral no son necesariamente las mejores. No obstante, hay muchas (alemanas y de otras nacionalidades) que reflejan de una forma u otra la influencia del movimiento, pero etiquetarlas a todas como "expresionistas" (dándole a la palabra un sentido distinto a simplemente "expresivo" o "estilizado") equivale a quitarle al término todo su significado. 

Cine: El expresionismo alemán (II)

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Utilizando los servicios del arquitecto Andrei Andreiev (que posteriormente trabajó con Alexander Korda en Gran Bretaña); Wiene puso el acento en los decorados arquitectónicos en lugar de simplemente pintados intentando reflejar a través de ellos el paranoico estado de ánimo de Raskolnikow. El efecto se lograba mediante la distorsión y la estilización, sobre todo en la secuencia del sueño, en la que una escalera con las paredes desconchadas, las barandillas torcidas y súbitas caídas, se veía poblada de "fantasmas". Pero la iluminación era sorprendentemente plana y la forma inexpresiva y naturalista de actuar del reparto (compuesto por miembros del Teatro de las Artes de Moscú) entraba en contradicción con el expresionismo de los decorados, dando lugar a una película confusa y desigual.

Raskolnikow (1923)

Especialmente interesante es Von Morgens bis Mitternachts (1920), de Karl Heinz Martin, historia del sórdido declive y derrumbamiento final de un empleado de banca. El guión estaba basado en un obra de Georg Kaiser, y los decorados fueron diseñados por Robert Neppach. Martin y Neppach habían trabajado juntos en el montaje del drama "Die Wandlung", de Ernst Toller, en Berlín en 1919, y su colaboración en Von Morgens bis Mitternachts consiguió una auténtica fantasmagoría expresionista que resultaba todavía más irreal y onírica que la de la obra teatral original. 

Von Morgens bis Mitternachts (1921)

Como demuestra Raskolikow por defecto, la expresividad y fuerza de los decorados pueden verse enormemente realzadas por un uso creativo de la iluminación. En este sentido, ningún artículo sobre el cine alemán mudo estaría completo si no mencionase al director de teatro Max Reinhardt. Aunque no era él mismo un artista expresionista. Reinhardt facilitó las cosas al movimiento teatral y cinematográfico, en parte por las obras y autores que montaba (por ejemplo, August Strindberg), pero sobre todo a través de su puesta en escena, especialmente su antinaturalista uso de las luces y las sombras para crear una determinada atmósfera, y su empleo de todos y cada uno de los elementos del espacio teatral.

Raskolnikow (1923)

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Mujeres de cine: Haifaa-al Mansour 10-8

El 10 de agosto de 1974 nace en Al Zulfi, Arabia Saudí, Haifaa al-Mansour, directora de cine saudí. Especialmente conocida por su ópera prima, Wadjda, es la primera mujer directora de cine de su país y tiene un amplio reconocimiento internacional.

Fue su padre quien la acercó al cine a través de vídeos de películas dado que en Arabia Saudita no existían salas de cine. Uno de sus actores favoritos era Jackie Chan. Con el apoyo de sus padres estudió literatura en la Universidad Americana de El Cairo,y más tarde estudió en una escuela de cine en Sídney, Australia.

Empezó su carrera cinematográfica con tres cortos: Who? (¿Quien?), rodado con sus hermanos, The Bitter Journey y The Only Way Out, este último premiado en Emiratos Árabes Unidos y en Holanda.​ Continuó con el documental Women Without Shadows, sobre la invisibilidad de las mujeres en los países del Golfo Pérsico, el cual fue proyectado en 17 festivales internacionales. El documental recibió el Golden Dagger como mejor documental en el festival de cine de Mascate y además obtuvo la mención especial del jurado en el cuarto Festival de Cine Árabe de Róterdam. Haifaa al-Mansour también fue invitada al 28º Festival de los Tres Continentes en la localidad francesa de Nantes.

Su ópera prima, Wadjda, en español La bicicleta verde, se estrenó mundialmente en el Festival de Venecia de 2012. Es el primer largometraje rodado íntegramente en Arabia Saudita y dirigido por una mujer. La película cuenta la historia de una niña de 11 años que vive en los suburbios de Riad y que sueña con tener una bicicleta verde, en un país donde la actividad pública de las mujeres está especialmente limitada. Para rodar, ha contado la cineasta en muchas ocasiones, tuvo que hacerlo desde una caravana con un monitor y un walkie-talkie porque no podía salir al exterior y ser vista en compañía de hombres.

La película estuvo respaldada por Rotana, la productora del Príncipe Al-Waleed bin Talal.​ La bicicleta verde fue seleccionada como para competir como Mejor película de lengua extranjera en los 86º premios Óscar, siendo la primera vez que una película de Arabia Saudita compite en esa categoría. El proyecto había sido desarrollado en 2009 con el laboratorio de guiones del Golfo en colaboración con TorinoFilmLab y el Festival de Cine Internacional de Dubái. Entre los objetivos de la película estaban el cuestionar algunos temas considerados culturalmente tabú. 

En 2014 empezó a rodar su segundo largometraje, Mary Shelley, un drama romántico sobre la relación de Mary Wollstonecraft Godwin, una joven extrovertida de dieciocho años, autora de Frankenstein o el moderno Prometeo, y el carismático poeta Percy Shelley. Se trata de su primera producción británica. La película se estrenó en 2017.​

En 2015 fue seleccionada como jurado para la sección "Un Certain Regard" del Festival de cine de Cannes.

Efemérides de cine: Me enamoré sin darme cuenta

El 10 de agosto de 1972 se estrenó la película argentina Me enamoré sin darme cuenta, dirigida por Fernando Siro e interpretada por Sergio Denis, Alicia Bruzzo, Luis Brandoni, Ricardo Passano, Ovidio Fuentes, Mónica Posse, Roberto Airaldi, Betty Solís, Hugo Caprera, Susan Sharpe, Leónidas Brandi, Alicia Freidenberg, Juan Carlos Ferreyra, Horacio Dalli. Productora: Special Films SRL. Duración: 81 minutos. 

Sinopsis argumental: Dos hombres que aman a la misma mujer y encaran caminos diferentes para triunfar.

Comentario: Película musical protagonizada por el cantante Sergio Denis. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Cine: El expresionismo alemán (I)

Expresionismo: "intento de presentar la vida interior de la humanidad en lugar de su apariencia externa". En el primitivo cine alemán, los decorados se propusieron hacer realidad esta difinición, y el uso exclusivo de interiores, la iluminación artificial y los ángulos de cámara  originales y extraños se convirtieron en su "marca de  fábrica".

Como movimiento artístico, moderno y específico, el expresionismo alemán duró desde 1914 a 1924, manifestándose primero en la pintura y en la poesía, y luego en el teatro y el cine; de hecho, la película generalmente considerada como primer ejemplo del cine expresionista alemán, El gabinete del doctor Caligari (Das Cabinet des Dr. Caligari), dirigida por Robert Wiene no apareció hasta 1920, ya casi a finales del movimiento. Su tardía irrupción en el cine es explicada de la siguiente manera por John Willet en su libro "Expressionism (1970)": "Cuanto más complicada sea la maquinaria de comunicación, y menos sujeta a la voluntad del escritor o artista individual, más tardará en reflejarse en ella un determinado moviemiento. Así, mientras que en la pintura o en la poesía, es el propio artista el responsable de ofrecer el producto acabado, por lo que el proceso es rápido, la letra impresa tarda algo más, y el teatro todavía mas." Y, por supuesto, el cine muchísimo más.

El gabinete del doctor Caligari (1920)

Los espectadores actuales considera El gabinete de doctor Caligari una película plana, bidimensional y excesivamente teatral. No obstante, sus decorados revelan mucho acerca del papel del diseño en el cine expresionista alemán, reflejando y evocando las formas de pensar y los estados de ánimo de los personajes y contribuyendo a crear la evocadora atmósfera de la película. Como corresponde a una historia  que intenta mostrar el mundo visto a través de los ojos de un loco, El gabinete del doctor Caligari utiliza las perspectivas distorsionadas, las líneas disparatadamente oblicuas y los ángulos de cámara más fantásticos, mientras que la forma de actuar de Werner Krauss y Conradt Veidt es lo suficientemente estilizada como para encajar en ese mundo. Como señala Siegfried Kracacuer en "De Caligari a Hitler: Historia psicológica del cine alemán", los decorados de la película constituyen "una proyección exterior de acontecimientos internos... una transformación perfecta de los objetos materiales en ornamentos emocionales". Los personajes se mezclan en sombría armonía con los objetos que los rodean, y en la amenaza latente de Cesare se encontraba ya el embrión del nazismo, el auténtico "huevo de serpiente" al que se refirió posteriormente Bergman en su película del mismo título rodada en 1977, El huevo de la serpiente (Das Schlangenei/Ormens ägg). La excitación intelectual que se vive en Alemania tras el Armisticio lleva a que la vanguardia, la pintura expesionista y el entusiasmo por el cine pasarán a ocupar un papel preponderante. Los decorados fueron obra de Herman Warm, Wlater Röhrig y Walter Reihmann, todos los cuales estaban afiliados al grupo "Sturm", el de los expresionistas berlineses. 

El gabinete del doctor Caligari (1920)

El gabinete del doctor Caligari obtuvo tanto éxito (sobre todo fuera de Alemania) que dio origen al término "caligarismo". Describir un mundo cinematográfico en el que todo estaba al revés y "patas arriba", y, al igual que la etiqueta "expresionismo", se aplicó de manera algo indiscriminada a una larga sucesión de películas alemanas. El director de El gabinete del doctor Caligari, Robert Wiene, intento prolongar el éxito de la misma con Genuine (1920), la historia de una "mujer fatal", que contaba con sorprendentes decorados bidimensionales, obra de Cesat Klein, quien había sido una de las luminarias del grupo "Neue Secession", una de las primeras asociaciones de pintores expresionistas, habiendo diseñado los decorados del montaje de la obra Hölle Weg Erde, del destcado autor expresionista Georg Kaiser, en el teatro Lessing de Berlín  en 1919. 

Genuine (1920)

No obstante, hubo que esperar hasta Raskolnikov (1923), adaptación de la obra Crimen y castigo de Fedor Dostoyevski, para que Wiene lograse superar los problemas de la profundidad y la perspectiva.

Raskolnikow (1923)

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Mujeres de cine: Audrey Tautou

El 9 de agosto de 1976 nació Puy-de-Dôme, Francia, Audrey Justine Tautou, conocida artísticamente como Audrey Tautou, actriz francesa reconocida internacionalmente por su papel protagonista en Amèlie. 

Realizó su debut en producciones de televisión y cine, especialmente en Venus Beauty Institute (1999), dirigida por Tonie Marshall el año de 1999, donde fue aclamada por la crítica. Apareció posteriormente en películas y logró el reconocimiento mundial por Amélie (2002) en su papel homónimo, alcanzando el éxito de la crítica y taquilla, ganando numerosos reconocimientos y con el tiempo convirtiéndose en un icono de la cultura contemporánea. 

En su carrera, ha colaborado en distintas producciones famosas como Dirty Pretty Things (2003) Un largo domingo de noviazgo (2004), El código Da Vinci (2006), Un engaño de lujo (2006), Coco antes de Chanel (2009), la trilogía de Cédric Klapisch - Una casa de locos (L'auberge espagnole, 2002), Las muñecas rusas (Les poupées russes, 2005), Nueva vida en Nueva York (Casse-tête chinois, 2013)-, ha trabajado con algunos de los grandes nombres de la industria como Claude Miller y Michel Gondry.

Ha sido nominada y ganadora en varias categorías y distinciones, de entre ellas los Premios César, los Premios Lumière, el BAFTA, el Premio del cine europeo y el Festival de Cine de Cannes. Es una de las pocas actrices francesas en unirse a la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas americana (AMPAS).

Efemérides de cine: Snoopy, vuelve a casa

El 9 de agosto de 1972 se estrenó la película estadounidense Snoopy, vuelve a casa (Snoopy, Come Home), dirigida por Bill Meléndez. Reparto: Animación. Productora: Cinema Center Films. Duración: 81 minutos. 

Sinopsis argumental: ¿Qué ocurre cuando nuestra mascota favorita de Norteamérica desaparece? Pues que se escucha un sonoro lamento entre sus compañeros de ”Snoopy, vuelve a casa”. 

Comentario: Basada en la popular historieta Peanuts creada por Charles M. Schulz. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Mujeres de cine: Esther Williams

El 8 de agosto de 1921 nace en Los Angeles, California, Esther Jane Williams, más conocida artísticamente como Esther Williams, actriz estadounidense famosa por sus películas musicales con espectáculos acuáticos. Gracias a su espectacular figura y singular carisma fue una de las estrellas más populares de la era dorada de la productora cinematográfica Metro Goldwyn Mayer.

Esther Williams fue nadadora especialista en natación sincronizada, y habría participado en los Juegos Olímpicos de Helsinki 1940 de no haberse suspendido por la Segunda Guerra Mundial. Acabado el sueño olímpico, Esther Williams se decidió por el espectáculo, y comenzó a realizar presentaciones con el también nadador Johnny Weissmüller, famoso, además de por sus éxitos olímpicos, por sus películas de Tarzán. Pero fue trabajando como modelo cuando llamó la atención a un productor de la Metro-Goldwyn-Mayer, quien le propuso sumarse a la compañía.

Su primera película es de 1942, protagonizada por Mickey Rooney, en donde la bellísima Esther realiza un pequeño papel. Dos años más tarde haría su espectacular entrada como gran estrella con la película Escuela de sirenas (Bathing Beauty),​ de George Sidney, lujoso musical de la Metro, donde colaboraba el músico Xavier Cugat y su orquesta, el barítono colombiano Carlos Julio Ramírez y el comediante Red Skelton. A partir de esta película recibiría el sobrenombre de «Sirena de América», ocurrencia de su compañero de la Metro Clark Gable.

Su estrella creció de tal modo que se creó un subgénero dentro del musical, el musical acuático, especialmente para ella. A las órdenes del prolífico director Richard Thorpe, protagonizaría Juego de pasiones (Thrill of a Romance, 1945), Fiesta (1947), junto a Ricardo Montalbán, John Carroll, Fortunio Bonanova y Cyd Charisse; y, En una isla contigo (On an Island with You, 1948), también junto a Ricardo Montalbán, y con Jimmy Durante, Peter Lawford y Xavier Cugat y su orquesta.​ En 1949 finalizaría la década con La hija de Neptuno (Neptune's Daughter), de Edward Buzzell.

Esther Williams en Escuela de sirenas (1944)

Comenzó los años cincuenta con los mismos éxitos de la década anterior, siendo sus películas más destacadas de esta década Serenata en el valle del sol (Duchess of Idaho, 1950), de Robert Z. Leonard, La primera sirena (Million Dollar Mermaid, 152), de Mervyn LeRoy —donde compartía protagonismo con Victor Mature— Mojada y peligros (Dangerous When Wet, 1953), de Charles Walters, en una increíble escena acuática junto a Tom y Jerry; y La amada de Jupiter  (Jupiter's Darling, 1955), de George Sidney. Estos papeles la encasillaron en papeles relacionados con la natación y no podía salirse de ellos. Williams deseaba tener papeles de corte dramático. pero el público de entonces no asimilaba a Esther Williams actuando en ellos.

A mediados de la década de los cincuenta su estrellato empezó a declinar y rompió su contrato con la Metro y comenzó una carrera como actriz independiente, en la que no recuperó el éxito pasado; de esta época destacan sus películas Sombras de la noche (The Unguarded Moment, 1956), de Harry Keller, película de corte dramático, junto a George Nader, John Saxon, Edward Andrews y Edward Platt, El gran espectáculo (The Big Show, 1961), de James B. Clark, con Cliff Robertson como coprotagonista.

Volvió, no obstante, a recuperar su fama cuando se casó por tercera vez con el actor argentino Fernando Lamas, con quien estuvo casada hasta la muerte del galán en 1982. Según confesó más tarde, abandonó el cine en el pináculo de su carrera a instancias de su esposo.

Williams se dedicó entonces a vender piscinas con marca registrada de su nombre, trajes de baño y una línea de productos relacionados con la natación. Williams siguió practicando la natación hasta los 90 años de edad.

Murió mientras dormía por causas naturales a causa de su avanzada edad el 6 de junio de 2013 a los 91 años de edad en su casa de Beverly Hills. 

Efemérides de cine: Nathalie Granger

En agosto de 1922 se estrenó la película francesa Nathalie Granger,  dirigida por Marguerite Duras e interpretada por Jeanne Moreau, Lucía Bosé, Gérard Depardieu, Nathalie Bourgeois, Luce Garcia-Ville, Valerie Mascolo, Dionys Mascolo. Productora: Mouflet et Cie. Duración: 83 minutos. 

Sinopsis argumental: Una bonita casa al final de un parque, en los Yvelines. Una vez que su marido y sus hijos se han ido, Isabelle está allí sola con su amiga y las horas pasan lentamente. Le preocupa la violencia que muestra su hija Nathalie en la escuela, pero no soporta la idea de enviarla a un internado. El momento cumbre del día es cuando llama un vendedor de lavadoras. 

Comentario: Cuarto largometraje de Marguerite Duras. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Delphine Seyrig y el feminismo, la lucha de una gran luchadora (IV)

Convencida defensora de un feminismo moderno y asumido, firmante del Manifiesto de las 343 guarras, toda la vida de Delphine Seyrig ha estado teñida de activismo y emancipación. Una revuelta que deja un fuerte legado, un hito y un modelo para las generaciones más jóvenes.

La abogado Gisèle Halimi en companía de Delphine Seyrig delante del tribunal de Bobigny en el que una joven de 17 años debía ser juzgada  una joven de 17 años será juzgada por abortar tras un embarazo producto de una violación. 11 octobre de 1972

“Creo que cuando mi felicidad depende de un hombre, soy esclava y no soy libre. Reconocible entre mil, por el aplomo suave y suspendido del tono, por la inesperada ruptura del aliento entre las palabras, resuena la voz de Delphine Seyrig, seguida de un martilleo de guitarra eléctrica. Luego otra voz fluye a la suya, más contemporánea, igual de potente: “De noche pegamos, de día rompemos moldes. En la vida real, en las redes, estamos dispuestos a jugarnos el pellejo. ¡Violador, ten miedo, sabemos que eres el agresor! Esta no es una remezcla de la canción de las hadas en Piel de asno (Peau d'âne, 1970), sino la introducción de Warriors of Light (2020), himno galvanizador de la cantante feminista Mathilde, dedicado a sus “hermanas de lucha”. Las luchadoras, las golpeadas, las silenciadas y, hermana suprema de la lucha libre, la diosa DS, Delphine Seyrig la reina, un modelo perenne, una fuente de inspiración siempre presente.

Mujeres de cine: Charlize Theron

El 7 de agosto de 1975 nació en Benoni, Sudáfrica, Charlize Theron, actriz y modelo sudafricana-estadounidense. 
Alcanzó la fama después de participar en varias producciones cinematográficas en la década de los noventa, entre las que se destacan Pactar con el diablo (The Devil's Advocate, 1997), de Taylor Hackford; Mi gran amigo Joe (Mighty Joe Young, 1998), de Ron Underwood y Las normas de la casa de la sidra (The Cider House Rules, 1999), de Lasse Hallström. 

En 2003 fue acreedora del Oscar a la mejor actriz por su interpretación de la asesina en serie Aileen Wuornos en la película Monster, lo que la convirtió en la primera africana en recibir el premio en esa categoría.​

Dos años después recibió por segunda vez una nominación al Óscar por su actuación en En tierra de hombres (North Country).​ 

Desde 2007 Theron es ciudadana estadounidense, aunque aún conserva su ciudadanía sudafricana.

Además tiene una participación especial como Clea en la escena postcrédito de Doctor Strange en el Multiverso de la Locura (Doctor Strange in the Multiverse of Madness, 2022).

Cumplió 25 años: Cenizas del paraíso

El 7 de agosto de 1997 se estrenó la película argentina Cenizas del paraíso, dirigida por Marcelo Piñeyro e interpretada por Héctor Alterio, Leonardo Sbaraglia, Cecilia Roth, Daniel Kuzniecka, Leticia Brédice, Nicolás Abeles, Alejo García Pintos, Maximiliano Ghione, Emilio Bardi. Productora: Patagonik. Duración: 116 minutos. 

Sinopsis argumental: El juez Makantasis se precipita desde lo alto del edificio que alberga los juzgados. Al mismo tiempo, la joven Ana Muro aparece asesinada. Los tres hijos del juez y el novio de Ana se declaran culpables del asesinato de la chica. La conexión que hay entre ambas muertes tratará de descubrirla la jueza Teller. 

Nominaciones y premios: Premios Goya: Mejor película extranjera de habla hispana.

Comentario: Largometraje dirigido por Marcelo Piñeyro, uno de los cineastas argentinos contemporáneos más prestigiosos. Tanto sus anteriores películas Tango feroz y Caballos salvajes como la posterior Plata quemada han sido grandes éxitos de taquilla en su país y se han alzado con numerosos premios internacionales. En Cenizas del paraíso, Piñeyro vuelve a contar, como en sus dos primeras películas, con un guión escrito por él mismo y Aida Bortnik. La cinta tiene como protagonista a la actriz Cecilia Roth y a dos actores que ya colaboraron con Piñeyro en sus trabajos anteriores; se trata del veterano Héctor Alterio y el joven Leonardo Sbaraglia, que también protagonizaría más tarde la reseñada Plata quemada. 

Cumplió 25 años: Liberad a Willy 3: El rescate

El 6 de agosto de 1997 se estrenó la película Liberad a Willy 3: El rescate (Free Willy 3: The Rescue), dirigida por Sam Pillsbury e interpretada por Jason James Richter, Patrick Kilpatrick, Vincent Berry, August Schellenberg, Annie Corley. Productora: Warner Bros. Duración: 86 minutos.

Sinopsis argumental: Jesse tiene ya 16 años y debe cuidar todo lo que pueda de la orca Willy, haciendo frente entre otros obstáculos al tráfico ilegal de animales. Le ayudarán su amigo Randolph y un sarcástico científico.

Comentario: La película es la segunda secuela de la primera película ¡Liberad a Willy! (Free Willy, 1993) y de la película Liberad a Willy 2 (Free Willy 2: The Adventure Home, 1995).

Cumplió 25 años: Fuerza máxima

El 6 de agosto de 1997 se estrenó la película estadounidense Fuerza máxima (Drive), dirigida por Steve Wang con Mark Dacascos, Kadeem Hardison, John Pyper-Ferguson, Brittany Murphy, Tracey Walter, James Shigeta, Sanaa Lathan, Masaya Kato, Dom Magwili, Ron Yuan, Clive Rosengren, Christopher Michael, Ted Smith, Tedd Szeto, R.A. Mihailoff, David Watts. Productora: NEO Motion Pictures, Overseas FilmGroup. Duración: 100 minutos. 

Sinopsis argumental: En un futuro no demasiado lejano, en China, una gran empresa ha diseñado un prototipo de biomotor con un módulo de energía biológico que ha sido implantado a Toby Wong, un hombre que trabaja para el gobierno chino. Él es una máquina de matar, el motor que lleva en el corazón le posibilita hacer verdaderas proezas, su rapidez es incomparable, además de ser un experto en artes marciales. Pero Toby está harto de que lo utilicen y decide ir a los Estados Unidos donde una empresa le ha ofrecido cinco millones de dólares por extirparle el implante, convirtiéndolo así en un hombre libre. La empresa de Hong Kong envía a sus mejores hombres para evitar que el prototipo llegue a manos de los americanos. Toby conoce a Malik durante una pelea y se convertirá en su compañero de viaje. Ambos deberán enfrentarse a un modelo avanzado de super hombre experto en artes marciales que ha viajado desde China.

Comentario: Todo un despliegue de acción y artes marciales con toque hongkonés. 

Mujeres de cine: Rosaura Revueltas Sánchez

El 6 de agosto de 1910 nace en Lerdo, Durango, México, Rosaura Revueltas Sánchez, actriz de cine y teatro, bailarina y escritora mexicana. Recordada por su impactante rol en la película La sal de la tierra (1954).

Rosaura incursionó en la danza, y pasó a integrar luego una compañía de danza folclórica. Luego se inició en la actuación y comenzó a participar en pequeños papeles en cine.

En danza debutó públicamente en Carmen, en el Teatro Bellas Artes (1945), y participó luego en la compañía de Arte Folklórico Baile Español de María Antinea (1945), en La doma de la fiera, dirigido por Seki Sano y con coreografía de Waldeen Falkenstein, y en Tres estampas de vida (1949), en Preludio y fuga, con coreografía de Waldeen Falkenstein (1952); en 1954 formó un grupo que se presentó en la celebración del 1.º de Mayo en Moscú en 1954, donde la reconocieron como la protagonista de La sal de la tierra. En 1958, tras negativas de participar en cine, debutó como segunda tiple en el Teatro Iris.

En 1949 obtuvo su primer rol cinematográfico en Pancho Villa vuelve. Le siguieron Un día de vida, por el que ganó un Premio Cuauhtémoc, y en Islas Marías, con Pedro Infante (1950); Muchachas de uniforme (1951), El rebozo de Soledad, por el que ganó un Premio Ariel; Cuarto cerrado, La antorcha y Sombrero (1952). En Alemania filmó para la televisión una serie llamada Sonrisas de México.

En 1954, aceptó el rol de Esperanza Quintero en la película estadounidense La sal de la tierra (Salt of the Earth), del director Herbert J. Biberman. Se encontraba Estados Unidos en plena Guerra Fría, en una campaña política conocida como mccarthismo, y Howard Hughes denunció al director y a gran parte del elenco como comunistas. Así fue como Rosaura pasó a formar parte de la lista negra de Hollywood, al igual que la película. Fue encarcelada y deportada con el fin de detener la filmación, pero finalmente ésta se logró terminar y la película dio la vuelta al mundo. En 1956, en la Académie du Cinéma (premios Étoile de cristal) de París y en el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary, en Checoslovaquia (ahora República Checa), le otorgaron un Premio a la mejor Actriz, por su actuación en la película.

Rosaura Revueltas en La sal de la tierra (1954)

Los intentos por regresar al cine en México fueron vanos, pues estaba vetada por la industria cinematográfica debido a su participación previa en La sal de la tierra. En 1976, volvió a participar con roles pequeños en las películas Lo mejor de Teresa  (1976); Balún Canán (1976) y Mina, viento de libertad (1977). En 1979 publicó el libro Los Revueltas: Biografía de una familia. Luego publicó una compilación de las memorias de su hermano Silvestre Revueltas, Silvestre, por él mismo. Posteriormente participó como jurado en festivales de cine en Berlín y Barcelona.

Los últimos años de su vida los dedicó a la enseñanza de la danza y el yoga. En 1995 se le diagnosticó cáncer de pulmón, y falleció el 30 de abril de 1996 en su hogar en Cuernavaca, Morelos, a los 85 años de edad. Le sobreviven solamente sus nietos.

La actriz española Ángela Molina encarnó a Rosaura Revueltas en la película Punto de mira (One of the Hollywood Ten, 2001), de Karl Francis.

Cumplió 25 años: Cop Land

El 6 de agosto de 1997 se estrenó la película estadounidense Cop Land, dirigida por James Mangold e interpretada por Sylvester Stallone, Harvey Keitel, Ray Liotta, Robert De Niro, Peter Berg, Janeane Garofalo, Robert Patrick, Michael Rapaport, Annabella Sciorra, Noah Emmerich, Cathy Moriarty, John Spencer, Frank Vincent, Malik Yoba, Arthur J. Nascarella, Edie Falco, Victor Williams, Paul Calderon, John Doman, Deborah Harry, Vincent Laresca, Oliver Solomon, Terri Towns. Productora: Miramax, Woods Entertainment. Duración: 105 minutos. 

Sinopsis argumental: Babitch (Michael Rapaport), un policía de Nueva York, conduce de noche de vuelta a casa cuando es atacado por dos individuos. Intenta atraparlos, pero cuando le apuntan con una pistola, instintivamente, dispara y los mata. En un instante, el puente se llena de policías, que comprueban que los agresores no tenían ninguna pistola, y deciden actuar por su cuenta. Todos viven en un barrio de Nueva Jersey donde el sheriff, el bonachón Freddy Heflin (Sylvester Stallone), tiene jurisdicción sobre el caso. El asunto salta a los medios de comunicación, de modo que el investigador de asuntos internos (Robert de Niro) decide intervenir. 

Nominaciones y premios: Festival de Cine de Estocolmo: Mejor actor (Sylvester Stallone).

Comentario: El director y guionista James Mangold es el responsable de este sobrio thriller en el que sorprende ver a un Sylvester Stallone en un papel muy alejado de sus habituales interpretaciones, ofreciendo una actuación muy convincente que no terminó de ser reconocida por la crítica. De hecho, para dar realismo a su rol, el musculoso intérprete ganó 18 kilos, gracias a una dieta basada en tortitas dulces bañadas en sirope.

Efemérides de cine: Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo* pero nunca se atrevió a preguntar

El 6 de agosto de 1972 se estrenó la película Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo* pero nunca se atrevió a preguntar (Everything You Always Wanted to Know About Sex (But You Were Afraid to Ask)), dirigida por Woody Allen e interpretada porWoody Allen, Gene Wilder, Lynn Redgrave, Louise Lasser, John Carradine, Lou Jacobi, Tony Randall, Anthony Quayle, Heather MacRae, Burt Reynolds, Jack Barry, Titos Vandis, Erin Fleming. Productora: United Artists. Duración: 87 minutos. 

Sinopsis argumental: Un bufón que trata de conseguir los favores de la reina con un afrodisíaco. Un médico que se enamora perdidamente de una oveja. Una mujer que sólo consigue excitarse en lugares públicos. Un absurdo programa de televisión sobre fetichismos. Un científico loco que crea un pecho gigantesco y monstruoso. Un espermatozoide aterrado ante su inminente salida al mundo exterior... A lo largo de siete capítulos, Woody Allen contesta a su manera las preguntas planteadas en el libro de divulgación sexual en el que se apoya la película, abordando de una forma descarada y cómica algunos de los tabúes relativos a la sexualidad humana.

Comentario: Cuarta película de Woody Allen como director, y que además escribe y protagoniza. Atrevido y mordaz, el filme está construido como una serie de sketches en los que el director reinterpreta, con un humor visual, los capítulos del libro homónimo del Dr. David Reuben. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Historias peligrosas

El 6 de agosto de 1972 se estrenó la película británica Historias peligrosas (Pulp), dirigida por Mike Hodges e interpretada por Michael Caine, Mickey Rooney, Lionel Stander, Lizabeth Scott, Nadia Cassini, Dennis Price, Al Lettieri. Productora: Three Michaels Film Productions. Duración: 95 minutos.

Sinopsis argumental: Mickey King (Michael Caine) es un escritor de novelas policíacas que vive en Roma separado de su familia. Preston Gilbert (Mickey Rooney), actor especializado en papeles de gánster, le propone servir de testaferro para escribir su biografía a cambio de una gran suma de dinero. King acepta de mala gana. Pero cuanto más avanza en su trabajo, los cadáveres se multiplican alrededor de él, el mismo Preston Gilbert llega a ser asesinado. King decide entonces llevar la investigación a la manera de los héroes de sus novelas.

Comentario: Thriller con toques de comedia nacido de la segunda colaboración entre el director Mike Hodges y el actor Michael Caine, un año después de que realizasen juntos Asesino implacable. Caine, que aparece acreditado sobre el título de la película, comparte protagonismo con dos viejas glorias de Hollywood, Mickey Rooney y Lizabeth Scott, que regresó al cine con esta película tras haber anunciado su retirada en 1957. Con una banda sonora compuesta por el legendario productor de “The Beattles” George Martin, Mike Hodges definió a su película como un homenaje al cine de John Huston. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Películas de la semana: 5 de agosto

Bullet Train

Dirección: David Leitch. País: Estados Unidos. Año: 2022. Duración: 126 minutos. Género: Acción. Thriller. Comedia. Trenes. Interpretación: Brad Pitt, Joey King, Aaron Taylor-Johnson, Brian Tyree Henry, Andrew Koji, Hiroyuki Sanada, Michael Shannon, Sandra Bullock, Zazie Beetz, Logan Lerman, Masi Oka, Miraj Grbic, Bad Bunny, Johanna Watts, Pasha D. Lychnikoff. Guion: Zak Olkewicz. Novela: Kotaro Isaka. Música: Dominic Lewis. Fotografía: Jonathan Sela. Productora: 87North, CTB Inc, Fuqua Films, Sony Pictures Entertainment (SPE). Distribuidora: Sony Pictures Entertainment (SPE). Estreno en España: 5 de agosto de 2022. Sinopsis: La acción tiene lugar en un tren de alta velocidad que viaja de Tokio a Morioka. Es un trayecto largo y con muy pocas paradas entre ambos destinos. En uno de los vagones se encuentran a bordo cinco asesinos. Cada uno de ellos tiene un encargo muy particular, sin embargo, sin ellos saberlo, los cinco protagonistas están interconectados. Una vez se va comenzando a destapar la verdader casuística de la situación, los criminales deberán desenmascarar la verdad y descubrir cuál es el verdadero propósito de este viaje y sus otros acompañantes. Nada importará más que salir con vida de ese tren.

La fotógrafa de Monte Verità

Título original: Monte Verità. Dirección: Stefan Jäger. País: Suiza. Año: 2021. Duración: 116 minutos. Género: Drama. Basado en hechos reales. Años 1900. Interpretación: Maresi Riegner, Max Hubacher, Julia Jentsch, Hannah Herzsprung, Joel Basman, Philipp Hauß, Daniel Brasini, Tiana Distefano, Alina Distefano, Eleonora Chiocchini, Michael Finger. Guion: Kornelija Naraks. Música: Volker Bertelmann. Fotografía: Daniela Knapp. Productora: Coproducción Suiza-Austria-Alemania; Tellfilm, KGP Kranzelbinder Gabriele Production, Coin Film, MMC Movies Cologne. Estreno en España: 5 de agosto de 1990. Sinopsis: 1906, una épocaen la que el mundo está marcado por el miedo y la esperanza. Los primeros desertores -entre los que se encuentra el joven Hermann Hesse- buscan su paraíso y lo encuentran en el sur de Suiza, en Monte Verità. Los reformadores se despojan no sólo de sus vestimentas sino también del corsé mental que amenaza con asfixiar a la sociedad. Dividida entre los sentimientos de culpa hacia la familia que dejó atrás y la fascinación de una vida de autodeterminación, Hanna Leitner descubre no solo su pasión por la fotografía, sino que también encuentra, en medio del paisaje idílico, su propia voz.

Maria Chapdelaine

Dirección: Sebastien Pilote. País: Canadá. Año: 2021. Duración: 158 minutos. Género: Drama. Años 1900. Interpretación: Antoine-Olivier Pilon, Sébastien Ricard, Robert Naylor, Danny Gilmore, Hélène Florent, Gilbert Sicotte, Martin Dubreuil, Émile Schneider, Charlotte St-Martin, Gabriel Arcand, Henri Richer-Picard, Sara Montpetit, Xavier Rivard-Désy, Arno Lemay, Thomas Haché. Guion: Sebastien Pilote. Novela: Louis Hémon. Música: Philippe Brault. Fotografía: Michel La Veaux. Productora: Item 7, Multipix Management. Distribuidora: MK2 Mile End. Estreno en España: 5 de agosto de 2022. Sinopsis: María Chapdelaine, una joven de 16 años, vive con su familia en un terreno cerca del río Péribonka en el Quebec rural de principios de 1900. Como verdaderos pioneros, la familia Chapdelaine se esfuerza por hacer retroceder el bosque. En un hogar en el que ni siquiera el agotamiento físico puede disminuir el calor de la vida familiar, María se encuentra ante un profundo dilema. François Paradis, un cazador de pieles y leñador de espíritu libre promete a María volver en primavera para casarse con ella, mientras que Lorenzo Surprenant llega a la granja ofreciéndole una existencia cómoda en una ciudad estadounidense.

Un héroe samurái: la leyenda de Hank

Título original: Paws of Fury: The Legend of Hank. Dirección: Mark Koetsier, Rob Minkoff, Paul Stodolny, Chris Bailey, Rob Silvestri. País: Reino Unido. Año: 2022. Duración: 97 minutos. Género: Animación. Infantil. Comedia. Acción. Reparto: Animación. Guion: Nate Hopper, Ed Stone, Mel Brooks, Norman Steinberg, Andrew Bergman, Richard Pryor, Alan Uger. Música: Bear McCreary. Fotografía: Animación, Armen Melkonian. Productora: Coproducción Reino Unido-China-Estados Unidos; Align, Aniventure, Blazing Productions, Flying Tigers Entertainment, GFM Animation, Huayi Brothers. Distribuidora: Paramount Pictures. Estreno en España: 5 de agosto de 2022. Sinopsis: Hank es un cachorro cuyo sueño es convertirse en su samurái como sus héroes felinos, aunque no lo tendrá nada fácil. Pero el joven aprendiz tendrá que luchar para salvar a su ciudad de convertirse en la caja de arena de Ika Chu, un malvado gato guerrero. Para ello contará con la ayuda de Jimbo, un gato que en el pasado fue un gran luchador, y la joven guerrera Emiko. ¿Podrá Hank cumplir su misión y demostrar que la convivencia entre perros y gatos es posible? Comedia animada inspirada en el clásico de Mel Brooks Sillas de montar calientes (Blazing Saddles, 1974).