martes, 30 de noviembre de 2021

Kirill Serebrennikov o el cine furiosamente ruso (II)

(cont.)
Federico Fellini
Serebrennikov ama a Visconti. Pero es Federico Fellini a quien se parece. No el humanista de La strada (1954) y Las noches de Cabiria (Le notti di Cabiria, 1957), sino el extravagante, el demiurgo: el que organiza una farándula de personajes al final de Otto e mezzo (8 ½) (1963); el que transforma a los sacerdotes en modelos top en Roma (1972) durante un desfile de la semana de la moda para clérigos sociales; el que imagina snobs inútiles atacando a una estrella destartalada (Terence Stamp), que vino a rodar en Italia el primer western católico Toby Dammit (Tre passi nel delirio, 1968), tercer boceto de las Historias Extraordinarias. 
Roma (1972), de Federico Fellini
Como Fellini, Serebrennikov multiplica siluetas delirantes y bufonescas. En quien, sin embargo, de vez en cuando, atraviesa la nostalgia de la infancia. Entonces, en medio de su delirio alcohólico, Petrov recuerda una Navidad soviética cuando sostuvo, un momento inolvidable, la mano helada de "la Doncella de las Nieves". Así como el joven Federico de Amarcord nunca pudo olvidar a la Gradisca (Magali Noël) y su figura tetona que asustó a todos los adolescentes de la ciudad...
Gogol y Dostoïevski
Su influencia en el cineasta es evidente. Gogol, de la que adaptó Almas muertas, es el autor de una frase que Petrov podría usar como propia: "Si tienes la cara torcida, no te la quites en el espejo. También pudo hacer suyos los dolores de un personaje de El capote, descubriendo "lo que el hombre oculta la inhumanidad bajo la urbanidad y el conocimiento refinados, incluso, oh Señor, en aquellos que se hacen pasar por corazones nobles y honestos".
Pero es Dostoievski quien emerge en la película: su torbellino de personajes contradictorios y obsesivos, entre fango y luz. El amigo de Petrov, por ejemplo, obviamente parece uno de los revolucionarios de Los demonios. Ambos solo viven para su próximo suicidio. Si tan sólo el Kirilov de Dostoievski pensara en ello para que el mundo pueda liberarse de un Dios en quien teme creer. Mientras que Sergei de Serebrennikov simplemente quiere que se arrepienta del inmenso genio que no pudo ver. Ambos no son más que marionetas egoístas cuya sinrazón despierta la burla.
Vladimir Vissotski
Nunca fue realmente conocido en Occidente. Pero en Rusia, Vladimir Vissotsky (1938 - 1980) sigue siendo omnipresente, inolvidable... No sabemos si Serebrennikov lo aprecia. Pero la voz áspera, la ira irreemplazable de "Volodya" se adhieren a su universo: "No me gusta cuando tengo miedo/Cuando golpean a personas inocentes, lo siento/ No me gusta que la gente ponga en cuclillas mi alma/Especialmente cuando es para escupirla ".
Sus canciones cargadas de  frustraciones y revueltas, beben y rompen. Uno de ellos, A Merry Funeral Song parece haber sido escrito para Petrov's Fever: "Aquí estamos.../Hay tres trayendo a otro para enterrarlo/Todos, incluso el conductor, fueron golpeados/¡Solo el cadáver no consiguió nada! […] Escucho tus reproches: “¡Él salva a los muertos!”/ No, solo lamento nuestro terrible destino/¡Porque alguien nos aplastará a todos algún día! Y solo el cadáver no tendrá nada..."
Orson Welles
Sus detractores seguramente dirían que es su vanidad lo que une a Orson Welles y Kirill Serebrennikov. La conciencia de su innegable genio… Sus admiradores, en cambio, celebrarán su pasión por los planos secuencia: al comienzo de Sed de mal (Touch of Evil, 1958), hay uno, espectacular, donde un coche bomba acaba explotando frente a Charlton Heston y Janet Leigh. Dura más de siete minutos. Hay otro, igualmente increíble, en Petrov's Flu, cuando el héroe acompaña a su compañero suicida a casa. Dura casi dieciocho minutos.
Orson Welles en Mr. Arkadin (1955)
Un vínculo más difuso los acerca aún más: esta electricidad que parece circular permanentemente en sus películas. La tensión se cierne incluso en las secuencias más pacíficas de La dama de Shanghái (The Lady from Shanghai, 1947) o Leto. Pero la violencia, aunque omnipresente, solo estalla allí a veces, en los momentos menos esperados, en bocanadas. Welles y Serebrennikov son adeptos del cine vanguardista (y por lo tanto molesto) donde los personajes parecen ponerse máscaras de las que no pueden deshacerse, tan cerca de su piel. Mr. Arkadin (1955), para Welles, y El estudiante (El discípulo) ((M)uchenik, 2016) para Serebrennikov, están poblados por monstruos aterradores y asustados que fascinan tanto como se odian.


Películas de la semana: 1 de diciembre

Ego

Dirección: Alfonso Cortés-Cavanillas. País: España. Año: 2021. Duración: 93 minutos. Género: Thriller. Drama. Coronavirus (COVID-19). Interpretación: María Pedraza, Marián Álvarez, Pol Monen, Alicia Borrachero. Guion: Jorge Navarro de Lemus. Música: Carlos Martín. Fotografía: Pedro Vendrell Martinez. Productora: La Caña Brothers. Premios y nominaciones
Brooklyn Horror Film Festival: Premio a Mejor Película, Mejor Guion y Mejor Actriz para María Pedraza. Estreno en España: 1 de diciembre de 2021. Sinopsis: Durante el confinamiento provocado por la crisis del COVID-19, Paloma, una joven de 19 años, acude a una red de citas con personas de su mismo sexo. La joven empieza a perder la cabeza cuando una doble exactamente igual a ella aparece en esta web de contactos con claras intenciones de suplantarla. Su único objetivo será encontrar a la mujer que quiere robar su identidad. Ego es un thriller hipertecnológico en el que las pantallas se convierten en el vehículo  narrativo sobre el que se desarrolla una tensa y emocionante historia de dobles identidades impulsada por el confinamiento.

Efemérides de cine: La muerte camina con tacón alto

El 30 de noviembre de 1971 se estrenó la película italiana La muerte camina con tacón alto (La morte cammina con i tacchi alti), dirigida por Luciano Ercoli con Frank Wolff, Nieves Navarro, Simón Andreu, Carlo Gentili, George Rigaud, José Manuel Martín, Fabrizio Moresco, Luciano Rossi, Claudie Lange. Productora: Coproducción Italia-España; Atlántida Films, Cinecompany. Duración: 105 minutos.
Sinopsis argumentalUn hombre que ha robado una fortuna en diamantes es asesinado en el vagón de tren en el que viaja. La hija de la víctima, una bella modelo, es interrogada repetidamente por la policía, sin que pueda aclarar nada sobre quién pudo ser el asesino, ni sobre el paradero del botín. Al mismo tiempo, una amenazante presencia, con tacones altos y gafas azules, empieza a acosarla. La joven creerá posteriormente que el asesino es su novio, por lo que opta por huir y esconderse, encontrando entonces la ayuda de un médico.
ComentarioLa muerte camina con tacón alto es uno de los thrillers de horror que a principios de la década de los 70 realizase el italiano Luciano Ercoli, en la línea de obras similares de Dario Argento, como El pájaro de las plumas de cristal (L'uccello dalle piume di cristallo, 1970). Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

lunes, 29 de noviembre de 2021

Kirill Serebrennikov o el cine furiosamente ruso (I)

Con Petrov's Flu, proyectada hasta ahora sólo en festivales, el director de Leto (2018) firma una curiosa, increíble, fascinante y loca epopeya  que toma mucho prestado del espíritu de Gogol y Dostoievski. Y a otras personalidades ilustres. Un breve resumen de las influencias de una película iconoclasta.
Petrov's Flu (Petrovy v grippe, 2021), de Kirill Serebrennikov con Semyon Serzin.
Es una clase de OVNI que se estrenará en cines a partir del 1 de diciembre. Petrov's Flu (Petrovy v grippe, 2021) es una película totalmente irresistible, ilógica, convulsiva, rusa, en una palabra. Completamente rusa. Peligrosa y maravillosamente ruso. Kirill Serebrennikov, conocido desde hace mucho tiempo por sus adaptaciones teatrales (desde Almas muertas de Nicolas Gogol, hasta ciertas películas de Luchino Visconti y Rainer Werner Fassbinder) es un provocador que las autoridades han tratado de amordazar. No deportándolo a un gulag, como en los viejos tiempos, sino arrastrándolo a los tribunales y colocándolo bajo arresto domiciliario durante meses por malversación.
El estudiante (El discípulo) ((M)uchenik, 2016), de Kirill Serebrennikov
Durante mucho tiempo ataca a todos y a todo. Incluso a Putin. Pero también a los reaccionarios que lo odian porque es libre y gay. A los reincidentes, los maestros de su película El estudiante (El discípulo) ((M)uchenik, 2016), por ejemplo, que celebran la grandeza de Stalin hasta el día de hoy. A los fanáticos religiosos, ya sean cristianos o musulmanes, que buscan usar la fe en un intento de cambiar la ley. A ciertos intelectuales, sobre todo, dispuestos, por pura cobardía, a dejarse humillar y destrozar por verdugos cuyos abusos excusan. "El masoquismo de las clases en declive siempre me ha intrigado", afirma.
De ahí sus películas arrebatadoras, febriles e insolentes: Izobrajaya Zhertvy (Playing the Victim) (2006), una adaptación libre de Hamlet donde, antes de comenzar su venganza, el héroe de Shakespeare se hace el muerto en horripilantes recreaciones criminales. En El estudiante (El discípulo) (2016), denuncia a un ultrareligioso ortodoxo, un tercio idealista y dos tercios sinvergüenza, a quien una mala conciencia general permite que exista. Solo Leto (2018) se diferencia: es una crónica casi dulce de rockeros underground, poco a poco llevados, en la URSS de los años 1980, a la debilidad y al silencio. 
Leto (2018), de Kirill Serebrennikov
La pequeña maravilla que es Petrov's Flu (Petrovy v grippe, 2021) - una maravilla molesta, sin duda, porque obstinadamente histérica - se acerca al trabajo de unos pocos artistas descomunales. Rusos o no. Pero todos convencidos de que solo el irrealismo y la prodigalidad pueden reflejar el mundo tal como es o no es. Tal vez, en lo que se convertirá... 
(cont.)

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CLXXXIV)

Il profumo della signora in nero (1974), de Francesco Barilli

Silvia Hacherman, joven directora y asidua trabajadora de un laboratorio de química, se vio obligada a vivir durante mucho tiempo y desde que era una niña con el trauma de haber provocado la muerte de su madre Marta durante mucho tiempo y desde que era una niña. El recuerdo de lo sucedido ahora se ha desvanecido y la joven parece poder llevar una vida tranquila y satisfactoria, tanto en el trabajo como desde el punto de vista emocional. Una noche, durante una cena en casa de una amiga, Silvia, acompañada de su novio Roberto, es golpeada por una discusión de Andy, un profesor de sociología africana, sobre el culto a las misas negras, según ella, todavía activo en África. El argumento del profesor, aparentemente folclórico y tranquilo para cualquier otra persona, le han impresionado tanto a Silvia que algunos momentos de la infancia vuelven a su mente, en particular la muerte y el recuerdo de su madre, vestida de negro y decidida a rociarse con perfume en frente al espejo. La situación se precipita y a partir de ese momento comienzan a suceder hechos inquietantes: una niña misteriosa que se instala en su casa, los vecinos y Roberto que se comportan de una manera realmente extraña, en un principio hacen que Silvia se hunda en la locura (aparentemente elimina a Nicola, la madre de su madre). amante, Roberto y el señor Rossetti, un vecino celoso). Finalmente, la llevan a suicidarse tirándose, junto con la niña, desde la terraza del edificio. Pero, inmediatamente después de este trágico gesto, sucede algo macabro: el cuerpo de Silvia es recuperado por algunas personas y llevado a un lugar subterráneo. Aquí, reunidas frente a su cuerpo desnudo, decenas y decenas de personas, entre ellas Andy, sus vecinos, amigos y novio, se alimentan con entusiasmo de sus órganos; El profesor tenía razón, existen sectas secretas, no solo en África, sino en todo el mundo.

Noticias de libro: El arte y el alma de Dune

El arte y el alma de Dune

Tanya Lapointe
Norma Editorial
2021
240 págs. 
Esta deslumbrante exploración visual del proceso de creación cinematográfica escrita por Tanya Lapointe, productora ejecutiva de Dune, profundiza de manera incomparable en la génesis del proyecto: desde sus impresionantes diseños de escenarios y criaturas hasta sus intrincados diseños de vestuario y efectos visuales punteros. El arte y el alma de Dune es el complemento esencial para la última obra maestra de Denis Villeneuve, uno que muestra el proceso visionario llevado a cabo por el director a la hora de dar vida al clásico de la ciencia ficción escrito por Frank Herbert.

domingo, 28 de noviembre de 2021

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CLXXXIII)

Navidades negras (Black Christmas, 1974), de Bob Clark

Durante el descanso de Navidad, las chicas de una fraternidad se preparan para retornar con sus familias, pero antes deciden hacer una fiesta. Durante la misma, las jóvenes reciben llamadas extrañas de un acosador, quien hace sonidos escalofriantes y se oyen diferentes voces, así como frases obcenas. Posteriormente, una de las chicas desaparece...
 Uno de los primeros slashers del cine americano, surgido el mismo año que La Matanza de Texas, y que trasladaba el horror a las fiestas navideñas. Curiosa película canadiense de terror, que algunos consideran un precedente del Halloween de John Carpenter, entre otras cosas los filmes coinciden en psicópata matando mujeres en un período festivo, en el caso que nos ocupa la Navidad.

Hace 100 años: Irrende Seelen

El 28 de noviembre de 1921 se estrenó la película alemana Irrende Seelen, dirigida por Carl Froelich e interpretada por Alfred Abel, Maria Connard, Lili Donecker, Eugenia Eduardowa, Leonhard Haskel, Guido Herzfeld, Walter Janssen, Simon Konarski, Adolf E. Licho, Asta Nielsen, Lydia Potechina, Auguste Prasch-Grevenberg, Frida Richard, Ernst Rotmund, Lyda Salmonova, Lydia Savitzky, Sylvia Torf, Erika Unruh. Productora: Russo-Film GmbH, Decla-Bioscop AG.
Sinopsis argumentalDrama sobre el príncipe Myschkin, conocido como The Idiot. Sus formas de mujeriego le hacen descartar a su amante Nastasja en favor de una chica más joven.
Comentario: Basada en la famosa obra El idiota de Fyodor Dostoevsky,  publicada en 1869. La película fue prohibida en Dinamarca. Se cree que esta película se ha perdido.

Cine para niños: "Esperando la nieve", cortometrajes que calientan el corazón

Una antología de joyas dibujadas o en stop motion, inteligentes y poéticas, en los cines a partir de este 24 de noviembre. Con una verdadera obra maestra francesa, “Le Refuge de l'écureuil”. A partir de 4 años.
Las mejores antologías de cortometrajes infantiles se basan en su coherencia temática o en la calidad intrínseca de las películas. En attendant la neige es parte de la segunda categoría, con una serie de joyas de animación, incluidas tres producidas por el estudio Folimage. Entre ellos, una joya: Le Refuge de l'écureuil (2018), de Chaïtane Conversat.
Las cinco historias resumidasEs casi invierno... Una abuela recoge objetos extraños en su casa, que pronto la llenarán hasta el techo... Un perro perdido finalmente encuentra un amigo, el pequeño tigre sus rayas... Un lince se pierde en una ciudad desconocida mientras los copos de nieve cubren suavemente el suelo de un bosque dormido por el frío...
1.- Le tigre sans rayures de de Robin Morales - Dibujo y diseño por ordenador 2D - 8’ 30" – France – 2018 - sin diálogo.
Un pequeño tigre decide emprender un largo viaje con la esperanza de encontrar a su perdido rayas.
2.- Le Refuge de l'écureuil de Chaïtane Conversat - Papel recortado, pintura, objetos, arena y elementos vegetales - 13' 25" - Francia / Suiza - 2018
Una anciana acumula cajas llenas de recuerdos en casa. Todos los miércoles, con la ayuda de sus amigas cucarachas, inventa historias fabulosas para su nieta. De cuento en cuento, la niña crece y hay poco espacio.
3.- Boleto ganador de Svetlana Andrianova - Dibujos animados por computadora en 2D - 4'- Rusia - 2018 - sin diálogo
En la bulliciosa ciudad, el tráfico de automóviles se suma a la avalancha de peatones. Nadie le hace caso a un pobre perro callejero… ¡hasta que un día una niña lo mira! El afecto entonces lo salva de la indiferencia.
4.- Premiere neige de Lenka Ivancíková - Marionetas animadas stop motion - 13'- República Checa - 2015 - sin diálogo
Un pequeño erizo se despierta demasiado temprano de su hibernación. Las luces de la noche lo atraen irresistiblemente. Pero cuando la primera nieve comienza a cubrir todos los senderos, ¿cómo encuentras la madriguera donde toda la familia todavía duerme?
5.-  A lynx in the City de Nina Bisiarina - Dibujos animados en ordenador 2D - 6'- Francia - 2020 - sin diálogo
Atraído por las luces del atardecer, un lince algo curioso se aburre en su bosque y decide dar un paseo por el pueblo vecino. Durante la noche, camina allí encontrando muchas cosas desconocidas que lo divierten mucho. Luego se queda dormido en medio de los coches. Temprano en la mañana, los habitantes descubren este extraño animal...

sábado, 27 de noviembre de 2021

Cumplió 25 años: El crisol

El 27 de noviembre de 1996 se estrenó la película estadounidense El crisol (The Crucible), dirigida por Nicholas Hytner e interpretada por Daniel Day-Lewis, Winona Ryder, Paul Scofield, Joan Allen, Bruce Davison, Daniel Day-Lewis, Winona Ryder, Paul Scofield, Joan Allen, Bruce Davison, Rob Campbell, Jeffrey Jones, Peter Vaughan, Karron Graves, George Gaynes, Charlayne Woodard, Frances Conroy, Elizabeth Lawrence, Rachael Bella. Productora: 20th Century Fox. Duración: 123 minutos. 
Sinopsis argumentalEn 1692, en la puritana ciudad de Salem (Massachussetts), un grupo de chicas es acusado de practicar la brujería. Una de ellas, Abigail Williams, procesada por esta razón, presenta a su vez cargos contra John Proctor y su esposa Elizabeth para vengarse de ellos: cuando fue su sirvienta tuvo una aventura con John, que acabó rechazándola para volver con su mujer. 
Nominaciones y premios: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actriz de reparto (Joan Allen), guión adaptado; Globos de Oro: Nominada actor de reparto (Scofield), actriz de reparto (Allen); Premios BAFTA: Mejor actor secundario (Scofield). Nominada a mejor guión original; Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor actor (Daniel Day-Lewis); Satellite Awards: 3 nominaciones incluyendo mejor guión adaptado; Critics' Choice Awards: Mejor actriz secundaria (Joan Allen). 2 nominaciones; Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor actriz secundaria (Allen); Asociación de Críticos de Boston: Nominada a mejor actriz secundaria (Allen)
ComentarioTercera adaptación para el cine de la obra de Arthur Miller Las brujas de Salem, cuyo guión corrió esta vez a cargo del propio autor. Miller creó esta narración a partir de unos documentos que encontró en Salem, donde se explicaba un caso que aconteció en 1692: los puritanos sentenciaron a la horca a 21 de sus conciudadanos tras acusarlos de practicar la brujería. El escritor comparó esta historia con la célebre “caza de brujas” que tuvo lugar en el Hollywood de los años 1950 bajo los auspicios del senador McCarthy, que persiguió implacablemente a todo aquel que simpatizara con el comunismo, Miller incluido.

Hace 100 años: Esposas sin amor

El 27 de noviembre de 1921 se estrenó la película estadounidense Esposas sin amor (The Lotus Eater), dirigida por Marshall Neilan e interpretada por John Barrymore, Colleen Moore, Anna Q. Nilsson, Ida Waterman, Frank Currier, Wesley Barry, J. Barney Sherry, Dorothy Mackaill. Productora: Marshall Neilan Productions. Duración: 70 minutos.
Sinopsis argumentalDesilusionado en su matrimonio, Jacques Leroi intenta un vuelo en dirigible a través del Océano Pacífico, pero se estrella y llega a la costa en una isla poblada por una tribu pacífica de gente completamente feliz. Los isleños se han despojado de motivos egoístas y convenciones sociales y viven en perfecta armonía. Allí Jacques se enamora, pero aunque siente que la isla es su única esperanza de verdadera felicidad, su conciencia le exige que intente reparar su destrozada vida en la civilización. Al regresar a Nueva York, se encuentra con una difícil decisión esperándolo.
Comentario: Actualmente, la película se considera perdida. 

Películas de la semana: 26 de noviembre (II)

Antim: The Final Truth

Dirección: Mahesh Manjrekar. País: India. Año: 2021. Duración: 138 minutos. Género: Acción. Drama. Crimen. Interpretación: Salman Khan, Nikitin Dheer, Varun Dhawan, Mahesh Manjrekar, Aayush Sharma, Mahima Makwana, Jishu Sengupta, Sammy John Heaney, Uday Tikekar, Sachin Khedekar, Sayaji Shinde, Upendra Limaye, Waluscha De Sousa, Guion: Abhijeet Deshpande, Mithlesh Kaushik. Historia original: Pravin Tarde. Música: Ravi Basrur, Hitesh Modak. Fotografía: Karan B. RawatGuion: Abhijeet Deshpande, Mithlesh Kaushik. Historia original: Pravin Tarde. Música: Ravi Basrur, Hitesh Modak. Fotografía: Karan B. Rawat. Productora: Salman Khan Films. Distribuidora: Salman Khan Films. Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Sinopsis: La historia gira en torno al enfrentamiento entre un oficial de policía sij (Khan) y un gángster (Sharma) y, al igual que el original, explora las duras condiciones que enfrentan los agricultores que empujan a algunos de ellos hacia el crimen. Es una adaptación de la película Mulshi Pattern (2018). 

Fantasía

Dirección: Aitor Merino. País: España. Año: 2021. Duración: 100 minutos. Género: Documental. Vejez. Madurez. Familia. Reparto: Documental. Guion: Ainhoa Andraka, Zuri Goikoetxea, Amaia Merino, Aitor Merino. Fotografía: Aitor Merino. Productora: Doxa Producciones. Distribuidora:  itrine Films. Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Sinopsis: Documental que captura la intimidad de la familia del director durante un viaje en crucero por el Mediterráneo con ellos, reflexionando sobre la vejez, la familia y la memoria. Amaia y Aitor viven desde muy jóvenes alejados de sus padres, Iñaki y Kontxi, quienes ya se encuentran jubilados. Por este motivo, deciden realizar su sueño: juntarse de nuevo los cuatro para embarcarse en un crucero a bordo del buque Fantasía. Al regresar, deberán enfrentarse a la cruda realidad: la vejez, la distancia y la muerte que un día les separará definitivamente. Amaia y Aitor Merino (Asier ETA Biok) escriben y dirigen este largometraje financiado por el programa de ayudas Ikusmira Berriak.

Apaiz Kartzela (La cárcel de curas)

Título original: Apaiz Kartzela. Dirección: Oier Aranzabal, Ritxi Lizartza, David Pallarès. País: España. Año: 2021. Duración: 85 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental. Guion: Jon Mikel Aldanondo, Mielanjel Elustondo, Martín Etxeberría, Xabier Etxeberría. Idea: Javier Barajas. Música: Joserra Senperena. Fotografía: Fernando Sa Casado. Productora: Maluta Films, Azaroa Films, Zabriskie Films. Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Sinopsis: Cuatro sacerdotes presos en la cárcel de curas de Zamora (1968-1976) vuelven a visitar la prisión donde fueron condenados, en algunos casos, a penas de más de diez años por denunciar la represión franquista en sus misas. Fue precisamente Franco quien, utilizando el Concordato firmado con el Vaticano, creó esa Cárcel Concordataria, la única del mundo para religiosos. El documental narra la historia del viaje real al que fueron sometidos 53 religiosos de Madrid, Galicia, Cataluña y País Vasco en su traslado forzoso a dicho penal.

viernes, 26 de noviembre de 2021

Películas de la semana: 26 de noviembre (I)

La Casa Gucci

Título original: House of Gucci. Dirección: Ridley Scott. País: Estados Unidos. Año: 2021. Duración: 150 minutos. Género: Drama. Basado en hechos reales. Crimen. Moda. Años 1970. Años 1980. Años 1990. Interpretación: Lady Gaga, Adam Driver, Al Pacino, Jeremy Irons, Jared Leto, Salma Hayek, Jack Huston, Alexia Murray, Vincent Riotta, Reeve Carney, Gaetano Bruno, Camille Cottin, Youssef Kerkour, Madalina Ghenea, Mia McGovern Zaini, Florence Andrews, Mehdi Nebbou, Edouard Philipponnat, Bianca Nappi, Andrea Piedimonte, Mario Opinato, Luca Chikovani, Miloud Mourad Benamara, Vincenzo Tanassi, Pietro Ragusa. Guion: Roberto Bentivegna, Becky Johnson. Libro: Sara Gay Forden. Historia: Becky Johnston. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Dariusz Wolski. Productora: Coproducción Estados Unidos-Canadá; Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Scott Free Productions, Bron Studios. Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Sinopsis: Drama criminal en torno al asesinato en 1995 de Maurizio Gucci, nieto del fundador del imperio de la moda Gucci, que apareció asesinado por orden de su exmujer Patrizia Reggiani, conocida como la "viuda negra de Italia". Adaptación del libro de Sara Gay Forden, publicado en 2001, 'The House of Gucci: A Sensational Story of Murder, Madness, Glamour, and Greed'.

Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City

Título original: Resident Evil: Welcome to Raccoon City. Dirección: Johannes Roberts. País: Estados Unidos. Año: 2021. Duración: 107 minutos. Género: Terror. Zombis. Videojuego. Interpretación: Kaya Scodelario, Hannah John-Kamen, Robbie Amell, Tom Hopper, Avan Jogia, Neal McDonough, Donal Logue, Chad Rook, Lily Gao, Nathan Dales, Stephannie Hawkins, Josh Cruddas, Marina Mazepa. Guion: Johannes Roberts. Videojuego: Capcom. Música: Mark Korven. Fotografía: Maxime Alexandre. Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido-Alemania; Constantin Film, Sony Pictures Entertainment (SPE), Tea Shop & Film Company. Distribuidora: Screen Gems. Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Sinopsis: Nueva adaptación al cine de los videojuegos de Capcom. La que fue una pujante ciudad sede del gigante farmacéutico Umbrella Corporation, Raccoon City, es ahora un pueblo agonizante del Medio Oeste. El éxodo de la compañía dejó a la ciudad convertida en un erial… con un gran mal gestándose bajo la superficie. Cuando ese mal se desata, un grupo de supervivientes deben unirse para destapar la verdad detrás de Umbrella y sobrevivir a la noche.

El refugio

Dirección: Macarena Astorga. País: España. Año: 2021. Duración: 91 minutos. Género: Comedia. Cine familiar. Navidad. Interpretación: Loles León, Leo Harlem, María Barranco, David Guapo, Sara Sálamo, Carlos Alcántara, Mariam Hernández, Antonio Dechent, Luna Fulgencio, Rubén Fulgencio, Marco Ezcurdia. Guion: Alicia Luna, Beatriz Iznaola, Inés Silva. Idea: Sandra García Nieto. Fotografía: Fran Fernández Pardo. Productora: Coproducción España-Perú-México-Argentina; Esto también pasará, Bowfinger International Pictures, Tondero Producciones, Hippo Entertainment Group, Sygnatia, Cindy Teperman. Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Sinopsis: Una estrella del cine en horas bajas y un galán emergente (muy bien acompañado) que amenaza con desplazar al anterior gracias a las artimañas del agente de ambos; la dueña del hotel de alta montaña y su alocada hermana, propulsora de una nueva y peculiar disciplina mezcla de yoga y fengshui; un grupo de niños con ganas de divertirse, pero también de descubrir secretos ocultos; un botones taciturno que todo lo ve; y un tremendo temporal que les dejará aislados días antes de Navidad... Un fin de semana en el que todo puede pasar... ¡y en el que pasará de todo!

La hija

Dirección: Manuel Martín Cuenca. País: España. Año: 2021. Duración: 122 minutos. Género: Thriller. Drama. Adopción. Interpretación: Javier Gutiérrez, Patricia López Arnaiz, Irene Virgüez, Darien Asian, Sofian El Benaissati. Guion: Manuel Martín Cuenca, Alejandro Hernández. Historia: Félix Vidal. Música: Vetusta Morla. Fotografía: Marc Gómez del Moral. Productora: La Loma Blanca PC, Mod Producciones, Movistar+, TVE, ICAA, Canal Sur Televisión. Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Sinopsis: La adolescente embarazada Irene se ha fugado del centro de detención de menores donde vive en un pueblo de Jaén. Lo ha hecho con la complicidad de Javier, uno de los profesores de la institución, que la acoge con su mujer Adela en su casa retirada en medio del campo. Han llegado a un acuerdo para que dé a luz y les entregue a la criatura que tiene en sus entrañas, pues Adela es estéril pero va a simular que está encinta. Pero a medida que el embarazo avanza, el instinto maternal de la menor se hace más fuerte. Las cosas se complicarán por la investigación de la policía, que trata de dar con la fugada, y por la salida de la cárcel de Osma, el padre del nasciturus.

Lamb

Dirección: Valdimar Jóhannsson. País: Islandia. Año: 2021. Duración: 106 minutos. Género: Fantástico. Drama. Intriga. Familia. Interpretación: Noomi Rapace, Hilmir Snær Guðnason, Björn Hlynur Haraldsson, Ester Bibi, Ingvar Eggert Sigurdsson. Guion: Sjón Sigurdsson, Valdimar Jóhannsson. Música: Þórarinn Guðnason. Fotografía: Eli Arenson. Productora: Coproducción Islandia-Suecia-Polonia; Black Spark Film & TV, Film I Väst, Go to Sheep, Madants. Premios y nominaciones: Festival de Cannes: Un Certain Regard - Premio a la Originalidad; Festival de Sitges: Mejor película y Mejor actriz (Rapace); Nominada a los Premios del Cine Europeo. Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Sinopsis: María e Ingvar, una pareja sin hijos, descubren una misteriosa recién nacida -mitad niña, mitad oveja- en su granja en Islandia. La perspectiva inesperada de una nueva vida familiar les trae mucha alegría, sin saber que este insólito descubrimiento podría traerles la destrucción.  una inclasificable combinación entre horror, un análisis meticuloso sobre la maternidad y el sufrimiento. Pero también es una mirada original a la posibilidad de lo inconcebible.

Imperdonable

Título original: The Unforgivable. Dirección: Nora Fingscheidt. País: Reino Unido. Año: 2021. Duración: 113 minutos. Género: Drama. Remake. Interpretación: Sandra Bullock, Viola Davis, Rob Morgan, Vincent D'Onofrio, Jon Bernthal, Aisling Franciosi, Richard Thomas, Linda Emond, Emma Nelson, Toby Hargrave, Craig March, W. Earl Brown, Patti Kim, Aaron Pearl, Jessica McLeod, Alistair Abell, Simon Chin. Guion: Sally Wainwright, Peter Craig, Hillary Seitz, Courtenay Miles. Música: Dave Fleming, Hans Zimmer. Fotografía: Guillermo Navarro. Productora: Coproducción Reino Unido-Alemania-Estados Unidos; Construction Film, GK Films, Fortis Films Production. Distribuidora: Netflix. Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Sinopsis: Tras salir de prisión después de cumplir condena por un crimen violento, Ruth Slater (Bullock) se reinserta en una sociedad que se niega a perdonar su pasado. Tras enfrentarse a las duras opiniones del lugar que una vez fue su hogar, su única esperanza de redención es encontrar a su hermana pequeña a la que tuvo que dejar detrás. Imperdonable está basada en la miniserie británica Unforgiven.

Espíritu sagrado

Dirección: Chema García Ibarra. País: España. Año: 2021. Duración: 97 minutos. Género: Comedia. Drama. Interpretación: Nacho Fernández, Llum Arques, Joanna Valverde, Rocío Ibáñez. Guion: Chema García Ibarra. Fotografía: Ion De Sosa. Productora: Coproducción España-Francia-Turquía; Apellaniz & De Sosa, Jaibo Films, La Fabrica Nocturna Cinéma, Teferruat Film. Premios y nominaciones: Premios Feroz: Nominada a mejor película dramática; Festival de Locarno: Mención especial Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Sinopsis; Julio está muerto. Es una noticia terrible para OVNI Levante, la asociación de aficionados a la ufología que él dirigió. La muerte le golpea con especial fuerza a uno de sus miembros, José Manuel. Julio y él tenían un proyecto común de vital importancia. Ahora deberá continuar solo como único conocedor del secreto cósmico que puede alterar el porvenir humano. Mientras tanto, en España se busca a una niña que desapareció hace semanas. Rodeado de los habituales rostros familiares que le han acompañado durante todo este tiempo, y con un reparto de nuevo lleno de actores no profesionales, Chema García Ibarra ha firmado una de las películas más importantes que haya salido de nuestro cine en mucho tiempo.

María Solinha

Dirección: Ignacio Vilar. País: España. Año: 2020. Duración: 123 minutos. Género: Drama. Biográfico. Siglo XVII. Interpretación: Grial Montes, Laura Míguez, Santi Prego, Mabel Rivera, Antonio Durán “Morris», Mela Casal, Alfonso Agra, Fran Lareu, Fernando González, Melania Cruz, Sheyla Fariña. Guion: Esther F. Carrodeguas, Ermel Morales, Ignacio Vilar. Música: Abraham Cupeiro. Fotografía: Lucía C. Pan. Montaje: Fernando Alfonsín. Directora de producción: Eva Rivas. Dirección artística: Diego Valeiras. Vestuario: Mar Fraga. Productora: Via Láctea Filmes, Televisión de Galicia (TVG). Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Sinopsis: Un afamado director llega a Cangas do Morrazo, en Galicia, para reconstruir en el teatro la historia de María Solinha acusada de brujería y quemada por la Inquisición en el siglo XVII. La protagonista de la obra de teatro sufre, en el siglo XXI, agrios ecos de la agresión que sufrió María Solinha en el siglo XVII. El director de la película en gallego más taquillera de la historia firma su obra más ambiciosa: la historia de María Solinha. Una película que navega soberbiamente entre el presente y el pasado para construir un relato a medio camino entre la ficción y la realidad.

Al filo

Título original: Na ostrie AKA On the Edge. Dirección: Eduard Bordukov. País: Rusia. Año: 2020. Duración: 105 minutos. Género: Drama. Deporte. Interpretación: Svetlana Khodchenkova, Stasya Miloslavskaya, Sergey Puskepalis, Aleksei Barabash, Kirill Degtyar, Sofya Ernst, Hilda Karmen, Evgeniy Sytyy, Kristina Kucherenko. Guion: Eduard Bordukov, Aleksandr Egorov, Igor Gordashnik, Mikhail Kakuberi, Anton Sheenson, Anna Sobolevskaya. Fotografía: Mikhail Milashin. Productora: Central Partnership. Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Sinopsis: Cuenta la historia de las dos mejores esgrimistas de Rusia. La primera lleva muchos años en el candelero, mientras que la segunda acaba de llegar al equipo nacional y desde entonces se ha alzado con la victoria en prácticamente todos los torneos en los que ha participado. Las dos atletas compiten entre sí para determinar cuál es la mejor tanto dentro como fuera de la pista. Una vez más, el cine nos muestra la rivalidad entre la veterana, triunfadora incontestable, y la joven aspirante que viene dispuesta a comerse el mundo. Sucedió realmente en los Juegos de 2016 entre Sofiya Velikaya y Yana Egorian, oro y plata en individuales, respectivamente, y campeonas por equipos. Algunos pasajes del torneo se reproducen al final de la cinta.

Museo Hermitage. El poder del arte

Título original: Ermitage. Il potere dell'arte. Dirección: Michele Mally. País: Italia. Año: 2019. Duración: 90 minutos. Género: Documental. Arquitectura. Reparto: Documental, intervenciones de: Toni Servillo. Guion: Didi Gnocchi, Giovanni Piscaglia. Música: Dmitri Myachin. Fotografía: Marco Alfier. Productora. 3D Produzioni, Nexo Digital, Ermitage Italia, Sky Arte HD, Villaggio Globale International. Estreno en  España: 26 de noviembre de 2021. Sinopsis: Este largometraje documental gira en torno al Hermitage Museum de San Petersburgo, Rusia. A través del actor Toni Servillo, el guía de este viaje, se cuenta la historia de este lugar creado hace más de dos siglos y con una enorme colección artística que lo ha convertido en el segundo museo más grande del mundo. Recitando extractos de poemas y novelas, se hace un recorrido por las calles más emblemáticas de esta ciudad y al magnífico interior del Museo. A pesar de las guerras y las revoluciones, el Museo Hermitage, de San Petersburgo, se ha conservado en el tiempo como un microcosmos de la historia rusa. En San Petersburgo hay más de doscientos museos, la mayoría en edificios históricos. El mayor es este del Hermitage, fundado por Catalina II, con interiores de la antigua residencia imperial y una vasta colección de arte.

Magaluf Ghost Town

Dirección: Miguel Ángel Blanca. País: España. Año: 2021. Duración: 70 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental. Guion: Miguel Ángel Blanca. Música: Sara Fontán. Fotografía: Raúl Cuevas. Productora: Boogaloo Films, Little Big Story, Mosaic Producciones. Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Sinopsis: Un millón de turistas invaden las calles de Magaluf durante el verano, como si fueran espectros que transforman el espacio público en un parque temático donde casi todo está permitido. Mientras tanto, los habitantes de Magaluf tratan de convivir con las contradicciones de ese modelo turístico low-cost que se siente como una invasión pero que también genera millones de euros y puestos de trabajo en el sector de la restauración. Magaluf Ghost Town es el retrato coral de una comunidad durante las temporadas baja y alta, desde un tono de misterio cercano al thriller pero sin perder de vista la comedia costumbrista, mezclando documental y ficción. Y también una reflexión sobre lo que significa ser turista en Europa. Miguel Ángel Blanca (Sabadell, 1982) se graduó en la ESCAC en la especialidad de guion y fue integrante del grupo Manos de Topo. A partir de 2009 llevó a cabo el proyecto transmedia de found footage Your Lost Memories, que culminaría en la realización del largometraje del mismo nombre, proyectado en l'Alternativa 2013 y firmado junto a Alejandro Marzoa. Al año siguiente pasó de nuevo por nuestro festival con Després de la generació feliç (2014) también con el metraje encontrado y la música como leitmotiv. Después llegarían Un lloc on caure mort (2014) y La extranjera (2015), donde ya reflexionó sobre las invasiones turísticas, pero esta vez en la ciudad de Barcelona. En 2017 firmó el largometraje Quiero lo eterno, sobre el nihilismo adolescente.

Encanto

Dirección: Jared Bush, Charise Castro Smith, Byron Howard. País: Estados Unidos. Año: 2021. Duración: 99 minutos. Género: Animación. Aventuras. Comedia. Fantástico. Familia. Realismo mágico. Reparto: Animación, Voz: Stephanie Beatriz, María Cecilia Botero, John Leguizamo, Mauro Castillo, Jessica Darrow, Angie Cepeda, Carolina Gaitán, Diane Guerrero, Wilmer Valderrama, Rhenzy Feliz, Ravi Cabot-Conyers, Sylvie Adassa, Maluma, Rose Portillo, Juan Castano, Hector Elias. Guion: Jared Bush, Charise Castro Smith. Historia: Jared Bush, Charise Castro Smith, Byron Howard, Lin-Manuel Miranda, Jason Hand, Nancy Kruse. Música: Lin-Manuel Miranda, Germaine Franco. Fotografía: Animación, Alessandro Jacomini, Daniel Rice, Nathan Warner. Productora: Walt Disney Animation Studios, Walt Disney Pictures. Distribuidora: Walt Disney Pictures, Disney+. Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Sinopsis: Cuenta la historia de una familia extraordinaria, los Madrigal, que viven escondidos en las montañas de Colombia, en una casa mágica de un pueblo situado en un enclave maravilloso llamado Encanto. La magia de Encanto ha dotado a todos los niños de la familia de un don único, desde la súper fuerza hasta el poder de curar... pero se ha olvidado de una niña llamada Mirabel. Cuando Mirabel descubre que la magia que rodea Encanto está en peligro, decide que ella, la única Madrigal normal, podría ser la última esperanza de su extraordinaria familia.

Ratones y zorros. Una amistad de otro mundo

Título original: I mysi patrí do nebe. Dirección: Jan Bubenicek, Denisa Grimmová. País: República Checa. Año: 2021. Duración: 88 minutos. Género: Animación. Infantil. Comedia. Reparto: Animación. Guion: Jeffrey Hylton, Richard Malatinský, Alice Nellis. Novela: Iva Procházková. Música: Krzysztof A. Janczak. Fotografía: Animación, Radek Loukota. Productora: Coproducción República Checa-Francia-Eslovaquia-Polonia; Les Films du Cygne, Animoon, CinemArt SK. Premios y nominaciones: Premios del Cine Europeo: Nominado a mejor film de animación. Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Sinopsis: Una película sobre dos enemigos mortales - un ratón y un zorro - que tras un desafortunado accidente, se encuentran en el cielo de los animales, donde pierden sus instintos naturales y se convierten en mejores amigos.

Hace 100 años: Nala & Damayanti

El 26 de noviembre de 1921 se estrenó la película india Nala & Damayanti, dirigida por Jyotish Bannerjee y Eugenio de Liguoro e interpretada por Patience Cooper, Keki Adajania, Dadibhai Sarkari, Signor Manelli, Master Mohan, Khorshedji Bilimoria, Manchersha Chapgar, Eugenio de Liguoro, Khorshedji Engineer, Master Bubla, Isaac Simon, Reva Shankar, Signorina Albertini, Signorina Manelli. Productora: Madan Theatres. 
Sinopsis argumental: Esta película de gran presupuesto muestra un episodio famoso del 'Mahabharata', que comienza con el ascenso de Narada al monte Meru. Muestra a Swarga, el Cielo de Indra, la Transformación en las Nubes de los Cuatro Dioses en personificaciones del Rey Nala, Mensajeros Cisne del Amor, la Transformación de Kali (el Demonio del Mal) en una Serpiente, el Encuentro de Kali y Dwapor y los Cuatro Dioses en medio del Aire Azul.
Comentario: La historia entre humanos y dioses es una oportunidad para mostrar efectos especiales espectaculares, que es uno de los principales argumentos publicitarios de la película cuando se estrenó.

“El acontecimiento”, “Enorme” o “Juno”: en el cine el aborto es siempre una lucha

Tabú desde hace mucho tiempo y poco entendido en una industria dominada por hombres, el aborto todavía le da a los cineastas un momento difícil en la actualidad. Si bien El acontecimiento (L'Evénement) de Audrey Diwan se estrenó en Francia el 24 de noviembre de 2021 en los cines, basada en la novela homónima de Annie Ernaux, echamos un vistazo a un tema que recorre la historia del cine.
En una escena desgarradora, la joven heroína de El acontecimiento, con las piernas abiertas, es atacada con unos forceps, en una cocina de paredes delgadas con la ayuda de una mujer que provocaba abortos, donde el menor grito, el menor gemido puede traicionarla. Su liberación llegará más tarde, en la taza del retrete de un campus universitario: en un espasmo, Anne expulsa un feto, antes de ser trasladada de urgencia al hospital...
Galardonada con el León de Oro en el último Festival de Cine de Venecia, la película de Audrey Diwan causó, por decir lo mínimo, una fuerte impresión en el público. Durante el festival, algunos espectadores -especialmente hombres-, probablemente no acostumbrados a ver este tipo de imágenes, incluso abandonaron la sala, avergonzados o intranquilos...
Frontal pero nunca voyeurista, esta conmovedora adaptación del trabajo autobiográfico de Annie Ernaux nos recuerda cómo la visualización de la interrupción voluntaria del embarazo (aborto) todavía no es obvia. "Aunque ha preocupado a las mujeres durante siglos, el tema sigue siendo tabú, especialmente en un entorno donde la mayoría de las obras son producidas por hombres", dice Iris Brey, escritora y especialista en género en cine y series. La misma falta de visibilidad se observa con respecto a la menopausia o la menstruación, todas experiencias ligadas únicamente al cuerpo biológico femenino".

jueves, 25 de noviembre de 2021

Efemérides de cine: Perros de paja

El 25 de noviembre de 1921 se estrenó la película estadounidense Perros de paja (Straw Dogs), dirigida por Sam Peckinpah e interpretada por Dustin Hoffman, Susan George, David Warner, Peter Vaughan, T.P. McKenna, Del Henney, Sally Thomsett, Peter Arne, Colin Welland, Donald Webster, Jim Norton, Ken Hutchison, Len Jones. Productora: Daniel Melnick. Duración: 113 minutos.
Sinopsis argumentalEl astrofísico americano David Sumner (Hoffman) se traslada a vivir al pueblo de su mujer, en Gran Bretaña. Es un hombre reservado y tímido que vive absorto en sus investigaciones y procura evitar cualquier disputa. Sin embargo, la violencia de ciertos individuos del pueblo llega a tal extremo que Sumner, situado entre la espada y la pared, reacciona con las mismas armas que sus agresores para defender a su mujer y su hogar... 
Comentario: Obra clave en la filmografía de Peckinpah, Perros de paja es un estudio sobre la violencia del ser humano basado en la novela The Siege of Trencher's Farm, de Gordon M. Williams. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: Unus, der Weg in die Welt. Der Fürst der Berge - 2. Teil

El 25 de noviembre de 1921 se estrenó la película alemana Unus, der Weg in die Welt. Der Fürst der Berge - 2. Teil, dirigida por Harry Piel e interpretada por Maria Asti, Charly Berger, Friedrich Berger, Sascha Gura, Alfred Kuehne, Kurt Mathé, Harry Piel, Fritz Russ, Gaby Ungar. Productora: Harry Piel Film Company GmbH. Duración: 70 minutos. 
Sinopsis argumental: Una historia sobre la codicia, el egoísmo, la lujuria y los prejuicios humanos. 
Comentario: Existen algunas copias conservadas. 

"La Casa Gucci", de Ridley Scott: decadencia y declive de un imperio del lujo

Sin complacencia ni lirismo, el director estadounidense relata las vicisitudes de la vulgar familia Gucci, interpretada por Lady Gaga, Al Pacino, Jeremy Irons y Adam Driver. La puesta en escena a veces carece de ritmo, pero la farsa es mordaz.
Lady Gaga como Patrizia Reggiani
Ridley Scott regresa solo un mes después de El último duelo (The Last Duel) (más bien una buena cosecha), aquí está la igualmente esperada La Casa de Gucci. Otra película de duelo, esta vez de guerra doméstica, sobre la ilustre casa de Gucci. Conozcamos o no los diversos episodios de esta historia real, entendemos desde el principio que terminará en sangre. La acción comienza a finales de los años 19 70, época en la que la marca de lujo italiana lo está pasando mal. Dos hermanos comparten entonces sus riendas: Aldo (Al Pacino), líder paternalista, barrigón y exuberante, instalado en Nueva York, y Rodolfo (Jeremy Irons), personaje frío que vive encerrado con sus fantasmas.
Este último tiene un hijo, Maurizio (Adam Driver), un elegante tímido y sonriente, con una prometedora carrera como abogado, que se enamora de Patrizia Reggiani (Lady Gaga), la hija de un transportista por carretera. Pero, el padre no la acepta, eso no impide que Maurizio y su plebeya se casen y tejan el amor perfecto. La esposa, ambiciosa, maniobra lo suficientemente rápido como para que su esposo, hasta ahora poco interesado en los negocios, se inmiscuya en los asuntos familiares. E intente tomar el poder. Adaptación del libro de Sara Gay Forden, publicado en 2001, The House of Gucci: A Sensational Story of Murder, Madness, Glamour, and Greed.

miércoles, 24 de noviembre de 2021

Películas de la semana: 25 de noviembre

Love of Lesbian: El gran truco final

País: España. Año: 2021. Duración: 145 minutos. Género: Documental. Conciertos. Reparto: Documental, intervenciones de: Love of Lesbian. Música: Canciones: Love of Lesbian. Distribuidora: Warner Music Spain. Estreno en España: 25 de noviembre de 2021. Sinopsis: Noche mágica la que vivieron en el Wizink de Madrid las más de 14.000 personas que acudieron a El gran truco final. Con aparición de invitados de excepción que sorprenderán a todos sus fans en toda la geografía española. Más de 20 canciones que hicieron vibrar a todos sus seguidores.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CLXXXII)

Sucesos en la cuarta fase (Phase IV, 1974), de Saul Bass

Un duo de científicos (los magníficos y habitualmente secundarios Michael Murphy y Nigel Davenport) comienza a investigar unos extraños ataques a ganado descubriendo una colonia de hormigas extraordinariamente agresiva y organizada lanzada a la conquista del territorio. 
Película británica planteada como un documental, la historia explica y demuestra cómo las hormigas serían las dueñas del mundo si estuvieran en igualdad de condiciones intelectuales con el ser humano. Único largometraje que dirigió Saul Bass, reconocido por ser el autor de algunos de los mejores títulos de crédito. Obsesiva y claustrofóbica, practicamente tres personajes y un asfixiante bunquer asediado metódicamente por los insectos, con guiños al género durante los cincuenta (esa paranoia tan propia de la época) destaca con fuerza en base a un tratamiento gélido y cerebral tanto de la narración como del absorbente estilo visual (impresionantes planos ultradetallados de las hormigas) y de la crispante banda sonora.

Violencia contra la mujer: Películas que la desafían

1.- Star 80 (1983), de Bob Fosse

Visto por el director de Cabaret, la verdadera historia de la Playmate estadounidense Dorothy Stratten, asesinada por su proxeneta pigmalión al comprobar que  quería escapar de su dominio. En un mundo obsesionado con el cuerpo de la mujer, su mercadeo y su mercantilización, el trágico viaje de una estrella fugaz interpretada con gracia por Mariel Hemingway (cuatro años después de su revelación en Manhattan, por Woody Allen), frente a un asombroso Eric Roberts.

2.- Las hermanas de la Magdalena (The Magdalene Sisters, 2001), de Peter Mullan

Este conmovedor largometraje, ambientado en Irlanda en 1964, denunciaba efectivamente los abusos perpetrados por la Iglesia Católica contra las jóvenes "culpables" de haber sido violadas o embarazadas, o simplemente de ser demasiado pobres, demasiado bonitas, demasiado libres ... Dirigida con empatía del actor y director Peter Mullan, esta inmersión en un convento parecido a una prisión cuenta la historia del infierno de la misoginia sistémica.

3.- Te doy mis ojos (2003), de Icíar Bollaín

En el 2000, con el cortometraje "Amores que matan", Icíar Bollaín iniciaba una andadura en el tema de los malos tratos y la violencia machista que le acabaría llevando a realizar "Te doy mis ojos", un crudo y sobrecogedor drama que tiene la ciudad de Toledo como escenario. El acierto de la película está en la manera que tiene de abordar esta cuestión, colocándose en el lado del maltratador para intentar comprender, desde su punto de vista, qué es lo que pasa por su mente.

4.- Custodia compartida (Jusqu’à la garde, 2017), de  Xavier Legrand

No hace mucho, en la prensa, todavía se hablaba del "drama apasionado"... Xavier Legrand firma un thriller implacable que muestra tanto el dominio, el acoso y la violencia que ejerce un pater familias seguro de su derecho (Denis Menochet, impresionante) sobre su exmujer, encarnada por la notable Léa Drucker, y sus hijos. La puesta en escena avanza hábilmente hacia el terror y una secuencia final impresionante.

5.- Un amor imposible (Un amour impossible, 2018), de Catherine Corsini

Adaptado de la novela de Christine Angot, el hermoso largometraje de Catherine Corsini, ofreció uno de sus papeles más grandes a Virginie Efira. La de una amante modesta humillada por un burgués narcisista (Niels Schneider), que se convierte en hija-madre en Francia en la década de 1960. Doblemente obstaculizada, por su clase social y la condición femenina, se emancipa gradualmente...
Esto es sólo una pequeña muestra...

martes, 23 de noviembre de 2021

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CLXXXI)

No profanar el sueño de los muertos (Non si deve profanare il sonno dei morti, 1974), de Jorge Grau

Los cadáveres de una morgue inglesa próxima a una abadía de Manchester vuelven a la vida a causa de un experimento del gobierno que utiliza ultrasonidos para combatir la contaminación. Pero el experimento consigue también que los insectos de la zona enloquezcan y se devoren unos a otros. Al mismo tiempo, los muertos salen de sus tumbas con hambre y sed de venganza. Una de tantas imitaciones que se hicieron de la clásica La noche de los muertos vivientes (1968) de George A. Romero, en este caso de producción italo-española. Curiosamente, para gran parte de la crítica, ésta es quizás la más respetable de ellas, tanto por su cuidada factura artesanal como por sus logrados efectos especiales, que en la época le valieron el galardón en el Festival de Cine Fantástico de Sitges. A destacar un curioso toque ecologista y antitotalitario, bastante impropio de películas de zombies, sangre y vísceras.