martes, 24 de noviembre de 2020

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LIII)

Mister Arkadin (Mr. Arkadin (Confidential Report), 1955), de Orson Welles

El señor Arkadin es el multimillonario dueño de un imperio industrial y financiero. Vive con su hija, Raina, encerrado en su mansión de la Costa Azul. De pronto aparece Guy Van Stratten, un aventurero del que Raina se enamora. Una relación que no gusta a su padre, quien intentará romperla lo antes posible. Coproducción franco-hispano-suiza, este i
mpactante thriller que Orson Welles rodó en Europa con un presupuesto más que discreto y que está claramente inspirado en algunos de los elementos más carismáticos de su ópera prima, Ciudadano Kane. La caótica historia describe las intrigas de un personaje con muchas similitudes al magnate de la prensa Charles Foster Kane. Un complejo personaje, presuntamente inspirado en un contrabandista de armas griego llamado Basil Zaharoff, que hizo una auténtica fortuna con este sucio negocio. Con exteriores rodados en Valladolid, Segovia, el puerto de Barcelona, S'Agaró, Cannes o Múnich, el cineasta recreó varias localizaciones universales y consiguió una de sus obras más controvertidas y personales

100 sagas de cine: Viernes 13 (II)

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5.- Viernes 13: Un Nuevo Principio (Friday the 13th: A New Beginning, 1985), de Danny Steinmann

Es la quinta entrega de la franquicia de Viernes 13, que dio inicio en 1980. La película está ambientada en un centro de rehabilitación, donde Tommy Jarvis -que mató a Jason Voorhees cuando era niño- teme de nuevo por su vida cuando un nuevo asaltante enmascarado inicia una serie de brutales asesinatos. La película cuenta con una pequeña aparición de Corey Feldman, quien se encargó de interpretar el papel de Tommy en el filme anterior. Viernes 13: Un Nuevo Principio presenta un alto número de asesinatos. Más allá de su contenido altamente violento, la película también se ha hecho conocida por sus escenas de sexo, así como por el frecuente uso de drogas. El libro de Peter Bracke, Crystal Lake Memories: The Complete History of Friday the 13th, detalla que detrás de las escenas, la producción estuvo plagada de un fuerte consumo de drogas. Inicialmente, la cinta planeaba establecer una nueva trilogía de películas con un villano diferente para la serie pero, tras una decepcionante recepción por parte de los fanáticos y un fuerte descenso en los ingresos de taquilla comparada con sus antecesoras, el asesino Jason Voorhees fue traído de vuelta para la siguiente entrega, Jason Lives, y ha sido el principal antagonista de la serie desde entonces. Además de los escasos ingresos de taquilla, la mayoría de los críticos le dieron reseñas negativas, haciendo énfasis en los excesivos niveles de violencia y en la vacuidad del guion.

6.- Viernes 13 VI: Jason vive (Friday the 13th Part VI: Jason Lives, 1986), de Tom McLoughlin

Han pasado siete años desde los eventos de Viernes 13 Parte 5 y Tommy Jarvis, ahora un joven de 24 años, huye de otro instituto psiquiátrico para terminar de una vez por todas con la amenaza de Jason Voorhees. Con la ayuda de su desprevenido amigo Allen, se dirigen al cementerio donde está enterrado con la intención de quemar sus restos. Una vez desenterrado, Tommy, furioso por todos los sufrimientos que le causó a él y a su familia, toma un barrote de la cerca del cementerio y la clava en el cuerpo inerte de Jason. Para mala suerte suya, la barra metálica es alcanzada por un rayo que resucita al sanguinario asesino. Jason asesina al aterrado Allen atravesándole el corazón solo con su mano, lo que evidencia sus recientemente adquiridos poderes sobrenaturales y fuerza sobre-humana. Tommy sube a su camioneta y huye rápidamente. El escalofriante "Zombie Jason" deja un reguero de víctimas en su camino de regreso a "Crystal Lake" (renombrado ahora como Forest Green). Es la sexta entrega de la franquicia de Viernes 13. Inicialmente se planeó que el personaje de Tommy Jarvis, protagonista de las dos películas anteriores de la saga, se convirtiera en el nuevo villano. Sin embargo, la pobre recepción de A New Beginning obligó a los productores a traer de vuelta al fallecido personaje de Jason Voorhees.​ Al resucitar a Jason, McLoughlin dotó al asesino de poderes sobrenaturales por primera vez en la historia de la franquicia. Esta versión de Jason, un muerto viviente casi imposible de aniquilar, se convertiría en la representación estándar del personaje para el resto de la serie fílmica. La película introdujo metahumor y elementos del cine de acción, incluyendo tiroteos y persecuciones en auto, algo que no se había visto en ninguna de las cinco películas anteriores. Esta fue la primera entrega de la serie en recibir una acogida positiva por parte de la crítica, desde la película original de 1980.

7.- Viernes 13 Parte VII: La Nueva Sangre (Friday the 13th Part VII: The New Blood, 1988), de John Carl Buechler

Han pasado seis años de los sucesos ocurridos en Viernes 13 Parte 6 y la calmaparece haber vuelto a Crystal Lake. Hasta que Tina Shepard llega al lugar con su madre y su psicoterapeuta. Ella es una muchacha tranquila, educada y solitaria, pero también posee una cualidad muy peculiar: mueve los objetos con el poder de su mente. Estos poderes provocaron la muerte accidental de su padre cuando era niña y la depresión de ella. Tratando de hacer algo bueno, usa de nuevo este poder para intentar revivir a su padre, cuyo cuerpo quedó perdido en el lago donde Jason está hundido. Sin darse cuenta, resucita a Jason Voorhees, quien emerge de las aguas, listo para derramar sangre nuevamente, esta vez, contra unos chicos ricos que llegaron al campamento. Y sólo ella puede detenerlo por medio de su extraño poder: la telequinesis. Esto crea una lucha entre Tina y Jason en el cual al final ella usa su poder para revivir a su padre y que este tome a Jason por el cuello con una cadena y lo sumerja hasta el fondo del lago Crystal Lake. Es la película número siete perteneciente a la saga Viernes 13 y la última que se desarrolla por completo dentro de los terrenos de Crystal Lake. Protagonizada por Lar Park Lincoln, Kevin Blair y Susan Blu y con las participaciones antagónicas de Susan Jennifer Sullivan y Terry Kiser. El papel de Jason Voorhees es interpretado por Kane Hodder.

8.- Viernes 13 Parte VIII: Jason toma Manhattan, conocida como Viernes 13 Parte VIII: Jason vuelve... para siempre (Friday the 13th Part VIII: Jason Takes Manhattan, 1989), de Rob Hedden

Jason es resucitado de nuevo por un cable eléctrico submarino. Jason sigue a un grupo de estudiantes en su crucero a Manhattan, donde mata a la tripulación del barco y a la mayoría del alumnado. Al llegar a Manhattan, Jason persigue a Rennie (Jensen Daggett) y Sean (Scott Reeves), los dos estudiantes sobrevivientes, a las alcantarillas. Jason finalmente se disuelve porque las alcantarillas están inundadas con residuos tóxicos.​ La octava secuela de Viernes 13 supuso un punto y aparte en la saga, ya que el resultado en taquilla no fue el esperado y Paramount decidió no aventurarse a realizar más secuelas. Por primera vez la mayoría de la acción no transcurre en Crystal Lake, aunque tampoco en Manhattan, como puede hacer pensar el título original, sino en un barco. Otro elemento novedoso es que el actor que interpreta a Jason, Kane Hodder, repite por primera vez, y que Henry Manfredini, compositor de la banda sonora original, se aparta definitivamente del proyecto. La eliminación de algunas escenas sangrientas y la indefinición del film entre el terror y la parodia no evitaron el relativo fracaso en taquilla. Tras una década de intenso trabajo, Jason se tomó un merecido descanso y no volvió a aparecer en una sala de cine hasta cuatro años después y gracias a unos nuevos productores. La película tuvo el nombre provisional Ashes to Ashes durante el rodaje en la ciudad de Nueva York para evitar las interrupciones de los fanes. Es la última peli distribuida por Paramount Pictures ya que a partir de aquí la franquicia pasa a las manazas de New Line Cinema.
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lunes, 23 de noviembre de 2020

Biografías de cine: Pola Negri (II)

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No tardaría, sin embargo, Pola Negri en sentir pronto una ineludible fascinación por ese recién nacido arte de las imágenes en movimiento. Así en el año 1914 se ve tentada a escribir y dirigir ella misma, en colaboración con Jan Pawlowski, Amor y pasión, también conocida en español como Esclava del pecado (Niewolnica zmyslów), una película sin demasiada repercusión, pero que decididamente marcaba su ascenso hacia el estrellato en su tierra natal, Polonia. Tal es así, que apenas un año después la empresa "Sphinx" se afana en su contratación para Zona (1915), película realizada por Aleksander Hertz.
El mismo triangulo actriz-director-productora se mantendría hasta 1917, período durante el cual se llevarían a buen término, entre otras películas como Czarna ksiazeczka (1915), Studenci (1916), Bestia (1917), Tajemnica Alei Ujazdowskich (1917), Arabella (1917), Pokój Nr.13 (1917), Jego ostatni czyn (1917). Pola Negri se había convertido ya en el máximo exponente cinematográfico, pero no sólo de Polonia, sino también de Alemania, cuya renacientes y fulgurante cinematografía comenzaba a crecer a pasos agigantados, haciendo incluso suya la tímida progresión de la industria polaca del cine. 
Precisamente en Alemania, a donde Pola Negri, como era previsible suponer, había acudido contratada por la UFA, iba a acontecer un hecho trascendental para el futuro devenir de su carrera cinematográfica: su afortunado encuentro con el realizador Ernst Lubitsch, para quien por primera vez trabaja en Los ojos de la momia (Die Augen der Mumie Ma, 1918). Se iniciaba así una extraordinaria relación de amistad y trabajo, que mutuamente les reportaría ganada fama y reconocido prestigio, algo que parecía ya preconcebido, teniendo en cuenta lo perfecto de tal combinación: la magia hermosísima de la Negri, unida al delicado talento cinematográfico de Lubitsch.
Emil Jannings y Pola Negri en Los ojos de la momia (1918)
Luego la colaboración de ambos se mantendría en éxitos tan notables como Carmen (1918), Madame DuBarry (1919), tal vez una de las mejores interpretaciones de Pola Negri, Rausch (1919), Una noche en Arabia (Sumurun, 1920), la ya referida adaptación de la pieza teatral que tanta le proporcionara como actriz, El gato montés (Die Bergkatze, 1921): Era evidente, por tanto que su combinación profesional era un acierto pleno y nunca como Lubitsch Pola Negri había dado y daría tanto de si misma. Tal vez porque el realizador alemán era el único que logró entender el exotismo de su mirada, el fatalismo de su imagen, su belleza contenida y luminosa, la viva expresión de su rostro, que hacía de ella una espléndida actriz, en el más puro sentido del término. 
La Negri en otra imagen de la película grotesca y sugerente El gato montés (1921)
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Las mejores películas de culto de la historia del cine (LII)

Los siete samuráis (Shichinin no Samurai, 1954), de Akira Kurosawa

En el Japón medieval, un pequeño pueblo de agricultores se ve constantemente atacado por una banda de bandidos. Un día, tras el enésimo ataque, los aldeanos piden consejo al más anciano del lugar, que les dice que contraten a samurais que hayan caído en desgracia para que los defiendan. Una delegación de ellos contacta con un samurai que ha perdido a su señor y que acepta reclutar a varios hombres más para el trabajo. Conseguirá la ayuda de cinco contrastados guerreros y otro, un joven, que parece serlo mucho menos, aunque asegura lo contrario. Juntos plantarán cara a los bandidos. Unánimemente considerada como una de las obras maestras de la historia del cine, Los siete samurais ha inspirado innumerables películas (algunos, fabulosos, como Los siete magníficos), pero no ha sido nunca superada en términos de capacidad para generar emociones, energía visual y desarrollo de los personajes. Una advertencia: la versión original de la cinta dura 203 minutos, pero aprovechen hasta el último de ellos. Obtuvo el León de Plata en la Mostra de Venecia y dos candidaturas al Óscar. Los siete samuráis es considerada como una de las películas más grandes e influyentes de la historia,4​ y es una de las pocas películas japonesas que ganó fama y popularidad en el Occidente durante muchos años. Ha sido aclamada tanto por la crítica como por el público; en 1982 fue elegida en la lista de Sight & Sound de las diez películas más grandes de todos los tiempos, y entre las diez películas preferidas de los directores en las votaciones de 1992 y el 2002.

100 sagas de cine: Viernes 13 (I)

Viernes 13 es una franquicia de horror estadounidense que, hasta el 2009, comprende doce películas slasher, una serie televisiva, novelas, cómics, tres videojuegos y merchandising relacionado. La franquicia se enfoca principalmente en el personaje ficticio Jason Voorhees, quién, siendo un niño, se ahogó en el Campamento del Lago de Cristal debido a la negligencia del personal del campamento. Décadas más tarde, se rumorea que el lago está "maldito" y es la escena para una serie de asesinatos en masa. Jason está presente en todas las películas, tanto como el asesino o la motivación para los asesinatos. La película original fue escrita por Victor Miller y estuvo producida y dirigida por Sean S. Cunningham.
La primera película fue creada para aprovechar el éxito de Halloween (1978),​ y su propio éxito condujo a Paramount Pictures para adquirir los derechos de Viernes 13Pese a que las películas no fueron nada populares entre los críticos, Viernes 13 es considerada como una de las franquicias más icónicas del terror, solo por sus películas, pero también debido a la extensa mercancía y repetidas referencias a la serie en la cultura popular.
Las películas son:

1.- Viernes 13 (Friday the 13th, 1980), de Sean S. Cunningham 

Tras años cerrado por una serie de trágicos accidentes, las autoridades deciden reabrir el campamento de verano de Crystal Lake. El lugar se vuelve a llenar de jóvenes, bajo la atenta mirada de la señora Voorhees, cuyo hijo Jason murió en 1957 por el descuido de los responsables del campo. Todo parece haber vuelto a la normalidad hasta que se inicia una cadena de muertes horribles. Dos años después de Halloween se estrenó esta sangrienta película de terror que marcó el inicio de una larga saga cinematográfica. Sean S. Cunningham, productor de La última casa a la izquierda de Wes Craven, transformó un guion no excesivamente brillante en un intrigante desfile de muertes macabras con la ayuda del responsable de efectos especiales Tom Savini y la perturbadora banda sonora de Henry Manfredini. La película contó con un presupuesto escaso y un reparto prácticamente desconocido -donde aparece un joven Kevin Bacon- en el que la única estrella es Betsy Palmer, relativamente popular en los años 1950. Ari Lehman, el actor que interpreta a Jason, tenía sólo 14 años en el momento de rodar la película. Además de ser la primera película de este tipo para asegurar la distribución en los EE.UU. por un gran estudio (Paramount Pictures),4​ el éxito de taquilla de la película dio lugar a una larga serie de secuelas, un crossover con Pesadilla en Elm Street, y un reinicio en 2009.

2.- Viernes 13, 2ª parte (Friday the 13th Part 2, 1981),  Steve Miner

Alice, superviviente de la tragedia del campamento de Crystal Lake, muere asesinada en su apartamento. Cinco años más tarde, un grupo de jóvenes aparece en el escenario de las macabras muertes, que aparentemente ha recuperado la normalidad, para realizar un curso de entrenamiento. Cuando el grupo se separa empieza de nuevo el implacable ritual sangriento. Paul, el líder del grupo, y su novia Ginny vuelven al campo para descubrir la masacre y también al autor de los crímenes, un Jason milagrosamente vivo pero terriblemente deformado y sediento de venganza. Tras el éxito de Viernes 13" la productora Paramount se apresuró a realizar una secuela que no contó con el artífice de la primera parte, Sean S. Cunningham, ni con la mayoría de actores que aparecen en ella. A pesar de ser una producción de un gran estudio hollywoodiense, su realización fue similar a la anterior, con escaso presupuesto y reparto prácticamente desconocido. Sin embargo, repitió el éxito comercial, lo que aseguró la continuidad de la saga. Es una secuela directa de la primera película y retoma la historia cinco años después de la conclusión de la película, donde un nuevo asesino acecha y comienza a asesinar a los consejeros del campamento en un campo de entrenamiento cercano de Crystal Lake. La película marca la primera vez que Jason Voorhees es el asesino; siendo su madre Pamela la asesina en la cinta anterior. 

3.-  Viernes 13, parte III (Friday the 13th Part III, 1982), de Steve Miner

Un idílico verano va a convertirse en la peor de las pesadillas para otro grupo de despreocupados jóvenes de vacaciones. Ignorando el legado de sangre del campamento de Crystal Lake, uno por uno van siendo víctimas del maníaco Jason, quien los acecha en cada momento. La tercera entrega de la serie Viernes 13 contó con la novedad de un rodaje en tecnología 3D, una innovación que no se respetó en su edición en vídeo y que provocó que los ángulos de cámara inquietantes se convirtieran en desconcertantes en su versión doméstica. Exceptuando los elementos técnicos, Paramount invirtió lo mínimo en la película, recurriendo otra vez a actores desconocidos, incluido el mismo Jason. Además del habitual recital de muertes sangrientas, en esta entrega Jason se apodera de una máscara de hockey, un elemento visual que se convertirá en imprescindible en secuelas posteriores. 
Originalmente la película iba a enfocarse en Ginny Field, sobreviviente de la segunda película de la saga, quien había sido internada en un hospital mental luego de su enfrentamiento con el asesino Jason Voorhees. La trama tendría algunas similitudes con la película Halloween 2, en la que el asesino Michael Myers persigue a Laurie Strode en un hospital, pero el concepto fue desechado tras el rechazo de la actriz Amy Steel de aparecer en la cinta.​ A pesar de las malas críticas cosechadas por la película, terminó convirtiéndose en un éxito de taquilla. Tras su estreno inicial, la película estaba destinada a ser la última de una trilogía, pero la popularidad de Jason Voorhes y los excelentes resultados de taquilla motivaron a los productores a continuar con la saga.

4.-  Viernes 13: Capítulo final (Friday the 13th: The Final Chapter, 1984), 

Jason escapa del depósito de cadáveres y vuelve a Crystal Lake, sangriento escenario que recibe la visita de la familia Jarvis, ajena al historial macabro que acumula el lugar. Uno de los chicos es Tommy, un fanático de los monstruos y del maquillaje que aterroriza a su familia. Una vez allí, los Jarvis se cruzan con un cazador de osos que en realidad persigue a Jason por haber matado a su hermana. 
Con esta cuarta entrega, la saga Viernes 13 llegó a la cima de su popularidad, y a pesar de que el título alude al final de la serie, los productores acabaron cayendo en la tentación de dejar la puerta abierta a una nueva secuela. La película contó con la intervención del creador de efectos especiales Tom Savini, que ya colaboró en la primera parte y que ideó el nauseabundo final de Jason. Siguiendo la tradición de las anteriores entregas, la cinta contó con un presupuesto ajustado y un reparto prácticamente desconocido, aunque destaca Corey Feldman en el papel de Tommy, personaje clave en el siguiente capítulo de la saga, subtitulado Viernes 13: Todo comienza de nuevo (Friday the 13th: A New Beginning), en 1985.
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domingo, 22 de noviembre de 2020

Biografías de cine: Pola Negri (I)

Fue el todo y el nada, el exotismo y la vulgaridad, un sueño ansiado para muchos y una simple imagen perdida en las sombras de la pantalla. Fue y siempre será: Pola Negri. 
Pola Negri, en El gato montés (Die Bergkatze, 1921), de Ernst Lubtisch
Ella fue la primera, y eso es un privilegio que nadie ha podido nunca arrebatarle, aunque con el paso del tiempo alguien haya podido olvidar que en el Hollywood de los años 1920logró brillar con fulgor propio la luz incandescente de una estrella de la vieja Europa. Pola Negri, en efecto, fue la primera conquista europea que la Meca del Cine quiso hacer suya, tal vez deslumbrada por la fascinación de su imagen entre siniestra y cálida, entre exótica y pasional; una imagen, sin embargo contra la que Pola Negri tuvo siempre que luchar para demostrara que tras esa inmensa belleza había también un inmenso talento interpretativo, que pocos lograron ver. Luego vendría la Garbo, o la Dietrich, con sus aureolas inmortales y resplandecientes, pero antes la Negri les había abierto el camino a lo eterno, sembrando en los corazones del público el amor por esas mujeres europeas más dadas al sueño que a la realidad.
Pola Negri y Ernest Lubitch en el rodaje de La frivolidad de una dama (Forbidden Paradise, 1924)
Pero todo había empezado tiempo atrás, en el mes de diciembre de un año cualquiera del siglo XIX, tal vez, en 1894, tal vez en 1899, quizá en Janowa, una pequeña región de Polonia, lindando con Rusia. Fuera como fuese, por aquel tiempo y en aquel lugar indefinidos, nací Pola Negri; o, mejor dicho, Barbara Apolonia Chalupiec, que tal era su primer y verdadero nombre, el que habría de darle identidad  lo largo de sus primeros años, y hasta el final de su inquieta y azarosa adolescencia; períodos éstos de su vida sobre los que se refleja más sombra que luz. Pese a ello, lo que parece evidente de su temprana biografía es el incipiente interés de Barbara por el mundo de la interpretación, y más concretamente por el de la dramatización teatral. 
En tal sentido es constatable el hecho de que, antes de iniciar su trayectoria cinematográfica, Pola Negri se vio fuertemente atraída por el espectáculo directo y fascinador del teatro. Tras ciertas dificultades intentó y logró ingresar en la Academia Dramática Imperial de Varsovia, con el decidido afán de adquirir una sólida formación interpretativa. En este punto, es de reseñar, además, que la Negri había también experimentado en el siempre complejo  ámbito del ballet clásico. Con tan férrea y ambivalente capacitación no es de extrañar, pues, que pronto se viese elevada en las alturas de un escenario- Así en 1913, Pola Negri interviene en dos montajes dramáticos Hannele y Sodome's End. No obstante, su trayectoria teatral sería poco duradera, aunque curiosamente sería ésta la que primero le abriría las puertas que conducen al éxito y la fama; más, concretamente su intervención en Sumurun, una pieza dramática que escenificaría por dos veces, e incluso representaría en una posterior versión cinematográfica. 
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Las mejores películas de culto de la historia del cine (LI)

Johnny Guitar (1954), de Nicholas Ray

Johnny Logan (Sterling Hayden), un portentoso pistolero, ha cambiado su revólver por una guitarra. Con ella se dirige hacia la casa de juegos de Vienna (Joan Crawford), donde le espera un trabajo como músico, y un viejo amor. 
Emma Small (Mercedes McCambridge) odia a Vienna porque Dancin' Kid (Scott Brady) la prefiere. Así que cuando la diligencia es asaltada y el hermano de Emma resulta muerto, ella no duda en culpar a Dancin' Kid y a su banda. Luchará por destruir a Vienna y sus sueños de prosperidad con el ferrocarril. Con guion de Philip Yordan a partir de la novela homónima de Roy Chanslor, constituye todo un clásico que alcanzó un gran éxito de taquilla. Aunque en principio suele clasificarse dentro del género del wéstern, hay muchos que opinan que su relación con este se limita al espacio y la época en que se desarrolla la historia. La película se rodó gracias al impulso de Joan Crawford, quien había adquirido los derechos de la novela. Pero el resultado le decepcionó. Tampoco le gustó la elección de Mercedes McCambridge como oponente, ya que era más joven que ella. Crawford, a fin de aparecer más favorecida en sus primeros planos, exigió que todos fueran rodados en estudio, con la iluminación adecuada, y no en exteriores con luz natural. Dirigido con inteligencia y sensibilidad por Nicholas Ray. La brillantez de los diálogos; el inteligente tratamiento del color, la bella partitura musical compuesta por Víctor Young y las admirables interpretaciones de Joan Crawford, Sterling Hayden y Mercedes McCambridge hacen de este wéstern una obra maestra del género.

100 sagas de cine: Vacaciones (National Lampoon)

 

1.- Las vacaciones de una chiflada familia americana (National Lampoon's Vacation, 1983), de Harold Ramis

La familia Griswold decide pasar las vacaciones en el maravilloso parque de Wally World. Ellos son de Chicago y el parque está en la costa oeste, así que el viaje les supone cruzar todo el país. Clark, el cabeza de familia, lo tiene todo calculado al minuto, pero al final nada sale como tenía previsto. Finalmente cuando llegan, el parque está cerrado. Primera película de la saga de cinco entregas "National Lampoon’s", sobre las peripecias de una desastrosa familia, típicamente americana. Casi todas ellas están protagonizadas por Chevy Chase (un cómico salido del programa "Saturday Night’s Life") y Beverly d’Angelo (la actual esposa de Al Pacino), y cuentan con un guión de John Hughes, uno de los reyes de la comedia ligera de los años 80. De hecho, la película es un producto típico de su tiempo, con un humor de sal gruesa que juega a los estereotipos. La película fue un gran éxito de público en su país y como curiosidad, cabe destacar que Disneylandia tenía que ser el destino de los Griswold en un principio, pero los directivos del parque se negaron alegando que ellos abren los 365 días del año.
2.- Las vacaciones europeas de una chiflada familia americana (National Lampoon's European Vacation,1985), de Amy Heckerling
‘Las vacaciones europeas de una chiflada familia americana’ es la segunda de una serie de películas que tiene como protagonistas a la familia Griswold, un matrimonio estadounidense con dos hijos, cuyas vacaciones son repetidamente desastrosas. En esta entrega, los Griswold ganan un viaje de dos semanas a Europa en un concurso. Las vacaciones comienzan en el Reino Unido. Durante su estancia en Londres visitan las principales atracciones de la ciudad. Clark, el torpe cabeza de familia, no se acostumbra a conducir por la izquierda, lo que le lleva a derribar el milenario monumento megalítico de Stonehenge. Francia es la segunda escala del trayecto, donde sufren el robo de su videocámara. En Alemania viven una experiencia confusa con unos desconocidos y en Italia se ven mezclados en varios delitos. “National Lampoon” es una serie que acumula más de 20 comedias, todas ellas realizadas muy al gusto del público americano. Varias de ellas fueron protagonizadas por la pareja formada por el cómico Chevy Chase y Beverly D’Angelo, dando vida al matrimonio Griswold. Concretamente, ésta fue la segunda de las cuatro películas que rodó la pareja y en las que siempre se les veía viajando durante sus vacaciones. Dirigida por Amy Heckerling, la cinta funcionó muy bien en los Estados Unidos, aunque mucho peor en el resto del mundo, precisamente a causa de ese humor pensado exclusivamente para el consumo interno.

3.- ¡Socorro! Ya es Navidad (National Lampoon's Christmas Vacation, 1989), de Jeremiah Chechik

La familia Griswold ha tenido un par de viajes de vacaciones desastrosos últimamente, pero este año quieren compensarlo empapándose de espíritu navideño y celebrando una Navidad Griswold muy especial. Todo está preparado, con más de 20.000 luces navideñas decorando la casa y las invitaciones enviadas. Vendrán los padres de Clark, los de su mujer Ellen, incluso su tío Louis y Bethany, que está algo senil. Con lo que Clark no contaba es con que también apareciera su desastroso y maleducado primo político Eddie, que se presenta con caravana incorporada. No es la primera sorpresa desagradable de una noche de fiesta y celebración que paulatinamente irá encaminándose hacia el desastre cuando el pavo quede reducido a cenizas, el gato se coma las luces de decoración y el árbol de Navidad acabe en llamas. Tercera de las cinco entregas de la serie "National Lampoon's", una saga de comedias dedicadas a mostrar las peripecias de una desastrosa familia americana. Las cuatro primeras fueron protagonizadas por la pareja formada por el cómico Chevy Chase, una de las estrellas del mítico programa televisivo "Saturday Night Live", y la actriz Beverly D'Angelo (actual esposa de Al Pacino), en los papeles del matrimonio Griswold. La saga aún conocería una quinta entrega, rodada directamente para la TV y ya sin la presencia del dúo. En la que nos ocupa, destaca la presencia en papeles secundarios de Juliette Lewis y Randy Quaid.

4.- Vacaciones en Las Vegas (National Lampoon's Vegas Vacation, 1997), de Stephen Kessler

La familia Griswold llega a Las Vegas para pasar unas vacaciones juntos. Pero a la hora de la verdad, cada uno irá por su cuenta, metiéndose en diferentes embrollos. Clark, el padre, se dedicará a jugar al Black Jack; su esposa, Ellen, a coquetear con un famoso cantante; Audrey, la hija mayor, a salir con su prima, que es bailarina exótica y Rusty, el pequeño, será confundido con un importante hombre de negocios. Cuarta y tardía entrega de una serie de comedias dedicadas a las vacaciones de una familia americana, englobadas en los Estados Unidos bajo el epígrafe de "National Lampoon's". Como las tres anteriores, rodadas una década atrás, fueron protagonizadas por la pareja formada por el cómico Chevy Chase, una de las estrellas del mítico "Saturday Night Live", y la actriz Beverly D'Angelo (actual esposa de Al Pacino), en los papeles del matrimonio Griswold. La saga aún conocería una quinta entrega, rodada directamente para la TV y ya sin la presencia del dúo. En la que nos ocupa, cabe destacar la aparición de figuras típicas de Las Vegas, como los magos Sigfried y Roy o el showman Wayne Newton, interpretándose a sí mismos.

5.- Vacaciones (Vacation, 2015), de John Francis Daley, Jonathan Goldstein

Siguiendo con la idea que tuvo su padre hace unos años, Rusty Griswold decide dar una sorpresa a su familia y se la lleva a Walley World con la intención de estrechar los vínculos familiares. Su viaje hacia el parque de atracciones estará lleno de sorpresas y alocadas aventuras. John Francis Daley y Jonathan M. Goldstein dirigen esta actualización de la saga cinematográfica que se inició en 1983 con el filme "Las vacaciones de una chiflada familia americana", una mezcla de aventura y comedia familiar. En esta ocasión el protagonista es Rusty Griswold, que vive la misma historia por la que pasó de niño pero 30 años después y ejerciendo el papel de padre. Ed Helms, Christina Applegate, Skyler Gisondo y Steele Stebbins son los encargados de dar vida a los miembros de la familia Griswold. Vacaciones se estrenó en Estados Unidos el 29 de julio, exactamente el mismo día en que lo hizo en 1983 la cinta original. Curiosamente, esta película es a la vez un 'remake' y una secuela al mismo tiempo, ya que repite la trama de la cinta original pero introduce nuevos protagonistas.

sábado, 21 de noviembre de 2020

Hace 100 años: Dinty

El 21 de noviembre de 1920 se estrenó la película estadounidense Dinty, dirigida por John McDermott y Marshall Neilan e interpretada por Wesley Barry, Noah Beery, Colleen Moore, Aaron Mitchell, J. Barney Sherry, Marjorie Daw, Walter Chung, Tom Gallery, Newton Hall, Young Hipp, Pat O'Malley, Kate Price, Hal Wilson, Tom Wilson. Productora: Marshall Neilan. Duración: 73 minutos
Sinopsis argumentalDos jóvenes se aman, pero la familia de ella no acepta ese noviazgo. Con todo, se casan en secreto y el marido se va a Estados Unidos para establecerse. Más tarde la joven viaja para buscarle, pero él muere en un accidente. El hijo de ambos, Dinty, tendrá que afrontar solo la vida, ya que su madre cae enferma de tuberculosis.
ComentarioWesley Barry, un joven actor conocido por su cara pecosa, junto con el afroamericano Aaron Mitchell y el chino-estadounidense Walter Chung, crea el prototipo de la banda de bebés multiétnica que servirá de modelo para la exitosa serie de Our Gang (también conocida como The Little Rascals o Hal Roach's Rascals ) (1922-1944) y en otros largometrajes como La pequeña Annie Rooney (Little Annie Rooney, 1925) con Mary Pickford.

Hace 100 años: Buenos amigos

El 21 de noviembre de 1920 se estrenó la película estadounidense Buenos amigos (Just Pals), dirigida por John Ford e interpretada por Buck Jones, Helen Ferguson, George Stone, Duke R. Lee, William Buckley, Eunice Murdock Moore, Bert Appling, Edwin B. Tilton, Slim Padgett, John B. Cooke. Productora: Fox Film Corporation. Duración: 50 minutos.
Sinopsis argumentalEn un viejo pueblo americano, conviven el vago del pueblo, al que todos llaman Bim, y un niño huérfano y vagabundo, estableciéndose entre ellos una relación paternofilial. Bim está enamorado de una joven cuya vida en sociedad nada tiene que ver con el vagabundeo, y un día decide ayudarla con una cantidad de dinero desaparecida, algo que acarreará graves consecuencias.
ComentarioJohn Ford firmo un western breve y amable en su primera película para Fox. 

Hace 100 años: The Life of the Party

El 21 de noviembre de 1920 se estrenó la película estadounidense The Life of the Party, dirigida por Joseph Henabery e interpretada por  Roscoe "Fatty" Arbuckle, Winifred Greenwood, Roscoe Karns, Julia Faye, Frank Campeau, Allen Connor, Fred Starr. Productora: Famous Players-Lasky Corporation. Duración: 50 minutos.
Sinopsis argumentalEl abogado Algernon Leary ( Roscoe Arbuckle ), candidato a alcalde de "leche pura", asiste a una fiesta para adultos vestidos de niños. Al volver a casa en una tormenta de nieve, le roban su abrigo de piel, dejándolo con las piernas desnudas y vistiendo un mameluco. Se refugia en el primer edificio al que puede llegar, causando estragos en varios apartamentos debido a su apariencia. Se equivoca con el candidato rival, el juez Voris ( Frank Campeau ) en una situación comprometedora con un vampiro y lo obliga a retirarse, asegurando la elección de Leary como alcalde después de una campaña vertiginosa
ComentarioLa Biblioteca del Congreso tiene una copia de la película.

viernes, 20 de noviembre de 2020

Películas de la semana: 21 de noviembre

Little Mix: LM5 - The Tour Film

Dirección: Laurence Warder. País: Reino Unido. Año: 2020. Duración: 97 minutos. Género: Documental. Documental sobre música. Conciertos. Reparto: Documental (intervenciones de: Little Mix, Jade Thirlwall, Jesy Nelson, Leigh-Anne Pinnock, Perrie Edwards). Productora: Trafalgar Releasing. Estreno en España: 21 de noviembre de 2020. Sinopsis: En 2019, tras el estreno de su octavo álbum de estudio, "LM5", Perrie Edwards, Jesy Nelson, Leigh-Anne Pinnock y Jade Thirlwall se embarcaron en la gira "LM5 The Tour", durante la que visitaron 40 estadios en toda Europa, incluyendo, España, Italia, Alemania, Países Bajos, Bélgica, Francia, Reino Unido e Irlanda. Vendieron más de 400 mil entradas, incluyendo los impresionantes 5 eventos agotados en el O2 de Londres. Esta película se filmó durante el último espectáculo de la gira, en el emblemático estadio O2 de Londres. Su set, que abarca toda la carrera de la banda, incluye grandes éxitos como "Shout Out to My Ex", "Woman Like Me", "Wings" y "Touch", tocados ante un público de más de 15 mil personas.

Películas de la semana: 20 de noviembre (II)

Los europeos

Dirección: Víctor García León. País: España. Año: 2020. Duración: 89 minutos. Género: Drama. Años 1950. Posguerra española. Interpretación: Raúl Arévalo, Juan Diego Botto, Boris Ruiz, Stéphane Caillard, Carolina Lapausa, Georgina Latre, Jon Viar, Iñigo Aranburu, Corinna Seiter, Alicia Rodríguez, Dritan Biba. Guion: Bernardo Sánchez (Novela: Rafael Azcona). Fotografía: Eva Díaz. Productora: A Contraluz Films/Apache Films/Gonita/In Vivo Films. Estreno en España: 20 de noviembre de 2020. Sinopsis: Esta película cuenta la historia de Miguel Alonso, un delineante del Madrid de los años 1950 al que alquilan un piso que a su vez está alquilado. No tardará en aparecer Antonio, el hijo de su jefe, que le invita a veranear a la isla de Ibiza. Allí, coincidirán con unas chicas valencianas que les harán sumergirse en la vida fiestera de la zona, la que está plagada de niños ricos que solo quieren pasárselo bien. Antonio se muestra encantado y no tiene problemas en desenvolverse en este nuevo ambiente, mientras que Miguel prefiere hacerse a un lado, hasta que conoce a la misteriosa Odette, una joven francesa que hará que espabile un tanto y se una a la juerga.

Matar a Pinochet

DirecciónJuan Ignacio Sabatini. PaísChile. Año2020. Duración81 minutos. GéneroThriller. Drama. Años 1980. Basado en hechos reales. Dictadura chilena. InterpretaciónDaniela Ramírez, Cristián Carvajal, Juan Martín Gravina, Gabriel Cañas, Gastón Salgado, Julieta Zylberberg. GuionEnrique Videla, Pablo Paredes, Juan Ignacio Sabatini. MúsicaJulieta Naranjo. FotografíaEnrique Stindt. ProductoraCoproducción Chile-Argentina-España; Villano Producciones/Sudestada Cine S.R.L./Potenza Producciones. Estreno en España: 20 de noviembre de 2020. SinopsisChile, septiembre de 1986. Hace ya 15 años que Chile vive en la dictadura de Pinochet. Ramiro y Tamara planean junto a sus compañeros de armas -la mayoría inexpertos- un increíble intento de asesinato contra el tirano. A la cabeza de los guerrilleros del Frente Patriótico Manuel Rodríguez, Tamara toma la única decisión posible: matar a Pinochet. Tamara habría cambiado la historia, pero el espionaje y la traición la dejaron a un solo paso de la revolución... Una historia inspirada en hechos reales.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (L)

Godzilla. Japón bajo el terror del monstruo (Godzilla AKA Gojira, 1954), de Ishirô Honda

Las sucesivas desapariciones de varios barcos pesqueros en pleno Océano Pacífico provocan un clima de temor e incertidumbre en Japón. Un equipo de investigadores es enviado a la isla de Odo, donde descubren las huellas de Godzilla, una criatura legendaria al que las radiaciones nucleares han convertido en un gigantesco reptil mutante. El monstruo abandona la isla y se dirige hacia Tokio, sembrando por el camino el caos y la destrucción. 
La primera película de Godzilla, dirigida por Ishiro Honda, pretendía ser una metáfora del peligro potencial de la energía nuclear. La película se convirtió en un gran éxito de taquilla en Japón, y fue estrenado dos años más tarde en EE.UU. con un nuevo montaje que incluía la participación del actor Raymond Burr. Las posteriores secuelas, aunque dejaron de lado el mensaje antinuclear del original y se dirigieron a un público más infantil, convertirían a Godzilla en un verdadero icono de la cultura de masas nipona.

100 sagas de cine: Underworld

Underworld es una saga de películas de cine de ciencia-ficción y acción creada por Len Wiseman, Patrick Tatopoulos, Måns Mårlind y Björn Stein. La primera película -Underworld- se estrenó en el 2003, la segunda -Underworld: Evolution- en el 2006, la tercera -Underworld: Rise of the Lycans-, una precuela de la primera de todas, el 23 de enero de 2009 y una cuarta hasta esa fecha -Underworld: Awakening-, una secuela de la segunda película, el 20 de enero de 2012. El 13 de enero del 2017 se estrenó -Underworld: Blood Wars-, la quinta entrega de la saga y secuela de la cuarta.

1.- Underworld (2003)

La primera película cuenta la historia de Selene, una verdugo cazadora de licántropos, que persigue a Michael, un humano, a su vez, perseguido por los licántropos. Selene intentará averiguar por qué le persiguen y terminará desvelando un complot contra los vampiros además de una terrible verdad acerca de Viktor, su creador. Los vampiros, hombres lobo y licántropos —los licántropos son los únicos capaces de transformarse tanto en humano como en lobo— no son criaturas sobrenaturales sino el resultado de un virus. Se cuenta en la película que Alexander Corvinus es el primero de ambas razas. Fue el único sobreviviente de una plaga que golpeó su pueblo. Su cuerpo pudo, de alguna manera, moldear el virus haciéndolo más fuerte. Tuvo tres hijos, dos de los cuales heredaron el virus convirtiéndose en inmortales, pero es que además fueron mordidos, uno por un murciélago y otro por un lobo llegando a crear así las dos líneas —vampiros y hombres lobo—. El tercer hijo de Corvinus que no heredó la inmortalidad sí que lleva con él la línea de sangre como exacto duplicado del virus inicial, escondido en el código genético y traspasado a su descendencia humana a través de los siglos. Esto, según Singe, es la llave para crear razas híbridas. El vampirismo ha sido uno de los temas estrellas del mundo del celuloide, desde la época muda (Nosferatu) hasta nuestros días. Underworld, uno de los últimos ejemplos de ello, recoge todos los clichés y los actualiza. Así, aparecen criaturas chupasangre disparando pistolas y lanzando estrellas ninja y un festival de efectos especiales e influencias estéticas de Matrix, El cuervo o Batman. La película fue concebida como una versión vampírica de, ni más ni menos, Romeo y Julieta, donde los Montesco y los Capuleto son aquí vampiros y hombres lobo. El director de la película es el debutante Len Wiseman, y la que sería su esposa, Kate Beckinsale, la protagonista. También interviene Scott Speedman, quien ha participado en la española Mi vida sin mí. El éxito comercial de la cinta propició la aparición de varias secuelas.

2.- Underworld: Evolution (2006)

La segunda película empieza donde acaba la primera parte. Selene lleva a Michael a un almacén lejos de cualquier peligro y planea despertar a Marcus, el último Decano vampiro que queda. Antes de que pueda hacerlo Marcus la encuentra y tienen un enfrentamiento. Marcus no desea ayudar a Selene y en lugar de eso quiere liberar a su hermano William Corvinus, el primero de los hombres lobo que está encerrado en un lugar del que solo parece tener conocimiento Selene. 
Len Wiseman volvió a sentarse en la silla del director para dirigir la primera secuela de su película Underworld, una cinta que presentaba a vampiros y hombres lobo como dos razas en guerra. La película recupera el mismo reparto de la primera entrega, encabezado por Kate Beckinsale, Scott Speedman, Bill Nighy, Derek Jacobi (el inolvidable protagonista de Yo, Claudio) y Michael Sheen, quien aquí encarna a un licántropo, aunque más tarde, en Crepúsculo, se pondría bajo la piel de un vampiro. Como anécdota, en el papel de joven Selene aparece Lily Mo Sheen, la hija que tienen en común Beckinsale y Sheen, una pareja que rompió en la película predecesora, cuando la actriz dejó a su entonces novio para empezar una relación con Wiseman, con el que se casaría en 2004.

3.- Underworld: La rebelión de los licántropos (Underworld: Rise of the Lycans, 2009)

Es la tercera película de la saga aunque cronológicamente se sitúa en los días anteriores al inicio de la guerra entre vampiros y licántropos. Sucede en la película que los hombres lobo son representados como bestias incapaces de controlarse hasta que uno de ellos da a luz a Lucian, el primero de los licántropos —capaces de transformarse en humanos u hombres lobo a voluntad—. Lucian es educado por Viktor como una manera de proteger su castillo pero aquel se enamora de Sonja, la hija de Viktor, y además se queda embarazada de Lucian. Después de que Viktor, temeroso de que exista un híbrido, mata a su hija Sonja, Lucian, ayudado por más licántropos, consigue iniciar una revuelta para liberar a su propia raza. Después de diseñar los efectos mecánicos y criaturas de la saga, el francés Patrick Tatopoulos asumió la dirección de esta tercera entrega de Underworld, una precuela que explica los orígenes de la serie. Se trata del primer largometraje de este realizador, cuya actividad siempre había estado vinculada a los efectos especiales en cintas tan taquilleras como Independence Day o Yo, Robot y que confiere a la cinta un toque gótico a la vez que fantástico. Se mantuvieron actores que ya aparecieron en las dos entregas anteriores, como Michael Sheen, que hereda el protagonismo absoluto, y el británico Billy Nighy. Además, se incorporó al elenco Rhona Mitra.

4.-  Underworld: El despertar (Underworld: Awakening, 2012)

La cuarta película se estrenó en 3D​ y fue dirigida por Måns Mårlind y Björn Stein. Quince años después de la anterior película la humanidad conoce la existencia tanto de vampiros como licántropos y decididos a acabar con ellos instaura una serie de medidas. Selene es capturada durante el genocidio y despierta después de doce años, momento en el que descubre que se encuentra en una instalación biotecnológica que desarrolla la cura contra los licántropos y vampiros. Es allí donde descubre la muerte de Michael, y que tiene una hija, que dio a luz antes de ser dormida, Eve, híbrida. En esta cuarta película deberá hacer frente a los licántropos y a Antigen, la organización biotecnológica que quiere recuperar a la hija de Selene. Kate Beckinsale vuelve a meterse en la piel de la vampira Selene en la cuarta entrega de la saga Underworld. La dirección corre a cargo del dúo sueco formado por Måns Mårlind y Björn Stein, que se apoya en la tecnología 3D para hacer aún más espectacular las múltiples escenas de acción que muestra la cinta. En esta ocasión, Beckinsale hará equipo con el detective Sebastian, interpretado por Michael Ealy, para detener al doctor Jacob Lane, que tiene el rostro de Stephen Rea. Dato curioso para los seguidores de la saga. Durante los 88 minutos de Underworld: El despertar, Selene consigue su récord personal de muertes -hasta ese momento- entre humanos y licántropos, con un total de 70 víctimas.

5.- Underworld: Guerras de sangre (Underworld: Blood Wars, 2016)

En el inframundo, los vampiros y los hombres lobo recobran nuevas y originales fuerzas, y libran una encarnizada guerra secreta. Mientras, los humanos quedan relegados a servir como su alimento. Para Selene (Kate Beckinsale) este conflicto milenario se ha convertido en algo personal, ya que todas las personas que ha amado han sido siempre perseguidas y capturadas. Con sus únicos aliados, David (Theo James) y su padre Thomas (Charles Dance), Selene deberá detener la encarnizada guerra entre licántropos y vampiros, aunque eso signifique que tenga que hacer un sacrificio final. Underworld: Blood Wars es una película estadounidense de acción y ciencia-ficción dirigida por Anna Foerster y escrita por Cory Goodman. Se trata de la quinta entrega de la saga de Underworld y la secuela de la película de 2012, Underworld: Awakening, con Kate Beckinsale retomando su papel como Selene. El resto del elenco principal incluye a Theo James, Tobias Menzies, Lara Pulver y Charles Dance. El rodaje comenzó el 19 de octubre de 2015, en Praga, República Checa. La película es el debut como director de Foerster.

jueves, 19 de noviembre de 2020

Películas de la semana: 20 de noviembre (I)

De Gaulle

Dirección: Gabriel Le Bomin. País: Francia. Año: 2020. Duración: 108 minutos. Género: Drama. Biográfico. Histórico. Años 30. II Guerra Mundial. Familia. Discapacidad. Interpretación: Lambert Wilson, Isabelle Carré, Olivier Gourmet, Catherine Mouchet, Pierre Hancisse, Sophie Quinton, Gilles Cohen, Laurent Stocker, Alain Lenglet, Philippine Leroy-Beaulieu, Tim Hudson, Nicolas Vaude, Philippe Laudenbach, Clémence Hittin, Félix Back, Lucie Rouxel, Marilou Aussilloux, Victor Belmondo, Stanislas Hittin, Amicie Hittin. Guion: Gabriel Le Bomin, Valérie Ranson-Enguiale. Música: Romain Trouillet. Fotografía: Jean-Marie Dreujou. Productora: Vertigo Productions/Les Films de la Baleine/SND Groupe M6/France 2 Cinema/France 3 Cinéma/Les Productions du Renard. Estreno en España: 20 de noviembre de 2020. Sinopsis: Paris, junio de 1940. La pareja de los "de Gaulle" intenta hacer frente al colapso militar y político de Francia. Charles de Gaulle pone rumbo a Londres mientras que su mujer Yvonne parte hacia el exilio con sus tres hijos. 

Mank

Dirección: David Fincher. País: Estados Unidos. Año: 2020. Duración: 132 minutos. Género: Drama. Biográfico. Cine dentro del cine. Interpretación: Gary Oldman, Amanda Seyfried, Charles Dance, Tom Burke, Lily Collins, Tuppence Middleton, Arliss Howard, Ferdinand Kingsley, Jamie McShane, Joseph Cross, Sam Troughton, Toby Leonard Moore, Tom Pelphrey, Leven Rambin, Madison West, Adam Shapiro, Monika Gossmann, Paul Fox, Jessie Cohen, Amie Farrell, Alex Leontev, Stewart Skelton, Craig Robert Young, Derek Petropolis, Jaclyn Bethany, Arlo Mertz. Guion: Jack Fincher. Música: Trent Reznor, Atticus Ross. Fotografía: Erik Messerschmidt. Productora: Netflix. Distribuidora: Netflix. Estreno en España: 20 de noviembre de 2020. Sinopsis: Biopic sobre Herman Mankiewicz, guionista de Ciudadano Kane, que repasa el proceso de rodaje de la obra maestra de Orson Welles dirigida y estrenada en 1941. La película se rodará en blanco y negro, tomando como base un guión escrito por Jack Fincher, padre de David Fincher, antes de morir en 2003. Su producción se inició en noviembre de 2019 y según declaraciones de uno de sus productores su estreno está previsto para noviembre de 2020.

Ondina. Un amor para siempre

Título original: Undine. Dirección: Christian Petzold. País: Alemania. Año: 2020. Duración: 90 minutos. Género: Romance. Drama. Drama romántico. Interpretación: Paula Beer, Franz Rogowski, Maryam Zaree, Jacob Matschenz. Guion: Christian Petzold. Fotografía: Hans Fromm. Productora: Coproducción Alemania-Francia; Schramm Film/Les Films du Losange/ZDF/Arte/arte France Cinéma/Canal+/Ciné+. Premios y nominaciones: : Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor película y actriz (Beer); Festival de Berlín: Mejor actriz y Premio FIPRESCI; Festival de Sevilla: Mejor dirección y montaje; Premios del Cine Alemán: Nominada a mejor película y sonido. Estreno en España: 20 de noviembre de 2020. Sinopsis: Ondina es historiadora y da conferencias sobre el desarrollo urbano de Berlín. Pero cuando su amante la abandona, el antiguo mito se apodera de ella. Solo le queda matar al hombre que la ha traicionado y regresar a las aguas. Ondina es la novena película del cineasta alemán Christian Petzold, quien se adentra en la mitología germánica a través de la leyenda de la mujer acuática, cuyo misterioso destino está predestinado por el amor.

Desafío total

Título original: Total Recall. Dirección: Paul Verhoeven. País: Estados Unidos. Año. 1990. Duración: 109 minutos. Género: Ciencia-ficción. Acción. Distopía. Película de culto. Interpretación: Arnold Schwarzenegger, Sharon Stone, Michael Ironside, Rachel Ticotin, Ronny Cox, Marshall Bell, Mel Johnson Jr., Ray Baker, Michael Champion, Roy Brocksmith, Lycia Naff, Debbie Lee Carrington, Dean Norris, Alexia Robinson, Erika Carlsson. Guion: Dan O'Bannon, Gary Goldman, Ronald Shusett (Relato: Philip K. Dick). Música: Jerry Goldsmith. Fotografía: Jost Vacano. Productora: Carolco Pictures. Distribuidora: TriStar Pictures. Premios y nominaciones:  Oscar: Premio especial, Mejores efectos visuales. Nominada a sonido, efectos sonoros; Premios BAFTA: Nominada a mejores efectos visuales. Reestreno en España: 20 de noviembre de 2020. Sinopsis: La Tierra, año 2084. Doug Quaid, un hombre que lleva una vida aparentemente tranquila, vive atormentado por una pesadilla que todas las noches lo transporta a Marte. Decide entonces recurrir al laboratorio de Recall, una empresa de vacaciones virtuales que le ofrece la oportunidad de materializar su sueño gracias a un fuerte alucinógeno, pero la droga hace aflorar a su memoria una estancia verdadera en Marte cuando era el más temido agente del cruel Coohagen.

Rock'n'Roll Eddie

Título original: Władcy przygód. Stąd do Oblivio. Dirección: Tomasz Szafranski. País: Polonia. Año: 2019. Duración: 101 minutos. Género: Acción. Aventuras. Comedia. Interpretación: Kamila Bujalska, Alicja Dabrowska, Weronika Kaczmarczyk, Szymon Radzimierski, Maciej Makowski, Janusz Andrzejewski, Aleksandra Dargiewicz, Izabela Dabrowska, Arleta Godziszewska, Andrzej Grabowski, Mikolaj Grabowski, Marta Grabysz, Piotr Kazmierczak, Oskar Latarski, Piotr Janusz, Slawomir Malyszko, Lukasz Matecki, Jan Owczarzak, Katarzyna Siergiej, Justyna Skalska, Waldemar Szczepaniak, Witold Szulc, Lukasz Wójcik, Mariusz Zaniewski, Karol Smaczny, Jakub Kamienski, Wojciech Kraszewski, Leon Szafranski (Voz: Mikolaj Klimek). Guion: Tomasz Szafranski. Música: Fred Emory Smith. Fotografía: Michal Grabowski. Productora: Dogoda Media/New Wave Film/Poznan Film Commission/Avantgarde Film Studio/Fonograf/Centrum Technologii Audiowizualnych/Estrada Poznanska/Krakowskie Biuro Festiwalowe/Nathaniel Productions/Polski Instytut Sztuki Filmowej. Estreno en España: 20 de noviembre de 2020. Sinopsis: Franek (Szymon Radzimierski) e Izka (Weronika Kaczmarczyk) descubrirán que no hace falta ser superhéroe para vivir una superaventura. Al poner en marcha un misterioso gramófono, traerán accidentalmente a Eddie, el Rockandrollero (Maciej Makowski), fugado del país de Oblivio a la dimensión terrestre. De esta forma atraerán la ira de los Cazadores de Cabezas, que intentarán castigar al huido a toda costa. Y “a toda costa”, significa que no dudarán en “desintegrar” a cualquiera que se cruce en su camino. ¿Conseguirán Franek e Izka salvar a Eddie? ¿Sobrevivirá su amistad, pese a los problemas que les esperan en el camino?

Campanadas a muerto

Título original: Hil Kanpaiak. Dirección: Imanol Rayo. País: España. Año: 2020. Duración: 95 minutos. Género: Thriller. Drama. Vida rural. Interpretación: Itziar Ituño, Eneko Sagardoy, Yon González, Asier Hernández, Iñigo Aranburu, Josean Bengoetxea, Itsaso Arana, Dorleta Urretabizkaia, Kandido Uranga, Andrés Gertrudix, Patricia López Arnaiz. Guion: Joanes Urkixo (Novela: Miren Gorrotxategi). Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Javier Agirre Erauso. Productora: Abra Producciones. Estreno en España: 20 de noviembre de 2020. Sinopsis: En los terrenos del caserío Garizmendi aparece un esqueleto enterrado. Sin saber a qué atenerse, Fermín Araia y su mujer, Karmen, llaman a su hijo Néstor, que acude a hacerse cargo. A la mañana siguiente Fermín no aparece y Néstor descubre que también han desaparecido los huesos. A su aviso acuden dos inspectores de la Sección Criminal, Ezpeleta y Kortazar, quien muestra especial interés por el caso, y mientras se encuentran en el caserío la campana de la ermita cercana comienza a doblar a muerto.

La reina de los lagartos

Dirección: Burnin' Percebes, Nando Martínez, Juan González. País: España. Año: 2019. Duración: 63 minutos. Género: Ciencia-ficción. Comedia. Surrealismo. Comedia absurda. Interpretación: Bruna Cusí, Javier Botet, Ivan Labanda, Miki Esparbé, Roger Coma, Al Sarcoli. Guion: Burnin' Percebes, Nando Martínez, Juan González. Música: Sergio Bertran. Fotografía: Nando Martínez. Productora: Aquí y Allí Films. Distribuidora: Elamedia Estudios. Estreno en España: 20 de noviembre de 2020. Sinopsis: Llega el día en el que dos amantes tienen que despedirse tras su affaire veraniego, pues una nave espacial viene a buscarle a él. Pero, ¿y si no viene? Berta (Bruna Cusí) es una madre soltera, joven y decidida. Vive un amor de verano con Javi (Javier Botet), un hombre peculiar que está de paso por su vida y la de Margot, su hija. Pero todo amor de verano tiene un final y el de éste es hoy, o al menos así tendría que ser. Todo se tuerce cuando la nave nodriza que tenía que recoger a Javi no aparece. Berta tendrá que enfrentarse ahora a lo que más temía: a una relación “estable” que, por si fuese poco, parece haber sembrado un germen en su interior.

Un cuento de tres hermanas

Título original: Kız Kardeşler. Título internacional: A Tale of Three SistersDirección: Emin Alper. País: Turquía. Año: 2019. Duración: 108 minutos. Género: Drama. Años 1980. Familia. Interpretación: Cemre Ebuzziya, Ece Yüksel, Helin Kandemir, Kayhan Açikgöz, Müfit Kayacan, Kubilay Tunçer. Guion: Emin Alper. Música: Giorgos Papaioannou, Nikos Papaioannou. Fotografía: Emre Erkmen. Productora: Coproducción Turquía-Alemania-Países Bajos (Holanda)-Grecia; Liman Film/Komplizen Film/Nulook Production/Horsefly Productions/Circe Films. Premios y nominaciones: Festival de Sarajevo: mejor director. Estreno en España: 20 de noviembre de 2020. Sinopsis: Años 1980. Reyhan, Nurhan y Havva son tres hermanas que viven con su padre en una remota aldea de la Anatolia central. Una tras otra son enviadas a la ciudad a trabajar como criadas en familias adoptivas acomodadas con la esperanza de conseguirles una vida mejor, pero un tiempo después las tres se ven obligadas a regresar por circunstancias imprevistas. Por primera vez en varios años, las tres hermanas vuelven a estar juntas en su aldea natal, donde se enfrentarán a nuevos entornos, relaciones y enfrentamientos inesperados.

Dear Werner (Walking on Cinema)

Dirección: Pablo Maqueda. País: España. Año: 2020. Duración: 80 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental (intervenciones de: Pablo Maqueda, Werner Herzog). Guion: Pablo Maqueda. Música: José Venditti. Fotografía: Pablo Maqueda. Productora: We Love Cinema/Llanero Films. Premios y nominaciones: Festival de Cine Europeo de Sevilla: Nominado a mejor documental. Estreno en España: 20 de noviembre de 2020. Sinopsis: En el invierno de 1974, Werner Herzog tomó “una chaqueta, una brújula y una bolsa de lona con lo imprescindible” y se lanzó caminar de Múnich a París con el convencimiento de que su gesta salvaría la vida de la historiadora y crítica de cine Lotte Eisner (y así fue). Con el diario de viaje de Herzog (publicado bajo el título Del caminar sobre el hielo) como mapa, Pablo Maqueda emprende en 2019 una nueva travesía cinéfila a pie, donde se reencuentra con las gentes y paisajes de Herzog, y con las pistas y semillas de toda la filmografía del sin par cineasta alemán (quien además colabora en la película con su inconfundible voz y comentario).

The Mystery of the Pink Flamingo

Dirección: Javier Polo Gandía. País: España. Año: 2020. Género: Documental. Reparto: Documental (intervenciones de: John Waters, Eduardo Casanova, Allee Willis, Rigo Pex). Guion: Javier Polo Gandía, Sixto Xavier García: Fotografía: Guillermo Polo. Productora: Japonica Films/Los Hermanos Polo. Estreno en España: 20 de noviembre de 2020. Sinopsis: Rigo Pex es un ingeniero de sonido serio pero excéntrico cuya cómoda vida se ve repentinamente perturbada por un extraño fenómeno: el Pink Flamingo. Estos pájaros rosas parecen seguirlo a todas partes, llevando a Rigo a una investigación para revelar su misterioso significado. Estudiará su impacto en nuestra sociedad y viajará a Estados Unidos para conocer una serie de dispares personajes que expresan su personalidad con su figura: la sensación de Internet Pink Lady, la gurú de la música Allee Willis, la banda technopop Kero Kero Bonito, el enfant terrible Eduardo Casanova o el cineasta de culto John Waters, entre muchos otros. Rigo será nuestro guía a lo largo de este viaje sobre cómo los iconos pueden ayudarnos a encontrar nuestra propia identidad y a cambiar nuestras vidas.

Anatomía de un Dandy

Dirección: Charlie Arnaiz, Alberto Ortega. País: España. Año: 2020. Duración: 90 minutos. Género: Documental. Biográfico. Periodismo. Literatura. Reparto: Documental (Voz: Aitana Sánchez-Gijón. intervenciones de: Francisco Umbral, María España Suárez, Raúl del Pozo, Juan Cruz, Manuel Jabois, Pedro J. Ramírez, Ángel Antonio Herrera, Antonio Lucas, David Gistau, Victoria Vera, Ramoncín). Guion: Óscar García Blesa, Emilio González, Álvaro Giménez Sarmiento. Fotografía: Luis Ángel Pérez. Productora: Por amor al arte Producciones S.L/Malvalanda, Dadá Films & Entertainment/Televisión Española (TVE). Estreno en España: 20 de noviembre de 2020. Sinopsis: Decía Francisco Umbral que él solo sabía escribir memorias. Sin embargo, detrás del personaje creado por él mismo se encontraba una vida llena de incógnitas que quedaron sin responder tras su muerte en 2007. Los más de 10.000 artículos y casi 200 novelas escritas, que siempre tomaron como referencia sus propias experiencias personales, no hicieron otra cosa que fomentar el mito y el enigma del dandy.