viernes, 4 de diciembre de 2020

Cumplió 25 años: Sentido y sensibilidad

El 4 de diciembre de 1995 se estrenó la película británica Sentido y sensibilidad (Sense and Sensibility), dirigida por Ang Lee con Emma Thompson, Kate Winslet, Hugh Grant, Alan Rickman, Greg Wise, Emilie François, Imogen Stubbs, Gemma Jones, Robert Hardy, Elizabeth Spriggs, Imelda Staunton, Hugh Laurie, Harriet Walter, James Fleet, Tom Wilkinson, Ian Brimble, Isabelle Amyes, Alexander John, Allan Mitchell, Josephine Gradwell, Richard Lumsden, Lone Madsen, Oliver Ford Davies, Eleanor McCready. Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Columbia Pictures/Mirage Entertainment. Duración: 135 minutos. 
Sinopsis argumentalInglaterra, siglo XIX. Dos hermanas completamente distintas: una, pura razón y sentido común (Emma Thompson); la otra, pura sensibilidad y pasión (Kate Winslet), se enfrentan al amor y a las adversidades de la vida. Al morir su padre, deben abandonar su hogar, que pasa a manos de un hermanastro, hijo del primer matrimonio de su padre. Se mudan al campo y, allí, tendrán experiencias amorosas que producirán en ellas un cambio profundo.
Nominaciones y premios: Oscar: Mejor guión adaptado. 7 nominaciones, incluyendo mejor película; 2 Globos de Oro: Mejor película: Drama, guión adaptado. 6 nominaciones; 3 premios BAFTA: Mejor película, actriz (Thompson) y secundaria (Winslet). 12 nominaciones.3 premios National Board of Review: Película, actriz (Emma Thompson), director; Círculo de Críticos de Nueva York: Director (Ang Lee) y guión. 4 nominaciones; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor guion. 2 nominaciones; Critics' Choice Awards: Mejor película y Mmjor guión; Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión adaptado; Sindicato de Actores (SAG): Mejor actriz secundaria (Winslet). 3 nominaciones; Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor guión; Festival de Berlín: Oso de Oro.
Comentario: Basada en la novela homónima de Jane Austen, Sentido y sensibilidad es el producto de dos determinaciones: la de la productora Lindsay Doran y Emma Thompson enamoradas del original literario. Esta última se encargó de escribir el guion, llegando a redactar varios borradores, uno de ellos elaborado en la Toscana durante el rodaje de Mucho ruido y pocas nueces (1993). 

100 sagas de cine: Mortal Kombat

Mortal Kombat es una franquicia de medios, iniciada con una saga de videojuegos de lucha, creada por Ed Boon y John Tobias en 1992 y lanzadas inicialmente en máquinas arcade, posteriormente estuvieron disponibles en consolas domésticas. Como resultado de su éxito, Mortal Kombat ha dado lugar a varias secuelas y se ha escindido en varios juegos de acción y aventura, ha tenido películas (de animación y de acción en vivo con su propia secuela), series de televisión e historietas. La serie es conocida por su gran cantidad de sangre y violencia, incluyendo particularmente los fatalities, un movimiento especial que para ser realizado se requiere hacer una combinación específica de botones, que posteriormente llevó a las empresas de videojuegos a crear la ESRB. 

Las películas de acción en vivo son: 

Mortal Kombat (1995), dirigida por Paul W. S. Anderson 

Shang Tsung lleva venciendo desde hace nueve generaciones todos los torneos de artes marciales que se producen en su extraño país. Pero Lord Rayden, una especie de dios del Trueno benigno, ha reclutado a tres guerreros para que luchen contra Shang Tsung. Adaptación del videojuego del mismo nombre, realizado gracias al éxito de Super Mario Bros. Con un Christopher Lambert como protagonista de la función, la película mantiene todas las constantes de su punto de partida original. Sin un guión muy estructurado, Mortal Kombat se centra en las diferentes luchas de los personajes y en una ambientación técnicamente muy elaborada. Su éxito comercial provocó la realización de una secuela un par de años más tarde. Galardonada con el premio BMI Film Music Award 1996 (George S. Clinton).

Mortal Kombat: Aniquilación (Mortal Kombat: Annihilation, 1997), de John R. Leonetti

La película comienza como acabó la anterior. Un grupo de esforzados paladines ha derrotado a los guerreros del mal procedentes del mundo exterior, en el torneo a vida o muerte llamado Mortal Kombat, salvando a la Tierra de la destrucción durante una generación más. Pero cuando los vencedores están todavía regocijándose por su triunfadora victoria, las puertas que llevan al mundo exterior se hacen pedazos y una figura gigantesca, con el rostro de la muerte, declara que la batalla no ha hecho más que empezar. Shao-Khan, el temible emperador del mundo exterior, no sólo ha roto las sagradas reglas del Mortal Kombat, sino que esta vez viene en persona, al frente de sus escuadrones de exterminio, a conquistar y eliminar cualquier cosa que se interponga en su camino. Ni siquiera los omnipresentes dioses mayores pueden detenerlo, y los Guerreros dependen más que nunca de su propio valor e iniciativa para frenar el terrible y destructor sacrificio, luchando contra unos enemigos más poderosos que ninguno de los que se han encontrado jamás.

Mortal Kombat (2021), de Simon McQuoid 

Mortal Kombat es una película estadounidense en desarrollo perteneciente al género de acción de fantasía de artes marciales del año 2021 dirigida por Simon McQuoid (en su debut como director) a partir de un guion de Greg Russo, basada en la franquicia de videojuegos del mismo nombre creada por Ed Boon y John Tobias. La película sirve como reinicio de la serie de películas que sigue a Mortal Kombat: Annihilation. Warner Bros. Pictures estrenará la película el 15 de enero del año 2021. Estará calificada para mayores de 18 años. Todavía no se ha desvelado nada del argumento.
Y una película de animación: 

Mortal Kombat Legends: La venganza de Scorpion (Mortal Kombat Legends: Scorpion's Revenge, 2020), de Ethan Spaulding

Es la primera película basada en Mortal Kombat que se produce en Warner Bros. Animation después de que su empresa matriz adquiriera la franquicia en el año 2009 de Midway Games, y el primer proyecto animado de Mortal Kombat desde la serie animada de 1996 Mortal Kombat: Defenders of the Realm, con el cocreador Ed Boon involucrado como consultor creativo. Mortal Kombat Legends: La venganza de Scorpion pone el foco en un torneo único que se celebra una vez por generación y en el que se enfrentan los campeones de distintos reinos. El ganador determinará el destino de la Tierra y de sus habitantes.

Efemérides de cine: La cólera del viento

El 4 de diciembre de 1970 se estrenó la película española La cólera del viento, dirigida por Mario Camus e interpretada por Terence Hill, Maria Grazia Buccella, Fernando Rey, Mario Pardo, Máximo Valverde, Berto Cortina, Ángel Lombarte, William Layton, Manuel Alexandre. Productora: Coproducción España-Italia; Cesáreo González P.C/Fair Film. Duración: 102 minutos. 
Sinopsis argumentalMarcos y Jacobo, dos asesinos a sueldo, se dirigen al Sur, a Andalucía. Han sido contratados por don Pedro, un poderoso latifundista, para poner fin a una posible rebelión de los campesinos. Marcos cumple la primera parte de su contrato matando a un anarquista recién llegado. Pero los campesinos reaccionan violentamente y los terratenientes no tardan en responder...
ComentarioWestern rodado por Mario Camus al principio de su carrera y en el que todo está organizado para el lucimiento de su protagonista, Terence Hill. El actor, cuyo verdadero nombre es Mario Girotti, estuvo secundado por Teresa Gimpera y Fernando Rey. Fuertemente influenciado por el Spaguetti Western, la película de Camus se pierde en introspecciones meditabundas que malogran el ritmo de la película y dejan sentir en el espectador las casi dos horas de duración, que transcurren sin demasiada acción.

jueves, 3 de diciembre de 2020

Reestrenos de la semana: 27 de noviembre

Diego Maradona

Dirección: Asif Kapadia. País: Reino Unido. Año: 2019. Duración: 130 minutos. Género: Documental. Biográfico. Deporte. Fútbol. Documental deportivo. Reparto: Documental, (intervenciones de: Diego Armando Maradona, Pelé, Dalma Maradona, Claudia Villafañe, Ciro Ferrara, Maria Rosa Maradona, Corrado Ferlaino, Diego Maradona Jr, Italo Cucci, Gianni Minà, Diego Maradona Sr, Gianinna Maradona, Daniel Arcucci, Cristiana Sinagra, Jorge Burruchaga, John Foot, Vincenzo Siniscalchi, Ernesto Cherquis Bialo, Daniel Hadad, Simone Di Meo, Giovanni Marino, Roque Villafañe, Gennaro Montuori, Víctor Hugo Morales, Alberto Bigon, Fernando Signorini). Producción: James Gay-Rees. Música: Antonio Pinto. MontajeChris King. Productora: On The Corner Films/Lorton Entertainment/Film4 Productions. Premios y nominaciones: Premios BAFTA: Nominada a mejor documental; British Independent Film Awards (BIFA): 5 nominaciones, incluido mejor director. Estreno en España: 11 de julio de 2019. Reestreno en España: 27 de noviembre de 2020. Sinopsis: Documental construido sobre la base de 500 horas de metraje inédito, acerca de la carrera y la vida del aclamado y controvertido futbolista argentino Diego Armando Maradona.

Películas de la semana: 4 de diciembre

El verano que vivimos

Dirección: Carlos Sedes. País: España. Año: 2020. Duración: 119 minutos. Género: Drama. Romance. Basado en hechos reales. Años 1990. Años 1950. Interpretación: Blanca Suárez, Javier Rey, Pablo Molinero, Carlos Cuevas, Guiomar Puerta, María Pedraza, Moreno Borja, Adelfa Calvo, Manuel Morón, Joaquín Núñez, Pedro Rudolphi, Paloma Reynaud. Guion: Ramón Campos, Gema R. Neira, Salvador S. Molina, Javier Chacártegui, David Orea. Música: Federico Jusid. Fotografía: Jacobo Martínez. Productora: Mr. Fields and Friends/Atresmedia Cine/Warner Española S.A/Bambú Producciones/La Claqueta PC/4 Cats Pictures. Distribuidora: Warner Bros. Pictures.  Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: Año 1998. Isabel, estudiante de periodismo, se ve obligada a realizar sus prácticas en el diario de un pequeño pueblo costero gallego para terminar la carrera. Al llegar, quiere empezar cuanto antes a investigar, a demostrar todo lo que ha aprendido para convertirse en una auténtica periodista. Pero el puesto que le asignan es el último que ella esperaba: la escritura y gestión de las esquelas que llegan a la redacción. Pero esto, que podría parecer en principio algo aburrido, se convierte en la puerta a una investigación que la llevará por diferentes puntos de la geografía española en busca de una historia de amor imposible.

En guerra con mi abuelo

Título original: The War with Grandpa. Dirección: Tim Hill. País: Estados Unidos. Año: 2020. Duración: 97 minutos. Género: Comedia. Familia. Cine familiar. Interpretación: Robert De Niro, Oakes Fegley, Uma Thurman, Rob Riggle, Christopher Walken, Laura Marano, Juliocesar Chavez, Lydia Styslinger, Jane Seymour, Veronica Alicino, Colin Ford, Cheech Marin, Isaac Kragten, T.J. McGibbon, Heather Johansen, James Martin Kelly, Betsy Landin, Kendrick Cross, Jeremy Childs, Suehyla El-Attar, Drew Scheid, Joshua Childs, Jaydin McCollum. Guion: Lisa Addario, Tom J. Astle, Matt Ember , Joe Syracuse (Novela: Robert Kimmel Smith). Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Greg Gardiner. Productora: Marro Films. Distribuidora: Dimension Films. Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: Basada por un libro del mismo nombre, War with Grandpa, escrito por Robert Kimmel Smith. Este película empieza cuando joven Peter descubre que su abuelo Jack viene a quedarse con ellos, sin embargo, cuando Peter descubre que su abuelo va a vivir en su cuarto, forzando a Peter a trasladarse al cuarto de huéspedes, Peter decide que es injusto. Recibiendo la ayuda de sus amigos, Peter declara la guerra a su abuelo Jack para hacerle abandonar la habitación. Pero el abuelo Jack es más testarudo que aparece, y pelea para el cuarto, causando una grieta que parece nunca se cura. Sin embargo, la guerra va demasiado lejos y Peter decide rendirse y hacer la paz, o hace?

Madame Curie

Título original: Radioactive. Dirección: Marjane Satrapi. País: Reino Unido. Año: 2019. Duración: 109 minutos. Género: Drama. Biográfico. Años 1900. Interpretación: Rosamund Pike, Sam Riley, Anya Taylor-Joy, Aneurin Barnard, Simon Russell Beale, Jonathan Aris, Indica Watson, Mirjam Novak, Tim Woodward, Cara Bossom, Richard Pepple, Michael Gould, Mark Phelan, Corey Johnson. Guion: Jack Thorne (Biografía: Marie Curie). Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Productora: Coproducción Reino Unido-Hungría-China; Working Title Films/Studio Canal/Shoebox Films/Pioneer Stilking Films. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: Pionera. Rebelde. Genio. Radioactive cuenta la vida de Maria Sklodowska-Curie, más conocida como Marie Curie (Rosamund Pike). La película explora las experiencias e investigaciones de una mujer adelantada a su tiempo. Nacida en el siglo XIX, Marie estudia hasta convertirse en una científica que en su madurez se casa con el también científico, Pierre Curie (Sam Riley). A pesar de la crítica y los prejuicios de una comunidad estrictamente masculina, Marie persevera hasta realizar uno de los grandes descubrimientos de la historia: el radio. Este elemento revoluciona el mundo y le granjea el premio Nobel de ciencias. Desgraciadamente, su mismo descubrimiento acabaría siendo la razón que acabaría con su vida. Radioactive es una biografía dirigida por la cineasta y dibujante de cómics Marjane Satrapi. La película está basada en la novela gráfica de Lauren Redniss y guionizada por Jack Thorne.

Volver a empezar (Herself)

Título original: Herself. Dirección: Phyllida Lloyd. País: Irlanda: Año: 2020. Duración: 97 minutos. Género: Drama. Amistad. Feminismo. Interpretación: Clare Dunne, Harriet Walter, Conleth Hill, Cathy Belton, Ericka Roe, Rebecca O'Mara, Sean Duggan, Charlene Gleeson, Chelsea Gill, Lucy Parker Byrne, Ally Ni Chiarain, Eimear Morrissey, Liz Fitzgibbon, Molly McCann, Ruby Rose O'Hara, Dmitry Vinokurov, Aaron Lockhart, Anita Petry. Guion: Malcolm Campbell, Clare Dunne. Música: Natalie Holt. Fotografía: Tom Comerford. Productora: Coproducción Irlanda-Reino Unido; Element Pictures. Distribuidora: Caramel Films. Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: Sandra (Clare Dunne) es una madre joven que trabaja para conseguir construir un hogar cálido, feliz y seguro donde puedan crecer sus dos hijas pequeñas. Con la determinación de que sus vidas mejores, pero si poder acceder a ningún tipo de ayuda por parte de las instituciones, ella misma decide levantar el proyecto desde cero. Con poco dinero y sin ahorros, Sandra recurrirá a usar toda su ingenuidad para convertir en realidad este ambicioso plan al mismo tiempo que debe escapar al control de su posesivo exmarido y conseguir alejarle de sus hijas y de ella misma. A pesar de todo, nada puede amedrentar la decisión de Sandra que se apoyará en una serie de amigos dispuestos a ayudarlas. Gracias a la generosidad y bondad de estas personas, y también al cariño de sus dos hijas, Sandra recuperará la sensación de que realmente puede volver a ser ella misma.

El padrino. Parte III

Título original: The Godfather: Part III. Dirección: Francis Ford Coppola. País: Estados Unidos. Año: 1990. Duración: 163 minutos. Género: Drama. Mafia. Crimen. Familia. Años 1970. Secuela. Interpretación: Al Pacino, Diane Keaton, Talia Shire, Andy García, Eli Wallach, Joe Mantegna, George Hamilton, Bridget Fonda, Sofia Coppola, Raf Vallone, Donal Donnelly, Richard Bright, Al Martino, Helmut Berger, Don Novello, John Savage, Franco Citti, Mario Donatone, Vittorio Duse, Enzo Robutti, Robert Cicchini, Rogerio Miranda, Carlos Miranda, Vito Antuofermo, Jeannie Linero, Carmine Caridi, Don Costello, Al Ruscio, Mickey Knox, Rick Aviles, Michael Bowen, Brett Halsey, John Abineri, Brian Freilino, Gregory Corso, Marino Masé, Dado Ruspoli, Valeria Sabel, Remo Remotti, Giuseppe Pianviti, Simonetta Stefanelli, Paco Reconti, Mimmo Cuticchio, Nicky Blair, Diana Agostini, Jessica DiCicco, Catherine Scorsese. Guion: Francis Ford Coppola, Mario Puzo (Novela: Mario Puzo). Música: Carmine Coppola. Fotografía: Gordon Willis. Productora: Paramount Pictures. Premios y nominaciones:  7 Nominaciones al Oscar, incluyendo Película, Director y Actor secundario (Andy García); 7 Nominaciones a los Globos de oro, incluyendo mejor película - drama; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; : 2 Premios Razzie: Peor actriz secundaria y peor nueva estrella (Sofia Coppola); Asociación de Críticos de Chicago: 2 nominaciones, incluido mejor actor secundario (García). Estreno en España: (Nuevo montaje con nuevo inicio y final, con imagen y banda sonora original restaurada, titulado 'Epílogo: La muerte de Michael Corleone'): 4 diciembre 2020. Sinopsis: Michael Corleone, heredero del imperio de don Vito Corleone, intenta rehabilitarse socialmente y legitimar todas las posesiones de la familia negociando con el Vaticano. Después de luchar toda su vida se encuentra cansado y centra todas sus esperanzas en encontrar un sucesor que se haga cargo de los negocios. Vincent, el hijo ilegítimo de su hermano Sonny, parece ser el elegido. 

Cómo sobrevivir en un mundo material (Kajillionaire)

Título original: Kajillionaire. Dirección: Miranda July. País: Estados Unidos. Año: 2020. Duración: 104 minutos. Género: Drama. Comedia. Comedia negra. Crimen. Interpretación: Evan Rachel Wood, Gina Rodriguez, Richard Jenkins, Debra Winger, Da'Vine Joy Randolph, Diana-Maria Riva, Rachel Redleaf, Mark Ivanir, Adam Bartley, Madeleine Coghlan, Challen Cates, Steve Park, Nikki Castillo, David Ury, Rebecca Lee Robertson, Elena Campbell-Martinez, Ian Casselberry, Betsy Baker, Jeffrey Nicholas Brown, Susan Berger, Brandon Morales, Ben Konigsberg, Tabitha Brownstone, Trent Walker, Wylie Small, Jason Catron, Matthew Foster, Ethan Josh Lee, Andrew Hawkes, Micah Cohen, Samantha Cardona, Randy Ryan, Michael Twaine, Zachary Barton, Zena Leigh, Michelle Gillette, Venessa Verdugo, Patricia Belcher, Kim Estes. Guion: Miranda July. Música: Emile Mosseri. Fotografía: Sebastian Winterø. Productora: Annapurna Pictures/Plan B Entertainment. Distribuidora: Universal Pictures.  Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: Theresa (Debra Winger) y Robert (Richard Jenkins) son dos estafadores profesionales que llevan 26 años formando a su única hija, Old Dolio (Evan Rachel Wood), para timar, estafar y robar a cada oportunidad que se le presente. Durante un golpe mal planificado y a la desesperada, la familia convence a una desconocida (Gina Rodriguez) para que se una a su siguiente fraude, algo que sin duda acabará poniendo patas arriba todo su mundo.

La vampira de Barcelona

Dirección: Lluís Danés. País: España. Año: 2020. Duración: 106 minutos. Género: Drama. Thriller. Años 1900. Interpretación:Bruna Cusí, Sergi López, Nora Navas, Francesc Orella, Pablo Derqui, Alejandra Howard, Roger Casamajor, Núria Prims, Francesca Piñón, Mario Gas, Anna Alarcón, Miranda Gas, Lluïsa Castell, Nina Rosés, Albert Pla. Guion: Lluís Arcarazo, María Jaén. Música: Alfred Tapscott. Fotografía: Josep M. Civit. Montaje: Dani Arregui. Vestuario: Mercè Paloma. Productora: Brutal Media/Filmax/TV3. Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: En la Barcelona de principios del siglo XX conviven dos ciudades: una burguesa y modernista, la otra sórdida y sucia. La desaparición de la pequeña Teresa Guitart, hija de una rica familia, conmociona al país y la policía tiene pronto una sospechosa: Enriqueta Martí, conocida como ‘La Vampira del Raval’. El periodista Sebastià Comas se adentrará en el laberinto de calles, burdeles y secretos del barrio del Raval, donde sabe que encontrará la verdad sobre las desapariciones y asesinatos macabros de niños de los que se acusa a la Vampira. Pronto descubrirá que allí se esconde una élite dispuesta a ocultar sus vicios a cualquier precio.

Rocca cambia el mundo

Título original: Rocca verändert die Welt. Dirección: Katja Benrath. País: Alemania. Año: 2019. Duración: 97 minutos. Género: Infantil. Comedia. Cine familiar. Acoso escolar. Interpretación: Natalya Bogdanis, Robin Guillaud Bongarts, Volker Bruch, Detlev Buck, Holger Dexne, Ivan Doan, Karin Heine, Marta Laubinger, Kailas Mahadevan, Luna Maxeiner, Lars Nagel, Nela Schmitz, Cordula Stratmann, Barbara Sukowa, Mina Tander, Hendrik von Bültzingslöwen, Claire Wegener, Fahri Yardim. Guion: Hilly Martinek. Música: Annette Focks. Fotografía: Torsten Breuer. Productora: Relevant Film, Warner Bros. Distribuidora: European Dreams Factory. Premios y nominaciones:  Premios del cine Alemán: Mejor película infantil. Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: Atrevida, divertida, inconfundible: esa es Rocca. Tiene once años y no vive con sus padres, sino que vive sola en una casa grande. Sin miedo y llena de curiosidad, recorre el mundo, encuentra a una inusual amiga en Gerald y se convierte en la matona de la clase el primer día en su nueva escuela. Lo más importante para Rocca, sin embargo, es ganar el corazón de su abuela.

Beginning

Título original: Dasatskisi. Dirección: Dea Kulumbegashvili. País: Georgia. Año: 2020. Duración: 130 minutos. Género: Drama. Religión. Abusos sexuales. Interpretación: Ia Sukhitashvili, Kakha Kintsurashvili, Rati Oneli. Guion: Dea Kulumbegashvili, Rati Oneli. Música: Nicolas Jaar. Fotografía: Arsheni Khachaturan. Productora: Coproducción Georgia-Francia; First Picture/Office of Film Architecture (OFA). Distribuidora: Surtsey Films. Premios y nominaciones:  Festival de Toronto: Premio FIPRESCI; Festival de San Sebastián: Mejor película, dirección, guion y actriz.  Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. SinopsisEn un tranquilo pueblo, un grupo extremista ataca a una comunidad de Testigos de Jehová quemando su lugar de culto. En pleno conflicto, Yana (Ia Sukhitashvili), una joven misionera y esposa del líder de la comunidad, David (Rati Oneli), ve conmocionada como su mundo se desmorona. David busca la forma de obtener las imágenes de este ataque, pero su búsqueda de justicia desencadena unos acontecimientos que provocan que la familia se quede completamente aislada y a merced de la hostilidad de la policía local. Opera prima de la directora georgiana Dea Kulumbegashvili. 

El jinete del Dragón

Título originalDrachenretterTítulo internacional. Dragon Rider Dirección: Tomer Eshed. País: Alemania. Año: 2020. Duración: 100 minutos. Género: Animación. Fantástico. Dragones. Cine familiar. Reparto: Animación. Guion: John R. Smith. Producción: Oliver Berben, Christoph Müller. Música: Stefan Maria Schneider. Fotografía: Animación, Olaf Aue. Montaje: Jens Prausnitz. Diseño de producción: Alexander Pohl. Productora: Constantin Film/Able & Baker/Cyborn, Lumatic/Rise Pictures. Distribuidora: Flins & Piniculas. Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. Sinopsis: Escondido a las afueras de Londres, Firedrake es un joven dragón plateado que está cansado de esconderse en el bosque y está dispuesto a mostrarle a la generación mayor que es un verdadero dragón. Cuando los humanos están a punto de destruir el último refugio de su familia, Firedrake emprende una aventura en secreto con su amiga Piel de Azufre para buscar "La Orilla del Cielo", las leyendas cuentan que es el santuario de los dragones. En su búsqueda, Firedrake y Piel de Azufre conocen a Ben, un huérfano y callejero que decide unirse a ellos. Pronto descubrirán que no están viajando solos… Les persigue Ortiga Abrasadora; el malvado monstruo devorador de dragones que rastrea y destruye a todos los dragones de la tierra. La película está inspirada en el best-seller Dragon Rider de Cornelia Funke.

El viaje de Bu

Título original: L'Odyssée de Choum. Dirección: Julien Bisaro. País: Francia. Año: 2019. Duración: 26 minutos. Género: Animación. Aventuras. Aves. Pájaros. Cortometraje. Reparto: Animación. Guion: Julien Bisaro, Claire Paoletti. Música: David Reyes. Fotografía: Animación. Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Picolo Pictures/Bardaf! Productions. Distribuidora: Dandeloo SARL. Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: Una gran tormenta ha arrastrado a la recién nacida Bu y su hermanito que aún se encuentra en el huevo. ¿Pero y su mamá? ¿Dónde están sus padres? La pequeña lechuza tendrá que enfrentarse a dos misiones muy importantes: encontrar a sus padres y cuidar de su hermanito que es todo un imán para los peligros del bosque. A pesar de las dificultades, Bu se mostrará valiente y decidida. Se enfrentará a temibles cocodrilos, conocerá a los humanos y se dará cuenta d
e su propia fortaleza en una odisea que la hará crecer a pasos agigantados.
Ternura, humor y emoción en este viaje presentado en el Festival de Annecy y que se llevó el premio a mejor producción televisiva. Una joya del cine de animación que enamorará tanto a pequeños como grandes.

Josep

Dirección: Aurel. País: Francia. Año: 2020. Duración: 81 minutos. Género: Animación. Drama. Años 1930. Posguerra española. Reparto: Animación. Guion: Jean-Louis Milesi. Música: Sílvia Pérez Cruz. Fotografía: Animación. Montaje: Thomas Belair. Dirección artística: Aurel.  Productora: Coproducción Francia-Bélgica-España; Les Films d'Ici/Les Films d'Ici Méditerranée/France 3 Cinéma/Lunanime/Tchack. Distribuidora: Filmin. Premios y nominaciones: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor film de animación; Festival de Valladolid - Seminci: Mejor dirección (ex-aequo). Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Sinopsis: Febrero, 1939. Abrumado por la oleada de republicanos que huyen de la dictadura de Franco, el gobierno francés opta por confinar a los españoles en campos de concentración. En uno de aquellos campos, dos hombres, separado por un alambre de púas, traban una amistad. Uno de ellos es Josep Bartoli, un dibujante que lucha contra el régimen de Franco.   “Estos salvajes pueden morir en casa”. Los refugiados españoles, derrotados y humillados por sus sádicos guardias franceses, intentan sobrevivir detrás del alambre de púas: “estamos dejando morir de hambre y de enfermedad a los que lucharon contra el fascismo. No hay agua ni médicos, sólo escabiosis, escorbuto, tifus y hambre”. Mientras tanto, Josep dibuja todo lo que ve en cualquier superficie: en el suelo o en las paredes, y así atrae la atención de Serge, un policía joven y amable que pronto lo ayudará en secreto. En el presente, Serge, que está en cama y agonizando, cuenta la historia a Valentin, su nieto adolescente, que le pregunta por un dibujo que hay en la pared.

Pippi y el Señor Sin Sueño

Título original: Bize un Negula. Dirección: Edmunds Jansons. País: Letonia. Año: 2017. Duración: 25 minutos. Género: Animación. Comedia. Infantil. Cortometraje. Navidad. Reparto: Animación. Guion: Lote Eglite. Música: Girts Biss. Fotografía: Animación. Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. SinopsisEste año todo va mal. En la vida de Pippi ha aparecido un hermanito que lo pone todo patas arriba. Con la ayuda de su amigo imaginario, el 'Señor sin sueño', crearán un plan para salvar las vacaciones de Navidad. Ven a descubrir dos hermosas historias para los más pequeños cargadas de valores sobre las relaciones entre hermanos. A partir de 3 años.  Qué difíciles pueden ser a veces las relaciones familiares, ¿verdad? ¿Cómo viven los niños y las niñas la llegada de un nuevo hermano o de alguien diferente a ellos? Ven a descubrir dos hermosas historias para los más pequeños cargadas de valores.

Hace 100 años: L'homme du large

El 3 de diciembre de 1920 se estrenó la película francesa L'homme du largedirigida por Marcel L'Herbier e interpretada por Jaque Catelain, Roger Karl, Charles Boyer, Philippe Hériat, Marcelle Pradot, Claire Prélia, Claude Autant-Lara, Dimitri Dragomir, Suzanne Doris, Lili Samuel, Georges Forois, Pâquerette. Productora: Gaumont. Duración: 82 minutos. 
Sinopsis argumentalNolff, un devoto pescador bretón, ha hecho voto de silencio y vive como un ermitaño junto al mar. Nadie se le acerca excepto el novicio vestido de blanco que le trae comida. Años antes ... Lleno de desprecio por la humanidad y la vida en tierra, Nolff ha construido su casa en lo alto de un acantilado remoto y se dedica a la pesca y a su esposa e hijos: su hija Djenna, trabajadora y obediente, y su hijo Michel, a quien idolatra y está decidido a criar como "un hombre libre, un marinero". Pero Michel es egoísta y explota el afecto ciego de su padre, y a medida que crece, odiando el mar, se vuelve adicto a los placeres de la ciudad, atraído a la mala conducta por su amigo Guenn-la-Taupe. En una celebración de Pascua, la única ocasión del año en que Nolff y su familia se unen a la gente del pueblo en sus festividades, la esposa de Nolff se enferma y, mientras la llevan a casa, Michel se escapa a un bar de mala reputación en la ciudad para juntarse con la bailarina Lia. Djenna viene a buscarlo junto a la cama de su madre,pero Michel vuelve a entrar en el bar, donde se pelea con el protector de Lia y lo apuñala. Nolff paga la liberación de Michel de la cárcel, pero cuando regresan a casa, encuentran a su madre muerta. Necesitando dinero para gastar en Lia, Michel roba los ahorros que su madre había guardado para Djenna, pero Nolff lo atrapa y lo denuncia, quien jura "devolverlo a Dios". Nolff ata a Michel al fondo de un bote abierto y lo empuja hacia el mar. Luego adopta la vida de un ermitaño junto al mar, mientras Djenna entra en un convento. Meses después, Djenna recibe una carta de Michel: ha sobrevivido y ahora es un hombre cambiado, ganándose la vida como marinero. Cuando Nolff se entera de que Michel quiere volver a casa, clama al mar con remordimiento por haber juzgado a su hijo.
Comentario: Basada en un cuento de Honoré de Balzac. Fue rodada en la escarpada costa sur de Bretaña creando atmósfera en una película sobre las fuerzas del bien y del mal que motivan el comportamiento humano. En 1998, CNC Archives françaises du film y Gaumont llevaron a cabo una restauración detallada de la película Implicó la reconstrucción de muchos de los intertítulos y el esquema de tinte de color utilizando las notas originales de L'Herbier. La obra se completó para su presentación en 2001. Antoine Duhamel compuso una partitura orquestal original  Gaumont emitió un DVD de la versión restaurada en 2009.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LXI)

Fresas salvajes (Smultronstället, 1957), de Ingmar Bergman

Un anciano profesor de medicina se dirige, acompañado de su nuera, a la universidad donde ha trabajado para recibir un homenaje. Probablemente sea éste su último contacto con lo que ha sido su vida; la última posibilidad de poner en pie todos sus recuerdos. Considerada como una de las obras maestras de Ingmar Bergman, así como una de las más importantes películas que ha dado el cine europeo en todos los tiempos, Fresas salvajes fascinó a la crítica por la sensibilidad con la que el director sueco nos presenta a su protagonista, que mientras viaja para recibir un premio por su trayectoria, recuerda con nostalgia todo su pasado. Para ello, el director contó con algunos de los intérpretes habituales de su cine, como Bibi Andersson, Ingrid Thulin o Max Von Sydow, además del actor y director Victor Sjöström, en el que fuera su último trabajo para la pantalla. El cineasta escribió el guion poco después del estreno de El séptimo sello mientras estaba hospitalizado en Estocolmo. En España fue traducida como Fresas salvajes, sin embargo, Smultronstället no hace referencia únicamente a la fresa salvaje o silvestre —que sería la traducción literal del título— sino también al lugar y la fecha, la primavera, en los que crece. Obtuvo galardones como el Oso de Oro a la mejor película en el Festival de cine de Berlín y el Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa, además de obtener una nominación al Oscar en la categoría de mejor guion original.

miércoles, 2 de diciembre de 2020

Efemérides de cine: El jardín de los Finzi Contini

El 2 de diciembre de 1970 se estrenó la película italiana El jardín de los Finzi Contini (Il giardino dei Finzi-Contini), dirigida por Vittorio De Sica e interpretada por Dominique Sanda, Lino Capolicchio, Helmut Berger, Romolo Valli, Fabio Testi, Camillo Cesarei, Inna Alexeief. Productora: Coproducción Italia-Alemania; Documento Film/CCC Filmproduktion. Duración: 92 minutos. 
Sinopsis argumentalFinales de los años 1930, Italia. Los Finzi Contini son una de las familias más influyentes de Ferrara: ricos, aristocráticos y judíos. Sus hijos, ya adultos, Micol y Alberto, tratan de crear un restringido círculo de amistades para poder jugar al tenis y celebrar fiestas, pero viven ajenos al mundo que los rodea. En ese círculo entra Giorgio, un judío de clase media que se enamora de Micol. Ella parece divertirse a su costa; incluso hace el amor con uno de sus amigos cuando sabe que Giorgio los está espiando. Al mismo tiempo que tienen lugar estos juegos sentimentales, el fascismo aprueba leyes que afectarán dramáticamente a los Finzi Contini. Drama basado en la novela homónima de Giorgio Bassani. 
Nominaciones y premios: Oscar: Mejor película de habla no inglesa. 2 nominaciones; Festival de Berlín: Oso de Oro, Premio Interfilm - Otto Dibelius; Premios BAFTA: Nominada a mejor fotografía; Premios David di Donatello: Mejor película (ex-aequo).
Comentario: Basada en la novela homónima de Giorgio Bassani, la película sigue con bastante fidelidad la trama de los capítulos centrales de la novela original, prescindiendo en buena medida de la primera parte, centrada en la infancia de los protagonistas, y por completo del prólogo y el epílogo, que se desarrollan catorce años después de los hechos principales. El guion fílmico se centra en los años de la Segunda Guerra Mundial, aprovechando la anécdota argumental de un amor juvenil frustrado para señalar el clima de pasividad y sumisión con que las familias judías acomodadas de Italia afrontaron el fascismo y la creciente persecución racial, en la medida en que, ligadas a los valores liberal-conservadores de la era prefascista y conscientes de sus privilegios de clase, sencillamente no podían creer que fueran a ser perseguidas en su propio país por la sola razón de un credo o un origen racial diferentes. El jardín de los Finzi-Contini fue la primera aparición estelar de Dominique Sanda en Italia y uno de los primeros papeles de Helmut Berger en un largometraje, después de su debut con Visconti en La caída de los dioses. Ambos actores hubieron de ser doblados al italiano por actores de esta nacionalidad. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

El cuaderno de Tomy, una historia conmovedora

El pasado 24 de noviembre de 2020 Netflix estrenó El cuaderno de Tomy, película argentina, dirigida por Carlos Sorín y protagonizada por Valeria Bertuccelli, Esteban Lamothe, Julián Sorín, Mauricio Dayub y Malena Pichot basado en la historia real de María "Marie" Vázquez.
María Vázquez (Valeria Bertuccelli) es una arquitecta que fue diagnósticada con cáncer de ovarios terminal y para afrontar lo que le queda de su vida decide comenzar a escribir un libro para que su hijo Tomy (Julián Sorín) de 4 años lo lea para cuando ella ya haya partido. Asimismo, se introduce en el mundo de las redes sociales, especialmente en Twitter, como una especie de vía de escape para atravesar de alguna manera ese momento angustiante y su historia de lucha contra el cáncer se vuelve viral, hasta el punto de llegar a medios gráficos y televisivos.
Como bien dice el crítico argentino Diego Lerer, “Dentro de los límites específicos de este tipo de propuestas, Sorín logró resultados que superan lo esperable para historias que fácilmente tienden a derrapar hacía los Juegos Olímpicos del lagrimón”. Valeria Bertuccelli está como pez en el agua en esta madre sarcástica, ingeniosa y conmovedora. A pesar del planteamiento ateo sobre la muerte que tienen la paciente y su marido, hay una apertura a la trascendencia destacable en algunos personajes, como el de la doctora que le atiende, o uno de los mejores amigos del matrimonio. Pero lo que destaca más de la película es el retrato tan atractivo del matrimonio, el numeroso (y divertidísimo) grupo de amigos y el imaginativo Tomy.
En esta breve película hay de todo, como en esas largas horas de hospital. Hay momentos para recordar, llorar, jugar con el “chiquito”, despedirse, reír… Cada una de las escenas hace avanzar la historia y a un elenco de personajes cercanos que no fuerzan la sensibilidad del espectador, y que llenan de optimismo y emoción un drama que además resulta muy entretenido. En la última parte de la película hay un intento tendencioso de equiparar los medios de sedación terminal y la eutanasia. Finalmente, el discurso se resuelve aportando matices al conflicto gracias a un personaje que ofrece un punto de vista humanista y alejado de la visión sentimentalista habitual sobre la aceptación del dolor.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LX)

Planeta prohibido (Forbidden Planet, 1956), de Fred M. Wilcox 

En el año 2200 una expedición es enviada al planeta Altair-4 para averiguar lo ocurrido con una colonia espacial de la que hace tiempo no reciben noticias. Al llegar se encontrarán con un extraño personaje llamado Doctor Morbius, su bella hija y un curioso robot. Uno de los clásicos indiscutibles de la ciencia-ficción de los años 1950, pese a que hoy en día sus efectos especiales puedan parecer anticuados. Producida por una major como la Metro, Planeta Prohibido contó con un holgado presupuesto para adaptar La Tempestad de William Shakespeare, situándola en pleno siglo XXIII. Pese a estar dirigida por un artesano como Fred M. Wilcox, la película consiguió alcanzar unas cotas de reflexión y de madurez a las que hasta entonces no había llegado el género. La película también fue un éxito comercial y puso de moda tanto al robot Robby como los modelitos con los que pasea durante todo el film Anne Francis. Cabe decir que, como era de suponer, la película fue nominada al Oscar por los efectos especiales. Como anécdota señalar que fue el debut cinematográfico de Leslie Nielsen. Robby, el robot, ha contribuido en buena medida al éxito del film. Tanto es así que su presencia se extendió a otras películas y series.

martes, 1 de diciembre de 2020

Cumplió 25 años: Two Much

El 1 de diciembre de 1995 se estrenó la película española Two Much, dirigida por Fernando Trueba e interpretada por Antonio Banderas, Melanie Griffith, Daryl Hannah, Danny Aiello, Joan Cusack, Eli Wallach, Gabino Diego, Austin Pendleton, Santiago Segura, Allan Rich, Vincent Schiavelli, Joe Hess, Phil Leeds, Jeff Moldovan. Productora: Coproducción España-Estados Unidos; Touchstone Pictures,/Fernando Trueba P.C./Interscope Communications/Lolafilms/Polygram Filmed Entertainment/Sogetel. Duración: 118 minutos. 
Sinopsis argumental: En Miami Beach, un galerista caradura se compromete con una mujer y se enamora de su hermana. Incapaz de decidirse por ninguna de las dos, desdobla su personalidad creando un hermano gemelo para satisfacer a ambas. Al mismo tiempo, se ve acosado por el ex-marido de su prometida, un mafioso que amenaza con matarlo si hace desgraciada a su ex-mujer.
Nominaciones y premios: Premios Goya: Nominada al mejor actor (Antonio Banderas); Premios Razzie: 2 Nominaciones: peor actriz (Griffith) y actriz secundaria (Hannah).
ComentarioTras ganar el Óscar con Belle epoque, Fernando Trueba probó suerte en el continente americano dirigiendo esta comedia de enredo, basada en una novela policíaca del escritor norteamericano Donald E. Westlake (y que, por cierto, terminaba con el protagonista asesinando a las dos hermanas a las que seducía). Para llegar al público de ambos países, Trueba combinó actores de primera línea tanto españoles (Antonio Banderas y Gabino Diego) como americanos (Melanie Griffith, Daryl Hannah, Joan Cusack o Danny Aiello). Sin embargo, la película terminaría siendo más famosa por elementos externos (el romance Banderas-Griffith) que por sus cualidades artísticas.

Cumplió 25 años: Wild Bill

El 1 de diciembre de 1995 se estrenó la película estadounidense Wild Bill, dirigida por Walter Hill e interpretada por Jeff Bridges, Ellen Barkin, John Hurt, Diane Lane, David Arquette, James Remar, Bruce Dern, Christina Applegate, Keith Carradine, James Gammon, Marjoe Gortner, Karen Huie, Steve Reevis, Robert Knott, Pato Hoffmann, Patrick Gorman, Lee de Broux, Stoney Jackson, Robert Peters, John Dennis Johnston, Loyd Catlett, Janel Moloney, Steven Chambers, Jason Ronard, Dennis Hayden, Boots Southerland, James Michael Taylor, Ted Markland, Monty Stuart, Merritt Yohnka, Dennis Deveaugh, Jim Wilkey, Raliegh Wilson, Christopher Doyle, Virgil Frye, Lise Hilboldt, Luana Anders, Mike Watson, Thomas Wilson Brown, Robert Keith, Linda Harrison, Anthony De Longis, Bill Bolender, Alisa Christensen, Peter Jason, Mikey LeBeau, Jamie Marsh, Burton Gilliam, Juddson Keith Linn. Productora: Zanuck Company, United Artists. Distribuida por Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 93 minutos.
Sinopsis argumental: Entrado en la madurez, James Butler Hickock, el más famoso pistolero del oeste americano, conocido como 'Wild Bill' Hickok, se da cuenta que, en ese momento de su vida, su leyenda es más para él una pesada losa que una bendición. Mientras se encamina a su última partida de póker, en Deadwood, Dakota del Sur, recuerda sus días de juventud y los hechos que han construido su reputación, cada día más difícil de mantener debido a una ceguera, producida por la sífilis, y que cada vez es más evidente.
Nominaciones y premios: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a Mejor actor (Jeff Bridges).
Comentario: Uno de los mejores y más ignorados westerns de los últimos tiempos, cuidadosamente dirigido por un amante del género, como Walter Hill. El cineasta mezcla acción y elegía, utilizando para ello un guión basado en la novela Deadwood, de Pete Dexter, y la obra de teatro Fathers and Sons, de Thomas Babe. La película ofrece magníficas interpretaciones de John Hurt (como Charley Prince, compinche habitual del héroe) y Ellen Barkin (en la piel de la no menos mítica Calamity Jane), pero el pilar sobre el que se sustenta la cinta es la triste y viril interpretación de Jeff Bridges, que sabe captar toda la grandeza y la miseria de su personaje.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LIX)

Centauros del desierto (The Searchers, 1956), de John Ford

Basada en la novela homónima de Alan Le May. Al finalizar la Guerra de Secesión estadounidense, Ethan regresa a casa. Poco tiempo después, los indios asesinan a su hermano y se llevan a sus hijas. Ethan decide recuperarlas como sea y comienza una infatigable búsqueda. Uno de los wésterns que John Ford realizó contando con la interpretación de John Wayne. A diferencia de filmes como La diligencia, donde Wayne encarnaba al héroe por excelencia, o El hombre que mató a Liberty Valance, donde interpretaba a ese mismo héroe en su decadencia, Centauros del desierto supuso un cambio en el registro del actor estadounidense. Aquí, Ford propuso a Wayne un personaje atormentado y de progresiva degeneración psicológica, con un odio irracional hacia los indios. Por ello, y por el uso de una fotografía cercana a la pintura, Centauros del desierto es considerado como uno de los mejores wésterns de la historia del cine, a pesar de que cuando se estrenó en España tuvo una recaudación muy modesta. Como anécdota, Ford decidió homenajear a una de las estrellas del cine del Oeste, Harry Carey, que había muerto en 1947. Para ello, contrató a su esposa (Olive Carey) y su hijo (Harry Carey Jr.) para dos roles secundarios. Forma parte del AFI's 10 Top 10 encabezando la categoría de westerns.3​ En 1989, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry. 

lunes, 30 de noviembre de 2020

Deseando amar, cumple 20 años: una película sublime, un rodaje infernal

Hace veinte años, el cineasta de Hong Kong Wong Kar-wai embrujó a Cannes con Deseado amar (Fa yeung nin wa), una historia de amor imposible nacida del dolor y sublimada por actores al borde un ataque de nervios. Esta obra maestra debe ser reestrenada en los cines en una versión restaurada. ¿Antes de una posible secuela?
Extraordinario período para celebrar su 20 aniversario... Rodada durante la entrega de Hong Kong a China, presentada en competición en el Festival de Cine de Cannes en 2000, Deseando amar iba a regresar con pompa a la Croisette en una versión ampliada. Por una vez, Wong Kar-Wai, gran maestro de los relojes retrasados, llegó perfectamente a tiempo. Pero en la primavera de 2020, fue todo el mundo el que se descarriló. El 10 de febrero de 2021 (si los cines han vuelto a abrir sus puertas para entonces), redescubriremos la melancólica obra maestra del autor de Chungking Express (Chung Hing sam lam, 1994), la emoción de los amores imposibles, la locura decorativa, las rimas visuales y sonoras incendiadas por una nueva restauración digital. Entonces podría ser el momento de seguir adelante.
El propio director y guionista avanza en una carta que envía desde Shanghai, a principios de noviembre: “Al final de la película, escribe, están estas pocas palabras: “Recuerda los años pasados/como si estuviera mirando a través de una ventana polvorienta". Cuando volví a ver la película en 2015, sentí exactamente el mismo sentimiento. Dice que redescubrió el alma vaga que era suya cuando Hong Kong flotaba entre dos épocas. Sin duda, miles de preguntas se arremolinaron antes de retomar una obra cuya creación fue larga, indecisa y compleja. El cineasta no ha cambiado su historia, no ha añadido nada de las escenas fantasmagóricas cuyo rumor siempre ha estado rugiendo. La película encontró un nuevo brillo, congelada en la armonía vertiginosa de sus colores revividos: "La ventana ya no está polvorienta", escribe Wong Kar-Wai.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LVIII)

La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the Body Snatchers, 1956), de Don Siegel

Está basada en la novela de Jack Finney The Body Snatchers. La película narra una invasión extraterrestre en la que esporas provenientes del espacio exterior dan origen a vainas, de las que surgen copias idénticas de seres humanos. La intención de estos extraterrestres es reemplazar a toda la raza humana por copias carentes de cualquier tipo de sentimiento. 
La película narra la historia del doctor Miles Bennell, un médico de provincias que regresa al pueblo de Santa Mira tras un congreso médico. Al llegar se encuentra con una situación extraña: algunos de sus pacientes acuden a él asegurando que un pariente cercano (padre, hermano, cónyuge...) no es quien dice ser, que tiene su apariencia y sus recuerdos, pero que carece de sentimientos. Al cabo de uno o dos días ese mismo paciente acude a la consulta asegurando que todo ha vuelto a la normalidad y que no hay nada de qué preocuparse. En mitad de una cena en un restaurante misteriosamente vacío, Bennel recibe la llamada de un amigo que, sin dar detalles, le pide que acuda a su casa. Al llegar, el amigo y su mujer le muestran un extraño cadáver: un cuerpo con la complexión de un adulto, pero sin rasgos definidos, ni tan siquiera huellas dactilares. Con una tensión creciente, se descubre que los habitantes del pequeño pueblo de Santa Mira están siendo sustituidos por réplicas que nacen en unas misteriosas vainas, sin procedencia verificable; una invasión implacable e invisible. La película, considerada de culto, fue incorporada al archivo National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. Forma parte del AFI's 10 Top 10 en la categoría de "Películas de ciencia ficción". Se han realizado tres remakes posteriores: La invasión de los ultracuerpos (Invasion of the Body Snatchers, 1978), versión dirigida por Philip Kaufman; Secuestradores de cuerpos (Body Snatchers, 1993), dirigida por Abel Ferrara y, Invasión (The Invasion, 2007), dirigida por Oliver Hirschbiegel y protagonizada por Nicole Kidman y Daniel Craig.

100 sagas de cine: Winnetou (III)

(cont)

9.- El día más largo de Kansas City (Winnetou und das halbblut Apanatschi, 1966), de H. Phillipp

Como regalo de cumpleaños, Apanatschi, la hija de Mac Haller, recibe la mina de oro secreta de su padre. Acuden a ver el regalo el padre y la hija acompañados del hermano pequeño, Happy, y de un amigo de la familia: Winnetou. Durante la fiesta de cumpleaños, llega Jeff Brown acompañado de Pinky y Sloan. Brown es novio de Apanatschi aunque los motivos de la relación, por su parte, van más allá de los románticos. Sus intenciones se descubren cuando Happy le comenta el regalo de su novia, lo cual le conduce a conocer de cualquier manera la ubicación de la mina de oro. Incluso, si es necesario raptar a Apanatschi de su familia.. El día más largo de Kansas City es el noveno wéstern revienta-taquillas protagonizado por Winnetou y su inseparable compañero Old Shatterhand. Esta película fue el debut como protagonista de la joven actriz Uschi Glas, catapultada a la fama tras su papel en una exitosa comedia de bajo presupuesto alemana.

10.- Hombres desesperados (Winnetou und sein Freund Old Firehand, 1966), de A. Vohrer

La brutal banda de Siler está en la lista de sospechosos de Winnetou. Cuatro apaches han sido asesinados recientemente. Nitscho-tschi, gravemente herido, escapó milagrosamente de los asesinos. El legendario Old Firehand le pide ayuda a su amigo Winnetou: el hermano de Siler está encerrado en prisión. Si no lo liberan pronto, Siler amenaza con transformar la pequeña aldea fronteriza en un mar de llamas. Winnetou no duda ni un instante en ayudar a defender Miramonte con su carabina de plata... 
Uno de los numerosos filmes en los que, a mediados de los años 1960, el francés Pierre Brice dio vida a Winnetou, el piel roja aventurero creado por el novelista alemán Karl May. Se trata de un western de aventuras de producción germano-yugoslava, cuyo contenido tiene que ver más con los clásicos americanos del género que con las crudas cintas que Sergio Leone y Clint Eastwood rodaban por aquellos tiempos en el desierto de Almería.

11.- El valle de los héroes (Winnetou und Shatterhand im Tal der Toten, 1968), de H. Reinl

Mabel Kingsley se dirige a un pueblo del oeste para limpiar el nombre de su padre, acusado de robar oro del gobierno. En su búsqueda de la verdad, cuenta con la ayuda de Old Shatterhand, el Mayor Kingsley, un teniente del ejército, un botánico amateur y Winnetou. Pese a las trabas causadas por los bandidos a los que persiguen y por el jefe Sioux, enemigo de Winnetou, el grupo llega al Valle de la Muerte, lugar donde se encuentran las claves sobre el oro perdido que Kingsley ha venido a buscar. Western coproducido en 1963 por Alemania, Yugoslavia e Italia que constituye una nueva adaptación al cine de las populares novelas de Karl May. El austriaco Harald Reinl dirige la película, contando con un elenco de actores habituales en sus trabajos. Lex Barker interpretó "Old Shatterhand" por última vez, reemplazando a "Old Firehand" de la novela original. Por última vez, también se escuchará la conocida música de Martin Böttcher.  La película no tiene nada que ver con la novela El valle de los héroes, es una adaptación libre de los argumentos de la novela de Karl May, Corazones alemanes - Héroes alemanes.

domingo, 29 de noviembre de 2020

Hace 100 años: The Symbol of the Unconquered

El 29 de noviembre de 1920 se estrenó la película estadounidense The Symbol of the Unconquered AKA The Wilderness Trail, dirigida por Oscar Micheaux e interpretada por Iris Hall, Walker Thompson, Lawrence Chenault, Mattie Wilkes, Louis Dean, Leigh Whipper, Jim Burris, E. G. Tatum, James Burrrough, George Catlin, Edward Fraction. Productora: Micheaux Film. Duración: 54 minutos. 
Sinopsis argumental: Eve Mason es una afroamericana de "piel blanca" que hereda una gran cantidad de tierra tras la muerte de su abuelo Dick Mason, un viejo prospector. Deja su ciudad natal de Selma, Alabama, rumbo al noroeste para establecerse en un lugar llamado Oristown. A su llegada decide quedarse en el hotel Driscoll pero su dueño, Jefferson Driscoll, un hombre negro de piel clara que se odia a sí mismo, se hace pasar por blanco y desprecia la compañía de otros afroamericanos. Driscoll obliga a Eve a dormir afuera en su granero, donde es amenazada por otro hombre negro que Driscoll ha enviado a dormir allí. Agotada por su viaje pero demasiado aterrorizada para quedarse en el granero, Eve corre hacia el bosque, y Driscoll se ríe a carcajadas de su angustia. Por la mañana, conoce a un joven y amable buscador llamado Hugh Van Allen, quien resulta ser su nuevo vecino. Van Allen también es afroamericano, pero no se da cuenta de que Eve también lo es. Se hacen amigos rápidamente y Van Allen le ofrece a Eve llevarla a su nueva casa. Cuando llegan allí, Van Allen continúa mostrando amabilidad y ayuda a Eve a instalarse en su pequeña cabaña. Antes de irse, le da a Eve un arma y le dice que la dispare dos veces si alguna vez tiene problemas. De esa manera sabrá que debe venir enseguida...
ComentarioEs el cuarto largometraje de Micheaux y, junto con Within Our Gates, se encuentra entre sus primeros trabajos que se conservan. La película se realizó en Fort Lee, Nueva Jersey. Se conserva una copia de la película en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LVII)

El beso mortal (Kiss Me Deadly, 1955), de Robert Aldrich

Un oscura noche, el duro detective privado Mike Hammer recoge a una muchacha en la autopista, vestida únicamente con una gabardina. Pronto, su coche es sacado de la carretera por otro y, mientras él permanece semi inconsciente, ella es torturada hasta morir. Siguiendo su implacable código de conducta, Hammer decidirá seguir la pista de los asesinos y vengar la muerte de la joven, sin sospechar que tras la misma se oculta un secreto letal. Es tercer largometraje de Robert Aldrich tras su doble incursión en el western con Apache y Veracruz (ambas de 1954), es una película extraña e impensable en el cine contemporáneo: concebida como una de las clásicas producciones de serie B de la década de los cincuenta (un modelo que ofrecería no pocas joyas aprovechando justamente su condición minoritaria y, por tanto, la menor atención recibida por parte de los guardianes del pensamiento políticamente correcto). Un oscuro y violentísimo filme negro, protagonizado por el famoso detective creado por Mickey Spillane, Mike Hammer. De ritmo frenético y con un estilo visual marcado por planos de ángulos inverosímiles, está considerado como uno de los mejores trabajos de su director, Robert Aldrich. Mención a parte merece también la interpretación de Ralph Meeker en la piel de Hammer, un personaje en las antípodas del héroe clásico y que el actor supo retratar con brillante ambivalencia, moviéndose sin problemas entre el arquetipo del individuo sexy y el definitivamente ruín.

100 sagas de cine: Winnetou (II)

(cont.)

5.- Los buitres (Unter Geiern, 1964), de Alfred Vohrer

La famosa banda de Los Buitres ha atacado y asesinado a un grupo de colonos blancos en Llano Estacado, una zona fronteriza entre Nuevo México y Texas. La culpa de lo sucedido recae en los indios de la tribu Shoshone. El experimentado trampero Old Surehand y el jefe apache Winnetou están dispuestos a desenmascarar a los verdaderos culpables de la masacre y ponerlos entre rejas... Lex Barker fue un actor conocido cinematográficamente por haber cogido las riendas del papel de Tarzán que había dejado el mítico Johnny Weissmuller, aunque en España fue más famoso por su faceta personal. Y es que el actor neoyorquino se convertiría en el primer marido de una Tita Cervera, que se había hecho famosa gracias a ganar, en 1961, el concurso de Miss España. Tras trasladarse en Europa, se convirtió en un asiduo del cine alemán, donde participó en varias adaptaciones a la gran pantalla de novelas de Karl May como Carabina de plata y Furia apache. Los Buitres es la quinta entrega de la larga saga de películas protagonizadas por Winnetou. Al igual que la mayoría de sus aventuras obtuvo un gran éxito de taquilla, con casi dos millones de espectadores en las salas de cine españolas. Cabe destacar la presencia en esta entrega del símbolo sexual de los años 1960, Elke Sommer. También aparece el actor Stewart Granger.

6.- El asalto de los apaches (Der Ölprinz, 1965), de Harald Phillipp

Un empresario sin demasiados escrúpulos pero sí toneladas de ambición tiene un plan, y viaja al Western Arizona Bank con una sustanciosa oferta: unos pozos llenos de petróleo junto al lago Shelley a cambio de una gran suma de dinero. Sólo hay un pequeño problema: dichos pozos no existen y nunca han existido. 
De momento nadie es consciente del engaño y el empresario parece a punto de hacerse de oro, pero cuando un grupo de colonos se dirige al lago con la intención de instalarse allí la situación empieza a complicarse. Basada en una novela de Karl May. Wéstern de producción conjunta entre Alemania y Yugoslavia de mediados de los años 1960. Harald Philipp (El día más largo de Kansas City) dirige y adapta una de las novelas de Karl May. Una nueva historia donde vuelve a aparecer el noble apache Winnetou, interpretado como en otras ocasiones por el actor Pierre Brice, fiel a este personaje. La cinta tuvo gran éxito en España, pues registró cerca del millón y medio de espectadores, una cifra más que aceptable para la época. También cuenta con la presencia del actor Stewart Granger.

7.- Winnetou 3 – Teil (1965), de H. Reinl

Después de la Guerra Civil, los desesperados liderados por un renegado llamado Rollins, que siguen a los colonos que se mueven hacia el oeste, intentan abrir una brecha en la amistad entre los blancos y los indios. El jefe Apache Winnetou y su amigo fronterizo, Old Shatterhand, hacen lo que pueden para mantener la paz. Los secuaces de Rollins intentan mantener a Winnetou alejada del jefe de Jicarillos en guerra, White Buffalo, pero él se abre camino, solo para ser confrontado por Rollins que lleva al hijo del jefe, apuñalado en el pecho con el cuchillo de Winnetou. Winnetou está acusado del asesinato. Depende de Old Shatterhand salvar a su amigo. Algunas partes de la prensa criticaron que Winnetou no muriera como se pretendía en el libro, y los productores persistieron. Especialmente en la revista juvenil Bravo, las cartas al editor exigían que se mantuviera vivo al ídolo juvenil encarnado por Pierre Brice. De lo contrario, no se seguía la novela, a muerte de Winnetou incorporó a otras historias. El guión de la película, en cambio, subordinó todo a una persecución asesina del jefe apache.

8.- El justiciero de Kansas (Old Surehand, 1965), de A. Vohrer 

Un general sin escrúpulos asesina al hijo de un jefe comanche para hacer estallar una guerra entre indios y colonos asesinando al hijo del jefe comanche Maki Moteh, con el único objetivo de obtener beneficio de los disturbios resultantes. Old Surehand y Winnetou se encuentran ante una difícil situación: deben convencer al jefe comanche para que renuncie a la guerra y descubrir al verdadero responsable del asesinato. 
 Western que adapta una de las novelas de Karl May, bajo las órdenes de Alfred Vohrer, un año después de hacer lo propio con el filme "Los buitres". Pierre Brice sigue interpretando al noble de Winnetou, mientras que Stewart Granger repite en el papel de Old Surehand como ya hiciera en "El asalto de los apaches". La cinta fue todo un éxito de recaudación en las salas españolas, sobrepasando el millón y medio de espectadores.
(cont.)