Retrospectiva: La loba

La loba (The Little Foxes, 1941), dirigida por William Wyler con Bette Davis, Herbert Marshall, Teresa Wright, Richard Carlson, Dan Duryea, Patricia Collinge, Charles Dingle,Carl Benton Reid. 

Sinopsis: A finales del siglo XIX, en una población sureña, la calculadora y despiadada Regina Giddens entabla una lucha sin cuartel contra sus hermanos para quedarse con la herencia familiar. En sus planes no tienen cabida los sentimientos, ni siquiera hacia su marido, un hombre honrado que regresa a casa después de sufrir una grave enfermedad. En medio de la asfixiante atmósfera creada por la desmedida ambición de su esposa, sólo encontrará calor humano en el amor de su hija. 

Uno de los papeles más inolvidables de la gran Bette Davis, una mujer sin escrúpulos. Clásico del melodrama americano que se ve engrandecido por la eficaz realización del maestro William Wyler, autor de otros títulos imborrables como Cumbres borrascosas (1939) o Los mejores años de nuestra vida (1946). La película recibió nueve nominaciones al Oscar.

Hace 100 años: Gorriones

El 14 de mayo de 1926 se estrenó la película estadounidense Gorriones (Sparrows), dirigida por William Beaudine e interpretada por Charlotte Mineau, Gustav von Seyffertitz, Lloyd Whitlock, Mary Louise Miller, Mary Pickford, Roy Stewart. Productora: Pickford Corporation. Duración: 84 minutos. 

Sinopsis argumental: Oculta en los pantanos del sur, la familia Grimes tiene una granja donde los niños no deseados o perdidos son cruelmente desnutridos y agotados. Mamá Mollie (Pickford), la mayor de los niños, protege a los demás lo mejor que puede y mantiene su valor diciéndoles que Dios cuida de ellos como lo hace del más pequeño gorrión.

Comentario: Uno de las películas más apreciadas entre las que protagonizó Mary Pickford. Propone un melodrama tremebundo, con huerfanitos desvalidos y villanos integrales. Sin embargo, su tratamiento formal es bastante notable, creando en algunos momentos una atmósfera irreal y fantasmagórica, que se convierten en el plato fuerte de la función.

Película de vampiros de 2025 que hace historia en los Oscar

Nada de fiestas, llamadas histéricas ni champán descorchado a las siete de la mañana. Según ha contado en Variety junto a la productora Zinzi Coogler y Sev Ohanian, fue un día sorprendentemente cotidiano. Despertarse, poner YouTube y decir algo así como “oye, levántate”.

Mientras media industria estaba mirando las listas con el corazón en un puño, en casa de los Coogler tocaba rutina: niños al cole, poco sueño y esa sensación extraña de estar viviendo algo enorme sin tiempo para procesarlo. Zinzi lo resumía con una frase que dice mucho: todavía estamos intentando asimilarlo. Normal. Dieciséis nominaciones no se digieren con el café de la mañana.

Coogler, lejos de ponerse épico, habló desde el orgullo de equipo. De ver cada día a su gente dejándose la piel y sentir que, por una vez, ese trabajo ha sido reconocido por quienes deciden. No siempre pasa así en Hollywood. Y menos cuando lo que haces es una película de vampiros que no juega a ser “prestigiosa” disfrazándose de otra cosa.

Los pecadores (Sinners, 2025), recibe dieciséis nominaciones que cambian las reglas. El dato es demoledor: Los pecadores ha conseguido más nominaciones al Oscar que Titanic, La La Land o Eva al desnudo. Y no es solo un récord por el récord. Es lo que simboliza. El reconocimiento absoluto a una película de vampiros dentro de una industria que históricamente ha mirado el terror con cierto desdén.

Hasta ahora, los grandes hitos del género eran contados. El exorcista logró diez nominaciones en 1973. El silencio de los corderos llegó a siete en 1991. El sexto sentido se quedó en seis en 1999. Logros enormes, sí, pero siempre vistos como excepciones. Los pecadores ha reventado ese techo de cristal con un martillazo directo.

Que una película de vampiros haga historia en los Oscar no es solo una anécdota para titulares llamativos. Es una señal bastante clara de que algo está cambiando dentro de la Academia. El terror ya no es solo “esa cosa rara que da dinero pero no premios”. Ahora puede ser cine grande, con mayúsculas, sin pedir perdón. Además, Los pecadores no es una rareza minoritaria. Fue una de las películas más taquilleras de 2025. Público y crítica fueron de la mano, algo que no siempre ocurre. Y ese equilibrio es justo lo que durante años se le ha negado al género: si triunfa en taquilla, parece que no puede ser “arte”. Aquí se ha demostrado lo contrario.

“Americana”, Sydney Sweeney en uno de sus mejores papeles

Tony Tost nos presenta una encantadora película independiente, inspirada en el cine de Quentin Tarantino. Las vidas de varios forasteros y locales se entrecruzan violentamente cuando una rara camisa de Lakota Ghost aparece en el mercado negro de un pequeño pueblo de Dakota del Sur. Su estreno mundial tuvo lugar en South by Southwest el 17 de marzo de 2023, pero no se estrenó en salas hasta más de dos años después, el 22 de agosto de 2025.

Lefty Ledbetter (Paul Walter Hauser) y Penny Jo Poplin (Sydney Sweeney) se conocen jugando a los dardos

Oiga, ¿una nueva película con Sydney Sweeney? No exactamente. Dos años antes del éxito de La asistenta (The The Housemaid), la actriz protagonizó esta pequeña película independiente, estrenada con retraso en HBO Max. Es una pena, porque en Americana (también conocida como aquí National Anthem) ofrece una de sus mejores interpretaciones: la de una camarera tartamuda que se enamora de un vaquero romántico (el brillante Paul Walter Hauser). Juntos, traman un plan para robar una camisa nativa americana perteneciente a un jovencito adinerado. Pero no han contado con otras bandas de matones y criminales, todos igualmente decididos a hacerse con el botín...

Retrospectiva: Matar a un ruiseñor

En 1962, durante el rodaje de Matar a un ruiseñor (To Kill a Mockingbird, 1962), dirigida por Robert Mulligan, ocurrió un momento que nadie había ensayado. En pleno juicio ficticio, mientras Brock Peters interpretaba el testimonio de un hombre acusado injustamente, algo se quebró dentro de él. Las lágrimas comenzaron a caer sin que estuviera en el guion. Gregory Peck, para no romper la escena, evitó mirarlo directamente. Sabía que si cruzaba los ojos con Peters, la emoción lo desbordaría también. 

Lo curioso es que, al inicio, muchos productores no querían contratar a Brock Peters. Lo veían como un villano por sus papeles anteriores. No imaginaban que ese hombre, nacido como George Fisher en la pobreza de Harlem, cargaría con tanta verdad en una sola escena. Peters había llegado al cine después de un camino difícil. Estudió en la prestigiosa Escuela de Música y Artes de Nueva York, pero sobrevivía con trabajos esporádicos mientras buscaba una oportunidad en la actuación. Su vida cambió cuando obtuvo un papel en el musical Porgy and Bess en 1949; dejó la universidad y salió de gira. Su primera gran aparición en cine llegó con Carmen Jones en 1954.

Mientras tanto, Matar a un ruiseñor tampoco lo tenía fácil. Aunque la novela ganó el Pulitzer, los estudios la rechazaron una y otra vez. Decían que no había suficiente acción, que no era romántica, que su villano no sufría castigo. Pero el productor Alan J. Pakula vio algo que otros no: humanidad. Convenció al director Robert Mulligan, y juntos lograron lo imposible: que Gregory Peck aceptara el papel de Atticus Finch.

Para preparar su personaje, Peck viajó con Mulligan y Pakula a Monroeville, Alabama. Allí conoció al padre enfermo de Harper Lee: Amasa Lee, el hombre que había inspirado a Atticus. Un viudo que había criado solo a sus hijos y había defendido a un inocente cuando nadie más se atrevía. Ese encuentro marcó a Peck y se convirtió en el núcleo emocional de su interpretación. Años después, en 2003, cuando Gregory Peck murió, Brock Peters fue quien pronunció su discurso en el funeral. El hombre que había llorado sin querer durante el rodaje fue también quien, desde el corazón, despidió al amigo que lo había ayudado a contar una de las historias más poderosas de la pantalla.

Efemérides de cine: Mandingo

El 7 de mayo de 1975 se estrenó la película estadounidense Mandingo, dirigida por Richard Fleischer e interpretada por James Mason, Susan George, Perry King, Richard Ward, Brenda Syke, Ken Norton. Productora: Dino de Laurentiis Cinematographica, Paramount Pictures. Duración: 126 minutos. 

Sinopsis argumental: La película está ambientada en Falconhurst, una plantación deteriorada propiedad del viudo Warren Maxwell y su hijo Hammond, su esclavo mandinga, Ganymede, o Mede, es entrenado para luchar contra otros esclavos. Hammond descuida a su esposa Blanche, a quien rechaza en su noche de bodas tras descubrir que no era virgen. En cambio, viola a su esclava Ellen, mientras Blanche obliga a Mede a acostarse con ella. Estas diversas y contradictorias infidelidades finalmente se unen, provocando un trágico final de la película con la muerte de la mayoría de los personajes principales.

Comentario: Está basada en la novela del mismo nombre (1957)​ escrita por Kyle Onstott y en la obra de Jack Kirkland. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Cumplió 25 años: Locos en Alabama

El 9 de septiembre de 1999 se estrenó la película estadounidense Locos en Alabama (Crazy in Alabama), dirigida por Antonio Banderas e interpretada por Melanie Griffith, David Morse, Lucas Black, Cathy Moriarty, Meat Loaf, Rod Steiger, Richard Schiff, Robert Wagner, Paul Ben-Victor, Elizabeth Perkins, Paul Mazursky, Noah Emmerich, Dakota Johnson, John Beasley, Sandra Seacat. Productora: Columbia Pictures, Green Moon Productions. Duración: 104 minutos. 

Sinopsis argumental: Peter Joseph, al que todos llaman Peejoe, tiene doce años y vive en una pequeña localidad sureña de Alabama; su rutinaria existencia se verá alterada cuando su tía Lucille, que acaba de matar a su marido, decide irse a Hollywood para triunfar en la televisión. Mientras espera noticias de ella, oirá hablar por primera vez de maridos que abusan de sus esposas y, también, de los llamados "derechos civiles", que durante aquel verano de 1965, provocan multitudinarias manifestaciones protagonizadas por ciudadanos negros.

Nominaciones y premios: Nominada a los Premios Razzie: Peor actriz (Melanie Griffith); Festival de Venecia: Nominada a León de Oro - Mejor película.

Comentario:  Pese al mencionado toque de humor negro, este film, adaptación de una novela de Mark Childress (el mismo novelista firma el guión), tiene importantes componentes dramáticos, y una emotiva crítica a las discriminaciones, ya sea por motivos raciales o de sexo. La película se erige así en un interesante documento sobre la era de la lucha por los derechos civiles. Quizá el mayor mérito del debutante director Antonio Banderas sea combina elementos tan dispares como drama y comedia, sin que el conjunto parezca forzado.

Clásicos de cine: La loba

La loba (The Little Foxes, 1941), de William Wyler 

A finales del siglo XIX, en una población sureña, la calculadora y despiadada Regina Giddens entabla una lucha sin cuartel contra sus hermanos para quedarse con la herencia familiar. En sus planes no tienen cabida los sentimientos, ni siquiera hacia su marido, un hombre honrado que regresa a casa después de sufrir una grave enfermedad. En medio de la asfixiante atmósfera creada por la desmedida ambición de su esposa, sólo encontrará calor humano en el amor de su hija. 

Uno de los papeles más inolvidables de la gran Bette Davis, el de una fría y calculadora mujer del sur de los Estados Unidos que compite con sus hermanos para enriquecerse. 

Está basada en la obra de teatro homónima de Lillian Hellman, que también escribió el guion. El título original The Little Foxes hace referencia a la Biblia y, en particular,  en un pasaje del Cantar de los Cantares. 

Clásico del melodrama americano que se ve engrandecido por la eficaz realización del maestro William Wyler, autor de otros títulos imborrables como Cumbres borrascosas (1939) o Los mejores años de nuestra vida.

Obtuvo 9 nominaciones a los Oscar, incluidas mejor película, director y actriz (Bette Davis) y una nominación en la Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR).

“Django Unchained”: cinco anacronismos que hacen que la película sea aún mejor

El impresionante western de Quentin Tarantino puede tener lugar en 1858, pero todavía hay algunos descubrimientos que están muy por delante de su tiempo. Así que echemos un vistazo a las pequeñas libertades tomadas por el cineasta en el siglo XIX.

Django desencadenado (Django Unchained, 2012) es una película cuya acción transcurre en 1858, "dos años antes de la Guerra Civil", tal y como indica un recuadro de presentación. Cualquier historiador que se precie te dirá: nunca debes razonar en términos de lo que sucede "después" de un evento porque los protagonistas no saben una mierda al respecto. Y luego, um, la Guerra Civil comenzó en 1861... tres años después, ¿verdad?

O Quentin Tarantino considera que la secesión de los Estados del Sur, en 1860, marca el verdadero comienzo del conflicto, o precisa por esta aproximación que no es historiador, no, sino cineasta, resueltamente. Y que también es mucho mejor porque el cine puede vengar a la Historia, o al menos hacer con ella lo que le plazca. En el cine puedes (¡cuidado con los spoilers!) asesinar a Hitler - Malditos bastardos (Inglourious Basterds, 2009)- y hacer que Sharon Tate sobreviva -Érase una vez… en Hollywood (Once Upon a Time in... Hollywood, 2019)-, por ejemplo. También se puede arrasar una propiedad de esclavistas con dinamita, incluso si este explosivo no se inventará hasta después de la Guerra Civil. Es cierto que Tarantino sabe cómo comportarse, no saca el Kalashnikov para derribar a los confederados, pero de buena gana ofrece pequeños arreglos con los hechos siempre que puedan alimentar su arte de hacer películas. Aquí hay algunos.
Armas: la dinamita no existia
Tenemos un gatillo fácil en Django, tenemos además un gatillo que no es exactamente el de 1858. En este caso, Tarantino no es fiel a la Historia sino al spaghetti western, un género que no habría tenido tanto éxito de haberlo pistolas de época usadas. Prácticamente todo el arsenal cinematográfico se inventará después de la década de 1850. Tarantino, por tanto, no tendrá el Nobel de precisión histórica, y menos le importa que ese Nobel no exista. Al igual que la dinamita, en 1858. Alfred (Nobel, por lo tanto) la inventará en 1867. Pero como el resto, la dinamita es demasiado tarantiniana como para dejar que una desafortunada brecha de nueve cortos años arruine la diversión, un poco como el Ku Klux Klan, cuyo La aparición oficial data de 1865: era demasiado tentador darles una lección también a ellos. Y luego volar una plantación por un proceso imposible es santificar el poder del cine, gran vengador de las injusticias de la Historia.

Las artes: Nefertiti estaba bajo tierra
El pesar es que en la casa estaba el busto de Nefertiti. Antes de volarla, Django aún pudo haber evacuado esta obra de arte que nadie conocía, en 1858, ya que fue descubierta en 1912. Este patán de Django… Hablamos de la escultura más hermosa de la historia hombres, sí, sí, y si eres escéptico, compra un boleto para Berlín tan pronto como podamos, luego para el Neues Museum, donde Nefertiti tiene una habitación para ella sola. Y dado que estamos en el negocio de las artes, mencionemos también la comparación de Calvin Candie (Leonardo DiCaprio) de Broomhilda con una "pintura abstracta", un comentario muy atrevido para el siglo XIX, en general bastante poco familiarizado con el arte abstracto.

La música: “Para Elisa”, desconocida
Pero al fin y al cabo, el caso de Nefertiti es medio error porque la escultura ya había sido realizada en 1858, aunque nadie la había visto todavía. Tal vez hubo incluso un pintor abstracto aquí o allá que no se abrió paso. Es un poco lo mismo con Para Elisa, que se toca con el arpa en una sala de estar: Beethoven la había escrito en 1810, pero no se publicó hasta 1867 (mira, como la dinamita). ¿Hay algún mensaje de Tarantino en estas cosas que se podría haber sabido pero no se supo del todo? Es difícil imaginar que se trata de simples errores garrafales, sobre todo porque el director aprecia Para Elisa por haberla hecho sonar en Malditos bastardos... Cuando usamos música dos veces en dos películas diferentes, sabemos la fecha de nacimiento. Sobre todo porque aquí se destaca especialmente: es la única melodía intradiegética (que los personajes escuchan) de Django desencadenado… Por lo demás, la banda sonora es decididamente contemporánea.

El idioma: "hijo de puta" no estaba en el diccionario
El principal escollo de las películas históricas es el lenguaje, especialmente cuando tienen lugar en una época en la que no existen grabaciones sonoras. Así que están los directores escrupulosos que buscan en los libros las palabras que usamos. Y luego está Tarantino, que rockea todo el tiempo. Samuel L. Jackson, como el mayordomo malvado, pronuncia el insulto atroz cuatro veces. Pero el muy serio diccionario de Oxford data su primer uso en 1918. Pero, ¿podemos imaginar una película de Tarantino sin un hijo de puta dentro?

Cumplió 25 años: Medianoche en el jardín del bien y del mal

El 17 de noviembre de 1997 se estrenó la película Medianoche en el jardín del bien y del mal (Midnight in the Garden of Good and Evil), dirigida por Clint Eastwood e interpretada por John Cusack, Kevin Spacey, Jude Law, Jack Thompson, Alison Eastwood, Irma P. Hall, Lady Chablis, Paul Hipp, Kim Hunter, Geoffrey Lewis, Michael Rosenbaum, Bob Gunton, Leon Rippy, Anne Haney, Richard Herd, Dan Biggers, Ann Cusack. Productora: Warner Bros., Malpaso Productions, Silver Pictures. Duración: 155 minutos.

Sinopsis argumental: Un joven escritor de Nueva York es enviado a la sureña localidad de Savannah para informar sobre la prestigiosa fiesta de Navidad de un adinerado y excéntrico personaje local llamado Jim Williams. Cuando éste se ve implicado en un turbio caso de asesinato, entonces el escritor decide investigar por su cuenta lo ocurrido, lo que le permitirá conocer a fondo el ambiente y los estrafalarios personajes del lugar.

Nominaciones y premios: Premios STFC: Mejor actor secundario (Kevin Spacey). 

Comentario: Está basada en la novela homónima de John Berendt. Vigésima película dirigida por Clint Eastwood. La película critica la hipocresía de alguna gente del Sur, ávida de oír el último chisme sobre una relación homosexual, pero que se escandaliza si tal comportamiento se hace público y notorio. Choca un poco –y se supone que es un tema importante, pues a ello apela el título dela cinta­– la inclusión de un elemento sobrenatural –una mujer negra que convoca a los espíritus a través del vudú–, quizá algo inconexo con la trama principal.

Cumplió 25 años: Fantasmas del pasado

El 20 de diciembre de 1996 se estrenó la película estadounidense Fantasmas del pasado (Ghosts of Mississippi), dirigida por Rob Reiner e interpretada por Alec Baldwin, Whoopi Goldberg, James Woods, Virginia Madsen, Craig T. Nelson, Susanna Thompson, William H. Macy, Alexa PenaVega, Lucas Black, Yolanda King, Jerry Levine, Bill Smitrovich, Rex Linn, Michael O'Keefe, Bill Henderson, Zoaunne LeRoy, James Pickens Jr., Terry O'Quinn, Diane Ladd, Finn Carter, Bonnie Bartlett. Productora: Castle Rock Entertainment, Columbia Pictures. Duración: 130 minutos. 

Sinopsis argumental: En la medianoche del 12 de junio de 1963, una bala acaba con la vida del activista en favor de los derechos civiles Medgar Evers, secretario de la Asociación Nacional para el Progreso de la Gente de Color en el estado sureño de Mississippi. Su asesino es el supremacista blanco Byron De La Beckwith, que resulta absuelto tras dos juicios nulos. Han pasado treinta años desde aquellos hechos, y el asesino sigue libre. ¿Es demasiado tarde para hacer justicia? 

Nominaciones y premios: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actor de reparto (James Wood), maquillaje; Nominada al Globo de Oro: Mejor actor de reparto (James Wood); Asociación de Críticos de Chicago: Nominada Mejor actor secundario (Wood).

Comentario: Una historia basada en un hecho real, producida por Frederick Zollo, que ya tocó el tema del racismo en otra famosa película: Arde Mississippi. El productor esbozó el guion tras acudir a un proceso judicial, celebrado en Jackson, en 1994, en el que se condenó al miembro del Ku Klux Klan, Byron De La Beckwith, por el asesinato de Medgar Evers, uno de los líderes más carismáticos de la causa negra.

Efemérides de cine: La última película

El 2 de octubre de 1971 se estreno la película estadounidense La última película (The Last Picture Show), dirigida por Peter Bogdanovich e interpretada por Timothy Bottoms, Jeff Bridges, Cybill Shepherd, Ben Johnson, Cloris Leachman, Ellen Burstyn, Randy Quaid, Sharon Taggart, John Hillerman, Clu Gulager. Productora: BBS. Distribuidora: Columbia Pictures

Sinopsis argumental: Década de 1950, en una pequeña ciudad de Texas. Los jóvenes amigos Sonny y Duane y la guapa Jacy son tres adolescentes insatisfechos y aburridos, espectadores de sus propias vidas en una localidad encerrada en sí misma en la que no hay mucho que hacer. Todo es un sueño inmóvil que se desarrolla entre un viejo cine, un salón de billar y un café abierto toda la noche.

Nominaciones y premios: 2 Oscar: Mejor actor secundario (Johnson) y actriz sec. (Leachman). 8 nominaciones; Globo de Oro: Mejor secundario (Johnson). 6 nominaciones incluyendo Drama; 3 BAFTA: Secundario (Johnson), Secundaria (Leachman), Guión. 3 nominaciones; National Board of Review: Secundario (Johnson), Secundaria (Leachman); Círculo de Críticos de Nueva York: 3 premios, incluido mejor actor secundario. (Johnson). 6 nominaciones; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion adaptado drama.

Comentario: Un estudio de la vida en el Texas rural de los años 1950 y de cómo se entrelazan las vidas de varios personajes. Dirigida por el antiguo crítico de cine Peter Bogdanovich, les valió a los veteranos Ben Jonson y Cloris Leachman los Oscar a mejor actor y actriz secundarios, además de ser nominada para seis estatuillas más (película, director, actor y actriz secundarios -Jeff Bridges y Ellen Burstyn-, guión adaptado y fotografía). La cinta significó el debut cinematográfico de la ex modelo y compañera sentimental del director Cybill Shepherd. Casi dos décadas después, Bogdanovich reunió a varios de los protagonistas de la película en una secuela, Texasville. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Cumplió 25 años: Tiempo de matar

El 24 de julio de 1996 se estrenó la película estadounidense Tiempo de matar (A Time to Kill), dirigida por Joel Schumacher e interpretada por Matthew McConaughey, Sandra Bullock, Samuel L. Jackson, Kevin Spacey, Brenda Fricker, Oliver Platt, Charles S. Dutton, Ashley Judd, Patrick McGoohan, Donald Sutherland, Kiefer Sutherland, Nicky Katt, Doug Hutchison, Octavia Spencer. Productora: Warner Bros./Regency Enterprises/Arnon Milchan Production. Duración: 149 minutos.

Sinopsis argumental: En un tranquilo pueblo de Mississippi, dos jóvenes borrachos violan salvajemente a una niña negra de diez años. La mayoría blanca de la ciudad se muestra horrorizada ante un crimen tan atroz. Carl Lee, el padre de la niña, decide tomarse la justicia por su mano y mata a los violadores de su hija. Mientras la tensión va creciendo y reaparecen en las calles las cruces ardiendo del Ku Klux Klan, Jake Brigance, un joven abogado blanco, hará todo lo posible por salvar tanto la vida de Carl Lee como la suya.

Nominaciones y premios: Globos de oro: Nominada a Mejor actor de reparto (Samuel L. Jackson); Premios Razzie: Nom. Peor película con recaudación superior a 100 millones de dólares. Asociación de Críticos de Chicago: Nominada mejor actor secundario (McConaughey). 

Comentario: A pesar de ser la primera novela que escribió John Grisham, Tiempo de matar no fue llevada a la gran pantalla hasta que otros de sus libros (La tapadera, El informe pelícano) se adaptaron con gran éxito. Sin embargo, esta es la única vez que el escritor ha participado activamente en dicha adaptación, asumiendo las tareas de productor, ya que se trata de su obra más querida. Joel Schumacher, que ya había llevado al cine con éxito una de las obras del novelista, El cliente, fue el encargado de dirigir esta película, que resultó un auténtico bombazo de taquilla en los Estados Unidos (aunque no en Europa). Además, sirvió para lanzar al estrellato a su hasta entonces desconocido protagonista, el actor Matthew McConaughey.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXLVI)

La última película (The Last Picture Show, 1971), de Peter Bogdanovich

Década de los años 1950, en una pequeña ciudad de Texas. Los jóvenes amigos Sonny y Duane y la guapa Jacy son tres adolescentes insatisfechos y aburridos, espectadores de sus propias vidas en una localidad encerrada en sí misma en la que no hay mucho que hacer. Todo es un sueño inmóvil que se desarrolla entre un viejo cine, un salón de billar y un café abierto toda la noche. Una adaptación de la novela homónima y semiautobiográfica de Larry McMurtry publicada en 1966. Fue el primer éxito de Peter Bogdanovich como director, que hasta entonces era un reputado crítico cinematográfico. Para el American Film Institute es una de las cien mejores películas de la historia del cine, concretamente la número 95. Un estudio de la vida en el Texas rural de los años 50 y de cómo se entrelazan las vidas de varios personajes. Dirigida por el antiguo crítico de cine Peter Bogdanovich, les valió a los veteranos Ben Jonson y Cloris Leachman los Oscar a mejor actor y actriz secundarios, además de ser nominada para seis estatuillas más (película, director, actor y actriz secundarios -Jeff Bridges y Ellen Burstyn-, guión adaptado y fotografía). La cinta significó el debut cinematográfico de la ex modelo y compañera sentimental del director Cybill Shepherd. Casi dos décadas después, Bogdanovich reunió a varios de los protagonistas de la película en una secuela, Texasville.

Efemérides de cine: El seductor

El 23 de enero de 1971 se estrenó la película estadounidense El seductor (The Beguiled), dirigida por Don Siegel e interpretada por Clint Eastwood, Geraldine Page, Elizabeth Hartman, Jo Ann Harris, Darleen Carr, Mae Mercer, Pamelyn Ferdin, Melody Thomas, Peggy Drier. Productora: Malpaso Productions. Duración: 109 minutos.

Sinopsis argumental: Guerra Civil norteamericana (1861-1865) John Mc Burney (Clint Eastwood), un soldado yanki malherido es rescatado por una jovencita de una escuela de señoritas del Sur. Se las arregla para llevarle a la escuela, aunque al principio todas las mujeres están aterrorizadas. Cuando empieza a recuperarse, una a una las irá conquistando a todas, y así el ambiente se irá enrareciendo a causa de los celos. 

Comentario: Adaptación de una novela de Thomas Cullinan, a caballo entre el western y el drama psicológico. Se trata de la tercera y más personal colaboración entre el director Don Siegel y el actor Clint Eastwood, cuya fructífera asociación dio al cine títulos como Dos mulas y una mujer, Fuga de Alcatraz o Harry el sucio. La ocho veces nominada al Oscar, Geraldine Page, interpreta el papel de la directora del colegio quien, a su pesar, tampoco es indiferente a los encantos del manipulador Eastwood. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LXC)

El cabo del terror (Cape Fear, 1962), de J. Lee Thompson

Sam Bowden, un respetable abogado de una pequeña ciudad, ve cómo su tranquila vida se convierte en una pesadilla cuando Max Cady, un criminal que pasó ocho años en la cárcel por su culpa, no deja de acechar a su mujer y a su hija adolescente. La ayuda que le ofrece el jefe de la policía local resulta inútil, y él, legalmente, no puede hacer nada para alejar a Cady de su familia. Basada en la novela Los ejecutores, de John D. MacDonald, El cabo del terror fue dirigida por un J. Lee Thompson (inmediatamente antes de rodar Los cañones de Navarone) en sus mejores momentos, hasta el punto de que, hoy en día, la película está considerada una pequeña obra maestra. Fue estrenada en un momento que la política de estudios estaba en plena crisis, por lo que fue financiada por la productora de Gregory Peck y Robert Mitchum, la Melville-Talbot Productions. La conjunción de estos tres profesionales del cine consiguió un 'film noir', a partir del cual Martin Scorsese realizó un remake en 1991, El cabo del miedo, aunque sin llegar a las cotas de la primera versión.

Cumplió 25 años: Causa justa

El 17 de febrero de 1995 se estrenó la película estadounidense Causa justa (Just Cause), dirigida por Arne Glimcher e interpretada por Sean Connery, Laurence Fishburne, Ed Harris, Kate Capshaw, Blair Underwood, Ruby Dee, Kevin McCarthy, George Plimpton, Hope Lange, Chris Sarandon, Ned Beatty, Daniel J. Travanti, Taral Hicks, Scarlett Johansson, Christopher Murray, Liz Torres, Lynne Thigpen, Victor Slezak, Brooke Alderson, Richard Liberty, Joel S. Ehrenkranz, Barbara Jean Kane, Francisco Paz, Melanie Hughes, Ashley Holliday, Gary Landon Mills, Tony Bolano, Fausto Rodríguez. Productora: Warner Bros./Fountainbridge Films/Lee Rich Productions. Duración: 102 minutos.

Sinopsis argumental: Paul Armstrong, un veterano profesor de Derecho, recibe la visita de una mujer negra que ha viajado desde Florida para que le ayude a salvar a su nieto, Ferguson, condenado a muerte injustamente por la violación y el asesinato de una niña blanca. Aunque en un principio Armstrong se resiste a aceptar el caso, porque ya no ejerce de abogado, al final decide ayudar. En su búsqueda de la verdad, descubrirá que el joven se vio obligado a confesarse culpable frente a un violento policía local.

Comentario: Como ya había hecho en Los últimos días del Edén y Sol naciente, Sean Connery ejerció las funciones de productor ejecutivo en esta pelíula, destinado a su lucimiento. El escogido para dirigir la adaptación de la novela homónima de John Katzenbach en la que se basa fue Arne Glimcher, antiguo galerista de arte que debutó tras las cámaras con Los reyes del mambo. La novela sufrió considerables cambios hasta convertirse en una combinación de thriller detectivesco y drama judicial, demasiado inspirado en éxitos recientes. A destacar la presencia de Ed Harris, en un papel de psicópata, y Lawrence Fishburne, como policía de métodos poco ortodoxos.

Efemérides de cine: El corazón es un cazador solitario

El 31 de julio de 1968 se estrenó la película estadounidense El corazón es un cazador solitario (The Heart Is a Lonely Hunter), dirigida por Robert Ellis Miller e interpretada por Alan Arkin, Sondra Locke, Laurinda Barrett, Stacy Keach, Chuck McCann, Biff McGuire, Percy Rodrigues, Cicely Tyson. Productora: Warner Brothers/Seven Arts. Duración: 123 minutos.

Sinopsis argumental:  John Singer (Alan Arkin) es una persona sorda que se traslada a una pequeña ciudad sureña para estar con su amigo Antonapoulos (Chuck McCann), que también es sordo. 

Nominaciones y premios: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actor (Alan Arkin), actriz secundaria (Sondra Locke); Globos de Oro: 4 nominaciones, incluyendo mejor película-drama; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Alan Arkin); Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión drama. 

Comentario: Adaptación, algo libre, de la célebre y extraordinaria novela homónima de la escritora estadounidense Carson McCullers. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Reflejos en un ojo dorado

El 11 de octubre de 1967 se estrenó la película estadounidense Reflejos en un ojo dorado (Reflections in a Golden Eye), dirigida por John Huston e interpretada por Elizabeth Taylor, Marlon Brando, Brian Keith, Julie Harris, Robert Forster, Zorro David, Irvin Dugan, Fay Sparks, Ed Metzger, Ted Beniades, Jed Curtis. Productora: Warner Bros. Pictures/Seven Arts. Duración: 108 minutos. 

Sinopsis argumental: En un fuerte situado en el sur de los EEUU, el comandante Weldon Penderton (Marlon Brando) se ha dedicado a la enseñanza de tácticas militares, mientras que su esposa Leonora (Elizabeth Taylor) prefiere solazarse con el teniente-coronel Morris Langdon (Brian Keith), amigo de la pareja. Todo esto lo observa, detalle a detalle, el soldado Williams (Robert Forster), un joven que parece fascinado con la bella mujer, mientras que Penderton comienza a interesarse por cada movimiento del joven soldado.

Comentario: Historia de sexo, traición y perversión emplazada en un campo militar, basada en una novela escrita por Carson McCullers, al estilo de las obras de Tennessee Williams.

Efemérides de cine: En el calor de la noche

El 2 de agosto de 1967 se estrenó la película estadounidense En el calor de la noche (In the Heat of the Night), dirigida por Norman Jewison e interpretada por Sidney Poitier, Rod Steiger, Warren Oates, Lee Grant, Quentin Dean, James Patterson,  Matt Clark,  Scott Wilson. Productora: Warner Bros. Duración: 109 minutos. 

Sinopsis argumental: En una pequeña población de Mississippi, el policía Sam Wood (Warren Oates) descubre el cadáver de un industrial. Poco después, detiene en la estación a un hombre negro que, tras ser interrogado por el jefe de la policía local, Billl Gillespie (Rod Steiger), resulta ser un inspector de la policía de Filadelfia llamado Virgil Tibbs (Sidney Poitier). Ambos policías deciden colaborar para investigar el asesinato.

Nominaciones y premios:  5 Oscar: mejor película, actor (Rod Steiger), guión adaptado, sonido, montaje. 7 nominaciones. 3 Globos de Oro, incluyendo mejor película - Drama. 6 nominaciones; Premios BAFTA: mejor actor extranjero (Rod Steiger). 3 nominaciones; Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película y actor (Rod Steiger); Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión drama.

Comentario: Intenso drama basado en la novela del mismo nombre de John Ball. Posteriormente tuvo dos secuelas, en las que el personaje que encarnaba Sidney Poitier repetía apariciones protagonistas: Ahora me llaman Sr. Tibbs (They Call Me Mister Tibbs!, 1970), de Gordon Douglas y El inspector Tibbs contra la Organización (The Organization, 1971), dirigida por Don Medford, si bien ya no gozaron del favor del público. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.