Retrospectiva: “El desierto de los tártaro”

El desierto de los tártaros (Il deserto dei tártari, 1976), dirigida por Valerio Zurlino con Jacques Perrin, Vittorio Gassman, Giuliano Gemma, Helmut Griem, Philippe Noiret, Max Von Sydow, Francisco Rabal, Fernando Rey, Laurent Terzieff, Jean-Louis Trintignant, Shaban Golchin Honaz, Giuseppe Pambieri. Coproducción internacional basada en la novela homónima de Dino Buzzati.

Giuliano Gemma y Jacques Perrin en El desierto de los tártaros (1976)

La trama: El joven Drogo, recién nombrado oficial, es enviado a la fortaleza de Bastiano (llamada "Fortaleza Bastiani" en el libro), una construcción rodeada por los restos de una ciudad destruida que está estratégicamente situada para defender el paso de un inmenso y legendario desierto. Drogo, poco después de su ingreso en la fortaleza, pretende abandonarla, intentando conseguir un certificado médico que lo releve. La vida de la guarnición se desarrolla en medio de patrullas, sesiones y discusiones sobre tácticas de batalla, mientras esperan que el ataque del enemigo pueda justificar su presencia allí. Los oficiales al mando se suceden unos a otros; muchos oficiales son ascendidos. Los años han pasado, Drogo también ha sido ascendido, pero la vida de la guarnición, así como la desconcertante espera, lo destrozaron física y moralmente. Cuando la invasión finalmente llega, Drogo, enfermo y envejecido, es trasladado al interior del país, lejos del frente. Al salir de la fortaleza, Drogo ve los refuerzos enviados por el Alto Mando. Piensa de nuevo en todos los años pasados en vano, y muere con el pesar de no haber podido vivir sus sueños de gloria.

Jean-Louis Trintignant en El desierto de los tártaros (1976)

Esta película presenta una de las localizaciones más extraordinarias que se hayan visto jamás, aparentemente filmada en el sureste de Irán. Gigantescas montañas nevadas se alzan en la distancia, mientras que más cerca, una fortaleza en el desierto se eleva sobre lo que parecen ser los restos de antiguas ruinas abandonadas. En este escenario, un puesto de avanzada al borde del desierto de los tártaros, dominado por la roca, la arena y una niebla perpetua, el extraordinario mundo visual externo representa el mundo interiorizado que evoluciona con el tiempo.

El mes de la mujer: 8 de marzo. Abuelas, madres, hijas, nietas y, por supuesto, esposas… (VI)

11. Historia de una pasión (A Quiet Passion, 2016), de Terence Davies

Biopic de la obra y vida de la gran Emily Dickinson, una poetisa que paso la mayor parte de su vida en casa de sus padres en Amherst, Massachusetts. La mansión en la que vivió sirve de telón de fondo al retrato de una mujer nada convencional de la que se sabe muy poco. Nacida en 1803, fue considerada una niña con talento, pero un trauma emocional la obligó a dejar los estudios. A partir de ese momento, se retiró de la sociedad y empezó a escribir poemas. A pesar de su vida solitaria, su obra transporta a sus lectores a su apasionante mundo. Esta es la historia de la poeta estadounidense Emily Dickinson, desde su infancia hasta convertirse en la famosa artista que conocemos.

Cynthia Nixon y Jennifer Ehle en Historia de una pasión (2016)

El cineasta británico tiene la virtud de hacer viajar al espectador en el tiempo, nos introduce en una época y contexto sociales, sin manipular con una visión contemporánea y anacrónica. Y, paradoja, encuentra lo que su alma sensible de artista tiene en común con Dickinson, la búsqueda de la belleza en un mundo a veces desagradable, y la rebelión contra las religiones organizadas para optar por una versión personal de la búsqueda de la trascendencia: no por casualidad Davies al presentar su película decía ser un ex católico al que Dios había ayudado a llevar a buen término su trabajo. Y la escena de arranque, en que Dickinson va a contracorriente en una escuela evangélica de señoritas, sería un ejemplo de esa conexión.

12. La casa de la esperanza (The Zookeeper's Wife, 2017), de Niki Caro

La brutal invasión de Polonia por parte de la Alemania nazi causa estragos en Varsovia. Y el horror se multiplica cuando empiezan a deportar a los judíos hacia lo que es una aniquilación segura. Lejos de permanecer impasibles, el guardián del zoo de la ciudad, Jan Zabinski (Johan Heldenberg) y su esposa Antonina (Jessica Chastain) arriesgan sus vidas utilizando el zoo como tapadera para ayudar a escapar a tantos judíos como pueden. En tiempos terribles, Antonina y los judíos a los que ayuda logran mantener viva la llama de la esperanza y la confianza en el ser humano.

Jessica Chastain en La casa de la esperanza (2017)

Adaptación al cine de The Zookeeper’s Wife: A War Story, de Diane Ackerman, que recrea la historia real de Jan y Antonina Zabinski, el director del zoo de Varsovia y su esposa, que durante la II Guerra Mundial contribuyeron a esconder en las instalaciones del mismo a numerosos judíos.

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Las 40 mejores películas bélicas ambientadas en la Segunda Guerra Mundial y dónde verlas (X)

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27. La delgada línea roja (The Thin Red Line, 1988) 

Director: Terrence Malick. Reparto: Jim Caviezel, Sean Penn, Adrien Brody, Ben Chaplin, George Clooney, John Cusack, Woody Harrelson, Elias Koteas, Jared Leto, Dash Mihok, Tim Blake Nelson, Nick Nolte, John C. Reilly, Nick Stahl, John Travolta.

La trama: Año 1942, en plena Segunda Guerra Mundial en la Isla de Guadalcanal, en el Pacífico. Un grupo de hombres de la compañía de fusileros del ejército americano "C de Charlie" combate contra el ejército japonés por la conquista de una estratégica colina. Este grupo forma parte de las tropas enviadas para relevar a las unidades de infantería de la Marina, agotadas por el combate. Un conjunto de soldados en Guadalcanal afronta la naturaleza hostil, el terror del combate y sus propios conflictos internos. La narración reflexiona sobre la guerra desde una mirada humana, poética y contemplativa. 

Curiosidades: El monumental metraje que Malick acumuló obligó a una poda quirúrgica que dejó fuera a intérpretes de renombre y redujo papeles concebidos como pilares del relato, hasta el punto de que Adrien Brody, inicialmente planteado como el protagonista, descubrió en el estreno que su presencia quedaba relegada a casi testimonial, víctima de un montaje que redefinió por completo el corazón de la película. Disponible en Disney +.

28. Salvar al soldado Ryan (Saving Private Ryan, 1998)

Director: Steven Spielberg. Reparto: Tom Hanks, Tom Sizemore, Edward Burns, Matt Damon, Jeremy Davies, Adam Goldberg, Barry Pepper, Giovanni Ribisi, Vin Diesel. 

La trama: Un pelotón estadounidense se adentra en territorio controlado por los alemanes para encontrar al último superviviente de una familia de cuatro soldados. El viaje los enfrenta al miedo, al sacrificio y a la brutalidad del combate.

Curiosidades: Spielberg buscó que el caos de Omaha Beach dejara huella en sus actores y, para lograrlo, evitó coreografiar el estallido de las cargas, de modo que cada sobresalto les sorprendiera como a los soldados reales; aquella decisión, unida al uso de amputados entre los extras y a un despliegue logístico descomunal, convirtió la secuencia en un rodaje físico y una de las escenas más recordadas de la historia del cine. Disponible en: Netflix, Prime Video, SkyShowtime, Movistar+.

29. Enemigo a las puertas (Enemy at the Gates, 2001)

Director: Jean‑Jacques Annaud. Reparto: Jude Law, Joseph Fiennes, Ed Harris, Rachel Weisz, Bob Hoskins, Ron Perlman, Eva Mattes, Matthias Habich, Gabriel Thomson, Sophie Rois, Ivan Shvedoff, Clemens Schick.

La trama: Año 1942, en plena Segunda Guerra Mundial. Mientras los ejércitos de Alemania y Rusia luchan encarnizadamente y el mundo espera con ansiedad el desenlace de la batalla de Stalingrado, un francotirador ruso, Vassili Zaitsev, persevera en la empresa de eliminar a sus enemigos uno por uno. Danilov -el oficial encargado de la propaganda soviética- lo convierte en un héroe nacional que debe servir de ejemplo para animar a las tropas a proseguir la lucha contra el ejército alemán. Los alemanes, por su parte, envían a su mejor francotirador, el mayor König, para que elimine a Vassili. 

Curiosidades: Annaud se negó a que Stalingrado dependiera del CGI y apostó por un gigantesco decorado físico ubicado en Alemania que ocuparía cientos de metros, levantado a base de escombros reales. Esta localización supuso un problema con el uso de los uniformes alemanes, que estaban prohibidos por ley. Disponible en Prime Video.

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Hace 100 años: La violinista de Florencia

El 10 de marzo de 1926 se estrenó la película alemana La violinista de Florencia (Der Geiger von Florenz), dirigida por Paul Czinner e interpretada por Elisabeth Bergner, Conrad Veidt, Nora Gregor, Walter Rilla, Grete Mosheim, Ellen Plessow. Productora: Elisabeth Bergner Poetic Film Co. Duración: 68 minutos. 

Sinopsis argumental: Renée es una joven que adora a su padre y aborrece a su madrastra, por la simple razón de su amor extremo hacia su progenitor, que se volvió a casar al morir su primera esposa. Es llevada a un internado, del que se escapará para huir a Italia, donde piensa forjar su vida sin ayuda de nadie.

Comentario: La película es reconocida por la actuación de Bergner y su narrativa de intriga y disfraces.

El mes de la mujer: 8 de marzo. Abuelas, madres, hijas, nietas y, por supuesto, esposas… (V)

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9. Big Eyes (2014), dirigida por Tim Burton

La historia real de Walter Keane (Christoph Waltz), uno de los pintores más exitosos de los años 1950 y principios de los 1960. El artista alcanzó una notoriedad asombrosa al revolucionar la comercialización y accesibilidad del arte popular con sus enigmáticas pinturas de niños abandonados con grandes ojos. Sin embargo, la verdad terminaría saliendo a la luz: la obra de Keane no fue creada por él, sino por su esposa, Margaret (Amy Adams). Al parecer, los Keane vivieron una mentira que fue creciendo hasta alcanzar proporciones gigantescas. Big Eyes se centra en el despertar de Margaret como artista, en el fenomenal éxito de sus pinturas y la tumultuosa relación que mantuvo con su marido, catapultado a la fama mundial mientras se llevaba todo el crédito por el trabajo de Margaret.

Christoph Waltz y Amy Adams en Big Eyes (2014)

Resulta difícil no entresacar de Big Eyes una metáfora de las dificultades que atraviesa la creación artística, y si se sustituye a la pintora protagonista por un cineasta, y al embaucador Keane por un productor, es fácil darse cuenta de que Burton ha dejado mucho de sí mismo en el relato.

10. Negación (Denial, 2016), dirigida por Mick Jackson

Cuando la famosa historiadora norteamericana Deborah E. Lipstadt acusó a determinados periodistas e historiadores de negacionistas en su libro "La Negación del Holocausto", fue denunciada por el negacionista británico David Irving, un famoso periodista e historiador admirador de Hitler, y que se querelló en 1996 contra ella por difamación. Entonces Lipstadt se propuso derrotar a Irving y los negacionistas en Inglaterra únicamente con expertos en el ámbito académico, sin llamar a declarar siquiera a un sólo superviviente de la Shoah.

Rachel Weizs en Negación (2016)

Basada en una historia real. El guion de David Hare procura ceñirse únicamente y someramente a las relaciones de Lipstadt con sus abogados británicos y a sus intervenciones en la sala judicial. Se muestra con eficacia la magnitud de ese juicio, el nerviosismo que genera, pues una sentencia a favor del demandante (Irving), parecería justificar la aceptabilidad de la postura negacionista. En este sentido la película es clara y evita confusiones, lo cual se acentúa con una narración muy clásica desde el punto de vista visual.

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Las 40 mejores películas bélicas ambientadas en la Segunda Guerra Mundial y dónde verlas (IX)

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24. Uno Rojo: división de choque (The Big Red One, 1980)

Director: Samuel Fuller. Reparto: Lee Marvin, Mark Hamill, Robert Carradine, Bobby Di Cicco, Kelly Ward, Siegfried Rauch, Marthe Villalonga, Stéphane Audran, Perry Lang, Matteo Zoffoli. 

La trama: Cuatro jóvenes soldados de infantería se ven conducidos por su sargento a través de los campos de batalla de media Europa durante la Segunda Guerra Mundial, empezando por la Operación Antorcha, posteriormente la Operación Husky y después el Desembarco en Normandía, en Francia, pasando por el asalto a Mons en Bélgica, la Batalla de Crucifix Hill en Alemania y terminando por el cruce de la Línea Sigfrido el 19 de enero de 1945, donde la guerra termina para ellos.

Curiosidades: Está considerada una gran obra del cine bélico. Filmar en Israel añadió un toque surrealista en los descansos entre tomas: aquellos supuestos soldados alemanes se quitaban el casco y dejaban ver la kipá mientras hojeaban la Torá. Fuller tomó la escena de los gritos cuando pasaban los tanques por encima de su propia experiencia durante la guerra. Disponible en Movistar+, Filmin. 

25. El submarino (Das Boot, 1981)

Director: Wolfgang Petersen. Reparto: Jürgen Prochnow, Herbert Grönemeyer, Klaus Wennemann, Hubertus Bengsch, Martin Semmelrogge, Bernd Tauber, Erwin Leder, Martin May, Heinz Hoenig, Uwe Ochsenknecht, Claude-Oliver Rudolph, Jan Fedder, Ralf Richter, Joachim Bernhard, Oliver Stritzel. 

La trama: Un submarino alemán de la Segunda Guerra Mundial es el escenario en el que un grupo de jóvenes soldados, dispuesto a defender su patria, tendrá que someterse a una dura convivencia, tras descubrir que han sido enviados a realizar una misión probablemente suicida. El miedo, la espera y el desgaste emocional marcan cada jornada en un entorno claustrofóbico.

Curiosidades: Su rodaje convirtió el set en un encierro prolongado donde los actores pasaban meses dentro de un submarino construido a escala real, reproduciendo una tensión que no tardó en hacer mella psicológica en varios de ellos, afectados por el calor, la falta de espacio personal y la claustrofobia. Disponible en Rakuten TV.

26. Masacre. Ven y mira (Idi i smotri, 1985)

Director: Elem Klimov. Reparto: Aleksei Kravchenko, Olga Mironova, Liubomiras Lauciavicius, Vladas Bagdonas, Juris Lumiste, Viktor Lorents.

La trama: Un adolescente bielorruso se une a los partisanos y descubre el horror absoluto de la ocupación nazi. Su descenso a un infierno real refleja una de las visiones más crudas y devastadoras del conflicto. Película de encargo para celebrar el 40 aniversario de la victoria aliada en la Segunda Guerra Mundial. Relata, a través de los ojos de un niño progresivamente endurecido por el sufrimiento, la matanza sistemática de los habitantes de las aldeas bielorrusas, más de 600, durante la guerra.

Curiosidades: La lucha de Klimov contra la censura soviética marcó desde el origen el pulso de la película: ocho años tardó en conseguir los permisos. Cuando por fin pudo rodarse, la crudeza emocional de la película era tal que el equipo tuvo que proteger al joven Kravchenko durante las escenas más duras. Disponible en Filmin.

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“Proyecto Salvación”, próxima película de ciencia-ficción y aventuras

Proyecto Salvación (Project Hail Mary, 2026), de Phil Lord y Christopher Millercon. La película está protagonizada por Ryan Gosling (quien también es productor), Sandra Hüller, Lionel Boyce, Ken Leung, Milana Vayntrub, Liz Kingsman, James Wright. Adaptación de la novela homónima de Andy Weir de 2021. 

La trama: El profesor de ciencias Ryland Grace (Ryan Gosling) se despierta en una nave espacial a años luz de casa sin recordar quién es ni cómo ha llegado hasta allí. A medida que recupera la memoria, empieza a descubrir su misión: resolver el enigma de la misteriosa sustancia que provoca la extinción del sol. Deberá recurrir a sus conocimientos científicos y a sus ideas poco ortodoxas para salvar todo lo que hay en la Tierra de la extinción... pero una amistad inesperada significa que quizá no tenga que hacerlo solo.

En un momento en que el cine comercial parece obsesionado con el déjà vu, de repetirse en secuelas o vivir de historias que recrean videojuegos, esta película plantea la rareza de contar una idea original.

Retrospectiva: Hoy recordamos a “Rebeca”

Rebeca (Rebecca, 1940), la película dirigida por Alfred Hitchcock y protagonizada por Joan Fontaine y Laurence Olivier, se llevó el Premio de la Academia a la mejor película el 27 de febrero de 1941.

Laurence Olivier, Joan Fontaine y Florence Bates en Rebeca (1940)

En la ceremonia de los 13.º Premios Óscar, celebrada en el Biltmore Hotel de Los Ángeles, Rebeca se coronó como la gran ganadora de la noche al recibir el Om (Outstanding Production, como se denominaba entonces), entregado al productor David O. Selznick. Esta victoria la convirtió en la única película de Alfred Hitchcock que obtuvo este prestigioso galardón en toda su carrera, a pesar de que el maestro del suspense fue nominado en otras categorías en múltiples ocasiones sin ganar nunca el de mejor director.

 Joan Fontaine en Rebeca (1940)

La película, adaptación fiel de la novela homónima de Daphne du Maurier publicada en 1938, acumuló 11 nominaciones  —más que cualquier otra película ese año—, pero solo se llevó dos estatuillas: mejor película y mejor fotografía en blanco y negro (para George Barnes). Entre las nominaciones destacaron las de mejor director (Hitchcock), mejor actor (Laurence Olivier como el atormentado Maxim de Winter), mejor actriz (Joan Fontaine en el rol de la joven e ingenua segunda esposa sin nombre) y mejor actriz de reparto (Judith Anderson en su icónica interpretación de la siniestra ama de llaves Mrs. Danvers).

Laurence Olivier y Joan Fontaine en Rebeca (1940)

Curiosamente, Rebeca es la única película ganador de mejor Película desde la introducción de las categorías de actuación de reparto en 1936 que no recibió ningún premio en las categorías de actuación, dirección o guion. A pesar de las tensiones creativas entre Hitchcock y Selznick —quien insistió en mantener la fidelidad absoluta al libro, mientras Hitchcock prefería un enfoque más personal y cinematográfico—, la película triunfó en taquilla (recaudó cerca de tres veces su presupuesto) y fue aclamada por la crítica por su atmósfera gótica, su suspense psicológico y su exploración de temas como los celos, la identidad y el peso del pasado.

Joan Fontaine y Judith Anderson en Rebeca (1940)

La trama sigue a una joven tímida y sin nombre que, tras un romance fugaz en Monte Carlo, se casa con el viudo aristócrata Maxim de Winter y se traslada a su imponente mansión Manderley, en la costa de Cornualles. Allí, la sombra omnipresente de la primera esposa fallecida, Rebecca —idealizada por todos, especialmente por la obsesiva Mrs. Danvers—, convierte la vida de la nueva señora de Winter en un tormento de inseguridad y misterio, hasta un desenlace impactante que mezcla tragedia y revelaciones inesperadas.

Judith Anderson en Rebeca (1940)

Hoy, más de ocho décadas después, Rebeca sigue considerándose una obra maestra del cine gótico y un hito en la filmografía de Hitchcock, marcando su exitoso debut en Hollywood tras firmar con Selznick. Su victoria en los Oscar de 1940 no solo consolidó su estatus como clásico, sino que también demostró el poder de una historia bien contada, llena de intriga y emociones profundas.

El mes de la mujer: 8 de marzo. Abuelas, madres, hijas, nietas y, por supuesto, esposas… (IV)

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7. It Follows (2014), de David Robert Mitchell

Jay, de 18 años, tiene su primer encuentro sexual con su novio en la parte trasera de un coche. Tras el hecho, aparentemente inocente, la situación se pone algo tensa cuando su novio hace que ella se desmaye. Al despertar, el joven le explica que lo hizo para ahuyentar a una serie de espíritus que lo acosan. A partir de ese momento, es Jay quien sufrirá las consecuencias de ese acoso, encontrándose sumergida en visiones y pesadillas; teniendo la sensación de que alguien o algo la observa.

Maika Monroe en It Follows (2014)

It Follows cuenta con una premisa angustiosa, pues la protagonista no puede dejar de estar alerta, ya que en cualquier momento puede aparecer el ser que le acecha. Esto da lugar a algunas secuencias llenas de tensión, con una excelente planificación donde prima la profundidad de campo, pues el terror puede surgir en la distancia.

8. La señorita Julia (Fröken Julie, 2014), de Liv Ullmann

La historia transcurre en el verano de 1880, durante la noche de San Juan. En una mansión irlandesa, la joven aristócrata Miss Julie (Jessica Chastain) y un criado de su padre (Colin Farrell). En un ambiente festivo del que han desaparecido las barreras sociales, Julia y John bailan, beben, se seducen y manipulan. Ella, llena de altivez, desea rebajarse; él es educado, pero zafio. A los dos les une un deseo y una repulsión mutua. Seductores y tiernos, o brutales y salvajes, sus momentos íntimos les empujan a hacer planes desesperados y a soñar con una vida juntos. Sin saber si la mañana traerá esperanza o desesperanza. 

Colin Farrel y Jessica Chastain en La señorita Julia (2014)

Adaptación de la conocida obra teatral de August Strindberg a cargo de la cineasta noruega Liv Ullmann, que traslada la acción a Irlanda, seguramente para justificar el rodaje en inglés y un atractivo reparto, con grandes trabajos de Jessica Chastain, Colin Farrell y Samantha Morton. La directora y adaptadora de la obra se empeña en dar al film empaque cinematográfico, moviendo a los personajes por la casa señorial donde transcurre la acción, mostrando brevemente la infancia de la protagonista, y recurriendo a la imagen del río para entregar un bello plano final que remite a un célebre cuadro prerrafaelita.

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Hace 100 años: El pirata negro

El 8 de marzo de 1926 se estrenó la película estadounidense El pirata negro (The Black Pirate), dirigida por Albert Parker e interpretada por Douglas Fairbanks, Billie Dove, Anders Randolf, Donald Crisp, Sam de Grasse, Charles Stevens. Productora: Elton Corporation. Duración: 88 minutos.

Sinopsis argumental: Douglas Fairbanks interpreta a un noble que quiere vengar la muerte de su padre y para ello se embarca en un navío pirata disfrazado como uno de los corsarios. 

Comentario: Excelente película de la época del cine mudo, contiene ya todos los elementos de las obras clásicas del genero de aventuras. Douglas Fairbanks, rey de este tipo de películas (más tarde le tomaría el relevo Errol Flynn). Albert Parker dirige esta película, que se basa en una historia del propio Fairbanks, que la escribió bajo el pseudónimo de Elton Thomas. Abordajes de barcos, luchas de espadas, las más increíbles peripecias acrobáticas, y un apasionado romance se suceden a un ritmo trepidante. La ausencia de voz apenas se deja notar en esta película, que dejará sin resuello al espectador

“El juego dé Ripley”, adaptación del célebre personaje de Patricia lo Higsmith

Con casi un cuarto de siglo de existencia, debemos traer a colación la película estadounidense El juego de Ripley (Ripley’s Game, 2002), dirigida por Liliana Cavani e interpretada por John Malkovich, Lena Headey, Dougray Scott, Ray Winstone, Chiara Caselli, Sam Blitz, Evelina Meghnagi, Lutz Winde. 

La trama: Tom Ripley, cínico e inmoral, tiene una lujosa mansión, una guapa mujer, y un lucrativo negocio de falsificación de cuadros. Para él, matar es como beberse un vaso de agua, no le plantea ningún problema. Aburrido de la vida, se entretiene en un “juego” divertido (para él, al menos): se las arregla para corromper a un vecino, un buen tipo, al que han diagnosticado una enfermedad terminal. Sabiendo que su muerte es cuestión de tiempo, seguro que no le importará matar a un gángster, piensa Ripley; le pagarían un buen dinero, que aseguraría el futuro de su familia. Al principio, rehúsa la siniestra propuesta, pero poco a poco...

Adaptación de la inquietante novela de Patricia Highsmith, una de las cinco que tienen como protagonista a Tom Ripley. La italiana Liliana Cavani asegura que “normalmente el suspense da la respuesta a la pregunta ¿Qué va a pasar? Pero aquí la pregunta es, ¿Cómo van a reaccionar los personajes?. Eso es lo más fascinante de esta película. Quizá por aquello de barrer para casa, la directora traslada la acción, que en la novela tiene lugar en Francia, a su Italia natal. Al fin y al cabo lo mismo hizo Wim Wenders con El amigo americano, su versión de la novela, que situó en Alemania.

John Malkovich da vida a Tom Ripley en la película que comentamos. Pero antes de él se metieron en la piel del enigmático personaje otros carismáticos actores: 

Alain Delon en A pleno sol (Plein soleil, 1960), Dennis Hopper en El amigo americano (Der Amerikanische Freund, 1977) y Matt Damon en El talento de Mr. Ripley (The Talented Mr. Ripley, 1999). Además, tres años después que Malkovich interpretara al famoso personaje, en el 2005, el actor Barry Pepper hizo de Tom Ripley en la película televisiva Mr. Ripley el regreso (Ripley Under Ground). Y, en 2024, de nuevo se realiza una nueva versión para la televisión, Ripley, una miniserie de ocho episodios. 

El mes de la mujer: 8 de marzo. Abuelas, madres, hijas, nietas y, por supuesto, esposas… (III) 8/3

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5. Sin rastro (Gone) (2012), de Heitor Dhalia

Jill Parrish (Amanda Seyfried) regresa a su casa después de pasar la noche trabajando y descubre que su hermana ha sido raptada. Jill sospecha que el secuestrador es el mismo que la atormentó a ella años atrás. Nadie cree a Jill, por lo que deberá luchar por sí misma contra reloj para evitar que el misterioso asesino acabe con la vida de su hermana.

Amanda Seyfried en Sin rastro (Gone) (2014)

La película se dedica a presentar a una chica perpetuamente agobiada, que huye de la policía y que a la vez, con fría inteligencia, pista tras pista, va desmadejando el ovillo que supuestamente le ha de llevar al asesino, como si de una desesperada Sherlock Holmes se tratara.

6. La buena mentira (The Good Lie, 2014), de Philippe Falardeau

Inspirada en hechos reales, sigue a un joven refugiado de la Guerra Civil sudanesa quien, junto a otros “Niños Perdidos del Sudán”, gana una lotería para reubicarse en los Estados Unidos. Tras su llegada a América, los jóvenes son presentados a Carrie (Reese Witherspoon), una trabajadora social que, consciente de las privaciones que han sufrido, les intenta enseñar cómo desenvolverse en el mundo moderno.

Reese Witherspoon Y Corey Stoll en La buena mentira (2014)

Su película tiene interés por su dramatismo basado en hechos reales, y por el inteligente contraste que la trama ofrece entre personas procedentes del Tercer Mundo –que saben lo que es el dolor y la muerte, se ven sostenidos por su fe cristiana, estrechan sus lazos familiares, se preocupan de los otros, con sencillez distinguen entre lo que está bien y lo que está mal– y las de la sociedad opulenta –que aunque en algún caso pueden ayudar al prójimo y tener buenos sentimientos, van por la vida demasiado deprisa, lo que les ha hecho perder un poco el norte, no saber ver individuos concretos en la gente que tienen alrededor.

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Volvimos a ver “Vida y amores de una diablesa-Devil” en Amazon Prime…

Y debajo de la sátira se escondía un feminismo mordaz. Esta mordaz comedia sobre una traición romántica fue un fracaso cuando se estrenó en 1989. Si bien la película aún adolece de una producción kitsch, Susan Seidelman le infundió un subtexto feminista que pasó desapercibido.

La década de 1980 marcó el final de la segunda ola de feminismo en Estados Unidos. Tras la selección de Smithereens (La chica de Nueva York) (Smithereens, 1982) en Cannes, la joven Susan Seidelman, que hasta entonces había florecido en la escena cinematográfica ultraindependiente de Nueva York, vio cómo se abrían las puertas de los estudios y se multiplicaban los proyectos, algunos más significativos que otros. Por supuesto, estuvo Buscando desesperadamente a Susan (Desperately Seeking Susan, 1985), que catapultó a Madonna al estrellato, con la ayuda, y aún más, del éxito del álbum Like a Virgin. Pero también estuvo Vida y amores de una diablesa (She-Devil, 1989), mucho menos aclamada que su predecesora.

Roseanne Barr, ya estrella de la comedia televisiva Roseanne, y Meryl Streep post Manhattan, Kramer vs. Kramer y Memorias de África compiten por el primer puesto... y un hombre (Ed Begley Jr.) que abandona a la primera, una esposa devota pero mal vestida, por la segunda, una adinerada y rubia escritora de novelas románticas. Negándose a ser relegada al papel de cornuda desconsolada, Ruth se venga meticulosamente de este adúltero, un padre negligente y cazafortunas. En el papel, es un placer; en realidad, fracasa. La culpa la tiene la dirección contenida —más, al menos, que las películas experimentales que hicieron famosa a la autora— con una dirección artística demasiado kitsch, incluso para la época, y con una pérdida de impulso creativo, sin duda vinculada a los sucesivos fracasos de Fabricando al hombre perfecto (Making Mr. Right, 1987) y Mi rebelde Cookie (Cookie, 1989). Y, de hecho, Vida y amores de una diablesa, el último largometraje dirigido por la cineasta antes de comenzar la década de 2000, fue un fracaso de taquilla, condenada al olvido cinematográfico.

La venganza social de una mujer

Casi cuarenta años después, aún hay algo que rescatar de este accidente industrial. Es imposible, por un lado, ver Vida y amores de una diablesa hoy sin trazar el obvio paralelismo con La muerte te sienta tan bien (Death Becomes Her), dirigida en 1992 por Zemeckis, recién llegado de sus aventuras en el tiempo (la trilogía de Regreso al futuro): traición, un triángulo amoroso, una observación burlona de la implacabilidad de los estándares de belleza, Meryl Streep en el reparto… Dos guiones idénticos, entonces, excepto que Susan Seidelman se niega a ver a dos mujeres luchando por el afecto de un hombre, incluso hasta la muerte, en la película de Zemeckis. No, en su versión, el hombre debe afrontar las consecuencias de sus actos. Porque, como sátira de una veleidad típicamente masculina, Vida y amores de una diablesa también se erige como un manifiesto.

En definitiva, lo que la directora destaca es la venganza social de una mujer que, con sus rasgos prominentes y curvas consideradas demasiado generosas, es condenada al ostracismo por la sociedad y su plétora de cánones de belleza arbitrarios. “Algunas mujeres nacen hermosas, como si fuera fácil. Pero la mayoría tiene que dedicar tiempo y esfuerzo a su apariencia. Y luego están las que necesitamos toda la ayuda posible, como yo”. Esta primera línea, desde una perspectiva feminista, se convierte en la tesis dominante que hay que derribar, el desequilibrio social que hay que contrarrestar. “Si eres mujer, no hay justicia en el mundo”, dice Ruth, y finalmente se vengará, poniendo todo el sistema en contra de su marido infiel.

Retrospectiva: “Flecha rota”, un western revisionista

Un más que notable western del director Delmer Daves e interpretado por James Stewart, Jeff Chandler, Debra Paget, Basil Ruysdael, Will Geer, Joyce Mackenzie, Arthur Hunnicutt. 

La trama: En 1870 los enfrentamientos entre blancos e indios se hicieron especialmente trágicos y sangrientos. Tom Jeffords (interpretado por James Stewart) era un hombre que creía firmemente que los Apaches estaban siendo tratados injustamente. Tras ofrecerse como amigo al jefe indio Cochise (interpretado por Jeff Chandler), y ofrecerle una tregua, Jeffords es llamado por un general norteamericano para ofrecer un trato de paz a los indios en nombre del gobierno. Jeffords cumple satisfactoriamente con la misión encomendada, pero pronto experimentará la tragedia cuando él mismo, su mujer india (Debra Paget) y su gran amigo Cochise se convierten en objetivos de una emboscada que les ha tendido un grupo de renegados.

Flecha rota fue y a película inusual para la época en la que fue filmada, debido a que entonces en el cine de Hollywood el tema de las guerras contra los indios se trataba normalmente de una forma plana y éstos siempre eran los malvados, sin ningún tipo de escrúpulos. Sin embargo, esta cinta, del excelente artesano Delmer Daves, aborda estos hechos de una forma mucho más realista, cuidando sobre todo las caracterizaciones de los pieles rojas.

James Stewart consiguió con su actuación un nuevo clásico del oeste, como los muchos que figuran en su amplia filmografía. Su personaje es un hombre adelantado a su tiempo que, tras casarse con una india, no comprende el odio injustificado de su pueblo contra esta etnia.