Efemérides de cine: Novecento

El 21 de mayo de 1976 se estrenó la película italiana Novecento, dirigida por Bernardo Bertolucci e interpretada por Robert De Niro, Gérard Depardieu, Dominique Sanda, Laura Betti, Stefania Casini, Francesca Bertini, Werner Bruhns, Sterling Hayden, Anna Henkel, Burt Lancaster, Donald Sutherland, Alida Valli, Stefania Sandrelli. Productora: Coproducción Italia-Francia-Alemania del Oeste (RFA); Produzioni Europee Associati (PEA), Les Productions Artistes Associes, Artemis Film. Duración: 314 minutos. 

Sinopsis argumental:  En el año 1901, en una finca del norte de Italia, nacen el mismo día el hijo de un terrateniente y el hijo de un bracero que serán amigos inseparables, aunque su relación se verá nublada por sus diferentes actitudes frente al fascismo. Drama que hace un complejo recorrido político y social por la Italia del siglo XX.

Nominaciones y premios: Premios National Society of Film Critics (NSFC): nominada a mejor fotografía; Bodil Awards (Dinamarca): Mejor Película Europea; 1976: Sindicato Italiano de Periodistas de Cine: Nominadas Actrices Sec. (Valli & Betti); Premios Sant Jordi: Mejor Interpretación en Película Extranjera (de Niro). 

Comentario: Octavo largometraje de Bernardo Bertolucci, dedicado a exaltar la lucha del movimiento obrero italiano de 1901 a 1945. La música de Ennio Morricone y la fotografía de Vittorio Storaro están cerca de la perfección.

Clásicos de la época dorada de Hollywood para ver en Disney+

Cine Familiar/Musical: 

Mary Poppins (1964), dirigida por Robert Stevenson e interpretada por Julie Andrews, Dick Van Dyke, David Tomlinson, Karen Dotrice, Matthew Garber, Glynis Johns, Ed Wynn, Elsa Lanchester, Jane Darwell, Reginald Owen. Basado en el el libro homónimo de P.L. Travers. 

La trama: Londres, comienzos de siglo XX. La vida de una familia inglesa formada por un padre banquero, una madre sufragista y dos niños rebeldes -que pretenden llamar la atención de sus padres haciendo la vida imposible a todas las niñeras-, se verá alterada con la llegada de Mary Poppins, una extravagante institutriz que baja de las nubes empleando su paraguas como paracaídas. 

Debut y Óscar para Julie Andrews en este clásico del cine familiar que en su día batió récords de taquilla. La película está llena de buen humor, fue un avance importante en el campo de los efectos especiales, y obtuvo 5 merecidos Oscar. En el capítulo interpretativo destaca Dick Van Dyke, que además del papel de deshollinador compuso también a un anciano banquero. Una película para toda la familia que nadie debe perderse.

Retrospectiva: "Novecento", una película fundamental...

Novecento (1900) (1976), dirigida por Bernardo Bertolucci e interpretada por Robert De Niro, Gérard Depardieu, Dominique Sanda, Laura Betti, Stefania Casini, Francesca Bertini, Werner Bruhns, Sterling Hayden, Anna Henkel, Burt Lancaster, Donald Sutherland, Alida Valli, Stefania Sandrelli.  un fresco histórico de extraordinaria belleza visual, a ratos épico, intimista en otros, poético siempre. 

Gérard Depardieu y Robert De Niro en Novecento (1900) (1976)

La trama: Impresionante fresco histórico que recorre la historia italiana del siglo XX a través de la historia de dos hombres que, naciendo el mismo día, pertenecen a clases sociales diferentes: Robert De Niro interpreta al hijo de un rico terrateniente y Gérard Depardieu al de uno de los obreros de su finca. Juntos vivirán experiencias sexuales en su juventud, los horrores de la Guerra en su madurez y seguirán discutiendo ya ancianos en uno de los finales más extravagantes que nunca ha tenido una película.

Donald Sutherland en Novecento (1900) (1976)

Tan irregular como poderosa, esta producción de Alberto Grimaldi cuenta con un reparto excepcional.Donald Sutherland en el papel de un fascista que dejó boquiabierto a los espectadores cuando aplasta con su cabeza a un gato y luego despedaza a un niño. Debido a su exagerada duración la película fue estrenada en dos partes. La música de Ennio Morricone y la fotografía de Vittorio Storaro están cerca de la perfección.

Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (III)

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5. E.T., el extraterrestre (E.T.: The Extra-Terrestrial, 1982)

Reparto: Henry Thomas, Dee Wallace, Peter Coyote, Robert McNaughton, Drew Barrymore, Erika Eleniak, C. Thomas Howell, K.C. Martel, Sean Frye. 

La trama: Un pequeño ser de otro planeta se queda abandonado en la Tierra cuando su nave, al emprender el regreso, se olvida de él. Está completamente solo y tiene miedo, pero se hará amigo de un niño, que lo esconde en su casa. El pequeño y sus hermanos intentan encontrar la forma de que el pequeño extraterrestre regrese a su planeta antes de que lo encuentren los científicos y la policía. La historia combina ternura, descubrimiento y emoción, logrando una conexión universal basada en la inocencia y el deseo de regresar a casa.

Drew Barrymore en E. T., el extraterrestre (1982)

Curiosidades: La historia nació de una cicatriz personal: Spielberg la apoyó en el amigo imaginario que se inventó tras el divorcio de sus padres, y esa raíz explica el pulso doméstico de todo el relato. Para facilitar interpretaciones convincentes en el reparto infantil, rodó en un orden casi cronológico, de manera que cada escena llegara cuando la relación ya estaba asentada. Steven Spielberg no sería quien es si no hubiera rodado esta película. Si ya antes había sorprendido con una visión favorable de la vida más allá de la Tierra en Encuentros en la tercera fase, su siguiente película fue directamente a destrozar el mito del marciano con malas pulgas que viene a nuestro planeta para sembrar la destrucción. Disponible en Prime Video, SkyShowtime, Disney+, Movistar+, Filmin. 

6. Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and the Temple of Doom, 1984)

Reparto: Harrison Ford, Kate Capshaw, Ke Huy Quan, Amrish Puri, Roshan Seth, Dan Aykroyd, Philip Stone, Roy Chiao, David Yip, Ric Young. 

La trama: 1935. Shanghai. El intrépido arqueólogo Indiana Jones, tras meterse en jaleos en un local nocturno, consigue escapar junto a una bella cantante y su joven acompañante. Tras un accidentado vuelo, los tres acaban en la India, donde intentarán ayudar a los habitantes de un pequeño poblado, cuyos niños han sido raptados. Esta peligrosa misión lo arrastra a rituales oscuros, persecuciones y una de las aventuras más intensas y frenéticas de toda la saga.

Jonathan Ke Quan y Harrison Ford en Indiana Jones y el templo maldito (1984)

Curiosidades: La secuencia de la cámara de insectos fue tan real como parece: Kate Capshaw aceptó rodar cubierta por más de dos mil insectos vivos y, para vencer el miedo inicial, tomó sedantes antes de entrar en el set. Ella misma reconoció que le ayudaron a dar el paso. Se trata de la película con más elementos fantásticos de la serie de Indiana Jones. Las escenas se suceden a una velocidad de vértigo en varios continentes distintos. El sentido del humor es un elemento constante, y está reforzado por la presencia del joven Jonathan Ke Quan. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, SkyShowtime, Tivify. 

7. El color púrpura (The Color Purple, 1985)

Reparto: Danny Glover, Whoopi Goldberg, Margaret Avery, Oprah Winfrey, Willard E. Pugh, Dana Ivey, Akosua Busia, Laurence Fishburne, Desreta Jackson, Adolph Caesar, Rae Dawn Chong, Leonard Jackson, Bennet Guillory, Carl Anderson, John Patton Jr., Susan Beaubian, James Tillis, Phillip Strong. 

La trama: Principios del siglo XX. Historia ambientada en Estados Unidos, en el sur rural. Whoopi Goldberg interpreta a una joven muchacha negra, obligada por su padre a casarse con un hombre odioso al que no quiere. Sólo encuentra consuelo en su hermana, a quien escribe puntualmente, aunque sus cartas de respuesta sean retenidas por su malvado marido. Un viaje emocional que combina dolor y esperanza con una sensibilidad profunda.

Whoopi Goldberg en El color púrpura (1985)

Curiosidades: La respuesta inicial fue un no: Spielberg se veía inseguro, dudaba de su mirada para retratar el Sur profundo y sentía que la historia pedía otra voz. Quincy Jones le desmontó el miedo con una frase perfecta, recordándole que no hacía falta “ser un extraterrestre” para dirigir a uno, y ese empujón lo metió de lleno en la película. Algunas escenas han pasado a la historia del cine, por su maestría y sutileza. Está basada en la novela homónima de Alice Walker, ganadora del Premio Pulitzer. A pesar de contar con un montón de nominaciones al Oscar, el film se fue sin ninguna estatuilla a casa, era la época en que no se toma muy en serio a Spielberg. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, SkyShowtime, Tivify.

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Recordando a Orson Welles: El cuarto mandamiento

El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons, 1942). Fue la segunda película de Welles, tras Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941), y en esta película volvía a dirigir y a escribir el guion, aunque esta vez no interpretaba ningún papel. Es una estupenda película, en la que Orson Welles no fue el responsable del montaje final, manipulado por la productora RKO tenía miedo de que Welles rodara una película demasiado personal, lo que pudiera perjudicar a sus resultados en taquilla. Así que la productora arrebató el control creativo al cineasta, y ordenó un nuevo montaje, que mutiló seriamente el original. Las imágenes de Welles son tan fascinantes que, aún así, quedó intacta la magia de esta reflexión acerca de la decadencia de la aristocracia, la aparición del progreso en una sociedad anquilosada y la ascensión de una nueva estructura social".

Joseph Cotten y Agnes Moorehead en El cuarto mandamiento (1942)

Con esta película comenzaría la leyenda negra que le acompañaría el resto de su vida.

Dolores Costello  y Tim Holt en El cuarto mandamiento (1942)

La trama: A finales del siglo XIX, la mansión Amberson es la más fastuosa de Indianápolis. Cuando su dueña, la bellísima Isabel, es humillada públicamente, aunque de forma involuntaria por su pretendiente Eugene Morgan, lo abandona y se casa con el torpe Wilbur Minafer. Su único hijo, el consentido George, crece lleno de arrogancia y prepotencia. Años más tarde, Eugene regresa a la ciudad con su hija Lucy, y George se enamora de ella. Basada en la novela homónima de Booth Tarkington, escrita en 1918, y que había ganado el premio Pulitzer en 1919.

Joseph Cotten, Agnes Moorehead, Richard Bennett, Ray Collins y Dolores Costello en El cuarto mandamiento (1942)

Efemérides de cine: Dersu Uzala (El cazador)

El 2 de agosto de 1975 se estrenó la película soviética Dersu Uzala (El cazador) (Dersu Uzala), dirigida por Akira Kurosawa con Maksim Munzuk, Yuriy Solomin, Svetlana Danilchenko, Dmitri Korshikov, Vladimir Kremena. Productora: Coproducción Unión Soviética (URSS)-Japón; Mosfilm, Atelier 41. Duración: 141 minutos. 

Sinopsis argumental: El capitán Vladimir Arseniev y su destacamento tienen que realizar unas prospecciones geológicas en los bosques de la taiga siberiana. La inmensidad del territorio y la dureza del clima hacen que se extravíe. Condenado a vagar por una tierra salvaje, Vladimir conoce a Dersu Uzala, un cazador nómada que conoce el territorio como la palma de su mano y sabe cómo afrontar las inclemencias del tiempo. Dersu enseñará a Vladimir a respetar la naturaleza y a convivir en plena armonía con ella, una lección que difícilmente olvidará el resto de su vida.

Nominaciones y premios: Oscar: Mejor película de habla no inglesa; Gran premio en el festival internacional de Moscú; Premios David di Donatello: Mejor director extranjero y Premio Especial; Premios del Sindicato de Críticos de Cine Franceses: Mejor film extranjero.; Medallas del CEC: Mejor película de arte y ensayo.

Comentario: Akira Kurosawa siempre destacó ser un auténtico maestro en humanidad. Pero quizá fue en este film en el que alcanzó la cota más alta en el mencionado campo. Pues logra perfilar la enorme personalidad de Arseniev y, sobre todo, Uzala, de modo asombroso. Inicialmente, el cazador Uzala, que vaga por la estepa y bosque siberianos, parece un tipo más o menos pintoresco, una curiosidad viviente que resulta útil a los soldados rusos.  Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: La quimera del oro

El 26 de junio de 1925 se estrenó la película estadounidense La quimera del oro (The Gold Rush), dirigida por Charles Chaplin e interpretada por Charles Chaplin, Mack Swain, Tom Murray, Henry Bergman, Malcolm Waite. Productora: United Artists. Duración: 95 minutos. 

Sinopsis argumental: Chaplin, donde interpreta a un solitario buscador de oro que llega a Alaska en busca de fortuna. Una fuerte tormenta le obliga a refugiarse en la cabaña de un bandido. Contiene uno de sus gags más inolvidables, como la comilona consistente en una bota vieja o la coreografía hecha con los panecillos y los tenedores.

Nominaciones y premios: 2 nominaciones al Oscar: Mejor sonido, banda sonora original de una película dramática.

Comentario: Obra maestra de Chaplin. En 1942, fue reestrenada en versión sonora. Reestreno en cines españoles por su primer centenario, el 26 de junio de 2025. 

Efemérides de cine: El viento y el león

El 22 de mayo de 1975 se estrenó la película estadounidense El viento y el león (The Wind and the Lion), dirigida por John Milius e interpretada por Sean Connery, Candice Bergen, John Huston, Brian Keith, Geoffrey Lewis, Steve Kanaly, Vladek Sheybal, Nadim Sawalha, Roy Jenson, Deborah Baxter, Aldo Sambrell, Luis Barboo. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Columbia Pictures, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Herb Jaffe. Duración: 114 minutos.

Sinopsis argumental: A principios del siglo XX, el jefe de los bereberes El Raisuni secuestra en Tánger a una bella viuda estadounidense y a sus hijos para pedir un fuerte rescate. Este hecho desencadena un conflicto diplomático en el que se verán involucrados el gobierno americano (Theodore Roosevelt: 1901-1909), tropas alemanas y diversas facciones del sultanato de Marruecos.

Nominaciones y premios: 5: Oscar: Nominada a la mejor banda sonora y sonido; Premios BAFTA: Nominada a mejor música; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión original drama.

Comentario: Música de Jerry Goldsmith para una peli de amor y aventuras que roza la categoría de clásico. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: La isla del fin del mundo

El 16 de diciembre de 1974 se estrenó la película estadounidense La isla del fin del mundo (The Island at the Top of the World), dirigida por Robert Stevenson e interpretada por David Hartman, Donald Sinden, Jacques Marin, Mako, David Gwillim, Agneta Eckemyr, Gunnar Öhlund, Lasse Kolstad, Torsten Wahlund, Sverre Anker Ousdal, Erik Silju, Denny Miller, Rolf Søder, Brendan Dillon, Ivor Barry. Productora: Walt Disney Productions. Duración: 94 minutos. 

Sinopsis argumental: Un caballero victoriano, Sir Anthony Ross (Donald Sinden, Blowing Dandelions), reúne a un equipo para emprender una expedición a un valle volcánico de las regiones inexploradas del Ártico. Su hijo desapareció hace mucho tiempo y la camarada se dirige allí en su búsqueda. A comienzos del siglo XX lo que menos esperan encontrar es una comunidad vikinga contra la que tendrán que luchar. La aventura no termina nunca, tendrán que combatir con más obstáculos de los que pensaban. Ahora su principal objetivo es mantenerse con vida.

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor dirección artística. 

Comentario: Basada en la novela de 1961 The Lost Ones de Ian Cameron. Robert Stevenson fue el mejor de los realizadores de la compañía Disney, en la vertiente familiar con actores de carne y hueso, como demuestra en este sugestivo título, que mantiene el espíritu de las novelas juveniles de aventuras. Seconmemora el quicuagésimo aniversario de su estreno. 

"Las dos inglesas y el amor": el reverso de la obra maestra de François Truffaut

Diez años después de Jules y Jim (Jules et Jim, 1962), François Truffaut creó su película más febril y personal. Donde brilla su amargura, nacida de sus amores desilusionados. 

A principios de 1971, François Truffaut no estaba bien. Él y Catherine Deneuve acaban de separarse y el director está pasando por momentos difíciles con esta ruptura, que lo sumerge en una profunda depresión. Enviado para una cura del sueño en una clínica de Vésinet, sólo se despierta unas pocas horas al día, aferrándose a un libro como salvavidas. Esta obra se titula Les deux anglaises et le continent. Está firmado por Henri-Pierre Roché (1879-1959), escritor, marchante de arte cosmopolita, dandy con un destino tan singular que uno se pregunta si no será un personaje inventado: su entrada en Wikipedia es una novela en sí misma, unida a una increíble cruce del siglo.

Claude (Jean-Pierre Léaud, su eterno alter ego), espíritu feliz entre dos hermanas (Kika Markham et Stacey Tendeter)

La trama: En el París de 1900, Claude (Jean-Pierre Léaud), un joven y culto francés conoce a las hijas de una amiga de su madre, de origen inglés. Anne se cartea con él y lo invita a pasar sus vacaciones en su familia, en Gales. Ésta le presentará su hermana Muriel, y empujará a Claude a enamorarse de su hermana. Las dos inglesas, puritanas, quedan sorprendidas y encantadas por este joven francés libertario, que llaman «el Continente». Pero el matrimonio con el que se cuenta no tendrá lugar entre Muriel y Claude: sus dos madres, encuentran que son demasiado jóvenes para el amor, deciden una separación de un año para poner a prueba sus sentimientos. Claude se va a París y piensa llevarse bien. Pero reanuda su vida de libertino. Entre tanto, Ann, la mayor de las hermanas, se emancipa y se marcha a París para hacer escultura. Entonces empezará una relación entre ella y Claude, que le inicia a la sensualidad. Mordisqueada a la vez por la culpabilidad de engañar la confianza de su hermana (Muriel está enamorada de Claude) y enamorada de Claude, Ann se convierte poco a poco la contraparte femenina de Claude en el París artístico y libertario de principios del XX. En efecto, tomará otro amante (Diurka, un eslavo encarnado por Philippe Léotard), algo que a Claude le costará aceptar, pese a sus ideas liberales en materia de pareja.

Jean-Pierre Léaud, Kika Markham y Stacey Tendeter en Las dos inglesas y el amor (1971)

Un tributo de François Truffaut a la literatura y a la creación basada en una obra del escritor cuya otra novela dio lugar también a Jules y Jim, Henri-Pierre Roché. Es un film de exacerbado romanticismo, con un recurso constante a la voz en off de un narrador, y en que incide en lo difícil que es entender las razones del corazón, con sus constantes vaivenes y sobresaltos. También se apunta a cómo pueden marcar los secretos, tabúes y costumbres sociales, al subrayar las diferencias entre británicos, muy puritanos y reservados, y los continentales, más abiertos. El compromiso y la honestidad con uno mismo, y las relaciones fraternales, también forman parte importante de la trama.

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11. El sol siempre brilla en Kentucky (The Sun Shines Bright, 1953)

Ambientada en 1905, El sol siempre brilla en Kentucky narra la sentimental historia de un afable y popular juez de Kentucky que se presenta a la reelección contra un fiscal yanqui.

Una pequeña población de Kentucky a principios del siglo XX fue el marco elegido por John Ford para proclamar un modelo de vida donde la tolerancia, la solidaridad y el amor triunfaban frente al puritanismo, el racismo y la violencia. Tales valores aparecen encarnados en el viejo juez Priest (Charles Winninger) quien tan pronto actúa como mediador en un intento de linchamiento como de maestro de ceremonias en una boda. La película por la que John Ford sentía orgullo y que no dudaba en calificar como su obra preferida. basada en material tomado de una serie de cuentos cortos Judge Priest de Irvin S. Cobb que aparecieron en The Saturday Evening Post en la década de 1910, específicamente The Sun Shines Bright, The Mob from Massac y The Lord Provides. Ford había adaptado parte del mismo material en 1934 en su película Judge Priest. 

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Se reestrena en cines “Dersu Uzala”: la película por la que Akira Kurosawa pasó por todos los colores

Con esta película rodada a principios de los años 1970 en territorio soviético, el cineasta japonés encontró una nueva vida al contar una amistad poética, lejos de las historias de samuráis y gánsteres que le habían hecho famoso.

A finales de los años 1960, Akira Kurosawa se encontraba en un callejón sin salida. Su primer proyecto para el cine americano, un segmento de la película de guerra  Tora! ¡Tora! ¡Tora!, no se materializó. En 1970, su primera película en color, Dodes'kaden (Dodesukaden), fracasó estrepitosamente en taquilla. La industria japonesa le dio la espalda, creyendo que nunca más podría dirigir un largometraje. El cineasta más reconocido por sus pares, Sergio Leone a la cabeza, ha pasado de moda.

Maksim Munzuk en Dersu Uzala (1975)

Después de un intento de suicidio en 1971, Akira Kurosawa fue contactado por el estudio soviético Mosfilm, detrás de las obras maestras de Sergei Eisenstein, para realizar una película en la URSS, Dersu Urzala (1975). El guion está basado en las memorias escritas en 1923 por el explorador Vladímir Arséniev (1872-1930)​ sobre Dersú Uzalá, un hombre de la etnia hezhen que acompañó a sus hombres durante varias expediciones por la región siberiana de Sijoté-Alín. De este modo la trama se centra en un nativo que vive cómodamente en los bosques llevando un estilo de vida que, de manera inevitable, será destruido por el avance de la civilización.​ Otros ejes centrales son el respeto y la amistad que surge entre dos personas de diferentes etnias o la pérdida de fuerzas y habilidades con el paso de los años. 

El rodaje se realizó casi en su totalidad en la taiga siberiana convirtiéndose en la primera película dirigida por Kurosawa rodada fuera de Japón. También es la única rodada en formato de 70 mm. La película obtuvo varios premios​ entre los que destacan el David de Donatello de la academia italiana de cine (1977), el premio a mejor película en el Festival de Cine de Moscú (1975) y el Oscar a mejor película extranjera (1976).

Hace 100 años: La batalla

El 28 de diciembre de 1923 se estrenó la película francesa La batalla (La bataille), dirigida por Sessue Hayakawa, Édouard-Émile Violet e interpretada por Sessue Hayakawa, Tsuru Aoki, Félix Ford, Gina Palerme, Jean Dax, Cady Winter, Lucien Bataille, Shu Hou. Productora: Le Film d'Art. Duración: 60 minutos. 

Sinopsis argumental: 1904, en plena guerra ruso-japonesa. Mientras su marido está en Europa, la esposa de un militar naval japonés entretiene a los avances de un joven oficial británico. Cuando su hombre regresa, usa la aventura de su mujer para descubrir secretos militares del amante.

Comentario: Una nueva versión de la historia se realizó en 1924 con el título de The Danger Line, dirigida por Édouard-Émile Violet y con Sessue Hayakawa, Tsuru Aoki y Gina Palerme en los roles principales. 

Hace 100 años: La banda de Norrtull

El 26 de diciembre de 1923 se estrenó la película sueca La banda de Norrtull (Norrtullsligan), dirigida por Per Lindberg e interpretada por Tora Teje, Inga Tidblad, Renée Björling, Linnéa Hillberg, Egil Eide, Tollie Zellman, Olav Riégo, Stina Berg, Lili Ziedner, Lauritz Falk, Nils Asther, Gabriel Alw, Torsten Bergström, Torsten Hillberg, John Ekman, John Norrman, Elsa Carlsson, Rosa Tillman. Productora: Bonnierfilm. Duración: 76 minutos. 

Sinopsis argumental: Cuatro mujeres trabajadoras que viven juntas quieren ser respetadas en un mundo laboral dominado por hombres mientras buscan oportunidades y el amor.

Comentario: Adaptación de Hjalmar Bergman, guionista frecuente de Sjöström, de la novela de 1908 de Elin Wägner. 

Clásicos de cine: La India en llamas

La India en llamas (North West Frontier, 1959), de J. Lee Thompson

Es una película británica que. Interpretada por Kenneth More, Lauren Bacall, Herbert Lom, Wilfrid Hyde-White, I.S. Johar, Ursula Jeans, Eugene Deckers, Ian Hunter, Jack Gwillim. Recibió tres nominaciones a los Premios BAFTA: incluyendo mejor película británica. Típico film de aventuras en el que unas pocas personas, la mayoría civiles, han de huir de mil y un peligros a lo largo de cientos de kilómetros.

Nos encontramos en el norte de la India, en los albores del siglo XX. Un grupo de rebeldes musulmanes quiere asesinar a un joven príncipe hindú de tan solo 6 años, pero no lo van a tener tan fácil. El Capitán Scott (Kenneth More) de la Armada británica es enviado para poner al príncipe Kisham a salvo de los ataques. Juntos emprenden un viaje en tren para huir fuera de la región, pero tendrán que hacer frente a innumerables peligros durante el camino. A bordo del ferrocarril también viajan varios británicos pertenecientes a la alta sociedad; un comerciante de armamento, un periodista con un carácter muy especial y la institutriz americana del pequeño Kisham. Clásico del cine poco conocido por el gran público que recoge unas actuaciones de lujo. La película fue rodada en Inglaterra y en España, concretamente, en la villa de Gor en Granada. Para rodar las partes del tren se utilizó la línea entre Guadix (Granada) y Almería en el puente metálico del Anchuron, y en la estación de Iznalloz (Granada).

Efemérides de cine: Mi hijo Ceferino Namuncurá

El 13 de abril de 1972 se estrenó la película argentina Mi hijo Ceferino Namuncurá AKA Ceferino indio santo, dirigida por Jorge Mobaied e interpretada por Luis Medina Castro, Iván Grondona, Olga Zubarry, Luis Manuel de la Cuesta, Jorge Villalba, Agó Franzetti, Marisa Grieben, Jorge Salcedo, Raquel María Alvarez, Ricardo Passano, Luis María Mathé. Productora: Wesley S.A.C.I.F.I.A. Duración: 82 minutos.

Sinopsis argumental: La película narra desde los momentos previos a su nacimiento, su juventud, sus años en el Colegio Salesiano y su viaje a Roma, hasta su muerte por tuberculosis. Narrada desde el punto de vista de su padre, el cacique Manuel Namuncurá.

Comentario: Inspirada en la vida del beato mapuche argentino Ceferino Namuncurá (1886-1905), nieto del famoso cacique Calfucurá. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Furia oriental

El 22 de marzo de 1972 se estrenó la película de Hong Kong Furia oriental (Jing wu men), dirigida por Lo Wei con Bruce Lee, James Tien, Robert Baker, Nora Miao, Maria Yi, Fu Ching Chen, San Chin, Han Ying-Chieh, Jun Katsumura, Riki Hashimoto, Lee Kwan, Tien Feng, Paul Wei, Tony Liu, Huang Chung-Hsin, Billy Chan, Lo Wei, Cheung Hei, Ko Ping. Productora: Golden Harvest Company. Duración: 102 minutos

Sinopsis argumental: En el Shangai de 1908, Chen Jeh (Bruce Lee) es un estudiante de artes marciales que, al regresar a su escuela, descubre que su maestro ha fallecido. Tras la insultante visita durante el funeral de los representantes de una escuela japonesa de artes marciales, en la cual les llaman “Enfermos de Asia”, Chen acude a darles una humillante lección y hacerles tragar sus palabras. Sintiéndose el hazmerreir de todos, los japoneses desatan una espiral de violencia contra los chinos durante la cual se descubre que en realidad su maestro murió envenenado. Decidido a vengar su muerte acabando con todos los responsables, Chen emprende una cruzada contra la escuela japonesa y su aliado ruso Petrov, en la cual necesitará de toda su habilidad marcial para salir victorioso...

Comentario: Segundo film de artes marciales de Bruce Lee, que por una vez encabezó el reparto de un film de época, inspirado lejanamente en hechos reales. Como en el resto de la filmografía de Bruce Lee, el punto fuerte son las espectaculares secuencias de acción. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Las dos inglesas y el amor

El 18 de noviembre de 1971 se estrenó la película francesa Las dos inglesas y el amor (Les deux anglaises et le continent AKA Anne and Muriel), dirigida por François Truffaut e interpretada por Jean-Pierre Léaud, Stecey Tenderer, Kika Markham, Sylvia Marriott, Marie Mansart, Philippe Léotard. Productora: Les Films du Carrosse. Duración: 132 minutos.

Sinopsis argumental: En el París de 1900, Claude Roc, un joven francés de clase media, entabla amistad con Anne Brown, una joven inglesa. Ella lo invita a ir a su casa de Gales, donde vive con su hermana Muriel. Una vez allí, aunque Claude se siente atraído por Anne, ella procura desviar su atención hacia Muriel. Cuando Claude y Muriel se dan cuenta de que están enamorados, entonces la madre de ella insiste en que, para estar seguros de sus sentimientos, deben someterse a una separación de un año.

Nominaciones y premios: Festival de Valladolid - Seminci: Espiga de Oro a la mejor película.

Comentario:Una de las películas mejor consideradas de Truffaut, basada en una novela de Henri Pierre Roché, autor que ya había llevado al cine con Jules et Jim. Para definir el carácter de las dos hermanas alrededor de quienes gira la historia, el director se inspiró en la personalidad de las hermanas Brönte, autoras de novelas como Cumbres borrascosas y Jane Eyre. De ellas, Emily, era muy puritana y apasionada y la otra, Charlotte, una mujer sensata avanzada a su tiempo. En 1984, poco antes de su muerte, Truffaut le añadió varias escenas que había descartado en la primera versión. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: El violinista en el tejado

El 21 de octubre de 1971 se estrenó la película estadounidense El violinista en el tejado (Fiddler on the Roof), dirigida por Norman Jewison e interpretada por Topol, Norma Crane, Leonard Frey, Molly Picon, Paul Mann, Rosalind Harris, Michele Marsh, Neva Small, Paul Michael Glaser, Raymond Lovelock. Productora: United Artists, The Mirisch Corporation. Duración: 181 minutos. 

Sinopsis argumental: Teyve, el lechero de un pueblo ucraniano, vive feliz con su esposa y sus cinco hijas, todas ellas solteras. Una tarde, mientras hace el reparto, conoce a Perchick, un pobre estudiante de Kiev con ideales revolucionarios. Los dos simpatizan, y Teyve le ofrece casa y comida a cambio de que le dé clases a una de sus hijas. Al mismo tiempo, Lazar Wolf, un rudo carnicero que se ha quedado viudo, pide a Teyve la mano de su hija mayor.

Nominaciones y premios: 3 Oscar: Mejor fotografía, sonido, banda sonora adaptada. 8 nominaciones; Globos de Oro: Mejor película - comedia o musical y actor (Topol). 4 nominaciones; Premios BAFTA: Nominada a mejor banda sonora, fotografía y montaje; Premios David di Donatello: Mejor actor extranjero (Topol); Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión adaptado comedia.

Comentario: Adaptación del musical que se estrenó en 1964 y que se convirtió en el de más larga duración de la historia de Broadway. Los derechos para hacer la película fueron adquiridos cuatro años más tarde y con un coste de producción de 9 millones de dólares reportó más de 40 a la United Artists al final de su presencia en cartelera. El guionista de esta historia se basó en una colección de narraciones cortas escritas por Sholom Aleichem, un genio literario ucraniano. Para protagonizar la película se eligió a Topol, un poco conocido actor israelí cuya mejor carta de presentación era la de haber protagonizado la obra en los escenarios de Londres. La cinta ganó 3 Oscar: mejor fotografía, sonido y música; y algunas de sus canciones, como Si yo fuera rico, se hicieron muy populares.

Cumplió 25 años: Los demonios de la noche

El 3 de octubre de 1996 se estrenó la película estadounidense Los demonios de la noche (The Ghost and the Darkness), dirigida por Stephen Hopkins con Michael Douglas, Val Kilmer, Tom Wilkinson, Om Puri, Bernard Hill, John Kani, Brian McCardie, Emily Mortimer, Henry Cele, Nick Lorentz, Kurt Egelhof, Satchu Annamalai, Teddy Reddy, Raheem Khan, Jack Devnarain, Glen Gabela, Richard Nwamba, Alex Ferns, Kaycey Padayachee, Giles Masters, Patrick Gifford, Justin Gifford, George Middlekoop. Productora: Constellation Entertainment, Douglas-Reuther Productions, Bernina Film, Mont Blanc Entertainment GmbH. Duración: 110 minutos. 

Sinopsis argumental: Hacia finales de 1890, la llegada del ingeniero John Patterson (Val Kilmer) a tierras africanas acelera la construcción del ferrocarril. Además, los trabajadores africanos le consideran un héroe, desde que Patterson cazara a un león de un solo disparo, algo que sólo es capaz de hacer el legendario cazador Charles Remington (Michael Douglas). Cuando parece que las obras van viento en popa, se presentan Fantasma y Oscuridad, dos leones devoradores de hombres. Entonces Patterson y Remington deberán unirse para poder acabar con ellos.

Nominaciones y premios: Oscar: Mejores efectos de sonido; Nominada a los Premios Razzie: Peor actor secundario (Val Kilmer).

Comentario: Basada en la historia acaecida en 1898 en Tsavo (Kenia), cuando dos leones mataron y devoraron a varias decenas de trabajadores de la construcción del Ferrocarril Kenia-Uganda. Los leones fueron abatidos por Patterson, sus cuerpos fueron embalsamados y hoy están expuestos en el museo de historia natural de Chicago, Illinois.