Hace 100 años: A Perfect Crime

El 5 de marzo de 1921 se estrenó la película estadounidense A Perfect Crime, dirigida por Allan Dwan e interpretada por Monte Blue, Jacqueline Logan, Stanton Heck, Hardee Kirkland, Carole Lombard. Productora: Allan Dwan Productions. Duración: 5 rollos.

Sinopsis argumental: Wally Griggs (Monte Blue) es el clásico empleado de banco tranquilo y apacible, destinado a una vida monótona ganandor 63 dólares al mes. Al menos esto es lo que parece ser. Pero cuando no está trabajando, Griggs es el apuesto James Brown, un aventurero que está familiarizado con el presidente del banco Halliday (Hardee Kirkland). Un editor, fascinado por las locas historias de Brown, le ofrece un trato. Griggs también usa su alter ego para ayudar a Mary Oliver, la chica que ama (Jacqueline Logan). El fiscal de distrito "Big Bill" Thaine (Stanton Heck) la ha estafado con su fortuna y ahora está tratando de obligarla a casarse con él. Griggs recibe bonos por valor de veinticinco mil dólares para que los entregue, pero misteriosamente desaparece. Thaine descubre la conexión Brown-Griggs y arrestan a Wally. Después de recibir el tercer grado, Brown demanda por encarcelamiento falso, y el alcalde obliga a Thaine a hacer una restitución de su propio bolsillo. Griggs le da esta suma a Mary. Mientras tanto, finge amnesia y se presenta en el banco con los bonos. Gracias a las ganancias del libro, Griggs puede dejar su trabajo mal pagado y casarse con Mary.

Comentario: Adaptación de un cuento que se publicó en el Saturday Evening Post.

Película debut de Carole Lombard. No se sabe si la película ha sobrevivido, lo que podría sugerir que está perdida. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXIX)

Bonnie & Clyde (Bonnie & Clyde, 1967), de Arthur Penn

Clyde Barrow (Warren Beatty), un atracador de bancos y negocios de poca monta, ha salido de prisión. En pleno período de la Gran Depresión de los años 30 vuelve a asaltar bancos. Conoce a Bonnie Parker (Faye Dunaway), una chica de pueblo que se siente aburrida y que decide acompañarlo. Mientras por una parte desarrollan sentimientos, juntos protagonizan una escalada de atracos y crímenes cada vez más brutales, dejando en sus huidas tras de sí una estela de violencia y de sangre. Fue ganadora de dos premios Óscar: a la mejor actriz secundaria (Estelle Parsons), y a la mejor fotografía (Burnett Guffey); fue candidata a ocho premios Oscar más.​ Ganó dos premios BAFTA (Faye Dunaway y Michael J. Pollard), y tuvo varios importantes premios y candidaturas más. Forma parte del AFI's 10 Top 10 en la categoría "Películas de gángsters". En 1992, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry. La película fue pensada como una versión romántica y cómica de las violentas películas de gánsteres de la década de 1930, actualizada con técnicas modernas de filmación. Arthur Penn interpretó algunas de las escenas violentas con un tono cómico, luego cambió en forma desconcertante en violencia fuerte y gráfica.

El cine del siglo XXI, veinte años ya: De "Boys Don't Cry" a "Little Girl", el cine ha cambiado de género (X)

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46.- Drunktown's Finest (2014), de Sydney Freeland

Tres jóvenes nativos americanos navajos, una niña nativa adoptada, un futuro padre y una mujer trans que sueña con ser modelo, viven para escapar de las dificultades de la vida en una reserva india. Nizhoni busca su pasado, mucho después de haber sido adoptada por una familia cristiana blanca, Felixia, una mujer trans, busca un lugar en el calendario de "mujeres de la tribu", y Sickboy se dirige a un entrenamiento básico para poder cuidar de el niño que pronto nacerá. La película tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Sundance de 2014.

47.- Marzipan Flowers (Prahim shel Martzipan, 2014), de Adam Kalderon

Cuenta la historia de Hadas, una mujer de 48 años que vive en un kibutz israelí al sur del país. Tras la muerte de su marido en un accidente de moto, perdida y vulnerable, Hadas se muda a la gran ciudad. Allí encuentra la ayuda y el apoyo inesperado de su compañera de piso, Petel, un transexual único con un pasado misterioso. Entre ellas se crea una amistad que se pondrá a prueba antes de lo que habían imaginado. 

48.- Vestido de novia (2014), de Marilyn Solaya

En La Habana de 1994, Rosa Elena –de cuarenta años, asistente de enfermería y cuidadora de su padre enfermo, recién casada con Ernesto, ingeniero jefe de una Brigada Constructora– inconforme con la vida que está llevando, retorna a cantar en el coro masculino donde trabajaba antes de conocer a su marido. Al revelarse un secreto de este pasado, ambos quedan expuestos a la violencia estructural del contexto hegemónico, machista y patriarcal en el que viven. Estuvo nominada a los Premios Goya en el apartado mejor película hispanoamericana y a los Premios Platino a mejor ópera prima y actriz (Laura de la Uz).

49.- Der Samurai (2014), de Till Kleinert

Jacob, un policía de un pueblo pequeño casi sin vida social, investiga la aparición de un lobo por la comarca, recibe un paquete que le llevara a conocer a un extraño personaje, que travestido y llevando una katana, convencerá a Jacob para unirse con él en una espiral de violencia dirigida contra el pueblo.

50.- Two 4 One (2014), de Maureen Bradley

Cuando Adam ayuda a su alocada exnovia Miriam a inseminarse artificialmente, ambos acaban pasando una noche de pasión juntos..., de la que los dos salen embarazados. Durante un tiempo, Adam ha realizado los pasos necesarios para cambiar de género. Ahora, dividido entre lo que siente por Miriam y su necesidad de asentar su identidad masculina, Adam tendrá que decidir entre sentar la cabeza y tener un hijo o ser simplemente un tío cualquiera.

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Películas de la semana: 5 de marzo

The Owners (Los propietarios)

Título original: The Owners. Dirección: Julius Berg. País: Reino Unido. Año: 2020. Duración: 92 minutos. Género: Terror. Thriller. Años 1990. Thriller psicológico. Interpretación: Maisie Williams, Rita Tushingham, Sylvester McCoy, Jake Curran, Ian Kenny, Andrew Ellis, Stacha Hicks. Guion: Julius Berg, Matthieu Gompel. Fotografía: David Ungaro. Productora: Co-production Reino Unido-Canadá; Blue Light/Logical Pictures/Wild Bunch/XYZ Films. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 5 de marzo de 2021. Sinopsis: Maisie Williams encabeza el reparto de The Owners (Los propietarios), la ópera prima de Julius Berg. La película, que nos traslada a los años 1990, está protagonizada por un grupo de amigos que entran en casa de unos ancianos aprovechando que no están. Pero acaban encerrados en el sótano y viviendo una experiencia que será una auténtica pesadilla. Lo que parecía un simple atraco se convierte en una persecución por sus vidas. Ian Kenny, Sylvester McCoy, Rita Tushingham, Jake Curran y Andrew Ellis completan el reparto protagonista de The Owners (los propietarios)?, que fue presentada en el Festival de Sitges, el FanCine de Málaga y el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei. A Contracorriente Films será la encargada de distribuir la película en los cines españoles.

Birdsong

Dirección: Hendrik Willemyns. País: Bélgica. Año: 2019. Duración: 90 minutos. Género: Drama. Fantástico. Música. Interpretación: Kazuhiko Kanayama, Natsuko Kobayashi, Akaji Maro, Shinji Matsubayashi, Takamasa Suga. Guion: Hendrik Willemyns. Producción: Hans Everaert. Música: Timothy Bruzon, Hendrik Willemyns. Fotografía: Michael Dwyer. Dirección artística: Hendrik Willemyns. Vestuario: Yayoi Koike. Productora: Co-production Bélgica-Japón; Menuetto Film. Estreno en España: 5 de marzo de 2021. Sinopsis: Tokio. Asuka, una joven de la limpieza que trabaja en el turno de noche, está dispuesta a pagar un alto precio para lograr su sueño de convertirse en una estrella de la música. Se las arregla para actuar en un programa de talentos de televisión, pero todos sus sacrificios fracasan cuando es acusada de asesinato y se ve obligada a revelar todos los detalles del oscuro camino que ha seguido hasta entonces.

Y llovieron pájaros

Título original: Il pleuvait des oiseaux. Dirección: Louise Archambault. País: Canadá. Año: 2019. Duración: 124 minutos. Género: Drama. Vejez. Madurez. Interpretación: Kenneth Welsh, Andrée Lachapelle, Gilbert Sicotte, Rémy Girard, Ève Landry, Éric Robidoux, Louise Portal. Guion: Louise Archambault (Novela: Jocelyne Saucier). Música: David Ratté, Andréa Bélanger. Fotografía: Mathieu Laverdière. Productora: Films Outsiders. Premios y nominaciones: Göteborg Film Festival: Mejor película internacional - Best International Film. Estreno en España: 5 de marzo de 2021. Sinopsis: Esta es la historia de tres ancianos que han elegido retirarse del mundo y vivir en los bosques de Canadá. Al tiempo que un gran incendio amenaza la región, alguien llega hasta su escondite: una joven fotógrafa que busca a un tal Boychuck. Y no es la única. Poco después, una mujer de más de 80 años aparece como una brisa ligera que alborotará sus vidas. Mientras intentan comprender la historia de Boychuck a través de sus pinturas, algo extraordinario surgirá entre todos ellos.

Museo Hermitage. El poder del arte

Título original: Ermitage. Il potere dell'arte. Dirección: Michele Mally. País: Italia. Año: 2019. Duración: 90 minutos. Género: Documental. Arquitectura. Reparto: Documental, (intervenciones de: Toni Servillo). Guion: Didi Gnocchi, Giovanni Piscaglia. Música: Dmitri Myachin. Fotografía: Marco Alfieri. Productora: 3D Produzioni/Nexo Digital/Ermitage Italia/Sky Arte HD/Villaggio Globale International. Estreno en España: 5 de marzo de 2021. Sinopsis: Hermitage: El poder del arte narra las grandes historias y acontecimientos que han pasado por los pasillos de este maravilloso museo, que alberga la mayor colección de cuadros del mundo, así como por las mágicas calles de San Petersburgo desde su fundación por Pedro I el Grande, hasta el esplendor de Catalina la Grande. Espectaculares imágenes transportarán al espectador a través de los magníficos interiores del Museo y el Palacio de Invierno, al Teatro, a las Logias de Rafael, a la Galería de Retratos de los Héroes de la Guerra de 1812 y nos mostrará algunas de las obras de arte de los grandes maestros como maestros Leonardo, Rafael, Rubens, Rembrandt y muchos más que adornan sus paredes. Toni Servillo (el protagonista de la Gran Belleza, 3 veces ganador del Premio EFA y 4 veces ganador del Premio David di Donatello) nos acompaña durante este viaje a través de los puentes culturales entre lugares y civilizaciones distantes. Los puentes forman un elemento visual simbólico, que se repetirá durante toda la narración.

Woman

Dirección: Yann Arthus-Bertrand, Anastasia Mikova. País: Francia. Año: 2019. Duración: 105 minutos. Género: Documental. Feminismo. Reparto: Documental. (Intervienen: Norma Bastidas, Gabriela Melgoza, Shantel Nasir, Aleksandra Orbeck-Nilssen, Virginie Raisson. Guion: Anastasia Mikova, Yann Arthus-Bertrand. Producción: Yann Arthus-Bertrand, Jean-Yves Robin. Productora: Hope Production. Estreno en España: 5 de marzo de 2021. Sinopsis: ¿Cómo sabemos si un estado progresa? ¿Cómo sabemos si vivimos mejor en él? El lugar que ocupan las mujeres en un país es uno de los indicadores que mejor revela su buena salud. Tal vez en un sentido más amplio, sea el que simboliza mejor nuestra capacidad como seres humanos para hacer avances increíbles en poco tiempo, pero a veces también muestre nuestra capacidad de retroceder rápidamente. Respuesta al deseo de mirar al plantea, el documental que nos lleva por todos los rincones del mundo para conocer el retrato íntimo de miles de mujeres de 50 países distintos y con diferentes caminos de vida, modelados por su cultura, su fe o su historia familiar. Basado en encuentros en primera persona, el proyecto aborda temas como la maternidad, la educación, el matrimonio, la independencia económica, la menstruación o la sexualidad.

La Mami

Dirección: Laura Herrero Garvín. País: México. Año: 2019. Duración: 80 minutos. Género: Documental. Feminismo. Basado en hechos reales. Drama social. Reparto: Documental. Fotografía: Laura Herrero Garvín. Productora: Co-production México-España; Cacerola Films/Gadea Films. Premios y nominaciones: Festival de Morelia: Mención especial. Premios Gaudí: Nominada a mejor montaje y mejor documental. Estreno en España: 5 de marzo de 2021. Sinopsis: En el cabaret Barba Azul, en Ciudad de México, las mujeres bailan y beben con los hombres que se lo pueden permitir. En los aseos de arriba, Mami, a cambio de una propina, les cuida los bolsos, se asegura de que siempre haya papel higiénico e incluso intenta apoyarlas. Doña Olga ha trabajado en el mundo del cabaret durante más de 45 años y ahora es la Mami, la encargada del baño de mujeres del local. Cada noche ofrece cuidado a las chicas que ahí trabajan bailando con los clientes. Para ellas, el baño es una burbuja de confianza dentro del Barba Azul. Hoy una nueva mujer llega al baño, tiene un hijo enfermo, necesita trabajo.

Raya y el último dragón

Título original: Raya and the Last Dragon. Dirección: Paul Briggs, Dean Wellins. País: Estados Unidos. Año: 2021. Género: Animación. Fantástico. Aventuras. Dragones. Reparto: Animación. Guion: Adele Lim. Fotografía: Animación. Productora: Walt Disney Pictures/Walt Disney Animation Studios. Estreno en España: 5 de marzo de 2021. Sinopsis: Raya y el último dragón, de Walt Disney Animation Studios, viaja al mundo de fantasía de Kumandra, donde humanos y dragones vivieron juntos en armonía hace mucho tiempo. Pero cuando una fuerza maligna amenazó la tierra, los dragones se sacrificaron para salvar a la humanidad. Ahora, 500 años después, esta misma fuerza ha regresado y una guerrera solitaria, Raya, tiene que encontrar al legendario último dragón para recomponer la tierra fracturada y a sus pueblos divididos. Sin embargo, a lo largo del camino, Raya descubrirá que necesitará algo más que un dragón para salvar el mundo, necesitará confianza y trabajo en equipo. Las protagonistas de "Raya y el último dragón" son Raya, una guerrera con un ingenio tan afilado como su espada, y Sisu, una mágica, mítica y modesta dragona. A su aventura se unirán un espabilado empresario de diez años de nombre Boun, el formidable gigante Tong y Noi, una bebé ladrona y su banda de Ongis.

Hace 100 años: The Little Clown

En marzo de 1921 se estrenó la película estadounidense The Little Clown, dirigida por Thomas N. Heffron e interpretada por Mary Miles Minter, Jack Mulhall, Winter Hall, Helen Dunbar, Cameron C. Coffey, Neely Edwards, Wilton Taylor, Lucien Littlefield, Zelma Maja, Laura Anson. Productora: Realart Pictures Corporation. Duración: 50 minutos. 

Sinopsis argumental: Pat, una huérfana nacida y criada en el circo, es la protegida de Toto, el payaso, que abriga la esperanza de casarse con ella.

Comentario: Sobrevive dos de los cinco rollos que se filmaron. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXVIII)

Manos: The Hands of Fate (1966), de Harold P. Warren

Una familia de vacaciones acaba en una casa donde sus habitantes son adoradores del diablo, liderados por un extraño ser llamado Torgo, guardián de la casa mientras "El maestro" está fuera... Escrita, dirigida y producida por Hal Warren. Warren era un vendedor norteamericano de fertilizantes, y realizó Manos como resultado de una apuesta que había hecho, proponiéndose además producir un film de terror de éxito con un presupuesto pequeño, de $19.000 dólares. El resultado es una película considerada entre las peores en la historia del cine mundial​." La película permaneció olvidada hasta que fue emitida por el programa de televisión Mystery Science Theater 3000. Aunque conocida principalmente por esta versión, la película original también está disponible en DVD, aunque solo para Zona 1. Actualmente la cinta se encuentra en el dominio público. Se han realizado dos adaptaciones teatrales de Manos en estilo cómico. La primera, de Last Rites Productions, fue estrenada en Portland (Oregón) a comienzos de 2006. La segunda, un musical titulado Rock Opera of Fate, fue presentado en octubre de 2007 en Chicago por la compañía teatral New Millennium.

Efemérides de cine: Sangre y encaje

El 3 de marzo de 1971 se estrenó la película estadounidense Sangre y encaje (Blood and Lace), dirigida por Philip Gilbert e interpretada por Gloria Grahame, Melody Patterson, Milton Selzer, Len Lesser, Vic Tayback, Dennis Christopher, Terri Messina, Ronald Taft, Peter Armstrong, Maggie Corey, Mary Strawberry, Productora: American International Productions/Carlin Company. Duración: 87 minutos. 

Sinopsis argumental: Los cuerpos de una prostituta, Edna Masters, y su amante aparecen vilmente descuartizados por el hacha de un misterioso asesino. A consecuencia de este horrible suceso, Ellie, hija de Edna, es enviada a un orfanato. Allí las cosas transcurren con normalidad, hasta que Ellie abre un gigantesco congelador que contiene numerosos cadáveres de jóvenes. Sus sospechas coinciden con las del detective Calvin, quien le confiesa haber sido amante, también de su madre y que sólo por esta razón buscará al culpable, aunque sienta algo especial por ella...

Comentario: La sangre y el Encaje es una modesta producción, no de miedo, la American International Pictures AIP, que hizo famoso el productor y director Roger Corman en las décadas de 1950, 1960 y 1970. Fue la única película hecha por Philip S. Gilbert acreditado como Philip Gilbert. En el reparto, la legendaria Gloria Grahame. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXVII)

El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966), de Sergio Leone

Durante la guerra civil norteamericana (1861-1865), tres cazadores de recompensas buscan un tesoro que ninguno de ellos puede encontrar sin la ayuda de los otros dos. Así que colaboran entre sí para conseguir el botín. A lo largo de los años 1960, las producciones europeas que querían llegar a un gran público encontraron una nueva fórmula: copiar los estereotipos de los géneros típicamente yanquis que ya habían cerrado su ciclo. Así surgieron subgéneros como el péplum o el espagueti wéstern, este último encabezado por el director Sergio Leone. Aunque fue maltratado por la crítica, influyó incluso a las películas de Hollywood, ya que muchos productores empezaron a financiar películas del Oeste al estilo de los de Leone. El bueno, el feo y el malo supone la última película de la llamada trilogía de los dólares, precedida por Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964) y La muerte tenía un precio/Por unos pocos dólares más (Per qualche dollaro in più, 1965). Todas ellas fueron dirigidas por Sergio Leone y protagonizadas por Clint Eastwood en el papel del hombre sin nombre. También las tres contaron con la música de Ennio Morricone y, en el caso de El bueno, el feo y el malo, su melodía se convirtió en una de las clásicas del género. Es considerada como una de las mejores películas de la historia.

El cine del siglo XXI, veinte años ya: De "Boys Don't Cry" a "Little Girl", el cine ha cambiado de género (IX)

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41.- Carmín tropical (2014), de Rigoberto Pérezcano

Es la historia de un regreso, el de Mabel a su pueblo natal para encontrar al asesino de su amiga Daniela. Un viaje por la nostalgia, el amor y la traición en un lugar donde el travestismo cobró en su día una inusual dimensión. Formó parte de la selección oficial del Festival Internacional de Cine de Morelia, donde obtuvo el Premio a Mejor Largometraje Mexicano. Este filme ocupa el lugar 19 dentro de la lista de las 100 mejores películas del mexicanas.

42.- Una nueva amiga (Une nouvelle amie, 2014), de François Ozon

Es la historia de dos mujeres, amigas de la infancia. Las dos se casan y una tiene un bebé. Al poco tiempo, la madre enferma gravemente, le hace prometer a su amiga que cuidará del bebé y a su marido. Después de su muerte, la amiga decide ir a visitar al padre y al bebé, pero le espera una tremenda sorpresa.La cinematografía del prolífico director y guionista François Ozon se caracteriza por el protagonismo predominante de la mujer y la búsqueda de su identidad sexual. Estas características están presentes en esta película que, situada en un contexto universal y atemporal, habla sobre el amor más allá de la muerte. Para ello, el realizador francés adapta de manera libre la novela homónima de la escritora británica Ruth Rendell y da los papeles protagonistas a Anaïs Demoustier y Romain Duris. En 2014, la cinta estuvo presente en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián 2014, donde alcanzó el premio Sebastiane, galardón entregado a aquella obra que mejor refleja los valores y la realidad de lesbianas, gays, transexuales y bisexuales.

43.-  Boy Meets Girl (2014), de Eric Schaeffer

Comedia romántica que explora lo que significa ser un verdadero hombre o mujer, y lo importante que es vivir una vida valiente y no dejar que el miedo se interponga en el camino para ir tras los sueños. La protagonista es transgénero pero la película no se centra en el drama de salir del armario, el acoso en el colegio, la decepción de la familia o la estigmatización social sino en los dramas de la adolescencia de los que nadie se escapa.

44.- La visita (2014), de Mauricio López Fernández

El esperado regreso del hijo de una ama de llaves después de muchos años de ausencia provocado por la muerte de su padre, agita el hermético ambiente familiar al volver convertido en una hermosa hija, en una casa donde las mujeres residentes creían necesitar de los hombres para poder sobrevivir. La película explora las reacciones de los familiares y amigos ante el impacto de un regreso inesperado. Ópera prima (largometraje) del director chileno Mauricio López Fernández. Fue presentada en el Festival de Valdivia en la competencia de cine chileno,​ para después en diciembre del mismo año estrenarse comercialmente en salas de cine de Chile.

45.- Confessions of a Womanizer (2014), de Miguel Ali

También conocida como Confessions of a Sex Addict. ¿Qué sucede cuando un mujeriego compulsivo se convierte en el mejor amigo de una prostituta transgénero? Richie (Andrew Lawrence) es un tipo arrogante cuya única prioridad es una chica nueva cada semana, hasta que se encuentra en una relación real con Megan (Jillian Rose Reed). Le hace confesar su mujeriego amigo y cómo fue herido por una relación años atrás. Su nueva y mejor amiga, Ginger, una prostituta transgénero, le ayudará a sacar estas heridas a la superficie.

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Hace 100 años: The Smart Sex

En marzo de 1921 se estrenó la película estadounidense The Smart Sex, dirigida por Fred LeRoy Granville e interpretada por Eva Novak, Frank Braidwood, Geoffrey Webb, Mayre Hall, C. Norman Hammond, Dorothy Hagan, Calvert Carter, Margaret Mann, Jim O'Neill, Evelyn McCoy. Productora: Universal Film Manufacturing Company. Duración: 50 minutos. 

Sinopsis argumental: Relato sobre la vida de una corista y el drama vital de un don nadie que pone sus ojos sobre la artista. 

Comentario: Según un anuncio de la época, "se trata de la nueva película Eva Novak, tan real como el hambre y tan romántica como el amor". 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXVI)

Blow-Up (Deseo de una mañana de verano) (Blow-Up, 1966), de Michelangelo Antonioni 

Adaptación del cuento Las babas del diablo (1959) de Julio Cortázar, aparecido en el libro Las armas secretas, a su vez inspirado por un relato del fotógrafo Sergio Larraín, que narra la historia de Thomas (David Hemmings), un fotógrafo de moda que, tras realizar unas tomas en un parque londinense, descubre al revelarlas una forma irreconocible que resulta ser algo tan turbador como inesperado. Blow-up debe su título al trabajo que hace Thomas frente a esas impresiones, estos recortes que hace una y otra vez sobre la fotografía, ampliando para entender qué es esa forma sospechosa que no había visto antes, en la que cree que se encuentra la clave para descifrar lo acontecido en el parque: “Cuando se utilizan ampliadoras pueden verse cosas que probablemente el ojo desnudo no sería capaz de captar (…) pero lo que sucede es que al ampliarlas demasiado, el objeto se desintegra y desaparece. Por lo tanto, hay un momento en que asimos la realidad, pero ese momento pasa… este es en parte el significado de ‘Blow-up’.” (Michelangelo Antonioni).Cortázar aparece como cameo en una de las fotografías mostradas en la película. En el relato, la pequeña historia y su significado es completamente distinto del de la película de Antonioni. Posteriormente al estreno de la película, el director confesó que necesitaría otra película para explicar su significado. El personaje principal está inspirado en un fotógrafo real, David Bailey.

El cine del siglo XXI, veinte años ya: De "Boys Don't Cry" a "Little Girl", el cine ha cambiado de género (VIII)

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36.- 52 martes (52 Tuesdays, 2013), de Sophie Hyde

Billie es una joven de 16 años cuya madre se va a someter a una operación de cambio de sexo. Ésta, además, le pide que durante el año que dura el proceso solamente se vean los martes por la tarde. La realizadora australiana de cortos y documentales Sophie Hyde debutó como directora de largometrajes con esta cinta intimista cuyo rodaje respetó escrupulosamente el guion (escrito por la misma Hyde junto a Matthew Cormack), pues las sesiones se extendieron durante un año, a lo largo de 52 martes consecutivos. Para conferir más naturalidad y realismo a las actuaciones, además, Hyde no enviaba a los intérpretes las escenas en las que aparecían hasta una semana antes. Dicho reparto, no profesional, está encabezado por Tilda Cobham-Hervey, que trabajaba en un circo antes de debutar como actriz con esta película; y por Del Herbert-Jane, que empezó en el proyecto asesorando a Hyde y Cormack sobre diversidad de género y acabó implicándose como intérprete. La cinta gozó de una calurosa acogida entre la crítica, como demuestran los dos galardones con los que se alzó en la Berlinale y el premio a la mejor dirección en la categoría de drama en el Festival de Sundance.

37.- Quick Change (2013), de Eduardo W. Roy Jr.

El deseo obsesivo por la juventud y la belleza entre los miembros de la comunidad transgénero de Manila se examina con autenticidad similar a un documental en el bien elaborado drama Quick Change. Centrada en una ex animadora que se gana la vida trabajando como "doctora" realizando procedimientos cosméticos a sus compañeros, la imagen representa una impresionante presentación de la segunda película del director filipino Eduardo Roy Jr. (Baby Factory, 2011). La película se proyectó en la sección Panorama del 64º Festival Internacional de Cine de Berlín.

38.- Man On High Heels (Haiheel, 2014), de Jang Jin

Yoon Ji-wook es un duro detective de homicidios conocido por su indiscutible habilidad para atrapar a criminales violentos. Es venerado como una leyenda en la fuerza policial y al mismo tiempo temido entre la mafia por su brutalidad en la represión del crimen. Sin embargo, debajo de su apariencia fría y machista se esconde un secreto que debe esconder del mundo en el que vive. Ji-wook nació hombre y ha querido vivir su vida como mujer desde su adolescencia. Intenta reprimir este deseo interior, pero en vano. Ji-wook finalmente llega al punto en el que ya no puede ocultar quién es realmente y decide dar el paso y someterse a una operación de reasignación de sexo. Sin embargo, antes de que tenga la oportunidad de hacerlo, surgen una crisis inesperada que interfieren con sus planes. Una pandilla que sufrió el frío y duro acero de las esposas de Ji-wook está decidida a vengarse de él. Ji-wook renuncia e intenta hacer realidad su sueño, pero las personas cercanas a él se ven envueltas en la trama de venganza en la que se encuentra en el centro. Cuando algunas de esas personas mueren y una chica llamada Jang-mi está en peligro, se da cuenta de que no puede quedarse de brazos cruzados por más tiempo.

39.- Esoterica: Manila (Esoterika: Maynila, 2014), de Elwood Perez

Mario/Galogo es un prometedor novelista gráfico. En un viaje de auto-descubrimiento, alternativamente ingenioso e ingenuo, se mete de lleno en el territorio de lo exaltado, lo cautivador y lo raro, nadando a través de las aguas inexploradas de la experiencia única filipina, emergiendo como un auténtico Manileño imbuido con el pensamiento que tolerancia es sofisticación. Su reparto multicultural es una convergencia de los habitantes de Manila de diferentes creencias.

40.- Something Must Break (Nånting måste gå sönder, 2014), de Ester Martin Bergsmar 

Cuando Andreas y Sebastian se conocen, saben que están hechos el uno para el otro. En plena borrachera de amor, toman la ciudad vacía en verano: hurtos en el 7-Eleven, bailes en azoteas, baños furtivos, noches eufóricas. Pero a Andreas, heterosexual, le cuesta asumir su amor por el andrógino Sebastian. Y, como dice la canción de Joy Division que da título a la película, algo debe romperse: “Dos caminos a elegir / ante el filo de una navaja / quédate atrás / o impúlsate adelante”.

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Cumplió 25 años: Abajo el periscopio

El 1 de marzo de 1996 se estrenó la película estadounidense Abajo el periscopio (Down Periscope), dirigida por David S. Ward e interpretada por Kelsey Grammer, Lauren Holly, Rob Schneider, Harry Dean Stanton, Bruce Dern, Rip Torn, Bradford Tatum, William H. Macy, Dennis Fimple, Jordan Marder. Productora: 20th Century Fox. Duración: 92 minutos.

Sinopsis argumental: El capitán Tom Dodge sueña con tomar el mando de un submarino nuclear. Sin embargo, la Armada estadounidense le encarga que dirija el U.S.S. Stingray, un vetusto cascarón de la Segunda Guerra Mundial tripulado por un montón de pirados. Entre sus subordinados encontramos a la teniente Emily Lake, que aspira a ser la primera mujer que dé ordenes en un submarino; el oficial Martin Pascal, con quien Dodge tendrá más de un encontronazo; y Howard, un ingeniero naval a punto de retirarse. 

Comentario: Esta disparatada comedia al estilo de Hot Shots o Agárralo como puedas se encarga de parodiar sin piedad los clichés más sobados del cine bélico. Bajo la dirección de David S. Ward, un realizador especializado en productos cómicos, numerosos actores del mundo de la televisión aparecen en pantalla e interpretan los más variados ‘gags’. Entre ellos destacan el veterano Harry Dean Stanton y la atractiva Lauren Holly. La mayoría de los momentos cómicos hacen referencia a otras películas, por lo que los guiños son constantes. Otros, en cambio, se basan en los juegos visuales para despertar las carcajadas del espectador.

Efemérides de cine: Muerte en Venecia

El 1 de marzo de 1971 se estrenó la película italiana Muerte en Venecia (Morte a Venezia), dirigida por Luchino Visconti e interpretada por Dirk Bogarde, Björn Andrésen, Silvana Mangano, Marisa Berenson, Mark Burns, Romolo Valli. Productora: Alta Cinematografica. Duración: 127 minutos. 

Sinopsis argumental: El famoso compositor alemán Gustav Von Aschenbach viaja hasta Venecia en busca de paz después de una estresante gira. Pero la llegada al hotel de un joven llamado Tadzio perturba a Gustav, pues el chico representa el ideal de belleza que siempre había soñado. La obsesión por su juventud y esa perfección física es tal que renuncia a abandonar Venecia ante la amenaza de una epidemia de peste.
Nominaciones y premios:  Nominada al Oscar: Mejor vestuario, Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película); Premios BAFTA: 4 premios: banda sonora, dirección artística, fotografía y vestuario; Premios David di Donatello: Mejor director.
Comentario: Inspirada en la célebre novela homónima de Thomas Mann, la película fue dirigida por uno de los realizadores más emblemáticos del cine italiano, Luchino Visconti, autor de títulos como Bellísima y Rocco y sus hermanos. El actor inglés Dirk Bogarde encarna al compositor alemán, Gustav Von Aschenbach (aunque en la novela el protagonista era un escritor) y Bjorn Andrésen interpretó al joven Tadzio de quien se enamora el músico. El reparto lo completan nombres como Silvana Mangano y Marisa Berenson. La banda sonora es también uno de lo puntos más sobresalientes de la película. El tema central de la película fue extraído del Adagietto de la Quinta Sinfonía de Gustav Mahler, el compositor austriaco sobre quien de algún modo se inspiró Thomas Mann para escribir el personaje de su novela. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de esta maravillosa película. 

El cine del siglo XXI, veinte años ya: De "Boys Don't Cry" a "Little Girl", el cine ha cambiado de género (VII)

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31.- Ella: su historia de amor (She: Their Love Story, 2012), de Sranya Noitha

Bua es una rica mujer de negocios a la que descubren un cáncer en fase terminal. Ella decide ocultárselo a su marido e hija, a los que decide abandonar para no provocarles más dolor. Inmersa en su trabajo conocerá a una joven fotógrafa que despertará su lado sexual más desconocido. Por otro lado, la columnista Da finalmente se decide a regañadientes a escribir sobre las mujeres homosexuales de Tailandia, pero sin saber que llegará más lejos de lo que imaginaba inicialmente.

32.- Seki A Oe: A Crazy Samoan Love Story (2013), de Zena Iese

Jack es un romántico empedernido. Angel es un homosexual reprimido que adora salir de fiesta. Cuando se conocen, ambos se enamoran perdidamente el uno del otro, pero Angel decide finalmente rechazar a Jack. Sólo Diana, una transgénero que comparte con ambos una bonita amistad, podrá convencerles de que vale la pena luchar por su amor. 

33.- Open Up to Me (Kerron sinulle kaiken, 2013), de Simo Halinen

La película cuenta la historia de Maarit (Leea Klemola), una mujer que acaba de pasar por una cirugía de reasignación de sexo. Ella quiere reconstruir su relación con su hija adolescente y también está en busca de un hombre para compartir su vida. 

34.- Noches de espera (2013), de Tiago Leão

Cuenta las historias individuales de Aitana, Pierrick, Rita y Jorge, cuatro jóvenes veinteañeros en busca de placer y fiesta en las noches de Madrid. 

35.- Quissa (Qissa: The Tale of a Lonely Ghost, 2013), de Anup Singh

Un hombre obsesionado por tener un hijo criará a su última hija como si fuera un niño, según los parámetros de la religión sikh.

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Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXV)

El tiroteo (The Shooting, 1966), de Monte Hellman

Narra la extraña historia de dos hombres que aceptan guiar a una mujer desconocida que viaja sola a través del desierto. El objetivo final no se conoce, pero poco a poco se desvelará que la mujer no viaja sola del todo, y que el peligroso acompañante que la sigue en la distancia no es más que un asesino. Cuando los guías dejan de ser útiles, empieza a fraguarse la tragedia. ¿A quién persigue la chica? ¿Cuantos llegarán vivos al final del viaje?. Un western nada convencional rodado por Monte Hellman en 1966, durante un corto viaje al desierto (financiado por el mítico Roger Corman) para filmar dos películas, ésta y Ride in the Whirlwind, también protagonizada por Jack Nicholson y Millie Perkins, con un presupuesto de 150.000 dólares para las dos. Calificada por mucho como un "Esperando a Godot" en clave de western, la cinta está llena de preguntas y de unos personajes que no saben nada. Este aclamado western de serie B, elegido por la revista Time Out como el 13º mejor western de la historia del cine. 

El cine del siglo XXI, veinte años ya: De "Boys Don't Cry" a "Little Girl", el cine ha cambiado de género (VI)

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26.- Facing Mirrors (Aynehaye rooberoo, 2011), de Negar Azarbayjani

Rana, mujer y madre tradicional, se ve obligada a conducir un taxi para pagar la deuda que mantiene a su marido en la cárcel y por casualidad recoge a Eddie, perseguido por dos hombres. Al principio, Rana intenta ayudarlo, pero cuando se da cuenta de que el chico es transgénero surge entre los dos un serio conflicto. Facing Mirrors es la primera película iraní con un protagonista transgénero. 

27.- Noor (2012), de Guillaume Giovanetti, Cagla Zencirci

Noor quiere ser un hombre. Él no pertenece más a la Khusras, comunidad transgénero de Pakistán.. Ahora, él está haciendo el trabajo de un hombre en una decoración de un centro de camiones pero tomará una decisión: encontrar a una chica que le acepte tal como es.

28.- Names Ba-geshem (2012), de Doron Eran

Shlomo descubre en la habitacion de su hijo Assaf ropa de mujer y accesorios y decide "enseñarle una lección". Cuando Assaf vuelve a casa de sus padres en una noche de lluvia, no lo dejan entrar. Su padre, con el consentimiento silencioso de su mujer, le cierran la puerta. Cuatro años después, su madre va a una agencia de investigadores para encontrar a Assaf y llevarlo ante Shlomo que está muriendo de cáncer. Assaf es una travesti que canta en un bar en Tel Aviv bajo el nombre de Anna. Anna (su hijo Assaf) decide convertirse en la enfermera de Shlomo y conquistarlo con su personalidad.

29.- Laurence Anyways (2012), de Xavier Dolan

Laurence Alia (Melvil Poupaud) es un profesor de literatura con un trabajo estable y una sólida relación con su novia (Suzanne Clément). Sin embargo, un día decide contarles a sus amigos y seres más queridos sus planes para cambiarse de sexo. 

30.- It Gets Better (2012), de Tanwarin Sukkhapisit

Tres historias cargadas por igual de drama y de risas que, al fin y al cabo, reflejan desde diferentes puntos de vista la lucha real para asumir la transexualidad y llevar una vida plena y feliz. 

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Hace 100 años: The Mistress of Shenstone

El 27 de febrero de 1921 se estrenó la película estadounidense The Mistress of Shenstone, dirigida por Henry King e interpretada por Pauline Frederick, Roy Stewart, Emmett King, Arthur Clayton, John Willink, Helen Wright, Rosa Gore, Helen Muir, Lydia Yeamans Titus. Productora: Robertson-Cole Pictures Corporation. Duración: 60 minutos.

Sinopsis argumental: Lady Ingleby, sola mientras su marido está en el frente, recibe la noticia de su muerte debido a una orden involuntaria de uno de sus compañeros y se retira de luto a la costa de Cornualles. Allí conoce al joven Jim Airth, quien le salva la vida en la playa. Se desarrolla un romance, pero cuando se entera de que él es el hombre que dio la orden fatal, se separan. Más tarde, regresa a la costa y decide que no puede vivir sin él.

Comentario: Basada en la novela de 1910 de Florence L. Barclay, ha sobrevivido una copia en el archivo español, la Filmoteca de Cataluña. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXIV)

Un hombre y una mujer (Un homme et une femme, 1966), de Claude Lelouch

Anne es una joven viuda que tiene una hija pequeña y cuyo marido murió durante el rodaje de una escena peligrosa. Ella también trabaja en el mundo del cine. Jean-Louis Duroc es también un joven viudo que tiene un hijo de corta edad; es un hombre más bien triste e introvertido. Claude Lelouch fue un director que, a diferencia de sus compañeros de profesión en Francia, tendió a realizar un cine de marcado signo comercial. Su éxito más rotundo fue esta Un hombre y una mujer, una historia de amor que gustó tanto a los espectadores europeos como los americanos. Fruto de ello fue la Palma de Oro que recibió Lelouch al mejor director, y la obtención de dos Oscar por su film, el de mejor película de habla no inglesa y el de mejor guión original. Gran parte del buen recibimiento del film fue gracias a la música de Francis Lai y a la interpretación de la bella Anouk Aimée. Es notable su fotografía, calificada por la crítica como «exuberante» (Lelouch ya tenía experiencia realizando fotografía para publicidad), que ofrece frecuentes secuencias entre tomas a todo color, en blanco y negro, y otras con tonos de sepia, dependiendo del tema tratado en cada escena. Veinte años después, Lelouch intentó repetir el éxito conseguido en 1966, dirigiendo una segunda parte, 'Un hombre y una mujer: 20 años después, en el que los dos personajes volvían a reunirse y recordaban su antigua pasión. Sin embargo, la operación comercial quedó en un simple y curioso experimento. 

"El cine no sirve para nada": un sentido homenaje a un escandaloso Marco Ferreri (II)

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Por supuesto, lo llamaron misógino. En efecto, en La abeja reina (Una storia moderna - L'ape regina, 1963), Marina Vlady acaba matando sexualmente a su marido para poder tener  un hijo (ella no se responsabiliza de nada: ¡son el Estado y la Iglesia los que reclaman este crimen!). 

Y en Liza (La cagna, 1972), Catherine Deneuve mata al mejor amigo de su hombre - un perro - para tomar su lugar y lamer la mano que se le tiende… Pero, como escribe Gabriela Trujillo, “¿por qué tanto retrato cruel de la mujer? ¿Puede ser sospechoso de misoginia? Después de todo, en este cine que salva vidas porque sin moral, ninguna zorra se demora, ninguna víctima es aburrida, ninguna arpía permanece así por mucho tiempo, ninguna femme fatale sobrevive feliz a su víctima. De sus heroínas, el cineasta dijo: “No son mujeres, sino oráculos. Antes de agregar: “La mujer siempre ha tenido las llaves de nuestro futuro, pero el hombre hizo todo lo posible para que ella no lo supiera."

Y eso es lo que pinta: hombres perdidos, patéticos, abrumados. Que disfrutan sexualmente con un llavero (I Love You). Que se esfuman como las figuras en un incendio fuego de un museo de cera (Adiós al macho (Ciao maschio, 1978)). O están totalmente fuera de lugar en La última mujer (L'ultima donna, 1976), Gérard el tosco (interpretado por Depardieu el sutil) fulmina: "Entonces, para lograr la igualdad entre los sexos, ¿debemos separarnos?" Lo que hace, además, como un idiota. Consecuencia inmediata: sus aullidos de dolor despiertan a su bebé asustado y llorando ¡Qué burla: todo por eso!

Bestiario insensato

Cuando no se está castrando, el hombre de Ferreri se lanza de lleno por la ventana (Marcello Mastroianni en L'uomo dei cinque palloni (Break Up), 1965). Pero, recuerda Gabriela Trujillo, “es toda la genialidad de Ferreri continuar la narración abajo, en la calle, donde un hombre (breve aparición del actor Ugo Tognazzi) hecha pestes contra el suicida porque al aterrizar dañó su auto...” Decididamente, el hombre es un animal curioso. De ahí que, en la obra del cineasta, un demencial bestiario compuesto por perros, gatos, ratas, ranas, guepardos y gorilas...

¿Qué pensaría Ferreri de nuestro tiempo? ¿Del Covid-19? ¿De #MeToo? ¿Del calentamiento global? ¿De Donald Trump? ¿De Greta Thunberg? Patearía las camillas, provocaría inevitablemente polémica, provocaría nuevos escándalos. ¡Ah, lo extrañamos!

Efemérides de cine: La revolución de las ratas

El 26 de febrero de 1971 se estrenó la película estadounidense La revolución de las ratas (Willard), dirigida por Daniel Mann e interpretada por Bruce Davison, Elsa Lanchester, Ernest Borgnine, Sondra Locke, Michael Dante, Jody Gilbert, Joan Shawlee, William Hansen, J. Pat O'Malley, John Myhers. Productora: Bing Crosby Productions. Duración: 95 minutos. 

Sinopsis argumental: Willard Stiles es un malcriado de 27 años reprimido. En realidad es un chico extrovertido, pero se lo guarda todo en su interior e intenta aliviar la ansiedad mordiéndose las uñas. La vida de Willard no es fácil, cuando su padre murió, él y su madre Henrietta (Elsa Lanchester) acabaron convirtiéndose en esclavos de Al Martin (Ernest Borgnine), un hombre de negocios. Willard hierve por dentro, pero prefiere quedarse en casa haciéndose amigo de las ratas que están plagando la vivienda. Incluso llega a ponerles nombres como Ben o Sócrates. Pero cuando su madre muere todo cambia, Al matar a una de las ratas y le despide de su trabajo. Será entonces cuando Willard usará a sus amigas roedoras para tener su venganza...

Comentario: Pequeña película de culto dentro del género de terror que tuvo una secuela en Ben (1972) y un remake de mismo título original, Willard, en el 2003. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.