Efemérides de cine: Astérix y las 12 pruebas

El 12 de marzo de 1976 se estrenó la película Astérix y las 12 pruebas AKA Las doce pruebas de Astérix (Les douze travaux d'Astérix), dirigida por René Goscinny, Albert Uderzo, Pierre Watrin. Reparto: Animación. Productora: Dargaud Films, Les Productions René Goscinny, Studios Idefix. Duración: 84 minutos. 

Sinopsis argumental: Corre el año 50 A.C. En la Galia, ocupada por los romanos, un pequeño poblado galo resiste de forma victoriosa a los insistentes ataques de los invasores. César sabe que hay que hacer algo para evitar verse humillado y ridiculizado. Por ello obliga a los habitantes del poblado a que elijan dos representantes que deberán superar doce pruebas que sólo los dioses podrían resistir. Lo que no sabe César es que los dos galos elegidos: Astérix, el guerrero, y Obélix, el portador de menhires, cuentan con la ayuda de la poción mágica cuya fórmula secreta solamente conoce el druida Panorámix. 

Comentario: Primer largometraje de Studios Idéfix, y la película más exitosa de las que se han llevado a cabo sobre la serie de historietas Astérix el Galo. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

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13. Madre! (Mother!, 2017), de Darren Aronofsky

La historia de un poeta horas bajas (Javier Bardem) y de su joven esposa (Jennifer Lawrence) que viven en una vieja casa de campo aislada. Un día, un extraño (Harris) y su esposa (Pfeiffer) se presentan en la casa. Su visita provocará que nuestro poeta (Bardem) recupere la inspiración que había perdido y escriba la obra que le traerá la ansiada fama, pero que también cambiará la vida de todos los que se encuentran bajo el mismo techo.

Jennifer Lawrence en Madre! (2017)

Parte del atractivo de la película es la capacidad de sugerencia, y muchos son los tonos que impregnan la narración, aunque sí uno hay que destacar por encima de todos, me decanto por la deuda con Kafka, esa sensación de estar inmerso en una peripecia en que el desconcierto aguarda constantemente a la vuelta de la esquina, a pesar del comportamiento impostado de los que te rodean, que teóricamente se comportan con normalidad y actúan de modo razonable, aunque en realidad todo es alocado y surrealista.

14. La furia (2025), dirigida por Gemma Blasco

Alex, una joven actriz, es violada en una fiesta en Nochevieja sin reconocer a su agresor. Cuando acude a su hermano Adrián en busca de abrigo y compresión, éste reacciona cuestionándola y presionándola. Así, Alex se distancia de su hermano. A lo largo de un año vive sola el asco, la vergüenza y la culpa. Adrián, consumido por la rabia, toma sus propias decisiones en un camino cada vez más oscuro, muy lejos de lo que Álex necesita. Mientras, ella interpreta al vengativo personaje de Medea y encuentra en el teatro la única forma de canalizar su dolor e ira.

Alex Monner y Angela Cervantes en La furia (2025)

La película intenta explicar que el dolor no sólo afecta a la víctima, sino que se propaga a su entorno y transforma las relaciones interpersonales. También plantea una reflexión sobre el castigo y la venganza: Adrián reacciona con ira, buscando justicia por su cuenta, mientras que Alexandra intenta canalizar su trauma a través del arte. La metáfora de Medea se convierte en un eje central de la película, pues la protagonista, al ensayar la obra, revisita su propio sufrimiento y busca una catarsis que la ayude a sobrevivir. La propia Gemma Blasco ha coescrito con Eva Pauné un sutil guión, que no cae en el didactismo ni en el juicio moral, sino que muestra la violencia como un ciclo destructivo del que es difícil escapar. 

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30. Banderas de nuestros padres (Flags of Our Fathers, 2006)

Director: Clint Eastwood. Reparto: Ryan Phillippe, Jesse Bradford, Adam Beach, John Benjamin Hickey, John Slattery, Barry Pepper, Paul Walker, Robert Patrick, Neal McDonough, Jon Polito, Judith Ivey, Melanie Lynskey, Jamie Bell, Scott Eastwood, Benjamin Walker, Len Cariou, Tom McCarthy, Chris Bauer, Joseph Cross, Stark Sands, Harve Presnell, George Grizzard.

La trama: Segunda Guerra Mundial (1939-1945). La batalla de Iwo Jima (1945), el episodio más cruento de la guerra del Pacífico, quedó inmortalizada en la foto de unos soldados que izaban una bandera norteamericana. El objetivo de esta batalla era la toma de un islote insignificante, pero de gran valor estratégico, pues desde allí los japoneses defendían su territorio. En la contienda cayeron más de 20.000 japoneses y 7.000 estadounidenses. Mientras tanto, en los Estados Unidos la célebre foto en la que seis soldados izaban la bandera americana fue un instrumento propagandístico para conseguir fondos que permitieran seguir sufragando los gastos de la guerra. 

Curiosidades: La recreación del izado de la bandera llevó al equipo a reproducir con exactitud la cima del Suribachi y la disposición de los marines en la fotografía histórica, un trabajo casi arqueológico que Eastwood quiso mantener sobrio, consciente de que la propia imagen ya cargaba con todo el peso del mito. El mismo año el propio Eastwood dirigió Cartas desde Iwo Jima, que narra la misma batalla desde el punto de vista japonés. Disponible en: Alquiler en Apple TV, Rakuten TV y Prime Video.

31. Cartas desde Iwo Jima (Letters from Iwo Jima, 2006)

Director: Clint Eastwood. Reparto:  Ken Watanabe, Kazunari Ninomiya, Tsuyoshi Ihara, Ryo Kase, Shido Nakamura, Hiroshi Watanabe. 

La trama: Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Rodada íntegramente en japonés, la película ofrece la versión nipona de la batalla de Iwo Jima, el episodio más cruento de la guerra del Pacífico, en el que murieron más de 20.000 japoneses y 7.000 estadounidenses. El objetivo de la batalla para los japoneses era conservar un islote insignificante, pero de gran valor estratégico, pues desde allí defendían la integridad de su territorio. La versión japonesa muestra cómo el general Tadamichi Kuribayashi (Ken Watanabe) organizó la resistencia a través de un sistema de túneles.

Curiosidades: Eastwood decidió rodar la película al ver, durante Banderas de nuestros padres, que la mirada japonesa necesitaba su propio espacio, y esa voluntad de autenticidad se afianzó con las aportaciones del reparto, cuyos gestos, matices culturales y formas de tratar la jerarquía incorporó directamente al montaje. Disponible en: Netflix

32. Valkiria (Valkyrie, 2008)

Director: Bryan Singer. Reparto: Tom Cruise, Kenneth Branagh, Bill Nighy, Tom Wilkinson, Carice van Houten, Thomas Kretschmann, Terence Stamp, Matthias Schweighöfer, David Schofield, Kevin McNally, Tom Hollander, Eddie Izzard, Christian Berkel, David Bamber, Jamie Parker, Kenneth Cranham, Halina Reijn, Ian McNeice.

La trama: Gravemente herido en combate, el Coronel Claus von Stauffenberg (Cruise), un aristócrata alemán, regresa de África y, tras unirse a la resistencia alemana, se convierte en el cerebro de la Operación Valkiria, cuyo objetivo era derrocar el régimen nazi y acabar con la guerra eliminando previamente a Hitler. El atentado, que fracasó por diversas circunstancias, consistió en la colocación de una bomba en el búnker del Führer (1944). El plan preveía además la creación de un gobierno en la sombra que se haría cargo de Alemania tras la muerte del dictador. 

Curiosidades: Alemania estuvo a punto de vetar el rodaje en el Bendlerblock, un conflicto que Cruise y McQuarrie lograron desbloquear y que marcó la producción con un respeto evidente por la memoria de los conspiradores; en ese mismo marco histórico apareció Philipp von Schulthess, nieto de Stauffenberg, interpretando a un ayudante de Tresckow. Disponible en: Prime Video, Movistar+, Filmin, FlixOlé.

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Retrospectiva: “El desierto de los tártaro”

El desierto de los tártaros (Il deserto dei tártari, 1976), dirigida por Valerio Zurlino con Jacques Perrin, Vittorio Gassman, Giuliano Gemma, Helmut Griem, Philippe Noiret, Max Von Sydow, Francisco Rabal, Fernando Rey, Laurent Terzieff, Jean-Louis Trintignant, Shaban Golchin Honaz, Giuseppe Pambieri. Coproducción internacional basada en la novela homónima de Dino Buzzati.

Giuliano Gemma y Jacques Perrin en El desierto de los tártaros (1976)

La trama: El joven Drogo, recién nombrado oficial, es enviado a la fortaleza de Bastiano (llamada "Fortaleza Bastiani" en el libro), una construcción rodeada por los restos de una ciudad destruida que está estratégicamente situada para defender el paso de un inmenso y legendario desierto. Drogo, poco después de su ingreso en la fortaleza, pretende abandonarla, intentando conseguir un certificado médico que lo releve. La vida de la guarnición se desarrolla en medio de patrullas, sesiones y discusiones sobre tácticas de batalla, mientras esperan que el ataque del enemigo pueda justificar su presencia allí. Los oficiales al mando se suceden unos a otros; muchos oficiales son ascendidos. Los años han pasado, Drogo también ha sido ascendido, pero la vida de la guarnición, así como la desconcertante espera, lo destrozaron física y moralmente. Cuando la invasión finalmente llega, Drogo, enfermo y envejecido, es trasladado al interior del país, lejos del frente. Al salir de la fortaleza, Drogo ve los refuerzos enviados por el Alto Mando. Piensa de nuevo en todos los años pasados en vano, y muere con el pesar de no haber podido vivir sus sueños de gloria.

Jean-Louis Trintignant en El desierto de los tártaros (1976)

Esta película presenta una de las localizaciones más extraordinarias que se hayan visto jamás, aparentemente filmada en el sureste de Irán. Gigantescas montañas nevadas se alzan en la distancia, mientras que más cerca, una fortaleza en el desierto se eleva sobre lo que parecen ser los restos de antiguas ruinas abandonadas. En este escenario, un puesto de avanzada al borde del desierto de los tártaros, dominado por la roca, la arena y una niebla perpetua, el extraordinario mundo visual externo representa el mundo interiorizado que evoluciona con el tiempo.

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11. Historia de una pasión (A Quiet Passion, 2016), de Terence Davies

Biopic de la obra y vida de la gran Emily Dickinson, una poetisa que paso la mayor parte de su vida en casa de sus padres en Amherst, Massachusetts. La mansión en la que vivió sirve de telón de fondo al retrato de una mujer nada convencional de la que se sabe muy poco. Nacida en 1803, fue considerada una niña con talento, pero un trauma emocional la obligó a dejar los estudios. A partir de ese momento, se retiró de la sociedad y empezó a escribir poemas. A pesar de su vida solitaria, su obra transporta a sus lectores a su apasionante mundo. Esta es la historia de la poeta estadounidense Emily Dickinson, desde su infancia hasta convertirse en la famosa artista que conocemos.

Cynthia Nixon y Jennifer Ehle en Historia de una pasión (2016)

El cineasta británico tiene la virtud de hacer viajar al espectador en el tiempo, nos introduce en una época y contexto sociales, sin manipular con una visión contemporánea y anacrónica. Y, paradoja, encuentra lo que su alma sensible de artista tiene en común con Dickinson, la búsqueda de la belleza en un mundo a veces desagradable, y la rebelión contra las religiones organizadas para optar por una versión personal de la búsqueda de la trascendencia: no por casualidad Davies al presentar su película decía ser un ex católico al que Dios había ayudado a llevar a buen término su trabajo. Y la escena de arranque, en que Dickinson va a contracorriente en una escuela evangélica de señoritas, sería un ejemplo de esa conexión.

12. La casa de la esperanza (The Zookeeper's Wife, 2017), de Niki Caro

La brutal invasión de Polonia por parte de la Alemania nazi causa estragos en Varsovia. Y el horror se multiplica cuando empiezan a deportar a los judíos hacia lo que es una aniquilación segura. Lejos de permanecer impasibles, el guardián del zoo de la ciudad, Jan Zabinski (Johan Heldenberg) y su esposa Antonina (Jessica Chastain) arriesgan sus vidas utilizando el zoo como tapadera para ayudar a escapar a tantos judíos como pueden. En tiempos terribles, Antonina y los judíos a los que ayuda logran mantener viva la llama de la esperanza y la confianza en el ser humano.

Jessica Chastain en La casa de la esperanza (2017)

Adaptación al cine de The Zookeeper’s Wife: A War Story, de Diane Ackerman, que recrea la historia real de Jan y Antonina Zabinski, el director del zoo de Varsovia y su esposa, que durante la II Guerra Mundial contribuyeron a esconder en las instalaciones del mismo a numerosos judíos.

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Las 40 mejores películas bélicas ambientadas en la Segunda Guerra Mundial y dónde verlas (X)

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27. La delgada línea roja (The Thin Red Line, 1988) 

Director: Terrence Malick. Reparto: Jim Caviezel, Sean Penn, Adrien Brody, Ben Chaplin, George Clooney, John Cusack, Woody Harrelson, Elias Koteas, Jared Leto, Dash Mihok, Tim Blake Nelson, Nick Nolte, John C. Reilly, Nick Stahl, John Travolta.

La trama: Año 1942, en plena Segunda Guerra Mundial en la Isla de Guadalcanal, en el Pacífico. Un grupo de hombres de la compañía de fusileros del ejército americano "C de Charlie" combate contra el ejército japonés por la conquista de una estratégica colina. Este grupo forma parte de las tropas enviadas para relevar a las unidades de infantería de la Marina, agotadas por el combate. Un conjunto de soldados en Guadalcanal afronta la naturaleza hostil, el terror del combate y sus propios conflictos internos. La narración reflexiona sobre la guerra desde una mirada humana, poética y contemplativa. 

Curiosidades: El monumental metraje que Malick acumuló obligó a una poda quirúrgica que dejó fuera a intérpretes de renombre y redujo papeles concebidos como pilares del relato, hasta el punto de que Adrien Brody, inicialmente planteado como el protagonista, descubrió en el estreno que su presencia quedaba relegada a casi testimonial, víctima de un montaje que redefinió por completo el corazón de la película. Disponible en Disney +.

28. Salvar al soldado Ryan (Saving Private Ryan, 1998)

Director: Steven Spielberg. Reparto: Tom Hanks, Tom Sizemore, Edward Burns, Matt Damon, Jeremy Davies, Adam Goldberg, Barry Pepper, Giovanni Ribisi, Vin Diesel. 

La trama: Un pelotón estadounidense se adentra en territorio controlado por los alemanes para encontrar al último superviviente de una familia de cuatro soldados. El viaje los enfrenta al miedo, al sacrificio y a la brutalidad del combate.

Curiosidades: Spielberg buscó que el caos de Omaha Beach dejara huella en sus actores y, para lograrlo, evitó coreografiar el estallido de las cargas, de modo que cada sobresalto les sorprendiera como a los soldados reales; aquella decisión, unida al uso de amputados entre los extras y a un despliegue logístico descomunal, convirtió la secuencia en un rodaje físico y una de las escenas más recordadas de la historia del cine. Disponible en: Netflix, Prime Video, SkyShowtime, Movistar+.

29. Enemigo a las puertas (Enemy at the Gates, 2001)

Director: Jean‑Jacques Annaud. Reparto: Jude Law, Joseph Fiennes, Ed Harris, Rachel Weisz, Bob Hoskins, Ron Perlman, Eva Mattes, Matthias Habich, Gabriel Thomson, Sophie Rois, Ivan Shvedoff, Clemens Schick.

La trama: Año 1942, en plena Segunda Guerra Mundial. Mientras los ejércitos de Alemania y Rusia luchan encarnizadamente y el mundo espera con ansiedad el desenlace de la batalla de Stalingrado, un francotirador ruso, Vassili Zaitsev, persevera en la empresa de eliminar a sus enemigos uno por uno. Danilov -el oficial encargado de la propaganda soviética- lo convierte en un héroe nacional que debe servir de ejemplo para animar a las tropas a proseguir la lucha contra el ejército alemán. Los alemanes, por su parte, envían a su mejor francotirador, el mayor König, para que elimine a Vassili. 

Curiosidades: Annaud se negó a que Stalingrado dependiera del CGI y apostó por un gigantesco decorado físico ubicado en Alemania que ocuparía cientos de metros, levantado a base de escombros reales. Esta localización supuso un problema con el uso de los uniformes alemanes, que estaban prohibidos por ley. Disponible en Prime Video.

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Hace 100 años: La violinista de Florencia

El 10 de marzo de 1926 se estrenó la película alemana La violinista de Florencia (Der Geiger von Florenz), dirigida por Paul Czinner e interpretada por Elisabeth Bergner, Conrad Veidt, Nora Gregor, Walter Rilla, Grete Mosheim, Ellen Plessow. Productora: Elisabeth Bergner Poetic Film Co. Duración: 68 minutos. 

Sinopsis argumental: Renée es una joven que adora a su padre y aborrece a su madrastra, por la simple razón de su amor extremo hacia su progenitor, que se volvió a casar al morir su primera esposa. Es llevada a un internado, del que se escapará para huir a Italia, donde piensa forjar su vida sin ayuda de nadie.

Comentario: La película es reconocida por la actuación de Bergner y su narrativa de intriga y disfraces.

El mes de la mujer: 8 de marzo. Abuelas, madres, hijas, nietas y, por supuesto, esposas… (V)

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9. Big Eyes (2014), dirigida por Tim Burton

La historia real de Walter Keane (Christoph Waltz), uno de los pintores más exitosos de los años 1950 y principios de los 1960. El artista alcanzó una notoriedad asombrosa al revolucionar la comercialización y accesibilidad del arte popular con sus enigmáticas pinturas de niños abandonados con grandes ojos. Sin embargo, la verdad terminaría saliendo a la luz: la obra de Keane no fue creada por él, sino por su esposa, Margaret (Amy Adams). Al parecer, los Keane vivieron una mentira que fue creciendo hasta alcanzar proporciones gigantescas. Big Eyes se centra en el despertar de Margaret como artista, en el fenomenal éxito de sus pinturas y la tumultuosa relación que mantuvo con su marido, catapultado a la fama mundial mientras se llevaba todo el crédito por el trabajo de Margaret.

Christoph Waltz y Amy Adams en Big Eyes (2014)

Resulta difícil no entresacar de Big Eyes una metáfora de las dificultades que atraviesa la creación artística, y si se sustituye a la pintora protagonista por un cineasta, y al embaucador Keane por un productor, es fácil darse cuenta de que Burton ha dejado mucho de sí mismo en el relato.

10. Negación (Denial, 2016), dirigida por Mick Jackson

Cuando la famosa historiadora norteamericana Deborah E. Lipstadt acusó a determinados periodistas e historiadores de negacionistas en su libro "La Negación del Holocausto", fue denunciada por el negacionista británico David Irving, un famoso periodista e historiador admirador de Hitler, y que se querelló en 1996 contra ella por difamación. Entonces Lipstadt se propuso derrotar a Irving y los negacionistas en Inglaterra únicamente con expertos en el ámbito académico, sin llamar a declarar siquiera a un sólo superviviente de la Shoah.

Rachel Weizs en Negación (2016)

Basada en una historia real. El guion de David Hare procura ceñirse únicamente y someramente a las relaciones de Lipstadt con sus abogados británicos y a sus intervenciones en la sala judicial. Se muestra con eficacia la magnitud de ese juicio, el nerviosismo que genera, pues una sentencia a favor del demandante (Irving), parecería justificar la aceptabilidad de la postura negacionista. En este sentido la película es clara y evita confusiones, lo cual se acentúa con una narración muy clásica desde el punto de vista visual.

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Las 40 mejores películas bélicas ambientadas en la Segunda Guerra Mundial y dónde verlas (IX)

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24. Uno Rojo: división de choque (The Big Red One, 1980)

Director: Samuel Fuller. Reparto: Lee Marvin, Mark Hamill, Robert Carradine, Bobby Di Cicco, Kelly Ward, Siegfried Rauch, Marthe Villalonga, Stéphane Audran, Perry Lang, Matteo Zoffoli. 

La trama: Cuatro jóvenes soldados de infantería se ven conducidos por su sargento a través de los campos de batalla de media Europa durante la Segunda Guerra Mundial, empezando por la Operación Antorcha, posteriormente la Operación Husky y después el Desembarco en Normandía, en Francia, pasando por el asalto a Mons en Bélgica, la Batalla de Crucifix Hill en Alemania y terminando por el cruce de la Línea Sigfrido el 19 de enero de 1945, donde la guerra termina para ellos.

Curiosidades: Está considerada una gran obra del cine bélico. Filmar en Israel añadió un toque surrealista en los descansos entre tomas: aquellos supuestos soldados alemanes se quitaban el casco y dejaban ver la kipá mientras hojeaban la Torá. Fuller tomó la escena de los gritos cuando pasaban los tanques por encima de su propia experiencia durante la guerra. Disponible en Movistar+, Filmin. 

25. El submarino (Das Boot, 1981)

Director: Wolfgang Petersen. Reparto: Jürgen Prochnow, Herbert Grönemeyer, Klaus Wennemann, Hubertus Bengsch, Martin Semmelrogge, Bernd Tauber, Erwin Leder, Martin May, Heinz Hoenig, Uwe Ochsenknecht, Claude-Oliver Rudolph, Jan Fedder, Ralf Richter, Joachim Bernhard, Oliver Stritzel. 

La trama: Un submarino alemán de la Segunda Guerra Mundial es el escenario en el que un grupo de jóvenes soldados, dispuesto a defender su patria, tendrá que someterse a una dura convivencia, tras descubrir que han sido enviados a realizar una misión probablemente suicida. El miedo, la espera y el desgaste emocional marcan cada jornada en un entorno claustrofóbico.

Curiosidades: Su rodaje convirtió el set en un encierro prolongado donde los actores pasaban meses dentro de un submarino construido a escala real, reproduciendo una tensión que no tardó en hacer mella psicológica en varios de ellos, afectados por el calor, la falta de espacio personal y la claustrofobia. Disponible en Rakuten TV.

26. Masacre. Ven y mira (Idi i smotri, 1985)

Director: Elem Klimov. Reparto: Aleksei Kravchenko, Olga Mironova, Liubomiras Lauciavicius, Vladas Bagdonas, Juris Lumiste, Viktor Lorents.

La trama: Un adolescente bielorruso se une a los partisanos y descubre el horror absoluto de la ocupación nazi. Su descenso a un infierno real refleja una de las visiones más crudas y devastadoras del conflicto. Película de encargo para celebrar el 40 aniversario de la victoria aliada en la Segunda Guerra Mundial. Relata, a través de los ojos de un niño progresivamente endurecido por el sufrimiento, la matanza sistemática de los habitantes de las aldeas bielorrusas, más de 600, durante la guerra.

Curiosidades: La lucha de Klimov contra la censura soviética marcó desde el origen el pulso de la película: ocho años tardó en conseguir los permisos. Cuando por fin pudo rodarse, la crudeza emocional de la película era tal que el equipo tuvo que proteger al joven Kravchenko durante las escenas más duras. Disponible en Filmin.

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“Proyecto Salvación”, próxima película de ciencia-ficción y aventuras

Proyecto Salvación (Project Hail Mary, 2026), de Phil Lord y Christopher Millercon. La película está protagonizada por Ryan Gosling (quien también es productor), Sandra Hüller, Lionel Boyce, Ken Leung, Milana Vayntrub, Liz Kingsman, James Wright. Adaptación de la novela homónima de Andy Weir de 2021. 

La trama: El profesor de ciencias Ryland Grace (Ryan Gosling) se despierta en una nave espacial a años luz de casa sin recordar quién es ni cómo ha llegado hasta allí. A medida que recupera la memoria, empieza a descubrir su misión: resolver el enigma de la misteriosa sustancia que provoca la extinción del sol. Deberá recurrir a sus conocimientos científicos y a sus ideas poco ortodoxas para salvar todo lo que hay en la Tierra de la extinción... pero una amistad inesperada significa que quizá no tenga que hacerlo solo.

En un momento en que el cine comercial parece obsesionado con el déjà vu, de repetirse en secuelas o vivir de historias que recrean videojuegos, esta película plantea la rareza de contar una idea original.

Retrospectiva: Hoy recordamos a “Rebeca”

Rebeca (Rebecca, 1940), la película dirigida por Alfred Hitchcock y protagonizada por Joan Fontaine y Laurence Olivier, se llevó el Premio de la Academia a la mejor película el 27 de febrero de 1941.

Laurence Olivier, Joan Fontaine y Florence Bates en Rebeca (1940)

En la ceremonia de los 13.º Premios Óscar, celebrada en el Biltmore Hotel de Los Ángeles, Rebeca se coronó como la gran ganadora de la noche al recibir el Om (Outstanding Production, como se denominaba entonces), entregado al productor David O. Selznick. Esta victoria la convirtió en la única película de Alfred Hitchcock que obtuvo este prestigioso galardón en toda su carrera, a pesar de que el maestro del suspense fue nominado en otras categorías en múltiples ocasiones sin ganar nunca el de mejor director.

 Joan Fontaine en Rebeca (1940)

La película, adaptación fiel de la novela homónima de Daphne du Maurier publicada en 1938, acumuló 11 nominaciones  —más que cualquier otra película ese año—, pero solo se llevó dos estatuillas: mejor película y mejor fotografía en blanco y negro (para George Barnes). Entre las nominaciones destacaron las de mejor director (Hitchcock), mejor actor (Laurence Olivier como el atormentado Maxim de Winter), mejor actriz (Joan Fontaine en el rol de la joven e ingenua segunda esposa sin nombre) y mejor actriz de reparto (Judith Anderson en su icónica interpretación de la siniestra ama de llaves Mrs. Danvers).

Laurence Olivier y Joan Fontaine en Rebeca (1940)

Curiosamente, Rebeca es la única película ganador de mejor Película desde la introducción de las categorías de actuación de reparto en 1936 que no recibió ningún premio en las categorías de actuación, dirección o guion. A pesar de las tensiones creativas entre Hitchcock y Selznick —quien insistió en mantener la fidelidad absoluta al libro, mientras Hitchcock prefería un enfoque más personal y cinematográfico—, la película triunfó en taquilla (recaudó cerca de tres veces su presupuesto) y fue aclamada por la crítica por su atmósfera gótica, su suspense psicológico y su exploración de temas como los celos, la identidad y el peso del pasado.

Joan Fontaine y Judith Anderson en Rebeca (1940)

La trama sigue a una joven tímida y sin nombre que, tras un romance fugaz en Monte Carlo, se casa con el viudo aristócrata Maxim de Winter y se traslada a su imponente mansión Manderley, en la costa de Cornualles. Allí, la sombra omnipresente de la primera esposa fallecida, Rebecca —idealizada por todos, especialmente por la obsesiva Mrs. Danvers—, convierte la vida de la nueva señora de Winter en un tormento de inseguridad y misterio, hasta un desenlace impactante que mezcla tragedia y revelaciones inesperadas.

Judith Anderson en Rebeca (1940)

Hoy, más de ocho décadas después, Rebeca sigue considerándose una obra maestra del cine gótico y un hito en la filmografía de Hitchcock, marcando su exitoso debut en Hollywood tras firmar con Selznick. Su victoria en los Oscar de 1940 no solo consolidó su estatus como clásico, sino que también demostró el poder de una historia bien contada, llena de intriga y emociones profundas.

El mes de la mujer: 8 de marzo. Abuelas, madres, hijas, nietas y, por supuesto, esposas… (IV)

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7. It Follows (2014), de David Robert Mitchell

Jay, de 18 años, tiene su primer encuentro sexual con su novio en la parte trasera de un coche. Tras el hecho, aparentemente inocente, la situación se pone algo tensa cuando su novio hace que ella se desmaye. Al despertar, el joven le explica que lo hizo para ahuyentar a una serie de espíritus que lo acosan. A partir de ese momento, es Jay quien sufrirá las consecuencias de ese acoso, encontrándose sumergida en visiones y pesadillas; teniendo la sensación de que alguien o algo la observa.

Maika Monroe en It Follows (2014)

It Follows cuenta con una premisa angustiosa, pues la protagonista no puede dejar de estar alerta, ya que en cualquier momento puede aparecer el ser que le acecha. Esto da lugar a algunas secuencias llenas de tensión, con una excelente planificación donde prima la profundidad de campo, pues el terror puede surgir en la distancia.

8. La señorita Julia (Fröken Julie, 2014), de Liv Ullmann

La historia transcurre en el verano de 1880, durante la noche de San Juan. En una mansión irlandesa, la joven aristócrata Miss Julie (Jessica Chastain) y un criado de su padre (Colin Farrell). En un ambiente festivo del que han desaparecido las barreras sociales, Julia y John bailan, beben, se seducen y manipulan. Ella, llena de altivez, desea rebajarse; él es educado, pero zafio. A los dos les une un deseo y una repulsión mutua. Seductores y tiernos, o brutales y salvajes, sus momentos íntimos les empujan a hacer planes desesperados y a soñar con una vida juntos. Sin saber si la mañana traerá esperanza o desesperanza. 

Colin Farrel y Jessica Chastain en La señorita Julia (2014)

Adaptación de la conocida obra teatral de August Strindberg a cargo de la cineasta noruega Liv Ullmann, que traslada la acción a Irlanda, seguramente para justificar el rodaje en inglés y un atractivo reparto, con grandes trabajos de Jessica Chastain, Colin Farrell y Samantha Morton. La directora y adaptadora de la obra se empeña en dar al film empaque cinematográfico, moviendo a los personajes por la casa señorial donde transcurre la acción, mostrando brevemente la infancia de la protagonista, y recurriendo a la imagen del río para entregar un bello plano final que remite a un célebre cuadro prerrafaelita.

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Hace 100 años: El pirata negro

El 8 de marzo de 1926 se estrenó la película estadounidense El pirata negro (The Black Pirate), dirigida por Albert Parker e interpretada por Douglas Fairbanks, Billie Dove, Anders Randolf, Donald Crisp, Sam de Grasse, Charles Stevens. Productora: Elton Corporation. Duración: 88 minutos.

Sinopsis argumental: Douglas Fairbanks interpreta a un noble que quiere vengar la muerte de su padre y para ello se embarca en un navío pirata disfrazado como uno de los corsarios. 

Comentario: Excelente película de la época del cine mudo, contiene ya todos los elementos de las obras clásicas del genero de aventuras. Douglas Fairbanks, rey de este tipo de películas (más tarde le tomaría el relevo Errol Flynn). Albert Parker dirige esta película, que se basa en una historia del propio Fairbanks, que la escribió bajo el pseudónimo de Elton Thomas. Abordajes de barcos, luchas de espadas, las más increíbles peripecias acrobáticas, y un apasionado romance se suceden a un ritmo trepidante. La ausencia de voz apenas se deja notar en esta película, que dejará sin resuello al espectador

“El juego dé Ripley”, adaptación del célebre personaje de Patricia lo Higsmith

Con casi un cuarto de siglo de existencia, debemos traer a colación la película estadounidense El juego de Ripley (Ripley’s Game, 2002), dirigida por Liliana Cavani e interpretada por John Malkovich, Lena Headey, Dougray Scott, Ray Winstone, Chiara Caselli, Sam Blitz, Evelina Meghnagi, Lutz Winde. 

La trama: Tom Ripley, cínico e inmoral, tiene una lujosa mansión, una guapa mujer, y un lucrativo negocio de falsificación de cuadros. Para él, matar es como beberse un vaso de agua, no le plantea ningún problema. Aburrido de la vida, se entretiene en un “juego” divertido (para él, al menos): se las arregla para corromper a un vecino, un buen tipo, al que han diagnosticado una enfermedad terminal. Sabiendo que su muerte es cuestión de tiempo, seguro que no le importará matar a un gángster, piensa Ripley; le pagarían un buen dinero, que aseguraría el futuro de su familia. Al principio, rehúsa la siniestra propuesta, pero poco a poco...

Adaptación de la inquietante novela de Patricia Highsmith, una de las cinco que tienen como protagonista a Tom Ripley. La italiana Liliana Cavani asegura que “normalmente el suspense da la respuesta a la pregunta ¿Qué va a pasar? Pero aquí la pregunta es, ¿Cómo van a reaccionar los personajes?. Eso es lo más fascinante de esta película. Quizá por aquello de barrer para casa, la directora traslada la acción, que en la novela tiene lugar en Francia, a su Italia natal. Al fin y al cabo lo mismo hizo Wim Wenders con El amigo americano, su versión de la novela, que situó en Alemania.

John Malkovich da vida a Tom Ripley en la película que comentamos. Pero antes de él se metieron en la piel del enigmático personaje otros carismáticos actores: 

Alain Delon en A pleno sol (Plein soleil, 1960), Dennis Hopper en El amigo americano (Der Amerikanische Freund, 1977) y Matt Damon en El talento de Mr. Ripley (The Talented Mr. Ripley, 1999). Además, tres años después que Malkovich interpretara al famoso personaje, en el 2005, el actor Barry Pepper hizo de Tom Ripley en la película televisiva Mr. Ripley el regreso (Ripley Under Ground). Y, en 2024, de nuevo se realiza una nueva versión para la televisión, Ripley, una miniserie de ocho episodios. 

El mes de la mujer: 8 de marzo. Abuelas, madres, hijas, nietas y, por supuesto, esposas… (III) 8/3

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5. Sin rastro (Gone) (2012), de Heitor Dhalia

Jill Parrish (Amanda Seyfried) regresa a su casa después de pasar la noche trabajando y descubre que su hermana ha sido raptada. Jill sospecha que el secuestrador es el mismo que la atormentó a ella años atrás. Nadie cree a Jill, por lo que deberá luchar por sí misma contra reloj para evitar que el misterioso asesino acabe con la vida de su hermana.

Amanda Seyfried en Sin rastro (Gone) (2014)

La película se dedica a presentar a una chica perpetuamente agobiada, que huye de la policía y que a la vez, con fría inteligencia, pista tras pista, va desmadejando el ovillo que supuestamente le ha de llevar al asesino, como si de una desesperada Sherlock Holmes se tratara.

6. La buena mentira (The Good Lie, 2014), de Philippe Falardeau

Inspirada en hechos reales, sigue a un joven refugiado de la Guerra Civil sudanesa quien, junto a otros “Niños Perdidos del Sudán”, gana una lotería para reubicarse en los Estados Unidos. Tras su llegada a América, los jóvenes son presentados a Carrie (Reese Witherspoon), una trabajadora social que, consciente de las privaciones que han sufrido, les intenta enseñar cómo desenvolverse en el mundo moderno.

Reese Witherspoon Y Corey Stoll en La buena mentira (2014)

Su película tiene interés por su dramatismo basado en hechos reales, y por el inteligente contraste que la trama ofrece entre personas procedentes del Tercer Mundo –que saben lo que es el dolor y la muerte, se ven sostenidos por su fe cristiana, estrechan sus lazos familiares, se preocupan de los otros, con sencillez distinguen entre lo que está bien y lo que está mal– y las de la sociedad opulenta –que aunque en algún caso pueden ayudar al prójimo y tener buenos sentimientos, van por la vida demasiado deprisa, lo que les ha hecho perder un poco el norte, no saber ver individuos concretos en la gente que tienen alrededor.

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