martes, 18 de junio de 2024

Efemérides de cine: Yo la vi primero

El 18 de junio de 1974 se estrenó la película española Yo la vi primero,  dirigida por Fernando Fernán Gómez e interpretada por Manuel Summers, María del Puy, Fernando Rubio, León Klimovsky, Fernando Fernán Gómez, Irene Gutiérrez Caba, Emilio Fornet, Joaquín Roa, Alberto Fernández, Rafael Conesa, José Yepes, María Sánchez Aroca, Erasmo Pascual, Manolo Cal, Carmen Belloch. Productora: Impala, Kalender Films Internacional S.A. Duración: 92 minutos. 
Sinopsis argumentalUn niño de 10 años llamado Ricardo está enamorado de su vecina Paloma. Tras sufrir un accidente con su bicicleta queda en coma durante 25 años. Tras despertar de su letargo, aunque es un adulto tiene la mentalidad de un niño y descubre que su amada se ha casado con un individuo despreciable. 
ComentarioUna de las producciones más extrañas de su época, en la que se desarrolló una trama de comedia agridulce con aceptable pericia. Por su papel de Ricarda en la película, la actriz Irene Gutiérrez Caba logró la medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos en la categoría de mejor actriz secundaria.

Metro-Goldwin-Mayer cumple 100 años (XXVIII)

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  • 007 Alta tensión (The Living Daylights, 1987), de  John Glen. La primera de las dos películas del agente 007 que protagonizó Timothy Dalton. Si Roger Moore trajo el humor a la serie, Dalton quiso humanizar el personaje, hacerlo más vulnerable y menos mujeriego. Pero, pese a que las películas del actor galés se hallan entre las mejores de la saga, no convenció al público y las moderadas recaudaciones de sus dos películas, unidas a una larga batalla legal por los derechos del personaje que mantuvo paralizada la producción de películas durante seis años, hizo que su aportación a la serie quedase reducida solo a este título y al siguiente: 007 Licencia para matarAdemás de por el cambio de 007, los aficionados de la serie recuerdan también este título por ser el primero en el que el papel de Moneypenny no estuvo interpretado por la canadiense Lois Maxwell, quien, tras catorce apariciones, cedió el testigo a Caroline Bliss.
  • Un mar de líos (Overboard, 1987), de Garry Marshall. Una comedia mejor de lo que parece a primera vista, dirigida por Garry Marshall y protagonizada por la también pareja en la vida real que forman Goldie Hawn y Kurt Russell. El director tiene buena mano para el género y la pareja protagonista demuestra su vis cómica (conocida en ella, sorprendente en él). La guinda la ponen los espléndidos secundarios: Roddy McDowall, Edward Herrmann y Hector Elizondo (un clásico en las películas de Garry Marshall y que aquí aparece sin que su nombre salga en los títulos de crédito).
  • Un pez llamado Wanda (A Fish Called Wanda, 1988), de Charles Crichton. Menos escandaloso e irreverente que los largometrajes de los Monty Python, el guion de Un pez llamado Wanda (obra de John Cleese) incluye aún suficientes gags políticamente incorrectos como para repeler o deleitar (según el espectador). Dirigida por el veteranísimo Charles Crichton, un realizador forjado en la mítica productora británica Ealing, la cinta cosechó un enorme éxito, convirtiéndose en su momento en la película británica más taquillera de todos los tiempos. El reparto es otro de los puntos fuertes de la película, pues a los ex Monty Python John Cleese y Michael Palin, se añaden los estadounidenses Kevin Kline, que obtuvo un Oscar al mejor actor secundario por su interpretación de ladrón paranoico, y una Jamie Lee Curtis que explota una vis cómica que volvería a darle buenos resultados en la posterior Mentiras arriesgadas.
  • Poltergeist III (Fenómenos extraños III) (Poltergeist III, 1988), de Gary Sherman. Tercera entrega de la saga iniciada por Tobe Hooper bajo la producción de Steven Spielberg. La idea estaba ya totalmente agotada y los efectos especiales se erigieron en la única razón de ser de todo el asunto. Su protagonista, la jovencísima Heather O'Rourke, murió muy poco después de terminarla, víctima de una extraña enfermedad, lo que desató una leyenda sobre la mala suerte que afectaba a los que habían participado en alguna de las tres películas.
  • Rain Man (1988), dirigida por Barry Levinson. Cuatro Oscar, incluyendo mejor película, avalan la calidad de este melodrama, donde Tom Cruise aguanta el tipo frente a un inmenso Dustin Hoffman. Compartimos el agotamiento de Cruise con el acertijo de Quién juega en la primera base. Inolvidable la música del entónces jovencísimo Hans Zimmer.
  • Por la reina y la patria (For Queen and Country, 1989), de Martin Stellman. Sombría historia del Thatcherismo a través de la historia de Reuben, que tras luchar en las Malvinas y ser declarado héroe de guerra, se encuentra que una nueva legislación le priva de su ciudadanía y le convierte en un fuera de la ley. El debutante director Martin Stellman, responsable también del guión, confió el difícil papel de Reuben a un por entonces recién consagrado Denzel Washington. El actor, que compaginó este trabajo con el rodaje de la sexta temporada de la serie de televisión, Hospital, acababa de ser nominado como mejor secundario por su interpretación en Grita libertad.
  • A espaldas de la ley (The Mighty Quinn, 1989), de Carl Schenkel. Antes de ser conocido gracias a Tiempos de gloria, el ya prestigioso Denzel Washington rodó el mismo año este entretenido thriller policiaco. Encarna a un jefe de policía de una remota isla del Caribe, que ve cómo su tranquilidad se va al traste con un brutal asesinato. Xavier Quinn, que así se llama, se verá entre dos aguas, ya que el principal sospechoso es el compañero de juergas de su vida pasada, algo que él lucha por dejar atrás. El guión está pergeñado por Hampton Fancher, célebre por su magistral libreto de Blade Runner.
  • Licencia para matar (Licence to Kill, 1989), de John Glen. Segunda y última película que protagonizó Timothy Dalton como James Bond, después de debutar dos años antes con 007: Alta Tensión. En esta ocasión, Dalton encarnó a un agente secreto mucho más irascible y vulnerable que de costumbre, y su misión tiene tintes de venganza personal. Pese a que la película tuvo un buen recibimiento en taquilla, el hecho de que Bond tuviera un comportamiento demasiado humano y visceral fue bastante criticado por los aficionados del personaje creado por Ian Fleming. En todo caso, el director de la cinta, John Glen, cumplió con creces con lo que se pide a una película de estas características, tal y como ya había hecho en entregas anteriores, como Solo para sus ojos o la citada 007 Alta tensión.
  • Una árida estación blanca (A Dry White Season, 1989), de Euzhan Palcy. A finales de los años 1980, la progresiva apertura de Sudáfrica y el descrédito en el que caía su política racista hizo que se pusiera de moda el tratamiento del apartheid en el cine. Una árida estación blanca es, quizás, la última película sobre el tema, y fue dirigida por Euzhan Palcy, una joven procedente de la isla Martinica. En los dos años anteriores, dos películas anti-apartheid más habían abierto el tema. Una de ellas fue Grita libertad (1987), de Richard Attenborough. La otra, Un mundo aparte (1988), de Chris Menges. Todas ellas parten de un mismo esquema; el de un blanco, liberal, concienciado que se da cuenta de la injusticia política y social que se da en su país. En Una árida estación blanca se contó con Marlon Brando, que reaparecía en pantalla haciendo el papel de jurista, y que por ello ganó el Globo de Oro al mejor actor y fue nominado para el Oscar.
  • Todos los perros van al cielo (All Dogs Go to Heaven, 1989), de Don Bluth, Gary Goldman y Dan Kuenster. Todos los perros van al cielo fue una de las producciones más caras que hasta el momento habían realizado el tándem de directores formado por Don Bluth y Gary Goldman, los responsables de Anastasia. Con las voces de Burt Reynolds y Dom DeLuise, la película obtuvo un buen resultado en taquilla y generó una secuela y una serie de animación.
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lunes, 17 de junio de 2024

Películas de la semana: 17 de junio

Perugino: El renacimiento eterno 

Título original: Perugino. Rinascimento immortale. Dirección: Giovanni Piscaglia. País: Italia. Año: 2023. Duración: 80 minutos. Género: Documental. Pintura. Reparto: Documental. Guion: Filippo Nicosia. Historia: Filippo Nicosia, Giovanni Piscaglia, Marco Pisoni. Música: Eraldo Bernocchi, Lorenzo Esposito Fornasari. Fotografía: Antonio Scappatura. Productora: Ballandi Arts. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 17 de junio de 2024. Sinopsis: Una mirada a la obra del pintor renacentista italiano Pietro Perugino. 500 años desde su muerte y coincidiendo con las numerosas celebraciones que le rinden homenaje, como la gran exposición celebrada en la Galería Nacional de Umbría, llega el documental sobre Perugino, el artista que inspiró a Rafael. Pietro Perugino (1446-1523), quien durante el Alto Renacimiento legó obras como Entrega de las llaves a San Pedro, El bautismo de Cristo, Retrato de Francesco delle Opere, El combate entre el amor y la castidad o Los desposorios de la Virgen.

Cumplió 25 años: Un papá genial

El 17 de junio de 1999 se estrenó la película estadounidense Un papá genial (Big Daddy), dirigida por Dennis Dugan e interpretada por Adam Sandler, Dylan Sprouse, Cole Sprouse, Joey Lauren Adams, Jon Stewart, Allen Covert, Rob Schneider, Josh Mostel, Leslie Mann, Kristy Swanson, Joseph Bologna, Steve Buscemi, Josh Mostel, Edmund Lyndeck, Geoffrey Horne. Productora: Out of the Blue... Entertainment, Jack Giarraputo Productions. Duración: 93 minutos. 
Sinopsis argumental: Sonny Koufax es un abogado treintañero al que nunca le ha gustado asumir las responsabilidades de su condición de adulto. Sin embargo, a medida que sus antiguos compañeros se van casando, Sonny se da cuenta de que si no hace algo pronto podría quedarse solo para el resto de su vida. Después de que su última novia le abandone por su inmadurez, decide hacer algo drástico que cambie su vida: adoptar a Julian, un niño de 5 años.
Nominaciones y premios: Premio Razzie al Peor actor (Sandler). 5 Nominaciones, incluyendo peor película.
ComentarioEl protagonista, Adam Sandler, empezó, como tantos otros comediantes estadounidenses, en los clubes de comedia de Los Ángeles y en el programa Satuday Night Live. De ahí dio el salto al cine donde, gracias a éxitos como El chico ideal o The Waterboy, se convirtió, de la noche a la mañana, en uno de los actores mejor pagados de Hollywood. Esta comedia sobre la paternidad es todavía en la actualidad [2013] la película más taquillera de las protagonizadas por el famoso cómico americano Adam Sandler. En su estreno fue número 1 en el Box Office USA su primer fin de semana, y recaudó en total más de 163 millones de dólares sólo en Estados Unidos.

Cumplió 25 años: South Park: Más grande, más largo y sin cortes

El 17 de junio de 1999 se estrenó la película estadounidense South Park: Más grande, más largo y sin cortes (South Park - Bigger, Longer & Uncut), dirigida por Trey Parker. Reparto: Animación. Productora: Warner Bros., Paramount Pictures, Comedy Central. Duración: 81 minutos. 
Sinopsis argumentalCuando los estudiantes de la escuela primaria de South Park, Stan, Kyle, Cartman y Kenny, deciden entrar a escondidas a ver una película canadiense no apta para menores, su vocabulario sufre un cambio brutal. La indignación de los padres, tras el devastador impacto que sufren sus inocentes y jóvenes mentes al ver la película, da lugar a una incondicional guerra entre Estados Unidos y Canadá. Inesperadamente, los chicos se ven inmersos en una crisis debiendo arriesgar sus vidas en nombre de la libertad de expresión.
Nominaciones y premios Nominada al Oscar: Mejor canción original; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película de animación; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor banda sonora; Asociación de Críticos de Chicago: Mejor banda sonora; Premios Satellite Awards: 2 nominaciones; Premios Annie: 3 nominaciones.
ComentarioLa sátira más brutal sobre Estados Unidos financiada por un gran estudio. Con un humor muy crudo, no deja títere con cabeza.

domingo, 16 de junio de 2024

Cuentos de fantasía épica para ver (III)

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11. El Señor de los Anillos (The Lord of the Rings, 2001 -2003), de Peter Jackson

La trilogía cinematográfica de El Señor de los Anillos, basada en la novela homónima del escritor británico J. R. R. Tolkien, comprende tres películas: 
  • El señor de los anillos: La comunidad del anillo (The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring, 2001). Con la ayuda de un grupo de amigos y de valientes aliados, Frodo emprende un peligroso viaje con la misión de destruir el Anillo Único. Pero el Señor Oscuro Sauron, quien creara el Anillo, envía a sus servidores para perseguir al grupo. Si Sauron lograra recuperar el Anillo, sería el final de la Tierra Media. Ganadora de cuatro Oscar, este inmortal relato sobre el bien y el mal, la amistad y el sacrificio te transportará a un mundo más allá de tu imaginación.
  • El señor de los anillos: Las dos torres (The Lord of the Rings: The Two Towers, 2002). La Comunidad se ha divido pero la misión debe continuar con más fuerza que nunca; Frodo y Sam tienen que confiar ahora en Gollum para que les guíe hasta Mordor y así poder destruir el Anillo. Mientras tanto el ejército de Saruman avanza y el resto de los miembros de La Comunidad, junto con los elfos, los hombres y aliados de distintos reinos, se preparan para el combate: La batalla por la Tierra Media ha comenzado.
  • El señor de los anillos: El retorno del rey (The Lord of the Rings: The Return of the King, 2003). Comienza la batalla final por la Tierra Media. Frodo y Sam, guiados por Gollum, continúan su peligroso camino para destruir el Anillo Único en el fuego del Monte del Destino. Aragorn lucha por su llegado dirigiendo a sus numerosos seguidores en contra del creciente poder del Señor Oscuro Sauron, para que el Portador del Anillo pueda cumplir su misión.
Peter Jackson se encumbro con su adaptación de la trilogía literaria de Tolkien. El director de Braindead se ganó una enorme reputación y amplio reconocimiento gracias a este trabajo que le valió para que los estudios le vieran como mucho más que un cineasta de gore y comedia negra. Con muchos más defensores que detractores, la trilogía de El Señor de los Anillos es un clásico del cine de la primera década del siglo XXI. 

12. Stardust (2007), de Matthew Vaughn

En un pequeño pueblo inglés que limita con un territorio mágico e inaccesible, el joven Tristán (Charlie Cox) emprende la búsqueda de una estrella caída del cielo para conquistar el corazón de Victoria (Sienna Miller). Su viaje, una auténtica odisea, lo lleva a un misterioso país, donde encuentra la estrella, que se ha convertido en la preciosa Yvaine (Claire Danes). Pero también buscan la estrella otras personas: los cuatro hijos del Rey (Peter O’Toole) y los fantasmas de sus tres hermanos muertos, que la necesitan para ocupar el trono; y, además, Lamia (Michelle Pfeiffer), una malvada bruja que la desea para recuperar la juventud. Tristán tendrá, pues, que luchar denodadamente contra todos ellos. Sin embargo, cuando conoce a un pirata llamado capitán Shakespeare (Robert De Niro) y al siniestro comerciante Ferdy the Fence (Ricky Gervais), descubrirá, al fin, cuál es el auténtico significado de su viaje.
Tras su debut como director en Layer Cake, Matthew Vaughn se puso al frente de este cuento de hadas cargado de fantasía. A pesar de que Vaughn había sido el productor de cintas algo más salvajes como Snatch. Cerdos y diamantes, el realizador inglés dio en el clavo con esta interesante apuesta. La idea surgió poco tiempo después de que se publicara la exitosa novela gráfica de Neil Gaiman en 1997, aunque tendrían que pasar diez años hasta que finalmente se materializó el proyecto. La adaptación redujo el tono adulto de la original e incorporó divertidos toques de humor inglés. Además, la producción cuenta con un reparto de excepción encabezado por un desconocido Charlie Cox, secundado por Claire Danes  y los archiconocidos Michelle Pfeiffer, Rupert Everet y un histriónico Robert De Niro. La imaginativa puesta en escena encajó a la perfección con el contenido del filme, que no tuvo problemas para lograr una buena aceptación por parte de crítica y público.

13. El caballero verde (The Green Knight, 2021), de David Lowery

El obstinado sobrino del rey Arturo (Dev Patel), se embarca en una temeraria misión para enfrentarse a "el caballero verde", un misterioso gigante que aparece un día en Camelot. Aunque pone en riesgo su cabeza, emprende una aventura épica para demostrar su valía ante su familia y la corte.
Las leyendas artúricas son un referente en lo que se refiere a relatos épicos, y en 2021 A24 trajo el mundo de Camelot de vuelta a la gran pantalla con 'El caballero verde'. Escrita, dirigida, producida y editada por David Lowery, la película es una adaptación del poema medieval Sir Gawain y el caballero verde, que sigue al sobrino del Rey Arturo, interpretado aquí por Dev Patel, en su viaje para encontrarse con su destino en la Capilla Verde, hogar del no muerto Caballero Verde. Hechizos mágicos, zorros parlantes y gigantes en la niebla se exhiben en esta fantasía meditativa que se desarrolla más como una pintura al óleo en movimiento que como las grandilocuentes películas de género impulsadas por la trama de antaño.

Efemérides de cine: Uptown Saturday Night

El 16 de junio de 1974 se estrenó la película estadounidense Uptown Saturday Night (Sucedió un sábado) (Uptown Saturday Night), dirigida por Sidney Poitier e interpretada por Sidney Poitier, Bill Cosby, Harry Belafonte, Flip Wilson, Richard Pryor, Calvin Lockhart, Rosalind Cash, Roscoe Lee Browne, Paula Kelly, Johnny Sekka, Lincoln Kilpatrick. Productora: First Artists, Verdon Productions Limited, Warner Bros. Duración: 104 minutos. 
Sinopsis argumental: Steve y Wardell acuden, a espaldas de sus respectivas esposas, al Madame Zenobia: un selecto pero ilegal nightclub. Estando allí, una banda desvalija a todos los presentes, llevándose la cartera de Steve, en cuyo interior había un boleto de lotería premiado. Steve, con la ayuda de su amigo, removerá cielo y tierra para dar con los ladrones. 
Comentario: La primera de tres colaboraciones entre Sidney Poitier y Bill Cosby de 1974, las otras dos son Dos tramposos con suerte (Let's Do It Again, 1975) y De profesión: estafadores (A Piece of the Action, 1977).  Aunque los personajes de Cosby y Poitier tienen nombres diferentes en cada película, las tres películas se consideran una trilogía. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Metro-Goldwin-Mayer cumple 100 años (XXVII)

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  • Terminator (The Terminator, 1984), dirigida por James Cameron. Al principio de su carrera, James Cameron trabajó en el departamento de efectos especiales de la compañía de Roger Corman. Allí estudió la manera de presentar los efectos especiales del modo más eficiente y con el menor coste posible. Con la lección aprendida, el director puso a prueba sus habilidades en Terminator, una película de ciencia-ficción de bajo presupuesto que su habilidad transformó en uno de los mayores éxitos comerciales de la década de 1980. Para dar vida al indestructible ciborg, Cameron confió en un entonces semidesconocido Arnold Schwarzenegger, que solo había destacado como intérprete de Conan, el bárbaro. Con su presencia rotunda y su metálico acento centroeuropeo, el intérprete compuso un personaje perfecto que le lanzó al estrellato. Como curiosidad, uno de los nombres que se barajó para el rol fue OJ Simpson, pero los productores pensaron que era una figura demasiado amable para ser considerada un villano.
  • Rocky IV (1985), dirigida por Sylvester Stallone. Sylvester Stallone escribe, dirige y actúa en esta guerra entre naciones en la cual la única batalla se realiza en un cuadrilátero de boxeo. Rocky debe defender el campeonato mundial de boxeo peso pesado, pero hay un nuevo retador al frente: Drago. El amigo de Rocky, Apollo Creed pelea con Drago en una pelea de exhibición, pero después de la trágica derrota de Creed, Rocky sabe que debe vengar a su amigo y vencer al adversario soviético.  Stallone una vez más realiza una fascinante película que vibra con humor, drama agudo y patriotismo descarado.
  • Panorama para matar (A View to a Kill, 1985), de John Glen. Un envejecido Roger Moore se despidió del papel de James Bond con la que fue su séptima aparición en la serie. Tras protagonizar el que, sin duda, es el peor título de la saga, Octopussy, los productores le proporcionaron al actor un digno adiós con esta película. Sin renunciar al tono ligeramente autoparódico que caracterizó la interpretación de Moore como 007, Panorama para matar recuperó parte de la seriedad perdida en anteriores títulos de la saga, en una tónica que luego seguirían los sucesores de Moore, Timothy Dalton y Pierce Brosnan. La película fue la tercera de las cinco que John Glen dirigió para la serie y tuvo como chicas Bond a la cantante Grace Jones y a la actriz Tanya Roberts (que había saltado a la fama como la última incorporación de la serie Los ángeles de Charlie).
  • Platoon (1986), dirigida por Oliver Stone. Primera parte de la trilogía de Oliver Stone sobre la guerra de Vietman, que completó con Nacido el 4 de julio y El cielo y la tierra. El director, que combatió en Vietnam, quiso desmarcarse del heroísmo de las típicas películas de guerra y reflejar con realismo el punto de vista del soldado. Platoon ganó cuatro premios Oscar: película, director, sonido y montaje. Supuso el espaldarazo definitivo no solo del director, sino también de muchos de los actores, como Charlie Sheen, Forest Whitaker o Johnny Depp. La película constituyó toda una sorpresa tanto por el éxito de crítica como de taquilla. Contó con un bajo presupuesto, unos seis millones de euros, y fue rodado en Filipinas en un tiempo récord: 54 días.
  • Poltergeist II: El otro lado (Poltergeist II: The Other Side, 1986), de Brian Gibson. Esperada secuela de una de las películas de terror más exitosas de los años 1980 en la que la familia Feeling es atacada de nuevo por las fuerzas del más allá. La historia volvió a arrasar en las taquillas de todo el mundo. Bajo la dirección de Brian Gibson, en esta segunda parte predominan los efectos visuales, que obtuvieron una nominación al Oscar y empezaron los rumores y leyendas sobre la cinta, supuestamente maldita. El motivo: él fallecimiento de la actriz Dominique Dunne, quien encarnó a la hermana mayor en la primera parte, que murió asesinada ese mismo año a manos de un novio obsesivo.
  • La loca historia de las galaxias (Spaceballs, 1987), de Mel Brooks. El polifacético Mel Brooks dirige, produce, firma el guion e interviene como actor en esta desquiciada comedia que parodia sin piedad clásicos del cine fantástico como La guerra de las galaxias, Alien, el octavo pasajero o El planeta de los simios, entre otros muchos títulos. Anteriormente, Brooks ya había hecho el mismo ejercicio con el género de terror, en El jovencito Frankenstein, y con las superproducciones históricas de Hollywood, en La loca historia del mundoEl reparto lo encabezan, a parte del propio Brooks, Rick Moranis, Bill Pullman, el fallecido John Candy y Daphne Zuniga.
  • El sueño de Hollywood (Hollywood Shuffle, 1987), de Robert Townsend. Robert Townsend (“El show de Eddie Murphy”) está considerado uno de los talentos más versátiles del Hollywood actual; es actor, director, productor guionista... El sueño de Hollywood fue su primera película como director, y evidentemente, también la protagonizó y la produjo. En ella, Townsend recoge su experiencia personal, y a través de la sátira expresa su malestar por la situación de los actores negros, que muchas veces se ven obligados a interpretar personajes estereotipados.
  • Hechizo de luna (Moonstruck, 1987), de Norman Jewison. Una de las mejores películas de su director, el canadiense Norman Jewison. Hechizo de luna obtuvo tres premios Óscar: mejor actriz (Cher), intérprete secundaria (Olympia Dukakis) y guion original (John Patrick Shanley). Inicialmente se pensó en Sally Field para el papel de Loretta, pero, tras su renuncia, el personaje pasó de inmediato a Cher, que estuvo también a punto de rechazarlo (ese mismo año había estrenado dos películas y estaba cansada). Afortunadamente para ella, al final decidió aceptarlo y su premio fue el mejor trabajo de su carrera.
  • RoboCop (1987), dirigida por Paul Verhoeven. Primer trabajo estadounidense del director holandés Paul Verhoeven, autor, hasta entonces, de títulos como El cuarto hombre o Los señores del acero. La película es una mezcla de géneros, ya que juega con elementos de la comedia negra, la ciencia ficción y el thriller. El éxito de la película fue tal que dio lugar a secuelas, series y hasta juegos de ordenador. Todo ello permitió a Verhoeven seguir dirigiendo en Estados Unidos, donde consiguió posteriores éxitos de taquilla como Desafío total o Instinto básicoEl encargado de protagonizar la cinta fue un Peter Weller que sufrió lo suyo, porque el traje de Robocop era tan pesado y caluroso, que el intérprete perdía un quilo diario de lo que sudaba. De hecho, la carcasa era tan voluminosa que no cabía en el coche: la mayoría de tomas en el auto, Weller solo llevaba la parte de arriba, y si iba con el atuendo entero, solo se lo filmaba saliendo del utilitario.
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sábado, 15 de junio de 2024

Cuentos de fantasía épica que debe ver (II)

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6. Legend (1985), de Lauren Schmidt Hissrich

Lili es una bella princesa a la que le gusta pasear por el bosque encantado. Ella dice que va a ver a unos parientes, pero en realidad va a encontrarse con Jack, un extraño personaje verde. Mientras, una personificación del diablo intentará extender la noche eterna asesinando al unicornio de esas tierras. Aunque no parece que haya salvación, Jack y sus amigos se enfrentarán a él para salvar al mundo y a la princesa.
La fantasía del siglo XXI ha encontrado terreno fértil para subvertir las expectativas. Desde Juego de tronos hasta Damsel, al público moderno le encanta ver fantasía que rompe "las reglas". Y, sin embargo, los fanáticos siempre volverán a los cuentos que popularizaron esas reglas en primer lugar. Legend fue un fracaso de crítica durante su estreno inicial, sólo algunos elogiando el arte visual de la película y la mayoría condenando su historia simplista, a veces desconcertante, del bien contra el mal. De hecho, la historia, que ve al puro corazón Jack (Tom Cruise) enfrentarse al Señor de las Tinieblas (Tim Curry) para salvar al mundo de la noche eterna, ha sido mencionada como el "evento de extinción" que hizo que los estudios se abstuvieran de producir películas de fantasía en la segunda mitad de la década de 1980. Y, sin embargo, el tiempo ha sido benévolo con Legend, ya que el público ha elevado lentamente la película al estatus de culto para proyecciones de medianoche. Con exuberantes imágenes de unicornios y princesas, duendes y reyes demonios, esta fábula de ensueño es una pieza central en el tapiz de las películas de fantasía épica.

7. Dentro del Laberinto (Labyrinth, 1986), de Jim Henson

Sarah debe recorrer un laberinto para rescatar a su hermano pequeño, que ha sido secuestrado por unos duendes y está en manos del poderoso rey Jareth. La niña descubre inmediatamente que ha llegado a un lugar donde las cosas no son lo que parecen. Dirigida por el creador de los Teleñecos. El guionista es Terry Jones, George Lucas es el productor ejecutivo y Frank Oz el animador.
El director Jim Henson mezcló sus típicas marionetas con actores reales, como la caprichosa protagonista, una jovencísima Jennifer Connelly, o el malvado Jareth, interpretado por el cantante David Bowie. La película es tremendamente imaginativa y su atmósfera de oscuro cuento de hadas le va como anillo al dedo –un poco al estilo Alicia en el país de las Maravillas–, hasta el punto de que para muchos se ha convertido en una película de culto. Los efectos especiales, sin embargo, han quedado muy desfasados, aunque mantienen el encanto de lo artesanal. Destaca el tema musical Underground.

8. La princesa prometida (The Princess Bride, 1987), de Rob Reiner

Después de buscar fortuna durante cinco años, Westley (Cary Elwes) retorna a su tierra para casarse con su amada, la bella Buttercup (Robin Wright Penn), a la que había jurado amor eterno. Sin embargo, para recuperarla habrá de enfrentarse a Vizzini (Wallace Shawn) y sus esbirros. Una vez derrotados éstos, tendrá que superar el peor de los obstáculos: el príncipe Humperdinck (Chris Sarandon) pretende desposar a la desdichada Buttercup, pese a que ella no lo ama, ya que sigue enamorada de Westley.
Se trata de una historia fantástica, apta tanto para niños como para adultos, que retoma el estilo más puro de los cuentos de hadas tradicionales. Está basada en una novela de su mismo guionista, William Goldman, que reconoció haber recibido la idea de sus hijas pequeñas. El encargado de llevarla a la pantalla fue Rob Reiner, director de títulos como Cuando Harry encontró a Sally o Algunos hombres buenosReiner escogió como protagonistas a una joven Robin Wright (entonces solo conocida por su trabajo en el culebrón "Santa Bárbara") y a Cary Elwes interpretando a un pirata al más puro estilo Errol Flynn. También se pueden distinguir caras conocidas de la televisión de la época, como Fred Savage y Peter Falk. Además, los seguidores de Dire Straits podrán disfrutar, también, de una banda sonora compuesta por su líder, Mark Knopfler.

9. Willow (1988), de Ron Howard

Cuento medieval con brujas, enanos y poderes mágicos. En las mazmorras del castillo de la hechicera y malvada reina Bavmorda, una prisionera da a luz a una niña que, según una antigua profecía, pondrá fin al reinado de la hechicera. La comadrona intenta salvar a la niña de la ira de Bavmorda, pero, alcanzada por los perros de presa del castillo, no tiene más remedio que arrojar la cuna al río. Gracias a la corriente, la cuna llega a un pueblo de enanos, donde la niña es adoptada por el valiente Willow. 

Deliciosa película de aventuras fantástica, con monstruos, enanos, dragones, buenos y malvados. Ideal para ver en familia. Val Kilmer borda el papel de aventurero vividor pero con buen corazón. Pese a que los efectos especiales han perdido mucho con el tiempo, el guión –basado en una historia original ideada por George Lucas– sigue siendo entretenidísimo. La épica música de James Horner es excelente y la dirección de Ron Howard no da respiro.

10. La princesa Mononoke (Mononoke-hime, 1997), de Hayao Miyazaki

Con el fin de curar la herida que le ha causado un jabalí enloquecido, el joven Ashitaka sale en busca del dios Ciervo, pues sólo él puede liberarlo del sortilegio. A lo largo de su periplo descubre cómo los animales del bosque luchan contra hombres que están dispuestos a destruir la Naturaleza.
Un robusto mundo de fantasía requiere una gran cantidad de seres míticos, y ningún artista vivo ha soñado con más criaturas mágicas, espíritus vivaces y deidades sobrenaturales que Hayao Miyazaki de Studio Ghibli. En su película de 1997, La princesa Mononoke, el príncipe marginado Ashitaka se ve inmerso en un conflicto entre los espíritus guardianes del bosque y los habitantes de un pueblo minero. Escrita por Miyazaki con un guión doblado al inglés de Neil Gaiman, La princesa Mononoke presenta a sus personajes como simpáticos, ya sea humanizando la difícil situación de los dioses o mostrando la naturaleza maldita del capitalismo del siglo XIV. Y, sin embargo, es el elenco de criaturas imaginativas lo que hace que La princesa Mononoke sea inolvidable. Desde los espíritus del árbol Kodama en miniatura hasta el Dios Ciervo/Caminante Nocturno, este amado cuento de hadas es una celebración de la fantasía sin límites.
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Cumplió 25 años: La hija del general

El 15 de junio de 1999 se estrenó la película estadounidense La hija del general (The General's Daughter), dirigida por Simon West e interpretada por John Travolta, Madeleine Stowe, James Cromwell, Timothy Hutton, James Woods, Leslie Stefanson, John Frankenheimer, Daniel von Bargen, Clarence Williams III, John Beasley, Mark Boone Junior, Peter Weireter, Boyd Kestner, Brad Beyer, John Benjamin Hickey, Rick Dial, Ariyan A. Johnson. Productora: Paramount Pictures. Duración: 118 minutos. 
Sinopsis argumental: En una base militar de Georgia, la hija de un condecorado general, la capitana Elisabeth Campbell, aparece brutalmente violada y asesinada. El caso es asignado a un oficial del departamento de investigación criminal que pronto averigua detalles de la vida de Elisabeth que implican a altos mandos de la base. 
Comentario: El director Simon West, que debutara a lo grande en 1997 con la película de acción Con Air, propuso dos años después este efectivo y ágil thriller militar basado en la novela homónima de Nelson De Mille. La cinta, que contó con un presupuesto de 60 millones de euros, recibió una buena acogida por parte del público, y casi llegó a triplicar su inversión en taquilla. El realizador cuenta con un elenco de excepción encabezado por Madeleine Stowe. Completan el cartel protagonista el siempre efectivo James Cromwell y el popular John Travolta.

Metro-Golfwin-Mayer cumple 100 años (XXVI)

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  • Poltergeist (Fenómenos extraños) (Poltergeist, 1982), dirigida por Tobe Hooper. Cinta de terror que se ha convertido en una obra de culto y en un clásico de este género. Con guión de Steven Spielberg, la cinta supuso un gran éxito y la tensión y el miedo se respira en cada fotograma. Buenos efectos especiales y lograda interpretación, incluso de los niños. La frase de la pequeña: 'ya están aquí...' sigue dando escalofríos.
  • Nimh, el mundo secreto de la Sra. Brisby (The Secret of NIMH1982), de Don Bluth. Gran película de Don Bluth, que ha dejado títulos tan aceptables como Fievel y el nuevo mundo (An American Tail, 1986) o Anastasia (1997). El valor de una madre, el compañerismo, la lealtad de los amigos y la lucha por conservar lo que pertenece a uno son las entidades de la película.
  • Historias de Navidad (A Christmas Story, 1983), de Bob Clark. Comedia navideña dirigida por Bob Clark y basada en la novela de Jean Shepherd In God We Trust, All Others Pay Cash). El guión fue nominado por el Sindicato de Guionistas (WGA) a mejor guión adaptado de comedia.
  • Juegos de guerra (WarGames, 1983), de Película de aventuras juvenil dirigida por John Badham, responsable de títulos como Fiebre del sábado noche. Se ambienta durante el punto álgido de la guerra fría, en los años de Ronald Reagan como presidente de Estados Unidos. Juegos de guerra se ha convertido para algunos en una película de culto, ya que fue la primera vez que la figura del pirata informático llegaba de forma directa a los medios realmente masivos. El argumento es ficticio, aunque se basa en sucesos cercanos como la famosa intromisión por miembros del Chaos Computer Club de Alemania en computadoras de la NASA.
  • Octopussy (1983), dirigida por John Glen. Acción y espionaje a cargo de uno de los agentes más famosos en el mundo del cine, James Bond, el agente 007, encarnado aquí, y por penúltima vez, por el actor Roger Moore. La película, cuyo argumento está basado en la novela de George MacDonald Fraser, inspirada en el personaje de Ian Fleming, está dirigida por el británico John Glen, que ya había dirigido a James Bond en Sólo para sus ojos, Panorama para matar, Alta tensión y la posterior 007: Licencia para matar. 1983 se convirtió en el año de la gran batalla en las salas de medio mundo entre Sean Connery y Roger Moore, ya que ese año se estrenaron dos títulos sobre el agente 007, el oficial, Octopussy y uno no oficial, un 'remake' de Operación Trueno titulado Nunca digas nunca jamás. El éxito económico se lo llevó Roger Moore, pero el artístico y sentimental fue para Connery.
  • El ansia (The Hunger, 1983), de Tony Scott. Un ejercicio de terror neogótico, en estilo y atmósfera, que en su momento hizo correr ríos de tinta gracias a su escena de amor lésbico entre dos actrices de la talla de Catherine Deneuve y Susan Sarandon. El trío lo completaba el siempre magnético David Bowie, en su, seguramente, más afortunada incursión en la gran pantalla. La cinta significó el debut en el largometraje del británico Tony Scott, hermano de Ridley Scott y, posteriormente, responsable de grandes éxitos de taquilla, como Amor a quemarropa y Top Gun.
  • Motín a bordo (The Bounty, 1984), de Roger Donaldson. Enésima versión del libro Captain Bligh and Mr. Christian de Richard Hough en el que se narra el famoso caso del motín de La Bounty. Dirigida por el australiano Roger Donaldson, si en algo se diferencia esta revisión de las anteriores es en su holgado presupuesto, lo que permite una buena recreación de un barco de finales del siglo XVIII. Además, el reparto reúne a un elenco de muchos quilates: por una parte, un joven Mel Gibson que daba con esta película el salto al cine estadounidense; junto a él, un Daniel Day-Lewis en su primer papel de entidad, acompañado por el siempre sobrio Liam Neeson y el histórico Laurence Olivier, en una de sus últimas apariciones en pantalla. Y, como no, el ya veterano Anthony Hopkins encarnando al temible capitán Bligh.
  • 2010: Odisea dos (2010: The Year We Make Contact, 1984), de Peter Hyams. Secuela del clásico 2001, Una Odisea del Espacio de Stanley Kubrick, dirigida por Peter Hyams, realizador de película como Capricornio Uno y La calle del adiós. De nuevo estuvo basada en una novela de Arthur C. Clarke, quien participó en el guión, junto con Peter Hyams, también director de fotografía y productor. La película obtuvo cinco nominaciones al Oscar, aunque todos en categorías técnicas. Junto a Roy Scheider, John Lithgow, Bob Balaban y Helen Mirren, el actor Keir Dullea repitió aquí el papel del astronauta Dave Bowman que hiciera 16 años antes en la mítica película de Kubrick.
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viernes, 14 de junio de 2024

trece cuentos de fantasía épica para ver (I)

Desde damiselas en apuros hasta dragones en el cielo, la fantasía épica ha estado capturando la imaginación de los fanáticos del cine y la televisión durante décadas. El subgénero generalmente se define por la gran naturaleza de su entorno, trama, personajes o temas y, por lo general, se desarrolla en un mundo diferente o en una versión muy alterada del nuestro. Como fanático devoto de todos los géneros, nunca pierdo la oportunidad de emprender una aventura en algún lugar nuevo, ya sea en los bosques teñidos de terror de El Continente o a través de un desgarro en la realidad hacia un universo paralelo. Si Vd. es como nosotros, la temporada 2 de La casa del Dragón (House of the Dragon) solo alimentará esa necesidad de más fantasía, así que, entre lanzamientos de episodios, ¡vea estas series y películas! 

1. Jasón y los argonautas (Jason and the Argonauts, 1963), de Don Chaffney 

A Pelías, usurpador del trono de Tesalia, le ha sido profetizado que Jasón un día volverá y le arrebatará el trono que le corresponde y, que si lo matase, él moriría también. Cuando ese día llega Pelías engaña al héroe haciéndose pasar por noble y diciéndole que el tirano se rendirá si encuentra el místico y misterioso vellocino de oro que se haya en la remota Cólquida. Siguiendo su consejo Jasón organiza unos juegos y escoge como tripulación para su nave Argo a héroes de toda Grecia, entre los que se encuentran Cástor, Peleo e incluso Hércules, pero también Acasto, hijo de Pelías. Con ellos emprenderá su viaje y se enfrentarán con gigantes de bronce y toda serie de monstruos. Aunque cuentan con la protección de Hera, reina de los dioses, Zeus solo le concede intervenir a su favor en cinco ocasiones.
Don Chaffey aceptó el testigo tendido por Ray Harryhausen, el rey de la técnica stop motion, para dirigir esta película. Harryhausen fue la mente creadora detrás de la adaptación del mito griego a la gran pantalla. Y aunque Jasón y los Argonautas fue un fracaso en taquilla, el tiempo la ha colocado en su sitio como una de las mejores películas de cine fantástico y de aventuras de todos los tiempos. De hecho, su secuencia de lucha en la que Jasón se enfrenta a siete esqueletos animados es considerada de los mejores trabajos del técnico.

2. Furia de titanes (Clash of the Titans, 1981), de Desmond Davis

Cuando el rey de Argos está a punto de sacrificar a su hija Dánae y a su nieto Perseo, Zeus (padre del niño) decide salvarlos y arrasar la ciudad. Perseo crece feliz hasta que la diosa Thetis para vengarse de Zeus, que ha castigado a su hijo Calibos con una horrible deformidad, lo secuestra y lo abandona a su suerte. Al conocer la noticia, Zeus ordena a los demás dioses que ofrezcan a su hijo regalos que le permitan defenderse: una espada capaz de cortar la piedra, un casco que lo vuelve invisible y un escudo que lo hace invulnerable. Con estas armas se dirige a la ciudad de Joppa, cuya princesa es víctima de una maldición.
Imaginativo espectáculo que toma pie de la mitología griega para mostrar a dioses del Olimpo, bravos mortales y monstruos increíbles. Destaca el "divino" reparto, el más repleto de estrellas en que haya intervenido Ray Harryhausen: Maggie Smith, mujer del guionista de la película, Beverley Cross, en el papel de Tetis, Laurence Olivier (Zeus), Claire Bloom (Hera), Burgess Meredith (Amón) y Ursula Andress (Afrodita). Ray Harryhausen, el rey de la técnica "stop-motion", en que los muñecos se animan fotograma a fotograma, empezó su trabajo en esta película en 1979, y diseñó a lo largo de un año 244 planos animados diferentes, que requirieron 202 escenarios: las criaturas y las miniaturas del decorado fueron cuidadosamente alineadas para que unas y otras encajaran a la perfección. Se tardaba entre 3 horas y 3 días en la preparación de los escenarios, según su menor o mayor complejidad.

3. Conan, el Bárbaro (Conan the Barbarian, 1982), de John Milius

Un niño que pertenece a una tribu primitiva graba en su memoria los rostros de los guerreros que han exterminado a su familia y a él lo han vendido a unos mercaderes de esclavos. Años después, el joven se ha convertido en un forzudo y valiente guerrero. 
Adaptación para el cine de las aventuras del famoso personaje literario creado por Robert E. Howard y llevado al cómic de la mano de Barry Windsor-Smith. La película resultó un éxito y alumbró el nacimiento de una nueva estrella del celuloide: un culturista austríaco llamado Arnold Schwarzenegger. La cinta se rodó íntegramente en España. Los decorados se construyeron en varios hangares abandonados de la base militar de Torrejón de Ardoz y los exteriores se rodaron en la sierra madrileña, en las montañas próximas a Segovia, en el Bosque Encantado de Cuenca y en los desiertos y playas de Almería. Además, también intervino en la película un actor español: un jovencísimo Jorge Sanz que encarnó a Conan en el periodo de su infancia. Basil Poledouris es la mano detrás de la batuta de la banda sonora original que le puso música al primer Conan del cine y aunque la música de Conan, el Bárbaro no llegó a llevarse ningún premio, hemos de admitir que sigue siendo mágica. Gracias a ella Conan, el Bárbaro se consagró como un viaje irrepetible a la Edad Hyboria, y también un referente del cine de espada y hechicería, un subgénero del cine fantástico. 

4. Cristal oscuro (The Dark Crystal, 1982), de Jim Henson y Frank Oz

En otro mundo, en otro tiempo, en la era de la maravilla, hace mil años el Cristal Oscuro se quebró. El caos y la confusión se extendieron por todo el planeta Thra. Así empezó la profecía y aparecieron dos nuevas razas: los crueles skekses y los apacibles místicos. Si nadie repara el cristal, los skekses dominarán Thra hasta el fin de los tiempos. Será Jen, el último superviviente de los Gelfings, quien intente restaurar el cristal y acabar con el mal para siempre.
Si es de Jim Henson y tiene marionetas no puede ser malo, por mucho que haya envejecido de aquella manera. Un ejemplo de ello es Cristal Oscuro, el intento del 'marionetista' de inmortalizar su propia saga épica de fantasía. Cristal Oscuro (The Dark Crystal) es el colofón de un relato mitológico de Henson ambientado en la tierra fantástica de Thra, hogar de elfos y criaturas de leyenda.

5. La historia interminable (Die unendliche Geschichte, 1984), de Wolfgang Petersen

Escondido en el desván de su colegio, Bastian devora durante las horas de clase un libro enigmático, ”La historia interminable”, que relata la paulatina destrucción del Reino de Fantasía. Una especie de ”Nada” misteriosa destruye el país y a las criaturas que lo habitan. A medida que avanza en la lectura, Bastian se da cuenta de que la salvación de Fantasía depende de él; de que consiga entrar dentro del libro...
Primera película en lengua inglesa del director alemán Wolfgang Petersen, quien a partir de ese momento trabajó ya en los Estados Unidos, firmando títulos como En la línea de fuego o La tormenta perfecta. Petersen adaptó la famosa novela homónima de Michael Ende y consiguió crear un mundo de fantasía, lleno de imaginación y personajes memorables (muchos de ellos hechos con marionetas), que cautivó a miles de niños de todo el mundo y los animó a practicar la lectura. El gran éxito de la cinta hizo que le siguieran dos secuelas y que la novela de Ende ganara todavía más popularidad entre el público infantil. A pesar de ello, Ende se mostró en desacuerdo con la versión cinematográfica de su obra literaria y pidió que su nombre no apareciera en los títulos de crédito.
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