sábado, 18 de mayo de 2024

Festival de Cannes 2024: Hemos clasificado todas las películas de Francis Ford Coppola (I)

Con motivo del regreso del cineasta a Cannes con la faraónica Megalópolis, repasamos la filmografía de Coppola e intentamos clasificar todos sus largometrajes. Entonces, ¿qué película ocupa la primera posición?
A sus 85 años, Francis Ford Coppola es el veterano de la 77ª edición del Festival de Cannes, candidato a una tercera Palma de Oro con Megalopolis, un ambicioso fresco valorado en más de 100 millones de dólares que financió con sus propios fondos y que la descubrimos en competición el jueves 16 de mayo. La oportunidad de volver a una filmografía compuesta de altibajos artísticos y comerciales, de superproducciones espectaculares e historias íntimas, de películas por encargo (a menudo aceptadas para saldar deudas) y obras muy personales, de experiencias visionarias radicales y de neoclasicismo. Sin perder nunca de vista su ambición de revolucionar el sistema de estudios de Hollywood ni dejarlo indiferente. Descubra nuestro ranking.

22. Jack (1996)

Jack es un niño atrapado en un cuerpo de adulto: sufre una extraña enfermedad que hace que su crecimiento físico se cuadriplique mientras que su cerebro, que se desarrolla con normalidad, es el de un niño de diez años. No es fácil adaptarse a una vida que va a ser muy corta y esto se refleja en las relaciones con su familia y con los amigos del colegio.A unque Robin Williams había dicho que no quería volver a interpretar el papel de un niño-crecido, que ya había hecho en filmes anteriores como Toys, Hook y Jumanji, aceptó el papel cuando supo que trabajaría bajo la dirección de Francis Ford Coppola, el mismo que ha brindado al cine obras tan fundamentales como Apocalypse Now y la trilogía de El padrino. Acompañan a Williams dos actrices del calibre de Diane Lane, en el papel de madre protectora, y Jennifer López, interpretando a la maestra comprensiva. Coppola realizó la película a la memoria de su hijo, Gio, que falleció víctima de un accidente náutico.

21. Demencia 13 (Dementia 13, 1963)

Cuando John Halloran muere de un infarto, su esposa teme no cobrar la herencia. Escribe entonces una carta al resto de la familia anunciando que John ha tenido que viajar a Nueva York por negocios. Cuando se traslada a la casa familiar buscando un modo de quedarse con el dinero, descubre que la familia celebra un morboso ritual... Primer largometraje de Coppola.Debut oficial en la dirección de Francis Ford Coppola, que rodó una película de terror de serie B en la ‘escuela-factoría’ de Roger Corman.

20.Twixt (2011)

Twixt es la nueva incursión de Coppola en el cine de terror que contará como un escritor de novelas de terror llega a un pueblo que vive amedrentado por la presencia de un extraño asesino en serie. Una vez allí, los límites de la inspiración y la obsesión se confunden a medida que se involucra en los hechos que ocurren en el pueblo.
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Las películas de Roger Corman mejor valoradas (I)

Roger Corman era conocido como el "Rey de las películas de serie B" y su filmografía está llena de clásicos de culto. Aquí están las 10 películas mejor calificadas que dirigió.

1. El intruso (The Intruder, 1962)

Un hombre con un traje blanco reluciente llega a un pequeño pueblo del sur en vísperas de la integración. Su nombre es Adam Cramer. Se llama a sí mismo un reformador social. Pero su objetivo es incitar a la gente a que no permita que los niños negros entren en la escuela blanca del pueblo. Pronto tiene a los ciudadanos blancos de la ciudad alterados. Cree que los está guiando, pero lo que hace es provocar problemas, que pronto descubre que no puede controlar. Adaptación de una novela de Charles Beaumont financiada por el propio Roger Corman junto a su hermano Gene, reuniendo los 700.000 dólares necesarios para costear su filmación que tuvo lugar en Sikeston (Missouri), donde hacía tan sólo un año que se había instaurado la política de integración racial en las escuelas. Probablemente, El intruso sea el título más prestigioso de la filmografía de Roger Corman. Avalado por una cálida acogida en el Festival de Venecia de 1962, aunque al mismo tiempo sufrió un notorio fracaso comercial, algo por otro lado inusual en la andadura siempre fenicia de su director. Jamás estrenado en las pantallas españolas –la edición digital supone en este sentido una valiosa apuesta-, el propio Corman destacó el riesgo comercial así como los riesgos asumidos en el rodaje de la película, en pleno territorio sureño, llegando a utilizar a sus habitantes en sentido opuesto a los que ellos creían –la secuencia de la soflama del protagonista ante una multitud enardecida resultó paradigmática a este respecto-.

2. El péndulo de la muerte (The Pit and the Pendulum, 1961)

España, siglo XVI. Francis Barnard (John Kerr) llega a un lúgubre castillo en busca de su hermana muerta, con la intención de regresar a Londres con el cadáver de ésta. Nicholas Medina (Vincent Price), viudo de la difunta e hijo del mayor torturador de la Inquisición Española, es un hombre amable y hospitalario, pero parece esconder un terrible secreto. Medina le comunica a Barnard que su hermana ha fallecido debido a una enfermedad de la sangre. A éste le cuesta creer esta versión de los hechos, así que decide hacer algunas investigaciones por su cuenta tras las que descubre el trágico y espantoso final que pudo haber corrido su hermana, ¡Elizabeth pudo haber sido enterrada viva! A continuación, Francis comienza a notar que suceden cosas extrañas en el castillo de Medina ...l. El guion de la película fue escrito por Richard Matheson, quien se basó muy libremente en el cuento El pozo y el péndulo de Edgar Allan Poe. El péndulo de la muerte fue el segundo título de la serie de películas basadas en relatos de Poe y producidas por American International Pictures. La primera fue La caída de la casa Usher, dirigida por Corman y estrenada el año anterior. El éxito de la película convenció a AIP (American International Pictures) y Corman para continuar la serie con otras seis cintas, cinco de las cuales fueron protagonizadas por Price. La última película, La tumba de Ligeia, se estrenó en 1965.

3. La caída de la casa Usher (House of Usher AKA The Fall of the House of Usher, 1960)

Tras un largo viaje, Philip al fin llega a la mansión Usher en busca de su amada Madeleine. Una vez allí, descubre que la joven y su hermano, Roderick Usher, han enfermado de una misteriosa afección: los síntomas que manifiesta Roderick le han agudizado los sentidos de manera sobrenatural mientras que Madeleine se ha quedado sumergida en un estado catatónico. Esa misma noche, Roderick le confiesa a Philip la antigua maldición que azota a su familia: cualquier descendiente de la familia Usher que tenga más de un hijo, el resto de sus hermanos se vuelven locos y mueren en terribles circunstancias. Con esta información y, a medida que transcurren los días, Philip es testigo del desgaste de la maldita maldición en los dos hermanos. El guion, escrito por Richard Matheson, está basado en el cuento homónimo de Edgar Allan Poe publicado en 1839. Con esta película, Corman inició una saga de films con la que se inauguró una nueva manera de entender el cine fantástico y de terror, contando para ello con el actor Vincent Price y el escritor y guionista Richard Matheson. Un terror de tintes góticos que mostraba la enorme capacidad de Corman para crear atmósferas terroríficas con muy pocos elementos, además de contar con la imponente presencia de un Vincent Price pletórico.

4. La máscara de la muerte roja (The Masque of the Red Death1964) 

La historia se basa en un relato homónimo de Edgar Allan Poe, aunque también incorpora elementos de otro de sus relatos, Hop-Frog. En la Italia de la Edad Media, un pequeño pueblo comienza a sufrir los estragos de una extraña epidemia a la que los lugareños llaman "la Muerte Roja". Contagiosa y mortal, la enfermedad comienza a cobrarse demasiadas vidas. Por ello, el Príncipe Próspero (Vincent Price) decide encerrarse en su castillo junto a varios invitados y tratar de sobrevivir a la enfermedad. Encerrados en el castillo, Próspero comenzará a celebrar ostentosos banquetes y grandes fiestas para que sus invitados se diviertan. Lo que ninguno sospecha es que el misterioso príncipe es un adorador de Satán, y que en una de esas fiestas comenzará a poner terribles y sangrientas pruebas a sus convidados que desatarán el horror. Penúltima película de la serie que rodaron el director Roger Corman y el actor Vincent Price basándose en los relatos de Edgar Allan Poe. La máscara de la muerte roja está considerada uno de sus películas más conseguidas, no ya de su trabajo conjunto, sino entre todo el cine fantástico de los años 1960. La historia presenta una reflexión sobre la belleza del Mal, que recoge influencias tan dispares como El séptimo sello y la producción terrorífica italiana de la época. En 1989, Larry Brand realizó un 'remake' de la misma, que llevaba el mismo título, con Roger Corman como productor.

5. Historias de terror (Tales of Terror, 1962)

Tres historias de terror basadas en tres relatos de Edgar Allan Poe (1809-1849). Vincent Price es el protagonista de los tres episodios. En Morella interpreta a un hombre obsesionado por la idea de que su hija es la responsable de la muerte de su esposa. En El Gato Negro, una pareja de amantes adúlteros son enterrados vivos por un esposo celoso. Y en El Caso del señor Valdemar, a un brujo que condena a un inocente a sufrir un auténtico infierno en vida, le sale el tiro por la culata. Uno de las películas que el productor y director Roger Corman realizó a finales de los años 50 y principios de los años 1960, partiendo de la imaginería creada por el escritor Edgar Allan Poe. Teniendo en cuenta que Poe casi siempre escribió relatos cortos, Historias de terror es para muchos la mejor adaptación del mundo propio del literato americano. Con un presupuesto modesto, Corman planteó tres historias en la que fue primordial la colaboración el actor Vincent Price y del escritor y guionista Richard Matheson. El primero, por su capacidad de crear tres personajes diferentes en cada uno de los relatos. El segundo, por ser capaz de mantener el pulso narrativo, especialmente en el segundo corto, en el que se mezclan los relatos El gato negro y El tonel de amontillado.
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Metro-Goldwin-Mayer cumple 100 años (VIII)

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  • La buena tierra (The Good Earth, 1937), de Sidney Franklin y Victor Fleming. Una de las últimas y mejores películas de Sidney Franklin, prolífico cineasta que inició su andadura en el cine en los días de las películas mudas. Se trata de un sólido drama, que fue nominado para cinco Oscars en la edición de 1937, ganando dos de ellos: mejor actriz principal y fotografía. Louise Rainer se convirtió así en la primera persona que ganaba dos estatuillas de forma consecutiva, pues el año anterior ya se había alzado con el premio por su trabajo en El gran Zigfield. Curiosamente, la inconformista actriz, que estaba enfrentada con la Metro, fue obligada por su capitoste, Louis B. Mayer, a recoger el premio. Varios empleados del estudio se plantaron en su casa la misma noche de la entrega y, prácticamente, la forzaron a acudir.
  • Piloto de pruebas (Test Pilot, 1938), de Victor Fleming. Con un reparto impecable (Gable, Loy y Tracy, entre otros), Victor Fleming firma este drama que estuvo nominado a los Oscar.
  • Forja de hombres (Boys Town, 1938), dirigida por Norman Taurog. Ganó dos Óscar: al mejor actor principal (Spencer Tracy, como el padre Flanagan), y al mejor argumento (Eleanore Griffin y Dore Schary); y obtuvo otras tres nominaciones: a la mejor película, al mejor director, y al mejor guion. La película está basada en la historia real del padre Edward J. Flanagan, y su gran éxito llevó a la Metro-Goldwyn-Mayer a producir una secuela, de título La ciudad de los muchachos.
  • María Antonieta (Marie Antoinette, 1938), de W. S. Van Dyke. Fastuoso biopic de la malhadada reina de Francia, a partir del libro de Stefan Zweig. La Metro tiró la casa por la ventana con esta película, de magníficos decorados y ambientación, con exquisita fotografía en blanco y negro, y un reparto de aúpa. Norma Shearer saca todo su jugo al apetitoso papel protagonista, pero todos los demás actores le arropan de modo excelente: desde Robert Morley como el tímido marido a Tyrone Power como el galán amante, pasando por el rey agonizante, un gran John Barrymore. La película tuvo 4 nominaciones a los Oscar y la Shearer fue considerada la mejor actriz en el Festival de Venecia.
  • Everybody Sing (1938), de Edwin L. Marin. Simpática comedia familiar, con mucho amor, alegría y música, que supuso una de las primeras apariciones en el cine de la gran Judy Garland. la película contiene una de las últimas apariciones de la cantante y actriz Fanny Brice, quien muchos años después sería retratada en el cine por Barbra Streisand en Funny Girl.
  • La ciudadela (The Citadel, 1938), de King Vidor. Drama sobre los dilemas personales y profesionales a los que se enfrenta un médico, basado en el ‘best-seller’ homónimo de A. J. Cronin y dirigido por el prestigioso King Vidor. La película obtuvo grandes elogios y numerosas nominaciones a los Oscar, incluyendo la de mejor película, director y actor (Robert Donat, que ganó la estatuilla un año después por Goodbye Mr. Chips), aunque no logró hacerse con ninguno de los premios. La película, cuyo rodaje tuvo lugar en los estudios británicos de la Metro para conseguir mayor realismo, cuenta con un reparto en el que destacan Rosalind Russell, Ralph Richardson  y Rex Harrison.
  • Los hijos de la farándula (Babes in Arms, 1939), de Busby Berkeley. Musical para mayor gloria de la joven pareja formada por Mickey Rooney y Judy Garland, niños prodigio de Hollywood de aquellos años. La película es una historia amable sobre dos jóvenes con talento que aprovechan la ausencia de sus padres para probar en sus propias carnes las mieles del éxito. Con música y letra de Richard Rodgers y Lorenz Hart, la cinta destaca por sus temas como Babes in Arms, Where or When, o The Lady Is a Tramp. La película tiene partes de humor, a cargo sobre todo de Rooney, que fue nominado a los Oscar ese año. Por su parte, Judy Garland no optó a ningún premio, pero la pareja funcionó tan bien en la pantalla que volvieron a trabajar juntos en Andrés Harvey, tenorio o Armonías de juventud.
  • Lo que el viento se llevó (Gone With the Wind, 1939), de Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood.  Esta adaptación cinematográfica de la novela de Margaret Mitchell recibió ocho Oscars más uno honorífico por su uso del color en la película. Mientras estaba clarísimo que el papel de Rhett Buttler iba a ser interpretado por Clark Gable, para encontrar a la intérprete de Escarlata O'Hara se emprendió una búsqueda por los Estados Unidos que culminó con el descubrimiento de una joven y entonces desconocida actriz británica: Vivien Leigh. La decisión del director también fue confusa y fueron varios los que pasaron por este cargo. Aunque Victor Fleming es el único que figura en los créditos, George Cukor, William Cameron Menzies y el propio productor, David O.Selznick, rodaron buena parte del metraje de la misma que, aún hoy, permanece como el más mítico y taquillero de toda la historia del cine.
  • El mago de Oz (The Wizard of Oz, 1939), de Victor Fleming. La película está basada asimismo en la novela infantil El maravilloso mago de Oz, de L. Frank Baum. Notable por su uso del Technicolor, la narración fantástica, su partitura musical y los personajes inusuales, con los años se ha convertido en un ícono de la cultura popular estadounidense. Fue nominada a seis premios Óscar en la 12.ª entrega, incluyendo mejor película. Ganó en otras dos categorías, incluyendo mejor canción original, por Over the Rainbow y mejor banda sonora, por Herbert Stothart. En la actualidad, es considerada una película de culto, a pesar de su proyecto inicial como fábula cinematográfica infantil.
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viernes, 17 de mayo de 2024

Películas de la semana: 17 de mayo (II)

Manolo Kabezabolo (Si todavía te kedan dientes es ke no estuviste ahí)

Dirección: J. Alberto Andrés Lacasta. País: España. Año: 2023. Duración: 92 minutos. Género: Documental. Biográfico. Música. Documental sobre música. Reparto: Documental, Intervenciones de: Manolo Kabezabolo. Guion: J. Alberto Andrés Lacasta. Producción: J. Alberto Andrés Lacasta. Música: Manolo Kabezabolo, Naiel Ibarrola, Marina Barredo. Fotografía: Jorge Yetano. Productora: Du Cardelin Studio. Distribuidora: Syldavia Cinema. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Narra la vida de Manuel Méndez Lozano, más conocido como Manolo Kabezabolo (Zaragoza, 1966), es un artista punk que de manera un tanto inverosímil parece haber trascendido tiempo, lugar y tendencias, sin abandonar su esencia y principios, para convertirse en un icono anti-cultural. Manolo Kabezabolo, el último músico punk que ha traspasado espacio y tiempo convirtiéndose en un fenómeno contracultural con más de 40 años de carrera artística, y personaje referente del undeground. Su difícil e hilarante juventud le hizo dar el salto a la filosofía okupa, la insumisión, la calle, el modo de vida punk… y también las drogas, la enfermedad mental y los hospitales psiquiátricos, pero siempre amarrado al mástil de su vieja guitarra.

Mars Express

Dirección: Jérémie Périn. País: Francia. Año: 2023. Duración: 85 minutos. Género: Animación. Ciencia ficción. Drama. Aventura espacial. Inteligencia artificial. Reparto: Animación. Guion: Laurent Sarfati, Jérémie Périn. Música: Fred Avril, Philippe Monthaye. Fotografía: Animación. Productora: Everybody on the Deck, Je Suis Bien Content. Distribuidora: Provzglyad, MK2 Films. Premios y nominaciones: Premios César (Francia): Nominada a mejor film de animación; Festival de Sitges: Nominada a mejor largometraje de animación; Festival de Annecy: Nominada a Cristal al mejor largometraje. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Aline Ruby es una detective privada muy testaruda, y su compañero Carlos Rivera lleva muerto cinco años, pero se ha 'reencarnado' en el cuerpo de un robot. Ambos se encuentran en una carrera contrarreloj hacia Marte. Su misión inicial es encontrar a Jun Chow, una estudiante de cibernética a la fuga, antes de que los asesinos que le pisan los talones puedan atraparla. Sin embargo, lo que los investigadores descubren por el camino es más grande de lo que ninguno de los dos podía esperar. 

Películas de la semana: 17 de mayo (I)

Amigos imaginarios

Título original: IF AKA Imaginary Friends. Dirección: John Krasinski. País: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 104 minutos. Género: Comedia. Fantástico. Drama. Amistad. Infancia. Cine familiar. Interpretación: John Krasinski, Ryan Reynolds, Cailey Fleming, Fiona Shaw, Luis Gosset Jr., Bobby Moynihan, 
Alan Kim. Voces: Steve Carell, Phoebe Waller-Bridge Blossom, Matt Damon, Emily Blunt, Maya Rudolph, Vince Vaughn, Sam Rockwell, Sebastian Maniscalco, Christopher Meloni, Awkwafina, Jon Stewart, Richard Jenkins. Guion: John Krasinski. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Janusz Kaminski. Productora: Paramount Pictures, Sunday Night, Maximum Effort, Platinum Dunes. Distribuidora: Paramount Pictures. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Una niña de 12 años, la cual está pasando por un momento preocupante, descubre que puede ver amigos imaginarios, no de ella, sino que a todos los amigos imaginarios de otras personas que han crecido y por lo tanto, han olvidado a estos amigos. Mientras lo que le preocupa se resuelve, Bea ayuda a estos amigos imaginarios a tener nuevos amigos humanos, siendo la que, junto a su vecino Cal, -quien también es capaz de verlos-, tienen una agencia de asignación para estas criaturas.

Disco, Ibiza, Locomía

Dirección: Kike Maíllo. País: España. Año: 2024. Duración: 104 minutos. Género: Drama. Música. Biográfico. Años 1980. Años 1990. Interpretación: Jaime Lorente, Alberto Ammann, Alejandro Speitzer, Iván Pellicer, Pol Granch, Javier Morgade, Albert Baró, Gonzalo Ramírez, Eva Llorach, Blanca Suárez, Mireia Rey. Guion: Marta Libertad, Kike Maíllo. Música: Camilla Uboldi. Fotografía: Marc Miró. Productora: Nadie es perfecto, La Chica de la Curva, SDB Films, Atresmedia Televisión, Netflix, TV3. Distribuidora: DeAPlaneta. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Estamos en la España de mediados de los años 1980. Un grupo de amigos capitaneados por Xavi Font (Jaime Lorente), acaban de llegar a Ibiza persiguiendo su sueño de dedicarse a la moda. Allí les descubre el productor José Luís Gil (Alberto Ammann), un magnate de la industria musical que busca nuevos talentos para lanzar un grupo. Sin tener ni idea de cantar, el grupo inicia una carrera que les lleva de vivir como hippies en Ibiza, a llenar estadios en Latinoamérica y revolucionar de paso las discotecas de medio mundo. Crearon un nuevo estilo, fueron perseguidos por fans y ganaron millones... Aunque para ello tuvieron que sacrificar su libertad. Película inspirada en la historia del grupo de dance electro-pop Locomía, que llamaba la atención sobre todo por sus atuendos barrocos con zapatos en punta y sus característicos abanicos, que propiciaban unas vistosas coreografías que contaron con la admiración del mismísimo Freddie Mercury.

Caída libre

Dirección: Laura Jou. País: España. Año: 2024. Duración: 90 minutos. Género: Thriller. Drama. Deporte. Gimnasia. Interpretación: Belén Rueda, Ilay Kurelovic, Maria Netavrovana, Irene Escolar, Manuela Vellés, Brays Efe. Guion: Bernat Vilaplana. Producción: J.A. Bayona. Música. Clara Peya. Fotografía: Marc Gómez del Moral. Productora: Ejercicios de Equilibrio, Corte y Confección de Películas, Suspense Entertainment, Marrowbone. Distribuidora: Universal Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Marisol es una mujer que roza los 60 años. Es una icónica entrenadora de gimnasia rítmica de élite, la mejor. Es metódica, controladora, autoritaria, dominante, fácilmente irritable y carente de la menor capacidad de autocrítica. Ha construido un mundo a su medida, que se resquebraja el día en que Octavio, su marido, le confiesa que se marcha de casa para rehacer su vida al lado de una mujer más joven a la que ha dejado embarazada. Y emprende una excéntrica carrera para recuperar a su marido. Su fracaso repercute en su relación con las gimnastas. Es cada vez más dura e intransigente, llegando a abusar de su poder y posición. Marisol se enfrenta a una catarsis que la lleva a replantearse su vida.

Lo que sucede después

Título original: What Happens Later. Dirección: Meg Ryan. País: Estados Unidos. Año: 2023. Duración: 105 minutos. Género: Comedia. Romance. Comedia romántica. Interpretación: Meg Ryan, David Duchovny. Guion: Steven Dietz, Kirk Lynn, Meg Ryan. Argumento: Steven Dietz (obra de teatro Shooting Star). Música: David Boman. Fotografía: Bartosz Nalazek. Productora: Ten Acre Films, Rockhill Studios, Das Films, Prowess Pictures. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis:El destino parece tener algo planeado para Bill (David Duchovny) y Willa (Meg Ryan): una pareja que se enamoró hace décadas, quedan atrapados en un aeropuerto durante la noche. Sus dulces días en la universidad parece volver inmediatamente. A medida que pasan las horas, los dos se enfrentan a recuerdos cada vez más dolorosos y a la pregunta de cómo serían sus vidas ahora si las cosas hubieran sido muy diferentes entonces. Y en algún momento, Willa y Bill llegan a preguntarse si este encuentro no es pura coincidencia, sino un giro del destino. Segunda película como directora tras la inédita en España, salvo error, Ithaca, de la antaño reina de la comedia romántica Meg Ryan, que es también la protagonista junto a David Duchovny, además de coautora del guión. Está dedicada a la memoria de Nora Ephron, algo que se entiende perfectamente, pues Ryan entrega un film que se quiere cortado por el mismo patrón de los que protagonizó con ella, los memorables Algo para recordar y Tienes un e-mail.

Los buenos profesores

Título originalUn métier sérieux. Dirección: Thomas Lilti. País: Francia. Año: 2023. Duración: 101 minutos. Género: Drama. Comedia Enseñanza. Colegios. Institutos. Interpretación: Vincent Lacoste, François Cluzet, Adèle Exarchopoulos, William Lebghil, Louise Bourgoin, Lucie Zhang, Bouli Lanners, Léo Chalié, Mustapha Abourachid, Théo Navarro-Mussy, Hubert Myon, Sylvie Lachat, Michaël Perez, Valérie Crouzet, Christophe Ntakabanyura, Bilel Souidi, Laurence Huby, Enzo Nim. Guión: Thomas Lilti. Música: Jonathan Morali. Fotografía: Antoine Héberlé. Productora: Les Films du Parc, 31 Juin Films, France 2 Cinema, Les Films de Benjamin. Distribuidora: Filmax. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. SinopsisEmpieza un nuevo curso escolar. Benjamin es un estudiante de doctorado sin beca. Ante la falta de perspectivas de futuro, acepta un trabajo como profesor en un instituto de París. Sin formación ni experiencia descubre lo duro que puede ser la profesión de maestro en un sistema educativo afectado por una falta de recursos crónica. Con el apoyo y el compromiso del resto de docentes, y un poco de suerte, se replanteará su vocación.Estupenda película francesa ambientada en el mundo educativo. Detrás de la cámaras Thomas Lilti ofrece una lección de realismo cotidiano a la hora de adentrarse en el subgénero de “cine de instituto”, pero lo hace con un importante sesgo poco habitual: no se centra en los alumnos, aquí bastante colaterales, sino en los profesores y su relación entre ellos y con el trabajo. Como es habitual en el cine de Lilti, interesado siempre en pequeñas historias humanas. La película apuesta por el realismo y pone el énfasis en las pequeñas tesituras de personas normales, que tienen problemas, anhelos, dudas y luchan cada día por hacer su trabajo lo mejor posible. 

Víctima imperfecta

Título original: Quitter la nuitDirección: Delphine Girard. País: Bélgica. Año: 2023. Duración: 108 minutos. Género: Drama. Abusos sexuales. InterpretaciónSelma Alaoui, Veerle Baetens, Guillaume Duhesme, Anne Dorval, Adèle Wismes, Gringe, Florence Janas, Astrid Whettnall. Guión: Delphine Girard. Argumento: Delphine Girard (corto Une soeur). Música: Ben Shemie Fotografía: Juliette Van Dormael. Productora: Coproducción Bélgica-Francia-Canadá; Versus Production, Colonelle Films, Haut et Court. Distribuidora: Festival Films. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: La fiesta se tuerce: Dary agrede a Aly. Cuando Aly llama a la policía, es Anna quien responde y consigue evitar que la agresión vaya a más. Al día siguiente, Aly intenta seguir con su vida como si nada y relativiza los efectos de la agresión. Dary trata de autoconvencerse de una versión de los hechos que no le quita el sueño. Anna hace por seguir involucrada en el asunto. Comienza el juicio. ¿Qué consigue la justicia? ¿Qué se puede reparar? Acendrado drama que toca uno de los temas desgraciadamente actuales en la sociedad, el de la agresión sexual. 

Calladita

Dirección: Miguel Faus. País: España. Año: 2023. Duración: 92 minutos. Género: Drama. Sátira. Trabajo. Empleo. Racismo. Interpretación: Paula Grimaldo, Ariadna Gil, Luis Bermejo, Pol Hermoso, Violeta Rodríguez, Nany Tovar, Victor Rebull, Eduard Torres, Álvaro Maisons, Miguel Fernandez (II), Alejo De Soler, Ayoub El Hilali. Guion: Miguel Faus. Argumento: Miguel Faus (cortometraje homónimo). Música: Paula Olaz. Fotografía: Antonio Galisteo. Productora: Calladita Films, Potenza Producciones, Decentralized Pictures. Distribuidora: Karma Films. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Ana, recién llegada de Colombia, es empleada doméstica en una lujosa mansión donde veranea una adinerada familia de marchantes de arte. La joven trabaja de sol a sol, sin contrato, bajo la promesa de conseguir condiciones dignas al final del verano, siempre y cuando sea discreta y calladita. Pero a través de Gisela, la empleada de la casa vecina, Ana descubrirá que las cosas no funcionan exactamente como le han contado, y aprenderá a divertirse un poco más durante su verano en la Costa Brava. Miguel Faus adapta su propio cortometraje, rodado tres años antes con la misma actriz protagonista, la colombiana Paulina Grimaldo, que hace una convincente interpretación.

3 días máximo

Título original: 3 jours max. Dirección: Tarek Boudali. País: Francia. Año: 2023. Duración: 90 minutos. Género: Comedia. Acción. Secuela. Interpretación: Tarek Boudali, Philippe Lacheau, Julien Arruti, Vanessa Guide, José Garcia, Marie-Anne Chazel, Reem Kherici, Rossy de Palma, Elodie Fontan, Chantal Ladesou, Jean-Luc Couchard, Michèle Laroque, Franck Gastambide. Guion: Tarek Boudali. Música: Maxime Desprez, Michaël Tordjman. Fotografía: Vincent Richard. Productora: Axel Films, Studiocanal, M6 Films, Ciné+, W9, Ondamax Films, Canal+. Distribuidora: Youplanet. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Rayane (Tarek Boudali), un torpe pero bienintencionado policía, descubre que su abuela, una aspirante a estrella de reality show, ha sido secuestrada. El cartel de narcotráfico responsable del secuestro le da solo tres días para entregar un rescate imposible. Con su leal equipo a su lado, el improbable héroe emprenderá una misión alucinante alrededor del mundo, viajando por Francia, Abu Dhabi y México para salvarla. Secuela de 30 días (30 jours max, 2020). 

Un sol radiant

Dirección: Mònica Cambra, Ariadna Fortuny. País: España. Año: 2023. Duración: 79 minutos. Género: Drama. Fin del mundo. Interpretación: Laia Artigas, Núria Prims, Núria Sales, Jaume Villalta. Guion: Ariadna Fortuny, Clàudia Garcia de Dios. Música: Guillermo Martorell. Fotografía: Àssia J. La-Roca. Productora: Atiende Films. Distribuidora: Begin Again Films. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. SinopsisMila (Laia Artigas), su hermana mayor (Nunu Sales) y su madre (Núria Prims), pasan unos días en una casa de campo, aisladas del mundanal ruido. Sin embargo, se respira en el ambiente una calma cada vez más tensa, y los nervios están a flor de piel. Las incómodas miradas, los silencios y las ausencias revelan la inminencia de un hecho irreversible, y para exorcizar todo eso Mila decide organizar una fiesta que se irá convirtiendo, a medida que se acerca, en mucho más que una simple celebración. Esta ópera prima, proyecto ganador del D’A Film Lab 2022, se convierte en un reverso sereno, luminoso y eminentemente femenino de la Melancolía de Lars von Trier o el 4:44 de Abel Ferrara, mirando a los ojos al apocalipsis con el inconformismo esperanzado de un alma joven que se niega a desaparecer.

La caja de cristal

Título original: Black Box. Dirección: Asli Özge. País: Alemania. Año: 2023. Duración: 120 minutos. Género: Thriller. Drama. Drama social. Interpretación:  Luise Heyer, Felix Kramer, Christian Berkel, Manal Issa, Timur Magomedgadzhiev, Hanns Zischler, André Szymanski, Sascha Alexander Gersak, Anne Ratte-Polle, Jonathan Berlin, Inka Friedrich, Anna Brüggemann. Guion: Asli Özge. Fotografía: Emre Erkmen. Productora: Coproducción Alemania-Bélgica; Gilles Mann Filmproduktion, Les Films du Fleuve, Port au Prince Film & Kultur Produktion, Zeitsprung Pictures. Distribuidora: Barlovento, Pirámide Films. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Los inquilinos de un céntrico edificio berlinés, ya sometidos a una gran tensión por los manejos de la inmobiliaria que posee el edificio, se encuentran una mañana, sin explicación ninguna, encerrados y rodeados por la policía. Nadie puede entrar ni salir. Sin información, los residentes empiezan a especular. Primero, suponen que puede haber una bomba colocada en la puerta de entrada. Luego se difunde el rumor de que un criminal se esconde en el patio. El miedo se convierte en inseguridad y a su vez en agresión. Los prejuicios provocan la polarización. Viejos conflictos vuelven a salir a la luz y los residentes empiezan a denunciarse unos a otros. En esta situación de peligro existencial, pierden su máscara de decencia humana. Empiezan a mostrar sus verdaderas caras y cada uno persigue sus propios intereses en este juego de poder y capitalismo.

Efemérides de cine: La indecente Mary y Larry el loco

El 17 de mayo de 1974 se estrenó la película estadounidense La indecente Mary y Larry el loco (Dirty Mary Crazy Larry), dirigida por John Hough e interpretada por Peter Fonda, Susan George, Adam Roarke, Kenneth Tobey, Eugene Daniels, Lynn Borden, Janear Hines, Elizabeth James, Adrianne Herman, T.J. Castronovo, James W. Gavin, Al Rossi, Ben Niems, George Westcott, Tom O'Neill, Edna MacAfee, Don Coughlin, Sonny Dukes. Productora: Academy Pictures Corporation, 20th Century Fox. Duración: 93 minutos. 
Sinopsis argumental: Dos jóvenes apasionados por el circuito de Nascar, el piloto Larry (Peter Fonda) y su mecánico Deke, (Adam Roarke) cometen toda clase de delitos para poder financiar su aventura deportiva.
Comentario: Un año antes de fichar por la compañía Disney, el director John Hough, quien ya había destacado con las cintas de terror Drácula y las mellizas y La leyenda de la casa del infierno, firmó esta película de persecuciones. Aunque el realizador había pensado en Kris Kristofferson para el papel principal, al final fue Peter Fonda el que consiguió este rol. Este tipo de cine de acción parece que le gustó al actor de Easy rider, pues en 1975 repitió conduciendo coches con adrenalina en Carrera con el diablo. En esta ocasión le acompañó Susan George, quien aún tenía reciente la fama adquirida en 1971 en Perros de paja. La película  adquirió un estatus de culto para cierto tipo de público. De hecho, Quentin Tarantino la eligió para el primer Quentin Tarantino Film Fest, celebrado en Texas en 1996. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

jueves, 16 de mayo de 2024

Cumplió 25 años: La guerra de las galaxias. Episodio I: La amenaza fantasma

El 16 de mayo de 1999 se estrenó la película estadounidense La guerra de las galaxias. Episodio I: La amenaza fantasma, también conocida como Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma (Star Wars. Episode I: The Phantom Menace), dirigida por George Lucas e interpretada por Liam Neeson, Ewan McGregor, Jake Lloyd, Natalie Portman, Pernilla August, Ian McDiarmid, Ray Park, Samuel L. Jackson, Keira Knightley, Sofia Coppola, Terence Stamp, Dominic West. Productora: Lucasfilm. Duración: 130 minutos.
Sinopsis argumental: Ambientada treinta años antes que "La guerra de las galaxias" (1977), muestra la infancia de Darth Vader, el pasado de Obi-Wan Kenobi y el resurgimiento de los Sith, los caballeros Jedi dominados por el Lado Oscuro. La Federación de Comercio ha bloqueado el pequeño planeta de Naboo, gobernado por la joven Reina Amidala; se trata de un plan ideado por Sith Darth Sidious, que, manteniéndose en el anonimato, dirige a los neimoidianos, que están al mando de la Federación. El Jedi Qui-Gon Jinn y su aprendiz Obi-Wan Kenobi convencen a Amidala para que vaya a Coruscant, la capital de la República y sede del Consejo Jedi, y trate de neutralizar esta amenaza. Pero, al intentar esquivar el bloqueo, la nave real resulta averiada, viéndose así obligada la tripulación a aterrizar en el desértico y remoto planeta de Tatooine... 
Nominaciones y premios: Oscar: 3 nominaciones, a mejor sonido, efectos visuales, efectos de sonido; Premios BAFTA: 2 Nominaciones a mejores efectos visuales y sonido; Premio Razzie al peor actor secundario. 9 nominaciones, incluyendo peor película y director; Premios Satellite Awards: 2 nominaciones. 
Comentario: George Lucas ideó La guerra de las galaxias pensando inicialmente en realizar dos trilogías. Cuando comenzó el proyecto, en 1977, decidió arrancar por la segunda porque, según él mismo, la técnica de la época no le permitía desarrollar las ideas previstas para las tres primeras entregas. 16 años después de El retorno del Jedi, Lucas creyó que la técnica había avanzado lo suficiente para rodar La amenaza fantasma, la cinta en la que empieza toda la historia. La acción se remonta en el tiempo para dar a conocer los orígenes del Imperio y los personajes de La guerra de las galaxias. Resultado: la segunda película más taquillera de la historia del cine hasta ese momento, tras Titanic.

Efemérides de cine: Sweet Movie (Dulce película)

El 16 de mayo de 1974 se estrenó la película canadiense Sweet Movie (Dulce película), dirigida por Dusan Makavejev e interpretada por Carole Laure, John Vernon, Jane Mallett, Sami Frey, Pierre Clémenti, Otto Muehl. Productora: Coproducción Canadá-Francia-Alemania; Maran Film, Mojack Film Ltée, V.M. Productions, Biograph Films. Duración: 98 minutos. 
Sinopsis argumental: Una bella mujer, que ha sido elegida Miss Mundo 1984, se casa con un excéntrico millonario que acaba repudiándola. Entonces va a parar a una especie de secta que, mediante terapias alucinatorias, pretende que las mentes de sus miembros vuelvan a la infancia. Al mismo tiempo, un marinero vinculado a la Revolución bolcheviche (1917) se une a la capitana de un extraño barco, el Supervivencia, que navega proclamando su único lema: la libertad absoluta.
Comentario: De acuerdo con la visión sobre la narrativa de Makavejev –quien piensa que las estructuras lineales son fórmulas impuestas-, la película se basa en dos historias: la de una reina de belleza canadiense parcialmente muda, asociada con la cultura de consumo, y la de un extraño barco cargado de dulces. La película creó una tormenta de controversias en su lanzamiento. Con simuladas (y no simuladas) escenas de coprofagia, emetofilia y satíricas –como, por ejemplo, cuando en la comuna cantan el himno de la alegría mientras sostienen un plato lleno de heces-, y secuencias de los restos de las víctimas de la Masacre de Katyn. El largometraje fue prohibido en muchos países o cortado severamente. Al día de hoy, todavía está prohibida en muchos países. La película fue casi imposible de encontrar desde su lanzamiento inicial en 1974, pero Criterion lanzó la película en DVD el 19 de junio de 2007. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las películas del Festival de Cannes 2024 que necesita conocer (IV)

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13. Caught by the Tides (Feng Liu Yi Dai, 2024), de Jia Zhang-Ke

En la China de principios de los años 2000, Qiao Qiao y Guao Bin comparten un amor apasionado pero frágil. Cuando Guao Bin desaparece para probar suerte en otra provincia, Qiao Qiao decide ir en su busca. Siguiendo la historia de amor de su heroína de toda la vida, Jia Zhang ke ofrece una epopeya cinematográfica sin precedentes que abarca todas sus películas y 25 años de la historia de un país en plena mutación. En el reparto figuran Zhao Tao, la actriz favorita del director chino que es también su esposa, y Zhubin Li, que se reencuentra con Jia Zhang-Ke tras Un toque de violenciaJia Zhang-Ke también dirigió Un toque de violencia (Tian zhu ding, 2013), una película muy admirada y a veces querida que le valió a Jia el premio al mejor guión en el Festival de Cannes en 2013. Sus otras películas que han competido por la Palma de Oro incluyen Más allá de las montañas (Shan he gu ren), en 2015 y La ceniza es el blanco más puro (Jiang hu er nü) en 2018, Caught by the Tides es un fuerte candidato para el primer premio. Es una película que, fiel al estilo del gran maestro chino, tiene una gran fluidez narrativa, dentro de una mezcla de metraje de archivo, metraje de ficción, metraje de vídeo e imágenes increíblemente bien trabajadas. La película dice algo sobre China que no estamos acostumbrados a ver. Y es muy hermoso, muy poderoso, que un artista presente su país de esta manera. Lo cuenta a través de una serie de personajes que hacen que el viaje merezca la pena. Estreno en competición en el Festival de Cine de Cannes. 

14. Jim Henson: Idea Man (2024), de Ron Howard

Nos adentra en la mente del singular visionario creativo Jim Henson, desde sus primeros años como titiritero en la televisión local hasta el éxito mundial de Barrio Sésamo, The Muppet Show y mucho más, con un acceso sin precedentes a los archivos personales de Jim. 
Si el cartel le sorprende, espere hasta ver el tráiler. El director Ron Howard trae esta biografía privilegiada (se hizo consultando con los hijos de Henson) a Cannes Classics (y aparecerá en Disney+ a partir del 31 de mayo). Cannes Classics, que normalmente muestra restauraciones (como un nuevo tratamiento en 4K de Paris, Texas) y documentales con temas cinematográficos (como Faye, sobre la legendaria actriz (y un puñado de leyendas) Faye Dunaway), está celebrando su 20 aniversario este año. Esperamos que Paul Williams aparezca en el estreno de Idea Man. Ya que coescribió Rainbow Connection para The Muppet Movie (1979). Proyección como parte de la programación Cannes Classics del Festival de Cine de Cannes. Proyección como parte de la programación Cannes Classics del Festival de Cine de Cannes.

miércoles, 15 de mayo de 2024

Noticias de libro: Le cinéma de Frankenstein

Le cinéma de Frankenstein

Jean-Pierre Andrevon
Édition LettMotif
La Madeleine
2024
200 págs.
En francés en el original.
La criatura y su creador a través de los tiempos y las películas, el nuevo libro de Jean-Pierre Andrevon.
Cuando Mary Shelley escribió Frankenstein o el Prometeo moderno a la edad de 19 años, ciertamente no esperaba que su libro tuviera tanto éxito como para ser adaptado más de cien veces para cine y televisión. Le cinéma de Frankenstein recuerda estas obras cinematográficas y lo que aportaron al mito original, enriqueciéndolo para unos y traicionándolo para otros: desde la obra fundacional de James Whale con Boris Karloff en los años 1930 hasta la visión muy reciente de Yórgos Lánthimos con Pobres criaturas (Poor Creatures), pasando por el periodo Hammer donde Frankenstein abandona el blanco y negro de los orígenes por el color extravagante del Technicolor. La historia de Shelley ha inspirado a grandes cineastas (Terence Fisher, Tim Burton, Kenneth Brannagh, especialmente a Guillermo del Toro) pero también toda un conjunto de películas de series B, e incluso directores de series Z, que pensaron que esta historia legendaria les garantizaría el éxito. Puesto en todas las salsas, Frankenstein se convierte en parodia, se convierte en pretexto para escenas eróticas, mientras el monstruo adquiere rasgos de mujer, de adolescente, de perro.
Obra traviesa y erudita, Le cinéma de Frankenstein resucita películas totalmente olvidadas (como la egipcia Ismail Yassin), regresa a escenarios divertidos (como Frankenstein conquista el mundo del japonés Inoshiro Honda, donde se encuentran criminales nazis, un dinosaurio con cuernos y un gigante pulpo). Este libro también destaca las obras del cine que, si bien sacaron su fuerza de Mary Shelley, supieron crear su propia grandeza. Un mito eternamente renovado, todo Frankenstein está aquí… o casi.
Jean-Pierre Andrevon, outre son activité d’auteur de fictions, est depuis toujours un cinéphile confirmé, animateur d’un ciné-club à Grenoble dans ses années étudiantes, membre fondateur de la cinémathèque de la ville dont il est toujours un des responsables, critique dans différents magazines dont L’Écran fantastique depuis sa création, et auteur de plusieurs ouvrages sur le cinéma dont, en 2013, Cent ans et plus de cinéma fantastique et de science-fiction chez Rouge profond. Il s’attache aujourd’hui à son personnage préféré, Frankenstein.

Las películas del Festival de Cannes 2024 que necesita conocer (III)

(cont.)

9. Bird (2024), de Andrea Arnold

Bailey, de 12 años, vive con su padre soltero Bug y su hermano Hunter en una casa ocupada del norte de Kent. Bug no tiene mucho tiempo para sus hijos y Bailey, que se acerca a la pubertad, busca atención y aventuras por su cuenta. Según se informa, Barry Keoghan rechazó participar en la próxima secuela de Gladiator 2 para protagonizar este drama del director Andrea Arnold, y eso es suficiente para despertar nuestra curiosidad. Los detalles son escasos, aparte de la elección de Keoghan como una figura paterna soltera llamada Bug, que cría a dos niños en Kent, Reino Unido (y algunas tomas en el set que lo muestran sin camisa y cubierto de tatuajes falsos de reptiles espeluznantes). Protagonizará junto a Franz Rogowski este regreso al cine narrativo de Arnold, quien ha dirigido series populares como Transparent (2014) y Big Little Lies (2017) desde su primer estreno en Cannes, American Honey de 2016. Al atrapar a Keoghan inmediatamente después de una carrera candente, completa con una nominación al Oscar y la sensación de Saltburn que se prolongó hasta 2024, Arnold se ha asegurado de que muchos ojos estén puestos en esta entrada a la competencia. Estrenos en competición en el Festival de Cine de Cannes.

10. Anora (2024), de Sean Bake

Anora, una joven trabajadora sexual de Brooklyn, tiene la oportunidad de vivir una historia de Cenicienta cuando conoce e impulsivamente se casa con el hijo de un oligarca. Cuando la noticia llega a Rusia, su cuento de hadas se ve amenazado, ya que los padres parten hacia Nueva York para conseguir la anulación del matrimonio. ¿Sabe que a veces buscamos a un actor que nos gusta y nos preguntamos por qué no ha aparecido mucho en la pantalla últimamente? Eso es lo que sentimos por Mikey Madison, quien estuvo realmente maravilloso como la hija mayor de Pamela Adlon en Better Things (2016). Entonces, descubrir que ella es la protagonista de la nueva película del director de Tangerine, Sean Baker, nos hace sentir que otras personas entienden lo que logró en ese programa. Baker, que es un experto en mantener a salvo los secretos de sus películas hasta su estreno, ha indicado que este es su proyecto con mayor presupuesto hasta la fecha y que se rodó con una estética pulida de los años 1970, un cambio con respecto a su anterior, más bajo. Enfoques tecnológicos para la realización de películas. Temáticamente parece ser un nuevo enfoque también para Baker, ya que la historia aparentemente trata sobre personas con recursos. Históricamente, el director ha contado historias de personas que viven al margen y al margen de la sociedad. Estrenos en competición en el Festival de Cine de Cannes.

11. The Most Precious of Cargoes (La plus précieuse des marchandises, 2024), de Michel Hazanavicius 

Érase una vez un pobre leñador y su mujer que vivían en un gran bosque. El frío, el hambre, la pobreza y una guerra a su alrededor hacían que sus vidas fueran muy duras. Un día, la mujer del leñador rescata a un bebé. Una niña arrojada desde uno de los muchos trenes que atraviesan constantemente el bosque. Este bebé, «la más preciada de las cargas», transformará las vidas de la pobre mujer del leñador y de su marido, así como las de aquellos en cuyo camino se cruzará la niña, incluido el hombre que la arrojó desde el tren. Y algunos intentarán protegerla, cueste lo que cueste. Su historia revelará lo peor y lo mejor del corazón de los hombres.
Apoyamos a Michel Hazanavicius. The Artist le valió el Oscar en 2012 y lo hizo famoso en todo el mundo, mientras que La búsqueda (The Search) de 2014 casi lo destruye. Luego hizo películas excelentes y poco vistas en Mal genio (La redoutable AKA Godard Mon Amour) de 2017 y Corten! (Coupez!), que debutó en Cannes en 2022 y se basó en una película japonesa de 2017. La animación de The Most Precious of Cargoes luce preciosa y la historia desgarradora. Estrenos en competición en el Festival de Cine de Cannes.

12. The Substance (2024), de Coralie Fargeat

La explosiva versión feminista de Fargeat sobre el terror corporal. La directora Coralie Fargeat irrumpió en la escena de los festivales en 2017 con su audaz y visceral película feminista de neoexplotación, Revenge. En comparación con las películas francesas de New Extremity (como Martyrs y High Tension), Revenge estableció a la directora como un talento para observar. Al momento de escribir este artículo, los detalles de la trama de su segundo largometraje, The Substance, eran escasos. Para empezar, todavía no sabemos qué es esta “sustancia”. Pero sí sabemos que Demi Moore, Margaret Qualley y Dennis Quaid son los protagonistas, y que Fargeat promete "superar los límites con un tipo diferente de violencia". Ray Liotta fue elegido para la película en febrero de 2022. Murió en mayo de ese mismo año antes de poder filmar sus escenas. Como resultado, Dennis Quaid lo reemplazó. Estrenos en competición en el Festival de Cine de Cannes.

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Metro-Goldwin-Mayer cumple 100 años (VII)

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  • Historia de dos ciudades (A Tale of Two Cities, 1935), de Jack Conway. Fácilmente, la mejor de las nueve versiones rodadas hasta la fecha de la novela homónima de Charles Dickens. Tan lujosa como cabría esperar en una producción de la Metro de los años 30, la película nunca se resiente del trabajo de compresión que tuvieron que hacer sus guionistas, al tratarse de una obra muy larga y se beneficia además de una de las mejores interpretaciones de la carrera de Ronald Colman, en un papel que éste deseó interpretar durante mucho tiempo. Su gran éxito de taquilla le permitió al productor David O. Selznick independizarse de la Metro (y de su suegro, Louis B. Mayer) y crear su propio sello.
  • Romeo y Julieta (Romeo and Juliet, 1936), de George Cukor. Basada en la obra teatral de William Shakespeare. Otra versión de la archiconocida tragedia, que estuvo nominada a los Oscar. Cuenta con Leslie Howard y Norma Shearer como la pareja protagonista, que eran bastante maduritos para el papel de los dos enamorados. De todos modos, la película resulta notable, gracias en parte a la dirección que corre a cargo de George Cukor.
  • San Francisco (1936), de W.S. Van Dyke. W.S. Van Dyke fue el director de esta superproducción de la Metro, uno de sus grandes éxitos durante años. La película es un antiguo precedente de las filmes de catástrofes de los años 1970. Todavía hoy en día, sorprende el realismo con que se filmaron las escenas del famoso terremoto que destruyó San Francisco en 1916, y más si tenemos en cuenta la limitada tecnología del cine de mediados de los años 1930. El título logró seis nominaciones a los Oscar, pero tan solo se llevó el del mejor sonido. El reparto estuvo encabezado por Clark Gable, Jeanette MacDonald y Spencer Tracy, todos ellos en su mejor época como estrellas del momento.
  • La dama de las camelias (Camille (Margarita Gautier), 1936), de George Cukor. Poco después del difícil paso que le supuso el cambio al cine sonoro, Greta Garbo realiza una de sus mejores interpretaciones. La película está rodeada del glamour romántico casi palpable que desprende la pareja protagonista. Hasta que se pudieron contemplar las carcajadas de la diva en Ninotchka (1939), nadie creía que esta actriz recia y metódica pudiera salirse de la órbita del melodrama. Esta es una de las películas que alimentan ese mito dramático, porque a la fortaleza interpretativa de la actriz se une la trágica historia que se cuenta, inspirada en La dama de las camelias, de Alejandro Dumas.
  • El gran Ziegfeld (The Great Ziegfeld, 1936), de Robert Z. Leonard. A medio camino entre la biografía y el musical, la película no sólo se centra en la figura del mítico Florence Ziegfeld, sino que ofrece un recorrido por el nacimiento y la evolución del teatro de variedades en EE.UU. La cinta, muy representativa de los mejores años del sistema de estudios de Hollywood, consiguió en 1936 los Oscar a la mejor película, actriz (Luise Rainer) y coreografía. El director de la película, Robert Z. Leonard, daría posteriormente el empujón hacia la fama a Gina Lollobrigida en La mujer más bella del mundo.
  • Una mujer difamada (Libeled Lady, 1936), de Jack Conway. Desternillante comedia de enredo de los años 1930, de diálogos hilarantes. Excelente trabajo del reparto, formado por actores de MGM cuando en esta compañía había “más estrellas que en el cielo”. Hay pasajes verdaderamente desternillantes, como aquel en que William Powell presume de ser un experto en la pesca de la trucha ante Walter Connolly, con momentos de auténtico 'slapstick'. Myrna Loy está deslumbrante, pero Jean Harlow como la mujer que nunca logra que Spencer Tracy se case con ella, y que acaba enamorándose de Powell, no le anda a la zaga.
  • Un día en las carreras (A Day at the Races, 1937), dirigida por Sam Wood. Nueva cinta de los hermanos Marx que da más de lo mismo, y no es una queja. Los tres cómicos despilfarran humor por los cuatro costados y amenizan algunas escenas con la música del harpa y del piano. El número de los negros es fantástico. Además, Groucho vuelve a regalar juegos de palabras que despiertan la carcajada sin remediarlo, como cuando dice: 'Soy veterinario, cásate conmigo y nunca más miraré a otro animal'. Divertida película considerada uno de los mejores películas de los Marx, donde cuenta también entre el reparto con la asidua Margaret Dumont, Maureen O'Sullivan y Allan Jones. 
  • Capitanes intrépidos (Captains Courageous, 1937), de Victor Fleming. Película basada en una novela de Rudyard Kipling y dirigida magistralmente por Victor Fleming. Concebida en 1937 como una aventura para toda la familia, la película fue promocionada como una excitante producción repleta de secuencias de acción. Pero el filme ofrece algo más que eso. Nominada a cuatro Oscar, Capitanes intrépidos se hizo finalmente con la estatuilla para Spencer Tracy como mejor actor principal. Curiosamente, el intérprete no estaba originalmente interesado en el papel por varios motivos: debía cantar en varias secuencias, rizarse el cabello y consideraba que su personaje no tenía suficiente peso. Meses después, las buenas críticas cosechadas le harían cambiar de opinión.
(cont.)