domingo, 3 de julio de 2022

Mujeres de cine: Connie Nielsen

El 3 de julio de 1965 nació en Frederikshavn,  Dinamarca,  Connie Inge-Lise Nielsen más conocida como Connie Nielsen, actriz, bailarina y cantante danesa. Su primer papel importante en una película en inglés fue un papel secundario en El abogado del diablo (The Devil's Advocate, 1997), dirigida por Taylor Hackford,  con Al Pacino, Keanu Reeves y Charlize Theron. 
Sus películas incluyen Soldier (1998), dirigida por Paul W. S. Anderson, con Kurt Russell; Gladiator (2000), dirigida por Ridley Scott y coprotagonizada por Russell Crowe y Joaquin Phoenix; Misión a Marte (Mission to Mars, 2000), dirigida por Brian De Palma; Retratos de una obsesión (One Hour Photo, 2002),  escrita y dirigida por Mark Romanek; Basic (2003), dirigida por John McTiernan; The Hunted (La presa) (The Hunted,  2003), dirigida por William Friedkin; La cosecha de hielo (The Ice Harvest, 2005), dirigida por Harold Ramis, y Nymphomaniac (2014), escrita y dirigida por Lars von Trier.  
Interpretó a Meredith Kane en la serie de televisión de Starz, Boss (2011-2012) y fue un personaje principal en la segunda temporada de The Following. Protagonizó Tres días para matar (3 Days to Kill, 2014), dirigida por McG, con Kevin Costner. Se unió al Universo extendido de DC, apareciendo como Hippolyta en las películas Wonder Woman (2017), dirigida por Patty Jenkins, Liga de la justicia (Justice League, 2017), de Joss Whedon, Wonder Woman 1984 (2020), de Patty Jenkins y La Liga de la Justicia de Zack Snyder (Zack Snyder's Justice League, 2021), de Zack Snyder.

Cumplió 25 años: Bean: Lo último en cine catastrófico

El 3 de julio de 1997 se estrenó la película británica Bean: Lo último en cine catastrófico (Bean: The Ultimate Disaster Movie), dirigida por Mel Smith e interpretada por Rowan Atkinson, Peter MacNicol, Pamela Reed, Harris Yulin, Burt Reynolds, Peter Egan, John Mills, Tricia Vessey, Johnny Galecki, Sandra Oh, Chris Ellis. Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Polygram Filmed Entertainment, Working Title Films, Tiger Aspect Productions. Duración: 90 minutos. 
Sinopsis argumentalMr. Bean trabaja como vigilante del prestigioso Royal National Gallery. Sus jefes están hartos de él y quieren despedirlo a causa de sus continuas meteduras de pata, pero no pueden hacerlo porque cuenta con la recomendación del director del museo. Para asegurarse de que su incompetencia quede de manifiesto ingenian un plan para enviarle a los Estados Unidos como un experto en arte con el fin de adquirir el cuadro más valioso del mundo.
ComentarioSalto a la pantalla grande del popular cómico británico, después de triunfar en televisión. Rowan Atkinson, el principal motor de la película, desarrolla una trama esquemática y sólida a la vez, que sostiene bien los gags, francamente divertidos. Algún pasaje, más grosero, lo salva, en parte al menos, la candidez del personaje protagonista. Como en la serie televisiva, el actor basa su humor en la expresión corporal y gestual de un personaje torpón, al estilo de Peter Sellers y de los modelos clásicos del cine cómico mudo. De todos modos, cierto temor a la respuesta que podía tener una película sin diálogos –recuérdese el fracaso de Palace, película muda de Tricicle– lleva a introducir algunos para hacerlo digerible a un público amplio.

Hace 100 años: La Traviata

En julio de 1922 se estrenó la película británica La Traviatadirigida por Challis Sanderson e interpretada por Clive Brook, Thelma Murray. Productora: Master Fiulms. 
Sinopsis argumentalVioleta, una cortesana enferma de tuberculosis, abandona su vida de lujo y lujuria por amor a un joven noble con quien se retira a vivir en el campo. Pero el padre de Alfredo le comenta a Violeta que el futuro de su hijo y la suerte de su hermana han sido destruidas por su conexión con ella (su reputación como cortesana compromete el nombre Germont). Violeta escucha, con un creciente remordimiento, las patéticas palabras del señor Germont y decide abandonar a su amado, poniendo como excusa su deseo de regresar a su antigua y libertina existencia. Entonces, en una fiesta, Alfredo la confronta y la deshonra tirándole dinero que dice le debe por los servicios prestados mientras vivieron juntos. Violeta se desmaya abrumada por la enfermedad y la pena. Meses después, cuando Alfredo se entera de todo, corre a pedir perdón por haberla despreciado y abandonado, pero la enfermedad de la joven ya estaba demasiado avanzada. Ella muere en sus brazos.
ComentarioLa traviata es la primera adaptación cinematográfica de la ópera homónima de Giuseppe Verdi. El guion se basa tanto en el libreto de Francesco Maria Piave como en la novela La dama de las camelias de Alejandro Dumas, en la que se basa dicho libreto.

sábado, 2 de julio de 2022

Cumplió 25 años: Por rumbas y a lo loco

El 2 de julio de 1997 se estrenó la película estadounidense Por rumbas y a lo loco (Out to Sea), dirigida por Martha Coolidge e interpretada por Jack Lemmon, Walter Matthau, Dyan Cannon, Gloria DeHaven, Brent Spiner, Elaine Stritch, Donald O´Connor, Estelle Harris, Joe Viterelli. Productora: 20th Century Fox. Duración: 106 minutos. 
Sinopsis argumentalCharlie es un jugador nato que disfruta con el juego y vive permanentemente en bancarrota. Tras un nuevo descalabro, convence a su cuñado para embarcarse en un crucero con el fin de conseguir los favores de alguna mujer rica y solitaria.
ComentarioLa directora Martha Coolidge tuvo la suerte de dirigir por última vez a la mítica pareja formada por Walter Matthau y Jack Lemmon, en una historia de pícaros, juego y amistad. Comedia desenfadada, Por rumbas y a lo loco"supone el postrero encuentro entre estos dos grandes nombres de la historia del cine, que morirían muy pocos años después. En todo caso, una cinta agradable de ver que, pese a su buen planteamiento y su reparto, no llegó a estrenarse en las pantallas españolas.

Efemérides de cine: Los cuentos de Canterbury

El 2 de julio de 1972 se estrenó la película italiana Los cuentos de Canterbury (I racconti di Canterbury), dirigida por Pier Paolo Pasolini e interpretada por Franco Citti, Ninetto Davoli, Laura Betti, Josephine Chaplin, Pier Paolo Pasolini, J.P. Van Dyne, Derek Deadman, Hugh Griffith, Tom Baker. Productora: Coproducción Italia-Francia; Produzioni Europee Associati. Duración: 106 minutos. 
Sinopsis argumentalUn grupo de peregrinos que van a Canterbury se entretienen narrando cuentos: el joven Nicola conquista a la mujer de un rico leñador aprovechando su superstición; dos estudiantes se vengan de un molinero que roba harina a sus clientes; el inocente Perkin es expulsado de su pueblo y acaba arruinado; una insaciable viuda de Bath destruye con su fogosidad a sus maridos para heredar sus bienes; un rico y anciano solterón decide casarse con la jovencísima Maggio, que lo traiciona con un hermoso joven. Mientras tanto, un escribiente toma nota de los sucesos, analizando con humor e ironía las debilidades humanas.
Nominaciones y premiosFestival de Berlín: Oso de Oro.
ComentarioSegundo largometraje de los tres que conforman la llamada Trilogía de la Vida de Pasolini (completada con El Decamerón y Las mil y una noches). Dicha trilogía representa una excepción en la trayectoria del director italiano, ya que está exenta de su trágica visión sobre la vida y destila un optimismo inédito en él. A lo largo de su obra, Pier Paolo Pasolini, considerado uno de los más polémicos directores, intentó, con osadía casi blasfema, reconciliar su lealtad hacia Marx, Freud y Jesucristo. Los cuentos de Canterbury, peculiar adaptación de la obra de Sir Geoffrey Chaucer, resulta un tanto ofensiva y gráficamente sádica, aunque estas características son una constante en el cine de Pasolini. Curiosamente, el realizador interpreta en la película el papel de Chaucer.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCXXVII)

El amigo americano (Der Amerikanische Freund, 1977), de Wim Wenders

El marchante americano Tom Ripley (Hopper) intenta poner a prueba la integridad de Jonatham Zimmermann, un humilde fabricante de marcos (Bruno Ganz) que padece una enfermedad terminal. Ripley le presenta a un gánster que le ofrece mucho dinero a cambio de que trabaje para él como asesino a sueldo. En un principio rechaza la oferta, pero, al pensar en el precario futuro que espera a su mujer y a su hijo después de su muerte, acaba aceptando el trato. Fue la película que convirtió a Wim Wenders en director estrella de los espectadores modernos de todo el mundo. Obra de Wim Wenders  que se enmarca dentro de lo que se ha denominado ‘nuevo cine alemán’, del que sobresale como una de las producciones más exitosas. En ella, Wenders ya plasma su sello de autor y despliega algunos de los temas característicos de su filmografía. El tema de la amistad y de la soledad o el paisaje urbano, que le sirve para crear un clima de frialdad, desarraigo e impersonalidad, son algunos ejemplos. El amigo americano es una adaptación de una novela de Patricia Highsmith, al igual que las más recientes El talento de Mr. Ripley (The Talented Mr. Ripley, 1999), de Anthony Minghella, o El juego de Ripley (Ripley's Game, 2002), de Liliana Cavani, En la versión de Wenders, algunos han visto una metáfora de la relación existente entre Hollywood y la cultura alemana de posguerra. De ahí los ‘cameos’ de directores como Nicholas Ray o Samuel Fuller.

viernes, 1 de julio de 2022

Películas de la semana: 1 de julio

Mamá no enRedes

Dirección: Daniela Féjerman. País: España. Año: 2022. Duración: 112 minutos. Género: Comedia. Redes sociales. Familia. Interpretación: Malena Alterio, Eva Ugarte, Antonio Pagudo, Sofía Oria, Óscar Ortuño, Juan Grandinetti, Ben Temple, Antonio Garrido, María Castro. Guion: Daniela Féjerman. Fotografía: Juan Carlos Gómez. Productora: Tornasol Films, Bowfinger International Pictures, EnBabia Films, RTVE, Movistar Plus+. Estreno en España: 1 de julio de 2022. Sinopsis: Clara, madre de dos adolescentes, es una mujer abierta a nuevas experiencias que decide crearse un perfil en TILINK, una app de citas. ¿Qué pasa por la mente de un veinteañero cuando se encuentra el perfil de su propia madre en Tilink, la aplicación de citas de moda? Sí, su madre aún es joven. Sí, está divorciada de su padre y tiene derecho a rehacer su vida, pero... ¿no sabe lo que es Tilink? Allí sólo hay salidos que la van a utilizar para luego dejarla tirada, francotiradores del sexo... como él mismo. Dani y su hermana Milena se embarcarán en la delirante aventura de boicotear los ligues de su madre, e irán a saco cuando la mujer inicie una relación más seria con un yogurín argentino, convencidos de que sólo la va a hacer sufrir. Sólo que las estrategias de los hermanos tendrán el efecto opuesto al deseado, cada vez habrá más hombres en la vida de su madre y nada saldrá como ellos esperan.

Mis queridísimos hijos 

Título original: Mes très chers enfants. Dirección: Alexandra Leclère. País: Francia. Año: 2021. Duración: 95 minutos. Género: Comedia. Familia. Navidad. Interpretación: Josiane Balasko, Didier Bourdon, Marilou Berry, Cédric Ben Abdallah, Laurent Stocker, Esteban, Joséphine de Meaux, Lise Lamétrie. Guion: Alexandra Leclère. Diálogos: Alexandra Leclère. Fotografía: Jean-Marc Fabre. Productora: France 2 Cinema, OCS, France Télévision, Les Films Du Premier. Estreno en España: 1 de julio de 2022. Sinopsis: Chantal y Christian viven una jubilación tranquila. Pero desde que sus hijos Sandrine y Stéphane se independizaron, no se sabe mucho de ellos. y las oportunidades de reunirse todos juntos son cada vez más escasas. Cuando los hijos anuncian que no vendrán a celebrar la Navidad, Chantal y Christian estallan. Por este motivo traman un plan: deciden hacerles creer que les ha tocado la lotería, en un intento desesperado de recuperarlos. Sin embargo, esta mentira podría costarles muy caro. Simpática comedia francesa que explota una vez más la cuestión de las relaciones familiares, con un tono ligero y haciendo hincapié en los saltos generacionales y los intereses, carencias y mezquindades que van surgiendo en el seno de la familia con el paso del tiempo.

Sinjar

Dirección: Anna Bofarull. País: España. Año: 2022. Duración: 127 minutos. Género: Drama. Interpretación: Nora Navas, Halima Ilter, Iman Ido Koro, Guim Puig, Mouafaq Rushdie, Luisa Gavasa, Franz Harram, Àlex Casanovas, Hennan Bereket, Samia Naif, Mercè Rovira. Guion: Anna Bofarull. Música: Gerard Pastor. Fotografía: Lara Vilanova. Productora: Genius at Large, KaBoGa. Distribuidora: Filmax. Estreno en España: 1 de julio de 2022. Sinopsis: En Barcelona, Carlota emprende desesperadamente la búsqueda de Marc, su hijo adolescente que ha huido de casa sin dejar rastro. A miles de kilómetros, Sinjar, la región situada en la frontera entre Irak y Siria, vive bajo la amenaza de la guerra. Allí, Hadia es obligada a vivir como esclava junto a tres de sus hijos al servicio de una familia. En cambio, Arjin consigue escapar del cautiverio y, en su intento de regresar a casa, termina uniéndose a las milicias kurdas. Tres mujeres separadas de sus seres queridos. ¿Hasta dónde estarán dispuestas a llegar para recuperarlos? Tercer largometraje de Anna Bofarull. Una película sobre el dolor causado por el Estado islámico a las mujeres.  

La isla de Bergman

Título original: Bergman Island. Dirección: Mia Hansen-Løve. País: Francia. Año: 2021. Duración: 112 minutos. Género: Drama. Cine dentro del cine. Interpretación: Vicky Krieps, Tim Roth, Mia Wasikowska, Anders Danielsen Lie, Joel Spira, Oscar Reis, Jonas Larsson Grönström, Clara Strauch, Wouter Hendrickx, Gabe Klinger, Teodor Abreu, Felix Berg, Grace Delrue, Matthew Lessner, Kerstin Brunnberg. Guion: Mia Hansen-Løve. Música: Raphael Hamburger. Fotografía: Denis Lenoir. Productora: Coproducción Francia-Alemania-Bélgica-Suecia; arte France Cinéma, CG Cinéma, Dauphin Films, Neue Bioskop Film, Piano Producciones, RT Features, Scope Pictures, Film Capital Stockholm, Plattform Produktion, Swedish Television. Estreno en España: 1 de julio de 2022. Sinopsis: Pocos territorios tan asociados al paisaje artístico y biográfico de un cineasta como Fårö, la isla sueca donde Ingmar Bergman rodó buena parte de su filmografía y estableció su residencia. Hasta allí peregrinan Tony (Tim Roth) y Chris (Vicky Krieps), un matrimonio de cineastas, él más veterano y reconocido, ella con una carrera en ciernes. Como tantas películas del maestro sueco, La isla de Bergman arranca como una deliciosa comedia sentimental veraniega para acabar componiendo un juego metafílmico de amplias resonancias que abarca desde los múltiples legados del director hasta los retos específicos de una mujer aspirante a cineasta.

Mi mejor amigo

Título original: Okul Tıraşı. Dirección: Ferit Karahan. País: Turquía. Año: 2021. Duración: 85 minutos. Género: Drama. Amistad. Infancia. Enfermedad. Interpretación: Samet Yildiz, Ekin Koç, Mahir Ipek, Melih Selcuk, Cansu Firinci, Nurullah Alaca, Münir Can Cindoruk, Dilan Parlak, Ertan Gul, Umit Bayram, Mustafa Halli, Tekin Bulut, Nedim Salman, Mert Hazir, Siddik Salaz. Guion: Gülistan Acet, Ferit Karahan. Fotografía: Türksoy Gölebeyi. Productora: Coproducción Turquía-Rumanía; Asteros Film, Flama Booking. Distribuidora: IntraMovies. Premios y nominaciones: Chicago Film Festival: New Directors Competition - Gold Hugo mejor película. Estreno en España: 1 de julio de 2022. Sinopsis: Los alumnos que estudian en el internado de la historia se ven aplastados por la presión y la disciplina impuestas en el centro. Un día, uno de los alumnos enferma y su amigo Yusuf, que no puede permanecer indiferente, decide llevarlo al médico. Sin embargo, se encuentra con una serie de obstáculos: para conseguir trasladarle, el niño tiene que luchar con la burocracia de la escuela, la actitud insensible de la administración, las difíciles condiciones geográficas del lugar donde viven y muchos otros problemas. Segunda película de  Ferit Karahan, en la que expone con una situación específica, el maltrato y la desidia de los niños kurdos en un internado de Anatolia.

Pijamas espaciales

Dirección: Clara Martínez-Lázaro. País: España. Año: 2022. Duración: 80 minutos. Género: Comedia. Interpretación: Mariona Terés, David Pareja, Nacho López, Isa Montalbán, Borja Sumozas, Virginia Riezu, Roberto da Silva. Guion: Clara Martínez-Lázaro. Música: Juan Carlos Cuello. Fotografía: Samuel Rojo. Productora: Kaplan S.A, Elamedia Estudios. Estreno en España: 1 de julio de 2022. Sinopsis: Darío no se toma muy en serio su relación con Marta hasta que una noche se encuentran viviendo otras vidas en las que su romance corre serio peligro ¿Podrán prometerse amor eterno mientras huyen de nuevas tentaciones? Por muy lejos que vayan, en el espacio también hay Tinder. Disecciona la relación de una pareja a través de los sueños que los dos personajes tienen una noche después de una pelea. Tras debutar detrás de las cámaras con el cortometraje Mirabilis (2015) y consagrarse con su debut en el largometraje, Hacerse mayor y otros problemas (2018), Clara Martínez-Lázaro continúa explorando los absurdos límites del amor en su segunda película. una comedia bastante romántica, pero a ratos un poco surrealista y fantasiosa.

A diente de perro

Dirección: José Luis Estañ. País: España. Año: 2021. Duración: 75 minutos. Género: Drama. Thriller. Acción. Interpretación: Miguel Ángel Puro, Allende García, Pablo Tercero, Mar Balaguer, Resu Morales, Vicente Rodado, Roque Arronis, Sergio López, José Fernández, Manuel Menárguez, Oti Manzano, Patricia Giménez, Dolores Calatayud. Guion: José Luis Estañ, Miguel Ángel Puro, Iván Émery. Música: Luismi Glez Bedmar. Fotografía: Iván Émery. Productora: Caballo Films, Trilita Films, Twin Freaks Studio S.C. Estreno en España: 1 de julio de 2022. Sinopsis: En un prólogo adrenalínico, Darío Manzano, el joven protagonista, se entera de que sus colegas han dado el palo a los capos de la droga para los que trabajan. Es el desencadenante de una espiral de situaciones fatídicas que le obligarán a luchar, a contrarreloj, por su supervivencia y la de su familia. Estañ retrata los ambientes más populares y vulnerables que se mueven en torno al menudeo de droga en una película vibrante y cargada de tensión del primer al último minuto. Primer largometraje de José Luis Stañ, una nueva muestra de la Edad de oro que está viviendo el thriller en España.

Cantando en las azoteas

DirecciónEnric Ribes. PaísEspaña. Año2022. Duración72 minutos. Género: Documental. Transexualidad. Transgénero. RepartoDocumental, Gilda Love, Chloe Romero. GuionEnric Ribes, Xènia Puiggrós, Isa Campo. FotografíaAnna Franquesa Solano. ProductoraInicia Films, ICAA, Institut Català de les Empreses Culturals, TV3. Estreno en España: 1 de julio de 2022. SinopsisLa película documental Cantando en las azoteas narra la historia de la drag queen Gilda Love, en pleno Raval barcelonés. A sus 95 años, la protagonista trata de seguir al pie de los escenarios y mantener su espíritu jovial. Cada noche sigue subiendo a la azotea para sentirse la estrella que siempre ha sido y dar el mejor de sus espectáculos. A través de los ojos de Gilda y su historia, el director Enric Ribes, trata de retratar el ambiente y espíritu liberador que se vivió en los años 1970 y 1980 en el conocido barrio chino barcelonés de la época. Première en el Festival Internacional de Cine de Autor de Barcelona (D'A). El director, Enric Ribes descubrió en el personaje de Gilda y realizó el cortometraje de Cantando en las azoteas pero sentía que la pieza visual se le había quedado corta y que la historia de Gilda Love podía convertirse en un homenaje a ese barrio chino de Jean Genet o de Manuel Vázquez Montalbán, un espacio único en que el que se podía, de verdad, ser.

Minions: El origen de Gru

Título originalMinions: The Rise of GruDirección: Kyle Balda, Brad Ableson, Jonathan del Val. PaísEstados Unidos. Año: 2022. Duración: 90 minutos. Género: Animación. Comedia. Aventuras. Secuela. 3-D. Cine familiar. Reparto: Animación. Guion: Matthew Fogel, Brian Lynch. Personaje: Cinco Paul. MúsicaHeitor Pereira. FotografíaAnimación. ProductoraIllumination Entertainment, Universal Pictures. Estreno en España: 1 de julio de 2022. SinopsisSon los años 70 y Gru crece en un barrio residencial, en pleno boom de los peinados cardados y los pantalones de campana. Como fan incondicional de un famoso supergrupo de villanos, 'Los salvajes seis', Gru idea un plan para demostrarles que es lo suficientemente malvado como para trabajar con ellos. Por suerte, cuenta con la ayuda de sus fieles seguidores, los Minions, siempre dispuestos a sembrar el caos. Juntos, Kevin, Stuart, Bob, y Otto -un nuevo Minion con aparato en los dientes y desesperado por sentirse aceptado- desplegarán su potencial para construir junto a Gru su primera guarida, experimentar con sus primeras armas y llevar a cabo sus primeras misiones. Secuela de "Los Minions".

Mujeres de cine: Verónica Sánchez Calderón

El 1 de julio de 1977 nace en Sevilla, Verónica Sánchez Calderón, es una actriz de cine, teatro y televisión española conocida principalmente por sus interpretaciones en las series de televisión Los Serrano (2003-2006) como Eva Capdevila, Sin identidad (2014-2015) como Amparo Duque, El embarcadero (2019-2020) como Alejandra Leiva y Sky Rojo (2021) como Coral. 
Además de haber recibido tres nominaciones en los Premios Goya por sus papeles en las películas Al sur de Granada (2003), de Fernando Colomo, donde interpretaba a Juliana, una joven que queda embarazada del escritor Gerald Brenan (interpretado por Matthew Goode), dirigida por Jorge Coira; Camarón (2005), dirigida por Jaime Chávarri, biografía cinematográfica de Camarón de la Isla, cantaor español gitano de flamenco nacido en 1950 y fallecido en 1992; y Gordos (2009), dirigida por Daniel Sánchez Arévalo, en la que se relatan cinco historias que giran en torno a la obesidad, con un entorno común: un grupo de terapia.

Efemérides de cine: La duda

El 1 de julio de 1972 se estrenó la película española La duda, dirigida por Rafael Gil e interpretada por Fernando Rey, Analía Gadé, José Ángel Espinosa 'Ferrusquilla', Ángel del Pozo, Rafael Alonso, José María Seoane, Cándida Losada, Mabel Karr, José Franco, Gabriel Llopart, Pilar Bardem. Productora: Coral P.C. Duración: 92 minutos.
Sinopsis argumental: Don Rodrigo (Fernando Rey), un noble que ha emigrado a América, regresa a España al enterarse de la muerte de su hijo. El conde vuelve a la que un día fuera su casa y ahora es propiedad de su nuera. Cuando se entera de que su hijo estaba separado de su mujer y que una de sus nietas no es hija de él, se obsesiona por descubrir cuál de las dos es su nieta legítima...
Nominaciones y premiosSan Sebastián: Concha de Plata al Mejor actor (Fernando Rey). 
Comentario:  Adaptación de El abuelo, una novela de Pérez Galdós que ya había sido llevada al cine por José Busch en 1925. En 1998, hizo una nueva versión José Luis Garci. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: La muchacha del arrabal

En julio de 1922 se estrenó la película argentina La muchacha del arrabaldirigida por José Agustín Ferreyra e interpretada por Lidia Liss, Elena Guido, Jorge Lafuente, Ángel Boyano, Carlos Lassalle, Carlos Dux. Productora: Tykca Film. 
Sinopsis argumentalUn joven pintor que frecuenta los barrios pobres buscando motivos para sus obras se convierte en el amante de una cantante-prostituta.
ComentarioAl estrenarse el filme se ensayó acompañar musicalmente el filme con la ejecución del tango La muchacha del arrabal que lleva letra de Ferreyra y Leopoldo Torres Ríos y música de Roberto Firpo, realizada por la orquesta de este último ubicada en el foso del escenario. En 1923 este tango fue grabado por Carlos Gardel.

jueves, 30 de junio de 2022

Noticias de libro: Telegramas cinéfilos

Telegramas cinéfilos

José Luis Garci
Reino de Cordelia
Madrid
2022
216 págs.
Prólogo de Jesús García Calero
Durante cincuenta semanas, José Luis Garci ha ido publicando Telegramas cinéfilos en el ABC Cultural sobre esquinas y rincones poco visitados: los cameramans, los músicos de bandas sonoras, los diseñadores gráficos de carteles y títulos de crédito, los especialistas españoles que se han jugado la vida en los spaghetti westerns, las grandes guionistas de Hollywood que han caído en el olvido o la filmografía de Fernando Fernán Gómez como director. Tampoco se le han pasado los besos de cine, la carrera como actor del gran Frank Sinatra o la risa provocada por los Hermanos Marx, Charlot, el Gordo y el Flaco, Woody Allen... y tantos otros genios dedicados a la comedia, género poco valorado que ha dado joyas como Con faldas y a lo loco. Un viaje apasionante por la vida reflejada a través de lo que él llama la «sábana santa».
José Luis Garci ganador del primer Oscar para una película en lengua española, Volver a empezar, guionista de La cabina (Antonio Mercero), también primer y único Emmy obtenido hasta hoy, por la televisión en España; ganador asimismo del Goya al Mejor Director y del Premio Nacional de Cinematografía (sus películas han sido cuatro veces nominadas por la Academia de Hollywood), también es Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Como escritor, Garci ha conseguido los premios Puerta de Oro de relatos, Clarín, Pluma de Plata, Nueva Dimensión, y así como el Mariano de Cavia, el González-Ruano y el Continente de Periodismo. Entre sus libros, destacan Ray Bradbury, humanista del futuro, Morir de cine, Beber de cine, Noir, Las siete maravillas del cine, Campo del Gas, Insert Coin, A este lado del gallinero, El toque Lutitsch y otros roces o Robín de los Bosques. Y entre su filmografía sobresalen Asignatura pendiente, la trilogía de El crack, Canción de cuna, El abuelo, You’re the one o Tiovivo c. 1950. Por sus colaboraciones radiofónicas ha sido galardonado con dos Antenas de Oro y el Premio Ojo Crítico de Radio Nacional de España.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCXXVI)

Cabeza borradora (Eraserhead, 1977), de David Lynch

Henry Spencer, un joven depresivo y asustadizo, sufre desde pequeño unas extrañas pesadillas de las que intenta liberarse a través de su imaginación. Un día, su amiga Mary lo invita a cenar a casa; se entera entonces de que ha sido padre de un bebé prematuro y no humano. Mary y el extraño bebé se instalan en casa de Henry, donde un escenario iluminado tras el radiador muestra la presencia de una mujer. 
Aunque en cierto modo podría decirse que todo el cine de Lynch respira la esencia de las películas de culto, pocas encajan en la categoría mejor que Cabeza borradora, aún hoy la más extraña, sugerente y terroríficas de sus invenciones. Fue su opera prima y, como tantas otras de esta lista, fue recibida entre la más absoluta indiferencia, pero los pases de madrugada y el boca-oreja la convirtieron en el clásico reconocido del cine extraño que es hoy, hasta el punto que figura en la Librería del Congreso de los Estados Unidos por su importancia histórica. Lo curioso es que la película, pese a lo críptico de sus imágenes, posee una serie de iconos reconocibles que se han convertido en parte indisociable de la cultura moderna: la chica del radiador y su irrepetible nana sobre cómo en el cielo todo va bien, el pelo de Jack Nance, el bebé deforme, los exteriores de fábricas en corrosivo blanco y negro... una mezcla intuitiva y muy estética de simbología post-industrial y enigma irresoluble que han reforzado su categoría de obra maestra del cine de culto durante todos estos años. David Lynch debutó en la dirección de su primera película con esta historia donde también se encargó del guion, producción, montaje y decoración. La película es una historia surrealista donde lo onírico y fantástico se mezcla con el terror y la angustia. Atmósfera conseguida de este controvertido director que sorprende con los estilos tan variados de cada una de sus películas.

miércoles, 29 de junio de 2022

Mujeres de cine: Katherine Hepburn

El 29 de junio de 2003 fallece en Fenwick, Katharine Houghton Hepburn, más conocida como Katherine Hepburn, actriz estadounidense. Conocida por su fuerte independencia y personalidad enérgica, fue una primera actriz en Hollywood durante más de sesenta años. Intervino en una variedad de géneros que van desde la comedia alocada a dramas basados en obras literarias y recibió cuatro premios Oscar a la mejor actriz, un récord no superado por ningún intérprete hasta la fecha.​ Es uno de los grandes mitos femeninos de la historia del cine. En 1999, Hepburn fue nombrada por el American Film Institute como la mayor estrella femenina de la historia de Hollywood.
Criada en Connecticut por padres reformistas y de clase alta, Hepburn comenzó a actuar mientras estudiaba en el Bryn Mawr College.​ Tras cuatro años en el teatro, las críticas favorables de su labor en Broadway llamaron la atención de Hollywood. Sus primeros años en la industria del cine estuvieron marcados por el éxito e incluso recibió un premio de la Academia por su tercera película, Gloria de un día (Morning Glory, 1933), dirigida por Lowell Sherman, aunque a esta le siguieron una serie de fracasos comerciales que la llevaron a ser calificada como «veneno de taquilla» en 1938.​ Hepburn planeó su regreso al comprar la cancelación de parte de su contrato con RKO Radio Pictures y adquirir los derechos cinematográficos de Historia de Filadelfia (The Philadelphia Story, 1940), de George Cukor, que vendió a condición de ser la protagonista.​ En la década de 1940 fue contratada por la Metro-Goldwyn-Mayer, donde su carrera se centró en un dúo con Spencer Tracy. La asociación de ambos en pantalla siguió durante 25 años y produjo nueve películas.
Cary Grant, Katherine Hepburn y James Stewart en Historias de Filadelfia (1940)
Hepburn se desafió en la segunda mitad de su vida cuando apareció regularmente en producciones teatrales de Shakespeare y abordó una amplia gama de papeles de obras literarias.​ Encontró un lugar propio recreando a solteronas de mediana edad. como en La reina de África (The African Queen, 1951), que tuvieron aceptación entre el público.​ Recibió tres premios más de la Academia por su trabajo en Adivina quién viene esta noche (Guess Who's Coming to Dinner, 1967), de Stanley Kramer; El león en invierno (The Lion in Winter, 1968), de Anthony Harvey, y En el estanque dorado (On Golden Pond, 1981), de Mark Rydell. 
Henry Fonda y Katherine Hepburn en En el estanque dorado (1981)
En la década de 1970, comenzó a participar en películas para televisión, que se convirtieron en el foco central de su carrera en su vejez. Se mantuvo activa en el final de su vida y se retiró en 1994 a los 87 años. Tras un período de inactividad y mala salud, Hepburn murió en 2003 a la edad de 96 años.
Fue reconocida por rechazar el sistema publicitario de Hollywood y por negarse a cumplir con las expectativas que la sociedad tenía para con las mujeres.​ Cuando era joven, se casó con Ludlow O. Smith pero después de su divorcio, vivió sola el resto de su vida aunque mantuvo un romance oculto de 26 años con su coestrella Spencer Tracy.​ Con su estilo de vida poco común y los personajes seguros de sí mismos que interpretó en la pantalla, Hepburn personificó a la «mujer moderna» en los Estados Unidos del siglo XX y es recordada como una importante figura cultural.

Efemérides de cine: El candidato

El 29 de junio de 1972 se estrenó la película estadounidense El candidato (The Candidate), dirigida por Michael Ritchie con Robert Redford, Peter Boyle, Melvyn Douglas, Don Porter, Allen Garfield, Karen Carlson, Barry Sullivan. Productora: Warner Bros. Duración: 109 minutos. 
Sinopsis argumentalCuando, en 1972, Richard Nixon está a punto de ser reelegido, otro candidato está empezando a aprender que lo único que cuenta en el mundo de la política es alcanzar el poder. Es un joven abogado idealista que se permite decir lo que piensa, ya que sabe que no tiene ninguna posibilidad de ser elegido.
Nominaciones y premios: Oscar: Mejor guion original; Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guion original drama.
Comentario: Este drama político dirigido por Michael Ritchie contribuyó a acrecentar la fama de Robert Redford, tanto en su faceta de actor como en su imagen de hombre comprometido socialmente. De hecho, fue el mismo Redford quien puso en marcha este proyecto y quien contrató personalmente a Ritchie, ya que ya había trabajado como consejero técnico en varias campañas políticas. El candidato, por el que el periodista Jeremy Larner recibió el Oscar a mejor guion adaptado, tiene cierto aire de documental, ya que describe con minuciosidad como funcionan las elecciones en Estados Unidos. Cabe resaltar la presencia de un buen número de políticos de la época, como los entonces senadores Hubert H. Humphrey o George McGovern, que se interpretan a sí mismos. Además, destaca el 'cameo' de Groucho Marx en la que se convertiría en su última aparición en la gran pantalla. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: La rebelión de los simios

El 29 de junio de 1972 se estrenó la película La rebelión de los simios (29-6-1972), dirigida por J. Lee Thompson e interpretada por Roddy McDowall, Don Murray, Natalie Trundy, Ricardo Montalban,  Hari Rhodes, Severn Darden. Productora: 20th Century Fox. Duración: 85 minutos. 
Sinopsis argumentalEstados Unidos, 1991. Tras una epidemia que mató a todos los gatos y perros de la Tierra, los hombres adoptaron como mascotas a los monos, que acabaron convertidos en sirvientes. Se creó entonces un centro para domesticar a los ejemplares salvajes por medio de la violencia y del electroshock. Armando ha criado en secreto a César, el hijo de dos simios parlantes: Zira y Cornelius. Cuando César comprueba lo que los hombres están haciendo con los de su especie, manifiesta públicamente su desacuerdo y, desde entonces, se ve obligado a ocultarse. Cuando descubre que puede comunicarse con los suyos telepáticamente, empieza a organizar una insurrección: incita a los suyos a la desobediencia general, los arma y comienza a vislumbrar que la inteligencia es poder. 
ComentarioCuarta de las cinco entregas de la saga de los simios y quizás la película más oscura de la serie. Es la cinta que narra como los simios consiguen desbancar a los humanos de la cima de la pirámide evolutiva, pero lo hace incurriendo en una grave paradoja temporal. Con un presupuesto inferior a los dos millones de dólares, recaudó nueve sólo en los Estados Unidos, lo que justificaría el rodaje de una quinta y última entrega. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

martes, 28 de junio de 2022

Efemérides de cine: El Mesías salvaje

El 28 de junio de 1972 se estrenó la película británica El Mesías salvaje (Savage Messiah), dirigida por Ken Russell e interpretada por Dorothy Tutin, Scott Antony, Helen Mirren, Lindsay Kemp, Michael Gough, John Justin, Aubrey Richards, Peter Vaughan, Ben Aris, Eleanor Fazan, Otto Diamant, Imogen Claire, Maggy Maxwell.
Sinopsis argumental: Henri Gaudier, un escultor joven, talentoso y extravagante, conoce a Sophie Brzeska, una mujer veinte años mayor que él. Entre ambos nacerá una atracción que nunca rebasará los límites de lo platónico, pero que marcará de forma decisiva la trayectoria artística y personal de Henri. Juntos se trasladarán de París a Londres, donde él se convertirá en uno de los principales impulsores del Manifiesto Vorticista y en héroe de la Primera Guerra Mundial.
Nominaciones y premios: Premios BAFTA: nominada a mejor actriz (Dorothy Tutin). 
Comentario: Biografía del escultor francés Henri Gaudier a cargo del controvertido director británico Ken Russell, responsable, entre otros trabajos, de la ópera rock "Tommy" del grupo The Who. La película intenta trazar la fina línea que separa la genialidad de la locura, tomando como ejemplo la corta pero intensa vida de Gaudier y haciéndolo a través de una biografía realizada por el escritor H.S. Ede. Como sucede en este tipo de películas, la narración se centra casi exclusivamente en las obsesiones del artista, intentando dar una visión de su mundo personal.

Efemérides de cine: The Happiness Cage

El 28 de junio de 1972 se estrenó la película The Happiness Cage, AKA Mind Snatchers AKA The Demon Within dirigida por Bernard Girard e interpretada por Christopher Walken, Joss Ackland, Ralph Meeker, Claus Nissen, Ronny Cox, Tom Aldredge, Marco St. John. Productora: International Film Ventures Ltd, Latema Film. Duración: 94 minutos. 
Sinopsis argumentalEl doctor Frederick (Joss Ackland) está tratando de encontrar la manera de calmar la naturaleza agresiva de los soldados, para lo que desarrolla un microchip que permite acceder a los centros de placer del cerebro.
ComentarioBasada en la obra de Broadway de larga duración de Dennis Reardon, The Cage of happiness, es un drama acerca de la experimentación médica en los militares de EE.UU.. El experimento es una operación del cerebro que elimina el dolor, la sustitución, ya sea con felicidad o la satisfacción sensual. Empiezan experimentando en pacientes con cáncer terminal, pero finalmente los médicos reciben permiso para probar el procedimiento en un sujeto sano. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCXXV)

Suspiria (1977), de Dario Argento

Suzy Bannion (Jessica Harper), estudiante de ballet estadounidense, llega a la ciudad alemana de Friburgo a fin de perfeccionar sus estudios en la prestigiosa academia Tanz. Coincidiendo con su llegada, una alumna recientemente expulsada, Pat Hingle (Eva Axén), es salvajemente asesinada en el apartamento de una amiga a la que, huyendo de algún grave peligro, había recurrido en busca de ayuda. 
La ingenua Suzy, pronto se percatará del extraño comportamiento del personal de la academia lo que, unido a las terribles muertes que han empezado a sucederse, le hará sospechar que algo siniestro está ocurriendo. Más adelante, su compañera Sarah (Stefania Casini) confirmará sus sospechas al confesarle que la difunta Pat le comentó que conocía un oscuro secreto relacionado con la academia que no llegó a revelarle.. La película es la primera de la trilogía que Argento denomina Las tres madres, que también comprende Inferno (1980) y La terza madre (2007). Suspiria se ha convertido en uno de los largometrajes más exitosos de Argento, recibiendo elogios de la crítica por su estilo visual y estilístico, el uso de colores vibrantes y la música de la banda de rock progresivo Goblin. Suspiria fue candidata a dos Saturn Awards, mejor actriz de reparto para Bennett en 1978, y mejor lanzamiento en DVD de una película clásica, en 2002. Se ha convertido en un clásico de culto, y se reconoce como una película influyente en el género de terror. Fue la inspiración para la película del mismo nombre, dirigida por Luca Guadagnino, estrenada el 1 de septiembre de 2018 en el Festival Internacional de Cine de Venecia.

lunes, 27 de junio de 2022

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCXXIV)

House (Hausu, 1977), de Nobuhiko Ôbayashi

Siete chicas de instituto ven sus vacaciones chafadas cuando su profesor (Kiyohiko Ozaki) tiene que cancelar el viaje que tenía planeado realizar con ellas. Las cosas marchan incluso algo peor para Oshare (Kimiko Ikegami), una de las chicas, ya que recientemente su padre le ha presentado su nueva madastra (Haruko Wanibuchi), lo que no le ha hecho demasiada gracia. Mirando un álbum de fotos, Oshare se encuentra con la foto de boda de su madre a quien se la ve acompañada de su hermana (Yoko Minamida) quien nunca llegó a casarse ya que su prometido murió en la guerra. Oshare se pone en contacto con su tía y ésta la invita a ella y a sus amigas a pasar las vacaciones en su mansión en el campo. Cuando el grupo de chicas se presentan en la mansión, allí las recibe la tía de Oshare en sillas de ruedas y medio ciega. Muy pronto las chicas descubren que la mansión tiene vida propia… La película esta protagoniza en su mayoría por actrices  principiantes, y solo Kimiko Ikegami y Yōko Minamida tenían alguna experiencia interpretativa. El guión se inspiró en parte en Chigumi, la hija de Ôbayashi que entonces tenía 12 años. Ella le contó que tenía miedo de que el espejo que usaba se la comiera. Esta película es el debut como director de  Nobuhiko Ôbayashi.

Historia del cine aleman: Magos de la luz

El período del cine alemán dominado por la UFA destacó sobre todo por la eficiencia técnica de sus estudios. Las producciones se caracterizaban por lo cuidado de sus decorados y por una excelente fotografía en blanco y negro. Los dos directores de fotografía más destacados fueron Fritz Arno Wagner (1899-1958) y Karl Freund (1890-1969), que trabajaron fundamentalmente para la UFA. 
Wagner comenzó como operador de noticiarios, y rodó su primer largometraje en 1919, Der Galeerensträfling. Fue el director de fotografía de películas tan conseguidas del cine mudo como: Las tres luces (Der müde Tod, 1921) y Los espías (Spione, 1928), ambas de Fritz Lang; Nosferatu: una sinfonía del horror (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens, 1922), de F. W. Murnau; Sombras (Schatten 1923), de Arthur Robison; La crónica de Grieshuus (Zur Chronik von Grieshuus, 1925), de Arthur von Gerlach, y El amor de Jeanne Ney (Die Liebe der Jeanne Ney, 1925), de Georg Wilhelm Pabst. Permaneció en Alemania durante todo el III Reich, y trabajó incluso después de la II Guerra Mundial, pero sin demasiadas oportunidades de demostrar su talento. 
Fritz Lang y Fritz Arno Wagner durante un rodaje
Por otro lado, Karl Freund marchó a Hollywood en 1929, tras haber fotografiado titulos clásicos como El Golem (Der Golem, wie er in die Welt kam, 1920), de Paul Wegener y Carl Boese; El último (Der Letzte Mann, 1924) y Tartufo o el hipócrita (Herr Tartüff, 1925), de F. W. Murnau; Varieté (1925), de E. A. Dupont, y Metrópolis (Metropolis, 1927), de Fritz Lang. Freund había comenzado también como operador de noticias y, al igual que Wagner, se especializó en los efectos de claroscuro propios del cine alemán de la época y, sobre todo, de las películas que abordaban temas de misterio y sobrenaturales. 
Karl Freund también durante un rodaje
En el libros de The German Cinema, de Roger Manvell y Heinrich Fraenkel han descrito su trabajo y el Wagner así: "Si cabe definir el arte fotográfico como el plantar una escena con la luz, eso es precisamente lo que hicieron esos dos destacados directores de fotografía, utilizando con mano maestra la combinación de luces altas con zonas de penumbra, construyendo composiciones de luces y sombras, rodeando la imagen de niebla, disolviéndola mediante  sobreimpresiones, convirtiéndola en mágica por medio de las exposiciones múltiples y creando vastas perspectivas dotadas de una altura y profundidad ilusorias mediante el método Scüfftan y otros capaces de combinar maquetas con decorados a tamaño real. Suyas fueron la habilidad técnica y artística que permitieron reflejar bi-dimensionales, en blanco y negro, en luces y sombras, en niebla e iluminación, las visiones imaginarias de directores tan diferentes como Lang y Pabst, Wiene y Murnau, así como de los hombres que diseñaron y construyeron sus magníficos y expresivos decorados".
Los directores de fotografía alemanes (especialmente Freund) utilizaron mucho los efectos especiales durante toda la década de los años 1920 (con la ayuda de los decoradores), incluyendo las maquetas y los trucos de fotografía. El procedimiento más célebre de la época era el llamado Schüfftan, que ahorro millones de marcos en los costos de producción. Fue obra del director de fotografía Wugen Schüfftan (1893-1977). Se basaba en la utilización de un espejo inclinado para reflejar la imagen la fotográfica de una representación en miniatura de la parte superior de un gran plató, uniéndola luego con la estructura a escala real del suelo del mismo, que representaba sólo la parte inferior del decorado en el que actuaba realmente los intérpretes. Esta área, en la que transcurría la acción, era fotografiada por el operador a través del cristal de un espejo que, desprovisto de su azogue, permitía que la parte inferior del decorado a escala real se uniese sin solución de continuidad con la imagen reflejada y colocada encima de la misma, Freund utilizó mucho este procedimiento en el rodaje de Metrópolis
Louise Rainer y Paul Muni en La buena tierra (1937)
En Estados Unidos, Freund continuo creando memorables imágenes cinematográficas para Drácula (Dracula, 1931), La buena tierra (The Good Earth, 1937), por la que obtuvo el Oscar de la Academia, y Cayo Largo (Key Largo, 1948), aparte de dirigir La momia (The Mummy, 1932), Las manos de Orlac (Mad Love (The Hands of Orlac), 1935)  y otras películas. 

domingo, 26 de junio de 2022

Mujeres de cine: Viola Dana

El 26 de junio de 1897 nació en Brooklyn, Nueva York, Viola Dana ( su verdadero nombre era Virginia Flugrath), actriz cinematográfica estadounidense que destacó principalmente en la época del cine mudo.
Dana fue una niña actriz, apareciendo en escena con tan solo tres años de edad. Era lectora de Shakespeare y se encontraba particularmente identificada con la adolescente Julieta. Con 16 años participó en la producción de David Belasco Poor Little Rich Girl. Posteriormente actuó en el vodevil junto a Dustin Farnum en The Little Rebel, además de hacer un pequeño papel en The Model, de Augustus Thomas.
Dana se inició en el cine en 1910. Su primera película se rodó en Manhattan, convirtiéndose en una estrella de los Estudios Edison. Allí se enamoró de John Hancock Collins, director de la plantilla del estudio, con el cual se casó en 1915. El éxito de Dana en películas de Collins como Los hijos de Eva (Children of Eve, 1915) y The Cossack Whip (1916) hizo que el productor B. A. Rolfe ofreciera a la pareja unos lucrativos contratos con su compañía, Rolfe Photoplays, la cual estrenaba con el sello de Metro Pictures. Dana y Collins aceptaron la oferta de Rolfe en 1916, rodando varias películas de importancia, destacando entre ellas The Girl Without A Soul y Blue Jeans (ambas de 1917). Rolfe cerró su estudio neoyorquino ante la epidemia de gripe de 1918, mandando a la mayor parte de su personal a California. Dana dejó Nueva York antes que Collins, que debía finalizar su trabajo en el estudio. Sin embargo, Collins contrajo la gripe, que se complicó con una neumonía y que le produjo la muerte el 23 de octubre de 1918.
Viola Dana continuó actuando para Metro Pictures en California y en 1920 inició una relación sentimental con Ormer Locklear, aviador y antiguo militar. Locklear falleció al estrellarse su avión el 2 de agosto de 1920, durante una filmación nocturna. Dana fue testigo del accidente y a consecuencia de ello, estuvo 25 años sin volar.
Dana siguió actuando en la década de 1920, pero su popularidad declinaba. Uno de sus últimos papeles de importancia llegó con el primer film de Frank Capra para Columbia Pictures, Como se corta el jamón (That Certain Thing, 1928). Ella se retiró del cine en 1929. Sus últimos trabajos fueron para las producciones Two Sisters (1929), One Splendid Hour (1929), y El show de los shows (The Show of Shows, 1929), junto a su hermana Shirley Mason. A lo largo de su carrera trabajó en un total de más de 100 películas. Más de cincuenta años tras retirarse, Dana apareció en el documental Hollywood (1980) hablando sobre su carrera como estrella del cine mudo.
Dana se casó por última vez en 1930, con el jugador de golf Jimmy Thomson, en un matrimonio que acabó en divorcio en 1945.
Viola Dana falleció en 1987 en Woodland Hills (Los Ángeles), California, a causa de un fallo cardiaco. Tenía 90 años de edad. Fue enterrada en el Cementerio Hollywood Forever de Hollywood.

Efemérides de cine: Drácula 73

El 26 de junio de 1972 se estrenó la película británica Drácula 73 (Drácula 72)  (Dracula A.D. 1972, 1972), dirigida por Alan Gibson e interpretada por Christopher Lee, Peter Cushing, Stephanie Beacham, Christopher Neame, Michael Coles, William Ellis, Marsha Hunt, Janet Key, Philip Miller, Michael Kitchen, David Andrews, Caroline Munro, Lally Bowers. Productora: Hammer Productions. Duración: 100 minutos. 
Sinopsis argumentalLondres, años 1970. Johnny Alucard, un discípulo de Drácula, organiza una ceremonia de magia negra en un desolado cementerio para resucitar al siniestro Conde. Entre las víctimas que Alucard atrae al cementerio está Jessica Van Helsing, nieta del más famoso cazador de vampiros de todos los tiempos. Su abuelo intentará salvarla utilizando todos los recursos necesarios para atrapar y destruir a Drácula.
Comentario: Sexta película de la saga del conde Drácula realizada por la Hammer Productions y protagonizada por Christopher Lee. Tras el hiato que supone Las cicatrices de Drácula (Scars of Dracula, 1970) que interrumpía la continuidad de las películas, esta representaba un nuevo inicio, conformando un díptico con la siguiente cinta del ciclo, Los ritos satánicos de Drácula (The Satanic Rites of Dracula, 1973), que repite la ambientación actual y la mayoría de personajes. Al contrario que las anteriores películas, tuvo un escenario contemporáneo en un intento de actualizar la historia de Drácula para el público moderno. Amén de la aparición de Lee, en ambas Peter Cushing recupera su papel de Van Helsing, e interpreta también a un descendiente de ese médico e investigador, no obstante ambas se desligan de las entregas anteriores desde el prólogo. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCXXIII)

El ex-preso de Corea (Rolling Thunder, 1977), de  John Flynn

El mayor Ranen (William Devane) y el soldado Vohden (Tommy Lee Jones) regresan tras siete años presos en alguna cárcel de Hanoi. La expresión adusta, granítica de Devane y ese par de potentes líneas de expresión que enmarcan su boca, construyen al personaje con su mera presencia. Impávido, incapaz de sentir ya entonces, es una criatura semoviente, un uniforme vacío. El consejo que dirige a su compañero y un gesto, hacen el resto, “Protégete tras las gafas”, y se encaja las suyas. El cristal ahumado vela la mirada cargada de horror que deberá afrontar homenajes y palabras de gratitud, que deberá repartirse en traiciones personales y la pérdida del hijo. Esas gafas permiten el recogimiento, aislarse de un mundo apacible que nada sabe de la jungla ni su olor a muerte, un mundo que en su corazón es igual de salvaje que aquella, solo que sus reglas son otras. En adelante, esas gafas formarán parte de su anatomía. Como el garfio que pronto ocupará el lugar de la mano derecha.
 Una película que se salva de ser una rutinaria historia de venganza gracias a la profundidad del guion de Paul Schrader y a la buena interpretación del habitual secundario, William Devane. Las comparaciones con otro guion similar de Schrader, Taxi Driver, son inevitables, pero mientras que en la película de Scorsese el espectador podía bucear en la personalidad del protagonista gracias a sus monólogos, aquí el personaje principal es como un muro de piedra, que sólo muestra a los demás lo que él desea. Dirige un especialista en películas de tiroteos como John Flynn y un juvenil Tommy Lee Jones aparece en un rol secundario. Es además uno de las películas preferidas del realizador Quentin Tarantino. 

sábado, 25 de junio de 2022

Mujeres de cine: Inma Cuesta

El 25 de junio de 1980 nació en Valencia Inmaculada Cuesta Martínez, más conocida como Inma Cuesta, actriz española, conocida principalmente por sus interpretaciones en la serie Águila Roja (2009-2016), 3 bodas de más (2013) y La novia (2015).
A los 18 años se marchó a Córdoba para estudiar la Licenciatura en Arte Dramático en la Escuela Superior de Arte Dramático. Tras licenciarse completó su formación en Sevilla, para finalmente en el año 2005 mudarse a Madrid1​ donde ingresó en el Conservatorio y Escuela de Danza, Centro de Artes Escénicas que dirige Carmen Roche.
Inició su carrera profesional en el mundo del teatro en Madrid de la mano de Nacho Cano protagonizando el musical Hoy no me puedo levantar. Su primer papel protagonista de televisión le llegó en la serie Amar en tiempos revueltos, encarnando el papel de Elisa, una humilde muchacha que trabajaba como cigarrera en una coctelería y se convertía en una conocida cantante de la época. Después de tres temporadas y casi tres años en el musical fichó por otra serie de televisión, Plan América, junto a Pepe Sancho (TVE, 2008).
Le llegó su primera oportunidad en el cine con la película Café solo o con ellas (2007) junto a Asier Etxeandía, Alejo Sauras, Diego Paris, Terele Pávez y Elena Ballesteros, entre otros.​ Más tarde protagonizó junto a Fele Martínez y Ángel de Andrés la película El kaserón (2008).​ Compaginó sus primeros pasos en el cine con el rodaje de la serie de televisión de la serie Águila roja de TVE en la que interpretó el papel de Margarita.6 Tuvo un papel protagónico en la serie durante todas sus temporadas, hasta el fin de la misma, en 2016. En abril de 2011 estrenó Águila Roja: la película, versión cinematográfica de la serie.
Más tarde, protagonizó la película Primos (2011) una comedia de Daniel Sánchez Arévalo, junto a Quim Gutiérrez, Raúl Arévalo y Antonio de la Torre.​ El 21 de octubre de 2011, estrenó La voz dormida, película de Benito Zambrano que coprotagoniza junto a María León, ambientada en la postguerra civil española y preseleccionada por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. Por su interpretación en la película, fue nominada en los Premios Goya como mejor interpretación femenina protagonista.
En 2012 participó en tres de los estrenos del año: Blancanieves, de Pablo Berger en la que interpretó el papel de Carmen de Triana, en la adaptación española de Blancanieves, una película muda y en blanco y negro con la música como hilo conductor, compartiendo reparto con Maribel Verdú, Ángela Molina y Macarena García;​ Grupo 7 de Alberto Rodríguez, junto a Mario Casas y Antonio de la Torre; e Invasor de Daniel Calparsoro junto a Alberto Ammann, Karra Elejalde y Antonio de la Torre, con la que consigue la candidatura a mejor actriz de reparto en los Premios Mestre Mateo.​ Entre las tres películas acapararon 39 candidaturas a los Goya de 2013 (se llevaron 12).
Casi al mismo tiempo, protagonizó el corto de Rodrigo Atíenza Muchacha con paisaje y la participación en la película Words with Gods (idea de Guillermo Arriaga) de la mano de Álex de la Iglesia, en un proyecto donde directores de todo el mundo presentan un episodio sobre la religión.​ En 2013 dio vida a Ruth en la película de Javier Ruiz Caldera 3 bodas de más, estrenada en diciembre en cines junto a Martiño Rivas, Paco León, Quim Gutiérrez, Rossy de Palma y Laura Sánchez, entre otros.16​ Por su interpretación en la película, volvió a ser nominada en los Goya como mejor interpretación femenina protagonista y en la primera edición de los Premios Feroz como mejor actriz protagonista.18​ Ese mismo año, regresó a los musicales junto a Javier Gutiérrez y Marta Ribera con la obra ¡Ay, Carmela!.
En 2014 protagonizó el largometraje Las ovejas no pierden el tren de Álvaro Fernández Armero, junto a Raúl Arévalo. Con la película La novia (2015) dirigida por Paula Ortíz,​ ganó el Premio Feroz a la mejor actriz protagonista y fue nuevamente nominada en los Goya como mejor interpretación femenina protagonista.​ Este papel le abrió las puertas a trabajar con Pedro Almodóvar en Julieta (2016).​ Ese mismo año, junto al actor argentino Ricardo Darín, dio vida a una joven habitante de una pequeña villa del interior bonaerense en la película Kóblic, de Sebastián Borensztein.
En 2017 estrenó la serie El accidente para Telecinco, interpretando a Lucía Romero Montes.​ En 2018 participó en la serie de televisión Arde Madrid de Movistar+, una serie en la que narra la vida de la actriz Ava Gardner durante su residencia en Madrid en los años 1960, desde el punto de vista de sus empleados domésticos y en plena época franquista, por la que recibió otro Premio Feroz, esta vez como . También participó en la película Todos lo saben, protagonizada por Penélope Cruz y Javier Bardem. Un año más tarde protagonizó Vivir dos veces, dirigida por María Ripoll.​ En diciembre de 2020 estrenó la serie original de Netflix El desorden que dejas, en el papel de Raquel Valero, en la que interpretó el papel protagonista junto a Bárbara Lennie y un episodio para la televisión Historias para no dormir: El asfalto.
En 2021, participa en El páramo, dirigida por David Casademunt, que narra la historia de una familia que vive aislada del resto de la sociedad, cuya tranquilidad se verá perturbada por una presencia aterradora que pondrá a prueba los lazos que les unen. Y aún sin estrenar Los buenos modales (2022), dirigida por Marta Díaz de Lope Díaz, y El favor, de Juana Macías, que se estrenará el próximo año 2023.