El Muro de Berlín cumplió 65 años... (IV)

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La paradoja es magnífica, quizás única en la historia del cine: la verdadera Puerta de Brandeburgo se volvió inaccesible justo cuando su contraparte cinematográfica la hacía transitable en la pantalla. Billy Wilder no podía, o no quería, incluir el Muro en la película, porque toda la trama se habría derrumbado, y ¿qué importaba si el espectador en diciembre de 1961 sabía que estaba viendo algo imposible al ver a los personajes cruzar a toda velocidad esa frontera de piedra? Por lo tanto, reescribió el guion, conservando solo la acción que tiene lugar justo antes del Muro. También suavizó ciertos chistes, negándose a herir a las familias ahora separadas o a reírse de un "paso" que se había vuelto potencialmente mortal.

James Cagney, Horst Buchholz y Pamela Tiffin en Uno, dos, tres (1961)

Ver hoy esta película injustamente olvidada del gran Billy Wilder, una película inevitablemente malinterpretada en su estreno —el público de la época no supo captar el humor que rodeaba un drama geopolítico trágicamente contemporáneo— es presenciar una película que se ha convertido en histórica en tiempo real y contra su voluntad. Wilder concibió Uno, dos, tres como una comedia sobre el absurdo de la Guerra Fría. La Guerra Fría respondió con un muro. Y fue la caída de ese muro en 1989 lo que, en un giro maravilloso del destino, convirtió la película en un clásico de culto… en Alemania.

El Muro de Berlín cumplió 65 años... (III)

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Un muro antes del Muro

Es 5 de junio de 1961, en Berlín Occidental. Comienza el rodaje, principalmente en los alrededores de Kurfürstendamm, la Columna de la Victoria (Siegessäule), en el Tiergarten y en la planta embotelladora de Coca-Cola. La Puerta de Brandeburgo, por supuesto, se presenta como el telón de fondo ideal, como una entrada teatral: por un lado, se entra al capitalismo; por el otro, se emerge al comunismo. Pero la puesta en escena no es tan sencilla. Una secuencia, por ejemplo, debe mostrar a Otto, el joven comunista convertido al sueño del dólar, cruzando la puerta en motocicleta hacia Berlín Oriental con un globo que lleva un lema antisoviético. Las autoridades han dado su permiso, pero el rodaje se detiene cuando los guardias descubren que el globo dice "¡Russki, vete a casa!". La escena se volverá a rodar en los Estudios Bavaria en Geiselgasteig, cerca de Múnich, donde el renombrado diseñador de producción Alexander Trauner recreará la Puerta de Brandeburgo.

Horst Buchholz en Uno, dos, tres (1961)

Cabe señalar que esta reconstrucción no data de la construcción del Muro, que comenzó a mediados de agosto: una fotografía de la época muestra a trabajadores de Bavaria Studios construyendo la réplica de la puerta ya en julio de 1961… Adiós a la encantadora pero falsa leyenda de que Wilder se enteró el 13 de agosto de que la frontera acababa de cerrarse e inmediatamente ordenó la construcción de una puerta falsa. ¿Billy buscaba el absurdo? Lo consiguió, por así decirlo: en la noche del 12 al 13 de agosto de 1961, las autoridades de la República Democrática Alemana cerraron el acceso entre Berlín Este y Oeste, con policías y soldados desplegando kilómetros de alambre de púas. La situación es, sin embargo, catastrófica, ya que el humor de Uno, dos, tres se basa en el hecho de que sus personajes pueden cruzar constantemente Berlín de este a oeste y de oeste a este. La "puerta teatral" entre el capitalismo y el comunismo se ha vuelto infranqueable.

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El Muro de Berlín cumplió 65 años... (II)

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Un escenario estrechamente vinculado a los acontecimientos actuales.

Originalmente, Uno, dos, tres era una obra de teatro en un acto de Ferenc Molnár, Egy, kettő, három, estrenada en 1929, que Wilder había visto en Berlín. Treinta años después, el cineasta y su coguionista I.A.L. Diamond conservaron poco de su trama apolítica —básicamente, cómo transformar a un joven poco convencional en un yerno presentable— y la trasladaron a la actualidad. El resultado: la hija del director de Coca-Cola en Berlín Occidental (interpretado por un enérgico James Cagney) se ha casado con Otto (Horst Buchholz , quien saltó a la fama con Los siete magníficos de John Sturges en 1960), un comunista de Alemania Oriental a quien el Sr. Coca-Cola, por supuesto, decide convertir al capitalismo.

James Cagney, Horst Buchholz, Hanns Lothar y Pamela Tiffin en Uno, dos, tres (1961)

Berlín es el lugar ideal para esta comedia satírica, ya que Wilder quiere escribir chistes (en serie y que se reflejan entre sí) sobre el comunismo soviético, el capitalismo estadounidense, las viejas peculiaridades prusianas y el legado nazi. ¡Con diplomáticos soviéticos soñando con negociar licencias para fabricar el siempre rentable refresco! Él e I.A.L. Diamond no empiezan un solo día de escritura sin escuchar las noticias sobre la "Crisis de Berlín" en la American Forces Network, el servicio de radio y televisión que el ejército estadounidense proporciona a sus soldados destinados o desplegados en el extranjero. Y por las noches, devoran la edición internacional del New York Times, lo que les impulsa a modificar su guion según los últimos acontecimientos políticos y militares.

James Cagney en Uno, dos, tres (1961)

Quieren avanzar tan rápido como la historia misma y convertir Berlín en el escenario de todos los choques ideológicos, con un humor demoledor. En su libro de entrevistas con Cameron Crowe, Wilder relata que quería que Uno, dos, tres  fuera "la película más rápida del mundo", acumulando chistes hasta el punto de que el espectador apenas tiene tiempo de reírse entre líneas. Por eso también eligió a James Cagney y su ritmo frenético como protagonista. Y sin embargo, el gran Billy será superado, porque la historia avanza aún más rápido que él…

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El Muro de Berlín cumplió 65 años... (I)

Y Billy Wilder estuvo allí: la historia de un rodaje cinematográfico tumultuoso, frustrado por la historia.

Hace sesenta y cinco años: la noche del 12 al 13 de agosto de 1961, Alemania Oriental comenzó la construcción del Muro de Berlín, inicialmente en forma de "Cortina de Hierro", una barrera de la Guerra Fría de 155 kilómetros que no caería hasta veintiocho años después. Si hay algún cineasta vinculado a la "ciudad gris", es Billy Wilder (1906-2002), quien comenzó su carrera allí como periodista y director en la década de 1920, antes de huir del nazismo en 1933 a París y luego a Hollywood, mientras parte de su familia perecía en los campos de concentración. Ya había regresado en 1947 para dirigir Berlín Occidente (A Foreing Affair, 1948), una de las pocas películas de ficción rodadas en las ruinas de la ciudad en la inmediata posguerra, pero fue en el verano de 1961 cuando se topó con... un muro.

Marlene Dietrich y Jean Arthur en Berlín Occidente (1948)

Esta vez, Billy Wilder regresa con Uno, dos, tres (One, Two, Three), ¡sin imaginar cuántos acontecimientos actuales —que él sitúa en el centro de esta comedia— lo precederán! Eligió deliberadamente este Berlín, dividido políticamente en dos, pero donde aún se puede transitar diariamente de un sector a otro, con la Puerta de Brandeburgo como frontera entre el Este y el Oeste: es este absurdo —una frontera ideológica— lo que entusiasma al pícaro Billy.

James Cagney, Liselotte Pulver y Hanns Lothar en Uno, dos, tres (1961)

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Las mejores películas de Vittorio de Sica, maestro del cine italiano, en el 125 aniversario de su nacimiento (V)

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9. Matrimonio a la italiana (Matrimonio all'italiana, 1964)

Sinopsis: Nápoles, Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Filomena Marturano, una bella joven que está sola en el mundo, trabaja en un prostíbulo, pues no encuentra otra manera de ganarse la vida. Allí es donde conoce a Domenico Soriano, más conocido como Don Mimi, un acomodado burgués que la retira de la profesión y la lleva a vivir a su casa. 

El dúo estelar de Ayer, hoy y mañana se muestra listo para un segundo asalto en esta comedia dramática de costumbres con guerra al fondo que vuelve sobre los temas de sus primeras obras –el precio de la supervivencia, la ruptura de la familia tradicional, los estragos de las bombas en el tejido psicosocial italiano, la descomposición del orgullo de clase– desde una óptica ligera, pero nunca frívola. Recibió el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa.

10. El jardín de los Finzi Contini (Il giardino dei Finzi-Contini, 1970)

Sinopsis: Finales de los años treinta, Italia. Los Finzi Contini son una de las familias más influyentes de Ferrara: ricos, aristocráticos y judíos. Sus hijos, ya adultos, Micol y Alberto, tratan de crear un restringido círculo de amistades para poder jugar al tenis y celebrar fiestas, pero viven ajenos al mundo que los rodea. En ese círculo entra Giorgio, un judío de clase media que se enamora de Micol. Ella parece divertirse a su costa; incluso hace el amor con uno de sus amigos cuando sabe que Giorgio los está espiando. Al mismo tiempo que tienen lugar estos juegos sentimentales, el fascismo aprueba leyes que afectarán dramáticamente a los Finzi Contini.

Su última gra obra retrata el otro lado del espejo, tomando una novela semi-autobiográfica de Giorgio Bassani como punto de partida para diseccionar, de forma estremecedora y francamente inolvidable, la abominación fascista desde una atalaya mínima: los últimos días de normalidad que una familia rica de Ferrara puede experimentar ante el avance antisemita. El crítico Peter Bradshaw sintetizó su esencia en tres palabras: “Amor, muerte y tenis”.

Las mejores películas de Vittorio de Sica, maestro del cine italiano, en el 125 aniversario de su nacimiento (IV)

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7. El especulador (Il boom, 1963)

Sinopsis: Giovanni Alberti es un respetable hombre de negocios que está muy enamorado de su esposa. El problema es que ella ama tanto el lujo y la buena vida que Giovanni necesita cada vez más dinero para satisfacer sus caprichos. Llega a estar tan asfixiado por las deudas que incluso le proponen que venda algo vital a cambio de una importante cantidad de dinero. 

Italia resurgió (gracia al Plan Marshall) de las cenizas bélicas con tanta fuerza que la prensa empezó a hablar de un “milagro económico” apoyado en Vespas, Fiats, apartamentos en el EUR y las noches de Via Veneto. El siempre receloso De Sica formó equipo con Alberto Sordi para satirizar esa mentalidad triunfalista en una comedia con mucho veneno en su interior. Perfecta para ver en programa doble junto a La escapada (1962), de Dino Risi.

8. Ayer, hoy y mañana (Ieri, oggi, domani, 1964)

Sinopsis: Película que consta de tres episodios protagonizados por Sophia Loren y Marcello Mastroianni. El primero narra la historia de una napolitana que vende cigarrillos de contrabando y que está permanentemente embarazada, pues mientras esté en ese estado no entrará en la cárcel. En el segundo episodio, Loren encarna a la esposa de un millonario. Y en el tercero, vive un intenso romance.

Ganadora del Oscar, esta antología en forma de tríptico es uno de sus trabajos más sensoriales y livianos, si bien cada episodio (todos ellos con nombre de mujer y la pareja Loren/Marcello Mastroianni a los mandos) presenta suficientes cargas de profundidad como para elevar el conjunto muy por encima de lo paisajístico. En concreto, Mara de Roma tiene mucho que decir sobre las políticas sexuales de su década. 

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Las mejores películas de Vittorio de Sica, maestro del cine italiano, en el 125 aniversario de su nacimiento (III)

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5. Estación Termini (Stazione Termini AKA Indiscretion of an American Wife, 1953)

Sinopsis: El drama se desarrolla en la estación de tren de Roma (la estación Termini). Después de pasar unas vacaciones en Italia, Mary Forbes, una americana casada y con una hija, debe resolver un terrible dilema: coger el tren para regresar a su pais con su familia y reanudar su monótona vida o quedarse con Giovanni, su joven amante, su verdadero amor.

Su salto a Hollywood fue un riesgo calculado (coproducción en manos de David O. Selznick, nada menos) que, sin embargo, le dejó mal sabor de boca: no volvería a repetir, si bien el desenlace de este fatalista drama romántico, en el que Montgomery Clift se transforma en zombi sin alma tras la pérdida de Jennifer Jones, se encuentra entre las secuencias más poderosas de su filmografía.

6. Dos mujeres (1960)

Sinopsis: Año 1943. Italia durante los nueve meses de ocupación alemana. Cesira (Sophia Loren) es una mujer que vive en Roma con su hija Rosetta, una adolescente de trece años. Ante el avance de la guerra, decide huir de la capital y refugiarse en casa de unos parientes, en los montes de Ciociaria, donde es muy bien recibida. La vida discurre serena lejos del frente. La bella Cesira conoce a Michele (Jean Paul Belmondo), un joven intelectual que quiere ser partisano y que, enamorado de ella, intenta atraerla a la causa de la libertad. 

El reverso femenino de Ladrón de bicicletas trata sobre una mujer (Sofia Loren en la que probablemente sea su mejor interpretación, recibió el Oscar como mejor actriz por ello), que trata por todos los medios de proteger a su hija mientras los horrores de la guerra se despliegan a su alrededor. Te deja el alma como una lechuga hervida, pero precisamente esa era la intención de Alberto Moravia, autor de la novela original. Cine ardiente y apasionado. La historia es ficticia, pero está basada en hechos reales de 1944 en Roma y el Lacio rural, durante la Marocchinate.

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Las mejores películas de Vittorio de Sica, maestro del cine italiano, en el 125 aniversario de su nacimiento (II)

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3. Milagro en Milán (Miracolo a Milano, 1951)

Sinopsis: Totó es un bondadoso huérfano que vive, igual que otros muchos desharrapados, en un mísero barrio de chabolas en las afueras de Milán. Cuando en los terrenos donde viven se descubre petróleo, Totó, tan ingenuo como bienintencionado, decide enfrentarse al poderoso señor Mobbi, el dueño del suelo. 

Aunque contiene elementos fantásticos, constituye con Ladrón de bicicletas y Umberto D. la gran trilogía neorrealista de De Sica. La prueba de que en su poética personal también había espacio para el optimismo y la fantasía se encuentra en el memorable clímax de una fábula social con un corazón de oro, donde el realismo mágico irrumpe con fuerza huracanada para dotar a sus personajes de una catarsis sin parangón en la historia del cine. ¿El vuelo con bicicletas de E.T., El Extraterrestre (1982)? Sí, Spielberg lo tomó prestado de aquí.

4. Umberto D. (1952)

Sinopsis: Umberto Domenico Ferrari es un jubilado que intenta sobrevivir con su miserable pensión. Sumido en la pobreza, vive en una pensión, cuya dueña lo maltrata porque no consigue reunir el dinero necesario para pagar el alquiler de su habitación. Los únicos amigos que tiene en este mundo son una joven criada y sobre todo su perro Flike. 

Su capacidad para extraer oro de actores no profesionales tocó el cielo con Carlo Battisti, profesor universitario ya jubilado que pasó a la posteridad como el trágico Umberto D. Ferrari, un manojo de desdichas que intenta con todas sus fuerzas aferrarse a lo único que le queda (un piso de alquiler) antes de caer en el más anónimo y deshumanizador de los olvidos.

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Las mejores películas de Vittorio de Sica, maestro del cine italiano, en el 125 aniversario de su nacimiento (I)

El 7 de julio de 1901 nació un director (y actor) elegante tanto dentro como fuera de la pantalla. Genio del neorrealismo, dos veces ganador del Oscar y autor de algunas joyas imperecederas que hoy queremos rescatar.

Hablar de las mejores películas de Vittorio de Sica es hacerlo de cine europeo con mayúsculas. Sus primeras películas se sumergieron en las calles más deprimidas de la Italia posterior a la II Guerra Mundial para capturar una forma especialmente conmovedora de verdad que hoy conocemos como “neorrealismo”. Tras alcanzar un merecido reconocimiento internacional, este estiloso y genial cineasta, de quien este año se cellebra el 125 aniversario de su nacimiento, expandió su mirada hacia otros territorios, pero sin perder nunca esa vena humanista que lo elevó desde muy temprano a los altares del cine social. Hemos elegido solo diez de las mejores películas de Vittorio de Sica, pero podríamos haber incluido muchas más: su filmografía es tan rica e inagotable que, tantas décadas después, sigue deslumbrando a todo el que se acerca a ella.

1. El limpiabotas (Sciuscià, 1946)

Sinopsis: En la Roma de la posguerra, dominada por la miseria y el desempleo, dos jóvenes limpiabotas sueñan con comprarse un caballo. La única forma de conseguir el dinero necesario es trapichear en el mercado negro, pero los muchachos intentan en todo momento no ser detenidos.

Su primera obra maestra fue comparada con una ópera de Mozart sobre dos jóvenes amigos a quienes las circunstancias, y la pobreza extrema, separan en sendas jaulas de aislamiento, donde los errores de comunicación acaban destruyendo lo que alguna vez fue puro entre ambos. Orson Welles dijo de ella que, en un momento dado, la cámara y la pantalla desaparecen para convertirse en vida.

2. Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette, 1948)

Sinopsis: Ambientado en un suburbio de la capital italiana, la película cuenta la historia de Antonio Ricci, un hombre que lleva en paro dos años y que acaba de encontrar un empleo como cartelero. Para ello necesita su bicicleta ya que tiene que recorrer grandes distancias para fijar los carteles. Un desafortunado día le roban su vehículo lo que significa que no podrá desempeñar su trabajo. Antonio denuncia los hechos a las autoridades pero estas no hacen nada por ayudarle. La crisis económica que sufre Italia es realmente grave ya que acaban de salir de la II Guerra Mundial. Esto supone que obtener un empleo sea algo casi imposible es esas circunstancia, de modo que Antonio y su hijo Bruno (Enzo Staiola, 'Vulcano') comienzan la dura búsqueda de la bicicleta. Es sábado y necesitan encontrarla antes del lunes para poder retomar su trabajo. Cuando parece que todo esta perdido, observan una bicicleta que al parecer no está custodiada por nadie por lo que deciden robarla. Este hecho provocará terribles consecuencias para el cartelero.

El hombre común es despojado de toda dignidad en la Roma de posguerra. Lamberto Maggiorani está espléndido como Antonio, padre coraje que deberá atravesar un circuito de humillaciones ante nuestros conmocionados ojos, pero es el actor infantil Enzo Staiola quien brilla de verdad es esta suerte de revisión de El chico (1921), de Chaplin, en una clave neorrealista lindando con el cine de terror.

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Noticias de libro: Eva al desnudo

Eva al desnudo

El libros del 75 aniversario

Vicente Díaz, Luis López Varona, Ael Mallor Plou, Mary Carmen Rodríguez

Notorious

Madrid

2025

176 págs.

Fotografía en blanco y negro y color

En el 75 aniversario del film Eva al desnudo, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su gestación, el director, los actores y sus personajes, su fabuloso guion… Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.

Vicente Díaz, licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Europea de Madrid, ha desarrollado su carrera laboral como redactor todoterreno en los más diversos panoramas online, especializándose en los contenidos relacionados con el cine. En la actualidad, compagina su faceta de editor de vídeo con la redacción de críticas y artículos para la web TheCult.es.

Luis López Varona, licenciado en Derecho, estudió en las universidades de León, París X Nanterre y Green Bay, antes de especializarse en Dirección en la Escuela de Cine. Colaborador en Diario de León, El País, RNE y Onda Cero, es autor de los libros La última película de los grandes maestros (2010), Shakespeare en el cine (2016) y La Segunda Guerra Mundial y el cine (2019).

Ael Mallor Plou, nacido en Barcelona, es Arquitecto por la ETSAB, ilustrador, diseñador, publicista, escritor y cinéfilo empedernido. Ha compaginado sus trabajos como arquitecto, profesor y director creativo con la publicación cuentos y novelas. Al ver de pequeño en el cine la muerte de la madre de Bambi inició una curiosidad y estudio por el arte de Disney que le dura hasta hoy en día.

Mary Carmen Rodríguez es informadora cinematográfica. Fue redactora de la web Las Horas Perdidas. Forma parte de El Cine de LoQueYoTeDiga, es coeditora de su podcast de edición quincenal. Es autora del blog Historias de Tinseltown con el que repasa la historia de Hollywood a través de sus miserias.

“Shrek”, en Netflix: las múltiples vidas de un ogro que pasó de ser un rechazado de DreamWorks a una criatura increíblemente genial (IV)

Shrek, felices para siempre (Shrek 4) (Shrek Forever After (Shrek 4), 2010), de Mike Mitchell

Tiempo atrás, mientras Fiona seguía en la torre del dragón, sus padres habían acudido a Rumpelstiltskin, un duende mágico que hace que toda la historia de una vida cambie, para liberar a Fiona, él pidió a cambio la entrega del reino, pero en ese momento se enteraron de que Shrek la había salvado y se anuló el contrato. En el presente, Shrek ya es padre de 3 hermosos hijos y vive muy feliz junto a ellos, sin embargo, llega un momento donde se cansa de la rutina e incluso genera que actúe de forma muy grosera en el primer cumpleaños de sus hijos. Extrañando ser un ogro aterrador, decide hacer un trato con Rumpelstiltskin, en el que Shrek puede ser un ogro por un día a cambio de que le conceda otro día de su vida, sin embargo, Rumpelstiltskin elige el día que Shrek nació y crea un mundo alterno donde él es el rey, Shrek nunca existió y por ese motivo, él morirá al acabar el día a menos que Shrek logre el beso de su verdadero amor. Shrek encuentra a Donkey (quien no lo reconoce y se asusta de él) y van en busca de Fiona, solo para darse cuenta de que ya no está en la torre y luego encontrar un mundo subterráneo de ogros donde ella es la líder. Fiona no reconoce a Shrek y solo lo manda a entrenar con los ogros para una rebelión contra el reino. En medio de ello y con ayuda del Gato con Botas (quien es mascota de Fiona y está muy obeso), Shrek intenta enamorar a Fiona pero las distracciones ocasionan que los ogros sean capturados y Fiona se moleste con Shrek. 

Rumpelstiltskin se da cuenta de que Shrek no está capturado y ofrece "el contrato de la vida" a quien lo entregue. Shrek, a punto de creer que morirá, se entrega por sí mismo y desea que todos los ogros sean libres, lo que se concede, pero Fiona no es liberada debido a que "de día es una, de noche otra". Fiona le agradece a Shrek por su acción y, con ayuda de sus amigos y los ogros, derrotan a Rumpelstiltskin. Para el final del día, Shrek está a punto de desaparecer pero Fiona ya estaba enamorada de él y le da un beso, mientras Shrek desaparece. Cuando ella se da cuenta de que seguía siendo ogra, se da cuenta de que el beso era de amor completamente verdadero, el contrato es anulado, y todo vuelve a la normalidad: Shrek está de nuevo en la fiesta de sus hijos, Fiona y ellos lo aman y se alegra de haber recuperado todo lo que tenía.

Para 2027, hay prevista una quinta entrega de la saga Shrek.

“Shrek”, en Netflix: las múltiples vidas de un ogro que pasó de ser un rechazado de DreamWorks a una criatura increíblemente genial (III)

Shrek Tercero (Shrek 3) (Shrek the Third (Shrek 3), 2007), de Chris Miller, Raman Hui

Shrek, su familia y amigos, y todo el reino de Muy Muy Lejano, están de luto por la muerte del rey Harold, el padre de Fiona, entonces la siguiente generación van a ser Shrek y Fiona, ahora Shrek se convertirá en el rey de Muy Muy Lejano, pero él solo quiere volver a su casa y estar en paz con su familia. La segunda opción para ser el rey es el primo de Fiona llamado Artie. Shrek se embarca en una aventura con Donkey y Gato para ir a buscar a Artie a otro continente. Antes de que Shrek termine por marcharse, Fiona le dice que está embarazada. Shrek durante el viaje tiene muchas pesadillas pensando qué será del futuro de su vida con un bebé ogro. Cuando llegan al país de Artie, van a su escuela y nadie se esperaría que Artie fuera un fracasado adolescente, pero Artie no duda en ir con ellos. El príncipe Encantador está preparando su venganza contra el reino de Muy Muy Lejano con muchos villanos de cuentos de hadas. Mientras tanto a Shrek, por accidente, se le escapa que Artie será el rey porque Shrek no quiere y esto causa que Artie piense igual, ya no quiere ser el rey, entonces acuden al mago Merlín para que ayude a Artie a volver a su país, pero Shrek lo convence de que sea el rey. Fiona está con muchas princesas de cuentos de hadas celebrando su baby shower en el Castillo, cuando de la nada se oye que están secuestrando el castillo, entonces todas ellas se esconden en un cuarto secreto y tratan de escapar por una pared que derriban, pero las logran secuestrar y se las llevan a todas a una celda de la cual también escapan para lograr vencer a todos los villanos y al príncipe Encantador. 

Mientras tanto Shrek, Donkey, Gato y Artie llegan a Muy Muy Lejano para que Artie sea el rey pero el príncipe Encantador ahora es el rey Encantador de Muy Muy Lejano y hará una última obra de teatro en la cual salvará a la princesa, y el acto final será la muerte del verdadero Shrek. Las princesas ya están en la obra de teatro planeando un plan para que Encantador no mate a Shrek, en el último acto todas las princesas, Donkey, Gato, sus amigos y Artie suben para salvar a Shrek, pero Encantador le clava la espada en su brazo. Shrek cae al piso y le guiña un ojo a Fiona, Encantador le da por la espalda a Shrek y afirma haber salvado a todo el reino y ahora los villanos serán libres, pero Shrek se levanta y le dije a Encantador: Oye, tienes que practicar tu puntería. Shrek hace caer a todo el castillo falso, por lo que fallece el príncipe Encantador, que antes de morir, Shrek le quitó su corona, con la que después, en la tarima corona a Artie como el rey Artie de Muy Muy Lejano. Todo el mundo, hasta los villanos aplauden, pues la alegría ha vuelto al reino, lo cual implica que Shrek puede volver a su casa en el bosque con su familia. Luego Fiona da a luz a tres pequeñitos ogros, los otros integrantes de la familia.

“Shrek”, en Netflix: las múltiples vidas de un ogro que pasó de ser un rechazado de DreamWorks a una criatura increíblemente genial (II)

Pero, Shrek es, además, una franquicia de medios, basada en el libro Shrek! (1990) del estadounidense William Steig, está conformada principalmente de una serie de cuatro películas de animación digital, todas producidas por DreamWorks Animation: Shrek (2001), Shrek 2 (2004), Shrek Tercero (2007) y Shrek Para Siempre (2010). En 2003, se estrenó un cortometraje en 3D, Shrek 4-D, que al principio era una atracción del parque temático Universal Studios Hollywood y, cuatro años después, debutó un especial televisivo navideño titulado Shrek the Halls, al cual le siguió el especial de Halloween Scared Shrekless, en 2010. Al año siguiente, en 2011, se estrenó la película El gato con botas, basada en uno de los personajes principales de la filmografía de Shrek.

Los dos primeros (Shrek y Shrek 2) fueron distribuidas por DreamWorks Pictures, mientras que los otros dos (Shrek tercero y Shrek Forever After) y El gato con botas fueron distribuidas por Paramount Pictures. Actualmente y debido a la compra de DreamWorks Animation por parte de NBCUniversal, Universal Pictures distribuye la franquicia Shrek así como todas las películas anteriores a la adquisición.

Shrek 2 (2004), de Andrew Adamson, Kelly Asbury, Conrad Vernon

La segunda película inicia con el Príncipe Encantador en su búsqueda de la Princesa Fiona de la torre del dragón. Sin embargo, cuando llega descubre que ella no está ahí y en cambio se encuentra con un lobo, reminiscente de «Caperucita Roja». Mientras tanto Shrek, Fiona y Donkey disfrutan la luna de miel del matrimonio de la pareja de ogros. Durante esto les llega a Shrek y Fiona una invitación para que Shrek conozca a los padres de Fiona, los reyes de Muy muy lejano, pero nadie se esperaba que ellos fueran ogros, lo cual no puso muy feliz al rey Harold, el padre de Fiona. El rey Harold contrata al Gato con Botas para que asesine a Shrek, pero cuando lo intenta Shrek está con Donkey y resulta siendo otro integrante del grupo de amigos. Como Fiona está tan triste, Shrek roba una poción para que vivan felices para siempre, él y Fiona. Shrek no sabía que donde robó el encantamiento; era en la fábrica de El hada madrina, la madre del príncipe Encantador, que quiere vengars
e de Shrek ya que de no ser por él, su hijo, el príncipe se hubiera casado con Fiona. Shrek le dice a Donkey que tome la poción, como un conejillo de indias, al ver que no sucede nada Shrek, Donkey y Gato encuentran una granja abandonada y se van a dormir. 

Fiona se queda muy preocupada en el castillo ya que Shrek no ha vuelto, el rey Harold cree que Shrek ya está muerto. A la mañana siguiente, Donkey se levanta y es el corcel más bello de todo el mundo, cuando Shrek se levanta es un guapo y apuesto hombre y Fiona sin saber porqué pasó, es humana de nuevo. Shrek corre al castillo para llegar con Fiona pero encantador se hace pasar por Shrek y Fiona se enamora de él, mientras Shrek está en la cárcel con Donkey y Gato, acusados por un crimen que no cometieron. Al saber esto, Jengibre y Pinocho los ayudan a escapar de la cárcel. En la noche que escapan es precisamente la noche del baile en honor a la princesa Fiona y Shrek, pero Encantador se hace pasar por él para vengarse de Shrek. Shrek logra entrar al castillo y Fiona no duda en que él es el verdadero Shrek y al encontrarlo le da un beso de verdadero amor. Al ver esto el hada madrina por accidente se le cae su varita mágica, lo cual causa la muerte del hada madrina, Encantador llora por el fallecimiento de su madre y se va de la fiesta jurando algún día vengarse por su madre. La poción que Shrek tomó dura 24 Horas si le da un beso de amor verdadero en el segundo que se cumplan las 24 horas, si no lo hace, el hechizo será permanente; entonces Shrek le pregunta a Fiona si quiere que sean humanos por siempre, pero Fiona le dice que ella quiere que sean ogros; entonces se dan un beso y vuelven todos a la normalidad, al igual que Donkey. El rey Harold se disculpa con Shrek por su mal comportamiento, Shrek lo perdona.

“Shrek”, en Netflix: las múltiples vidas de un ogro que pasó de ser un rechazado de DreamWorks a una criatura increíblemente genial (I)

En DreamWorks, los animadores asignados al ogro 3D fueron, a principios del siglo este siglo… castigados. Convertido en un icono de los memes de internet, Shrek es ahora una figura destacada de la cultura drag. Un repaso a veinte años de metamorfosis.

El personaje de Shrek fue concebido como "una especie de personaje muy literal para Disney y sus personajes legendarios", según Sam Summers, investigador de la historia de la animación

Es verde y genial. Inimitable. Shrek celebra su 25.º aniversario este año. En un cuarto de siglo, el ogro ha eructado y tirado pedos sin parar en su pantano, y su aura no ha hecho más que crecer. Sin embargo, un personaje animado concebido como "un desaire literal a Disney y sus cuentos de hadas", según Sam Summers, investigador de historia de la animación en la Universidad de Middlesex, Shrek fue, originalmente, un marginado entre marginados.

DreamWorks Animation fue fundada en 1994 por Jeffrey Katzenberg como una empresa anti-Disney. Su principal proyecto a finales del milenio fue El Príncipe de Egipto, una película de animación tradicional. Los animadores que no rindieron lo suficiente fueron destrozados (literalmente).

La trama: Hace mucho tiempo, en una lejanísima ciénaga, vivía un feroz ogro llamado Shrek. De repente, un día, su soledad se ve interrumpida por una invasión de sorprendentes personajes. Hay ratoncitos ciegos en su comida, un enorme y malísimo lobo en su cama, tres cerditos sin hogar y otros seres que han sido deportados de su tierra por el malvado Lord Farquaad. Para salvar su territorio, Shrek hace un pacto con Farquaad y emprende viaje para conseguir que la bella princesa Fiona acceda a ser la novia del Lord. En tan importante misión le acompaña un divertido burro, dispuesto a hacer cualquier cosa por Shrek: todo, menos guardar silencio. Podemos disfrutarla, además de Netflix, en Disney+, Amazon Prime Video, SkyShowtime, Movistar Plus+, Apple TV, Rakuten TV. 

Simone Signoret en sus mejores películas y otros tantos papeles inolvidables (XI)

El gato (Le chat, 1971), de Pierre Granier-Deferre

Los protagonistas son un viejo matrimonio distanciado por el tedio y la incomunicación. Ella fue acróbata de un circo, él tipógrafo. El marido concentra todo su afecto en un gato que ha encontrado en la calle; pero, precisamente por ello, el gato es víctima del odio de la esposa. 

Basada en la novela homónima del escritor belga Georges Simenon. Magníficas actuaciones de Jean Gabin y Simone Signoret, premiados en Berlín por sus roles, con sendos Osos de Plata, en este inquietante drama sobre la incomunicación. Se trata de una descripción de estas agostadas vidas vacías en las que el desamor se manifiesta en el silencio -él le pasa notas escritas a ella-, la rutina, la desesperanza. En vivo contraste un mundo que nace alrededor: el nuevo París financiero que crece a costa de las expropiaciones de los pobres, de las que el inmueble de los Bouin no se librará. No hay sitio en ese nuevo mundo para los jubilados.

Simone Signoret en sus mejores películas y otros tantos papeles inolvidables (X)

La confesión (L'aveu, 1970), de Costa-Gavras

Anton Ludvick, al que también se le conoce como Gerard, es el ministro de Asuntos Exteriores de su país: Checoslovaquia. Contextualizada en el Proceso de Praga de 1952, la historia se centra en cómo Anton es arrestado y posteriormente encerrado en la cárcel, en un estricto régimen de aislamiento. Como disidente del Partido Comunista checoslovaco, Ludvick es torturado con todo tipo de atroces mecanismos psicológicos para que confiese una traición. Las torturas a las que es sometido serán el reflejo de un país sumido en una total desconfianza debido al autoritario régimen impuesto.

Yves Montand, Simone Signoret y Antoine Vitez en La confesión (1970)

El guión de Jorge Semprún se basa en el libro homónimo de Artur London que narra en primera persona las purgas estalinistas de las que fueron víctimas los disidentes del Partido Comunista checoslovaco, entre ellos el propio London. Estas purgas tuvieron lugar en el famoso Proceso de Praga de 1952. 

Simone Signoret en sus mejores películas y otros tantos papeles inolvidables (IX)

El ejército de las sombras (L'armée des ombres, 1969), de Jean-Pierre Melville

Francia, 1942. Philippe Gerbier (Lino Ventura) es un ingeniero civil que ha entregado todos sus esfuerzos a la valerosa resistencia francesa, de la que es uno de sus máximos responsables. Pero llega el día en que la policía colaboracionista le captura, siendo retenido en un campo de concentración bajo atenta vigilancia. Tras un traslado logrará escapar improvisando una fuga relámpago. A partir de ese momento viviremos con su testimonio el día a día de la resistencia y sus dificultades ante el poderoso invasor. 

Una de las mejores películas rodadas jamás sobre la resistencia aliada durante la 2ª Guerra Mundial. Cima del cine del mago del thriller francés, Jean-Pierre Melville. El ejército de las sombras está basada en una novela de Joseph Kessel adaptada por el propio Jean-Pierre Melville, ofreciendo al espectador un crudo retrato de los auténticos héroes de la resistencia francesa.

Simone Signoret en sus mejores películas y otros tantos papeles inolvidables (VIII)

Adua y sus amigas (Adua e le compagne, 1960), de Antonio Pietrangeli

Italia, años 1950. Como consecuencia de una ley que decretaba el cierre de los burdeles, cuatro prostitutas se plantean dejar el oficio y abrir juntas un restaurante. Pero los caprichos del destino las obligarán a volver a ejercer su antigua profesión en el propio restaurante.

Sandra Milo, Emmanuelle Riva y Simone Signoret en Adua y sus amigas (1960)

La gran Simone Signoret encabeza el destacado reparto femenino de esta comedia dramática, de tema escabroso. Se trata de una película amable, con buenos momentos, y con la colaboración especial de Marcello Mastroianni.

Simone Signoret en sus mejores películas y otros tantos papeles inolvidables (VII)

Un lugar en la cumbre (Room at the Top, 1959), de Jack Clayton

Joe Lampton (Laurence Harvey) acepta un trabajo de contable en un pequeña ciudad del norte de Inglaterra. Movido por la ambición, intenta conquistar a Susan (Heather Sears), la hija del hombre más rico y poderoso del lugar, pero paralelamente entabla una relación con Alice (Simone Signoret), una mujer madura cuya experiencia y sofisticación lo fascinan. 

Simone Signoret y Laurence Harvey en Un lugar en la cumbre (1959)

Duro drama social, crítica a las diferencias de clase, y de los mejores filmes de Jack Clayton, que demuestra ser un narrador increíble, con pulso de hierro en las escenas más difíciles. Adapta la primera novela de John Braine, que se había publicado el año anterior y había tenido una buena acogida. El guión de Neil Paterson se hizo acreedor de la estatuilla dorada del Oscar. La estupenda Simone Signoret está conmovedora como la mujer acostumbrada al sufrimiento y el desengaño, lo que le valió el Oscar. 

Simone Signoret en sus mejores películas y otros tantos papeles inolvidables (VI)

Les sorcières de Salem (1957), de Raymond Rouleau

Salem, 1692. El agricultor John Proctor ha hecho el amor dos veces con Abigail, una joven de 17 años que él y su esposa han acogido. Su esposa Elisabeth lo ha estado rechazando durante siete meses, por su puritanismo y frialdad. Cuando Elisabeth encuentra a John abrazando a Abigail, echa a la muchacha de su casa y John, sintiéndose condenado, está de acuerdo. Abigail jura venganza. Su oportunidad llega cuando acusa a Elisabeth de brujería y manipula a las niñas más jóvenes para apoyar sus afirmaciones de ver espíritus. El ministro de la ciudad y los políticos quieren una causa: liberar al pueblo de la brujería. John también es acusado; Abigail le ofrece una manera de evitar la horca. Elisabeth tiene su propia confesión.

Yves Montand y Simone Signoret en Les sorcières de Salem (1957)

Con gran eficacia, el también dramaturgo, filósofo y guionista, Jean-Paul Sartre, se ocupó de esta primera adaptación cinematográfica de la obra de Miller; y el actor y luego director, Raymond Rouleau, se encargó de bordar el conjunto con absoluta precisión, consiguiendo sacar a la luz una impactante obra cinematográfica que ya hace parte del arte por excelencia. Simone Signoret (Elisabeth, la esposa que, quizás, deba despertar) y Mylène Demongeot (la tentación llamada Abigail Williams), confluyen en un logro cinematográfico que nos envuelve de principio a fin y nos deja bien plantada la manera como el hombre sigue repitiendo, generación tras de-generación, la misma suerte de aberraciones.