jueves, 2 de abril de 2020

Cumplió 25 años: Goofy e hijo

El 2 de abril de 1995 se estrenó la película estadounidense Goofy e hijo (A Goofy Movie), dirigida por Kevin Lima. Reparto: Animación. Productora: Walt Disney. Duración: 78 minutos. 
Sinopsis argumental: Goofy tiene la desafortunada idea de llevar a su hijo Max a pescar, pero éste, que teme convertirse de mayor en un ser tan tonto como su padre, tiene otros planes. Ha quedado con la bella Roxanne, que por fin ha accedido a salir con él. Pero Goofy no está dispuesto a permitir que su hijo ignore el arte de la pesca.
Nominaciones y premios: Premios Annie: Nominada a mejor película. 
Comentario: La primera vez que el simpático perro Goofy protagoniza un largometraje de animación. La película tiene varias similitudes con la serie Goof Troop.

Efemérides de cine: Un hombre llamado Caballo

El 2 de abril de 1970 se estrenó la película estadounidense Un hombre llamado Caballo (A Man Called Horse), dirigida por Elliot Silverstein e interpretada por Richard Harris, Judith Anderson, Jean Gascon, Manu Tupou, Corinna Tsopei, Dub Taylor, Iron Eyes Cody, Eddie Littlesky, Michael Baseleon. Productora: Cinema Center Films. Duración: 114 minutos. 
Sinopsis argumental: En 1825, el aristócrata inglés John Morgan (Richard Harris) vive comodamente y sin problemas hasta que los indios Sioux cambian su vida de forma radical. Sin que nadie pueda evitarlo, John es secuestrado y llevado a vivir con ellos como esclavo. En el poblado de la tribu, el joven es obligado a realizar diferentes tareas, pero a medida que pasa el tiempo, John irá acostumbrándose a su nueva vida. Cuando se enamora de la hermana del jefe, Morgan decidirá dar un paso más y convertirse en un miembro más del clan. Sin embargo, para lograrlo deberá superar un ritual que todos los hombres que pertenecen a la tribu deben realizar y al que John tendrá que enfrentarse solo. 
Comentario: Un western crepuscular basado en el cuento homónimo escrito por Dorothy M. Johnson y publicado por primera vez en 1950 en la revista Collier's y después, en 1968, en el libro de la autora llamado Indian Country. El director, Elliot Silverstein, narra con efectismo a la vez naturalista y gore esta peripecia de supervivencia, honor y amistad, que rompe estereotipos con respecto a la cultura india, aunque finalmente convierta al aristócrata blanco en verdadero héroe mítico de la tribu. Para conseguir el antes mencionado estilo pseudo-documental, el director investigó durante bastante tiempo, conviviendo con indios Sioux, para intentar conseguir la máxima fidelidad a la hora de representar el estilo de vida de la tribu. Este título fue un gran éxito comercial, porque por primera vez se «describían por dentro las costumbres de una tribu india»; sin embargo fue criticado por muchos activistas indios, llamándola incluso «la película más blanca de todas».​ Es la interpretación más conocida de Richard Harris, que alcanzó la fama con ella y volvería a representar al personaje principal en dos secuelas. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Los peores remakes de la historia del cine (IX)

Peligro en Bangkok (Bangkok Dangerous, 2008), dirigida por Oxide Pang, Danny Pang

Nicolas Cage tiene un historial de protagonismo en películas que resultan decepcionantes para los críticos, y Peligro en Bangkok definitivamente entra en esa categoría. El Bangkok Dangerous, en español Muerte en Bangkokoriginal es un thriller criminal tailandés sobre Kong, un pistolero sordomudo. Trabaja como asesino a sueldo, lucha por encontrar un verdadero significado en la vida y, finalmente, encuentra un final trágico. Es una película intensa, llena de acción y escenas emocionales. La versión de Cage, sin embargo, no pudo mantener la categoría del original, a pesar del hecho de que fue hecha por los mismos directores, los hermanos Pang.
En la nueva versión de 2008 de Bangkok Dangerous, se cambiaron varios detalles clave. Cage interpreta al protagonista, Joe, que no es sordomudo. La fotografía es visualmente confusa, a veces, y la idea de un asesino a sueldo que eventualmente va tomando conciencia, se siente como un cliché. Como Scott Nash comentó en una reseña de Three Movie Buffs, "El asesino quemado está viejo y cansado".

miércoles, 1 de abril de 2020

Cumplió 25 años: Underground

El 1 de abril de 1995 se estrenó la película yugoeslava Underground (Podzemlje), conocida también con el título Érase una vez un país (en serbio, Bila jednom jedna zemlja), dirigida por Emir Kusturica e interrpretada por Miki Manojlovic, Lazar Ristovski, Mirjana Jokovic, Slavko Stimac, Ernst Stötzner, Srdjan Todorovic, Mirjana Karanovic, Milena Pavlovic, Danilo 'Bata' Stojkovic, Bora Todorovic, Davor Dujmovic. Productora: Coproducción Yugoslavia-Francia-Alemania; Ciby 2000/Pandora Film/Novofilm/A.B. Barrandov/Komuna/Radio Television of Serbia/Mediarex/ETIC/Tchapline Films/Film Fonds Hamburg/Eurimages. Duración: 167 minutos.
Sinopsis argumentalAño 1941. Belgrado, durante la Segunda Guerra Mundial. Marko y Petar, delincuentes y amigos, luchan contra los alemanes. Petar resulta herido y, para salvarse, se refugia en un sótano junto a un grupo de partisanos. Por otro lado, Marko se convierte en un héroe y, terminada la guerra, se convierte en uno de los favoritos de Tito de la Yugoslavia comunista. Pero el destino de Petar ha resultado muy distinto...
Nominaciones y premios: Festival de Cannes: Palma de Oro; Premios César: Nominada a mejor película extranjera; Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor película extranjera; Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera. 
Comentario: La película retrata y satiriza la historia de Yugoslavia desde la Segunda Guerra Mundial. El largometraje está dividido en tres partes o actos: La Guerra (se refiere a la Segunda Guerra Mundial), La Guerra Fría (el periodo del gobierno de Josip Broz Tito) y La Guerra (las guerras yugoslavas).

100 sagas de cine: Las albóndigas

Otra nueva tetralogía compuesta por: 
1.- Los incorregibles albóndigas (Meatballs, 1979). Canadá. Dirección: Ivan Reitman. Interpretación: Bill Murray, Harvey Atkin, Kate Lynch, Chris Makepeace, Russ Banham, Matt Craven, Kristine DeBell, Sarah Torgov, Jack Blum, Keith Knight. Guion: Harold Ramis, Len Blum, Daniel Goldberg, Janis Allen. Música: Elmer Bernstein. Fotografía: Don Wilder. Productora: Paramount Pictures/Canadian Film Development Corporation/Famous Players. Comedia. Comedia juvenil. Cine familiar. Duración: 92 minutos. El campamento de verano Northstar acaba de abrir y sus responsables, Tripper, su novia Roxanna y Morty, se afanan en entrenar a los monitores, para recibir a los hiperactivos adolescentes que están a punto de llegar. Tras instalarse, la primera actividad es un partido de fútbol. Rudy, un chico muy tímido, que provoca accidentalmente la derrota de su equipo, es condenado al aislamiento por sus compañeros. Esta situación hace que intente fugarse del campamento, pero Tripper, que sale en su busca, logra ganarse la confianza del muchacho al que convierte en su colaborador. Las peripecias propias de la vida de campamento llegan a su fin con la Olimpiada anual: una competición compuesta por las más diversas pruebas, en la que se enfrentan los chicos del campamento Northstar con los atletas del campamento Mohawk. Esta comedia juvenil-veraniega-erótico-festiva narra las aventuras de un grupo de muchachos gamberretes en un campamento de verano muy peculiar. Los incorregibles Albóndigas supuso el debut en el cine de Bill Murray, quien repetiría a las órdenes de Reitman en El pelotón chiflado y Los Cazafantasmas y su secuela. La película también introdujo al actor infantil Chris Makepeace en el papel de Rudy Gerner. 
2.- Los albóndigas atacan de nuevo (Meatballs Part II1984). Estados Unidos. Dirección: Ken Wiederhorn. Interpretación: Richard Mulligan, Hamilton Camp, John Mengatti, Kim Richards, Archie Hahn, Misty Rowe, Ralph Seymour, Tammy Taylor, John Larroquette, Paul Reubens, Jason Hervey, David Hollander, Scott Nemes, Chad Sheets. Guion: Bruce Singer (Argumento: Martin Kitrosser, Carol Watson). Música: Ken Harrison. Fotografía: Donald M. Morgan. Productora: Space Productions. Comedia. Aventuras. Fantástico. Adolescencia. Extraterrestres. Boxeo. Secuela. Duración: 87 minutos."The Flash" (John Mengatti) ha conseguido salir de prisión con libertad condicional, pero debe cumplir servicios sociales sirviendo en un campamento de verano si quiere olvidarse totalmente de la cárcel. Allí conocerá a la inocente Chreyl (Kim Richards) con gran interés y motivación en su trabajo. También a Hershey (Hamilton Camp) , su rival en el campamento enemigo Patton. Pero lo que no saben es que el campamento esconde un misterioso y terrorífico secreto, un extraterrestre judío con poderes que provocará una serie de enredos cómicos que harán las delicias del espectador.
3.- Los albóndigas 3: Trabajo de verano (Meatballs III: Summer Job1987). Canadá. Dirección: George Mendeluk. Interpretación: Sally Kellerman, Patrick Dempsey, Al Waxman, Isabelle Mejias, Shannon Tweed, Peter Snider, Jan Taylor Hendricks, Hudson Bishop, Pamela Collyer. Guion: Bradley Kesden, George Mendeluk, Michael Paseornek (Personajes: Harold Ramis, Janis Allen, Daniel Goldberg, Len Blum). Música: Paul Zaza. Fotografía: Peter Benison. Productora
TMS Pictures/Dalco. Comedia. Fantástico. Comedia juvenil. Adolescencia. Fantasmas. Secuela. Duración: 90 minutos. Cuando a la estrella porno Roxy Doujor se le niega la entrada a la otra vida , se le da una última oportunidad para ayudar a alguna pobre alma en la Tierra. Ella encuentra a Rudy Gerner (Patrick Dempsey, cuyo personaje fue el centro de la película original cuando era adolescente) trabajando en un resort fluvial de verano. Roxy tiene la tarea de ayudar a Rudy a perder su virginidad para que se le permita entrar en el más allá. A diferencia de las dos primeras películas, esta no está ambientada en un campamento de verano, sino en un puerto deportivo cercano.
4.- Los albóndigas 4: Al rescate (Meatballs 41992). Estados Unidos. Dirección: Bob Logan. Interpretación: Corey Feldman, Jack Nance, Sarah Douglas, Bojesse Christopher, Brad Grunberg, J. Trevor Edmond, Paige French, John Mendoza, Bentley Mitchum, Deborah Tucker, Frank Walton, Cristy Thom, Brian Christensen, Jo Farkas, Monique Noel. Guion: Bob Logan. Música: Steve Hunter. Fotografía: Vance Burberry. Productora: Planet Productions. Comedia. Adolescencia. Duración: 84 minutos. Ricky es un atractivo instructor de ski, y acaba de ser recontratado en un campo de vacaciones para aumentar la clientela. Pero el campo se encuentra en graves problemas financieros y la dueña de un campo rival, más popular, quiere comprarlo. Tendrán que enfrentarlos en una competencia fatal, en la que el ganador se llevará todo. Cuarta y última entrega de la serie de películas Los albóndigas

Los peores remakes de la historia del cine (VIII)

Point Break (Sin límites) (Point Break, 2015), de Ericson Core

En la película de 1991, Le llaman Bodhi (Point Break), Johnny Utah (Keanu Reeves), un joven agente del FBI, se infiltra en los ambientes del surf para desenmascarar a una banda de atracadores que, como sello de identidad, usan caretas de presidentes de los Estados Unidos durante sus golpes. Este definitivamente no es el thriller criminal promedio.
La premisa de Point Break puede parecer torpe, pero lo que lo convirtió en una película de culto fue el hecho de que nada sobre la película realmente debería haber funcionado, pero de alguna manera, los hilos de la ridícula trama resultaron entretenidos. ¿Cómo recuperas la magia de una película de culto? Bueno, si la nueva versión de Point Break es una indicación, puede que no sea posible.
La versión de 2015, Point Break (Sin límites) presenta algunas escenas de acción visualmente impresionantes, pero aparte de eso, el drama brilla por su ausencia. En una reseña para Times of India, Reagan Gavin Rasquinha resumió la falla fatal de la película: "Point Break aparece como una serie de secuencias de acción y hazañas deportivas admirablemente sorprendentes sin relación con el resto de la película, fortuitamente construida a su alrededor".

martes, 31 de marzo de 2020

Cumplió 25 años: Tommy Boy

El 31 de marzo de 1995 se estrenó la película Tommy Boy, dirigida por Peter Segal e interpretada por Chris Farley, David Spade, Bo Derek, Rob Lowe, Brian Dennehy, Julie Warner, Sean McCann. Productora: Paramount Pictures. Duración: 98 minutos.
Sinopsis argumentalTommy Callahan Jr. nunca ha sido un gran estudiante, más bien un auténtico desastre más interesado en las juergas universitarias que en los libros. Después de siete años de retraso consigue graduarse y debe regresar a Ohio, donde trabajará en el negocio familiar. Al llegar se encuentra con una serie de cambios, entre ellos la nueva y explosiva mujer de su padre, Beverly, y el hijo de ésta, ambos muy ambiciosos. Su padre sufre un ataque al corazón y muere, y todo parece que va a desmoronarse. Sin embargo, Tommy se pone al frente de la empresa.
Nominaciones y premios Nominada a los Premios Razzie: Peor actriz secundaria (Bo Derek).
Comentario: Protagonizada por ex miembros de Saturday Night Live y amigos cercanos Chris Farley y David Spade. Este fue el primer trabajo de dos que tuvo el dúo en la pantalla grande, siendo el otro largometraje Oveja negra (Black Sheep), estrenado en 1996.

Cumplió 25 años: Tank Girl

El 31 de marzo de 1995 se estrenó la película estadounidense Tank Girl, dirigida por Rachel Talalay e interpretada por Lori Petty, Ice-T, Naomi Watts, Don Harvey, Jeff Kober, Malcolm McDowell, Ann Cusack, Iggy Pop, James Hong, Scott Coffey, Billy L. Sullivan. Productora: Trilogy Entertainment Group. Duración: 104 minutos.
Sinopsis argumentalAño 2033. Tras la catastrófica precipitación de un cohete sobre la Tierra, ésta queda asolada y el planeta se convierte en un impresionante desierto. Kessle, un tiránico asesino que dirige la corporación militar de agua y la energía, pretende someter a los supervivientes...
ComentarioBasado en la serie británica de cómics postapocalípticos del mismo nombre de Alan Martin y Jamie Hewlett que se publicó originalmente en la revista Deadline

Los peores remakes de la historia del cine (VII)

Total recall: Desafío total (Total Recall, 2012), dirigida por Len Wiseman

Desafío total, dirigida por Paul Verhoeven, es una fascinante película de ciencia-ficción estrenada en 1990, que sigue al trabajador de la construcción Douglas Quaid, quien comienza a tener sueños inquietantes sobre la vida en Marte. Le implantan un chip de memoria que le dará una experiencia de realidad virtual de trabajar como agente secreto en el planeta. Pero a medida que avanza la película, la línea entre la realidad y la ficción se vuelve borrosa, y lucha por descubrir quién es realmente y qué ha hecho realmente en Marte.
Aquí es donde el remake de 2012 salió completamente mal: ni siquiera está ambientado en Marte. En cambio, tiene lugar en una futura Tierra distópica. Claro, ese concepto podría haber funcionado bien, pero esta versión de Total Recall fracasó en otros aspectos. Las secuencias de acción fueron el único punto brillante real de la película: todo lo demás se prolongó con poca emoción. "Si bien la acción tiene un gran alcance, y ciertamente altos valores de producción, de alguna manera carece de un sentido tangible de tensión o drama", escribió Joseph Walsh para CineVue.

lunes, 30 de marzo de 2020

Quentin Tarantino a través de los años y sus películas (I)

Como director: 

El cumpleaños de mi mejor amigo (My Best Friend's Birthday, 1987)

Quentin Tarantino en El cumpleaños de mi mejor amigo (1987)

Reservoir Dogs (1992)

Steve Buscemi, Harvey Keitel, Quentin Tarantino, Michael Madsen, Tim Roth, Chris Penn, 
Edward Bunker y Lawrence Tierney en Reservoir Dogs (1992)

Amor a quemarropa (True Romance, 1993)

Patricia Arquette and Christian Slater en Amor a quemarropa (1993)

Pulp Fiction (1994)

Samuel L. Jackson y John Travolta en Pulp Fiction (1994)

Four Rooms (1995), el episodio The Man from Hollywood

Quentin Tarantino en Four Rooms (1995)

(cont.)

100 sagas de cine: Liberad a Willy

Una tetralogía que comenzó con: 
1.- Liberad a Willy (Free Willy, 1993). Estados Unidos. Dirección: Simon Wincer. Interpretación: Jason James Richter, Lori Petty, Michael Madsen, Jayne Atkinson, Michael Bacall, August Schellenberg, Michael Ironside, Richard Riehle, Mykelti Williamson. Guion: Keith Walker, Corey Blechman. Música: Basil Poledouris. Fotografía: Robbie Greenberg. Productora: Coproducción USA-Francia; Warner Bros./Regency Enterprises/Alcor Films, Aventuras. Drama. Cine familiar. Animales. Orcas, Duración: 112 minutos. Willy es una impresionante orca confinada en un pequeño parque acuático en el Pacífico Norte, lejos de su hábitat natural y separada de toda su familia y hogar. Nadie en el parque entiende el comportamiento y los sentimientos de Willy, excepto un muchacho de 12 años, quien al igual que Willy sabe muy bien lo que significa estar lejos de su familia. Debutaban en la pantalla, a las órdenes de Simon Wincer, el niño Jason James Ritcher (que repetiría en sus dos siguientes episodios) y la orca Keiko, que fue doblada en algunas escenas por reproducciones del animal manipuladas electrónicamente. La cinta sirvió para denunciar las condiciones en las que vivía Keiko: en un tanque pequeño y con mucha sal artifical en el agua que hizo debilitar su sistema inmune y le provocó problemas dérmicos. El animal fue trasladado a una piscina mucho más grande y con agua de mar, hasta en 2002, donde fue liberada en el océano. Para poner un colofón al éxito del filme, Michael Jackson compuso la canción Will You Be There que también se convirtió en un fenómeno de ventas y que ganó el MTV Movie Award por "mejor canción de una película. 
2.- Liberad a Willy 2 (Free Willy 2: The Adventure Home, 1995). Estados Unidos. Dirección: Dwight H. Little. Interpretación: Jason James Ritcher, La orca Keiko, Francis Capra, August Schellenberg, Mary Kate Schellhardt, Michael Madsen, Jayne Atkinson, Jon Tenney, Mykelti Williamson, Elizabeth Peña, Paul Tuerpe, M. Emmet Walsh, John Considine, Steve Kahan, Neal Matarazzo. Guion: Karen Janszen, Corey Blechman, John Mattson. Música: Basil Poledouris. Fotografía: László Kovács. Productora: StudioCanal/Regency Enterprises/Alcor Films. Aventuras. Cine familiar. Animales. Orcas. Secuela. Duración: 96  minutos. Jesse es un chico de 14 años que vive felizmente con sus padres adoptivos, que debe cuidar de su hermanastro. Juntos ayudarán a la orca Willy, pues ahora se encuentra en peligro por culpa de una derrama de petróleo derramado en el océano. Secuela de las exitosas aventuras protagonizadas por una orca y un niño de 14 años. El joven protagonista vuelve a ser interpretado por Jason James Ritcher, que debutó en la original y volvería a repetir papel en la tercera parte, rodada después de ver que esta secuela también arrasó en taquilla. En esta ocasión, en parte de las escenas, la orca Keiko fue sustituida por modelos mecánicos y animación digital. También cambió el realizador Simon Wincer por Dwight H. Little. Al igual que en la original, Michael Jackson compuso una canción expresamente para la cinta, Childhood, todo un éxito musical de ese año.
3.- Liberad a Willy 3. El rescate (Free Willy 3: The Rescue, 1997). Estados Unidos. Dirección: Sam Pillsbury. Interpretación: Keiko, Jason James Richter, August Schellenberg, Annie Corley, Vincent Berry, Patrick Kilpatrickes, Tasha Simms, Peter LaCroix, Stephen E. Molinero, Ian Tracey, Matthew Walke, Roger R. Cross, Rick Burgess. Guion: John Mattson. MúsicaCliff Eidelman (Theme: Basil Poledouris (no acreditado). FotografíaRobbie Greenberg. Productora: Warner Bros. Family Entertainment. Aventuras. Secuela. Cine familiar. Animales. Orcas. Duración: 86 minutos. Jesse tiene dieciséis años y trabaja como investigador de orcas en un barco de búsqueda llamado Noah junto a su viejo amigo Randolph. Sospechan que Willy y su familia están siendo ilegalmente cazados por los balleneros que comercian en el mercado negro. Tras el espectacular éxito de taquilla de las dos primeras entregas, la Warner Bros decidió rodar una tercera parte de la ya célebre saga protagonizada por la orca Willy y su amigo Jesse. Como en la anterior entrega, la orca Keiko utilizada en el primer episodio fue substituida por modelos mecánicos y animaciones generadas por ordenador. El que sí repite es el niño protagonista, Jason James Ritcher.
4.- Liberad a Willy 4: Aventura en Sudáfrica (Free Willy 4: Escape from Pirate's Cove, 2010). Estados Unidos. Dirección: Will Geiger. Interpretación: Bindi Irwin, Beau Bridges, Mike Falkow, Darron Meyer, Jeanne Neilson, Kevin Otto, Matthew Dylan Roberts, Bongolethu Mbutuma. Guion: Will Geiger, Cindy McCreery (Historia: Keith Walker). Música: Enis Rotthoff. Fotografía: Robert Malpage. Productora: ApolloMovie Beteiligungs/Film Afrika Worldwide. Drama. Cine familiar. Animales. Amistad. Orcas. Duración: 101 minutos. Kirra (Bindi Irwin) una niña australiana de once años, se ve obligada a pasar una temporada con su abuelo (Beau Bridges) en Sudáfrica. Una noche su abuelo encuentra una orca atrapada en medio de una tempestad y decide capturarla. Nace entonces una gran amistad entre la niña y el animal, al que llama Willy. Cuando la orca crece y resulta imposible seguir cuidándola, la única solución que se presenta es venderla a un individuo sin escrúpulos cuya intención es ganar dinero exhibiéndola en un parque temático. Kirra, aterrada, intentará que su amiga vuelva a vivir libremente en el océano.  tercera secuela de la primera película de 1993 Liberad a Willy, aunque no está conectada en modo alguno a las tres primeras películas y se considera que es un reinicio de la serie.

Los peores remakes de la historia del cine (VI)

La vuelta al mundo en 80 días (Around the World in 80 Days, 2004), de Frank Coraci

La vuelta al mundo en 80 días, estrenada originalmente en 1956, es una aventura épica basada en la novela del mismo nombre de Julio Verne que terminó ganando cinco premios Oscar, incluido el premio a la mejor película y dos Globos de Oro. La trama es bastante simple: Phileas Fogg apuesta a que puede dar la vuelta al mundo en solo ochenta días, y comienza una largo viaje.  Su travesía va desde Inglaterra, sigue por Francia, España, el canal de Suez, la India, Hong Kong, el Japón y Estados Unidos.
Una historia como esta parece intemporal: sí, sería increíblemente fácil, en la actualidad, dar la vuelta al mundo en solo un par de días, pero la historia aún podría resonar en el público moderno. Sin embargo, el remake de 2004 no llevó al público a la misma aventura emocionante que el original. En cambio, s e desvía intencionalmente de la novela de Verne e incluye varios elementos anacrónicos. por lo que fue nominada para a dos premios Razzies: al peor remake y al peor actor secundario (Arnold Schwarzenegger), ganando finalmente el de remake más inoportuno y el de peor actor secundario (Arnold Schwarzenegger), en los premios The Stinkers Bad Movie. Marty Mapes lo resumió para Movie Habit: "La vuelta al mundo en 80 días es el tipo de película que debes ver si buscas una excusa para sentarte en un cine con aire acondicionado durante dos horas, y ya has visto todas las buenas películas de la semana".

domingo, 29 de marzo de 2020

Hace 100 años: Sex

El 29 de marzo de 1920 se estrenó la película estadounidense Sex, dirigida por Fred Niblo e interpretada por Louise Glaum, Irving Cummings, Peggy Pearce, Myrtle Stedman, William Conklin, Jean Murat. Productora: J. Parker Read Jr. Productions. Duración: 87 minutos
Sinopsis argumental: Una actriz de Broadway (Glaum)rompe un matrimonio feliz y luego se burla cruelmente de la esposa. Las cosas empeoran cuando a la actriz también le rompen el corazón y posteriormente se la ridiculiza.
Comentario: Louise Glaum fue la sucesora en el trono de "vampiresa" de Theda Vara. C. Gardner Sullivan, más asociado con los westerns de William S. Hart, escribió el guión de esta trama moralista. El estreno de Sex, con su título provocativo y escenas explícitas de seducción y desenfreno, lo convirtió en objeto de controversia entre censores y comentaristas.

Las diez mejores películas... para subir la moral en tiempos de crisis (II)

(cont.)

Granujas a todo ritmo (The Blues Brothers, 1980), de John Landis

"Admiradores" del rock desde hace cuarenta años, los hermanos Blues son unos matones de Chicago que, para salvar un orfanato, revivir sus ambiciones de músicos y salir de gira, encadenan los éxitos (Gimme Some Lovin', Stand By Your Man). La película de John Landis recibió la  aceptación general, aficionados al cine y entusiastas de la comedia, como los fanáticos de James Brown o Aretha Franklin, e incluso el mismísimo Vaticano. Con trajes y anteojos oscuros, un concentrado de buenas vibraciones.

La gran juerga (La grande vadrouille, 1966), de Gérard Oury

Eternamente inquietante, la comedia de Gérard Oury no está pasada de moda para nadie y, especialmente, no para los "tuiteros". Louis de Funès y Bourvil frente al ocupante alemán en las profundidades de Borgoña, es la Pléyade del buen humor. Verdadera colección de escenas de culto, la película provoca la risa desde la primer plano, ya que en la décima (o incluso mucho más), es un dulce familiar que nos retrotrae a nuestros recuerdos más cálidos.

Pequeña Miss Sunshine (Little Miss Sunshine, 2006), de Jonathan Dayton y Valerie Faris

Quince años han sido suficientes para que esta película de Jonathan Dayton y Valérie Faris se convierta en un clásico del género de "hacer sentirse bien". A partir de la realidad a veces deprimente de las familias disfuncionales, el guionista Michael Arndt ha imaginado una a la que todo sale mal, de todas las formas posibles, pero donde aprendemos cómo mantenernos unidos para lograr el sueño de la señorita más joven y linda de 7 años de edad. Una gran historia para una road movie que celebra la libertad, la diferencia, la felicidad que buscamos, muy cercano a nosotros.

Gángsters a la fuerza (Les Tontons flingueurs, 1963), de Georges Lautner

Gángsters a la fuerza es una producción francesa, italiana y alemana dirigida por Georges Lautber que adapta la novela "Grisbi or not Grisbi" de Albert Simonin. Se trata de la tercera parte de la trilogía protagonizada por el truán Max el Mentiroso que comprende las películas No toquéis la pasta (Touchez pas au grisbi, 1954) y Le Cave se rebiffe (1961). Esta cinta es la primera colaboración entre Georges Lautner y el guionista Michel Audiard que se extenderá en el tiempo a lo largo de otros 13 largometrajes. Si bien Gángsters a la fuerza es considerada hoy como una película de culto por la mayoría de cinéfilos, no consiguió buenas cifras en taquilla, puesto que se la consideró una cinta demasiado paródica para una época en la que estaba de moda otro tipo de cine.

Los bronceados hacen ski (Les bronzés font du ski, 1979), de Patrice Leconte

Como una reconfortante noche de raclette, la película de Patrice Leconte es una fiesta para disfrutar en familia o con amigos a la que es bueno invitarse en días de aburrimiento... y confinamiento. Encontramos a los componentes de la compañía Splendid, siempre de vacaciones, siempre bronceados y esta vez con un traje de esquí: estos navegantes de la existencia nos cuentan sobre nuestros deseos de ir y pasar un buen rato, pero sin cambiar realmente, permanecer como estamos, con todos nuestros defectos. La mejor formula cómica con todo incluido.

Los peores remakes de la historia del cine (V)

Psicosis (Psycho, 1998), de Gus Van Sant

Versionar un clásico del de terror no es tarea fácil para un director. El remake de 1998 de Psicosis es una demostración meridiana. La Psicosis original de 1960 era escalofriante, y los aficionados no estaban pidiendo exactamente una nueva versión: se la considera una de las mejores películas de Alfred Hitchcock, y solo escuchar la voz de Norman Bates es suficiente para que tu piel se erice.
La nueva versión no tuvo mucha creatividad, optando en su lugar por ser una copia del original. Mientras la ves, es difícil no preguntarse si valió la pena filmar una nueva versión, cuando la película apenas se desvía un ápice del material original. Incluso la mayor parte del guión y la partitura musical fueron extremadamente similares. Para colmo, la película fue nominada para un total de tres premios Razzie y ganó dos, peor director y peor remake o secuela. "Incluso con la lista de tomas de Hitchcock... Van Sant no puede hacer nada más que un tributo al maestro, demostrando que se necesita más que un buen guión gráfico para que una película funcione", escribió Sean Axmaker para Nitrate Online Review.

sábado, 28 de marzo de 2020

Las diez mejores películas... para subir la moral en tiempos de crisis (I)

¿Cuál es, en su opinión, la mejor película antidepresión? Esta pregunta fue lanzada a modo de encuesta en Twitter por un matemático de Lyon (Francia). ¿Cuál sería la suya?. Desde este blog proponemos nuestro listado. 

Las señoritas de Rochefort (Les Demoiselles de Rochefort, 1967), de Jacques Demy

Los colores, el rubio de Deneuve, la energía de Dorléac, las melodías irresistibles de Michel Legrand y el magnífico mundo de Jacques Demy: aquí están las mejores  contra la depresión. En esta oleada de entusiasmo, la secreta y sublime melancolía de estas señoritas nos asombran. Lástima, tanto mejor: bajo el sol de Charente, bailamos, cantamos, olvidamos todo.

Cantando bajo la lluvia (Singin' in the Rain, 1952), de Gene Kelly y Stanley Donen

El título de esta legendaria película, firmada por Stanley Donen y Gene Kelly, sigue siendo la mejor consigna: bajo la lluvia, bajo la avalancha de problemas ¡mantengamos nuestros corazones cantando! Más que el éxito de Cantando bajo la lluvia, es el espíritu del musical el que se nos pone delante, esta dulce locura del cine cuando de repente da un paso a un lado y transforma la decoración de la vida ordinaria en un escenario de espectáculo Entonces sí, bailemos bajo la lluvia, hace que el corazón se alegre.

¡Qué bello es vivir! (It's a Wonderful Life, 1946), de Frank Capra

Otro título que manda buenas vibraciones y una película que ofrece una verdadera lección de felicidad. El maestro de la comedia Frank Capra dosificaba  el realismo y la narración a la perfección al narrar las desventuras de un hombre común, perseguido por la mala suerte, obligado a suicidarse y salvado por un ángel. Con esta consoladora forma de decirnos que el mundo es difícil (¡no es una ilusión!) Pero que podemos encontrar allí partidarios, aliados e incluso ángeles guardianes, ¡Qué bello es vivir! se ha convertido en un himno para alegría.

Con faldas y a lo loco (Some Like it Hot, 1959), de Billy Wilder 

La risa ayuda a superarse. Y con Billy Wilder, Marilyn Monroe, Jack Lemon y Tony Curtis, la comedia está en forma olímpica. La música y el famoso I Wanna Be Loved By You dan la vida, pero los más alegres son estos juegos acrobáticos con amor, hombres y mujeres, y hombres travestis, todo un desfile que mezcla maravillosamente malentendidos y buenos sentimientos. Cuando el cine brilla y burbujea como el champán.

Amélie (Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain, 2001),  Jean-Pierre Jeunet

Salas de cine llenas, espectadores aplaudiendo: esta película de Jean-Pierre Jeunet sumió a Francia en éxtasis en la euforia. Enfrentados a la tristeza, siempre, de las noticias, el cineasta inventó una heroína decidida a hacer felices a los demás. Una misión fabulosa, contada como una aventura extraordinaria en un Montmartre de cine, un maravilloso París semejante una juguetería. El tiempo ha pasado, pero no los beneficios de Amélie-Audrey Tautou.
(cont.)

Los peores remakes de la historia del cine (IV)

El padrastro (The Stepfather, 2009), dirigida por Nelson McCormick

El padrastro (1987) es un largometraje perteneciente al género slasher,  que es lo suficientemente aterrador como para hacerte ser un poco cauteloso con cualquier extraño que aparezca en tu vida. La película trata sobre un asesino que mata a su familia, cambia de identidad, se muda a otro estado y luego forma otra familia para que poder repetir el proceso. Su hijastra sospecha de él, pero ¿puede ella probar quién es a tiempo para salvar a su familia?
La película se ubica entre el terror, el thriller criminal y la comedia negra, y la trama es lo suficientemente interesante como para atraer a los aficionados de varios géneros y llevar al público a una conclusión satisfactoria. Pero la nueva versión de 2009 de El padrastro no logró lo mismo. La tensión simplemente no existe, los fallos de la trama distraen, y el clímax de la película brilla por su ausencia, con una serie predecible de acontecimientos que conducen a los momentos finales. Para el Club AV, Scott Tobias escribió: "Incluso para los estándares de remake de terror, El padrastro sólo alcanza el nivel de las versiones inútiles".

Al Pacino a través de los años y sus películas (XI)

(cont.)
Al Pacino, Mitch Pileggi, Michael Polish y Lala Kent en Axis Sally

viernes, 27 de marzo de 2020

Hace 10 años: La virgen de Estambul

El 27 de marzo de 1920 se estrenó la película estadounidense La virgen de Estambul (The Virgin of Stamboul), dirigida por Tod Browning con Priscilla Dean, Wheeler Oakman, Wallace Beery, Clyde Benson, E. Alyn Warren, Nigel De Brulier, Edmund Burns, Eugenie Forde, Yvette Mitchell, Ethel Ritchie. Productora: Universal Film Manufacturing Company. Duración: 70 minutos. 
Sinopsis argumentalSari es una joven mendiga de la ciudad de Estambul que se relaciona con ex oficiales norteamericanos que se reúnen cada tarde para comentar las noticias que circulan por la calle. Enamorada de uno de ellos, le suplicará que le enseñe a rezar, ya que ella nunca lo ha hecho. Al mismo tiempo, hace su aparición un gran jeque que domina cualquier movimiento y transacción realizada en Estambul. El jeque se encaprichará de Sari.
Comentario: Un drama sentimental que cuenta las vicisitudes de una sensual heroína en la singularidad de la ciudad oriental. 

Historia del cine español: Los nuevos caminos del siglo XXI (IX)

Ágora (2009), dirigida por Alejandro Amenábar e interpretada por Rachel Weisz, Max Minghella, Ashraf Barhom, Oscar Isaac, Michael Lonsdale, Rupert Evans, Homayoun Ershadi, Richard Durden, Sami Samir, Manuel Cauchi, Oshri Cohen, Sam Cox, Clint Dyer, Amber Rose Revah, Harry Borg, Sylvester Morand, George Harris, Yousef 'Joe' Sweid, Jordan Kiziuk. Guion: Alejandro Amenábar, Mateo Gil. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Xavi Giménez. Productora: Telecinco Cinema/Mod Producciones/Himenóptero. Aventuras. Romance. Histórico. Biográfico. Antigua Roma. Antiguo Egipto. Religión. Cine épico. Matemáticas. Duración; 126 minutos. 7 Premios Goya, incluyendo mejor guión original y fotografía. 13 nominaciones; 2009: Premios Forqué: Nominada a mejor película; Premios del Cine Europeo: Nominada a premio del público mejor film europeo. En el siglo IV, Egipto era una provincia del Imperio Romano. La ciudad más importante, Alejandría, se había convertido en el último baluarte de la cultura frente a un mundo en crisis, dominado por la confusión y la violencia. En el año 391, hordas de fanáticos se ensañaron con la legendaria biblioteca de Alejandría. Atrapada tras sus muros, la brillante astrónoma Hypatia (Rachel Weisz), filósofa y atea, lucha por salvar la sabiduría del mundo antiguo, sin percibir que su joven esclavo Davo se debate entre el amor que le profesa en secreto y la libertad que podría alcanzar uniéndose al imparable ascenso del Cristianismo. 

Al Pacino a través de los años y sus películas (X)

(cont.)
Al Pacino en Corrupción y poder (2016)
Al Pacino y Evan Peters en The Pirates of Somalia (2017)
Al Pacino y Chelle Ramos en El juego del ahorcado (2017)
Al Pacino en Érase una vez... en Hollywood (2019)
Al Pacino en El irlandés (2019)
(cont.)

jueves, 26 de marzo de 2020

Hace 100 años: La isla del tesoro

El 26 de marzo de 1920 se estrenó la película La isla del tesoro (Treasure Island), dirigida por Maurice Tourneur e interpretada por Lon Chaney, Shirley Mason, Charles Ogle, Sidney Deane, Charles Hill Mailes, Josie Melville, Al W. Filson, Wilton Taylor, Joseph Singleton, Bull Montana, Harry Holden. Productora: Paramount Pictures. Duración: 76 minutos.
Sinopsis argumental: El joven Jim Hawkins ayuda a su madre viuda a ejecutar el Almirante Benbow Inn, en la costa oeste de Inglaterra. Cuando el ex pirata Billy Bones es asesinado en la posada por otros piratas que buscan el mapa para el tesoro perdido del Capitán Flint, Jim encuentra el mapa y se lo entrega a los amigos de su madre, el doctor Livesey y Trelawney
ComentarioPrimera adaptación al cine de la Isla del Tesoro de Robert Louis Stevenson, y también la última muda. La película tenía algunas secuencias coloreadas mediante el Handschiegel Color Process. Se considera actualmente una película perdida. 

Al Pacino a través de los años y sus películas (IX)

(cont.)
Al Pacino en No somos animales (2013)
Al Pacino en Salomé (2013)
Al Pacino en Señor Manglehorn (2014)
Al Pacino y Greta Gerwig en La sombra del actor (2014)
Al Pacino y Christopher Plummer en Nunca es tarde (Danny Collins) (2015)
(cont.)

Clasificamos las películas de Pixar, desde las no muy buenas hasta las obras maestras (V)

2.- Toy Story 3 (2010)

Obtuvo dos premios Óscar en las categorías de mejor película animada y mejor canción original. Además, fue nominada a mejor película, mejor mezcla de sonido y mejor guion adaptado y muchos otros premios y nominaciones. También logró ganar el Globo de Oro como mejor película animada. Cuando su dueño Andy se prepara para ir a la universidad, el vaquero Woody, el astronauta Buzz y el resto de sus amigos juguetes comienzan a preocuparse por su incierto futuro. Efectivamente todos acaban en una guardería, donde por ejemplo la muñeca Barbie conocerá al guapo Ken. Esta reunión de nuestros amigos con otros nuevos juguetes no será sino el principio de una serie de trepidantes y divertidas aventuras.

1.- Coco (2017)

La historia sigue a un niño de 12 años llamado Miguel que es transportado accidentalmente a la Tierra de los Muertos, donde busca la ayuda de su tatarabuelo, músico fallecido, para devolverlo a su familia entre los vivos y revertir la prohibición de música de su familia. El concepto para Coco está inspirado en la fiesta mexicana del Día de Muertos. Coco fue elegida por la National Board of Review como la mejor película animada de 2017. La película ganó dos Premios de la Academia por mejor película animada y mejor canción original (Remember Me). Además, también ganó la mejor película animada en los Premios BAFTA, Golden Globe Awards, Critic's Choice Movie Awards y Annie Awards.