Retrospectiva: La esclava libre

La esclava libre (Band of Angels, 1957), dirigida por Raoul Walsh con Clark Gable, Yvonne De Carlo, Sidney Poitier, Torin Thatcher, Ray Tesla, Efrén Zimbalist Jr., Patric Knowles, Tommie Moore. 

Sinopsis: Amantha Starr ( Yvonne De Carlo) es una joven rica y atractiva que vive con su poderoso padre en una lujosa plantación del sur de Estados Unidos. La vida de ambos parece encarrilada hasta que el padre de Amantha fallece. Cuando las autoridades del Estado se enteran de que el señor Starr ha fallecido, acuden a la casa para verificar la herencia y la identidad de Amantha. Después de investigar sobre su origen, llegan a la conclusión de que Amantha es hija de una esclava negra, por lo que su derecho a heredar las tierras de su padre queda instantáneamente anulado. Despojada de sus tierras y de su apellido, Amantha es convertida en una esclava más. Tras ser trasladada a Nueva Orleans para ser subastada, Hamish Bond (Clark Gable), un rico y atractivo caballero, la comprará para convertirla en su mujer, aunque vaya en contra de la ley.

Adaptación de la novela de Robert Penn Warren, que cuenta con una excelente fotografía en color de Lucien Ballard y una poderosa partitura de Max Steiner. Fue la tercera película consecutiva de Clark Gable para Raoul Walsh, tras Los implacables (1955) y Un rey para cuatro reinas (1956). Ambos trabaron una buena amistad, sobre todo en sus largas cacerías por las praderas, y estuvieron a punto de volver a trabajar juntos en Vidas rebeldes, dirigida finalmente por John Huston.

"Laissez-nous les clés", una experiencia estimulante de gestión ciudadana colectiva en Marsella

Laissez-nous les clés (2026), de Yacine Helali

En 2021, tras la quiebra de un McDonald's en los barrios del norte de Marsella, Kamel Guemari —el último empleado que quedaba— transformó el espacio en un centro de solidaridad colectiva: L'Après M (Después de M). Durante un año, la cámara siguió de cerca este experimento social sin precedentes. El colectivo distribuyó 2000 raciones de comida semanales, alimentó a cientos de personas sin hogar y desarrolló un ambicioso proyecto: recuperar el edificio mediante una cooperativa ciudadana con 50 000 socios. Ante las amenazas de desahucio de McDonald's y la realidad política, el colectivo supo conciliar las necesidades sociales inmediatas con la construcción de un proyecto a largo plazo. Filmado de cerca con los protagonistas, sin filtros ni idealizaciones, "Laissez-Nous les Clés" (Déjanos las llaves) capta los debates, las dudas y el empoderamiento de ciudadanos comunes que reinventan la propiedad colectiva, desafían el poder de las multinacionales y abren las posibilidades de la autogestión.

Durante un año, el documentalista Yacine Helali se sumergió en una iniciativa colectiva nacida en los barrios del norte de Marsella, donde un antiguo restaurante McDonald's fue transformado en un centro de apoyo comunitario por Kamel Guemari, su último empleado. Evitando la retórica activista simplista, la película sigue de cerca a quienes se esfuerzan por mantener vivo este espacio, fundado en la solidaridad y la gestión colectiva. Entre la distribución de alimentos, las incertidumbres legales y las ambiciones cooperativas, el director destaca los animados debates entre los voluntarios y la constante tensión entre atender las necesidades sociales urgentes y garantizar la viabilidad a largo plazo de un proyecto tan frágil.

Cinco películas basadas en libros (II)

Ben-Hur (1959), de William Wyler

Una obra cinematográfica que nace de la novela homónima Ben-Hur: una historia de Cristo (título original en inglés: Ben-Hur: A Tale of the Christ), escrita por el autor y militar estadounidense Lewis Wallace. Se ambienta en la antigua Roma, bajo el régimen de los emperadores Augusto y Tiberio (s. I d.C.). Judá Ben-Hur, que proviene de una familia noble de la ciudad de Jerusalén, tiene una amistad con Mesala, un tribuno romano que dirige los ejércitos de ocupación. Sin embargo, un accidente romperá definitivamente esta amistad, convirtiéndola en una enemistad profunda e irreversible. De ahí en adelante su vida cambia radicalmente: el joven es acusado de atentar contra la vida del nuevo gobernador romano, lo que le valdrá el encarcelamiento a él y a toda su familia. Mesala lo condena a una vida de galeras; sin embargo, un hombre desconocido llamado Jesús se apiada de él y le da de beber.

Tras sobrevivir como esclavo durante años, el cónsul romano Quinto Arrio le salva la vida y le otorga la libertad, lo que le permite regresar a Judea convertido en un hombre nuevo que emprende una búsqueda sin descanso para encontrar a su madre y a su hermana. Esta obra es, sin duda, una historia de superación y perdón en la que el director hace uso de un despliegue técnico sin precedentes y una puesta en escena magistral, haciendo de ella una obra que hay que ver de manera indispensable.

Hace 100 años: Las aventuras del príncipe Achmed

El 2 de julio de 1926 se estrenó la película alemana Las aventuras del príncipe Achmed (Die Abenteuer des Prinzen Achmed), dirigida por Lotte Reiniger. Reparto: Animación. Productora: Comenius-Film GmbH. Duración: 65 minutos. 

Sinopsis argumental: El día en que se celebra en la ciudad el cumpleaños del gran Califa, aparece el poderoso brujo y presenta su obra milagrosa: un caballo que puede volar por los aires. El Califa quiere poseer a toda costa dicho corcel mágico.

Comentario: Considerada en algunas listas como una de las 1000 mejores películas de la historia del cine, Las aventuras del príncipe Achmed fue creada en un período de tres años por Lotte Reiniger, quien diseñó el guion de la historia, recortó las figuras (300.000 imágenes individuales) y los trasfondos y configuró sus movimientos con ayuda de Alexander Kardan y Walter Türck. Su marido, Carl Koch, se ocupó de la dirección ejecutiva y el control técnico, Walter Ruttmann experimentó con las configuraciones del cine y creó la lucha con los demonios de Wak Wak, Berthold Bartosch compuso los movimientos de las olas para el temporal que sorprende a Aladino durante su huida. Para su configuración se inspiró en el rico tesoro de Las mil y una noches.

Retrospectiva: El fugitivo

El fugitivo (The Fugitive, 1993), dirigida por Andrew Davis con Harrison Ford, Tommy Lee Jones, Julianne Moore, Sela Ward, Joe Pantoliano, Andreas Katsulas, Jeroen Krabbé, Daniel Roebuck, Nick Searcy, L. Scott Caldwell, Jane Lynch, Tom Wood, Ron Dean

Sinopsis: La vida del doctor Richard Kimble, un reputado cirujano con una bella esposa y una lujosa casa en un elegante barrio de Chicago, se desmorona el día en que su mujer es brutalmente asesinada por un misterioso manco. Kimble es acusado del crimen y condenado a muerte. Mientras lo trasladan a la cárcel, el autobús donde viaja sufre un accidente que facilita la fuga de varios presos, entre ellos el propio Kimble. El detective Samuel Gerard consigue atrapar a todos los prófugos excepto al escurridizo Kimble. Una vez en libertad, Kimble sabe muy bien que si quiere probar su inocencia, tendrá que encontrar al misterioso manco, pero, al mismo tiempo, tendrá que eludir la implacable persecución del detective Gerard.

Magnífica adaptación de la famosa serie de TV del mismo título, y dirigida por Andrew Davis, nos encontramos ante una magnífica película de acción, con imágenes memorables. Sirva de ejemplo aquella en la que el Doctor Kimble se deja caer por un embalse para huir de su infatigable perseguidor. La película tiene una espléndida puesta en escena y un buen pulso narrativo. Harrison Ford y Tommy Lee Jones hacen dos magníficas interpretaciones (Tommy Lee Jones sería premiado con el Oscar en la categoría de mejor actor secundario). La película obtuvo en total siete nominaciones al Oscar.

Cinco películas basadas en libros (I)

Desde dramas carcelarios de culto hasta epopeyas bélicas y mafiosas, las obras literarias que se transformaron en películas de visionado obligatorio.

Algunas novelas han dado vida a producciones cinematográficas memorables. Muchas de ellas destacan por sus elementos visuales, bandas sonoras envolventes y actuaciones magistrales, mientras que otras pasan a la historia por su sólida trama o por marcar un antes y un después en la industria. Sin embargo, todas comparten un punto en común: se han convertido en películas completamente ineludibles.

Lo que el viento se llevo (Gone with the Wind, 1939), de Victor Fleming, George Cukor y Sam Wood

La película que narra la historia de amor entre Scarlett O'Hara y Rhett Butler está basado en la novela homónima escrita por Margaret Mitchell. Es una historia de amor intensa, marcada por el orgullo, la supervivencia y la guerra civil, que incluso llega a ser una obsesión no correspondida. Scarlett O'Hara, una joven bella pero caprichosa que vive en una elegante mansión sureña, anhela el amor de Ashley, que no es otro que el prometido de su prima. Sin embargo, en la noche de la última fiesta antes del estallido de la Guerra de Secesión, la joven conoce a Rhett Butler, un egoísta vividor que tan solo desea hacerse rico y ve en la conquista de Scarlett una manera de llegar a su objetivo.

En esta obra, el amor y el odio son casi personajes propios en una narrativa de corte épico sobre la guerra civil estadounidense. Es una película de casi cuatro horas que destaca por su producción y éxito histórico, además de por la profundidad y complejidad de los personajes.

Retrospectiva: Delicioso

Delicioso (Delicieux, 2021), dirigida por Éric Besnard con Grégory Gadebois, Isabelle Carré, Benjamin Lavernhe, Guillaume De Tonquedec, Lorenzo Lefèbvre, Christian Bouillette, Marie-Julie Baup, Laurent Bateau, Manon Combes, Félix Fournier, Antoine Gouy, Chloé Astor.

Sinopsis: En 1789, antes de la Revolución Francesa, Pierre Manceron (Grégory Gadebois) es el cocinero de un aristócrata gastronómico. Despedido por reclamar una parte de libertad creativa en estos platos, se instala en la casa abandonada de su padre con Jacob (Christian Bouillette), un amigo de la familia, y con su hijo, Benjamin (Lorenzo Lefèbvre). El tiempo pasa y pierde su motivación culinaria. Una mujer (Isabelle Carré) viene a ofrecerse como aprendiz. Ella le devolverá la pasión por la cocina y además, le ayuda a abrir el primer restaurante en Francia y en el mundo.

El guionista y director Éric Besnard confecciona esta película que hace hincapié en las diferencias de clase que estaban a punto de desaparecer con la llegada de la Revolución Francesa. El mundo de la cocina ofrece el marco ideal para prestar atención al mérito y el talento de cada uno, más allá de privilegios no adquiridos por el trabajo y el esfuerzo.

Elon Musk comparte en X la película “Citizen Vigilante”: un fracaso ultrarracista

En sus redes sociales, el multimillonario de extrema derecha promocionó la última película del director alemán Uwe Boll. Un thriller tan terrible como lamentable, ambientado en una ciudad invadida por inmigrantes indocumentados procedentes de África.

El actor estadounidense Armie Hammer, que ha intervenido en películas como La red social y Call Me by Your Name, intenta un nuevo regreso al cine. Una mala decisión profesional…

 

Es difícil fingir que algo no existe cuando Elon Musk, el magnate multimillonario de la red X, decide lanzarlo —gratis y sin una palabra de explicación— a unos 240 millones de suscriptores. El equivalente cinematográfico de un charco de vómito, Citizen Vigilante lleva el sello de un productor alemán de bodrios, Uwe Boll, un habitual en nuestro circuito de "directo a DVD", o incluso directamente y con razón ignorado. Ante esta producción independiente germano-estadounidense absolutamente espantosa, filmada en Zagreb, Croacia, y estrenada el 19 de junio en Estados Unidos, uno entiende inmediatamente por qué nos llamó la atención.

“L’Étrangère”: Gaya Jiji, directora: “Siria tardará tiempo en reconstruirse y recuperar su identidad

Como continuación de su primera película, Mon tissu préféré (2018), su segundo largometraje narra la historia del exilio de una joven siria y su anhelo de vivir. Gaya Jiji, que ahora reside en Francia, se inspira en su propia experiencia y en el trauma de la guerra civil.

Zar Amir-Ebrahimien en L'étrangère (2026)

Sinopsis: Selma huye de la Siria devastada por la guerra, dejando atrás a su hijo de 8 años, Rami, y a su esposo, Iyad, que desapareció en las cárceles del régimen. Tras un peligroso viaje, llega a Burdeos y acepta una serie de trabajos no declarados para sobrevivir. Pero su verdadera lucha comienza al enfrentarse al proceso de asilo y al intento de reunirse con su hijo.

Zar Amir-Ebrahimien en L'étrangère (2026)

La película L'étrangère, en cartelera desde el 24 de junio, no es la primera en retratar la cruel experiencia del exilio. Sin embargo, su decisión de seguir a una migrante siria que llega sola a Burdeos es única. Esta película, serena y perspicaz, no es obra de una directora desconocida: Gaya Jiji, cineasta siria, ya había dirigido un notable primer largometraje, Mon tissu préféré (2018), un despertar sensual y complejo de una joven en el contexto de la guerra. Ella nos relata su viaje.

Efemérides de cine: Mahoma, el mensajero de Dios

El 30 de junio de 1976 se estrenó la película libanesa Mahoma, el mensajero de Dios (The Message), dirigida por Moustapha Akkad e interpretada por Anthony Quinn, Irene Papas, Michael Ansara, Johnny Sekka, Michael Forest, Donald Burton, Ewen Solon, André Morell, Wolfe Morris, Rosalie Crutchley, Damien Thomas, Bruno Barnabe. Productora: Coproducción Líbano-Libia-Kuwait-Marruecos-Reino Unido; Filmco International Productions. Duración: 174 minutos. 

Sinopsis argumental: Siglo VII. Férreamente determinado a acabar con las injusticias de los líderes de la Meca, Mohammad, que afirma haber tenido una visión del ángel Gabriel, les persuade para que abandonen la adoración de los 300 ídolos de Kaaba en favor de uno sólo. Además de desoir sus ruegos, las reuniones de Mohammad y sus partidarios son respondidas con persecuciones y crueles torturas. Su expulsión de la Meca desencadena la sed de justicia de éstos hasta que Mohammad accede a tomar las armas y luchar para instaurar el monoteísmo.

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor banda sonora original. 

Comentario: Una historia del Islam en forma de gran superproducción, que pese a su título no muestra a Mahoma. Y es que ni él ni Alí pueden ser representados, como bien ha averiguado Occidente en fechas muy recientes. Así, el rostro visible del film es Hamza, tío del profeta, y de éste sólo se muestra su punto de vista subjetivo. Se abarca el período comprendido entre los años de nacimiento del Islam (el 610, con la revelación del arcángel Gabriel) hasta la muerte de Mahoma en Medina en el 632. Anthony Quinn realiza una vibrante interpretación. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Retrospectiva: El nombre de la rosa

El nombre de la rosa (Der Name Der Rose, 1986), de Jean-Jacques Annaud con Sean Connery, Christian Slater, Helmut Qualtinger, Elya Baskin, Michael Lonsdale, Volker Prechtel, Feodor Chaliapin Jr., Ron Perlman, Michael Habeck, F. Murray Abraham, Vernon Dobtcheff, Valentina Vargas, William Hickey, Urs Althaus, Leopoldo Trieste, Andrew Birkin, Franco Valobra, Donald O'Brien. 

Sinopsis: Siglo XIV. Fray Guillermo de Baskerville (Sean Connery), monje franciscano y antiguo inquisidor, y su inseparable discípulo, el novicio Adso de Melk (Christian Slater), visitan una abadía benedictina, situada en el norte de Italia, para esclarecer la muerte del joven miniaturista Adelmo de Otranto. Durante su estancia, desaparecen misteriosamente otros monjes que después aparecen muertos.

Adaptación a la pantalla de la célebre novela de Umberto Eco, Il nome della rosa. Tiene el atractivo de presentar una trama detectivesca en un monasterio del medievo, pero ofrece un dibujo oscurantista de la época, en que los frailes parecen, en su totalidad, gente deforme y degenerada. Destaca el trabajo de un estupendo Sean Connery, a modo de Sherlock Holmes con hábito, bien respaldado por el entonces prometedor Christian Slater, que sería el equivalente al doctor Watson.

La deuda de Eco con sir Arthur Conan Doyle y su detective Sherlock Holmes está fuera de toda duda. No sólo tenemos una pareja investigadora, formada por Guillermo de Baskerville, experto sabueso en resolver misterios y, Adso de Melk, ayudante novicio, sino que el nombre del personaje principal es un homenaje al más célebre título de Conan Doyle, El perro de Baskerville.

Cinco películas de Derek Jarman, un visionario del pasado (V)

War Requiem (1989)

Como en la mayoría de sus películas, Derek Jarman introduce en War Requiem elementos de diferentes artes: la música de War Requiem de Britten, la poesía de guerra de Wilfred Owen y las referencias pictóricas de cuadros de John Martin, William Blake y Piero della Francesca. Además, la película integra elementos de teatro, iconografía religiosa, alusiones del cine mudo y bélico, la poesía de John Keats y fragmentos de documentales y de telediario.

De forma casi clásica, esta película es, sin embargo, como todas las demás, una obra cinematográfica única. Derek Jarman, el pintor, se pone al servicio del director para crear escenas vívidas y vibrantes en las que resuena el El Réquiem de guerra, Op. 66 (título original: War Requiem), de Benjamin Britten. Una poderosa evocación de todas las guerras, impregnada de la mirada consoladora de la musa de Tilda Swinton .

Tom, un gato virtuoso del piano

Tom y Jerry: Un concierto gatuno (Tom y Jerry: a cat concert, 1947), dirigida por William Hanna y Joseph Barbera. Reparto: Animación. 

Tom y Jerry: Un concierto gatuno es un cortometraje animado de la serie Tom y Jerry, producido en Technicolor y estrenado el 22 de abril de 1947 por Metro-Goldwyn-Mayer. Fue producido por Fred Quimby, con la supervisión musical de Scott Bradley y animación de Kenneth Muse, Ed Barge y Irven Spence.

El corto ganó el Oscar al mejor cortometraje animado de 1946, siendo el cuarto de Tom y Jerry. En 1994 apareció en el puesto número 42 de la lista 50 Greatest Cartoons, la cual se basó en los votos de aproximadamente 1.000 personalidades de la industria de la animación. 

La historia transcurre durante un elegante recital de piano en el que Tom es el virtuoso solista. Interpreta magistralmente la Rapsodia húngara n.º 2 de Franz Liszt. Sin embargo, Jerry, que estaba durmiendo plácidamente dentro del piano, es despertado por la música y decide salir. El ratón interrumpe el concierto e intenta dirigir la orquesta, lo que desata una guerra de trucos, trampas y persecuciones sobre el escenario, todo ello perfectamente sincronizado con el ritmo de la famosa pieza. 

Este corto generó gran controversia en su época. La Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) acusó a los estudios rivales de la Warner Bros. de plagio, ya que estos últimos estrenaron el corto Rabbit Rhapsody del Pato Lucas, el cual utilizaba casi los mismos gags visuales y la misma pieza de Liszt.

“La Bataille de Gaulle: J’écris Tom nom”: una segunda parte, más política pero igualmente interesante

La Bataille de Gaulle: J’écris ton nom (2026), dirigida por Antonin Baudry con Simón Abkarian, Simón Beale, Florian Lesieur, Benoît Magimel, Mathieu Kassovitz, Loïc Corbery, Thierry Lhermitte, Anamaria Vartolomei, Niels Schneider, Félix Kysyl, Karim Leklou, Tom Mison, Kacey Mottet-Klein…

Campbell Scott y Simón Abkarian en La Batalle de Gaulle: J’écris ton nom (2026)

Sinopsis: Segunda parte de La bataille de Gaulle, Junio de 1940. Francia se derrumba y firma el armisticio. En medio del caos, un hombre se niega a rendirse. Solo contra todo pronóstico, este general desconocido huye a Londres para salvar lo que queda de libertad. Sin ejército, sin apoyo, sin esperanza. Pero con una convicción irracional: Francia, su Francia, no ha depuesto las armas. En una apuesta arriesgada, intenta convencer al mundo de que la batalla por Francia no ha terminado ni está perdida. La realidad, sin embargo, es inflexible y parece decidida a demostrar que está equivocado. Sin embargo, poco a poco, resistentes, estudiantes rebeldes y soldados decididos se alzan en Inglaterra, Francia y África para unirse a la causa. Su fe, su audacia y su sed de libertad desafían lo que la Historia parecía haber escrito de antemano.

Thierry Lhermitte y Niels Schneider en La Bataille de Gaulle: J'écris ton nom (2026)

Tres semanas después del estreno de la primera entrega, De Gaulle: Tilting Iron, llega la segunda parte. ¿Conseguirá convencer a los ochocientos mil espectadores de la primera película? ¿O al menos persuadir a nuevos espectadores para que sigan, durante cinco horas, la épica historia del general De Gaulle y los combatientes de la Francia Libre, desde 1940 hasta 1945?

¿Qué podemos esperar de una película sobre De Gaulle? Algo más que un homenaje oficial. De Gaulle: Tilting Iron lo evitó parcialmente, gracias a un enfoque inesperado: una narrativa similar a la de un cómic, donde la comedia se mezclaba con lo épico. El general fue retratado como una figura excéntrica y anticuada, imponente y rígida, cuya obstinación ante la adversidad rozaba el delirio de un payaso delirante, defendiendo contra viento y marea (o casi contra viento y marea) un elevado ideal de Francia.

Thierry Lhermitte en La Bataille de Gaulle (2026)

La película destaca por su dimensión monumental y su gran apuesta visual. Sin embargo, por el enfoque grandilocuente de su puesta en escena y su música, ha generado debates entre los historiadores, dividiendo opiniones sobre el tratamiento de una figura tan compleja y controvertida de la historia contemporánea.

Cinco películas de Derek Jarman, un visionario del pasado (IV)

El fin de Inglaterra (The Last of England, 1987)

El comentario personal del artista sobre el declive de su país en un lenguaje más cercano a la poesía que a la prosa. Una oscura meditación sobre Londres bajo Thatcher. Allí donde Jubilee era rabia e ira punk, El fin de Inglaterra es frustración y melancolía.

Diez años después, Derek Jarman regresa a su país, esta vez en llamas, con una película de visiones impactantes y meditativas. La amenaza totalitaria ha adquirido la dimensión de una operación militar; la libertad ahora solo se encarna en un joven yonqui rebelde y un portador de antorchas que busca esperanza en la oscuridad. Atormentado por el fin de los tiempos, el director logra encontrar, en el lenguaje de las imágenes, la última armonía posible. Una película que late como un corazón, luchando contra la aniquilación.

Retrospectiva: Horizontes de grandeza

Horizontes de grandeza (The Big Country, 1958), de William Wyler con Gregory Peck, Jean Simmons, Charlton Heston, Carroll Baker, Burl Ives, Charles Bickford, Chuck Connors, Alfonso Bedoya, Dorothy Adams. 

Sinopsis: James McKay (Peck), un capitán de navío retirado, viaja desde el Este a las vastas llanuras de Texas para casarse con Pat Terrill (Baker), la hija de un rico ganadero. El choque entre McKay, hombre pacífico, culto y educado, y los violentos y toscos rancheros es inevitable. No sólo tendrá que enfrentarse con el capataz Steve Leech (Heston), sino que incluso su novia se sentirá decepcionada por su comportamiento. Mientras tanto, el padre de Pat y el clan de los Hannassey luchan encarnizadamente por el control del agua para abrevar el ganado.

Uno de los grandes westerns de William Wyler, que destapa su sabiduría frente a la cámara, abre grandes espacios y muestra como nadie a unos personajes pasionales. Romance, aventura y el aroma salvaje del legendario Oeste. 

"Blue Giant": un alucinante viaje musical

Blue Giant (2003), dirigida por Yuzuru Tachikawa. Reparto: Animación. 
Sinopsis: La vida de Dai Miyamoto da un vuelco el día que descubre el jazz. Dai, antiguo jugador de baloncesto en el instituto, coge un saxofón y empieza a practicar día y noche, decidido a convertirse en uno de los más grandes de todos los tiempos. Abandona su somnolienta ciudad natal por los bulliciosos clubes nocturnos de Tokio, pero pronto descubre que la vida de un músico profesional no es para los débiles de corazón. Su pasión acaba conquistando al engreído pero talentoso pianista Yukinori, y después de que Dai convenza a su amigo Shunji para que aprenda a tocar la batería, lanzan un nuevo trío de jazz que rápidamente se gana la atención del público local. Pero, ¿Pero será suficiente para ser realmente grande?
Blue Giant es ante todo una impoluta y hermosa declaración de amor al jazz. Respira jazz en cada fotograma y lo hace de un modo tan desbordante que resulta casi ingenuo, de un radicalismo propio de la juventud. Y al espectador se le invita a no abandonar ese espíritu. Basada en el manga de Shin'ichi Ishizuka, que su autor inició en 2013 y consta de varios volúmenes, la dirección de Yuzuru Tachikawa es vibrante y fiel al espíritu original –la ambición de un joven por convertirse en el mejor músico de jazz

Cinco películas de Derek Jarman, un visionario del pasado (III)

La tempestad (The Tempest, 1979)

Narra las viscisitudes de un mago llamado Próspero y su hija Miranda, exiliados en una isla desierta por Antonio, el hermano de él. La oportunidad de venganza llega al enamorarse Miranda y Fernando, el hijo de Antonio, que le usurpó a Próspero el título de Duque de Milán... 

Libre -y poco convencional- e inesperada en un artista con una sensibilidad decididamente alternativa, esta adaptación shakesperiana es un recordatorio de la profunda conexión de Derek Jarman con la cultura británica, de la cual ahora es uno de los tesoros. Obtuvo grandes elogios de la crítica.

Retrospectiva: Ladrón de bicicletas

Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette, 1948), de Vittorio De Sica con Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola, Lianella Carell, Gino Saltamerenda, Vittorio Antonucci, Giulio Chiari.

Sinopsis: En la Roma de la posguerra, Antonio, un obrero en paro, consigue un sencillo trabajo pegando carteles a condición de que posea una bicicleta. De ese modo, a duras penas consigue comprarse una, pero en su primer día de trabajo se la roban. Es así como comienza toda la aventura de Antonio junto con su hijo Bruno por recuperar su bicicleta mientras su esposa María espera en casa junto con su otro hijo. 

El gran Vittorio De Sica filmó una de las obras cumbres del neorrealismo, con actores no profesionales, como Lamberto Maggiorani, el protagonista, un auténtico parado de la construcción. Basada en una novela de Luigi Bartolini que tuvo cierto éxito, la película traza un retrato de las dificultades de la vida en Italia durante la postguerra. Lo mejor y más entrañable es la relación entre el protagonista y su hijo, que le tiene idealizado.

Obra maestra del neorrealismo italiano que forma, junto con Milagro en Milán (Miracolo a Milano, 1951) y Umberto D. (1952), la famosa trilogía de De Sica. La posguerra, la pobreza, la dignidad, la familia... Pocas veces con tan pocos recursos se contó tanto. Una de las grandes películas de la historia del cine.

"Look Back": una historia conmovedora

Look Back (2026), dirigida por Hirokazu Koreeda. Reparto: Animación. 

Sinopsis: Fujino es una chica extrovertida, orgullosa de sus dibujos y que destaca por sus tiras cómicas en el periódico escolar, pero su mundo cambia cuando conoce a Kyomoto, una compañera de clase muy talentosa en el dibujo, retraída y casi siempre ausente. Lo que empieza como envidia pronto se transforma en una amistad creativa: Fujino escribe y dibuja los personajes, mientras Kyomoto aporta fondos complejos. 

El elemento más importante de la historia son las dos protagonistas, ya que todo el peso de la trama recae en Fujino y Kyomoto. Son dos chicas con personalidades totalmente opuestas, y sus caracteres se reflejan en sus obras. Así, la obsesión de Fujino por mejorar su técnica y los problemas de ansiedad social de Kyomoto, se manifiestan en su gran talento para dibujar los escenarios de sus historias.

En menos de una hora, Look Back, dirigida por Kiyotaka Oshiyama, entrega uno de los relatos animados más intensos y emotivos que he visto. Es una adaptación del manga homónimo del mangaka Tatsuki Fujimoto, conocido dentro del mundo del anime por obras como Chainsaw Man. Disponible en Amazon Prime Video. 

Cinco películas de Derek Jarman, un visionario del pasado (II)

 Jubilee (1978)

Coincidiendo con el jubileo de la Reina Isabel II, Derek Jarman rueda esta película en la que la Reina Isabel I invoca con ayuda del ocultista John Dee (Richard O'Brien) a un espíritu guía llamado Ariel (David Brandon), un personaje de La tempestad de William Shakespeare, que les transportará en el tiempo a la Inglaterra de los años 1970. En esta Inglaterra figurada tomada por el caos, la Reina Isabel II ha sido asesinada, y las pandillas, como la de Amyl Nitrate (Jordan Mooney), Bod (Jenny Runacre), Chaos (Hermine Demoriane), Crabs (Nell Campbell) y Mad (Toyah Willcox), hacen de las suyas por doquier. Jubilee es quizás la película más emblemática del punk, apareciendo en ella iconos de este movimiento como Adam Ant, The Slits o Jayne County.

La segunda película de Jarman es el mejor ejemplo de la total libertad con la que abraza el cine. Jóvenes rebeldes y punks son fácilmente manipuladas por un magnate del entretenimiento que compra todos los canales de televisión y crea un mundo fascista donde la cultura pop-rock está prohibida. Un cúmulo de ideas premonitorias, ilustradas por escenas unidas por una rabia constante, una expresión del impulso de matar con un cuchillo, una ametralladora o salsa picante. Abordando directamente la desesperación de la "falta de futuro" y la música de la época, Jubilee es un acontecimiento impactante y una exploración histórica de un reino fracturado.

Películas de la semana: 26 de junio

Supergirl

AKA Supergirl: Woman of Tomorrow. Dirección: Craig Gillespie. País: Estados Unidos. Año: 2026. Duración: 110 minutos. Género: Ciencia-ficción. Fantástico. Acción. Superhéroes. Cómic. DC Comics. Interpretación: Milly Alcock, Eve Ridley, Matthias Schoenaerts, Emily Beecham, Jason Momoa, Wil Coban, David Corenswet, Alice Hewkin, Ferdinand Kingsley, David Krumholtz. Guion: Ana Nogueira. Cómic: Tom King. Personajes: DC Comics. Música: Claudia Sarne. Fotografía: Rob Hardy. Productora: DC Comics, DC Entertainment, Warner Bros., DC Studios, The Safran Company, Troll Court Entertainment. Distribuidora: Warner Bros. Estreno en España: 26 de junio de 2026. Sinopsis: Kara, la prima de Superman, se ha ido haciendo más fuerte con el paso de los años y también debido a la caída de Krypton. Mientras va viajando por diferentes lugares, conoce a Ruthye, una joven que busca venganza por el asesinato de su padre. Las dos juntas comienzan una persecución contra un criminal muy peligroso y se enfrentarán a criaturas y peligros que muestran el lado más oscuro del universo. Kara tendrá que decidir si su fuerza sirve para destruir o para proteger mientras descubre algo que no esperaba. Tomando como referencia la reciente miniserie escrita por Tom King, esta película promete una visión diferente de lo que la mayoría piensa cuando le viene a la mente la prima de Superman. "Veremos la diferencia entre Superman, que fue enviado a la Tierra y criado por unos padres cariñosos desde que era un bebé, y Supergirl, criada en una roca, una astilla de Krypton, y que vio morir y ser asesinados de formas terribles a todos los que la rodeaban durante los primeros 14 años de su vida para luego venir a la Tierra. Ella es mucho más dura y no es la Supergirl a la que estamos acostumbrados".

Obsession

Dirección: Curry Barker. País: Estados Unidos. Año: 2025. Duración: 100 minutos. Género: Terror. Thriller. Romance. Thriller psicológico. Objeto maldito. Sobrenatural. Interpretación: Michael Johnston, Inde Navarrette, Cooper Tomlinson, Megan Lawless, Andy Richter, Haley Fitzgerald, Darin Toonder, Chloe Breen, Anthony Pavone, Justice, Malcolm Kelner. Guion: Curry Barker. Música: Rock Burwell. Fotografía: Taylor Clemons. Productora: Capstone Studios, Tea Shop & Film Company, Under the Shell. Distribuidora: Universal. Estreno en España: 26 de junio de 2026. Sinopsis: El joven Bear está enamoradísimo de Nikki, amiga de la infancia que en la actualidad trabaja con él en una tienda familiar dedicada a los discos e instrumentos musicales. Pero no se atreve a confesar sus verdaderos sentimientos, ni siquiera cuando se queda a solas con ella tras llevarla a casa después de una noche con sus mejores amigos, Ian, compañero de trabajo, y Sarah, hija del dueño del establecimiento. En busca de un regalo para Nikki, Bear acaba en una tienda de objetos esotéricos donde adquiere un producto denominado “El sauce del único deseo”, que consiste en una rama que al partirla concede lo que pida a su portador. Convencido de que se trata de un juguete inofensivo, el chico lo activa demandando en voz alta que Nikki le ame para siempre. El universo toma nota, pero no exactamente en modo “feliz para siempre".

Viaje al país de los blancos

Dirección: Dani Sancho. País: España. Año: 2026. Duración: 110 minutos. Género: Drama. Basado en hechos reales. Inmigración. Racismo. Adopción. África. Interpretación: Emma Vilarasau, Ousman Umar, Benjamin Kakraba, Víctor Say, Jordi Bosch, Justino Mendes, Diana Gómez, Herminio Avilés. Guion: Guillem Clua. Libro: Ousman Umar. Música: Laetitia Pansanel-Garric. Fotografía: Lluís Ferrer Calafell, Marcel Pascual. Productora: Coproducción España-Francia; Mundo Cero, Atresmedia Cine, A Contracorriente Films, Arcadia Motion Pictures, Noodles Production. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 26 de junio de 2026. Sinopsis: Ousman Umar es un chaval que vive en una pequeña aldea de Ghana. Allí hay poco que hacer, más allá de ayudar con algunos encargos a su padre, el chamán del pueblo, o pasar el rato con su inseparable amigo Musa. Pero Ousman es un niño despierto e inquieto y cuando ve un avión surcar el cielo africano, su curiosidad se dispara y le lleva a tomar una drástica decisión: viajar al país de los blancos. Aunque es muy joven opta entonces por abandonar a su familia y lanzarse a la aventura. Sin embargo, el viaje será duro y cuando llega a las costas de Fuerteventura y luego es trasladado a Barcelona, salir adelante será muy difícil.

Letras robadas

Título original: Power Ballad. Dirección: John Carney. País: Irlanda. Año: 2026. Duración: 96 minutos. Género: Comedia. Drama. Musical. Música. Amistad. Interpretación: Paul Rudd, Nick Jonas, Peter McDonald, Rory Keenan, Paul Reid, Keith McErlean, Beth Fallon, Havana Rose Liu, Jack Reynor, Juliette Crosbie, Robert Mitchell, Marcella Plunkett. Guion: John Carney, Peter McDonald. Producción: John Carney. Música: John Carney, Gary Clark. Fotografía: Yaron Orbach. Productora: Coproducción Irlanda-Estados Unidos; Screen Ireland, Fís Éireann/Screen, 30West, Treasure Entertainment, Likely Story. Distribuidora: Diamond Films. Estreno en España: 26 de junio de 2026. Sinopsis: Rick Power no ha hecho realidad su sueño de dedicarse al mundo de la música, y debe conformarse con cantar en “La novia y el compás”, una banda que actúa en bodas en su Irlanda natal. Y es que en un momento dado apostó por formar una familia, sacrificando otras posibilidades. Actuando en uno de estos enlaces en un castillo de ensueño conoce casualmente a Danny Wilson, afincado en Los Ángeles, amigo de los novios y cantante célebre, sobre todo por haber formado parte de una banda juvenil de chicos, aunque ahora pasa horas bajas. Tras cantar con ellos, se produce una química especial entre Danny y Rick, hasta el punto de que pasan una noche mágica componiendo, improvisando, contándose sus anhelos y aspiraciones. Pasados unos meses el single de Danny “How to Write a Song (Whitout You)” se convierte en un éxito inesperado. Pero resulta que lo escribió Rick, que no tiene modo de probar que el otro le ha robado la idea, además de que un muro legal les impide hablar entre ellos.

Jackass: Lo mejor para el final

Título original: Jackass: Best and Last AKA Jackass 5. Dirección: Jeff Tremaine. País: Estados Unidos. Año: 2026. Duración: 92 minutos. Género: Comedia. Comedia negra. Secuela. Interpretación: Johnny Knoxville, Steve-O, Chris Pontius, Jason 'Wee Man' Acuña, Dave England, Ehren McGhehey, Preston Lacy, Rachel Wolfson, Compston Wilson, Sean McInerney, Zach Holmes Guion: Jason Acuña, Sean Cliver, Dimitry Elyashkevich, Dave England,  Zach Holmes, Johnny Knoxville, Preston Lacy, Eric Manaka, Ehren McGhehey, Sean McInerney, Chris Pontius, Steve-O, Trip Taylor, Jeff Tremaine, Davon Wilson, Rachel Wolfson, Tory Belleci, J.P. Blackmon, Knate Lee. Fotografía: Dimitry Elyashkevich. Productora: Gorilla Flicks, Dickhouse Entertainment, Domain Entertainment, Paramount Pictures, MTV Entertainment Studios. Distribuidora: Paramount Pictures. Estreno en España: 26 de junio de 2026. Sinopsis: Quinta entrega de Jackass. Johnny Knoxville y el resto del grupo regresan a la gran pantalla para una última y definitiva aventura. Con acrobacias completamente nuevas, junto a algunos de los momentos más inolvidables y las carcajadas más memorables del pasado, es una celebración salvaje y desenfrenada del espíritu gamberro y la camaradería que han definido a la saga durante más de 25 años.

Morir no siempre sale bien

Dirección: Claudia Pinto. País: España. Año: 2026. Duración: 93 minutos. Género: Comedia. Drama. Comedia negra. Interpretación: Tamara Casellas, Ana Wagener, Juan Carlos Vellido, Pau Durà, Carmen Arrufat, Paula Muñoz, Daniel Pérez Prada, Raúl Prieto, Roberto Hoyo, Jorge Motos. Guion: Claudia Pinto, Luis Moreno. Idea: Luis Moreno. Música: Vanessa Garde. Fotografía: Aitor Echevarría. Productora: Tornasol Media, Voramar Films, Movistar Plus+, Institut Valencià de Cultura, RTVE, À Punt Mèdia. Distribuidora: Karma Films. Estreno en España: 26 de junio de 2026. Sinopsis: Comedia negra de enredo que narra como el marido y el hermano de Rosario se han quedado sin trabajo tras un despido improcedente. Para pagar sus deudas deciden secuestrar el cadáver de su jefe y pedir un rescate. Pero Inés, la adinerada mujer del muerto, y sus hijos tienen otros planes. A pesar de pertenecer a mundos totalmente distintos, ambas familias se verán obligadas a intercambiar mucho más que un cuerpo. Porque… ¿quién dijo que la felicidad era gratis? ¿y qué precio estamos dispuestos a pagar por ella?

Los últimos días de María Antonieta

Título original: Le Déluge. Título alternativo: The Flood. Dirección: Gianluca Jodice. País: Francia. Año: 2024. Duración: 101 minutos. Género: Drama. Drama de época. Siglo XVIII. Histórico. Interpretación: Guillaume Canet, Mélanie Laurent, Aurore Broutin, Hugo Dillon, Fabrizio Rongione, Anouk Darwin Homewood, Vidal Arzoni, Roxane Duran, Tom Hudson, Jean Franco, Thierry Barbet, Christophe Perez. Guion: Filippo Gravino, Gianluca Jodice. Música: Fabio Massimo Capogrosso. Fotografía: Daniele Ciprì. Productora: Coproducción Francia-Italia; Ascent Film, Quad. Distribuidora: Filmax. Premios y nominaciones: Premios David di Donatello (Italia): 3 premios. 4 nominaciones. Estreno en España: 26 de junio de 2026. Sinopsis: La revolución francesa ha estallado. Y el rey Luis XVI, su esposa María Antonieta, los hijos Luis Carlos y María Teresa, y la hermana del monarca, Isabel, son encerrados en la Torre del Temple a las afueras de París, aguardando su trágico destino. Privados de las comodidades y lujo habituales, aprovechan su tiempo como buenamente pueden, mientras quedan claras las diferencias de carácter del rey y su esposa. Él es un hombre piadoso y algo ingenuo en su bondad, mientras que ella es más fría y pragmática, no le ha sido fiel, y le cuesta soportar la resignación del otro.

Pálida luz en las colinas

Título original: Tôi yamanami no hikari. Título alternativo: A Pale View of Hills. Dirección: Kei Ishikawa. País: Japón. Año: 2025. Duración: 123 minutos. Género: Drama. Familia. Años 1950. Años 1960. Años 1970. Años 1980. Interpretación: Suzu Hirose, Fumi Nikaido, Yoh Yoshida, Camilla Aiko, Kohei Matsushita, Tomokazu Miura. Guión: Kei Ishikawa. Argumento: Kazuo Ishiguro (novela). Música: Pawel Mykietyn. Fotografía: Piotr Niemyjski. Productora: Coproducción Japón-Reino Unido-Polonia; Bunbuku, U-Next, Number 9 Films, GAGA, DESMAR, Lava Films. Distribuidora: Selecta Visión, A Contracorriente Films. Premios y nominaciones: Festival de Cannes: Nominada a Un Certain Regard: Mejor película; 2025: Premios British Independent Film Awards (BIFA): 2 nominaciones; Japan Academy Awards: Nominada a mejor actriz. Estreno en España: 26 de junio de 2026. Sinopsis: Sensible historia contada en dos tiempos. En torno a 1955, en la ciudad japonesa de Nagasaki que sufrió la tragedia de la explosión de la bomba atómica, Etsuko está embarazada y espera con ilusión el nacimiento, al tiempo que el marido se muestra a veces distante, y francamente molesto por la visita de su padre, que era maestro en los años de la guerra. Algo ingenua y sin ser capaz de entender que vive nuevos tiempos, Etsuko entabla amistad con una mujer de su edad, Sachiko, madre de una niña algo arisca, Mariko, que vivieron de cerca la catástrofe nuclear. Mientras que en 1982, cerca de Londres, la hija de Etsuko, Niki, visita a su madre viuda con intención de escribir un libro sobre las vivencias de ella en Nagasaki, que desconoce, pues dejaron el país con el marido occidental, siendo ella una niña. En las entrevistas le habla de Sachiko y Mariko, aunque aborda oscuramente y con ambigüedad los motivos por los que dejaron Japón.

Nino

Dirección: Pauline Loquès. País: Francia. Año: 2025. Duración: 96 minutos. Género: Drama. Enfermedad. Interpretación: Théodore Pellerin, William Lebghil, Salomé Dewaels, Jeanne Balibar, Camille Rutherford, Estelle Meyer, Victoire Du Bois, Mathieu Amalric, Maël Besnard. Guion: Pauline Loquès, Maude Ameline. Fotografía: Lucie Baudinaud. Productora: Blue Monday Productions, France 2 Cinema. Distribuidora: Surtsey Films. Premios y nominaciones: Premios César (Francia): 2 premios. 4 nominaciones; Festival de Valladolid - Seminci: Nominada a Premio Punto de Encuentro; Festival de Roma: Gran Premio del Jurado. Estreno en España: 26 de junio de 2026. Sinopsis: El joven Nino Clavel acude un viernes a la consulta médica por una cuestión que considera rutinaria, y se encuentra estupefacto con una doctora que empieza a organizarle sesiones de quimio para el lunes por un cáncer que nadie le ha comunicado. Como puede afectarle a los genitales le recomiendan que antes entregue un frasco con esperma, puede que en el futuro no pueda generar más. Pasa el fin de semana, que coincide con su cumpleaños, incrédulo y en estado de shock, sin atreverse a contarlo a su madre, e interactuando algo confuso con amigos y conocidos, hasta pierde las llaves de su piso y no sabe dónde pernoctar.

La mujer sin nombre

Título original: Al-majhoula. Título alternativo: Unidentified. Dirección: Haifaa Al-Mansour. País: Arabia Saudí. Año: 2025. Duración: 99 minutos. Género: Intriga. Thriller. Crimen. Adolescencia. Maternidad. Interpretación: Mila Al Zahrani, Shafi Al Harthi, Abdullah Al-Qahtani, Aziz Gharbawi, Othoub Sharar, Adwa Alasiri. Guion: Haifaa Al-Mansour, Brad Niemann. Música: Amelia Warner, Sam Thompson. Fotografía: Monty Rowan. Productora: Al Mansour Establishment, Rotana Studios. Distribuidora: Sony Pictures Classics. Estreno en España: 26 de junio de 2026. Sinopsis: El cuerpo sin vida de una adolescente es descubierto en el desierto. Cuando nadie la reclama por miedo a la vergüenza que pueda suponer para su familia, una investigadora novata apasionada de los crímenes reales llamada Noelle se involucra obsesivamente. A pesar del deseo de sus superiores de cerrar el caso y de la resistencia de una sociedad donde las mujeres han aprendido a esconderse para garantizar su seguridad, Noelle está decidida a identificar el cuerpo y descubrir la verdad.