Kraken: El libro negro de las horas
Después de Kim
El sonido de la caída
Zona 3
La risa y la navaja
Aisha no puede volar
Quién vio los templos caer
Esperanza viva
Maracuda
viernes, 24 de abril de 2026
Películas de la semana: 24 de abril
Retrospectiva: Capitanes intrépidos
Capitanes intrépidos (Captains Courageous, 1937), dirigida por Victor Fleming e interpretada por Spencer Tracy, Freddie Bartholomew, Lionel Barrymore, Melvyn Douglas, John Carradine, Charley Grapewin, Mickey Rooney, Oscar O'Shea, Jack La Rue. Disponible en Amazon Prime Video, Google Play Películas, Apple TV.
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| Spencer Tracy y Freddie Bartholomew en Capitanes intrépidos (1937) |
La trama: Harvey Cheyne (Freddie Bartholomew) es un caprichoso y malcriado niño rico que está haciendo un crucero con su padre. Inesperadamente, cae por la borda del yate y es rescatado por un barco de pesca al mando de un intrépido capitán (Lionel Barrymore). El pesquero tiene que acabar la larga campaña de pesca antes de llevar al chico a tierra firme. Harvey, al principio a regañadientes, conseguirá adaptarse a la dura vida en alta mar gracias a su íntima relación con Manuel (Spencer Tracy), un bondadoso marinero portugués que ejercerá sobre el niño una benéfica influencia.
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| Spencer Tracy, Freddie Bartholomew y Lionel Barrymore en Capitanes intrépidos (1937) |
Curiosidades: Basada en la novela homónima de Kipling, publicada en 1897, la mezcla de aventuras marineras y el tierno drama consiguió una maravillosa y conmovedora película que se instaló en el corazón de varias generaciones. En el recuerdo, un Spencer Tracy insuperable (atención a la emocionante escena en la que el chico le dice: "I want to be with you, Manuel" -Yo quiero estar contigo, Manuel-, dos rostros empapados de una sinceridad desarmante). La magnífica interpretación de Tracy sería galardonada con un Oscar de la Academia. Inolvidable la tonadilla "Ay, mi pescadito...".
Los 12 mejores wésterns de la década de los 60 (sin incluir ningún spaghetti) (I)
El género en esos años estaba en uno de sus momentos más ricos y diversos. Entre el cine de las grandes llanuras, la toma de los fuertes y los pioneros y el descreimiento de los antihéroes implacables y profundamente solitarios, se yergue el wéstern de la década de los años 1960 en uno de sus momentos más ricos y diversos. Aquí ofrecemos sólo doce repitiendo sólo una vez de director.
1. Los siete magníficos (The Magnificent Seven, 1960), de John Sturges
Sinopsis: Los humildes habitantes de un pueblo mexicano, que viven modestamente de la agricultura, se hallan a merced de una despiadada banda de forajidos que constantemente les exigen un pago por sus cosechas. Como ellos no saben defenderse, deciden contratar los servicios de siete pistoleros, siete implacables mercenarios cada uno con una habilidad especial en el manejo de las armas.
Sobrio remake de Los sietes samuráis de Kurosawa pese a que la banda sonora de Elmer Bernstein le otorgó un tono casi festivo cuando está lejos de ser una película amable. Pese a contar con Yul Bryner, Steve McQueen, Charles Bronson, Eli Wallach y James Coburn fue un fracaso de taquilla, aunque el tiempo la ha catapultado a la categoría de clásico.
2. El último atardecer (The Last Sunset, 1961), de Robert Aldrich
Sinopsis: Brendan O'Malley (Kirk Douglas), un antiguo pistolero, llega a México para buscar a Belle Breckenridge (Dorothy Malone), que resulta estar casada con un borracho (Cotten). Éste le pide ayuda para conducir un rebaño a Texas. Tras los pasos de O'Malley va Dana Stribling (Rock Hudson), un vengativo sheriff que tiene motivos personales para arrestarlo.
Con guion de Dalton Trumbo, cuenta la historia de un pistolero a quien contrata una antigua amante para llevar sus reses a Texas. Kirk Douglas, Dorothy Malone, Joseph Cotten y Rock Hudson construyen un relato sobre la obsesión, el odio, el desprecio y la revancha de la mano de Robert Aldrich que formó parte de la generación de directores que renovarían los cánones del viejo Hollywood.
3. El rostro impenetrable (One Eyed Jacks, 1961), de Marlon Brando
Sinopsis: Tras el atraco a un banco fronterizo, Johnny Río es traicionado por Dad, su mejor amigo y compañero de correrías. Apresado por la policía mexicana, pasa cinco amargos años en la prision de Sonora, durante los cuales, vive obsesionado con la idea de vengarse del traidor. Tras ser puesto en libertad, visita a Dad, que se ha convertido en un hombre respetable y es el sheriff de Monterrey. Cuando Dad le presenta a su hijastra Louisa, Jonnhy queda prendado de su belleza y la seduce.
La única película dirigida por Brado es absolutamente irrepetible, pues junto a Karl Malden protagoniza una historia de venganza atípica y fantasmagórica, abstracta casi, que se hizo con la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. Es una película lastimera, luminosa y cruel que la Paramount destrozó en la sala de montaje y que, con todo, es una maravilla.
4. Duelo en alta sierra (Ride the High Country AKA Guns in the Afternoon, 1962), de Sam Peckinpah
Sinopsis: Dos viejos amigos se asocian para escoltar un cargamento de oro desde las minas de Alta Sierra hasta un banco. Uno de ellos (Joel McCrea) es un hombre honrado que sólo se propone hacer bien su trabajo; el otro (Randolph Scott), en cambio, carece de escrúpulos y proyecta robar la valiosa mercancía.
Ellos son Randolph Scott y Joel McCrea y juntos protagonizan una de las mejores finales de la historia del wéstern en una película soberbia y sobrecogedora sobre la lealtad y el honor en el otoño de la vida. Y la estupenda y lírica banda sonora de George Bassman engrandece el aire crepuscular de la película. Se trata de uno de los primeros éxitos de Sam Peckinpah.
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jueves, 23 de abril de 2026
Películas de la semana: 23 de abril
Sidosa
Hace 100 años: Qualen der Nacht
El 23 de abril de 1926 se estrenó la película alemana Qualen der Nacht, dirigida por Curtis Bernhardt e interpretada por Claire Rommer, Ernst Verebes, William Dieterle, Fritz Rasp, Alexander Granach, Margarete Kupfer, Hermann Vallentin. Productora: Ikarus Film. Duración: 72 minutos.
Comentario: La película, dividida en seis actos y estuvo prohibida para menores.
7 películas de ciencia-ficción que te emocionarán y se alejan de la distopía (VII)
Wall·E (2008), de Andrew Stanton
Pixar logró crear una de las historias más esperanzadoras de la ciencia ficción moderna utilizando a un pequeño robot compactador de basura que apenas habla. Aunque el escenario inicial es una Tierra desolada y cubierta de desperdicios, la película no es una condena, sino un renacimiento. Wall-E, con su curiosidad por los objetos humanos y su capacidad de amar, es el catalizador que despierta a una humanidad aletargada y desconectada.
En el año 2800, en un planeta Tierra devastado y sin vida, tras cientos de solitarios años haciendo aquello para lo que fue construido -limpiar el planeta de basura- el pequeño robot WALL·E (acrónimo de Waste Allocation Load Lifter Earth-Class) descubre una nueva misión en su vida (además de recolectar cosas inservibles) cuando se encuentra con una moderna y lustrosa robot exploradora llamada EVE. Ambos viajarán a lo largo de la galaxia y vivirán una emocionante e inolvidable aventura...
El optimismo aquí reside en la idea de que la naturaleza tiene una voluntad asombrosa, representada por esa pequeña planta en una bota. Y además, que el ser humano siempre puede rectificar sus errores si encuentra una razón por la cual luchar. Ideal para los optimistas de corazón.
miércoles, 22 de abril de 2026
Películas de la semana: 22 de abril
Michael
La ahorcada
Turno de noche
Casi todo bien
7 películas de ciencia-ficción que te emocionarán y se alejan de la distopía (VI)
Encuentros en la tercera fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977), de Steven Spielberg
Esta película de Steven Spielberg es un hito de la ciencia ficción. En especial, por oponerse al hábito cinematográfico de mostrar alienígenas como monstruos o invasores. Al contrario, el director mostró una visión radicalmente pacífica. La película sigue a personas comunes que sienten una llamada irresistible hacia un encuentro con lo desconocido. Lo que hace que esta cinta sea tan optimista es su clímax en la Torre del Diablo, donde la comunicación con los extraterrestres no se logra mediante códigos militares o amenazas, sino a través de la música y la luz.
La trama: Una noche, cerca de su casa, en Indiana, Roy Neary (Richard Dreyfuss) observa en el cielo unos misteriosos objetos voladores. Desde entonces vive tan obsesionado por comprender lo que ha visto que se distancia de su esposa (Teri Garr). Encuentra apoyo en una mujer que también ha sido testigo de los mismos hechos, y juntos intentan encontrar una respuesta al misterio que ha alterado sus vidas. Al mismo tiempo, un nutrido grupo de científicos internacionales comienza a investigar las apariciones de ovnis y otros extraños fenómenos en la zona.
El uso de las famosas cinco notas musicales como lenguaje universal es una metáfora poderosa: el arte y la armonía son la base del entendimiento. Los alienígenas no vienen a juzgarnos ni a destruirnos, sino a intercambiar conocimientos en un gesto de amistad cósmica. Es una película que captura la inocencia y el asombro infantil, sugiriendo que el universo es un lugar benevolente y que nuestro primer encuentro con otras civilizaciones será un momento de belleza sublime y paz absoluta.
“Saw”, en HBO Max: el thriller sádico que, sin querer, dio origen al “porno de tortura” (II)
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Lo que no vemos en esta película es una serie de trampas mortales en acción: la policía solo descubre a sus víctimas después. Y una de ellas, Amanda (fundamental para el resto de la saga), escapa de la legendaria "trampa para osos invertida". La primera película de Saw sigue siendo una experiencia casi claustrofóbica, una sala de escape muy desagradable donde los acertijos, hay que admitirlo, duelen un poco. Sin embargo, Saw se ha convertido en el estandarte de un género al que no pertenece: el porno de tortura, un elemento imprescindible de la escena de terror de los 2000, con innumerables versiones de calidad variable -Hostel (2005), de Eli Roth-, pero en su mayoría mediocres -Wolf Creek (2005), de Greg McLean, La mirada del diablo (Nightmare Man, 2006), de Rolfe Kanefsky. ¿Por qué? Es la segunda entrega Saw II (2005), Darren Lynn Bousman, la que marca el comienzo del giro de la saga hacia una interpretación dudosa de la tortura. Whannell sigue escribiendo el guion, Wan ahora es solo el productor; el guionista australiano es quien lanza franquicias, como Insidious (2010), antes de cederlas a otros menos talentosos que él. Las víctimas en esta nueva tanda de películas son masacradas en minutos mientras que todos los demás mueren agonizando por un gas tóxico.
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| Saw II (2005) |
En 2006, Saw III, también dirigida por Darren Lynn Bousman, confirma esta sórdida dirección: las máquinas se multiplican (incluida una que involucra costillas, resortes, una llave y ácido, famosa pero gratuita); también los cadáveres. No tienen ninguna posibilidad. Y se supone que debemos disfrutar del espectáculo. James Wan coescribe esta entrega, una vez más un recurso argumental desagradable. Implacable en ese sentido. Esta trilogía, estrechamente entrelazada, llega incluso a explicar su descenso a la barbarie con un giro bastante audaz: el trabajo de Jigsaw ha sido corrompido…
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| Saw III (2006) |
Por supuesto, persisten las dudas sobre la lucha de su asesino y el diseñador de sus trampas. Veinte años después, podemos afirmarlo: sufriendo de cáncer terminal, el bueno de Jigsaw se venga de todos aquellos que, según él, no viven "bien". En Saw IV (2007), atrapa a un padre que se pierde en su dolor… ¿para obligarlo a recuperarse? Esta película confirma que la saga jamás cuestionará su moralidad, prefiriendo regodearse en ella. También marca el final de las películas originales de Saw y el comienzo de algo peor: una mezcla insensata de pornografía de tortura repartida en siete secuelas más, algunas más infames que otras, y todas fácilmente olvidables. O simplemente evitables. ¡James Wan jamás habría permitido que esto sucediera! Sin embargo, Saw XI está en camino.
martes, 21 de abril de 2026
75 años del premio al mejor director en el Festival de Cannes: "Los olvidados"
Los olvidados es una película de crimen adolescente mexicana de 1950, dirigida y escrita por Luis Buñuel. Por su trabajo en esta película, el cineasta español obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Cannes. Interpretada por Roberto Cobo, Mario Ramírez, Alfonso Mejía, Estela Inda, Miguel Inclán, Alma Delia Fuentes, Francisco Jambrina, Efraín Arauz, Jorge Pérez, Javier Amézcua. Considerada la película más influyente del cine hispanoamericano, Los olvidados volvió a colocar a Luis Buñuel en la cumbre. Disponible en Amazon Prime Video.
La trama: La película comienza con un prólogo compuesto por imágenes de varias ciudades, advirtiendo de que la historia que se va a narrar podría ocurrir en cualquier parte. A continuación, la cámara llega a un barrio marginal de la capital mexicana donde El Jaibo, un adolescente que escapa de un correccional y se reúne en el barrio con sus amigos. Unos días después, el Jaibo mata, en presencia de su amigo Pedro, al muchacho que supuestamente tuvo la culpa de que lo enviaran al reformatorio. A partir de entonces, los destinos de Pedro y el Jaibo estarán trágicamente unidos.
El cineasta había acordado con el productor Óscar Dacigers la filmación de una película sobre los niños pobres de México D.F. Buñuel estuvo varios meses investigando el tema y conversando con niños, policías y hasta el personal de los reformatorios. A continuación escribiría el guión con el extremeño Luis Alcoriza, que volvería a colaborar con él en varias ocasiones. Les echó una mano el dramaturgo Max Aub, y el escritor mexicano Pedro de Urdimalas, que fue pieza clave para que los diálogos fueran creíbles en boca de personajes de su país.
A pesar del fatalismo habitual del cine de Buñuel, se muestra positivo en cuanto a la capacidad de redención del ser humano. Al tratarse de cine social, que describe con crudeza la situación de los niños marginales, se comparó en su día con el estilo cercano al documental del neorrealismo italiano. Pero lo cierto es que Buñuel se distancia muchísimo de cineastas como Rossellini. Introduce elementos surrealistas, como el sueño de Pedro, en que su madre le ofrece unas vísceras y Jaibo se las quita. Algunos temas, como la muerte y el padre ausente, son típicos del movimiento surrealista.
7 películas de ciencia ficción que te emocionarán y se alejan de la distopía (V)
Tomorrowland: El mundo del mañana (Tomorrowland, 2015), de Brad Bird
Quizás no la conozcas, pero esta película de Brad Bird es una crítica directa a la obsesión actual por el apocalipsis y las historias de futuros deprimentes. La trama nos dice que unidos por el mismo destino, una adolescente inteligente y optimista, llena de curiosidad científica, y un antiguo niño prodigio inventor, hastiado por las desilusiones, se embarcan en una peligrosa misión para desenterrar los secretos de un enigmático lugar localizado en algún lugar del tiempo y el espacio, conocido en la memoria colectiva como “Tomorrowland”, y así salvar a la humanidad. El mensaje central es que el futuro se convierte en una distopía solo si dejamos de creer que podemos mejorarlo.
Además, la cinta es una explosión visual de retrofuturismo que celebra el optimismo como una forma de rebeldía necesaria. Tomorrowland: El mundo del mañana nos invita a dejar de consumir historias de destrucción y a empezar a imaginar soluciones, recordándonos que las grandes hazañas de la humanidad comenzaron simplemente porque alguien se negó a aceptar que el final estaba cerca. Es un toque de atención para la acción para los inventores, los artistas y los soñadores que aún creen que el ingenio humano puede salvar el mundo. Disponible en Disney+.
“Saw”, en HBO Max: el thriller sádico que, sin querer, dio origen al “porno de tortura” (I)
Saw (2004) no es la película que cree. Esto se debe a la saga que le siguió, disponible en parte en HBO Max, una interpretación inesperada y menos ingeniosa de un subgénero del cine de terror que se puso de moda en la década de 2000. Para bien y, sobre todo, para mal.
La sombra de una mano blandiendo un cuchillo se proyecta contra una pared en blanco. No es expresionismo alemán, pero se le parece mucho. De hecho, sí, se le parece muchísimo: es Saw, el primer largometraje del director australiano James Wan. Una serie de pequeñas proezas de dirección filmadas con un presupuesto ínfimo, y probablemente con un filtro verde en la lente, en 2004.
La premisa es simple. Proverbial. Dos hombres despiertan encerrados en el baño más miserable de la historia del cine. Entre ellos, un cadáver y una pistola. En sus bolsillos, instrucciones de un tal Jigsaw: uno debe escapar, el otro… matarlo. También hay dos sierras, demasiado ligeras para cortar sus cadenas, pero suficientes para sus pantorrillas. El guion es de James Wan (quien estira un cortometraje tan bajísimo como audaz) y Leigh Whannell; este último incluso interpreta a una de las dos víctimas.
Un entorno claustrofóbico con edición ultrarrápida
Mucho se ha hablado de la atmósfera, la naturaleza cruda y prohibida de esta primera entrega, que se ha convertido en el epítome de las películas que no hemos visto pero de las que seguimos hablando ("Mi primo me dijo que al final, el cuerpo…"). Su estética amateur es llamativa pero ingeniosa. Y necesaria, dado el presupuesto de alrededor de un millón de dólares: se ha prestado menos atención a las innovaciones de la dirección, el dominio de James Wan del primer plano, la cámara que encuadra ligeramente descentrada la pierna que está siendo serrada, la violencia a menudo sugerida (mencionamos antes la sombra de un cuchillo) que a veces impacta más. O a la calidad del guion, un pequeño artilugio perfectamente elaborado, subrayado por un montaje ultrarrápido, incluso un poco como un tráiler de bajo presupuesto por momentos, que oculta, secuencia y engaña al espectador.
(cont.)
lunes, 20 de abril de 2026
¿Hay alguien por ahí que quiera (re)descubrir las películas y el humor disparatado de los " Z/A/Z Productions", esos tipos locos de la comedia estadounidense? (II)
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Herederos juguetones
Tras esta época dorada, los tres amigos tomaron caminos separados: Jim Abrahams (fallecido en 2024) dirigió Hot Shots! ¡La madre de todos los desmadres! (Hot Shots, 1991) y Hot Shots! Part 2 (1993) en la misma línea. David Zucker se dedicó a hacer travesuras en el género del meta-terror (subgénero autoconsciente que deconstruye los tropos del cine de terror, donde los personajes a menudo conocen las reglas del género, creando una narrativa irónica o reflexiva, como Scary Movie 3 y 4 en 2003 y 2006), mientras que Jerry Zucker de repente se tomó en serio a sí mismo con el romance fantástico Ghost. Más allá del amor (Ghost, 1990).
Desde entonces, nuestras ansias de risas han tenido que conformarse con la reciente Agárralo como puedas (The Naked Gun, 2025), de Akiva Schaffer, una especie de remake-homenaje con Liam Neeson como sucesor de Leslie Nielsen. Es divertida, pero no lo suficientemente tonta ni lo suficientemente brillante como para hacerte olvidar las películas de Z/A/Z.
7 películas de ciencia-ficción que te emocionarán y se alejan de la distopía (IV)
Contact (1997), de Robert Zemeckis
El divulgador científico Carl Sagan escribió esta obra como una reflexión sobre el bien. Por lo que esta película es quizás la representación más pura del optimismo científico.
Tras la prematura muerte de sus padres siendo una niña, Eleanor Arroway perdió la fe en Dios. Como contrapartida, ha concentrado toda su fe en la investigación: trabaja con un grupo de científicos que analizan ondas de radio procedentes del espacio exterior con el fin de encontrar señales de inteligencia extraterrestre. Su trabajo se ve recompensado cuando detecta una señal desconocida que parece contener las instrucciones de fabricación de una máquina que permitiría reunirse con los autores del mensaje. La película no recurre a la paranoia de una invasión.
En su lugar, nos muestra un proceso de descubrimiento lleno de asombro. Contact es optimista porque trata a la humanidad como una especie joven, a veces confundida y asustadiza, pero con un potencial inmenso para unirse a una comunidad galáctica más sabia. El viaje final de Ellie no es una conquista, sino una lección de humildad y maravilla; es la confirmación de que no estamos solos en el cosmos y que el universo es un lugar lleno de posibilidades esperando a ser explorado por aquellos que se atrevan a soñar.
Años 1980: Películas y literatura fantástica (IV)
Y, por último, llegamos a cuento medieval de amores inmortales, luchas de espadas, 
brujas malvadas, conjuros y bellas princesas. Nos referimos a La princesa prometida (The Princess Bride, 1987), dirigida por Rob Reiner y escrita por William Goldman a partir de su propia novela, e interpretada por Cary Elwes, Robin Wright, Mandy Patinkin, Chris Sarandon, Wallace Shawn, André the Giant, Christopher Guest, Fred Savage, Peter Falk, Billy Crystal, Carol Kane, Peter Cook, Mel Smith, Anne Dyson, Willoughby Gray, Malcolm Storry.
“Hola. Me llamo Íñigo Montoya. Tú mataste a mi padre. Prepárate a morir”. Pocas frases resumen tan bien lo que fue el cine de aventuras de los años 1980 como la que pronuncia Mandy Patinkin en la película que comentamos y con la que cerramos este pequeño viaje cronológico a la fantasía “juvenil” de esa década. La película es, en apariencia, un cuento de hadas de capa y espada: Buttercup, Westley, piratas, duelos, gigantes y ratas monstruosas. En realidad, es una comedia romántica, repleta de ironía y de cariño hacia los propios tópicos que utiliza.
Un niño se encuentra enfermo en su casa y su abuelo le cuenta un cuento. El cuento hermoso de una princesa, un caballero, un rey malo, un gigante... Después de buscar fortuna durante cinco años, Westley (Cary Elwes) retorna a su tierra para casarse con su amada, la bella Buttercup (Robin Wright Penn), a la que había jurado amor eterno. Sin embargo, para recuperarla habrá de enfrentarse a Vizzini (Wallace Shawn) y sus esbirros. Una vez derrotados éstos, tendrá que superar el peor de los obstáculos: el príncipe Humperdinck (Chris Sarandon) pretende desposar a la desdichada Buttercup, pese a que ella no lo ama, ya que sigue enamorada de Westley.
Goldman, además de novelista, fue uno de los grandes guionistas de Hollywood, y se nota: ritmo perfecto, diálogos afilados, cambios de tono que funcionan como un reloj. La princesa prometida es aventura de capa y espada, sí; pero también, una parodia cariñosa de los cuentos de hadas, una comedia romántica y una reflexión sobre la forma en que las historias pasan de una generación a otra, como se abuelo y ese nieto que al principio protesta y luego suplica “sigue leyendo”.
De niños nos quedábamos con las peleas de Íñigo, los R.A.G. (Roedor de Aspecto Gigantesco) en el Pantano de Fuego y el “milagro” de Westley. De adultos, la novela nos revela el nivel de ironía con el que Goldman se ríe, al mismo tiempo, de los tópicos del género y de nosotros, los lectores, que seguimos necesitándolos.
domingo, 19 de abril de 2026
7 películas de ciencia ficción que te emocionarán y se alejan de la distopía (III) 19/4
Interestelar (Interstellar, 2014), de Christopher Nolan
La gran obra de ciencia ficción de nuestra época es también una reflexión optimista del futuro. Eso, aunque Christopher Nolan sitúa la acción en una Tierra moribunda por una plaga agrícola, el núcleo de la película late con una fe inquebrantable en el futuro. Es una odisea espacial que utiliza conceptos complejos como los agujeros de gusano y la dilatación temporal para contar una historia sobre el vínculo emocional. El optimismo de Interstellar radica en su tesis principal: que el amor no es solo un sentimiento humano volátil, sino una dimensión real y poderosa que trasciende el tiempo y el espacio.
Al ver que la vida en la Tierra está llegando a su fin, un grupo de exploradores dirigidos por el piloto Cooper (McConaughey) y la científica Amelia (Hathaway) emprende una misión que puede ser la más importante de la historia de la humanidad: viajar más allá de nuestra galaxia para descubrir algún planeta en otra que pueda garantizar el futuro de la raza humana.
La película rechaza la idea de que la humanidad esté destinada a extinguirse en el polvo; en cambio, nos presenta como exploradores natos cuya curiosidad y sacrificio nos permiten dar saltos evolutivos imposibles. La ciencia no se ve como algo frío o distante, sino como la herramienta que permite que la conexión humana se manifieste a escala cósmica. Ver a la humanidad establecerse en estaciones espaciales al final es la recompensa de un viaje donde la esperanza fue el combustible más importante.
Actualmente, puedes ver Interstellar en streaming a través de Max, Netflix y Movistar Plus+. También está disponible para compra o alquiler en plataformas digitales como Apple TV y Amazon Prime Video.
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