Efemérides de cine: Karate a muerte en Bangkok

El 23 de octubre de 1971 se estrenó la película de Hong Kong Karate a muerte en Bangkok (Tang shan da xiong), dirigida por Lo Wei, Wu Chia-Hsiang con Bruce Lee, Maria Yi, James Tien, Han Ying-Chieh,Malalin Bonnak, Tony Liu, Lee Kwan, Nora Miao, San Chin, Lam Ching-Ying, Billy Chan, Peter Chan, Chia-Chen Tu, Chih Chen. Productora: Golden Harvest Company. Duración: 100 minutos. 

Sinopsis argumental: Cheng (Bruce Lee) llega a Bangkok desde China habiendo prometido a su madre que no se metería en peleas. Nada más llegar, encuentra trabajo en la fábrica del Sr. Mi, pero descubre que la factoría es en realidad una tapadera para encubrir el tráfico de drogas y la prostitución. Dos obreros desaparecen misteriosamente y los restantes trabajadores deciden ir a la huelga. La dirección envía contra ellos a hombres armados, y es cuando Cheng decide intervenir revelando su maestría en las artes marciales y haciendo que triunfen los obreros. Entonces, el Sr. Mi hace nombrar capataz a Cheng y da una fiesta en su honor, pero cuando éste descubre las verdaderas intenciones del jefe decide enfrentarse a él con todas sus consecuencias. 

Comentario: Debut en la gran pantalla del karateka más famoso, carismático y filosófico del mundo del celuloide: Bruce Lee. Dos años antes de morir en extrañas circunstancias, Lee protagonizaba su primera película, después de probar varios papeles en diferentes series y largometrajes de televisión. El personaje que este actor legendario interpreta se inspira en la historia real de Cheng Chiu-on, que luchó contra la corrupción en Tailandia a principios de siglo. En su momento, Karate a muerte en Bangkok fue la película de mayor envergadura y éxito realizada en Hong Kong. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

El cine de Cristi Puiu (IX)

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Una de las conclusiones más significativas del análisis de la posmodernidad que propone Lipovetsky en La era del vacío tiene que ver con lo que él denomina proceso de personalización. Se refiere de este modo al efecto individualizador que han tenido y tienen las sociedades del bienestar que se desarrollaron tras la Segunda Guerra Mundial, y por el cual un individuo se piensa así mismo y piensa el mundo desde una absoluta subjetividad que se rinde al placer en todas sus manifestaciones. La conciencia de lo colectivo queda así anulada por una nueva conciencia de carácter hedonista que cuestiona incluso los límites de la moral y la ética, sacrificados en el altar del culto a la personalidad. El bien y el mal, lo correcto y lo incorrecto, la justicia y la injusticia, cualquier dialéctica conceptual pierde su sentido ortodoxo frente a esta forma de ser y estar que empuja al individuo a demandar una libertad plena, redimida de cualquier obligación. El posmoderno es un ciudadano que solo quiere unos derechos: los suyos. De los tres ideales de la modernidad asociados a la Revolución francesa, la posmodernidad privilegia la libertad, el valor estrella del individualismo, frente a la igualdad y la fraternidad, de naturaleza común y solidaria.

Esta reflexión resulta pertinente para entender el cambio de rumbo que supone Aurora, un asesino muy común (2010) en la carrera de Puiu, un director que de aquí en adelante se muestra más interesado en filmar manifiestos filosóficos que películas de tinte realista. En este caso, la historia de un tipo corriente que planifica con extrema frialdad el asesinato de aquellos a quienes considera culpables de su divorcio, es una excusa para retratar las características del hombre posmoderno. Y lo hace, de nuevo, situando la acción en esa Rumanía de principios del siglo XXI en la que el capitalismo se abre paso a codazos entre los restos del socialismo de la era Ceaucescu. Viorel, su protagonista, interpretado por el propio Puiu, podría ser analizado desde otros puntos de vista; acaso el más evidente sea el psicológico en tanto en cuanto no deja de ser un psicópata. Sin embargo, la aproximación filosófica y/o sociológica arroja luz sobre una nota recurrente en el cine del director rumano a partir precisamente de Aurora: la denuncia de un presente enfermo que arroja a los individuos poco a poco a los brazos del fascismo. Lo explica claramente Puiu: «Un individuo que está atascado en su propia filosofía, que no es lo suficientemente flexible como para hacer concesiones, puede terminar matando a alguien, suicidándose o abandonando la vida en comunidad».

Hay una conexión obvia entre la personalidad de Viorel y la de ese hombre posmoderno que, según Lipovetsky, solo está pendiente de sus obsesiones y necesidades, convencido de que su forma de actuar es la correcta, que el mundo iría mejor si todos pensaran como él, que lo comunitario, lo civilizado, lo normativizado, en fin, asfixia la expresión individual de sus deseos. Los dos, Puiu y Lipovetsky, enfrentan al público cada uno a su manera con una paradoja que ayuda a entender buena parte del cine de autor contemporáneo europeo. A saber, que el individualismo produce a la vez indiferencia al otro y sensibilidad al dolor del otro. Viorel es consciente del valor de la vida, pero en su conducta ya no manda un sentido superior del orden ético o la moral. Prima una inclinación egoísta, se diría incluso infantil, vaciada de cualquier razonamiento o lógica, que le lleva a atender solo sus impulsos. Los asesinatos no solucionarán su fracaso vital, y él lo sabe, pero satisfacen un instinto primario de venganza que le produce placer. Viorel mata porque quiere y puede hacerlo, a la manera de ese superhombre nietzscheano que aspiraba a ser únicamente un Ello. Sin filtros.

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La fuerza silenciosa de la cineasta estadounidense Kelly Reichardt

Durante veintiséis años, Kelly Reichardt ha dibujado otra cartografía de los Estados Unidos. Del lado de las mujeres, las marginadas, las silenciosas. Encuentro con una discreta figura del cine independiente americano. 

Audacia y discreción. A su propio ritmo (siete largometrajes en veintiséis años), Kelly Reichardt traza un surco indeleble en el cine independiente estadounidense. Con presupuestos miserables y un gran arte de minimalismo, lidera una revolución silenciosa que desacredita mitos, subvierte códigos y cambia nuestra mirada.

Su última película, First Cow (2019), que llegará a los cines españoles a partir de noviembre de 2021, resume la singularidad de la directora. Es un western sin armas ni cuero cabelludo, cuya acción se desarrolla en la estación fría, cerca de un bosque de coníferas. En 1820, un inmigrante chino ambicioso y un cocinero judío amable vendieron galletas hechas con la leche que robaron de la vaca de un potentado local. Atrás quedaron los hornos del desierto, las cubiertas antipolvo y el formato CinemaScope: el sueño americano del éxito individual basado en el espíritu empresarial emerge en migajas en esta película de amistad pastoral sutilmente política.

Kelly Reichardt, de 57 años, ya había probado el western en 2010 con Meek's Cutoff. Pero, de nuevo, no hay conquista viril y gloriosa. Este “poema del desierto” estaba ligado a los gestos cotidianos y laboriosos de los pioneros y, sobre todo, a los de sus esposas. Certain Women: Vidas de mujer (Certain Women, 2016), las marginadas Wendy y Lucy (2008), las olvidadas por la gentrificación, Old Joy (2006)… tantas figuras invisibles que el cineasta mira y revela. "Hay una diferencia entre mostrar y dejar ver", afirma la directora.

Películas de la semana: 22 de octubre

Halloween Kills

Dirección: David Gordon Green. País: Estados Unidos. Año: 2021. Duración: 105 minutos. Género: Terror. Thriller. Slasher. Asesinos en serie. Halloween. Secuela. Interpretación: Jamie Lee Curtis, Judy Greer, Andi Matichak, Will Patton, Anthony Michael Hall, Thomas Mann, Nick Castle, James Jude Courtney, Kyle Richards, Robert Longstreet, Dylan Arnold, Stephanie McIntyre, Omar Dorsey, Charles Cyphers, Niko El Santo Zavero, Nancy Stephens, Jibrail Nantambu, J. Gaven Wilde, Brian F. Durkin, Salem Murphy. Guion: David Gordon Green, Danny McBride, Scott Teems. Personaje: John Carpenter, Debra Hill. Música: Cody Carpenter, John Carpenter, Daniel A. Davies. Fotografía: Michael Simmonds. Productora: Blumhouse Productions, Trancas International Films, Miramax, Rough House Pictures, Universal Pictures, Home Again Productions. Distribuidora: Universal Pictures. Estreno en España: 22 de octubre de 2021. Sinopsis: La noche de Halloween en la que Michael Myers regresa no ha acabado todavía. Minutos después de que Laurie Strode, su hija Karen y su nieta Allyson dejen encerrado y ardiendo a este monstruo enmascarado, Laurie se dirige rápidamente al hospital para tratar sus heridas, creyendo que todo ha terminado. Pero cuando Michael consigue liberarse, su ritual sangriento continúa. Mientras Laurie lidia con su dolor y se prepara para defenderse, sirve de inspiración para que todo Haddonfield se levante contra este monstruo imparable.

La crónica francesa (del Liberty, Kansas Evening Sun)

Título original: The French Dispatch (of the Liberty Kansas Evening Sun). Dirección: Wes Anderson. País: Estados Unidos. Año: 2021. Duración: 108 minutos. Género: Comedia. Drama. Romance. Periodismo. Interpretación: Benicio del Toro, Frances McDormand, Jeffrey Wright, Adrien Brody, Tilda Swinton, Timothée Chalamet, Léa Seydoux, Owen Wilson, Mathieu Amalric, Lyna Khoudri, Steve Park, Bill Murray, Saoirse Ronan, Willem Dafoe, Kate Winslet, Alex Lawther, Cécile De France, Henry Winkler, Elisabeth Moss, Christoph Waltz, Rupert Friend, Jason Schwartzman, Fisher Stevens, Sam Haygarth, Denis Menochet. Guion: Wes Anderson. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Robert D. Yeoman. Productora: Coproducción Estados Unidos-Alemania; American Empirical Pictures, Indian Paintbrush, Studio Babelsberg. Distribuidora: Searchlight Pictures. Estreno en España: 22 de octubre de 2021. Sinopsis: Una carta de amor al mundo del periodismo, ambientada en la redacción de un periódico estadounidense en una ciudad francesa ficticia del siglo XX, con tres historias interconectadas entre sí.

Supernova

Dirección: Harry Macqueen. País: Reino Unido. Año: 2020. Duración: 93 minutos. Género: Drama. Road Movie. Enfermedad. Alzheimer. Homosexualidad. Amistad. Interpretación: Colin Firth, Stanley Tucci, James Dreyfus, Pippa Haywood, Sarah Woodward, Tina Louise Owens, Julie Hannan, John Alan Roberts, Lori Campbell, Peter MacQueen. Guion: Harry Macqueen. Música: Keaton Henson. Fotografía: Dick Pope. Productora: BBC Films, British Film Institute, Quiddity Films, The Bureau. Distribuidora: Wanda Films. Estreno en España: 22 de octubre de 2021. Sinopsis: Segundo largometraje de ficción dirigido y escrito por Harry Macqueen que compitió en la Sección Oficial de la 68ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. 'Supernova' narra las últimas vacaciones de Sam (Colin Firth) y Tusker (Stanley Tucci). Son pareja desde hace 20 años, Sam es un pianista y concertista de reconocimiento internacional mientras que Tusker es un importante escritor, autor de varios best-sellers. Los dos deciden hacer un recorrido a través de Inglaterra con una autocaravana, con la que piensan recorrer los lugares en los que estuvieron en sus primeras citas, cuando se enamoraron, cuando decidieron convertirse en pareja, al igual que la antigua casa de verano de los padres de Sam, donde ahora vive su hermana y donde ella ha preparado una gran fiesta para cuando llegue la pareja. El motivo de que Sam y Tusker realicen el viaje no es otro que el de despedida. A Tusker le han diagnosticado demencia y su empeoramiento está siendo más acelerado de lo que ambos pensaban. La pareja sabe que este pueden ser sus últimas vacaciones como tal y buscan aprovechar el tiempo que les queda, pues eso es lo único que tienen antes de que Tusker deje de ser el hombre del que Sam se enamoró. Supernova busca ser un drama romántico sobre la realidad de aquellas parejas que llevan bastante tiempo viviendo juntas y que deben enfrentarse a adversidades inesperadas de la vida.

Entre rosas

Título original: La fine fleur. Dirección: Pierre Pinaud. País: Francia. Año: 2020. Duración: 95 minutos. Género: Comedia. Interpretación: Catherine Frot, Fatsah Bouyahmed, Olivier Breitman, Olivia Côte, Vincent Dedienne, Melan Omerta, Marie Petiot. Guion: Fadette Drouard, Philippe Le Guay, Pierre Pinaud. Música: Mathieu Lamboley. Fotografía: Guillaume Deffontaines. Productora: Auvergne Rhône-Alpes Cinéma, Estrella Productions, France 3 Cinéma. Distribuidora: BTeam Pictures. Estreno en España: 22 de octubre de 2021. Sinopsis: Entre rosas' nos presenta la historia de Eve Vernet, una mujer que fue en su momento la mayor productora de rosas, pero ahora está al borde de la bancarrota, amargada y a punto de ser comprada por un poderoso competidor. De pronto Véra, su fiel secretaria, toma la decisión de contratar a tres empleados sin conocimientos de jardinería, una idea tan loca como brillante y que podría cambiar para siempre sus vidas. Estas tres personas provienen de un programa especial de reinserción social y su ayuda será clave para evitar que un poderoso empresario que trabaja en el sector de jardinería se haga con su plantación de rosas. Entre todos ellos idearán un disparatado plan con el objetivo de cambiar el destino de este negocio familiar al que Eve Vernet le ha dedicado tantos años de su vida. El film trata sobre la búsqueda de la belleza, algo que en el caso de Eve justifica los años de dedicación que le ha destinado al cuidado de su campo de rosas.…

Quién lo impide

Dirección: Jonás Trueba. País: España. Año: 2021. Duración: 220 minutos. Género: Documental. Adolescencia. Interpretación: Documental, Candela Recio, Pablo Hoyos, Silvio Aguilar, Pablo Gavira, Claudia Navarro, Marta Casado, Rony-Michelle Pinzaru, Javier Sánchez. Guion: Jonás Trueba. Música: Rafael Berrio, Alberto González, Andrei Mazga, Pablo Gavira. Fotografía: Jonás Trueba. Productora: Los Ilusos Films. Distribuidora: Atalante Films. Estreno en España: 22 de octubre de 2021. Sinopsis: Quién lo impide es una llamada a transformar la percepción que tenemos sobre la adolescencia y la juventud; la de aquellos que nacieron a principios del siglo XXI y acaban de hacerse mayores de edad; los que ahora parecen culpables de todo a la vez que ven mermadas sus esperanzas. Entre el documental, la ficción y el puro registro testimonial, los jóvenes adolescentes se muestran tal y como son pero como pocas veces los vemos o nos dejan verlos: aprovechando la cámara de cine para mostrar lo mejor de sí mismos y devolvernos la confianza en el futuro; desde la fragilidad y la emoción, con humor, inteligencia, convicciones e ideas. Porque la juventud que nos habla de amor, amistad, política o educación no está hablando solo de lo suyo, sino de lo que nos importa siempre, a cualquier edad. Quién lo impide es una película sobre nosotros: sobre lo que fuimos, lo que somos y lo que seguiremos siendo.

Salvar el árbol 

Título original: ZUTIK!. Dirección: Iker Alvarez, Haizea Pastor. País: España. Año: 2021. Duración: 80 minutos. Género: Animación. Infantil. Reparto: Animación. Guion: Yurre Ugarte, Segundo Altolagirre, Fernando Salem, Matias Goldberg. Música: Silvia San Miguel. Fotografía: Animación. Productora: Coproducción España-México-Brasil; Baleuko, Polar Studio, Tortuga Studios. Distribuidora: Filmax. Estreno en España: 22 de octubre de 2021. Sinopsis: En un mundo global cada vez más alejado del entorno natural, aún hay quien cuenta historias sobre árboles, seres fantásticos con poderes que escapan a nuestra imaginación. Y con ellos, desde el mismo momento en que la semilla germina, un duende es su compañero inseparable, juntos crecerán, florecerán, sufrirán. Sus destinos quedan unidos para siempre. Nacen y mueren a la vez, o al menos es lo que cuentan las viejas leyendas pero, ¿qué ocurre con los árboles de ciudad? Ahora están en peligro. Los árboles se mueren y con ellos sus duendes. Sólo hay una forma de ayudarles… ¡SALVAR EL ÁRBOL!

Ron da error

Título original: Ron's Gone Wrong. Dirección: Alessandro Carloni, Jean-Philippe Vine. País: Reino Unido. Año: 2021. Duración: 106 minutos. Género: Animación. Comedia. Infantil. Robots. Reparto: Animación, Thomas Barbusca. Guion: Peter Baynham, Sarah Smith, Jean-Philippe Vine. Fotografía: Animación, David Peers. Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Locksmith Animation, 20th Century Fox Animation. Distribuidora: 20th Century Studios. Estreno en España: 22 de octubre de 2021. Sinopsis: Ambientada en un mundo donde los robots se han convertido en los mejores amigos de los niños, cuenta la historia de Barney, un niño de 11 años que descubre que su amigo robot no funciona del todo porque ha sido dañado durante el transporte para su entrega.

Reestrenos de la semana: 22 de octubre

El extraño viaje

Dirección: Fernando Fernán  Gómez. País: España. Año: 1964. Duración: 98 minutos. Género: Intriga. Drama. Comedia negra. Vida rural. Familia. Película de culto. Blanco y negro. Interpretación: Carlos Larrañaga, Tota Alba, Lina Canalejas, Jesús Franco, Rafaela Aparicio, Sara Lezana, María Luisa Ponte, Teresa Gisbert, Luis Marín, Goyo Lebrero, Luis Domínguez Luna, Cayetano Torregrosa, Rafael Alcántara, Xan das Bolas, Narciso Ojeda, Carola Fernán Gómez, Emilio Santiago, Joaquín Roa, José Villasante, Pilar Gómez Ferrer, Ángel Menéndez, Alfredo Díaz, Enrique Pelayo, Ricardo G. Lilló. Guion: Manuel Ruiz Castillo, Pedro Beltrán. Argumento: Luis García Berlanga. Música: Cristóbal Halffter. Fotografía: José Fernández Aguayo. Productora: Ízaro Films, Pro Artis Ibérica. Distribuidora: Divisa Home Entertainment. Reestreno en España: 22 de octubre de 2021. Sinopsis: En un pequeño pueblo de provincias, cercano a la capital, vive una familia compuesta por tres hermanos: la dominante y severa Ignacia y los tímidos y retraídos Paquita y Venancio. La monotonía de la vida del pueblo sólo se rompe los sábados cuando llega un conjunto musical de Madrid para amenizar con sus canciones el fin de semana. Un sábado de tormenta, Paquita y Venancio, que son muy miedosos, oyen ruidos y van buscando protección a la habitación de su hermana. Allí ven a alguien, pero Ignacia lo niega rotundamente. 

Efemérides de cine: Lady Frankenstein

El 22 de octubre de 1971 se estrenó la película italiana Lady Frankenstein (La figlia di Frankenstein), dirigida por Mel Welles, Aureliano Luppi e interpretada por Joseph Cotten, Rosalba Neri, Paul Muller, Herbert Fux, Renate Kasché,Lorenzo Terzon, Ada Pometti, Andrea Aureli, Joshua Sinclair, Richard Beardley, Petar Martinovitch, Adam Welles, Mickey Hargitay, Peter Whiteman. Productora: Condor International Productions. Duración: 93 minutos. 

Sinopsis argumental: El Barón Frankenstein y su hija tienen una cosa en común, pues ella también se dedica a crear monstruos, aunque por motivos distintos a los de su padre: que le proporcionen servicios sexuales.

Comentario: Película de terror a la italiana, que explota el filón del monstruo de Frankenstein, apoyándose en la presencia de una vieja gloria como Joseph Cotten. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: La tumba india: La misión del Yogi

El 22 de octubre de 1921 se estreno la película alemanaLa tumba india: La misión del Yogi (Das indische Grabmal: Die Sendung des Yoghi), dirigida por Joe May e interpretada por Olaf Fønss, Mia May, Conrad Veidt, Erna Morena, Bernhard Goetzke, Lya De Putti. Productora: May-Film. Duración: 120 minutos.

Sinopsis argumental: Primera parte de un film serial, en el que la esposa infiel de un cruel príncipe indio intenta escapar de su dominación.

Comentario: Todo empezó como casi siempre en el Lang alemán, con un texto en forma de novela o de guion escrito por quien sería su esposa desde 1922 hasta su partida de Alemania, Thea von Harbou. La tumba india se publicó por entregas en 1917 en la revista Berliner Illustriete y al poco tiempo se editó como novela. Tres años después, uno de los cineastas mas destacados del panorama alemán de la época, Joe May, compró los derechos y encargó a Lang y Von Harbou la adaptación, fue el primer trabajo del futuro tandem creativo de Los Nibelungos, Metrópolis y Spione, enre otros películas. Lang quería dirigir la película, en una etapa de su obra marcada por la fascinación por el serial y el exotismo geográfico - la saga de Las arañas (1919) - pero May se impuso y acabó realizando personalmente la película, dividida en dos partes -La tumba india: La misión del Yogi y La tumba india: El tigre de Esnapur- bajo el título general de La tumba india (Das Indische Grabmal, 1921). 

Efemérides de cine: El violinista en el tejado

El 21 de octubre de 1971 se estrenó la película estadounidense El violinista en el tejado (Fiddler on the Roof), dirigida por Norman Jewison e interpretada por Topol, Norma Crane, Leonard Frey, Molly Picon, Paul Mann, Rosalind Harris, Michele Marsh, Neva Small, Paul Michael Glaser, Raymond Lovelock. Productora: United Artists, The Mirisch Corporation. Duración: 181 minutos. 

Sinopsis argumental: Teyve, el lechero de un pueblo ucraniano, vive feliz con su esposa y sus cinco hijas, todas ellas solteras. Una tarde, mientras hace el reparto, conoce a Perchick, un pobre estudiante de Kiev con ideales revolucionarios. Los dos simpatizan, y Teyve le ofrece casa y comida a cambio de que le dé clases a una de sus hijas. Al mismo tiempo, Lazar Wolf, un rudo carnicero que se ha quedado viudo, pide a Teyve la mano de su hija mayor.

Nominaciones y premios: 3 Oscar: Mejor fotografía, sonido, banda sonora adaptada. 8 nominaciones; Globos de Oro: Mejor película - comedia o musical y actor (Topol). 4 nominaciones; Premios BAFTA: Nominada a mejor banda sonora, fotografía y montaje; Premios David di Donatello: Mejor actor extranjero (Topol); Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión adaptado comedia.

Comentario: Adaptación del musical que se estrenó en 1964 y que se convirtió en el de más larga duración de la historia de Broadway. Los derechos para hacer la película fueron adquiridos cuatro años más tarde y con un coste de producción de 9 millones de dólares reportó más de 40 a la United Artists al final de su presencia en cartelera. El guionista de esta historia se basó en una colección de narraciones cortas escritas por Sholom Aleichem, un genio literario ucraniano. Para protagonizar la película se eligió a Topol, un poco conocido actor israelí cuya mejor carta de presentación era la de haber protagonizado la obra en los escenarios de Londres. La cinta ganó 3 Oscar: mejor fotografía, sonido y música; y algunas de sus canciones, como Si yo fuera rico, se hicieron muy populares.

Efemérides de cine: Le seguían llamando Trinidad

El 21 de octubre de 1971 se estrenó la película italiana Le seguían llamando Trinidad (...continuavano a chiamarlo Trinità), dirigida por Enzo Barboni e interpretada por Terence Hill, Bud Spencer, Yanti Somer, Enzo Tarascio, Harry Carey Jr., Pupo De Luca, Jessica Dublin, Dana Ghia, Emilio Delle Piane, Enzo Fiermonte, Tony Norton. Productora: West Film. Duración: 127 minutos. 

Sinopsis argumental: A Trinidad y a su hermano "El Niño" no les sale nada bien. Su último golpe, el asalto a una diligencia, resulta un fracaso total por no llevar nadie dinero encima. El azar les lleva entonces a un pueblo en el que la gente les toma por "Rangers". Allí les tratan como a príncipes pero a cambio deben poner a raya a una banda de forajidos que tienen al pueblo atemorizado. La situación se complica cuando aparecen los verdaderos "Rangers".

Comentario: Secuela de la exitosa Le llamaban Trinidad, dirigida y protagonizada por el trío responsable de la primera entrega: E.B. Clucher, Mario Girotti y Carlo Pedersoli (o, lo que es lo mismo, Enzo Barboni, Terence Hill y Bud Spencer). La cinta repite exactamente la misma fórmula que la primera entrega, es decir: tono paródico, peleas cómicas y sal gorda a granel. Consecuentemente, el éxito de taquilla volvió a ser de aúpa. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Con “BAC Nord: Brigada de Investigación Criminal” y “Cajas oscuras”, los thrillers franceses son un éxito

Dos millones de espectadores para el primero, más de uno en un mes para el segundo. En los cines, las películas de Cédric Jimenez y Yann Gozlan atraen multitudes, mientras que estas películas de género "made in France" estaban hasta ahora bastante descuidadas. Pequeño punto en los grandes éxitos.

Con ellos, el negro cobra color. Lanzadas con solo tres semanas de diferencia, dos películas de género francés están alcanzando altas cotas de taquilla. El primero, BAC Nord: Brigada de Investigación Criminal (BAC Nord, 2021), de Cédric Jimenez, acaba de superar a Asuntos pendientes (36 quai des Orfèvres, 2004), de Olivier Marchal, un thriller de referencia de la década de 2000 que ha cosechado 2,09 millones de espectadores. El fenómeno BAC Nord: Brigada de Investigación Criminal permite al director superar con creces la puntuación de Conexión Marsella (La French, 2014), su anterior largometraje (1,5 millones de entradas).

En un registro más thriller, Cajas oscuras (Black Box, 2020), de Yann Gozlan, con Pierre Niney, acaba de superar el millón de entradas en menos de cinco semanas, impulsada por un boca a boca excepcional. A menudo centrado en comedias populares, para llenar las rejillas de los canales de televisión que las producen, y en películas de autor, más apoyadas por ayudas selectivas del CNC (Centro Nacional de Cinematografía), el cine francés luchó, estos últimos años, por movilizar al público. en las llamadas películas de "género".

Frente al gran formato

Sin embargo, el thriller francés pertenece a una larga tradición, desde la década de 1940 hasta la de 1980, que llenó las salas de cine, desde Henri-Georges Clouzot -En legítima defensa (Quai des Orfèvres, 1947)-, hasta Georges Lautner -El profesional (Le Professionnel, 1981), incluido Henri Verneuil, El clan de los sicilianos (Le clan des siciliens, 1969); Jacques Becker, No toquéis la pasta (Touchez pas au grisbi, 1954) o Jean-Pierre Melville, Círculo rojo (Le Cercle rouge, 1970). Si Los ríos de color púrpura (Les rivières pourpres, 2000) y luego las películas de Olivier Marchal lograron relanzar el género a principios de la década de 2000, con muy buenos resultados de taquilla, la de 2010 resultó ser más anodina.

Frente a estos peces gordos, algunas novedades estrenadas el 13 de octubre han salido bien. Eiffel (2021), de Martin Bourboulon, el romance con Romain Duris y Emma Mackey, logra así 343.000 espectadores al final de su primer fin de semana en 685 cines. Este es sin duda el cuarto mejor comienzo de año para una película francesa, pero necesitará el boca a boca para amortizar su considerable presupuesto de 23 millones de euros. Por su parte, la excelente La peor persona del mundo (Verdens verste menneske, 2021), coproducción franco-noruega-danesa, dirigida por Joachim Trier, que ganó el premio de mejor actriz en Cannes para Renate Reinsve, es una grata sorpresa, con 53.000 espectadores en la primera semana en solo 144 cines. Y esto acaba de empezar...

Noticias de libro: The James Bond Archives

The James Bond Archives

“No Time To Die” Editions

Paul Duncan

Taschen

2021

648 págs.

Mezclado, no agitado

La crónica más completa de la saga James Bond

“Bond, James Bond.” Desde que James Bond pronunciara aquellas ya míticas palabras en 1962, el agente secreto más galante de la historia del cine no ha dejado de apasionar y conquistar a espectadores de todo el mundo. Creado por el novelista inglés Ian Fleming, el siempre impecable espía británico ha protagonizado 25 películas producidas por EON y su personaje ha sido interpretado por seis actores diferentes a lo largo de cinco décadas.

EON Productions puso a disposición del editor Paul Duncan los archivos de la serie: fotografías, diseños, storyboards, materiales de producción... Duncan pasó dos años examinando más de un millón de imágenes y 100 archivadores repletos de documentación. El resultado de su esfuerzo es la más completa crónica de la serie: se abordan todas las películas de James Bond, desde Agente 007 contra el doctor No (1962) hasta Sin tiempo para morir (2021), sin olvidar la paródica Casino Royale (1967) ni Nunca digas nunca jamás (1983).

Las abundantes fotografías, diseños del plató, storyboards y memorandos de producción inéditos se complementan con una historia oral contada por más de 150 miembros del reparto y del equipo de producción. De productores a dobles, pasando por directores y diseñadores de producción, estos relatos personales cuentan la verdadera historia del rodaje de las películas de James Bond y ofrecen información privilegiada sobre las personalidades y los procesos tras la franquicia más longeva y de mayor éxito de la historia del cine. Este libro constituye un completísimo homenaje a la leyenda de James Bond.

La edición actualizada incluye fotografías exclusivas y nuevas entrevistas a Daniel Craig, al director Cary Fukunaga, a los productores Michael G. Wilson y Barbara Broccoli, y a muchos otros, y cuenta con detalle cómo se rodó la emocionante Sin tiempo para morir.

Elaborado con acceso sin restricciones a los archivos de Bond, este libro en formato XXL relata la historia de James Bond en palabras e imágenes

Entre las 1.100 imágenes figuran fotogramas, fotos en plató, memorandos, documentos, guiones ilustrados, carteles y diseños inéditos, además de conceptos y diseños alternativos que acabaron descartándose

Incluye, además, anécdotas entre bambalinas narradas en primera persona por productores, directores, actores, guionistas, diseñadores de producción, técnicos en efectos especiales y otros miembros del equipo

Repasa todas las películas Bond desde Agente 007 contra el Dr. No hasta Sin tiempo para morir

Pronto también disponible en dos Ediciones de Arte

Sobre el editor

Paul Duncan es un historiador de cine cuyos títulos para TASCHEN incluyen The James Bond Archives, The Charlie Chaplin Archives, The Godfather Family Album, Taxi Driver, Film Noir y Horror Cinema, además de libros sobre directores de cine, géneros cinematográficos, estrellas de la gran pantalla y carteles de películas.

Efemérides de cine: Women in Cages

El 20 de octubre de 1971 se estrenó la película estadounidense Women in Cages, dirigida por Gerardo de Leon con Pam Grier, Roberta Collins, Jennifer Gan, Judith Brown, Bernard Bonnin, Charlie Davao, Johnny Long, Holly Anders. Productora: Coproducción Estados Unidos-Filipinas; Balatbat Productions, New World Pictures. Duración: 78 minutos. 

Sinopsis argumental: Una ingenua mujer norteamericana, engañada por su novio traficante de drogas, deberá permanecer diez años en prisión en las Filipinas. Allí las condiciones son muy duras, sufriendo el sadismo de las guardias y varios atentados contra su vida. Por eso convence a sus compañeras de celda para tratar de escapar a través de la selva.

Comentario :El personaje Alabama en Amor a quemarropa (True Romance, 1993) recibió su nombre del personaje de Pam Grier de esta película. En el guión original, Clarence incluso menciona que el nombre suena como un personaje de Pam Grier.

Hace 100 años: Lady Hamilton

El 20 de octubre de 1921 se estrenó la película alemana Lady Hamilton, dirigida por Richard Oswald e interpretada por Liane Haid, Conrad Veidt, Werner Krauss, Reinhold Schünzel, Else Heims, Anton Pointner, Julia Serda, Georg Alexander, Paul Bildt, Theodor Loos, Hans Heinrich von Twardowski, Gertrude Welcker, Adele Sandrock, Kathe Oswald, Celly de Rheydt, Hugo Döblin, Heinrich George, Friedrich Kühne, Louis Ralph, Ilka Grüning, Claire Krona, Max Adalbert, Max Gülstorff, Hans Stürm, Rudolf Meinhard-Jünger, Carl Geppert, Adolf Klein, Karl Platen, Georg John, Karl Römer, Clementine Plessner. Productora: Richard-Oswald-Produktion. 

Sinopsis argumental: La dramática historia del ascenso y caída de Lady Hamilton en la sociedad europea durante la década final del siglo XVIII y principios del siglo XIX, incluida la romántica historia de amor con Lord Nelson.

Comentario: Se basó en dos novelas de Heinrich Vollrath Schumacher. Existe una copia de la película en un archivo cinematográfico ruso.

La Femme et le Pantin: cuatro adaptaciones, cuatro formas de manipulación (I)

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- La mujer y el pelele (La Femme et le Pantin, 1929): la versión más fiel (y la más desconocida)

Sin estrella: esta es la primera buena idea de Jacques de Baroncelli, director olvidado hace mucho tiempo. Para interpretar a la heroína, elige a un extraño de 17 años, con un seudónimo exótico (¡Conchita Montenegro!), Pero con una silueta frágil, un rostro risueño e infantil, recuerda el de la actriz quebequense Geneviève Bujold . Segunda buena idea: no ridiculiza a ninguno de los duelistas. Si hoy nos da un poco de vergüenza algunas exageraciones debidas al mudo (se ríe un poco con demasiada frecuencia, echando la cabeza hacia atrás, mirándola demasiado tiempo con una mirada dura y viril), la lucha entre ellos, es equilibrada. Esta mujer y este títere son tan mortíferos como el otro, casi Baudelaire ("Yo soy la herida y el cuchillo/Y la víctima y el verdugo"). Están en pie de igualdad hasta el último episodio que solo consolida su infierno juntos. En esta película, de repente nos acercamos mucho al Bergman de las escenas de la vida matrimonial.

El cine mudo obliga, ella se ríe con demasiada frecuencia, él la mira fijamente durante demasiado tiempo. Pero están en pie de igualdad. La mujer y el pelele (1929) de Jacques de Baroncelli

- Ese oscuro objeto del deseo (Cet obscur objet du désir, 1977: la versión más libre (y la más exitosa ...)

Todo sale mal, como siempre, en Buñuel. Francia y España explotan, en el verdadero sentido del término: ataques a París y Madrid, tramados por movimientos inesperados, como Garej, el “Grupo del ejército revolucionario del Niño Jesús”. Los ratones trotan por los lujosos apartamentos antes de que los homosexuales los agarren. Las moscas se ahogan en cócteles en restaurantes elegantes. El propio héroe (Fernando Rey) parece totalmente fuera de lugar. Él es siempre un juguete de mujer, pero ella está duplicada en su mente y ante nuestros ojos: a veces menuda, morena y risueña, a veces esbelta y gélida, a la Greta Garbo. Cuando una (Ángela Molina) entra a un baño, es la otra (Carole Bouquet) que surge ante él. Una forma para que el cineasta ironice sobre la ilusión que empuja a los hombres a confundir sus pasiones con la imagen que tienen de ellos. De repente, la novela de Pierre Louÿs es bastante eufórica...

En Ese oscuro objeto del deseo (1977), lectura de la novela de Pierre Louÿs de Luis Buñuel, Fernando Rey es el juguete de Carole Bouquet y de Angela Molina

La Femme et le Pantin: cuatro adaptaciones, cuatro formas de manipulación (I)

Duvivier, Buñuel, von Stenberg y de Baroncelli, todos han adaptado la célebre novela de Pierre Louÿs. Cada uno a su manera, más o menos  maquiavélica, más o menos dolorosa. La oportunidad de descubrir estas cuatro películas ... y todos sus entresijos.

Pathé acaba de reeditar en DVD y Blu-ray dos versiones alrededor de La mujer y el pelele (La Femme et le Pantin). La película de Jacques de Baroncelli, de 1928 –por supuesto, muda-. La de Julien Duvivier, rodada en 1958, con Brigitte Bardot. La novela de Pierre Louÿs (1870-1925), cuyo éxito nunca ha disminuido desde su publicación en 1898, cuenta la historia de un hombre que se convierte en el juguete de una mujer particularmente malvada. ¿Cuál de las muchas adaptaciones cinematográficas es la mejor? ¿Y la peor?

- El diablo era mujer (The Devil Is a Woman, 1935): la versión más extravagante (y más fallida)

Se debe, curiosamente, a uno de los más grandes cineastas del mundo, Josef von Sternberg. Encontramos, por supuesto, al principio, su habitual opulencia visual: increíbles secuencias de carnaval, donde juerguistas enmascarados, como salidos de un cuadro de Goya, se mueven, rodeados de racimos de confeti y serpentinas... En ese momento, ¡ay!, el cineasta sufre los mismos tormentos que su héroe: Marlene Dietrich, su musa, su creación, se aleja cada vez más. Ella lo traiciona, lo engaña y él la va a hacer pagar por ello. En lugar de deificarla, como en el Agente X27, Marruecos o La Emperatriz Roja, la hace común, vulgar. Lo pone feo (es difícil, pero lo hace). Incluso los absurdos atuendos con los que siempre la adornó se convierten, aquí, en bufonadass. Y la dirige, a propósito, no es posible de la peor manera. Resultado: Marlene sonríe, pone los ojos en blanco y habla falsamente. Es ridícula... La victoria total de Sternberg, entonces, pero al estilo pírrico: nadie puede creer, ni por un momento, que un hombre, incluso enfermo de amor, esté siendo humillado por una idiota así. La película es un fracaso total.

En El diablo era mujer (1935), de Josef von Sternberg, es imposible cree que Marlene Dietrich puede hechizar a Cesar Romero.

- La femme et le pantin (Femmina) (1959): la versión más neutra (y la más infiel)

Para este remake, Luis Buñuel es contactado por la productora Christine Gouze-Renal. Pero él se niega rotundamente, -¡está equivocado!- a  que actúe Bardot… Lo que un Julien Duvivier acepta de buen grado al final de su carrera (sólo rodará una película realmente válida: Marie-October, el mismo año). Muy feliz de rodar en color por primera vez, el director de La belle équipe (1936) se lo está pasando en grande, jugando hábilmente con el rojo y el oro que, por supuesto, acentúan el cabello de su estrella... Como el sadomasoquismo de los dos héroes no lo interesa realmente, le interesan (ya lo ha tratado, mejor, en Panic, en 1946), le apasionan los papeles secundarios: un novelista (Jacques Mauclair) exiliado en España por su conducta durante la Ocupación (doble de Louis-Ferdinand Céline), un flamenco bailarina de gloria empañada (Lila Kedrova), un jefe de revista machista pero impotente (Dario Moreno)... Bardot está sola. Ciertamente, Marcel Achard le escribió unas lindas líneas: "Puedes irte a la cama sin arrodillarte" o "Sus ojos eran del color de su anillo". - ¿Qué era ese anillo? - ¡Un rubí! »… Pero ella está sola. Sola pero imperial: recta, arqueada, majestuosa, recorre las calles de Sevilla y Cádiz con su andar de bailarina, hasta un desenlace tranquilizador, completamente contrario al espíritu de Pierre Louÿs.

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El cine de Cristi Puiu (VII)

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De nuevo, un tiempo inconcreto –la acción transcurre en 2004 pero podría hacerlo en 1984– sirve de marco brumoso a un Puiu más metafórico de lo que a él le gustaría, es probable, pero tan brillante como despiadado en la tarea de retratar un país en descomposición. Se suele apuntar a Kafka y Ionesco como influencias literarias en la escritura del guion, pues el itinerario del pobre señor Lazarescu remite claramente a las convenciones narrativas del absurdo; y, es cierto, Lazarescu parece un personaje de El castillo o Las sillas. El quid de la cuestión, y aquí volvemos al tema de las metáforas visuales, es que tanto Kafka como Ionesco utilizaron el absurdo para denotar algunas problemáticas de su presente histórico, y Puiu les sigue en ese empeño siquiera de manera inconsciente. El fondo es la forma. A través del derrumbe físico y psicológico de su protagonista, La muerte del señor Lazarescu se erige en parábola lacerante sobre el declive de una nación enferma que se resiste a reconocer sus patologías. Se muere Lazarescu, y se muere Rumanía, porque nadie atiende las señales de la enfermedad.

Y son muchas. La más representativa, la ruptura de la solidaridad obrera que se desarrolla a lo largo del metraje. Los vecinos del señor Lazarescu, pese a ser tan miserables como él, habitantes todos de un ruinoso bloque de viviendas estatales, ponen distancia frente al dolor de su amigo. Tomándole por un simple borracho, ironizan acerca de sus dolencias, critican el estado de sus ropas y de su piso, y muestran asco y aborrecimiento ante los signos físicos de su malestar. Solo quieren que llegue la ambulancia y se lo lleve cuanto antes, como si la pobreza fuera algo ajeno a sus vidas. El espectador asiste posteriormente a una ridícula y a la vez lamentable guerra de clases entre el personal médico de los hospitales y la pareja de enfermeros que traslada al señor Lazarescu de centro en centro. Importa más la jerarquía y el estatus en la escala sanitaria que el sentido común, incluso si eso conlleva la desatención a un paciente. Llamadas, papeleo, protocolos… La vida se ahoga en un trámite sin fin.

Al anciano Lazarescu se lo traga ese agujero negro social, administrativo y burocrático que condena a cualquier individuo a ser un número, un código de barras. La única defensa del protagonista frente a esta incomprensión generalizada consiste en repetir incansablemente su nombre completo, Dante Remus Lazarescu, a todo aquel que se lo pregunta. Se trata de una oración por su supervivencia. Por esta razón al final de la película, el señor Lazarescu, incapaz ya de pronunciarlo, se convierte en un ser inerme y desahuciado. Su persona se reduce a un cuerpo desnudo, su alma desaparece, y los gusanos reclaman el botín.

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Efemérides de cine: Secret Rites

El 17 de octubre de 1971 se estrenó la película británica Secret Rites, dirigida por Derek Ford con Penny Beeching, Shirley Harmer, Lee Peters, Alex Sanders, Jane Spearing, Maxine Sanders. Productora: Meadway International Productions. Duración: 47 minutos.

Sinopsis argumental: Falso documental sobre magia negra. Se trata del estudio de la brujería y la magia negra, con una rara aparición del ocultista de la vida real Alex Sanders. 

Comentario: El "auténtico" aquelarre fue filmado en los estudios Film House, en Wardour Street en Londres. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Yves Montand: las diez películas imprescindibles de un actor destacado (II)

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6.- Delirios de grandeza (La folie des grandeurs, 1971), de Gérard Oury

Disparata comedia de vodevil, ideal para el cómico francés Louis de Funès, ambientada en la España del siglo XVII. El protagonista es un ministro del rey de España que también ejerce como recaudador de impuestos. Cuando es pescado robando de ese dinero cae en desgracia. Pero espera contar con la ayuda de su criado, al que hace pasar por un noble de alta alcurnia, para recuperar el favor del monarca. Además intriga para que la reina sea sorprendida en flagrante adulterio, y que su denuncia previa le sirva en su afán de recuperar la posición de antaño. Se trata de una divertidísima coproducción entre Francia, España, Italia y Alemania, donde Funés se encuentra en su salsa haciendo todo tipo de muecas y juegos de palabras; y su colaboración con Yves Montand resulta muy inspirada. La película cuenta con algunos actores españoles, e incluso nobles como Don Jaime de Mora y Aragón.

7.- Estado de sitio (État de siège, 1972), de Costa-Gavras

Costa Gavras es uno de los directores más internacionales y carismáticos del panorama fílmico europeo. En 1983 obtuvo un Oscar por Desaparecido. Costa Gavras es el responsable del filme que nos ocupa, Estado de sitio, una cinta que critica tanto la lucha armada de los tupamaros como los indecentes métodos del gobierno norteamericano en la represión en América Latina. Gavras vuelve a contar para protagonizar la película con Yves Montand, que coincidieron en Z y El manantial de las colinas, entre otras. Una vez más, Gavras partió de un hecho real; el secuestro y asesinato del agente de la CIA Mitrione el 10 de agosto de 1970. La figura de un periodista independiente y respetado (homenaje a Carlos Quijano) actúa como hilo conductor de la investigación. Una curiosidad, la cinta le costó a Gavras una nueva denuncia por anti-Americanismo.

8.- I... como Ícaro (I... comme Icare, 1979), de Henri Verneuil

Luego del asesinato del presidente de un país ficticio, uno de los miembros del comité investigativo (protagonizado por el actor Ives Montand) se rehúsa a firmar el informe final y, en su condición de fiscal general, decide reabrir el caso. En el curso de su indagación se ve confrontado con el famoso experimento sobre la obediencia a la autoridad, creado por Stanley Milgram.

9.- La decisión de las armas, también conocida como La elección de las armas, (Le choix des armes, 1981), de Alain Corneau

Laa película del director francés Alain Corneau, cuenta con dos de los actores más , quienes ya habían coincidido, un año antes, en la película de François Truffaut El último metro (Le dernier métro, 1980). Yves Montand está soberbio interpretando a un hombre tranquilo que viven en una granja con su esposa. 

10.- El manantial de las colinas (Jean de Florette, 1986), de Claude Berri

Película francesa realizada por Claude Berri, que está basada en la novela, publicada en dos partes, de Marcel Pagnol. La pareja protagonista está interpretada por Gérard Depardieu y Elisabeth Depardieu, que eran matrimonio en aquel entonces. Ambos están bien apoyados por Yves Montand y un Daniel Auteuil, que ganó el César al mejor actor, gracias a su personaje de Ugolin. La versión de Claude Berri tiene una secuela también titulada La venganza de Manon (Manon des sources, 1986), dirigida por el mismo. 

Los primeros papeles de las estrellas en las películas de terror (I)

Brad Pitt en Clase sangrienta (Cutting Class, 1989), dirigida por Rospo Pallenberg. La película fue su primer papel importante.

Efemérides de cine: Dr. Jekyll y su hermana Hyde

El 17 de octubre de 1971 se estrenó la película británica Dr. Jekyll y su hermana Hyde (Dr. Jekyll and Sister Hyde), dirigida por Roy Ward Baker e interpretada por Ralph Bates, Martine Beswick, Gerald Sim, Lewis Fiander, Dorothy Alison, Susan Brodick, Ivor Dean, Tony Calvin, Paul Whitsun-Jones, Philip Madoc. Productora: Hammer Productions. Duración: 97 minutos. 

Sinopsis argumental: El Dr. Jekyll experimenta en mujeres recién fallecidas, determinado a descubrir un elixir para la inmortalidad. En sus investigaciones, fabrica un brebaje que le convierte en una hermosa mujer, que se hace pasar por su hermana Hyde, y que se dedica a asesinar mujeres jóvenes para, de ese modo, poder continuar sus investigaciones como Jekyll. Sin embargo, con cada transformación, la hermana Hyde se convierte en la personalidad más dominante, dispuesta a suprimir al Dr. Jekyll para siempre.

Comentario: Basada en la novela El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde por Robert Louis Stevenson.La película es notable por mostrar a Jekyll transformándose en una mujer; también incorpora en su guion aspectos de Jack el Destripador y el caso de los asesinatos de Burke y Hare. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: The French Connection. Contra el imperio de la droga

El 17 de octubre de 1971 se estrenó la película estadounidense The French Connection. Contra el imperio de la droga (The French Connection), dirigida por William Friedkin e interpretada por Gene Hackman, Roy Scheider, Fernando Rey, Tony Lo Bianco, Marcel Bozzuffi, Frédéric de Pasquale, Bill Hickman, Ann Rebbot, Harold Gary, Arlene Farber, Eddie Egan, André Ernotte, Sonny Grosso, Ben Marino. Productora: 20th Century Fox, D'Antoni Productions. Duración: 104 minutos. 

Sinopsis argumental: Jimmy Doyle y Buddy Rosso son dos policías neoyorquinos que siguen la pista de una red de traficantes de drogas. El primero, que confía en su olfato, sospecha que una confitería de Brooklyn está implicada y convence a su jefe para intervenir la línea telefónica. Poco después, Doyle y sus hombres siguen al dueño de la confitería, que los conduce hasta Nicoly y Charnier, dos franceses que acaban de llegar a Estados Unidos. 

Nominaciones y premios: 5 Oscar: Película, director, actor (Hackman), guión adaptado y montaje. 8 nominaciones; 3 Globos de Oro, incluyendo mejor película - drama. 4 nominaciones; Premios BAFTA: Mejor actor (Hackman) y montaje. 5 nominaciones; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Hackman). 2 nominaciones; Sindicato de Directores (DGA): Mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión adaptado drama; Premios David di Donatello: Mejor film extranjero.

Comentario: Adaptación de la novela homónima que Robin Moore escribió a raíz del caso ‘Fuega’. En 1961, Nueva York fue el escenario de una de las mayores redadas antidroga de la historia de la ciudad. Gracias a la actuación de dos detectives, el capo mafioso Fuega fue detenido como principal responsable del tráfico ilegal de 50 kilos de heroína, que había introducido en el país gracias a sus contactos con el mundo del hampa en Francia, conocidos popularmente como ‘la conexión francesa’. Dirigida por William Friedkin, la cinta se convirtió rápidamente en un éxito, consiguiendo 5 Oscar en 1972: Mejor película, director, actor (Gene Hackman), guión adaptado y montaje. A destacar también la intervención del actor español Fernando Rey, dando vida a un escurridizo traficante marsellés. La cinta dio pie a una secuela, con Hackman y Rey repitiendo sus personajes. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

El cine de Cristi Puiu (VI)

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El director se reserva para el final las dos escenas que representan mejor la intención primordial de su cine: «Si una película no se convierte en una pregunta, está mal planteada porque entonces intenta manipular. Cuando Ovidiu contempla los cuerpos muertos de sus perseguidores comprende a lo que ha estado jugando durante todo el día; es un niño en un mundo de hombres violentos. Este abrupto fin de su inocencia tiene un corolario magistral cuando su madre le sirve para cenar un plato de patatas fritas que han sobrado de la comida. Ovidiu sueña con superar la pobreza de su hogar y llegar a donde no lo hicieron sus padres. Hasta ese momento, que nunca llegará porque el viaje resulta un fracaso, es solo un chaval que come sobras. ¿Es eso a lo que está abocada Rumania?

Puiu ha manifestado en varias ocasiones su rechazo a las metáforas en el cine. «No tiene sentido fabricar metáforas. Los signos y las señales están por todas partes. Todo está ahí, solo tienes que abrir los ojos». Es este un asunto complejo y discutible, porque cuestiona la que quizá sea la característica esencial de las imágenes; su capacidad, aun no premeditada, para sugerir y señalar lo que no se ve, o lo que se ve de manera indirecta. En otras palabras, el realismo no existe. Cualquier imagen es, por su propia naturaleza, poética. Berger (2016) lo describió inmejorablemente cuando afirmó que detrás de cada imagen se esconde el fantasma de otra imagen. Según él, no se trata solo de localizar los referentes icónicos de una imagen, como si fuera un juego, sino de rascar su superficie hasta encontrar la verdad enterrada en ellas. De modo que, lo quiera o no, Puiu fabrica también metáforas, y una de las más potentes en su filmografía es La muerte del señor Lazarescu. Al fin y al cabo, en su tesis doctoral propone precisamente un cruce de caminos entre el realismo y la poesía.

Crónica implacable de un desahucio vital, la película narra el periplo de un hombre mayor (Ion Fiscuteanu) por hasta tres hospitales de Bucarest, durante una noche de perros, que se queja de varios síntomas en la cabeza y el abdomen. Su afición a la bebida provoca que nadie le tome en serio, ni vecinos ni médicos, hasta que los síntomas se agravan y revelan varias enfermedades potencialmente mortales. Solo una enfermera se mantiene a su lado hasta el final, confiando en la palabra de un individuo que se está muriendo sin saberlo. La crudeza y el verismo de las imágenes confieren a la cinta el distintivo tono documental del cine de Puiu. Sin embargo, la historia se presenta desde el principio como una excusa para describir en segundo plano la desintegración del régimen comunista en la Rumanía de finales del siglo XX y principios del XXI. Si Bienes y dinero ofrece una visión de esa época por parte de una juventud desnortada, La muerte del señor Lazarescu decanta la mirada de los padres y abuelos que conocieron el auge y caída de Ceaucescu.

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Las mujeres Bond a través de los años (V)

Maud Adams y Roger Moore en El hombre de la pistola de oro (The Man with the Golden Gun, 1974), de Guy Hamilton

El cine de Cristi Puiu (V)

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Hay documentados dos cortometrajes dirigidos por Puiu en su época de estudiante. Uno es Before Breakfast (1995), que fue seleccionado para el Festival de Locarno de ese año, y el otro es 25.12. Bucharest, North Railway Station (Romanian: Gara București Nord, 1996), por el que recibió un diploma de reconocimiento en la Escuela Superior de Artes Visuales de Ginebra. Hoy por desgracia ilocalizables, se puede suponer no obstante que el director ensayó en ambas piezas algunas de las características temáticas y formales que se encuentran en su ópera prima, Bienes y dinero (Marfa si banii, 2001). Puiu dirigió la película sin apenas ayuda del gobierno rumano, ya que por entonces era un autor desconocido que acababa de regresar de Suiza. No le fue mejor con sus compatriotas tras el estreno de la película , dado que la historia retrata un país empobrecido y azotado por las mafias, el mercado negro y la especulación. Planea en las imágenes esa sensación de caos y deriva habituales en el cine producido en los países de Europa del Este después de la caída de los regímenes comunistas.

Bienes y dinero (Marfa si banii, 2001)

La nominación en Cannes a mejor ópera prima cambió para siempre la suerte de la película y la de Puiu, abriendo además la puerta a la nueva ola de cine rumano que se consolidó años más tarde gracias a los éxitos de La muerte del señor Lazarescu (Moartea domnului Lazarescu, 2005), de Cristi Puiu;  12:08 al este de Bucarest (A fost sau n-a fost?, 2006), de Corneliu Porumboiu; Cómo celebré el fin del mundo (Cum mi-am petrecut sfarsitul lumii, 2006), de Catalin Mitulescu); El papel será azul (Hartia va fi albastra, 2006), de Radu Muntean; 4 meses, tres semanas, dos días (4 luni, 3 saptamini si 2 zile, 2007), de Cristian Mungiu y California Dreamin', (2007), de de Cristian Nemescu. El debut de Puiu alumbró por tanto la estancia a oscuras donde se guardaban los deseos y frustraciones de una generación de cineastas que había soportado primero la dictadura de Ceaucescu y luego la depresión económica y social que trajo consigo la entrada descontrolada del capitalismo en Rumanía. De todo ello se hace eco directa o indirectamente Bienes y dinero, relato breve y conciso que acompaña a tres jóvenes (dos chicos y una chica) durante un viaje a Bucarest con el propósito de entregar una bolsa llena de supuestos medicamentos. Ovidiu (Alexandru Papadopol) sueña con abrir su propio negocio, y está convencido de que este sencillo encargo le procurará fácilmente el dinero que necesita para ello.

Bienes y dinero (Marfa si banii, 2001)

El viaje es una excusa –siempre lo es en ficción– para retratar una nación deprimida, anclada en un tiempo inconcreto, en la que conviven los vestigios del comunismo con la falsa ilusión de prosperidad que promete el dinero rápido. Puiu, cineasta que se olvida pronto de los argumentos, se centra en mostrar en cada escena esa tensión, construida modélicamente a partir del contraste entre el paisaje físico y material –todo es feo y viejo– y la ambición inconsciente del trío protagonista. En ese abismo que separa la realidad de la fantasía se mueve como un personaje más la cámara en mano del director, que aquí muestra por primera y última vez en su cine una versión más libre y salvaje de su estilo naturalista. También, y es importante destacarlo, un buen conocimiento de las claves del thriller gansteril lumpen y la aventura de iniciación. Puiu podría haber sido un sólido director de género, no cabe duda, pero su singularidad le condujo felizmente a imbricar la ortodoxia en un lenguaje experimental.

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