"Dear You": una crónica familiar rebosante de emoción

Dear You (Gei A Ma de Qing Shu, 2026), dirigida por Hongchun Lan con Sitong Li, Yantong Wang, Shaoqing Wu, Runqi Zheng, Xiaohui Wang, Shuguang Zhao, Deru Li, Shuhao Li, Usha Seamkhum. Un éxito inesperado en China, este auténtico melodrama es a la vez épico y profundamente conmovedor.

Sinopsis: Una abuela octogenaria pasa toda la vida esperando a su marido, que se marchó a Tailandia en la década de 1940 para ganarse la vida. Su nieto, Xiaowei, viaja en secreto hasta allí para intentar descubrir la verdad sobre lo que le ocurrió a su abuelo. 

A diferencia de las grandilocuentes epopeyas patrióticas y otros éxitos de taquilla animados que suelen predominar en la taquilla nacional, el público chino recibió con entusiasmo esta historia familiar, tan modesta en apariencia como humanista, filmada en un dialecto regional y con una actuación aún más destacable porque los actores son, en su mayoría, no profesionales. Afortunadamente, las desastrosas secuencias de comedia irreverente con las que comienza la película son una distracción. Porque Dear You es un melodrama, uno real, que utiliza (e incluso abusa) de flashbacks y narraciones en off para contar la historia de la investigación de un joven sobre su abuelo, quien ha vivido en el exilio durante décadas.

Efemérides de cine: El último pistolero

El 16 de julio de 1976 se estrenó la película estadounidense El último pistolero (The Shootist), dirigda por Don Siegel e interpretada por John Wayne, Lauren Bacall, James Stewart, Richard Boone, John Carradine, Ron Howard, Hugh O'Brian. Productora: Paramount Pictures. Duración: 100 minutos. 

Sinopsis argumental: John Bernard Books, un legendario pistolero que consiguió capturar a unos forajidos muy escurridizos, decide regresar a su ciudad natal para vivir en paz lo que le quede de vida. Sin embargo, no tendrá más remedio que saldar una cuenta pendiente con tres bandidos. 

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor dirección artística;  Globos de Oro: Nominada mejor actor secundario (Ron Howard); Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz (Lauren Bacall); Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion adaptado drama; Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Nominada a mejores 10 películas del año.

Comentario: Pocos westerns más crepusculares que este, con el que Don Siegel se despidió del género con una mirada entre nostálgica e irónica, asimismo fue la despedida artística y el último largometraje protagonizado por John Wayne, el actor con la mayor cantidad de papeles protagonistas en la historia del cine con 142. También aparecen los míticos actores Lauren Bacall (en un precioso y sentimental rol de viuda de gran corazón), el gran James Stewart, así como un jovencísimo Ron Howard (el joven Gillom que tiene un papel entrañable en la película y que da vida al hijo de Lauren Bacall) posteriormente se convertiría en un reputado y popular director de cine. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Los 12 mejores wésterns de la década de los 60 (sin incluir ningún spaghetti) (I)

El género en esos años estaba en uno de sus momentos más ricos y diversos. Entre el cine de las grandes llanuras, la toma de los fuertes y los pioneros y el descreimiento de los antihéroes implacables y profundamente solitarios, se yergue el wéstern de la década de los años 1960 en uno de sus momentos más ricos y diversos. Aquí ofrecemos sólo doce repitiendo sólo una vez de director.

1. Los siete magníficos (The Magnificent Seven, 1960), de John Sturges

Sinopsis: Los humildes habitantes de un pueblo mexicano, que viven modestamente de la agricultura, se hallan a merced de una despiadada banda de forajidos que constantemente les exigen un pago por sus cosechas. Como ellos no saben defenderse, deciden contratar los servicios de siete pistoleros, siete implacables mercenarios cada uno con una habilidad especial en el manejo de las armas.

Sobrio remake de Los sietes samuráis de Kurosawa pese a que la banda sonora de Elmer Bernstein le otorgó un tono casi festivo cuando está lejos de ser una película amable. Pese a contar con Yul Bryner, Steve McQueen, Charles Bronson, Eli Wallach y James Coburn fue un fracaso de taquilla, aunque el tiempo la ha catapultado a la categoría de clásico.

2. El último atardecer (The Last Sunset, 1961), de Robert Aldrich

Sinopsis: Brendan O'Malley (Kirk Douglas), un antiguo pistolero, llega a México para buscar a Belle Breckenridge (Dorothy Malone), que resulta estar casada con un borracho (Cotten). Éste le pide ayuda para conducir un rebaño a Texas. Tras los pasos de O'Malley va Dana Stribling (Rock Hudson), un vengativo sheriff que tiene motivos personales para arrestarlo. 

Con guion de Dalton Trumbo, cuenta la historia de un pistolero a quien contrata una antigua amante para llevar sus reses a Texas. Kirk Douglas, Dorothy Malone, Joseph Cotten y Rock Hudson construyen un relato sobre la obsesión, el odio, el desprecio y la revancha de la mano de Robert Aldrich que formó parte de la generación de directores que renovarían los cánones del viejo Hollywood.

3. El rostro impenetrable (One Eyed Jacks, 1961), de Marlon Brando

Sinopsis: Tras el atraco a un banco fronterizo, Johnny Río es traicionado por Dad, su mejor amigo y compañero de correrías. Apresado por la policía mexicana, pasa cinco amargos años en la prision de Sonora, durante los cuales, vive obsesionado con la idea de vengarse del traidor. Tras ser puesto en libertad, visita a Dad, que se ha convertido en un hombre respetable y es el sheriff de Monterrey. Cuando Dad le presenta a su hijastra Louisa, Jonnhy queda prendado de su belleza y la seduce.

La única película dirigida por Brado es absolutamente irrepetible, pues junto a Karl Malden protagoniza una historia de venganza atípica y fantasmagórica, abstracta casi, que se hizo con la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. Es una película lastimera, luminosa y cruel que la Paramount destrozó en la sala de montaje y que, con todo, es una maravilla.

4. Duelo en alta sierra (Ride the High Country AKA Guns in the Afternoon, 1962), de Sam Peckinpah

Sinopsis: Dos viejos amigos se asocian para escoltar un cargamento de oro desde las minas de Alta Sierra hasta un banco. Uno de ellos (Joel McCrea) es un hombre honrado que sólo se propone hacer bien su trabajo; el otro (Randolph Scott), en cambio, carece de escrúpulos y proyecta robar la valiosa mercancía.

Ellos son Randolph Scott y Joel McCrea y juntos protagonizan una de las mejores finales de la historia del wéstern en una película soberbia y sobrecogedora sobre la lealtad y el honor en el otoño de la vida. Y la estupenda y lírica banda sonora de George Bassman engrandece el aire crepuscular de la película. Se trata de uno de los primeros éxitos de Sam Peckinpah.  

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Nuevas adaptaciones literarias para la pantalla (I)

Desde clásicos literarios y lecturas playeras de verano hasta novelas gráficas y más, descubre qué libros darán el salto a la gran (y pequeña) pantalla en 2025 y más allá.

1. La vida de Chuck (The Life of Chuck, 2024), de Mike Flanagan

Una historia que reafirma la vida y cambia géneros basada en la novela de Stephen King sobre tres capítulos de la vida de un hombre común llamado Charles Krantz.

Es una adaptación del relato corto homónimo de Stephen King, publicado en la colección La sangre manda. Se espera su estreno en España para el 12 de septiembre de 2025. 

2. Sé lo que hicisteis el último verano (I Know What You Did Last Summer, 2025), de Jennifer Kaytin Robinson

Cuando cinco amigos provocan sin querer un accidente de coche mortal, encubren su implicación y hacen un pacto para mantenerlo en secreto en lugar de afrontar las consecuencias. Un año después, su pasado vuelve para atormentarlos y se ven obligados a enfrentarse a una aterradora verdad: alguien sabe lo que hicieron el último verano... y está empeñado en vengarse. A medida que los amigos son acechados uno a uno por un asesino, descubren que esto ya ha sucedido antes, y recurren a dos supervivientes de la legendaria Masacre de Southport de 1997 en busca de ayuda.

Basada en la novela de Lois Duncan. Estreno a partir del 18 de julio de 2025. 

3. El club del crimen de los jueves (The Thursday Murder Club, 2025), de Chris Columbus

Cuatro irreprimibles jubilados dedican su tiempo a resolver casos de asesinatos sin resolver por diversión, pero sus investigaciones casuales dan un giro emocionante cuando se encuentran con un verdadero misterio entre manos.

Basada en la novela de Richard Osman. Estreno en Netflix a partir del 28 de agosto de 2025. 

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“Nonnas” en Netflix: una película culinaria para sentirse bien sin aderezar

Vince Vaughn, Susan Sarandon, Lorraine Bracco, Talia Shire, y un elenco de cinco estrellas son los protagonistas de Nonnas (2025), de Stephen Chbosky, “una película para sentirse bien” sobre la apertura de un restaurante italiano en Nueva York, con abuelas en la cocina. En el menú, un terreno plano y una película sin sabor. ​ La trama está inspirada en la historia real de Jody «Joe» Scaravella. 

Es la historia de un chico que intenta abrir un restaurante. Tras la muerte de su madre, cuyos platos siempre le encantaron, Joe Scaravella, un neoyorquino de origen italiano, se da cuenta de que ha perdido el tiempo en un trabajo sin salida y anhela una segunda oportunidad, por lo que decide honrarla abriendo un una trattoria, restaurante italiano, para perpetuar su memoria, rendirle homenaje o simplemente seguir comiendo bien. Encuentra un lugar en Staten Island, donde tantos italianos descubrieron América  y para lo que contrata a un grupo de abuelas como chefs. 

Sinceramente, podríamos quedarnos ahí, no llega mucho más lejos, pero aun así vamos a intentar encontrar dos o tres cosas bonitas que decir, para que esta película para sentirse bien no se convierta en una entrada aguafiestas.

En la obra de François Ozon, el bello otoño de las actrices de "Cuando cae el otoño", "8 mujeres" o "Bajo la arena" (II)

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Ozón, una bendición

Lo de Ozon son las abuelas peculiares: tres años después de Ocho mujeres, Jeanne Moreau interpretó a la abuela de Melvil Poupaud en El tiempo que queda (Le Temps qui reste, 2005). La entonces actriz de 77 años comenzó respondiendo: "¡Te lo advierto, no quiero interpretar a una abuela!". Antes de deleitarse con este papel deliciosamente amoral, François Ozon podría ser criticado por elegir solo estrellas, pero para él, todo depende ante todo del apoyo del público: cuando le dio el papel principal de Potiche, mujeres al poder (Potiche, 2010) a Catherine Deneuve, jugó inmediatamente con su imagen mostrándola haciendo jogging en chándal. Por otro lado, cuando necesita una anciana inmediatamente creíble, elige a Hélène Vincent, una gran actriz, pero menos influenciada por el glamour del cine francés.

8 mujeres (2002)

Para Catherine Piffaretti, actriz y representante de la comisión Tunnel para actrices mayores de 50 años de la Aafa (Actrices & acteurs de France associés), Ozon es una bendición en el panorama cinematográfico francés, donde las cifras siguen siendo alarmantes: "En 2023, solo el 9% de todos los papeles, desde la estrella hasta la silueta de una dama con un perrito, se asignaron a actrices mayores de 50 años. Mientras que para los actores de la misma edad, la cifra es del 19%. Es simple: una de cada cuatro personas adultas en la sociedad francesa es mujer mayor de 50 años. Pero en el cine, solo representa un papel de cada once, mientras que la proporción es de uno de cada cinco para los hombres. ¡Es repugnante!".

Para ella, la cuestión de las estrellas es compleja, ya que Isabelle Huppert, Catherine Deneuve o Karin Viard, un pequeño puñado de actrices "financiables", son los árboles que esconden el bosque... ¡pero afortunadamente están ahí! Por otro lado, insiste en una condición necesaria: "Hay que ver cómo les permitimos envejecer en la imagen, reflejar verdaderamente su edad para que los espectadores puedan identificarse con ella".

Melvil Poupaud y Jeanne Moreau en El tiempo que queda (2005)

El cine es un vector de normas: el riesgo, si las mujeres mayores de 50 años no están suficientemente representadas, es que acaben desapareciendo del inconsciente colectivo y chocando contra el techo de cristal en la vida real, QED. Catherine Piffaretti también señala otra trampa, aún más insidiosa: «Invisibilizar a las actrices mayores de 50 años significa privar a las jóvenes de representaciones de mujeres mayores y, por lo tanto, privarlas... de un futuro. De la posibilidad de madurar. Como si estuvieran programadas para desaparecer». Afortunadamente, existe François Ozon, pero también, por ejemplo, Robert Guédiguian, quien nos ha permitido ver a Ariane Ascaride envejecer magníficamente en la pantalla durante décadas, o incluso a actrices muy destacadas, como Cécile de France, Agnès Jaoui o Sandrine Kiberlain, que retoman, en los medios, el discurso de la comisión Aafa.

Judith Godrèche y Catherine Deneuve en Potiche, mujeres al poder (2010)

Pero entonces ¿cómo podremos seguir existiendo en una pantalla? Algunas actrices optan por “no envejecer” gracias a la cirugía estética. Catherine Piffaretti entiende esta estrategia de supervivencia, aunque sea un arma de doble filo: "A las actrices se les pide que se mantengan jóvenes a toda costa, ¡y luego se les dice que están demasiado exageradas!"  François Ozon, por su parte, lamenta que las actrices francesas que no se han retocado, "alisado " el rostro, sean invisibilizadas en el cine francés: "Cuando observas de cerca a un personaje, descubres su belleza, incluso, y sobre todo, en las arrugas de su rostro. Tomemos como ejemplo a las actrices estadounidenses: mediante la cirugía, algunas se han convertido en criaturas, y es complicado escribir papeles realistas para criaturas". En Francia, aunque todavía queda un largo camino por recorrer para que las actrices "envejecidas" salgan del túnel, el otoño sigue siendo una estación más hermosa que en otros lugares. Entonces, la próxima película de Rebecca Zlotowski, Vida privada (Vie privee, 2025) estará protagonizada por Jodie Foster, de 62 años, y las arrugas naturales más bellas del mundo. 

En la obra de François Ozon, el bello otoño de las actrices de "Cuando cae el otoño", "8 mujeres" o "Bajo la arena" (I)

En casa de François Ozon, el bello otoño de las actrices de Cuando cae el otoño, 8 mujeres o Bajo la arena. Las actrices mayores de 50 años siguen siendo, con demasiada frecuencia, invisibles en la pantalla. Pero no así para el cineasta francés. 

En Cuando cae el otoño (Quand vient l'automne, 2024), las dos actrices principales tienen respectivamente 81 años (Hélène Vincent) y 74 años (Josiane Balasko). Y representan personajes que contradicen seriamente la primera frase, aparentemente banal, de la sinopsis: Michelle (Hélène Vincent) es una abuela enérgica que pasa su jubilación en un pueblecito en la campiña francesa, donde también reside Marie-Claude (Josiane Balasko), su mejor amiga. Emocionada con la visita de su hija Valérie y nieto Lucas, con la idea de dejarle al pequeño durante la semana de vacaciones escolares, Michelle les cocina unas setas silvestres que resultan ser tóxicas. Todo lo que acontece después parece fruto del infortunio, pero la sombra de la duda crece cuando conoce al hijo de Marie-Claude, que acaba de salir de prisión.

Garlan Erlos y Hélène Vincent en Cuando cae el otoño (2024)

El vigésimo tercer largometraje del cineasta desmiente la teoría de que el cine francés rechaza a las actrices mayores de 50 años. Y lo hace jugando con estereotipos: "Al principio de la película, es la abuela perfecta y cariñosa, pero vamos a descubrir su lado oscuro, su pasado… Es una forma de romper con la idealización de las personas mayores, porque olvidamos que tienen, o tuvieron, una sexualidad, o que cometieron horrores en su juventud". Admite que la película no fue difícil de montar porque los financieros se sintieron reconfortados por «el aspecto de cine de género, tipo Simenon.

Esto no fue en absoluto el caso de Bajo la arena (Sous le sable, 2000), hace veinticinco años, donde el director ya le dio el papel principal a una actriz de cincuenta años: "Nadie entendía esta historia de una mujer madura que quería filmar en la belleza de su edad. Durante la preparación, los productores me dijeron que un tema así no interesaría a nadie. Charlotte Rampling apenas superaba los cincuenta, estaba sublime, ¡pero me dijeron que estaba acabada! Empezamos la película en 35 mm y tuvimos que terminarla en 16 mm por falta de dinero. Esperábamos lo peor cuando se estrenó, y de hecho, la película funcionó y relanzó la carrera de Charlotte".

Charlotte Rampling en Bajo la arena (2000)

También gracias a su forma de destacar a Rampling en la flor de la vida, el director no tuvo problemas para reunir, posteriormente, el espectacular reparto de todas las edades de Ocho mujeres (8 femmes)... pero sin ella, esta vez: "Catherine Deneuve, Isabelle Huppert o Danielle Darrieux confiaron en mi visión. Esta comedia policiaca estilizada era, a su manera, un homenaje al cine francés, así que no pensé en la más internacional Charlotte". La actriz, por su parte, prefirió haber sido, para él, "UNA mujer, y no una mujer entre ocho". 

En esta historia de un gineceo de tres generaciones, era natural que hubiera una abuela y, una vez más, Ozon optó por darle a Danielle Darrieux el papel de una abuela alcohólica y criminal: "Las personas mayores existen en la pantalla, pero el cine siempre ha preferido a las abuelas de color rosa chicle, como Denise Grey en La fiesta (La Boum, 1980). 

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Hace 100 años: El último

El 23 de diciembre de 1924 se estrenó la película alemana El último (Der Letzte Mann), dirigida por F. W. Murnau e interpretada por Emil Jannings, Maly Delschaft, Max Hiller, Emilie Kurz, Hans Unterkircher, Georg John, Olaf Storm, Hermann Vallentin, Georg John, Emmy Wyda. Productora: Universum Film AG (U.F.A). Duración: 90 minutos. 

Sinopsis argumental: La historia nos lleva a la entrada de un lujoso hotel en cualquier ciudad del mundo occidental. En ella nos encontramos al portero (Emil Jannings), un robusto y respetado hombre que no solo carga con las maletas de los clientes, sino que es el nexo de unión entre la entrada y salida de dos mundos muy diferentes. Los huéspedes le admiran, los trabajadores le idolatran, pero una vez en su barrio de clase media-baja, allí se convierte en un Dios. Saluda a todo el mundo portando aún su uniforme de portero de corte militar y siendo saludado (por no decir venerado) por la vecindad. Su orgullosa sobrina está a punto de casarse y habrá una celebración por todo lo alto. Mas el día de la boda por la mañana, cuando nuestro protagonista marcha hacia su trabajo, se encuentra que debido a su edad ha sido sustituido por un hombre mucho más joven y fuerte, mientras que a él le destinan al baño de hombres para trabajar como mozo. Toda una vida de orgullo y respeto se marcha por la taza del retrete que ha de dejar impoluta cada vez que es usada. El hombre, desmoralizado, decide ocultar la verdad a su sobrina por lo que vuelve a casa con el uniforme, el cual deja en una taquilla de la estación de tren antes de entrar, y vuelve a recoger al salir.

Comentario: Décimo quinto largometraje y primera con la UFA de F. W. Murnau. con guion de Carl Mayer, está inspirado en el cuento El capote, de Nikolái Gógol. Este clásico del cine mudo fue la primera película que explotó el movimiento de cámara.

Cumplió 25 años: Una historia verdadera

El 21 de mayo de 1999 se estrenó la película estadounidense Una historia verdadera (The Straight Story), dirigida por David Lynch e interpretada por Richard Farnsworth, Sissy Spacek, Harry Dean Stanton, Jane Galloway Heitz, Joseph A. Carpenter, Donald Wiegert, Jennifer Edwards-Hughes, Everett McGill. Productora: Coproducción Estados Unidos-Francia; Studiocanal, Les Films Alain Sarde, The Picture Factory, Film4 Productions, Asymetrical Production, Ciby 2000. Duración: 111 minutos. 

Sinopsis argumental: Alvin Straight (Richard Farnsworth) es un achacoso anciano que vive en Iowa con una hija discapacitada (Sissy Spacek). Además de sufrir un enfisema y pérdida de visión, tiene graves problemas de cadera que casi le impiden permanecer de pie. Cuando recibe la noticia de que su hermano Lyle (Stanton), con el que está enemistado desde hace diez años, ha sufrido un infarto, a pesar de su precario estado de salud, decide ir a verlo a Wisconsin. Para ello tendrá que recorrer unos 500 kilómetros, y lo hace en el único medio de transporte del que dispone: una máquina cortacésped. 

Nominaciones y premios: Oscar: Nominada a mejor actor (Richard Farnsworth); Globo de Oro: 2 nominaciones a mejor actor, banda sonora original; Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Farnsworth) y mejor fotografía 4 nominaciones; Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor actor (Farnsworth); Premios Independent Spirit: Mejor actor (Farnsworth). 4 nominaciones.

Comentario: La historia de Alvin Straight, basada en hechos reales, es un canto a la tenacidad y sabiduría que uno puede lograr en la senectud, tras la experiencia de los años vividos. Lynch dibuja bien los tipos humanos de la película, en primer lugar a Alvin. Éste viaja en una cortadora por las limitaciones físicas de su edad. Y esa lentitud con que se mueve, se convierte en metáfora de las necesidades de una sociedad que corre demasiado y no se detiene a pensar. En su largo caminar, Alvin se topa con variopintos personajes, y en cada uno derrama la ciencia que tiene. Fotografía de Freddie Francis y música de Angelo Badalamenti ayudan a conjugar el tono casi-épico con el intimista. Participamos así en un viaje de aprendizaje donde, curiosamente, el que aprende no es el viajero, sino los que se encuentran con él.

Cumplió 25 años: El invitado de invierno

El 28 de agosto de 1997 se estrenó la película británica El invitado de invierno (The Winter Guest), dirigida por Alan Rickman e interpretada por Emma Thompson, Phyllida Law, Sheila Reid, Gary Hollywood, Arlene Cockburn,Sandra Voe, Sean Biggerstaff, Douglas Murphy. Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Productor: Edward R. Pressman Production. Duración: 104 minutos.

Sinopsis argumental: Tras la muerte de su marido, Frances planea un viaje a Australia junto a su hijo. Su madre tratará de que se quede y afronte la realidad, mientras las relaciones entre los distintos miembros de la familia se van haciendo más intensas. 

Nominaciones y premios: Festival de Venecia: Nominada al León de Oro; Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor actriz (Emma Thompson); Festival de Chicago: Hugo de Oro - Mejor película; British Independent Film Awards (BIFA): Nominada a mejor actriz (Thompson)

Comentario: Película que marcó el debut del actor británico Alan Rickman como director. El argumento se refiere a las interacciones entre dos muchachos jóvenes, dos adolescentes, una madre, una abuela y dos ancianas. Se puede decir que el actor principal en la película es el mar congelado y el resto de las historias son solamente un fondo surrealista a él.

Cumplió 25 años: Por si no te vuelvo a ver

En 1997 se estrenó la película mexicana Por si no te vuelvo a ver, dirigida por Juan Pablo Villaseñor e interpretada por Jorge Galván, Ignacio Retes, Justo Martínez, Max Kerlow, Rodolfo Vélez, Leticia Huijara, Zaide Silvia Gutiérrez, Blanca Torres, Ana Bertha Espín, Angelina Peláez. Productora: IMCINE. Duración: 97 minutos. 

Sinopsis argumental: Cinco ancianos que han formado un conjunto musical escapan del asilo donde viven con la misión de entregar las cenizas de Rosita, una vieja amiga, a su sobrina Margarita en Tijuana. En el camino, perseguidos por las autoridades del asilo y por la policía, los cinco músicos tratarán de cumplir su ilusión de presentarse en un escenario.
Nominaciones y premios: Valladolid: Premio del Público; Premios Ariel: 8 premios incluyendo Mejor película y director. 19 nominaciones. 

Comentario: Nueva muestra de la capacidad de innovación que tiene el cine mexicano en esta última década, pese a no tener una buena acogida en las carteleras españolas. Con una gran dosis de humanismo y bordeando los tópicos de la comedia triste, Por si no te vuelvo a ver narra las aventuras de un grupo de ancianos en pos de un sueño. El resultado es un filme de gran belleza emocional, ganador de diversos premios internacionales y de un espléndido recibimiento crítico y comercial en su país de origen.

Efemérides de cine: Harold y Maude

El 20 de diciembre de 1971 se estrenó la película estadounidense Harold y Maude (Harold and Maude), dirigida por Hal Ashby e interpretada por Bud Cort, Ruth Gordon, Vivian Pickles, Cyril Cusack, Charles Tyner, Ellen Geer, Tom Skerritt, Eric Christmas, Gordon Devol, Ray K. Goman, Sonia Sorel. Productora: Paramount Pictures. Duración: 90 minutos.

Sinopsis argumental: Harold, un joven obsesionado por la muerte que simula suicidios ante su madre, conoce en un funeral a Maude, una septuagenaria vitalista que cambiará para siempre su modo de ver la vida.

Nominaciones y premios:  Globos de Oro: 2 Nominaciones a mejor actor (Cort) y actriz (Gordon) comedia; Premios BAFTA: Nominada a mejor promesa (Bud Cort); Festival de Valladolid - Seminci: Espiga de Oro (mejor película). 

Comentario: Aclamada comedia negra que relata la historia de un joven de buena familia obsesionado con la muerte, hasta el punto de que su pasatiempo favorito es probar diferentes métodos de suicidio. Obtuvo excelentes críticas. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXLV)

Harold y Maude (Harold and Maude, 1971), de Hal Ashby 

Aclamada comedia negra  que obtuvo excelentes críticas que trata de Harold, un joven obsesionado por la muerte que simula suicidios ante su madre, conoce en un funeral a Maude, una septuagenaria vitalista que cambiará para siempre su modo de ver la vida.  Hal Ashby dirigió en 1971 esta delirante comedia de humor negro que con los años se ha convertido en un auténtico filme de culto, gracias a la nada usual historia de amor de los dos protagonistas, interpretados por la entonces octogenaria Ruth Gordon y Bud Cort. De hecho, para decidirse por el papel, el joven Cort pidió consejo a Robert Altman, su mentor, quien le sermoneó sobre los peligros de encasillarse a su edad. Por ello, se decidió por Harold y Maude, rechazando el rol de Billy Bibbit en Alguien voló en el nido del cuco. Cabe destacar también la banda sonora, compuesta por el entonces muy en boga Cat Stevens. Obtuvo dos nominaciones a los Globos de Oro en las categoría de mejor Actor (Cort) y actriz (Gordon) y comedia, así como una nominación en los Premios BAFTA a la mejor promesa (Bud Cort) y la Espiga de Oro en el Festival de Cine de Valladolid (Seminci).