Cinco películas de Paul Thomas Anderson que hay que ver (I)

Paul Thomas Anderson se consolidó como uno de los directores más audaces y técnicamente dotados de su generación. Sus historias no suelen ser complacientes: exploran la soledad, el poder, las familias disfuncionales y esa búsqueda incansable de pertenencia en un mundo que parece siempre a punto de desmoronarse. 

1. Magnolia (1999)

La trama: Un mosaico ambicioso de vidas cruzadas en el Valle de San Fernando, en Los Ángeles: un niño prodigio, el presentador de un concurso de televisión, un ex-niño prodigio, un moribundo, su hijo perdido, la mujer y el enfermero del moribundo. Son historias aparentemente independientes, pero que guardan entre sí una extraña relación. A través de nueve tramas que convergen de forma casi mística, Anderson explora el perdón y las coincidencias imposibles.

Tom Cruise en Magnolia (1999)

Comentario: Fue celebrada como una obra maestra del exceso emocional. Aunque su duración y su final surrealista dividieron las opiniones, la prensa destacó su valentía narrativa y una banda sonora de Aimee Mann que funciona como el corazón latente de la película. La actuación de Tom Cruise como un gurú de la seducción es, para muchos, la cima de su carrera. Disponible en Apple TV+ y Google TV.

2. Pozos de ambición (There Will Be Blood, 2007)

La trama: Texas, principios del siglo XX. Una historia sobre la familia, la avaricia y la religión. Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis) se traslada a una miserable ciudad con el propósito de hacer fortuna, pero, a medida que se va enriqueciendo, sus principios y valores desaparecen y acaba dominado por la ambición. Tras encontrar un rico yacimiento de petróleo en 1902, se convierte en un acaudalado magnate. Cuando, años después, intenta apoderarse de un nuevo yacimiento, tiene que enfrentarse al predicador Eli Sunday (Paul Dano). 

Daniel Day-Lewis en Pozos de ambición (2007)

Comentario: Adaptación de la novela de Upton Sinclair Petróleo, escrita en 1927. Daniel Day-Lewis interpreta a Daniel Plainview, un minero convertido en magnate petrolero cuya ambición lo consume por completo. Es una épica oscura sobre el nacimiento del capitalismo moderno y el enfrentamiento entre la fe y el dinero. Considerada unánimemente como una de las mejores películas del siglo XXI. Los especialistas alabaron la dirección milimétrica de Paul Thomas Anderson y la atmósfera opresiva lograda por la música de Jonny Greenwood (Radiohead). Disponible en Netflix y Movistar TV. 

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Retrospectiva: Matar a un ruiseñor

En 1962, durante el rodaje de Matar a un ruiseñor (To Kill a Mockingbird, 1962), dirigida por Robert Mulligan, ocurrió un momento que nadie había ensayado. En pleno juicio ficticio, mientras Brock Peters interpretaba el testimonio de un hombre acusado injustamente, algo se quebró dentro de él. Las lágrimas comenzaron a caer sin que estuviera en el guion. Gregory Peck, para no romper la escena, evitó mirarlo directamente. Sabía que si cruzaba los ojos con Peters, la emoción lo desbordaría también. 

Lo curioso es que, al inicio, muchos productores no querían contratar a Brock Peters. Lo veían como un villano por sus papeles anteriores. No imaginaban que ese hombre, nacido como George Fisher en la pobreza de Harlem, cargaría con tanta verdad en una sola escena. Peters había llegado al cine después de un camino difícil. Estudió en la prestigiosa Escuela de Música y Artes de Nueva York, pero sobrevivía con trabajos esporádicos mientras buscaba una oportunidad en la actuación. Su vida cambió cuando obtuvo un papel en el musical Porgy and Bess en 1949; dejó la universidad y salió de gira. Su primera gran aparición en cine llegó con Carmen Jones en 1954.

Mientras tanto, Matar a un ruiseñor tampoco lo tenía fácil. Aunque la novela ganó el Pulitzer, los estudios la rechazaron una y otra vez. Decían que no había suficiente acción, que no era romántica, que su villano no sufría castigo. Pero el productor Alan J. Pakula vio algo que otros no: humanidad. Convenció al director Robert Mulligan, y juntos lograron lo imposible: que Gregory Peck aceptara el papel de Atticus Finch.

Para preparar su personaje, Peck viajó con Mulligan y Pakula a Monroeville, Alabama. Allí conoció al padre enfermo de Harper Lee: Amasa Lee, el hombre que había inspirado a Atticus. Un viudo que había criado solo a sus hijos y había defendido a un inocente cuando nadie más se atrevía. Ese encuentro marcó a Peck y se convirtió en el núcleo emocional de su interpretación. Años después, en 2003, cuando Gregory Peck murió, Brock Peters fue quien pronunció su discurso en el funeral. El hombre que había llorado sin querer durante el rodaje fue también quien, desde el corazón, despidió al amigo que lo había ayudado a contar una de las historias más poderosas de la pantalla.

Las 30 mejores películas de ciencia-ficción y dónde verlas (I)

La ciencia-ficción siempre ha sido el género que mejor ha sabido mirar al futuro para hablar del presente. Desde que Stanley Kubrick redefiniera el lenguaje cinematográfico con 2001: Una odisea del espacio, el género ha evolucionado en múltiples direcciones: desde la distopía existencial hasta la épica espacial, pasando por la inteligencia artificial, los viajes en el tiempo o la colonización de otros mundos. Ridley Scott firmó dos de sus pilares con Alien y Blade Runner, mientras que Christopher Nolan ha sabido llevar la ciencia ficción al gran público sin renunciar a la ambición narrativa en títulos como Interestelar u Origen. Y en los últimos años, Denis Villeneuve ha devuelto la grandeza al género con su monumental adaptación de Dune, cuya segunda parte ha consolidado una de las sagas más importantes del cine moderno.

Pero más allá de los grandes nombres y presupuestos, la ciencia ficción también ha brillado en propuestas más íntimas y personales. Películas como Moon, de Duncan Jones, o Ex Machina, de Alex Garland, demuestran que el género puede ser tan introspectivo como espectacular, explorando la identidad, la conciencia y los límites de lo humano con una sensibilidad poco habitual. En este reportaje repasamos 30 películas esenciales de la ciencia ficción, ordenadas por fecha de estreno, que han marcado un antes y un después en la historia del cine. Además, te contamos dónde puedes verlas en streaming.

1. Metrópolis (1927), de Fritz Lang 

Futuro, año 2000. En la megalópolis de Metrópolis la sociedad se divide en dos clases, los ricos que tienen el poder y los medios de producción, rodeados de lujos, espacios amplios y jardines, y los obreros, condenados a vivir en condiciones dramáticas recluidos en un gueto subterráneo, donde se encuentra el corazón industrial de la ciudad. Un día Freder (Alfred Abel), el hijo del todopoderoso Joh Fredersen (Gustav Frohlich), el hombre que controla la ciudad, descubre los duros aspectos laborales de los obreros tras enamorarse de María (Brigitte Helm), una muchacha de origen humilde, venerada por las clases bajas y que predica los buenos sentimientos y al amor. El hijo entonces advierte a su padre que los trabajadores podrían rebelarse.

La anécdota: Joseph Goebbels, ministro de propaganda nazi, quedó tan impresionado por la película que ofreció a Fritz Lang dirigir el cine del Tercer Reich como “ario honorario”, soslayando la cuestión de que el director tenía ascendencia judía. Lang rechazó la propuesta y huyó de Alemania esa misma noche. Mientras el régimen censuraba la película por considerarla ideológicamente peligrosa, una copia íntegra sobrevivió en Argentina. Décadas después, ese hallazgo permitió restaurar la versión original. Disponible en Rakuten TV. 

2. King Kong (1933), de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack

Un equipo de cine van a rodar una película a la misteriosa isla de Teschio, al este de Sumatra. Allí los recién llegados descubren la existencia de una civilización prehistórica y de una tribu ancestral que secuestra a la atractiva Ann, la actriz protagonista, para ofrecerla en sacrificio ritual a King, un gigantesco gorila.

La anécdota: La pelea entre Kong y el Tyrannosaurus Rex en King Kong (1933) no solo es uno de los momentos más memorables del cine fantástico, también fue una proeza técnica que rozó la obsesión. El animador Willis H. O’Brien tardó siete semanas en dar vida a la escena mediante stop-motion, ajustando cada gesto del gorila y del dinosaurio con precisión milimétrica. Pero no todo fue miniatura: para los primeros planos, el equipo construyó una cabeza mecánica gigante de Kong, capaz de mover los ojos y la mandíbula con sorprendente expresividad. Disponible en Amazon Prime y Apple TV. 

3. La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the Body Snatchers, 1956), de Don Siegel

En la ciudad de Santa Mira, en California, el médico Miles Bennell empieza a recibir quejas de varios pacientes sobre sus seres queridos, a los que acusan de ser unos impostores. El psiquiatra local, Dan Kauffman, considera que se trata de un episodio de histeria colectiva. No obstante, un amigo de Bennell, Jack Belicec, descubre en su casa un extraño cuerpo sin vida que aún no está desarrollado por completo. La misma situación va a experimentar Becky Driscoll, una antigua novia de Bennell, que halla una figura femenina. El médico llama a Kauffman para que observe el descubrimiento, pero los cuerpos han desaparecido y el psiquiatra sospecha que Miles es víctima de la misma histeria que están sufriendo sus pacientes de forma progresiva. Sin embargo, el hallazgo de unas insólitas vainas gigantes de las que parecen brotar los cuerpos corrobora la existencia de un misterio sin resolver que le dará un toque de intriga a la película.

La anécdota: El final no fue el que Don Siegel había imaginado. En su versión original, el protagonista corría desesperado por una autopista, gritando que “¡ya están aquí!”, mientras los coches pasaban sin prestarle atención. Era un cierre seco, inquietante, sin redención. Pero los ejecutivos del estudio no estaban dispuestos a dejar al público con esa sensación de desamparo. Obligaron a añadir un epílogo con voz en off, sugiriendo que la amenaza podría ser contenida. En el sensacional remake del 1978, Philip Kaufman cerró con un final más dramático y desalentador que el propuesto por Siegel. Está basada en la novela de Jack Finney The Body Snatchers. Disponible Prime Video, Netflix, Filmin y MUBI.

Recordando a Orson Welles: El cuarto mandamiento

El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons, 1942). Fue la segunda película de Welles, tras Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941), y en esta película volvía a dirigir y a escribir el guion, aunque esta vez no interpretaba ningún papel. Es una estupenda película, en la que Orson Welles no fue el responsable del montaje final, manipulado por la productora RKO tenía miedo de que Welles rodara una película demasiado personal, lo que pudiera perjudicar a sus resultados en taquilla. Así que la productora arrebató el control creativo al cineasta, y ordenó un nuevo montaje, que mutiló seriamente el original. Las imágenes de Welles son tan fascinantes que, aún así, quedó intacta la magia de esta reflexión acerca de la decadencia de la aristocracia, la aparición del progreso en una sociedad anquilosada y la ascensión de una nueva estructura social".

Joseph Cotten y Agnes Moorehead en El cuarto mandamiento (1942)

Con esta película comenzaría la leyenda negra que le acompañaría el resto de su vida.

Dolores Costello  y Tim Holt en El cuarto mandamiento (1942)

La trama: A finales del siglo XIX, la mansión Amberson es la más fastuosa de Indianápolis. Cuando su dueña, la bellísima Isabel, es humillada públicamente, aunque de forma involuntaria por su pretendiente Eugene Morgan, lo abandona y se casa con el torpe Wilbur Minafer. Su único hijo, el consentido George, crece lleno de arrogancia y prepotencia. Años más tarde, Eugene regresa a la ciudad con su hija Lucy, y George se enamora de ella. Basada en la novela homónima de Booth Tarkington, escrita en 1918, y que había ganado el premio Pulitzer en 1919.

Joseph Cotten, Agnes Moorehead, Richard Bennett, Ray Collins y Dolores Costello en El cuarto mandamiento (1942)

"Mujercitas": cuatro películas, cuatro visiones de Jo, la heroína convertida en icono feminista 24/12

Rebelde, testaruda, rara... ¿Quién es realmente Jo, personaje central de la novela de Louisa May Alcott publicada en 1868? Las cuatro adaptaciones estrenadas entre 1933 y 2019, cada una presentó su versión. Retrato fragmentado.

"Masculina", "satírica", "vulgar", "vergonzosa"… La descripción que Louisa May Alcott hace de su alter ego literario, Jo, ha dado lugar a numerosas interpretaciones desde 1868 y la publicación de Mujercitas. Escritora en ciernes, poco interesada en las emociones románticas y viendo en el chico con el que sale un simple amigo, Jo es una anomalía en la sociedad conservadora de finales del siglo XIX. Un personaje de vanguardia imaginado por una autora adelantada a su tiempo, activista feminista, implicada en el Woman’s Journal, en cuyas páginas defendió los derechos de las mujeres.

1. Las cuatro hermanitas (Little Women, 1933), de George Cukor

Cuatro jóvenes hermanas, Josephine, Margaret, Amy y Beth March, realizan un aprendizaje, a veces doloroso, a veces fascinante, de la vida y del amor al cuidado de su madre mientras su padre lucha en la Guerra Civil Americana (1861-1865). Las cuatro van creciendo y abandonando, una a una, el hogar familiar para casarse y crear sus propias familias. Sólo se queda Jo, que quiere ser escritora. A pesar de que tiene la sensación de que para ella ya no es posible la felicidad, sigue escribiendo y consigue publicar su primera obra.

George Cukor dirigió una de las primeras versiones en el cine, y una de las mejores, de la clásica novela de Louisa May Alcott. La mayor baza de la película es la presencia de una jovencita Katharine Hepburn en el papel de la osada Jo, personaje que lleva casi todo el peso de la historia. Con su interpretación recibió la copa Volpi en el festival de Venecia. Junto a ella, destaca también la presencia de Joan Bennett. Entrañable película nominada a los Oscar y ganadora al mejor guión, que sigue encantando a pesar del paso del tiempo.

2. Mujercitas (Little Women, 1949), de Mervyn LeRoy

Guerra de Secesión (1861-1865). Adaptación de la novela homónima de Louise May Alcott. Mientras su padre está en la guerra, cuatro jóvenes hermanas de caracteres muy diferentes realizan un aprendizaje, a veces doloroso, a veces fascinante, de la vida y del amor. A medida que van creciendo, abandonan, una a una, el hogar familiar para casarse y crear su propia familia. En casa sólo se queda Jo, que quiere ser escritora, y para conseguirlo se traslada a Nueva York, donde, gracias a su tenacidad y esfuerzo logra publicar su primera obra.

Deliciosa película clásica protagonizada por Janet Leigh, Elizabeth Taylor, Margaret O'Brien y Peter Lawford, entre otros. La película es la segunda adaptación de la novela de Louisa May Alcott, que ya contaba con una versión en 1933 de George Cukor con Katharine Hepburn. La cinta de Mervyn LeRoy con el agradable Technicolor se ha convertido en una maravillosa película. Indispensable.

3. Mujercitas (Little Women, 1994), de Gillian Armstrong

Guerra de Secesión (1861-1865). Mientras su marido lucha en el frente, Marmee se queda sola con sus cuatro hijas, sus “mujercitas”: Jo, un torbellino de energía que quiere ser escritora; Meg, la más formal y responsable, la frágil Beth y la romántica Amy. A medida que pasan los años, las hermanas comparten algunos de sus recuerdos más queridos y dolorosos, mientras Marmee y la tía March las orientan sobre cuestiones como la independencia, el amor y la importancia de la familia.

Introduciéndonos en su vida, conocemos la sociedad de Estados Unidos a mediados del siglo XIX, las costumbres y la forma en que se desarrollaban las relaciones. Una entrañable película basada en la famosa novela de Louisa May Alcott. Realiza una eficaz recreación de la época a través de estas cuatro jovencitas. Pone de relieve los valores positivos del amor familiar y la honestidad. Cuenta con actrices de primera línea, como la entonces emergente Winona Ryder o la portentosa Susan Sarandon.

4. Mujercitas (Little Women, 2019), de Greta Gerwig

Massachusetts, mediados del siglo XIX, después de la Guerra Civil en Estados Unidos. Decididas a vivir la vida según sus propias normas, las hermanas March, Meg (Emma Watson), Beth (Eliza Scanlen), Jo (Saoirse Ronan) y Amy (Florence Pugh), deberán enfrentarse al reto de llegar a la edad adulta. Las cuatro hermanas, guiadas por su madre la Señora March (Laura Dern) y avaladas por la fortuna de su Tía March (Meryl Streep), trabarán amistad con el vecino de al lado, un joven llamado Laurie (Timothée Chalamet), además de con Friedrich Bhaer (Louis Garrel), un profesor de origen alemán que animará a Jo a convertirse en escritora. 

Esta nueva adaptación del clásico de Louisa May Alcott Mujercitas (1868) está escrita y dirigida por la actriz y realizadora Greta Gerwig, responsable de la película Lady Bird (2017).

Celebrando la promoción del "99" (XIV)

Boys Don't Cry, de Kimberly Peirce

Por qué es importante: es una película que marca un hito en la representación y una historia real que puede haber servido como la primera exposición de algunos espectadores a la experiencia queer y todas las implicaciones que conlleva.

Por qué se mantiene: sigue siendo difícil de ver y tiene una buena cantidad de críticos. Si bien la brutalidad y la discriminación no han disminuido, estamos agradecidos de que el canon queer se haya expandido desde Boys para incluir historias más alegres.

Qué ver a continuación: aunque se estrenó solo unos años después, Hedwig and the Angry Inch ofrece la contraparte tonal perfecta para la austera gravedad que sustenta Boys. Deléitese con la euforia de género de Hedwig con números musicales pegadizos, interludios animados y mucho brillo.

Celebrando la promoción del "99" (VII)

El gigante de hierro (The Iron Giant), de Brad Bird

Por qué es importante: El debut como director del empresario de Pixar, Brad Bird, es una obra maestra animada con un toque de tragedia. Basada en una novela de Ted Hughes, Bird se encargó del proyecto para procesar la pérdida de su hermana. Utilizando una combinación de técnicas tradicionales y CGI y un elenco de gran talento en las voces, fue un fracaso de taquilla, pero conquistó a los críticos, ganándose un seguimiento de culto y comparaciones con Hayao Miyazaki.

Por qué se mantiene: Una edición remasterizada de la película regresó a los cines en 2015 con nuevas imágenes animadas adicionales, incluido un huevo de Pascua de Tomorrowland: El mundo del mañana (Tomorrowland, 2015). Vuelva a verla cuando necesite un recordatorio de que podemos elegir ser super.

Qué ver a continuación: Los visitantes del Museo Ghibli en los suburbios de Tokio pueden reconocer a un cierto gigante larguirucho y amenazador que posa fuera de la entrada. Por desgracia, no es El gigante de hierro, sino Laputa, el ser de metal sensible (y la inspiración del rumoreado gigante) de El castillo en el cielo (Tenkû no shiro Laputa, 1986), de Miyazaki.

Clásicos de la década de 1980 (VI)

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Aliens: El regreso (Aliens AKA Aliens 2, 1986), de James Cameron

Alien es un organismo perfecto, una máquina de matar cuya superioridad física sólo puede competir con su agresividad. La oficial Ripley y la tripulación de la nave “Nostromo” se habían enfrentado, en el pasado, a esa monstruosa criatura. Y sólo Ripley sobrevivió a la masacre. Después de vagar por el espacio durante varios años, Ripley fue rescatada. Durante ese tiempo, el planeta de Alien ha sido colonizado. Pero, de repente, se pierde la comunicación con la colonia y, para investigar los motivos, se envía una expedición de marines espaciales, capitaneados por Ripley. Allí les esperan miles de espeluznantes criaturas. Alien se ha reproducido y esta vez la lucha es por la supervivencia de la Humanidad. 

Sigourney Weaver en Aliens: El regreso (1986)

Una de las más dignas secuelas de los últimos tiempos, en la que James Cameron supo continuar la trama de la clásica Alien, el octavo pasajero, dirigida por Ridley Scott. Sigourney Weaver vuelve a realizar una correcta actuación como la Teniente Helen Ripley, tanto es así que tuvo que pasar mucho tiempo para que se librase del encasillamiento al que se vio arrastrada por esta saga. Junto a ella el actor fetiche de Cameron, Michael Biehn, protagonista de varios de sus títulos más significativos. 

Cuenta conmigo (Stand by Me, 1986), de Rob Reiner

En un pequeño pueblo de Oregón, cuatro adolescentes se lanzan a la aventura de buscar a un muchacho desaparecido. Jugando a ser héroes, el inteligente Cornie, el rudo y sentimental Chris, el extravagante Teddy y el miedoso Vern se adentran en un ambiente hostil en el que deberán valerse por sí mismos.

Wil Wheaton, Jerry O'Connell, Corey Feldman y River Phoenix en Cuenta conmigo (1986)

Adaptación de un relato de Stephen King, en que un escritor recuerda su adolescencia, y en especial el verano en que, con su pandilla, descubrieron un cadáver en el bosque. Este extraño suceso tiene lugar en un pequeño pueblo de Oregón, Estados Unidos. Una entretenida película de aventuras, bañada de nostalgia, que hace un certero retrato del difícil paso de la niñez a la adolescencia. La película ha llegado a convertirse en un clásico, tan inolvidable como el tema musical del que toma título el film, Stand By Me, interpretado por Ben E. King.

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Las veinte mejores películas de John Ford (XIX)

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19. La ruta del tabaco (Tobacco Road, 1941)

Jesper y Ada Lester son un matrimonio que vive junto a sus dos hijos, Dude y Ellie, en una granja en el interior de Georgia. La zona está ubicada en la "ruta del tabaco". El cabeza de familia es un holgazán que no es capaz de mantener en pie ningún negocio. Ahora el banco le reclama una cuantiosa deuda por los pagos atrasados de sus tierras. Jesper, lejos de ponerse a trabajar decide pedir dinero a sus amigos y conocidos, pero todos conocen su picaresca y se lo niegan. Un día acude a pedirle dinero a Bessie, una joven que ha enviudado y ha cobrado una importante cantidad de la aseguradora. Pero Bessie ahora está prometida con su hijo Dude y se ha gastado todo el dinero en comprarle un descapotable. Acabados todos los recursos, Jesper decide casar a su hija Ellie con su cuñado, un hombre bastante mayor que ella pero que posee algunas riquezas.

La ruta del tabaco parte de una novela de un buen escritor, Erskine Cadwell; luego fue convertida en una obra de teatro por Jack Kirkland, obteniendo un gran éxito. Un buen guionista, Nunnally Johson, partió, curiosamente de la obra de teatro y no de la novela, convirtiéndola John Ford en una excelente película. Momentos de humor al más puro estilo Chaplin y escenas ingeniosas a cargo de los personajes que hacen lo que sea por comer.

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Cumplió 25 años: Boys Don't Cry

El 2 de septiembre de 1999 se estrenó la película estadounidense Boys Don't Cry, dirigida por Kimberly Peirce e interpretada por Hilary Swank, Chloë Sevigny, Peter Sarsgaard, Brendan Sexton III, Alicia Goranson, Alison Folland, Rob Campbell, Jeannetta Arnette, Matt McGrath, Cheyenne Rushing, Jerry Haynes, Lou Perryman. Productora: Fox Searchlight. Duración: 114 minutos.

Sinopsis argumental: Teena Brandon, una adolescente de Nebraska, no lleva bien su condición de mujer, así que se muda a Falls City y se convierte en Brandon, un chico de pelo corto, que rápidamente es adoptado por un grupo de ociosos. Teena/Brandon se integra en el grupo, pero sigue siendo presa de una crisis de identidad sexual que la ha acosado toda su vida. Se enamora de Lana, la novia de John quien, al descubrir la verdad sobre Teena, sufre un arrebato de furia asesina. 

Nominaciones y premios: Oscar: Mejor actriz (Hilary Swank). 2 nominaciones; Globo de Oro: Mejor actriz (Hilary Swank). 2 nominaciones; Nominada Premios BAFTA: Mejor actriz (Hilary Swank); 2 premios National Board of Review: Mejor actriz, director novel (Peirce); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actriz (Hilary Swank). 3 nominaciones; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actriz y actriz secundaria.

Comentario: Esta película basada en hechos reales ha cosechado multitud de premios en festivales internacionales. La historia es muy dura, pues muestra la crisis de identidad sexual de la protagonista sin tapujos, y la incomprensión de los que la rodean. Hilary Swank se dio a conocer y ganó el Oscar por su interpretación.

Películas "Cuando los animales atacan" (VI)

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17. Cujo (1983), dirigida por Lewis Teague

En Castle Rock, una pequeña localidad de Maine, en Estados Unidos, un mecánico, Joe Camber, tiene un afable perro San Bernardo llamado Cujo. Un día, el animal corre tras un conejo al que persigue hasta una cueva, donde un murciélago le muerde y le contagia la rabia. Poco después, el perro ataca al vecino de Joe, Gary, y lo mata. Cuando el mecánico va a visitar a su amigo, lo descubre muerto. Cujo, que sigue allí, acaba con su dueño. En Castle Rock también viven los Trenton, que atraviesan una crisis familiar después de que Vic haya descubierto que su mujer, Donna, le ha sido infiel. En este desagradable contexto, Vic debe marcharse en viaje de trabajo a Boston y Nueva York. Junto a su pequeño hijo, Tad, Donna lleva su coche a reparar al taller de Camber. Mientras la mujer busca al mecánico, Cujo aparece dispuesto a atacar.

Basada en la novela homónima de Stephen King. Típico producto de terror de serie B, en que un animal que puede ser tan simpático como un perro San Bernardo, es transformado por una acción quasi-diabólica en un sanguinario animal.

18. Razorback: Los colmillos del infierno (Razorback, 1984), de Russell Mulcahy

Una especie de cerdo salvaje aterroriza y asesina gente en una aislada ciudad del interior de Australia. La primera víctima resulta ser un niño y después, una periodista americana. Su marido, Carl, quiere averiguar la verdad pero los habitantes de la zona no se muestran muy amistosos. Sólo contará con la ayuda de un cazador y una mujer para encontrar a la bestia.

Russell Mulcahy, director de Resident Evil: Extinción empezaba sus andanzas con una bizarra Ozploitation (Exploitation australiana) basada en una novela de Peter Brennan, el productor de televisión que revolucionó los reality shows con sus programas sobre juicios.

19. Slugs, muerte viscosa (1988), de Juan Piquer Simón

Una babosa hembra puede poner un millón y medio de huevos al año. En una pequeña población norteamericana, mientras todos duermen, una nueva especie de babosas está creciendo y multiplicándose en los húmedos y oscuros sótanos. Están desarrollando nuevos gustos de sangre, y de carne… ¡De carne humana!

Basado en una novela de Shaun Hutson, un best seller internacional, y producida por Francesca De Laurentiis (hija de Dino De Laurentiis) y Silvana Mangano, quien aparecía brevemente en la secuencia del restaurante). Los efectos especiales ganaron un Goya que recogieron Basilio Cortijo, Carlo Di Marchis y Gonzalo Gonzalo.

20. Aracnofobia (Arachnophobia, 1990), de Frank Marshall

Una peligrosa especie de araña que proviene de una selva exótica de Venezuela es transportada por accidente hasta una pequeña localidad de los Estados Unidos e instala su nido en el granero de una familia recién llegada. El arácnido se reproduce rápidamente y comienza a atacar a los habitantes de la zona causándoles la muerte. El Dr. Ross Jennings, el dueño del granero, empieza a investigar y tendrá que hacerle frente a la invasión de estos arácnidos a pesar de que sufre de aracnofobia.

Producida por Steven Spielberg, una entretenida película de terror con ligeros toques de comedia. La película juega con el pavor extremo a estos bichos unido a la posibilidad de que que sean mortalmente dañinos. 

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Cumplió 25 años: El gigante de hierro

El 31 de julio de 1999 se estrenó la película estadounidense El gigante de hierro (The Iron Giant), dirigida por Brad Bird. Reparto: Animación. Productora: Wranner Bros. Duración: 86 minutos. 

Sinopsis argumental: En 1957, en la pequeña localidad de Rockwell, alguien ha visto cómo un enorme hombre metálico caía al mar. Un imaginativo niño descubre que se trata de un robot gigante, cuyo apetito de metal es insaciable. Entre ambos nace una fuerte amistad, pero el gobierno envía a un agente para investigar los hechos. El niño esconde a su nuevo compañero en la chatarrería de un amigo. Pero los habitantes del pueblo comienzan a sentirse aterrados porque creen que es una nueva amenaza en plena Guerra Fría...

Nominaciones y premios: 9 Premios Annie: Incluyendo mejor película animada y Director. 15 Nominaciones; Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor película de animación; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor largometraje de animación; Premios Satellite Awards: Nominada a mejor largometraje animación.

Comentario: Originalísima película de animación la que nos sirve Brad Bird, basándose en la novela El hombre de hierro del escritor británico Ted Hughes de 1968. Por un lado sabe alejarse de los cánones de los dibujos de Disney, también en la historia, lo que le da una indudable personalidad. Hay lugar para el amor y los buenos sentimientos –la amistad entre el niño y el gigante de hierro, la preocupación mutua entre madre e hijo, el espíritu de sacrificio, la valentía, la posibilidad de cambiar a mejor...–, y a la vez se hace hueco, con acierto, el humor. La excusa principal para las risas la constituye el personaje del villano, un paranoico agente del gobierno que piensa, en plena guerra fría, que el robot puede ser un arma secreta de los rusos (“y si no lo es, hay que destruirlo igualmente, porque no es americano, y eso es razón suficiente”, asegura de un modo delirante). Uno de los grandes atractivos de la película es el robot: sus creadores lo concibieron como máquina de matar, pero la amistad con Hogarth y una curiosa “amnesia”, le hacen replantearse las cosas. El diseño del personaje es atractivo, porque combina el saber mostrar sus increíbles poderes, con un aire de ingenuidad, de cierta inocencia

Efemérides de cine: Fieles hasta la muerte

El 21 de junio de 1974 se estrenó la película estadounidense Fieles hasta la muerte (Where the Red Fern Grows), dirigida por Norman Tokar e interpretada por  James Whitmore, Beverly Garland, Jack Ging, Lonny Chapman, Stewart Petersen, Jill Clark, Jeanna Wilson, Bill Thurman, Bill Dunbar, Rex Corley, John Lindsey, Garland McKinney, Robert S. Telford, Charles Seat, Roger Pancake, Marshall Edwards, Lisa Christine Christiansen, Janet Halliburton. Producción: Doty-Dayton Production. Duración: 97 minutos. 

Sinopsis argumental: Fieles hasta la muerte es una historia conmovedora y llena de aventuras para todas las edades sobre un niño pequeño y su búsqueda de sus propios perros de caza de raza Redbone Coonhound. Ambientada en las montañas Ozark durante la Gran Depresión, Billy Coleman trabaja duro y ahorra sus ganancias durante dos años para lograr su sueño de comprar dos cachorros de Red Bone Coonhound. Desarrolla una nueva confianza en Dios mientras enfrenta desafíos abrumadores en aventuras y tragedias vagando por los lechos de los ríos del país Cherokee con Old Dan y Little Ann. La historia sigue al trío inseparable mientras corren implacablemente por los Ozarks, tratando de atrapar al escurridizo mapache fantasma. Sus esfuerzos resultan victoriosos cuando ganan la codiciada copa de oro en el concurso anual de caza de mapaches, capturan astutos mapaches fantasmas y luchan valientemente contra un puma. A través de estas aventuras, Billy se da cuenta del significado de la verdadera amistad, la lealtad y más.

Comentario: Basada en el libro infantil del mismo nombre de Wilson Rawls. La película tuvo una secuela en 1992, Where the Red Fern Grows: Part Two, y un remake Where the Red Fern Grows en 2003. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

“Footloose”, en Netflix: la película kitsch y de culto donde Kevin Bacon se sumó al baile

La película de Herbert Ross celebra su 40 aniversario. Nerd tras su lanzamiento, pero fenómeno pop de los años 1980. Un rebelde desafía una ley que prohíbe bailar en una ciudad ultrapuritana. Y el actor de repente se convirtió en una estrella.

“En ese momento quería trabajar con Martin Scorsese. Para interpretar a Chéjov”, dijo Kevin Bacon. Realmente no es el tipo de “Footloose”... 

Hace cuarenta años, precisamente el 16 de abril de 1984, llegó a las salas españolas una película que ya estaba de moda en Estados Unidos. Estrenada dos meses antes en el país del Tío Sam, Footloose, dirigida por Herbert Ross (fallecido en 2001), atrajo a los jóvenes como moscas agitadas y generó más de 80 millones de dólares en ingresos de taquilla. En España, la película fue un gran éxito. El día de su estreno, la presa titulaba: "Los jóvenes espectadores americanos están locos por Footloose”, mientras que la irresistible canción insignia ocupaba el primer puesto del hit parade americano ("Esta noche que ahora tengo que soltarme / Footloose / Quítate los zapatos del domingo", ya está, lo tienes en la cabeza para el día).

Kevin Bacon y Lori Singer en Footloose (1984)

Sin embargo, en general, las críticas fueron terribles: "A medio camino entre la fama y el thriller , Footloose es el ejemplo de la gangrena que la cultura rock y su descendencia, los vídeos musicales, canalizan en los círculos cinematográficos"; “¡No hay más estupidez que eso, no es factible!” Ya no es más demagogo, ni más estúpido, ni más bienpensante […] Footloose se unirá así a Grease, El lago azul y Amor sin fin, estos grandes enigmas de la taquilla americana que combinan la mayor tontería con el triunfo comercial. Luego, durante una retransmisión televisiva, unos años más tarde: "He aquí una de las películas más conservadoras que Estados Unidos nos ha ofrecido en mucho tiempo." 

Es cierto que la historia de Ren McCormack, un joven rebelde que llegó desde Chicago con su madre a una ciudad ultraconservadora que prohíbe a los adolescentes bailar y leer ciertos libros, es suficiente para abrir los ojos. El escenario, sin embargo, está inspirado en un hecho real: a finales del siglo  XIX , en un muy pequeño pueblo de Oklahoma, Elmore City, el baile estaba prohibido porque, según el pastor local, era sinónimo de depravación. Treinta años después, los estudiantes de secundaria se rebelan contra esta ley y logran organizar un baile de fin de curso en su colegio. 

Chris Penn y Kevin Bacon en Footloose (1984)

En Footloose, Kevin Bacon, que entonces tenía 26 años, asume el papel de Ren, que pretende despertar a los jóvenes que duermen bajo el yugo de la religión. Paramount había considerado primero a Tom Cruise, Robe Lowe o John Travolta, antes de que Herbert Ross impusiera a su actor. La pareja protagonista de Footloose también se hace eco de la formada por los mismos Travolta y Karen Lynn Gorney en Fiebre del sábado por la noche (1977).

La inolvidable escena del almacén

Si Lori Singer, en el papel de Ariel, la hija rebelde del pastor, no tuvo realmente carrera después, Kevin Bacon, apenas conocido por haber interpretado previamente a uno de los monitores asesinados en Viernes 13  (1980), accedió a una deslumbrante notoriedad. Se convirtió en una auténtica estrella del pop, para su consternación, ya que lo último que quería era serlo… “En ese momento, quería ser Dustin Hoffman, Meryl Streep, John Cazale o Robert De Niro. Trabajar con Martín Scorsese. Para interpretar a Chéjov ”, confió en el podcast Podcrushed, en septiembre de 2023.

Pese a todo, y tras una carrera impresionante (JFK, Apollo 13, Sleepers, Mystic River... ), acudió hace unas semanas, sin resentimientos, al instituto de Elmore City donde se rodó Footloose. Para celebrar el 40º aniversario de la película, pero también para recaudar fondos para su organización benéfica SixDegrees.org, un guiño al juego Six Degrees de Kevin Bacon. 

John Lightgow como el  estricto reverendo Shaw Moore en Footloose (1984)

Si después de cuatro décadas, Footloose sigue tan anticuado como entonces, sigue siendo un fenómeno pop indiscutible de los años 1980, gracias en particular a una escena antológica: aquella en la que Kevin Bacon, ebrio de rabia, baila como Demonios, ¡en realidad es doblado por un bailarín, un especialista y dos gimnastas! – en un almacén, sobre el título Never, de Moving Pictures. Inolvidable.

Cumplió 25 años: Una historia verdadera

El 21 de mayo de 1999 se estrenó la película estadounidense Una historia verdadera (The Straight Story), dirigida por David Lynch e interpretada por Richard Farnsworth, Sissy Spacek, Harry Dean Stanton, Jane Galloway Heitz, Joseph A. Carpenter, Donald Wiegert, Jennifer Edwards-Hughes, Everett McGill. Productora: Coproducción Estados Unidos-Francia; Studiocanal, Les Films Alain Sarde, The Picture Factory, Film4 Productions, Asymetrical Production, Ciby 2000. Duración: 111 minutos. 

Sinopsis argumental: Alvin Straight (Richard Farnsworth) es un achacoso anciano que vive en Iowa con una hija discapacitada (Sissy Spacek). Además de sufrir un enfisema y pérdida de visión, tiene graves problemas de cadera que casi le impiden permanecer de pie. Cuando recibe la noticia de que su hermano Lyle (Stanton), con el que está enemistado desde hace diez años, ha sufrido un infarto, a pesar de su precario estado de salud, decide ir a verlo a Wisconsin. Para ello tendrá que recorrer unos 500 kilómetros, y lo hace en el único medio de transporte del que dispone: una máquina cortacésped. 

Nominaciones y premios: Oscar: Nominada a mejor actor (Richard Farnsworth); Globo de Oro: 2 nominaciones a mejor actor, banda sonora original; Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Farnsworth) y mejor fotografía 4 nominaciones; Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor actor (Farnsworth); Premios Independent Spirit: Mejor actor (Farnsworth). 4 nominaciones.

Comentario: La historia de Alvin Straight, basada en hechos reales, es un canto a la tenacidad y sabiduría que uno puede lograr en la senectud, tras la experiencia de los años vividos. Lynch dibuja bien los tipos humanos de la película, en primer lugar a Alvin. Éste viaja en una cortadora por las limitaciones físicas de su edad. Y esa lentitud con que se mueve, se convierte en metáfora de las necesidades de una sociedad que corre demasiado y no se detiene a pensar. En su largo caminar, Alvin se topa con variopintos personajes, y en cada uno derrama la ciencia que tiene. Fotografía de Freddie Francis y música de Angelo Badalamenti ayudan a conjugar el tono casi-épico con el intimista. Participamos así en un viaje de aprendizaje donde, curiosamente, el que aprende no es el viajero, sino los que se encuentran con él.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCLXXII)

Muertos y enterrados (Dead & Buried, 1981), de Gary Sherman

En la pequeña y tranquila población de Potters Bluff ocurren una serie de extraños fallecimientos. Los muertos son forasteros, y todos ellos presentan señales de violencia. Dan, el comisario, investiga estos sucesos casi en solitario, ya que el forense, que podría aportar alguna pista sobre el caso, se entrega más a la tarea de reconstruir los cuerpos que a la de buscar las pruebas que el investigador necesita. Extraño y muy inquietante relato terrorífico, acerca de la clásica leyenda vudú de los cadáveres transformados por la intervención de un demiurgo. Gary Sherman ( que dirigió Poltergeist III) fue el realizador de esta cinta que incide en la estética de la muerte, poco explotada por el género. Sherman, además, contó con la inestimable colaboración de los mismos guionistas de Alien, Dan O'Bannon y Ronald Shusett. La película tuvo también un atractivo reparto encabezado por actores secundarios de peso como James Farentino, Melody Anderson y Jack Albertson; además de la participación, en un papel secundario, del actor que luego encarnó al sanguinario Freddy Krueger: Robert Englund.

Efemérides de cine: Las aventuras de Tom Sawyer

El 14 de marzo de 1973 se estrenó la película estadounidense Las aventuras de Tom Sawyer (Tom Sawyer), dirigida por Don Taylor e interpretada por Johnny Whitaker, Celeste Holm, Warren Oates, Jeff East, Jodie Foster,Lucille Benson, Henry Jones, Noah Keen, Dub Taylor, Richard Eastham, Kunu Hank. Productora: Apjac International. Duración: 104 minutos. 

Sinopsis argumental: Narra las peripecias del pequeño Tom Sawyer y sus amigos Huckleberry Finn y Becky Thatcher (Jodie Foster) que se divierten a orillas del río Mississippi jugando a ser piratas.

Nominaciones y premios: 3 nominaciones al Oscar: Mejor canción de la banda sonora original, vestuario, dirección artística; 2 Nominaciones Globos de Oro: Película comedia/musical y banda sonora.

Comentario: Musical inspirado en el clásico juvenil de Mark Twain, fuente de numerosas adaptaciones para el cine y la televisión. Jeff East, actor que interpreta a Huckleberry Finn, repetiría en 1974 como protagonista de la película musical de los mismos autores basado en su personaje. Jodie Foster realiza una de sus primeras interpretaciones como Becky Thatcher. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Cumplió 25 años: Heredarás la tierra

El 19 de septiembre de 1997 se estrenó la película estadounidense Heredarás la tierra (A Thousand Acres), dirigida por Jocelyn Moorhouse e interpretada por Michelle Pfeiffer, Jessica Lange, Jason Robards, Jennifer Jason Leigh, Keith Carradine, Colin Firth, Kevin Anderson, Pat Hingle, Elisabeth Moss, John Carroll Lynch, Michelle Williams. Productora: Polygram Filmed Entertainment, Beacon Pictures. Duración: 105 minutos. 

Sinopsis argumental: Larry Cook, el patriarca de una gran familia, posee una extensa y fértil propiedad agrícola. Cuando decide repartirla entre sus tres hijas, la semilla de la discordia divide a la familia. Secretos, rivalidades inconfesables y deseos insatisfechos y soterrados salen entonces a la superficie y sus consecuencias serán imprevisibles.

Nominaciones y premios: Nominada al Globo de Oro: Mejor actriz drama (Jessica Lange).

Comentario: Análisis sociológico y psicológico de las relaciones interfamiliares, con muchos puntos en común con el clásico shakesperiano "El rey Lear". Planteado como un duelo entre actrices, no en vano fue producido por las compañías de sus protagonistas, Michelle Pfeiffer y Jessica Lange, fue el cuarto filme de la directora australiana Jocelyn Moorhouse y se basó, a su vez, en la novela homónima de otra mujer, Jane Smiley, ganadora de un premio Pulitzer. El elemento femenino se completó con la actriz Jennifer Jason Leigh, en el papel de hermana menor.

Cumplió 25 años: In & Out

El 10 de septiembre de 1997 se estrenó la película estadounidense In & Out (Dentro o fuera), dirigida por Frank Oz e interpretada por Kevin Kline, Matt Dillon, Joan Cusack, Tom Selleck, Debbie Reynolds, Wilford Brimley, Bob Newhart, Shawn Hatosy, Lauren Ambrose, Alexandra Holden, Glenn Close, Whoopi Goldberg, Bill Camp. Productora: Paramount Pictures. Duración: 91 minutos. 

Sinopsis argumental: Howard Brackett (Kevin Kline), profesor de literatura inglesa, está a punto de casarse con la señorita Emily (Joan Cusack), pero surgen complicaciones cuando un antiguo alumno (Matt Dillon) gana un Oscar y se lo dedica a "su antiguo profesor homosexual de literatura". A partir de entonces, Howard no tendrá vida privada y los equívocos se sucederán, porque ni siquiera él mismo sabe cuál es su orientación sexual. 

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor actriz de reparto (Joan Cusack); 2 nominaciones al Globo de Oro: Actor comedia (Kevin Kline), actriz de reparto; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actriz secundaria (Joan Cusack); Critics' Choice Awards: Mejor actriz secundaria (Joan Cusack); Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor actriz secundaria (Joan Cusack); Asociación de Críticos de Boston: Nominada a mejor actriz secundaria (Joan Cusack)

Comentario: Al guionista Paul Rudnick se le ocurrió esta historia en la noche de los Oscar de 1994, cuando Tom Hanks recibía la estatuilla por su interpretación en Philadelphia. En su discurso tuvo palabras de agradecimiento para su antiguo profesor de teatro, del que el actor dijo que era homosexual. La pregunta que se planteó Rudnick fue: ¿qué hubiera ocurrido si el tutor no se lo hubiera contado a nadie? La respuesta se convirtió en este filme, dirigido por Frank Oz  e interpretado por Kevin Kline, ganador de un Oscar; Matt Dillon, teñido de rubio y parodiando a Brad Pitt; Joan Cusack, habitual secundaria de grandes comedias; Debbie Reynolds, la veterana estrella y Tom Selleck, en un intento de huir del personaje televisivo que le llevó a la fama, Magnum.