Hace 100 años: Hojas de parra

El 11 de agosto de 1926 se estrenó la película estadounidense Hojas de parra (Fig Leaves), dirigida por Howard Hawks e interpretada por George O'Brien, Olive Borden, Phyllis Haver, George Beranger, William Austin, Heinie Conklin. Productora: Fox Film Corporation. Duración: 70 minutos. 

Sinopsis argumental: Adán es un fontanero que está felizmente casado con Eva, un ama de casa obsesionada con la moda. Cuando, por casualidad, Eva conoce a un arrogante diseñador de moda, se convierte en modelo. 

Comentario: Una de las primeras películas mudas de Howard Hawks. Como no había laboratorios para hacer fundidos, Hawks se las ingenió para conseguir el efecto de fundir la imagen del Jardín del Edén con el mundo moderno. Para ello, usó como filtro una botella defectuosa, que tenía una parte clara y otra ensombrecida y fue haciéndola girar. 

"La Patrulla Canina": La dino pelicula": animación comercial

La Patrulla Canina: La dino película (PAW Patrol: The Dino Movie, 2026), dirigida por Cal Brunker. Reparto: Animación. 

Sinopsis: Después de que su barco quede atrapado en una misteriosa tormenta, los cachorros de la Patrulla Canina naufragan en una isla tropical inexplorada repleta de dinosaurios. Allí conocen a Rex, un cachorro que lleva años varado en la isla y que se ha convertido en un auténtico experto en todo lo relacionado con los dinos. Cuando el archienemigo de la Patrulla Canina, el alcalde Humdinger, comienza a explotar la isla de forma imprudente con la intención de aprovechar sus recursos naturales, provoca accidentalmente la erupción de un enorme volcán inactivo. Los cachorros de la Patrulla Canina se enfrentan a sus rescates más importantes hasta ahora y deben detener a Humdinger antes de que la isla desaparezca.

Un regreso del que podríamos haber prescindido: el de los cinco cachorros de La Patrulla Canina y su amo Ryder, quienes, en su tercera aventura cinematográfica, llegan a una isla poblada por dinosaurios. Si bien esta película animada se presenta como una fábula ecológica que valora la superación personal y el descubrimiento de los demás, es sobre todo una máquina de hacer dinero, tan débil narrativamente como visualmente.

Hemos visto todas las películas de "James Bond": machistas, racistas, sexistas... pero ¿por qué nos sigue gustando 007? (V)

13. Solo para sus ojos (For Your Eyes Only, 1981), de John Glden

Decimotercera entrega del agente 007. Albert 'Cubby' Broccoli produjo una película más realista, tras los numerosos elementos fantásticos y humorísticos de Moonraker. Supuso la opera prima como director de John Glen, hasta entonces montador de la saga, que dirigiría posteriormente más entregas. Los villanos tienen carisma, el romance con Carol Bouquet funciona y las persecuciones son vistosas, por lo que satisfizo a los seguidores de la serie. En esta entrega el agente 007 deberá ir en busca de un dispositivo secreto perteneciente a los militares. Para ello, utilizará sus numerosas habilidades como agente secreto e intentará evitar que dicho dispositivo caiga en manos de los enemigos.

Carole Bouquet y Roger Moore en Sólo para sus ojos (1981)

14. Octopussy (1983), de John Glen

En esta entrega de James Bond, el productor Albert Broccoli quiso introducir elementos de la saga de Indiana Jones, que en aquel momento triunfaba en las carteleras. Por eso, la acción tiene lugar en exóticas localizaciones de la India, y algunas persecuciones, como la del tren, recuerdan a En busca del arca perdida. Aunque el guión está lleno de incoherencias, y esta vez el tono de sensualidad resulta excesivo, algunas secuencias generan una gran tensión, como la de Roger Moore, vestido de payaso, intentando desactivar la bomba en el circo. El agente 009, compañero de James Bond, es asesinado en Berlín Oriental, aunque consigue llegar a la residencia del embajador británico antes de morir, llevando consigo una valiosísima pieza de orfebrería: un huevo de Pascua, creado por Fabergé. En Londres, especialistas del Servicio Secreto constatan que se trata de una falsificación de la joya original, que será subastada en breve. El hecho de que en un corto período de tiempo se hayan vendido piezas parecidas despierta las sospechas de los responsables de Inteligencia, que temen una maniobra rusa que estaría encaminada a recaudar fondos que irían destinados a oscuras operaciones. Tras la pista de Kamal Khan, turbio traficante de objetos de arte, James Bond llega a la India, lugar en el que descubrirá la relación entre el sospechoso, una misteriosa mujer conocida como Octopussy y el General Orlov, implicados todos ellos en una conspiración que pretende desatar un conflicto nuclear. 

Robert Brown y Roger Moore en Octopussy (1983)

15. Nunca digas nunca jamás (Never Say Never Again, 1983), de Irvin Kershner

La última película que Sean Connery hizo de la serie 007. Dirige con brío Irvin Kershner, que firmó la mítica película El imperio contraataca. Se trata de una cinta no oficial de la saga del famoso agente británico creado por Ian Fleming. No es la mejor de Bond pero sí es sumamente entretenida, plagada de aventuras, con algún momento especialmente sexy y cuenta con una joven y bellísima Kim Basinger en uno de sus primeros trabajos importantes. La temible organización criminal Spectra ha ideado un ingenioso plan que le permite conseguir dos proyectiles nucleares, los cuales harán estallar si el gobierno no cede a su chantaje. El agente 007 se encargará del caso.... Tras varias entregas protagonizado por Roger Moore, Sean Connery vuelve al papel de James Bond -y a combatir a la organización Spectra y sus planes nucleares- en una nueva versión de Operación Trueno.

Sean Connery y Barbara Carrera en Nunca digas nunca jamás (1983)

Retrospectiva: Muchas cuerdas para un violín

Muchas cuerdas para un violín (L’immorale, 1967), dirigida por Pietro Germi con Ugo Tognazzi, Stefania Sandrelli, Renée Longarini, Maria Grazia Carmassi, Gigi Ballista, Sergio Fincato, Marco Della Giovanna, Ildebrando Santafe, Ricardo Billi, Carlo Bagno, Lina Lagalla, Stefano Chierchiè⁣, Costantino Bramini, Cinzia Sperapani, Mimosa Gregoretti⁣, Giovanna Lenzi. Nominada en el Festival de Cine de Cannes a la Palma de Oro y Nominada a los Globos de Oro.

Sinopsis: Sergio tiene una vida complicada, con una esposa legítima y dos amantes, en la Italia de los años 60. Profesor de violín, divide su vida entre dos familias paralelas, la de su esposa Giulia y la de Adele, que lo absorben por completo, tanto por el doble compromiso de padre y marido, como por el amor que lo une a ambos. Para complicar aún más la historia, entra un nuevo amor, Marisa, una joven que conoció durante un viaje. Incapaz de romper los vínculos anteriores, alterna entre las tres mujeres, multiplicando las mentiras, los almuerzos, los regalos para diversas ocasiones tanto para sus amantes como para sus hijos. Sergio sueña con poder reunir a todos en una gran familia y preocupado, confía en un sacerdote.

No esa solo una película entretenida sino que te hace pensar en lo que está bien y mal en estos tiempos que vivimos.

“Girl”: una historia sensible sobre la violencia doméstica

Girl (Nühai, 2025), dirigida por Shu Qi con Roy Chiu, 9m88, Xiao-Ying Bai, Audrey Lin, Lai Yu Fei, Esther Liu, Bamboo Chen, Liu Kuan-Ting. 

Sinopsis: Hsiao-lee es una chica tímida y melancólica. Cuando conoce a la despreocupada Li-li, resurgen en ella sueños que había reprimido tiempo atrás debido a su complejo contexto familiar: su padre, alcohólico, es violento con su madre, quien a su vez descarga todo su resentimiento en Hsiao-lee. Con los años de transformación económica en Taiwán como telón de fondo, Shu Qi da forma a una historia coming-of-age sobre el deseo de liberación de los traumas heredados y nos exhorta a buscar la belleza de lo cotidiano incluso en las situaciones más difíciles.

Shu Qi, la actriz favorita del maestro taiwanés Hou Hsiao-hsien, debuta como directora con la historia, en gran parte autobiográfica, de una adolescente víctima de un padre tóxico y una madre indiferente en el Taipéi de los años 1980. 

Hemos visto todas las películas de "James Bond": machistas, racistas, sexistas... pero ¿por qué nos sigue gustando 007? (IV)

10. El hombre de la pistola de oro (The Man With the Golden Gun, 1974), de Guy Hamilton

Se basa en la última novela escrita por Ian Fleming, publicada en 1965, un año después de su muerte. Se trata de una de las peores películas de James Bond, por culpa de la inconsistencia del guión, y porque los personajes son poco creíbles. Al menos, cuenta con un villano de excepción, Christopher Lee, en el papel del elegante y aristocrático Francisco Scaramanga, que es quien consigue salvar parcialmente la función. Curiosamente, Christopher Lee era primo lejano del escritor Ian Fleming, que le había propuesto para encarnar al Dr. No en la primera entrega de la saga. Lee jugaba habitualmente al golf con Ian Fleming. Maud Adams, una de las chicas Bond más populares, interpreta a la ayudante de Scaramanga, y años después sería Octopussy. El superagente británico 007 habrá de vérselas ahora con el más peligroso asesino a sueldo del momento: un hombre llamado Scaramanga, más conocido como el hombre de la pistola de oro, que tratará de deshacerse de James Bond con los más sofisticados recursos.

Britt Ekland y Roger Moore en º1974)

11. La espía que me amó (The Spy Who Loved Me, 1977), de Lewis Gilbert

Undécima entrega de James Bond, y primera producida en solitario por Cubby Broccoli, tras su separación de su socio Harry Saltzman. Como la película anterior, El hombre de la pistola de oro, no había sido de los más taquilleras de la serie, Broccoli tardó mucho tiempo en aprobar el guión definitivo, que sufrió varias revisiones, e invirtió en ella 13,5 millones de dólares, todo un récord para la época. La jugada le salió bien a Broccoli, pues la cinta fue todo un exitazo, por el excelente reparto, y las espectaculares secuencias de acción y suspense. Karl Stromberg, el villano de la película, tiene como fiel acólito a Tiburón, uno de los villanos más recordados. Interpretado por Richard Kiel, se trata de un gigantón de dientes metálicos, capaz de romper a mordiscos cualquier cosa que se le ocurra. Tuvo tanta aceptación, que volvió a salir en Moonraker, donde se redimía, pues acababa haciéndose bueno. La misteriosa desaparición de dos submarinos nucleares exige la colaboración de los mejores agentes de los servicios secretos británico y soviético: James Bond y la mayor Amasova. Detrás de todo se encuentra el magnate Stromberg, que se propone destruir a la humanidad para fundar una nueva civilización bajo el mar.

Richard Kiel en La espía que me amó (1977)

12. Moonraker (1979), de Lewis Gilbert

Tras el éxito de La guerra de las galaxias, el productor Cubby Broccoli decidió introducir elementos de ciencia ficción en la duodécima entrega de la saga de 007. Fue uno de los mayores éxitos de la saga, pues atrajo al público de los grandes blockbusters, aunque los puristas de James Bond se quejaron de que estuviera llena de elementos fantásticos y cómicos. Además de escenarios exóticos, atractivas chicas Bond y una de las mejores bandas sonoras de John Barry, contiene varias de las mejores secuencias de acción de la saga: la lucha por el paracaídas, la pelea en el teleférico, la persecución de lanchas por el Amazonas, la batalla en el espacio... El agente secreto James Bond recibe la orden de localizar la nave espacial Moonraker, que ha desaparecido misteriosamente. Sus primeras pesquisas lo llevan a seguir al millonario Hugo Drax, el constructor de la nave. Tras ser capturado por Drax, Bond descubre que el villano posee una base de lanzamiento de cohetes espaciales con los que se propone esparcir un gas tóxico que acabe con la vida terrestre, pero ésta no es más que la primera fase de un perverso plan que Bond intentará frustrar con la ayuda de la Doctora Goodhead. 

Lois Chiles y Roger Moore en Moonraker (1979)

Efemérides de cine: Cuando los maridos se iban a la guerra

El 9 de agosto de 1976 se estrenó la película española Cuando los maridos se iban a la guerra, dirigida por Ramón Fernández e interpretada por  Arturo Fernández, Karin Schubert, Ira von Fürstenberg, Claudine Auger, Paca Gabaldón, África Pratt, José Vivó, Alfonso del Real, Julián Navarro, Pepe Ruiz. Productora: Arturo González P. C. Duración: 88 minutos. 

Sinopsis argumental: Don Tello de Buinesa es un señor feudal que vive tranquilamente en su castillo medieval con sus tres hijos y las bellas mujeres de estos. Las esposas desean quedarse embarazadas, no obstante no lo consiguen dado que sus maridos no dan lo mejor de sí mismos. 

Comentario: Esta comedia está dirigida por Ramón Fernández, conocido por dirigir las series Los ladrones van a la oficina y Cuéntame cómo pasó. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: La mujer marcada

El 9 de agosto de 1926 se estrenó la película estadounidense La mujer marcada (The Scarlet Letter), dirigida por Victor Sjöström e interpretada por Lillian Gish, Lars Hanson, Henry B. Walthall, William H. Tooker,  Marcelle Corday, Fred Herzog. Productora: Metro-Goldwin-Mayer (MGM). Duración: 98 minutos. 

Sinopsis argumental: En el Boston puritano, la costurera Hester Prynne es castigada por jugar el sábado, pero el amable ministro Arthur Dimmesdale se apiada de ella. Los dos se enamoran, pero su relación no puede terminar; Hester ya está casada con Roger Prynne, un médico desaparecido desde hace siete años. Dimmesdale debe irse a Inglaterra; cuando regresa, encuentra a Hester embarazada de su hijo, y es el centro de la censura de la ciudad. En una humillante ceremonia pública, la obligan a ponerse la letra A escarlata (por adulterio) y a llevarla puesta durante el resto de su vida. Los padres de la iglesia animan a Dimmesdale a exigir que Hester nombre a la persona con la que pecó.

Comentario: Basada en la novela homónima de Nathaniel Hawthorne, que indaga entre el rigor moral y la hipocresía de dicha época. La obra de Hawthorne ha sido llevada al cine en numerosas ocasiones. Además de esta versión, en el cine mudo también fue convertida en película en los años 1910, 1911, 1913, 1917 y 1920; y después en el sonoro, y siempre con el mismo título, se realizarían las versiones de 1934, dirigida en Estados Unidos por Robert G. Vignola; la alemana de Win Wenders en 1973; y la adaptación de Roland Joffé en 1995.

Hemos visto todas las películas de "James Bond": machistas, racistas, sexistas... pero ¿por qué nos sigue gustando 007? (III)

7. 007 al servicio secreto de su Majestad (On Her Majesty's Secret Service, 1969), de Peter Hunt

Tras la marcha de Sean Connery (que volvería a la saga en Diamantes para la eternidad), los productores ficharon a George Lazenby, un modelo publicitario que jamás había ejercido como actor. Aunque Lazenby fue denostado por la crítica y el público, pues suceder a Connery era una ardua tarea, ha quedado en el recuerdo como un correcto James Bond. Además, se trata de una correcta y elaborada trama en la que el personaje de James Bond evoluciona, por primera y única vez. Eso sí, al público no acabó de gustarle la idea de que Bond pasará por el altar para casarse, por lo que Lazenby no llegó a rodar otra película de Bond. En esta ocasión se asocia a un mafioso -con una atractiva hija Tracy Di Vicenzo (Diana Rigg)-, para unir sus fuerzas en la lucha contra la malvada organización Spectra. Ambientada en los alpes suizos, el malvado Stavro Blofeld (Telly Savalas) amenaza al mundo entero con un ambicioso plan: lanzar una peligrosa bacteria que podría acabar con la producción agraria de todo el planeta. 

George Lazenby y Diana Rigg en 007 al servicio secreto de su Majestad (1969)

8. Diamantes para la eternidad (Diamonds Are Forever, 1971), de Guy Hamilton

Sexta entrega de la saga del agente con licencia para matar, había recaudado en taquilla mucho menos que sus predecesoras. Los productores temían que el personaje se hubiera quedado anticuado, en una época, principios de los años 1970, en que triunfaban en la pantalla los antihéroes interpretados por Dustin Hoffman y Al Pacino, y películas realistas como Easy Rider, de 1969. Como George Lazenby no había cuajado, decidieron sustituirle por John Gavin. Finalmente, temerosos de un nuevo fracaso en taquilla, los responsables de la franquicia decidieron pagar lo que fuera a Sean Connery, para que volviera a encarnar al personaje. Guy Hamilton incorporó más humor y un tono más irreal, que curiosamente serían la seña de identidad de las películas siguientes de la saga, protagonizadas por Roger Moore. Algunas secuencias son memorables, como el encuentro de James Bond con Blofeld y su clon. Tras pasar unas merecidas vacaciones en Francia, el agente secreto James Bond recibe una llamada del Jefe M para realizar una peligrosa misión relacionada con unos diamantes en bruto desaparecidos...

Sean Connery y Charles Gray en Diamantes para la eternidad (1971)

9. Vive y deja morir (Live and Let Die, 1973), de Guy Hamilton

Como Sean Connery había declarado que nunca jamás volvería a interpretar a James Bond, ni por todo el dinero del mundo, los productores Broccoli y Salzman se pusieron manos a la obra para buscar a su sustituto. Como el fichaje de George Lazenby, que interpretó a Bond en 007 al servicio secreto de su Majestad, se había saldado con un sonoro fracaso en las taquillas, decidieron contratar a un actor consagrado. Finalmente se decantaron por Roger Moore, que era una gran estrella televisiva por las series El Santo y Los persuasores. En tan sólo veinticuatro horas, tres agentes del servicio secreto británico que investigaban una red de tráfico de drogas aparecen asesinados en extrañas circunstancias. Todas las pistas conducen a Mister Big y a un diplomático llamado Katanga. El agente 007, James Bond, es enviado a Nueva York para investigar al enigmático personaje.

Roger Moore en Vive y deja morir (1973)

Hace 100 años: La duquesa de Buffalo

El 8 de agosto de 1926 se estrenó la película estadounidense La duquesa de Buffalo (The Duchess of Buffalo), dirigida por Sidney Franklin e interpretada por Constance Talmadge, Tullio Carminati, Edward Martindel, Rose Dione, Chester Conklin, Lawrence Grant, Martha Franklin, Jean De Briac, Ellinor Vanderveer. Productora: Constance Talmadge Film Company. Duración: 75 minutos.

Sinopsis argumental: Una bailarina norteamericana llega a la Rusia prerrevolucionaria y encandila a un teniente y al gran duque. A quien ama es al primero, pero quien tiene el poder es el segundo, que no sólo aparta a su rival en amores sino que obliga a la danzarina a quererlo por la fuerza. Sin embargo, entra en escena la esposa del gran duque, que ya está harta de los devaneos de su marido; ésta descubre las maquinaciones del infiel y le sigue hasta un hotelito de provincias, donde la prevista cita a dos se convertirá en una pesadilla para cuatro.

Comentario: Está basada en el musical de Broadway de 1916 Sybil, de  Max Brody y Franz Martos, que es el título alternativo de esta película. 

Hace 100 años: Oh, Baby!

El 7 de agosto de 1926 se estrenó la película estadounidense Oh, Baby! dirigida por Harley Knoles e interpretada por Little Billy' Rhodes, David Butler, Madge Kennedy, Creighton Hale, Ethel Shannon, Flora Finch, Damon Runyon, Jimmy Cannon, Ring Lardner, Graham McNamee, Grantland Rice, Jim Savage. Productora: Universal Pictures. Duración: 70 minutos. 

Sinopsis argumental: Billy, un diminuto entrenador de boxeadores, prepara a Jim Stone para el campeonato de los pesos pesados, cuando Charley Burns revela que durante los últimos 8 años se ha inventado una esposa y una hija míticas para su tía Phoebe, que ahora le comunica su visita. Finalmente convence a Billy para que se haga pasar por su hija, Evangeline, mientras que la señorita Brennan, una escritora de revistas, consiente en tomar el papel de su esposa. Billy escapa por poco de la terrible experiencia de ser acostado por la señorita Bond, la joven compañera de la tía Phoebe; más tarde, se pone su vestido rosa y le ordena a su chófer que corra a Nueva York. En el Madison Square Garden, Jim se asusta porque Billy no se presenta, pero después de muchos incidentes humorísticos, Billy, con un vestido de fiesta y una peluca rubia, logra estrellar la puerta y dar instrucciones a Jim en el ring. Jim gana la pelea y se descubre la identidad de Billy. Mientras tanto, la tía Phoebe descubre por el mayordomo de Charley que no tiene familia; lo sigue hasta el Garden y luego hasta un club nocturno, donde todos están felizmente unidos.

Comentario: Oh, Baby! se considera una película perdida. 

Hemos visto todas las películas de "James Bond": machistas, racistas, sexistas... pero ¿por qué nos sigue gustando 007? (II)

4. Operación Trueno (Thunderball, 1965), de Terence Young

La cuarta película de Bond es famosa por la larga batalla legal que iniciaron los guionistas Kevin McClory y Jack Whittingham, que llevaron a los tribunales a Ian Fleming, el creador de James Bond. McClory y Whittingham aseguraban que escribieron este el guión de la misma años atrás, cuando iba a ser el primera de Bond, pero que posteriormente Fleming usó la trama para una de sus novelas. Finalmente, los tribunales dieron los derechos a McClory. La película supuso además el regreso a la dirección de Terence Young, que había dirigido Agente 007 contra el Dr. No y Desde Rusia con amor.  La organización secreta Spectra se propone infiltrar en la base inglesa de la OTAN a un impostor llamado Angelo, para apoderarse de un bombardero Vulcan Vindicator equipado con dos bombas nucleares. Cuando logra su propósito, Spectra amenaza con destruir una ciudad de EE.UU. o Inglaterra si no le dan cien millones de libras esterlinas. El caso es asignado al agente 007, que en las Islas Bahamas conoce a Dominó, la atractiva amante del misterioso Emilio Largo, que aparenta ser un ocioso millonario pero que en realidad es el número dos de Spectra. Mientras intenta localizar el avión secuestrado, James Bond debe enfrentarse con Fiona Volpe, la cabecilla de los asesinos, y con los secuaces de Emilio Largo. 

5. Sólo se vive dos veces (You Only Live Twice, 1967), de Lewis Gilbert

El célebre novelista Roald Dahl fue contratado como guionista de la quinta entrega de Bond, aunque no mantuvo ninguna fidelidad a la novela de Ian Fleming. Al parecer sólo conservó al villano, Blofeld, y el hecho de que la acción transcurriera en Oriente. El actor británico Donald Pleasence interpretó a Blofeld, sin duda el más recordado y parodiado de toda la saga. Harto de que se le hubiera encasillado en el personaje, Sean Connery anunció al acabar el rodaje que esta sería su última película como James Bond. Después llegó a cambiar de opinión, pues protagonizaría Diamantes para la eternidad y Nunca digas nunca jamás. Dos naves espaciales, una norteamericana y otra rusa, han sido secuestradas en la órbita terrestre. Sólo la intervención del Agente 007 (Sean Connery) podrá evitar una guerra nuclear entre las dos superpotencias. Su misión consistirá en viajar hasta Japón y desenmascarar a la peligrosa organización Spectra y a su diabólico líder, Ernest Stavro Blofeld (Donald Pleasence).

Sean Conery & Akiko Wakabayashi en Sólo se vive dos veces (1967)

6. Casino Royale (1967), de John Huston, Ken Hughes, Val Guest, Robert Parrish, Joseph McGrath, Richard Talmadge

El célebre personaje es parodiado con el rostro del gentleman David Niven. Se basa ligeramente en la primera novela sobre el agente James Bond de Ian Fleming, que había sido publicada en 1953. James Bond, en su dorado retiro, se deja convencer por una delegación de las grandes potencias para participar en una investigación sobre la SMERSH, una misteriosa organización internacional que pretende acabar con la estabilidad mundial. 

David Niven en Casino Royale (1967)

Películas de la semana: 7 de agosto

En mar abierto

Título original: Deep Water. Dirección: Renny Harlin. País: Estados Unidos. Año: 2026. Duración: 110 minutos. Género: Thriller. Terror. Supervivencia. Tiburones. Catástrofes. Interpretación: Aaron Eckhart, Ben Kingsley, Angus Sampson, Lucy Barrett, Molly Belle Wright, Kelly Gale, Priya Jain, Rosie Zhao, Wenhan Li, Rosie Simei Zhao, Nashi, Lakota Johnson, Mark Hadlow, Kate Fitzpatrick. Guion: Pete Bridges, John Kim, Shayne Armstrong, Shane Krause, Damien Power, Dan Luo. Producción: Adrián Guerra. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: DJ Stipsen. Productora: Coproducción Estados Unidos-Nueva Zelanda-España; Nostromo Pictures, Arclight Films, Aristos Films, Simmons/Hamilton Productions, Top Film Distribution, Pink308, Rabbits Black, SSS Entertainment. Distribuidora: DeAPlaneta. Estreno en España: 7 de agosto de 2026. Sinopsis: Un avión con un pasaje de más de 250 pasajeros va a realizar su vuelo desde Los Ángeles a Shanghai. Pilota el veterano Rich, asistido por Ben, que no ha conseguido ser el comandante que debería, afectado por una dura situación familiar que no acaba de encajar. Abordo están Cora y su recién hallado hermanito Finn, ella va con su papá y él con su mamá, que son nueva pareja. Viajan también los componentes de sendos equipos deportivos, uno real y otro virtual, de videojuegos, y en éste Sam no acaba de confesar su amor a Lilly. También viaja un friki que queda prendado de la azafata Zoe, y la anciana Becky. El más insoportable de los viajeros es Dan, que por culpa de una colilla mal apagada dentro de su maleta, va a ser sin saberlo el responsable de que la aeronave deba hacer un amerizaje de emergencia en mar abierto, lo que produce numerosos muertos, y los quedan, porque en el agua hay tiburones letales.

El último mono

Dirección: Joaquín Mazón. País: España. Año: 2026. Duración: 85 minutos. Género: Comedia. Redes sociales. Feminismo. Interpretación: Juan Dávila, Susana Abaitua, Óscar Lasarte, Conchi Espejo, Xavi Francés, Paula García Sabio. Guion: Joaquín Oristrell, Yolanda García Serrano. Producción: Juan Dávila, Fernando Bovaira. Música: Marina Alcantud. Fotografía: Carlos Cebrián. Productora: Mod Producciones, Misent Producciones, Pecaneta Producciones. Distribuidora: Buena Vista. Estreno en España: 7 de agosto de 2026. Sinopsis: Un hombre que dirige cursos para hombres sobre cómo ser “machos alfa” se enfrenta a su mayor desafío: enamorar a una mujer feminista que, a primera vista, parece completamente fuera de su alcance. Lo que comienza como un reto se convierte en un viaje de autodescubrimiento, donde las estrategias de seducción chocan con la inteligencia y los valores de ella. Con situaciones cómicas, malentendidos y aprendizajes personales, ambos tendrán que replantearse prejuicios, roles y expectativas, demostrando que el amor y la conexión no dependen de las reglas ni de clichés.

La ventana abierta

Dirección: Ana Graciani. País: España. Año: 2026. Duración: 80 minutos. Género: Thriller. Drama. Interpretación: Unax Ugalde, Adriana Camarena, Mara Guill, Alberto López, Adriana Espina, Sofía Allepuz, Daniel Mantero. Guión: Ana Graciani. Música: Paloma Peñarrubia. Fotografía: Alejandro Espadero. Productora: La Claqueta PC, La Cruda Realidad, Acheron Films, Amania Films. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 7 de agosto de 2026. Sinopsis: Cuando Rubén llega a un aislado pueblo costero del sur de Andalucía, empujado por el viento de levante y por la promesa de reencontrarse con Merche -la mujer con la que ha mantenido una relación virtual durante meses-, se encuentra con un entorno áspero y poco acogedor: puertas que no se abren, vecinos recelosos y miradas que evitan cualquier contacto. La única señal de apertura es una ventana entreabierta. Tras ella aparece Vera, la hija adolescente de Merche, quien se convierte en su único punto de conexión en aquel lugar extraño. A medida que Rubén conversa con ella, las piezas del relato que había construido sobre su pareja comienzan a desmoronarse, revelando grietas cada vez más evidentes.

El amor que permanece

Título original: Ástin sem eftir er. Título alternativo: The Love That Remains. Dirección: Hlynur Pálmason. País: Islandia. Año: 2025. Duración: 109 minutos. Género: Drama. Familia. Interpretación: Ingvar Sigurdsson, Sverrir Gudnason, Saga Garðarsdóttir, Anders Mossling, Ída Mekkín Hlynsdóttir, Halldór Laxness Halldórsson, Katla M. Þorgeirsdóttir, Grímur Hlynsson, Kristinn Guðmundsson, Þorgils Hlynsson. Guion: Hlynur Pálmason. Música: Harry Hunt. Fotografía: Hlynur Pálmason. Productora: Coproducción Islandia-Dinamarca-Suecia-Francia; Still Vivid, Snowglobe Films, Hobab, Maneki Films, Film i Väst, arte France Cinéma. Distribuidora: Elástica Films. Premios y nominaciones: Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Nominada a mejores películas. Estreno en España: 7 de agosto de 2026. Sinopsis: La artista visual Anna lucha por equilibrar su vida profesional con la crianza de sus tres hijos, la adolescente Ída y Grímur y Porgils, más pequeños. Mientras trata de que un galerista sueco se interese en su obra, sobrelleva una relación tensa con Magnús, su exmarido, pescador que pasa largas temporadas en alta mar y cuya implicación con los niños es limitada y torpe. A ratos, éste visita inesperadamente a Anna, con el propósito de reconciliarse, pues no logra adaptarse a su nueva realidad.

El síndrome de Rembrandt

Título original: Rembrandt. Título alternativo: The Rembrandt Syndrome. Dirección: Pierre Schoeller. País: Francia. Año: 2025. Duración: 107 minutos. Género: Drama. Thriller. Pintura. Interpretación: Camille Cottin, Romain Duris, Denis Podalydès, Céleste Brunnquell, Bruno Podalydès, Joel Ödmann, François Orsoni, Davide Faranda, Fabrice Cals, Elena Nagapetyan, Myriem Akheddiou. Guion: Pierre Schoeller, Anne-Louise Trividic. Música: Pawel Mykietyn. Fotografía: Nicolas Loir. Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Poisson Rouge Pictures, Trésor Films. Estreno en España: 7 de agosto de 2026. Sinopsis: Claire e Yves han compartido más de veinte años de vida personal y profesional en el exigente mundo de la industria nuclear francesa. Formados en la lógica científica, los cálculos y la precisión, ambos parecen tener una existencia construida sobre certezas. Pero todo cambia durante una visita aparentemente casual a la National Gallery, cuando Claire queda profundamente conmocionada ante tres pinturas de Rembrandt. A partir de ese momento, algo se quiebra en su mundo racional. La inesperada conexión de Claire con la obra del maestro holandés despierta en ella una percepción nueva, inquietante y casi profética, que la lleva a cuestionar la seguridad de los reactores EPR y el sentido de todo aquello a lo que ha dedicado su vida. Yves, desconcertado ante la transformación de la mujer con la que ha compartido tantos años, empieza también a percibir la sombra de un desastre inminente.

La Patrulla Canina: La dino película

Título original: PAW Patrol: The Dino Movie AKA Paw Patrol 3. Dirección: Cal Brunker. País: Estados Unidos. Año: 2026. Duración: 88 minutos. Género: Animación. Infantil. Comedia. Aventuras. Secuela. Preescolar. Perros. Reparto: Animación. Guion: Cal Brunker, Bob Barlen, Keith Chapman. Música: Backstreet Boys, Pinar Toprak. Fotografía: Animación. Productora: Coproducción Estados Unidos-Canadá; Nickelodeon Animation Studios, Nickelodeon Movies, Paramount Animation, MRC Film, Spin Master Entertainment, Nickelodeon Productions, Paramount Pictures. Distribuidora: Paramount Pictures. Estreno en España: 7 de agosto de 2026. Sinopsis: Después de que su barco quede atrapado en una misteriosa tormenta, los cachorros de la Patrulla Canina naufragan en una isla tropical inexplorada repleta de dinosaurios. Allí conocen a Rex, un cachorro que lleva años varado en la isla y que se ha convertido en un auténtico experto en todo lo relacionado con los dinos. Cuando el archienemigo de la Patrulla Canina, el alcalde Humdinger, comienza a explotar la isla de forma imprudente con la intención de aprovechar sus recursos naturales, provoca accidentalmente la erupción de un enorme volcán inactivo. Los cachorros de la Patrulla Canina se enfrentan a sus rescates más importantes hasta ahora y deben detener a Humdinger antes de que la isla desaparezca.

Hijos del cielo

Título original: Luo Fan Chen. Título alternativo: Into the Mortal World. Dirección: Ding Zhong. País: China. Año: 2024. Duración: 118 minutos. Género: Animación. Fantástico. Cuentos. Reparto: Animación. Guion: Fu Kang. Música: Roc Chen. Fotografía: Animación. Productora: Winsing Animation, Iron Fan Studio, Bilibili, Alibaba Pictures, Youku. Premios y nominaciones: Festival de Annecy: Nominada a Cristal al mejor largometraje. Estreno en España: 7 de agosto de 2026. Sinopsis: Un joven divino llamado Jin Feng desciende al mundo mortal con el objetivo de redimir los pecados de su familia capturando a los 28 espíritus estelares. Durante su misión, se cruza con Xiao Fan, una joven mortal que busca ascender al reino celestial para encontrar a su madre desaparecida. Aunque al principio sus caminos se enfrentan y se convierten en rivales, ambos terminan formando una alianza para cumplir sus objetivos. A medida que superan diversos desafíos juntos, descubren una verdad misteriosa que había permanecido oculta durante mucho tiempo, cambiando para siempre su destino. Animación 3D con estética de acción y fantasía inspirada en la mitología y la China antigua. 

"Home Stories": una película coral sobre los efectos de la caída del Muro de Berlín

Home Stories (2026), dirigida por Eva Trobisch con Frida Hornemann, Max Riemelt, Eva Löbau, Peter René Lüdicke, Rahel Ohm, Gina Henkel, Florian Lukas. 

Sinopsis: ¿Quién eres y qué te define?', le pregunta a Lea el equipo de producción de un reality show de talentos en el que quiere concursar. Ella no lo sabe. Y con esta pregunta comienza su búsqueda de una identidad dentro y fuera del hotel de su familia en los bosques de la antigua Alemania del Este.

Un gran hotel con establos, en Turingia (antigua Alemania Oriental), al borde de un majestuoso bosque. Este enclave para vacaciones ecuestres, otrora prestigioso pero ahora en decadencia, es el centro de una familia desestructurada: una reservada joven de 16 años que va a participar en un concurso de talentos musicales televisado, su hermano pequeño, sus padres recién divorciados, sus abuelos y una tía que quiere abrir un museo que recorra la historia industrial local. En esta película coral, cada personaje intenta encontrar su lugar en un contexto de un legado histórico complejo, atrapado entre el ideal del socialismo comunitario y la marcha implacable del capitalismo individual. 

Hemos visto todas las películas de "James Bond": machistas, racistas, sexistas... pero ¿por qué nos sigue gustando 007? (I)

James Bond, que apareció en la pantalla en 1962, es el protagonista de más de veintisiete películas, todas las cuales hemos vuelto a ver. En estos tiempos ¿cómo logra 007 seguir siendo el espía que tanto amamos?

Todo comenzó con un reto: ver todas las películas de James Bond en orden cronológico, cronómetro en mano. La idea era enfrentarse al indomable espía de frente, poner a prueba nuestras ideas preconcebidas y lo que la literatura dice sobre él, sumar algunos golpes, litros de Martinis y la flota de Aston Martin, y, por qué no, sorprendernos… Con la próxima entrega a solo unos meses de distancia -programada para estrenarse en 2028, siete años después de Sin tiempo para morir (2021)-, más propia del siglo XXI que nunca, ya que está dirigida por Denis Villeneuve, escrita por Steven Knight y producida por Amazon, ¿qué podrá quedar de James Bond como tal?

1. Agente 007 contra el Dr. No (Dr. No, 1962), de Terence Young

Primera entrega cinematográfica de la serie Bond, protagonista de las novelas de Ian Fleming, que ya habían alcanzado un gran éxito desde principios de los años 1960. James Bond viaja a Jamaica, para investigar la desaparición del agente John Strangways. Éste ha sido asesinado por los hombres del Dr. No, un científico que vive en una fortaleza en la isla de Crab Key. Bond viaja a la isla en compañía de Quarrel, un agente de la CIA. Allí, Bond se encuentra con Honey Rider, una atractiva mujer. Los hombres del Dr. No asesinan a Quarrel, y llevan a Bond y a Honey Rider a la base secreta de su jefe, que informa a Bond de que es un agente de Spectra, peligrosa organización internacional.

Sean Connery en Agente 007 contra el Dr. No (1962)

2. Desde Rusia con amor (From Russia With Love, 1963), de Terence Young

Tras el éxito de Agente 007 contra el Dr. No, los productores Broccoli y Saltzman decidieron rodar la continuación. Corrían los años más álgidos de la guerra fría, y el presidente Kennedy había citado la novela Desde Rusia con amor, como una de sus favoritas, porque describía a la perfección las relaciones entre el bloque soviético y los países occidentales. El robo de un dispositivo capaz de descifrar complicadas comunicaciones está poniendo en peligro importantes investigaciones con respecto al gobierno ruso. James Bond, el agente 007 de los Servicios Secretos Británicos al servicio de Su Majestad, viajará hasta la Unión Soviética con el fin de encontrar a su objetivo.

Daniela Bianchi y Sean Connery en Desde Rusia con amor (1963)

3. James Bond contra Goldfinger (Goldfinger, 1964), de Guy Hamilton

La tercera aventura de James Bond fue todo un fenómeno de masas. El Aston Martin, coche que usaba James Bond en esta película, repleto de trucos, es el más recordado de los múltiples vehículos conducidos por el agente.  James Bond recibe el encargo de vigilar al millonario Auric Goldfinger, sospechoso de contrabando de grandes cantidades de oro. Bond seduce en el casino a Jill, la mano derecha de Goldfinger, pero ésta aparece asesinada en la cama, cubierta por completo de pintura dorada. Poco después, Bond descubre que Tilly, una hermana de Jill, persigue a Goldfinger para vengarse por la muerte de ésta. Pero Tilly también muere, a manos de OddJob, un sicario coreano de Goldfinger que utiliza un sombrero con el ala de acero. Bond es capturado y llevado a la base secreta de Goldfinger en Kentucky. Éste le explica que planea hacer estallar una bomba atómica en Fort Knox. Bond sólo se salvará si es capaz de seducir a Pussy Galore, una piloto que trabaja para el supervillano. El alemán Gert Fröbe hizo de Goldfinger uno de los villanos más recordados, mientras que Honor Blackman, que interpreta a Pussy Galore, ocupa un lugar destacado entre todas las chicas Bond. Algunos momentos son inolvidables como cuando Bond es torturado con un láser. "¿Espera que hable?", pregunta Bond. "No", responde Goldfinger. "Espero que muera".

Gert Fröbe y Sean Connery en James Bond contra Goldfinger (1964)

Hace 100 años: Don Juan

El 6 de agosto de 1926 se estrenó la película estadounidense Don Juan , dirigida por Alan Crosland e interpretada por John Barrymore, Jane Winton, John Roche, Warner Oland, Estelle Taylor, Montagu Love, Josef Swickard, Willard Louis, Nigel De Brulier, Hedda Hopper, Myrna Loy, Mary Astor, Lionel Braham, Helene Costello, Helena D'Algy, Yvonne Day, Philippe De Lacy, Emily Fitzroy, Johnny George,

Gibson Gowland, Phyllis Haver, Sheldon Lewis, June Marlowe, Dickie Moore, Dick Sutherland, Gustav von Seyffertitz, Helen Lee Worthing. Productora: Warner Bros., The Vitaphone Corporation. Duración: 110 minutos. 

Sinopsis argumental: La acción se desarrolla en Roma, en la época de los Borgia, Lucrecia (Estelle Taylor), César (Warner Orland), y el Conde Donati (Montagu Love). Don Juan (John Barrymore), a quién su padre Don José (también John Barrymore) enseñó que las mujeres sólo traen tres cosas: vida, desilusión y muerte, tiene múltiples romances a sus espaldas, pero vive obsesionado con la única mujer que nunca pudo tener, Doña Isabel (Jane Winton). Ella y él sufrirán la ira de Lucrecia, despechada por ser ignorada por Don Juan, así como por matar este al conde Donati en un duelo...

Comentario: Don Juan es una película del año 1926 dirigida por Alan Crosland y protagonizada por John Barrymore. Destaca por ser la primera película de la historia con una banda sonora completa y efectos de sonido sincronizados, al ser el primer largometraje de la Warner Bros que utilizó el sistema de sonido Vitaphone. Sin embargo, en esencia, y al margen de estos detalles técnicos, se concibió y produjo como una película muda, sin ningún diálogo sonoro, siendo todos los diálogos a base de intertítulos al igual que en el cine mudo.

"Les matins merveilleux": una primera película hermosa y delicada.

Les matins merveilleux (2026), dirigida por Avril Besson con India Hair, Raya Martigny, Eric Cantona, Mathias Minne, Fanny Sidney, Laure Rivaud-Pearce, Jean Vincentelli.

Sinopsis: Charlie conduce hacia el sur con una colección de viejos discos de vinilo de música disco en el maletero de su Twingo, apenas recuperándose del fallecimiento de su abuela. Lo que aún no sabe es que estos discos le traerán a la memoria los pasos de baile de su madre a Titou, un comerciante de vinos soñador y nostálgico, ni que una playa desierta del Mediterráneo será el escenario de su encuentro con Marina, quien sueña con escapar de la pizzería del pueblo.

Una comedia muy bonita y melancólica ambientada en una tranquila Francia del Sur, donde nuevos sentimientos están despertando. Para su primer largometraje, Avril Besson amplía su aclamado cortometraje Queen Size (2023), trasladándolo a un escenario costero invernal: una playa desierta, una pequeña pizzería frecuentada por un adolescente enojado...

Retrospectiva: Desayuno con diamantes

Desayuno con diamantes (Breakfast at Tiffany’s, 1961), dirigida por Blake Edwards con Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal, Mickey Rooney, Martin Balsam, Buddy Ebsen, José Luis de Vilallonga, John McGiver, Alan Reed, Stanley Adams, Dorothy Whitney, Claude Stroud. 

Sinopsis: Holly Golightly (Audrey Hepburn) es aparentemente una escort (la película no es clara en este punto, a diferencia del libro) y aspirante a actriz con un comportamiento bastante extravagante. Prueba de ello es su costumbre de desayunar frente a la joyería Tiffany & Co. Paul Varjack (George Peppard) es un tímido escritor que es el mantenido de una mujer casada. Cuando ambos se convierten en vecinos y se conocen, Paul se enamora de Holly. Sin embargo ella lo rechaza después y se compromete, por su dinero, con José Pereira (José Luis de Vilallonga), un político brasileño millonario. Finalmente, después de que su prometido rompe con ella, Holly acepta el amor de Paul.

El guión se debió a George Axelrod, experto en esto tipo de obras ligeras, que adapta la obra homónima de Truman Capote. El cineasta se explaya especialmente en la surrealista escena de la fiesta, plagada de gags disparatados, y que llevaría al extremo siete años más tarde en El guateque. 

La escena final bajo la lluvia, es una de esas que quedan grabadas en oro en la historia del cine por derecho propio: el gato arrojado al aguacero, ella buscándolo, el encuentro de los dos enamorados, todo ello acompañado musicalmente por Henry Mancini, es soberbio. 

Y es que capítulo aparte es la banda sonora, premiada con el Oscar al igual que el precioso tema, de Mancini y John Mercer, Moon River, interpretado memorablemente en la película por la Hepburn sentada en el marco de la ventana.

Retrospectiva: Sabrina

Sabrina (1954), dirigida por Billy Wilder con Audrey Hepburn, Humphrey Bogart, William Holden, John Williams (II), Walter Hampden, Martha Hyer, Joan Vohs, Marcel Dalio, Marcel Hillaire, Nella Walker, Francis X. Bushman, Ellen Corby.

Sinopsis: Sabrina (Audrey Hepburn) es la hija del chófer de la familia Larrabee, una de las más ricas de Long Island. La romántica Sabrina está perdidamente enamorada de uno de los hijos de los Larrabee, David (William Holden), el más insensato. El otro es Linus (Humphrey Bogart), un honesto hombre de negocios con la cabeza en su sitio, que no quiere que su hermano haga desgraciada a Sabrina. Esta viaja a Francia para aprender el oficio de la hostelería, donde conoce a un anciano Barón que le transforma en una mujer de su tiempo. Cuando regresa, su amor por David aún sigue vivo, y a éste no se le pasa por alto que Sabrina se ha convertido en una jovencita muy atractiva. Linus recibe el encargo de sus padres de impedir que su hermano siga adelante en su relación con una chica de origen tan humilde.

Una ingeniosa comedia, vuelta de tuerca al clásico cuento de la Cenicienta, dirigida por el mayor experto en el género, el genial Billy Wilder. Es adaptación de la obra de teatro de 1953 Sabrina Fair (subtitulada A Woman of the World), escrita por Samuel A. Taylor.  Fue candidata a seis Oscar, entre ellos al mejor director, a la mejor actriz principal (Hepburn) y al mejor guion adaptado, pero finalmente solo ganaría el de mejor vestuario en blanco y negro.

Vamos de teatro: La dama boba

La dama boba (2006), dirigida por Manuel Iborra con Verónica Forqué, Silvia Abascal, Macarena Gómez, María Vázquez, José Coronado, Antonio Resines, José María Sacristán, Paco León, Antonio de la Fuente, Enrique San Francisco, Cristina Collado, Cuca Escribano, Juan Díaz, Roberto San Martín, Chema Ruiz. 

Sinopsis; España, siglo XVII. Dos hermanas de buena familia se evaden de distintas formas de la sociedad machista de la época. Una, a través de los libros, y la otra, haciéndose la tonta. Con la llegada de dos pretendientes surgirán en ellas la rivalidad y los celos, que les servirán para descubrir sus verdaderas personalidades.

Manuel Iborra adapta una de las comedias más representativas de Lope de Vega, prolífico `Fénix de los Ingenios´, muy desaprovechado por nuestro cine. Respeta el verso original, así como su mensaje, que advierte de que las apariencias engañan; y ensalza el ingenio, pues Iborra desea recordar que en el amor es tan importante como la belleza. Cabe destacar la cuidada ambientación del siglo XVII.