Efemérides de cine: Asalto a la comisaría del distrito 13

El 8 de octubre de 1976 se estrenó la película estadounidense Asalto a la comisaría del distrito 13 (Assault on Precinct 13), dirigida por John Carpenter e interpretada por Austin Stoker, Darwin Joston, Laurie Zimmer, Martin West, Tony Burton, Charles Cyphers, Nancy Loomis, Henry Brandon, Kim Richards, Peter Bruni, John J. Fox, Peter Frankland, Frank Doubleday, Gilbert De la Pena, Al Nakauchi, James Johnson, Marc Ross, Alan Koss. Productora: CKK Corporation, The. Duración: 91 minutos. 

Sinopsis argumental: Un policía de Los Angeles recibe su primer destino en una comisaría que está siendo trasladada a un nuevo edificio. Nada parece que vaya a turbiar la paz del lugar, hasta la llegada de un furgón que custodia a un famoso criminal, que ha de pasar la noche en la comisaría... 

Comentario: Segunda película de John Carpenter, una mezcla perfecta de intriga, terror y western que estaba inspirado en el clásico de la historia del cine Río Bravo. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Romeo y Julieta, la célebre obra de Shakespeare en el cine (V)

 2. Versiones musicales y reimaginaciones urbanas

El conflicto de bandas o familias rivales se traslada a contextos modernos, utilizando la música y la cultura de pandillas:

- West Side Story (1961 y 2021)

Tanto la versión clásica de Robert Wise como el remake de Steven Spielberg adaptan el musical de Broadway que lleva la tragedia a Nueva York. Los Montesco y Capuleto se convierten en los Jets (estadounidenses caucásicos) y los Sharks (inmigrantes puertorriqueños).

- Romeo debe morir (Romeo Must Die, 2000)

Película de acción protagonizada por Jet Li y Aaliyah, donde el romance prohibido surge en medio de una guerra en Oakland entre la mafia china y una banda afroamericana. 

Efemérides de cine: El desencanto

El 17 de septiembre de 1976 se estrenó la película española El desencanto, dirigida por Jaime Chávarri. Reparto: Documental. Intervenciones: Felicidad Blanc, Juan Luis Panero, Leopoldo María Panero, Michi Panero. Productora: Elías Querejeta. Duración: 97 minutos. 

Sinopsis argumental: Leopoldo Panero, poeta, murió en Astorga, donde había nacido, en el año 1962. Catorce años más tarde, las personas que más íntimamente estuvieron ligadas a él, Felicidad Blanc, su viuda, y sus tres hijos, recuerdan aquel caluroso día de agosto. El recuerdo queda sometido a algo más que aquella fecha. Surgen otras vivencias. Y a través de la palabra y del recorrido por habitaciones, objetos, calles y lugares perdidos, se desvela la historia de unos años y de unas personas unidas por vínculos familiares que en ningún momento huyen de la expresión de sus diferencias y sus identidades. 

Nominaciones y premios: Medallas del CEC: Mejor película; Fotogramas de Plata: Mejor intérprete de cine.

Comentario: Basada en entrevistas a la viuda y a los hijos de Leopoldo Panero, poeta oficial del régimen franquista. A raíz de esta película, la expresión "el desencanto" pasó a ser una forma de caracterizar el periodo de la transición democrática española. Es la última película que sufrió los rigores de la censura tardo-franquista, que suprimió las breves alusiones de Leopoldo María Panero a sus experiencias sexuales en la cárcel. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Retrospectiva: El fantasma del Paraíso

El fantasma del Paraíso (Phantom of the Paradise, 1974) de Brian De Palma con William Finley, Paul Williams, Jessica Harper, Gerrit Graham, George Memmoli.

Sinopsis: Paul Williams escribió la partitura de este clásico del cine musical de terror, en el cual participa interpretando el papel del malvado magnate de la música perseguido por un compositor desfigurado al que mete en prisión para robarle sus composiciones. Una vez en libertad, el fantasma se enamora de la nueva estrella de la canción promocionada por el magnate, comenzando así su particular venganza.

Película de terror dirigido por Brian De Palma que se asemejaba al clásico El fantasma de la ópera. El director introduce elementos satíricos y critica a una industria musical que busca el triunfo y el enriquecimiento económico aunque sea a costa de otros más débiles. De Palma utiliza una estética propia de los años 1970, muy pop y unos personajes histriónicos y violentos, incluso las canciones introducen una letra reveladora y simbólica dirigida a una masa boba que es el público.

“Tiburón”: antes de la película, un libro aún más mordaz, donde el tiburón no era el único depredador

La superproducción veraniega de 1975 (disponible en HBO Max), dirigida por Spielberg, es una adaptación de la novela de Peter Benchley publicada en 1974. Lucha de clases, personajes ambivalentes… Un repaso a la historia de un relato original y conmovedor, en gran medida diluido por Hollywood.

Es verano, y el tiburón más famoso del cine regresa para devorar el muslo de algún nadador en HBO Max. Esta es una buena oportunidad para recordar que, antes de convertirse en el primer éxito de taquilla de la historia, Tiburón fue un fenómeno editorial cuyo autor, Peter Benchley, cayó en el olvido hasta que el libro se reeditó en 2025 para conmemorar el 50 aniversario de la película.

Sin embargo, hay que reconocer el mérito: es principalmente gracias a este periodista y escritor estadounidense, que murió en 2006, que los tiburones se convirtieron en estrellas, en un momento en que nadie estaba interesado en ellos. Nativo de Nueva York, pero apasionado por la vida marina desde la infancia, Benchley los observó desde sus primeros años…

Cinco películas basadas en libros (IV)

Cadena perpetua (The Shawshank Redemption, 1994), de Frank Darabont

Esta película está basada en Rita Hayworth y la redención de Shawshank (1982), una novela corta de Stephen King  Stephen King. Lo curioso detrás de esta obra es que el conocido como "maestro del misterio" vendió los derechos de su historia por un dólar a un cineasta emergente que ya había adaptado en un cortometraje una de sus novelas. Es una obra que, a pesar de ser hoy en día un clásico ineludible, fracasó estrepitosamente en la taquilla: tan solo logró recaudar un total de 16 millones de dólares frente a un presupuesto de 25 millones. Sin embargo, gracias a sus nominaciones a los Oscar y a su posterior lanzamiento en VHS, vivió una segunda vida, convirtiéndose en el clásico de culto que es hoy.

Sin duda, destaca por la calidad del guion, de sus interpretaciones y por una fotografía expresiva que logra transformar el carácter opresivo del drama carcelario en una bandera de esperanza. En el centro de la trama encontramos a Andrew Dufresne (interpretado por Tim Robbins), un hombre acusado y condenado por el asesinato de su mujer a la cárcel de Shawshank, en Maine, a pesar de clamar incansablemente su inocencia.

Cinco películas basadas en libros (III)

El padrino (The Godfather, 1972), de Francis Ford Coppola

No muy a menudo se puede decir que una película haya definido un género, pero nunca es tan cierto como en el caso de El padrino. Desde su estreno en 1972, ha determinado el baremo de calidad para todas las producciones de gánsteres posteriores. De hecho, tan solo hace falta fijarse en sus nominaciones y premios para darse cuenta de que, sin duda, fue una obra que logró conquistar al público con unanimidad: obtuvo diez nominaciones al Oscar, ganando tres de ellos (entre ellos, mejor película).

Fue la primera película de la serie de Francis Ford Coppola basada en la novela de Mario Puzo; una epopeya llena de actuaciones hipnóticas que reinventó a los criminales de la mafia como actores de un psicodrama dinástico. Sin duda, la obra destaca por su narrativa y guion magistrales, logrando equilibrar el ritmo entre las secuencias íntimas y los momentos de pura tensión. Además, cuenta con actuaciones icónicas como la de Marlon Brando, que logró darle a la figura del mafioso una vulnerabilidad paterna, y la de Al Pacino, quien ofreció otra actuación perfecta.

Cinco películas basadas en libros (II)

Ben-Hur (1959), de William Wyler

Una obra cinematográfica que nace de la novela homónima Ben-Hur: una historia de Cristo (título original en inglés: Ben-Hur: A Tale of the Christ), escrita por el autor y militar estadounidense Lewis Wallace. Se ambienta en la antigua Roma, bajo el régimen de los emperadores Augusto y Tiberio (s. I d.C.). Judá Ben-Hur, que proviene de una familia noble de la ciudad de Jerusalén, tiene una amistad con Mesala, un tribuno romano que dirige los ejércitos de ocupación. Sin embargo, un accidente romperá definitivamente esta amistad, convirtiéndola en una enemistad profunda e irreversible. De ahí en adelante su vida cambia radicalmente: el joven es acusado de atentar contra la vida del nuevo gobernador romano, lo que le valdrá el encarcelamiento a él y a toda su familia. Mesala lo condena a una vida de galeras; sin embargo, un hombre desconocido llamado Jesús se apiada de él y le da de beber.

Tras sobrevivir como esclavo durante años, el cónsul romano Quinto Arrio le salva la vida y le otorga la libertad, lo que le permite regresar a Judea convertido en un hombre nuevo que emprende una búsqueda sin descanso para encontrar a su madre y a su hermana. Esta obra es, sin duda, una historia de superación y perdón en la que el director hace uso de un despliegue técnico sin precedentes y una puesta en escena magistral, haciendo de ella una obra que hay que ver de manera indispensable.

Retrospectiva: Ladrón de bicicletas

Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette, 1948), de Vittorio De Sica con Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola, Lianella Carell, Gino Saltamerenda, Vittorio Antonucci, Giulio Chiari.

Sinopsis: En la Roma de la posguerra, Antonio, un obrero en paro, consigue un sencillo trabajo pegando carteles a condición de que posea una bicicleta. De ese modo, a duras penas consigue comprarse una, pero en su primer día de trabajo se la roban. Es así como comienza toda la aventura de Antonio junto con su hijo Bruno por recuperar su bicicleta mientras su esposa María espera en casa junto con su otro hijo. 

El gran Vittorio De Sica filmó una de las obras cumbres del neorrealismo, con actores no profesionales, como Lamberto Maggiorani, el protagonista, un auténtico parado de la construcción. Basada en una novela de Luigi Bartolini que tuvo cierto éxito, la película traza un retrato de las dificultades de la vida en Italia durante la postguerra. Lo mejor y más entrañable es la relación entre el protagonista y su hijo, que le tiene idealizado.

Obra maestra del neorrealismo italiano que forma, junto con Milagro en Milán (Miracolo a Milano, 1951) y Umberto D. (1952), la famosa trilogía de De Sica. La posguerra, la pobreza, la dignidad, la familia... Pocas veces con tan pocos recursos se contó tanto. Una de las grandes películas de la historia del cine.

Retrospectiva: “El acorazado Potemkin" de Sergei M. Eisenstein

El acorazado Potemkin (Bronenosets Potyomkin, 1925), de Sergei M. Eisenstein con Aleksandr Antonov, Vladimir Barsky, Grigori Aleksandrov, Ivan Bobrov, Mikhail Gomorov.

 

Sinopsis: Basada en hechos reales ocurridos en 1905. El acorazado Potemkin acaba de regresar de la guerra con Japón y su tripulación está a punto de amotinarse debido al trato brutal y a las malas raciones. Cuando una mañana les sirven carne infestada de gusanos, los marineros acaban rebelándose. se cansan del tratamiento vejatorio e injusto de los oficiales. Con este motín comienza el reguero revolucionario por Odesa y toda Rusia en contra de las tropas del Zar.

Considerada como una de las mejores películas de la historia del cine, una de las más estudiadas en las escuelas de cine por su técnica de montaje y una de las más influyentes de todos los tiempos. Fue nombrada como la mejor película de la historia en la Exposición General de Bruselas de 1958. La cinta es de dominio público en algunas partes del mundo. Esta obra maestra celebró su centenario en cines con una versión restaurada y otra con música de los Pet Shop Boys.

Retrospectiva: “Taxi Driver”… Travis Bickle, la versión beta del peligroso masculinista solitario

El 28 de mayo de 1976, la magistral Palma de Oro de Martin Scorsese conmocionó a la Croisette. Cincuenta años después, Robert De Niro fue visto como la primera representación de un incel (involuntary celibate), mucho antes de que existiera el término para designar a un machista violento. 

La trama: Para sobrellevar el insomnio crónico que sufre desde su regreso de Vietnam, Travis Bickle (Robert De Niro) trabaja como taxista nocturno en Nueva York. Es un hombre insociable que apenas tiene contacto con los demás, se pasa los días en el cine y vive prendado de Betsy (Cybill Shepherd), una atractiva rubia que trabaja como voluntaria en una campaña política. Pero lo que realmente obsesiona a Travis es comprobar cómo la violencia, la sordidez y la desolación dominan la ciudad. Y un día decide pasar a la acción.

Una “historia de un habitante de la ciudad llevado a la locura por las tensiones urbanas”. Después de su proyección en Cannes en 1976, los críticos oscilaron entre la admiración y el disgusto, llegando incluso a acusar a la película de Martin Scorsese de “glorificar el terrorismo individual”. Verla hoy, mientras celebramos el 50 aniversario de su Palma de Oro el 28 de mayo, sigue siendo deslumbrante. Los bucles musicales de Bernard Herrmann, las luces y sombras de las noches neoyorquinas, el poético e inquietante flujo de conciencia de Travis Bickle, el monólogo de Robert De Niro...

Una de las grandes películas de los años 1970, y la mejor tarjeta de presentación del cineasta Martin Scorsese, que en su cuarto trabajo partió de un guión de Paul Schrader. Recorre temas que están presentes en toda su filmografía, como la génesis de la violencia, los prejuicios y el rechazo social. El cineasta se luce con una utilización modélica de la voz en off del protagonista, unas dinámicas secuencias de éste recorriendo las calles, y sobrecogedores planos que muestran una violencia descarnada y terrible.

Efemérides de cine: El quimérico inquilino

El 24 de mayo de 1976 se estrenó la película francesa El quimérico inquilino (Le locataire  AKA The Tenant), dirigida por Roman Polanski e interpretada por Roman Polanski, Isabelle Adjani, Melvyn Douglas, Bernard Fresson, Shelley Winters, Jo Van Fleet, Lila Kedrova, Claude Dauphin, Claude Piéplu, Rufus, Romain Bouteille, Jacky Cohen. Productora: Marianne Productions. Duración: 120 minutos. 

Sinopsis argumental: Polanski interpreta al tímido Trelkovsky, que alquila un apartamento en París con un sombrío pasado, pues la anterior inquilina, una mujer joven, se tiró por el balcón. Sus pertenencias siguen allí, cosas que alimentan la obsesión de Trelkovsky por la mujer. 

Comentario: Polanski regresaba a sus pulsiones más psicológicas con este inquietante thriller en la senda de films como Repulsión o La semilla del diablo, que con El quimérico inquilino forma La denominada Trilogía del apartamento. Protagonizada por él mismo, contó para la ocasión con la preciada colaboración de auténticos tótems del cine europeo como la actriz Isabelle Adjani ("Posesión") o el director de fotografía Sven Nykvist, responsable de los films de Ingmar Bergman. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Retrospectiva: Eva al desnudo

Eva al desnudo (All About Eve, 1950) es una película dirigida por Joseph L. Mankiewicz con Bette Davis, Anne Baxter, George Sanders, Celeste Holm, Marilyn Monroe, Thelma Ritter,  Craig Hill, Barbara Bates, Hugh Marlowe, Gregory Ratoff, Walter Hampden. 

Anne Baxter y Bette Davis en Eva al desnudo (1950)

La trama: La joven Eva (Anne Baxter), que aspira a convertirse en actriz y triunfar en los escenarios, se las ingenia para introducirse en un grupo de actores de teatro y hacerse amiga y confidente de la famosa y veterana actriz Margo Channing (Bette Davis), gran dama de la escena neoyorquina. El deseo de actuar y los celos la consumen hasta el punto de comenzar a traicionar a sus compañeros en su escalada hacia el éxito. Ella halaga, atrae, seduce, pero también pisotea a todo el que se cruza en su camino: escritores, directores, productores. Sólo un inteligente crítico teatral comienza a adivinar lo que se esconde tras su dulce apariencia, sólo él es capaz de ver a "Eva al desnudo". 

Anne Baxter, Bette Davis, Marilyn Monroe y George Sanders en Eva al desnudo (1950)

Obra maestra sobre el mundo del teatro de Broadway. Sus 14 nominaciones a los Premios de la Academia de Hollywood marcaron un récord que hasta la fecha tan sólo ha podido ser igualado -por Titanic y La La Land-. Ganó seis Oscar.

Efemérides de cine: El imperio de los sentidos

El 15 de mayo de 1976 se estrenó la película japonesa El imperio de los sentidos (Ai no korîda AKA L'Empire des Sens), dirigida por Nagisa Ôshima e interpretada por Tatsuya Fuji, Eiko Matsuda, Aoi Nakajima, Yasuko Matsui, Meika Seri. Productora: Coproducción Japón-Francia; Oshima Productions, Shibata Organisation, Argos Films. Duración: 100 minutos. 

Sinopsis argumental: Una pareja de amantes vive una historia de amor llevada hasta límites inimaginables. La pasión se ha adueñado de ellos. El sexo ha pasado a ser lo único importante de sus vidas. Las ansias de la mujer por poseer a su hombre parecen inagotables y crecen cada día más hasta llegar a confundir el placer con el dolor.

Comentario: Considerada quizá la obra de culto por excelencia del cine erótico mundial. Inspirada en hechos reales sucedidos en Japón en la década de 1930. La película tuvo una gran polémica ya desde su estreno, tanto por los hechos que relata como por las escenas de sexo explícito entre su pareja protagonista. Por otro lado, y ante la previsible censura de las autoridades japonesas, la película es una coproducción francesa-japonesa, y para el montaje final Oshima la editó en Francia. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Retrospectiva: Willow, cuento medieval con brujas, enanos, espada y poderes mágicos

Willow (1988), dirigida por Ron Howard. Sus protagonistas son Val Kilmer, Joanne Whalley, Warwick Davis, Jean Marsh, Patricia Hayes, Tony Cox, Kevin Pollak, Rick Overton, Billy Barty, Phil Fondacaro, Gavan O'Herlihy, David Steinberg. Fue producida por George Lucas y se basa en una historia ideada por él mismo. 

La trama: En las mazmorras del castillo de la hechicera y malvada reina Bavmorda, una prisionera da a luz a una niña que, según una antigua profecía, pondrá fin al reinado de la hechicera. La comadrona intenta salvar a la niña de la ira de Bavmorda, pero, alcanzada por los perros de presa del castillo, no tiene más remedio que arrojar la cuna al río. Gracias a la corriente, la cuna llega a un pueblo de enanos, donde la niña es adoptada por el valiente Willow. 

Deliciosa película de aventuras fantástica, con monstruos, enanos, dragones, buenos y malvados. Ideal para ver en familia. Val Kilmer borda el papel de aventurero vividor pero con buen corazón. Pese a que los efectos especiales han perdido mucho con el tiempo, el guión –basado en una historia original ideada por George Lucas– sigue siendo entretenidísimo. La épica música de James Horner es excelente y la dirección de Ron Howard no da respiro.

Para disfrutar de una actuación verdaderamente espectacular de Nicolas Cage, debe (re)descubrir “Besos de vampiro”

Esta película de serie B de 1989 arruinó la carrera de todos, excepto la de Nicolas Cage. La interpretación del actor, que se inspira en el expresionismo alemán y el Actors Studio, le otorga valor a la película, sobre todo porque resulta ser bastante divertida y actual.

¿Amaríamos a Nicolas Cage si lo entendiéramos? ¿Amaríamos a este actor tanto si, por ejemplo, no hubiera insistido en prestar su voz a Pokey, un famoso poni de plastilina estadounidense, en Peggy Sue se casó (Peggy Sue Got Married, 1986), -dirigida por su tío Francis Ford Coppola-? Tres años después de este papel, que le valió una nominación a peor actor de 1986, Nicolas Cage se encontró en el set de una película de serie B que él imaginaba como una gran película, Besos de vampiro (Vampire's Kiss), escrita por Joseph Minion (el aclamado guionista de ¡Jo, qué noche (After Hours, 1985) de Scorsese) y dirigida por Robert Bierman, un director británico en ascenso en ese momento. La película fue un fracaso.

La trama: Un ejecutivo de una editorial de Nueva York está convencido de haberse convertido en vampiro ya que sus comportamientos son algo extraños. Este pensamiento le viene a la cabeza después de que uno de sus últimos ligues le mordiera el cuello durante uno de sus encuentros amorosos. El hombre empieza a obsesionarse con ello y su preocupación aumenta a medida que las visitas de ella se repiten. Disponible en Amazon Prime Video y Movistar Plus+. 

Clásicos de la época dorada de Hollywood para ver en Disney+

Clásicos con efectos especiales tempranos:
Pollyanna (1960), dirigida por David Swift e interpretada por Hayley Mills, Jane Wyman, Richard Egan, Karl Malden, Donald Crisp, Nancy Olson, Adolphe Menjou, Agnes Moorehead, Kevin Corcoran, James Drury, Reta Shaw, Leora Dana, Anne Seymour, Edward Platt, Mary Grace Canfield. Basada en la novela de  Eleanor H. Porter. 

La trama: Una jovencita hace cambiar a todo un pueblo gracias a su alegría. Aunque se quedó huérfana a los doce años, Pollyanna siempre tiene ganas de sonreír, incluso a su severa tía, a la que acabará ablandando con su contagiosa alegría.

Entrañable melodrama dirigido por uno de los mejores artesanos de la compañía Disney, David Swift, autor del clásico Tú a Boston y yo a California. El reparto recopila grandes actores de la época como Karl Malden, Adolphe Menjou y Agnes Moorehead, a los que une con otros nombres menos conocidos, pero con una gran calidad actoral. Hayley Mills ganó un Oscar Juvenil (Academy Juvenile Award) por su actuación y un Globo de Oro a la "Nueva promesa femenina" en 1961. Es considerada una joya del cine familiar por su mensaje de optimismo. 

La bruja novata (Bedknobs and Broomsticks, 1971), dirigida por Robert Stevenson e interpretada por Angela Lansbury, David Tomlinson, Cindy O'Callaghan, Roy Snart, Ian Weighill, Roddy McDowall, Sam Jaffe, John Ericson, Bruce Forsyth, Reginald Owen, Cyril Delevanti, Arthur Gould-Porter, Tessie O'Shea. Basada en el libro Bed-Knob and Broomstick de Mary Norton. 

La trama: La excéntrica Eglantine Price (Angela Lansbury) es una bruja aficionada que tiene que hacerse cargo, muy a su pesar, de tres niños londinenses que han sido evacuados al pequeño pueblo costero donde ella vive. Juntos lucharán contra el invasor alemán, empleando para ello un truco magistral de Eglantine.

Todo un clásico de la Walt Disney y del cine familiar, que mezcla dibujos animados y acción real al estilo de Mary Poppins, de hecho repite buena parte del equipo de ese film, incluidos el director Robert Stevenson y dos protagonistas. Entre las escenas animadas destaca un divertido partido de fútbol. Pero también sobresalen los espectaculares y oscarizados efectos visuales, en que un ejército de armaduras vacías, vía un hechizo de la protagonista, estupenda Angela Lansbury, se enfrenta a los nazis. No faltan además los números musicales, donde lo hacen maravillosamente la citada Lansbury y David Tomlinson.

TRON (1982), dirigida por Steven Lisberger e interpretada por Jeff Bridges, Bruce Boxleitner, David Warner, Cindy Morgan, Barnard Hughes. Tron, junto con Starfighter: la aventura comienza (The Last Starfighter, 1984), tiene la distinción de ser una de las primeras películas del cine en utilizar imágenes generadas por computadora —CGI—.

La trama: La historia de la trama sigue a Kevin Flynn, un programador de computadoras y desarrollador de videojuegos que se transporta al mundo del software de una computadora central donde interactúa con programas humanoides en su intento de escapar. 

Aunque no obtuvo en su momento el éxito esperado, esta cinta de ciencia ficción impactó a los primeros aficionados a los videojuegos, se convirtió en una fuente de inspiración para esta industria y en una película de culto. Adelantada dos décadas a Matrix, la cinta por excelencia sobre la realidad virtual, su mensaje es muy actual, pues abogaba por la libertad de circulación en informática. La carrera de Steven Lisberger quedó prácticamente truncada por el batacazo, pese a que posteriormente se rodó Tron Legacy, basada en los caracteres que él creó.

Efemérides de cine: ¿Quién puede matar a un niño?

El 26 de abril de 1976 se estrenó la película española ¿Quién puede matar a un niño? (Who Can Kill a Child?), dirigida por Narciso Ibáñez Serrador e interpretada por Lewis Flander, Prunella Ransome, Antonio Iranzo, Miguel Narros, Luis Ciges, Marisa Porcel, María Luisa Arias, Antonio Canal, Juan Cazalilla. Productora: Penta Films. Duración: 100 minutos. 

Sinopsis argumental: Tom y Evelyn son una pareja de turistas ingleses que viaja a una población costera española para disfrutar al fin de una tardía luna de miel. Sin embargo, cuando llegan, se quedan decepcionados: el lugar es demasiado bullicioso para pasar las tranquilas vacaciones que ellos habían planeado. Deciden entonces alquilar una barca para visitar una pequeña isla en la que Tom había estado cuando era más joven. Su sorpresa será mayúscula cuando descubran que los únicos habitantes de la isla son niños, unos niños que, animados por una misteriosa fuerza, se rebelan contra los adultos.
Nominaciones y premios: Festival de cine fantástico de Avoriaz: Premio de la crítica. 2 nominaciones. 
Comentario: Adaptación de la novela El juego de los niños de Juan José Plans y con música compuesta por Waldo de los Ríos, es el segundo y último largometraje dirigido por Ibáñez Serrador tras su debut en La Residencia (1969). Pese a que su recepción comercial en España, no así en el extranjero, no fue tan buena como otros proyectos de Ibáñez Serrador actualmente se la considera una de las películas más celebrados del fantaterror español y un clásico del cine de terror internacional. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

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5. El hombre que mató a Liberty Valance (The Man Who Shot Liberty Valance, 1962), de John Ford

Sinopsis: Ransom Stoddard (James Stewart), anciano senador del Congreso de los Estados Unidos, explica a un periodista por qué ha viajado con su mujer (Vera Miles) para asistir al funeral de su viejo amigo Tom Doniphon (John Wayne). La historia empieza muchos años antes, cuando Ransom era un joven abogado del este que se dirigía en diligencia a Shinbone, un pequeño pueblo del Oeste, para ejercer la abogacía e imponer la ley. Poco antes de llegar, fue atracado y golpeado brutalmente por Liberty Valance (Lee Marvin), un temido pistolero. 

Obra maestra definitiva de John Ford en la que están presentes los grandes temas de su filmografía como la construcción de nación, la confrontación entre el revolver y las leyes y el viejo y el nuevo Oeste, en definitiva, en torno a los personajes de James Stewart y John Wayne. Es una de las películas más rotundas del director en que deja de manifiesto su idea de la salvación y del hombre.

6. La conquista del Oeste (How the West Was Won, 1962), de Henry Hathaway, John Ford, George Marshall y Richard Thorpe

Sinopsis: La expansión hacia el Oeste protagonizada por los colonos, la anexión de Texas (1845) y la incorporación de Arizona, Nuevo México y California, tras una guerra con México que se salda con la victoria de los Estados Unidos (Tratado De Guadalupe-Hidalgo:1848) suponen un avance espectacular de la frontera norteamericana hacia el Pacífico. La película consta de cuatro episodios sobre la colonización del Oeste que tienen lugar entre 1830 y 1890. Los dos primeros y el último, fueron dirigidos por Hathaway, y el tercero, por Marshall, pero incluye también un interludio, dirigido por John Ford, ambientado en la guerra de Secesión (1861-1865), con un diálogo entre los generales nordistas Sherman (Wayne) y Grant (Morgan). Primera película rodada en Cinerama. El narrador es Spencer Tracy.

Película única por su magnitud, sus varias decenas de estrellas y sus cuatro directores, cuenta a lo largo de cuatro episodios y varias familias, sesenta años de construcción del Oeste. Una grandísima obra que ha pasado a la historia por su apartado técnico más que por la grandeza de su narración, pero que el tiempo y una nueva ola de fans ha conseguido reparar y situar en el lugar que merece.

7. Los profesionales (The Professionals, 1966), de Richard Brooks

Sinopsis: 1917. El millonario Joe Grant contrata a cuatro expertos mercenarios. Su misión consiste en rescatar a la mujer de Grant, secuestrada por Raza, un rebelde mexicano. Dos de los mercenarios habían luchado junto a Raza por la causa de ese país.

El choque del idealismo con la vida real y la lealtad son los temas que trata esta adaptación de la novela A Mule For the Marquesa, de Frank O'Rourke.Claramente influida por los códigos del spaghetti wéstern, es un poderoso wéstern político que reflexiona sobre el paso del tiempo, la edad y la necesidad de redención con Burt Lancaster, Lee Marvin, Robert Ryan, Jack Palance y Claudia Cardinale.

8. Un Hombre (Hombre, 1967), de Martin Ritt

Sinopsis: John Russell (Paul Newman) secuestrado y criado por los indios apache desde cuando era un niño, es ahora un hombre comprometido con su tribu a la que ha aprendido a apreciar y a respetar profundamente. Queriendo vender una casa que ha recibido como herencia, Russell viajará en una diligencia, en compañía de siete personas de diferentes rangos sociales, entre los cuales podrá ver una amplia radiografía de la sociedad a la que, con decisión, ha abandonado para siempre.

Espléndido trabajo de Paul Newman en el género en el da vida a un hombre blanco que ha sido criado por los indios y que cuando tiene la oportunidad de volver con los suyos renegará de la civilización por su crueldad y materialismo. De enorme éxito en su momento, fue una película comprometida y precursora de los grandes temas que el neowestern acabaría tocando unos años después.

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Encuentros en la tercera fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977), de Steven Spielberg

Esta película de Steven Spielberg es un hito de la ciencia ficción. En especial, por oponerse al hábito cinematográfico de mostrar alienígenas como monstruos o invasores. Al contrario, el director mostró una visión radicalmente pacífica. La película sigue a personas comunes que sienten una llamada irresistible hacia un encuentro con lo desconocido. Lo que hace que esta cinta sea tan optimista es su clímax en la Torre del Diablo, donde la comunicación con los extraterrestres no se logra mediante códigos militares o amenazas, sino a través de la música y la luz.

La trama: Una noche, cerca de su casa, en Indiana, Roy Neary (Richard Dreyfuss) observa en el cielo unos misteriosos objetos voladores. Desde entonces vive tan obsesionado por comprender lo que ha visto que se distancia de su esposa (Teri Garr). Encuentra apoyo en una mujer que también ha sido testigo de los mismos hechos, y juntos intentan encontrar una respuesta al misterio que ha alterado sus vidas. Al mismo tiempo, un nutrido grupo de científicos internacionales comienza a investigar las apariciones de ovnis y otros extraños fenómenos en la zona. 

El uso de las famosas cinco notas musicales como lenguaje universal es una metáfora poderosa: el arte y la armonía son la base del entendimiento. Los alienígenas no vienen a juzgarnos ni a destruirnos, sino a intercambiar conocimientos en un gesto de amistad cósmica. Es una película que captura la inocencia y el asombro infantil, sugiriendo que el universo es un lugar benevolente y que nuestro primer encuentro con otras civilizaciones será un momento de belleza sublime y paz absoluta.