“El final de Oak Street”: un drama vecinal

El final de Oak Street (The End of Oak Street, 2026), dirigida por David Robert Mitchell con Anne Hathaway, Ewan McGregor, Christian Convery, Maisy Stella, Chris Coy, P.J. Byrne, Bethany Anne Lind, Emily Kuroda. 

Sinopsis: Después de que un misterioso fenómeno cósmico arranque Oak Street de su entorno suburbano y transporte a sus habitantes a un lugar desconocido, la familia Platt pronto descubre que su propia supervivencia depende de que permanezcan unidos mientras se orientan en un entorno que ya no reconocen. 

Esto no es una película. Es una distracción, basada en una buena idea. Literalmente: en una noche oscura de tormenta magnética —o tormenta cósmica, no tenemos todos los detalles—, un rincón de los suburbios estadounidenses de los años 1980 se encuentra repentinamente aislado de todo, misteriosamente impulsado a través del tiempo, hacia atrás, en medio de un bosque gigantesco, en medio del Jurásico —o Cretácico, no tenemos todos los detalles—. Los protagonistas de este drama ambientado en los suburbios de antaño, la familia Platt (una intrépida Anne Hathaway, un Ewan McGregor algo insípido y sus dos adolescentes) intentan por todos los medios sobrevivir a las nuevas plagas que han invadido el vecindario, rebuscando en la basura y dejando... A pesar de algunos efectos especiales impresionantes y algunas escenas crueles y sangrientas, David Robert Mitchell, el inspirado director de It Follows (2014), nos ofrece una película algo frustrante. 

Hemos visto todas las películas de "James Bond": machistas, racistas, sexistas... pero ¿por qué nos sigue gustando 007? (IV)

10. El hombre de la pistola de oro (The Man With the Golden Gun, 1974), de Guy Hamilton

Se basa en la última novela escrita por Ian Fleming, publicada en 1965, un año después de su muerte. Se trata de una de las peores películas de James Bond, por culpa de la inconsistencia del guión, y porque los personajes son poco creíbles. Al menos, cuenta con un villano de excepción, Christopher Lee, en el papel del elegante y aristocrático Francisco Scaramanga, que es quien consigue salvar parcialmente la función. Curiosamente, Christopher Lee era primo lejano del escritor Ian Fleming, que le había propuesto para encarnar al Dr. No en la primera entrega de la saga. Lee jugaba habitualmente al golf con Ian Fleming. Maud Adams, una de las chicas Bond más populares, interpreta a la ayudante de Scaramanga, y años después sería Octopussy. El superagente británico 007 habrá de vérselas ahora con el más peligroso asesino a sueldo del momento: un hombre llamado Scaramanga, más conocido como el hombre de la pistola de oro, que tratará de deshacerse de James Bond con los más sofisticados recursos.

Britt Ekland y Roger Moore en º1974)

11. La espía que me amó (The Spy Who Loved Me, 1977), de Lewis Gilbert

Undécima entrega de James Bond, y primera producida en solitario por Cubby Broccoli, tras su separación de su socio Harry Saltzman. Como la película anterior, El hombre de la pistola de oro, no había sido de los más taquilleras de la serie, Broccoli tardó mucho tiempo en aprobar el guión definitivo, que sufrió varias revisiones, e invirtió en ella 13,5 millones de dólares, todo un récord para la época. La jugada le salió bien a Broccoli, pues la cinta fue todo un exitazo, por el excelente reparto, y las espectaculares secuencias de acción y suspense. Karl Stromberg, el villano de la película, tiene como fiel acólito a Tiburón, uno de los villanos más recordados. Interpretado por Richard Kiel, se trata de un gigantón de dientes metálicos, capaz de romper a mordiscos cualquier cosa que se le ocurra. Tuvo tanta aceptación, que volvió a salir en Moonraker, donde se redimía, pues acababa haciéndose bueno. La misteriosa desaparición de dos submarinos nucleares exige la colaboración de los mejores agentes de los servicios secretos británico y soviético: James Bond y la mayor Amasova. Detrás de todo se encuentra el magnate Stromberg, que se propone destruir a la humanidad para fundar una nueva civilización bajo el mar.

Richard Kiel en La espía que me amó (1977)

12. Moonraker (1979), de Lewis Gilbert

Tras el éxito de La guerra de las galaxias, el productor Cubby Broccoli decidió introducir elementos de ciencia ficción en la duodécima entrega de la saga de 007. Fue uno de los mayores éxitos de la saga, pues atrajo al público de los grandes blockbusters, aunque los puristas de James Bond se quejaron de que estuviera llena de elementos fantásticos y cómicos. Además de escenarios exóticos, atractivas chicas Bond y una de las mejores bandas sonoras de John Barry, contiene varias de las mejores secuencias de acción de la saga: la lucha por el paracaídas, la pelea en el teleférico, la persecución de lanchas por el Amazonas, la batalla en el espacio... El agente secreto James Bond recibe la orden de localizar la nave espacial Moonraker, que ha desaparecido misteriosamente. Sus primeras pesquisas lo llevan a seguir al millonario Hugo Drax, el constructor de la nave. Tras ser capturado por Drax, Bond descubre que el villano posee una base de lanzamiento de cohetes espaciales con los que se propone esparcir un gas tóxico que acabe con la vida terrestre, pero ésta no es más que la primera fase de un perverso plan que Bond intentará frustrar con la ayuda de la Doctora Goodhead. 

Lois Chiles y Roger Moore en Moonraker (1979)

“The Fin”, una película distópica

The Fin (2025), de Syeyoung Park con Yeji Yeon, Pureum Kim, Goh-woo, Jung Yeong-Do, Joowon Meng. 

Sinopsis: Un sireno moribundo pide a un amigo que entregue sus restos a su hija, escondida entre los humanos. Encargado de este peligroso viaje, el sireno se dirige en secreto a la tierra de los humanos. Es perseguido por un nuevo recluta funcionario alimentado por la curiosidad y el odio. 

Colores y crudeza: visualmente, The Fin aprovecha al máximo su audacia de bajo presupuesto y sus impresionantes escenarios post-ecológicos. Una distopía estilizada, elíptica y ligeramente lánguida.

Efemérides de cine: Mundo futuro

El 14 de julio de 1976 se estrenó la película estadounidense Mundo futuro (Futureworld), dirigida por Richard T. Heffron e interpretada por Peter Fonda, Yul Brynner, Blythe Danner, Arthur Hill, John P. Ryan, Stuart Margolin, James M. Connor, Allen Ludden, Robert Cornthwaite, Angela Greene, Darrell Larson, Nancy Bell, Bert Conroy, Dorothy Konrad. Productora: American International Productions. Duración: 107 minutos. 

Sinopsis argumental: La ciudad de Delos ha sido concebida como el más grandioso complejo artificial para el ocio. En ella es posible pasar unas vacaciones al más puro estilo romano, entrar a formar parte del mundo medieval o vivir una experiencia espacial. A esta megalopólis futurista son invitados una famosa reportera de televisión y Charles Browning, un polémico periodista, que intenta averiguar por todos los medios por qué fue asesinado uno de los operarios de Delos. 

Nominaciones y premios: Saturn Awards: Mejor actriz. 2 nominaciones; Festival de cine fantástico de Avoriaz: Nominada a Grand Prix (Mejor película); Premios Hugo: Nominada a mejor presentación dramática.

Comentario: Fue la primera película en utilizar efectos gráficos tridimensionales generados por ordenador. Es la secuela de Almas de metal (Westworld, 1973), de Michael Crichton y el argumento menciona al nuevo parque temático de androides, usado como parte de clonaciones, dos años después del abandonado Mundo del Oeste. Se. conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Retrospectiva: Cloud Atlas

El atlas de las nubes (Cloud Atlas, 2012), dirigida por dirigida por Tom Tykwer (también compositor de la banda sonora) y Lilly y Lana Wachowsk con Tom Hanks, Hugo Weaving, Jim Sturgess, Halle Berry, Susan Sarandon, Hugh Grant, Keith David, Ben Whishaw, Jim Broadbent, James D'Arcy, Bae Doona, Zhou Xun, David Gyasi, Robert Fyfe, Martin WuttkeEstá basada en la novela homónima de 2004 escrita por David Mitchell y fue estrenada en Estados Unidos el 26 de octubre de 2012.

La película se compone de seis historias interrelacionadas y entrelazadas que llevan al espectador desde el Pacífico Sur en el siglo XIX, hasta un futuro posapocalíptico. A diferencia de la novela original, la película se estructura, de acuerdo con el novelista David Mitchell, “como una especie de mosaico puntillista: Nos mantenemos en cada uno de los seis mundos solo el tiempo suficiente para que el gancho se hunda, y de ahí que los dardos de la película de un mundo a otro vayan a la velocidad de un plato giratorio, revisando cada narrativa durante el tiempo suficiente para impulsarlo hacia adelante”.

Resumen de las 6 historias:

The Pacific Journal of Adam Ewing (El diario del Pacífico de Adam Ewing)

editarThe Pacific Journal of Adam Ewing (El diario del Pacífico de Adam Ewing).

Sur del océano Pacífico, 1849. Adam Ewing, un abogado estadounidense de San Franciscodurante la fiebre del oro de California, ha llegado a las islas Chatham para concluir un acuerdo comercial con el reverendo Gilles Horrox por su suegro, Haskell Moore. Es testigo de la paliza dada a un esclavo moriori, Autua, que se esconde en la embarcación de Ewing, y lo convence para mantenerlo oculto, entonces Ewing aboga por él para que se uniera a la tripulación como un hombre libre. Mientras tanto, el Dr. Henry Goose lentamente envenena a Ewing, alegando que era la cura para un gusano parásito, con el objetivo de robar objetos valiosos de Ewing.

Letters from Zedelghem (Cartas desde Zedelghem).

Cambridge (Inglaterra) y Edimburgo (Escocia). En 1936, Robert Frobisher, un joven músico británico que es bisexual, encuentra trabajo como un copista para el famoso compositor Vyvyan Ayrs, lo que le permite el tiempo y la inspiración para componer su propia obra maestra, el Sexteto del atlas de las nubes. Una vez terminada esta, Ayrs quiere atribuirse el mérito de la obra, y amenaza con exponer el pasado escandaloso de Frobisher si no cumple. Frobisher se suicida poco antes de que llegue su amante, Rufus Sixsmith.

Half-Lives: The First Luisa Rey Mystery (Semivida: el primer misterio de Luisa Rey).

San Francisco, California, 1973. Luisa Rey es una periodista que por casualidad se encuentra con un viejo Sixsmith, ahora un físico nuclear. Rey apunta hacia Sixsmith por una conspiración en relación con la seguridad de un reactor nuclear nuevo, pero este es asesinado por el sicario Bill Smoke antes de que pueda darle a Luisa Rey el informe que lo demuestra.

The Ghastly Ordeal of Timothy Cavendish (El horrible calvario de Timothy Cavendish)

Reino Unido, 2012. Timothy Cavendish, un editor de 65 años de edad, tiene un golpe de suerte cuando Dermott Hoggins, el autor gánster cuyo libro él ha publicado, tristemente asesina a un crítico y es enviado a la cárcel. Cuando los socios del autor amenazan la vida de Cavendish para conseguir parte de los beneficios, Cavendish se dirige hacia su hermano Denholme por ayuda. Su hermano lo engaña y lo convence de esconderse en un asilo de ancianos, donde es retenido en contra de su voluntad y maltratado por la enfermera tirana Noakes.

An Orison of Sonmi-451 (Una oración de Sonmi-451)

Neo Seúl, Corea, 2144. Sonmi-451, una mujer fabricada por ingeniería genética (clon) que trabajaba en un restaurante de comida rápida, es entrevistada antes de su ejecución. Ella relata cómo fue liberada de su vida de servidumbre por el comandante Hae-Joo Chang, miembro de un movimiento rebelde conocido como Unión. Mientras está en la clandestinidad, ve una película basada en la aventura de Cavendish. Los rebeldes de la Unión le revelan que las clones como ella son sacrificados y «reciclados» como alimento para clones futuros.

Sloosha's Crossin' an' Ev'rythin' After (El cruce de Slusha, y todo lo que vino después)

Islas Hawaianas, en una tierra posapocalíptica, en 2321 (106 años después de la Caída). Un nativo, de nombre Zachry, lleva una vida primitiva después de que la mayor parte de la humanidad muriera en la llamada «Caída», acechado por constantes visiones de un «diablo», conocido por su gente como Old Georgie (Viejo Georgie). Este diablo parece alguna clase de entidad olvidada que existe solo dentro de la mente de Zachry. Después de que su cuñado fuera asesinado por el líder caníbal de la tribu rival kona, Georgie se le aparece seguidamente en varias visiones para manipularlo y hacerlo sucumbir al miedo. Luego de un tiempo, Zachry es visitado por Meronym, un miembro de los "Prescientes", los últimos sobrevivientes de una civilización tecnológicamente avanzada. A cambio de salvar a su joven sobrina envenenada, Zachry accede a guiar a Meronym a través de las montañas hasta el Mauna Kea en busca del "Cloud Atlas", una estación de comunicaciones desde donde se podría enviar un mensaje de ayuda a la gente que dejó la Tierra y que ahora vive en otros planetas colonizados.

Efemérides de cine: La fuga de Logan

El 23 de junio de 1976 se estrenó la película estadounidense La fuga de Logan (Logan's Run), dirigida por Michael Anderson e interpretada por Michael York, Richard Jordan, Jenny Agutter, Roscoe Lee Browne, Farrah Fawcett, Michael Anderson Jr., Peter Ustinov. Productora: Metro-Goldwin-Mayer (MGM). Duración: 120 minutos. 

Sinopsis argumental: Estamos en 2274 y, a primera vista, todo parece ser una sociedad idílica. Al vivir en una ciudad dentro de una cúpula cerrada, los humanos tienen poco o ningún trabajo que realizar, y los habitantes son libres de perseguir todos los placeres de la vida. Sin embargo, hay un inconveniente: la vida es limitada y, cuando llegas a los treinta, termina con una ceremonia casi religiosa conocida como «carrusel». Algunos, conocidos como «corredores», intentan escapar de su destino cuando llega el momento, y los Sandmen se encargan de localizarlos y matarlos. Logan (Michael York) es uno de esos hombres, y cuando faltan varios años para su propia fecha de despido, no piensa en el trabajo que desempeña. Poco después de conocer a una joven, Jessica-6 (Jenny Agutter), recibe la orden de convertirse en un corredor e infiltrarse en una comunidad fuera de la cúpula conocida como «Santuario» y destruirla. Perseguidos por su amigo Francis (Richard Jordan), que también es Sandman, Logan y Jessica encuentran el camino hacia el exterior. Allí descubren un hermoso mundo prácticamente deshabitado. Logan se da cuenta de que debe regresar a la cúpula para contarles lo que ha encontrado y ser puesto en libertad.

Nominaciones y premios: Oscar: Mejores efectos visuales (Premio especial) 2 nominaciones: Fotografía y dirección artística; Saturn Awards: 5 premios.; Premios Hugo: Nominada a mejor presentación dramática.

Comentario: Michael York protagoniza la adaptación de la novela homónima de William F. Nolan y George Clayton Johnson, que imagina un futuro apocalíptico y totalitarista. También dio lugar a una serie televisiva. La película obtuvo el Oscar a los mejores efectos visuales en 1978. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

“El día de la revelación”: Steven Spielberg y los extraterrestres, la historia de una obsesión

La filmografía de este director de culto está repleta de historias sobre extraterrestres, que revelan mucho sobre su trayectoria personal y su relación con el mundo. Su película número 37, estrenada en España el  viernes 12 de junio, de 2026, no es una excepción.

El día de la revelación (2026)

En treinta y siete películas, Steven Spielberg solo ha tratado directamente con extraterrestres en cuatro ocasiones. Pero en cuanto a obras importantes: Encuentros en la tercera fase, en 1977, E.T., en 1982, luego La guerra de los mundos, en 2005, y ahora El día de la revelación, excluimos deliberadamente a los alienígenas de Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, donde no son el tema principal...

El día de la revelación (2026)

Cincuenta años de cine marcados por una obsesión que ha evolucionado constantemente en respuesta a la historia personal del director y al estado del mundo que lo rodea. Encuentros en la tercera fase y E.T., en la que fue el primer director en retratar a los extraterrestres como seres con los que se puede empatizar, son a la vez películas de ciencia-ficción e historias íntimas, que reflejan el divorcio de sus padres, la ausencia de su padre y un sentimiento de abandono. Tres décadas después, los beligerantes extraterrestres de su adaptación de La guerra de los mundos sirven de pretexto para exorcizar el trauma del 11-S. Finalmente, El día de la revelación se erige como la culminación de sus obsesiones enmarcadas en el mundo contemporáneo: al igual que Encuentros en la tercera fase y E.T. en su optimismo inquebrantable, la película ofrece una reflexión -incluso una declaración política- sobre la información en la era de la posverdad.

De “Encuentros en la tercera fase” a “El día de la revelación”: Un retrato familiar de los extraterrestres de Steven Spielberg

En todas sus películas desde Encuentros en la tercera fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977), Steven Spielberg se ha inspirado en recuerdos familiares para alimentar su imaginación espacial. Solo El día de la revelación (Disclosure Day AKA The Dish Disclosure, 2026), que se estrenará en España el próximo viernes 12 de junio de 2026, parece ser una excepción. Analicémosla con más detalle.

La ausencia paterna y las familias disfuncionales encuentran eco en los extraterrestres imaginados por Spielberg. Excepto en El día de la revelación, donde el problema padre-hijo parece estar resuelto

Sin revelar el final de El día de la revelación, su extraordinaria nueva película, que se estrena este miércoles, podemos afirmar que Steven Spielberg, de 79 años, mantiene una postura coherente. Casi cincuenta años después de Encuentros en la tercera fase, cuarenta y cuatro de E.T. el extraterrestre (E.T. The Extra-Terrestrial, 1982) y la más tardía La guerra de los mundos (War of the Worlds, 2005),  persiste y reafirma su creencia en seres de otros planetas. Mejor aún: estos extraterrestres nos han estado visitando, accidentalmente o no, durante mucho tiempo, y solo teníamos que esperar el día de la "revelación", en contra de todos aquellos que quieren impedir que el mundo lo sepa. Y que redescubra, de una vez por todas, esa mirada infantil hacia el cielo que impregna todas sus películas, y que el propio Steven poseyó en su día.

La trama: En un futuro no muy lejano, la humanidad está a punto de describir la verdad sobre la existencia de extraterrestres, un secreto que ha permanecido oculto durante varias décadas. Mientras millones de personas se preparan para recibir la revelación, algunas viejas creencias se ven cuestionadas, y la forma en la que entendemos el universo empieza a cambiar. Entre conspiraciones, avances de la tecnología y encuentros inesperados, la revelación promete cambiar vidas, relaciones y la propia percepción de nuestro lugar en el universo para siempre.

La película recuerda especialmente al clásico de 1977, con dos personajes aparentemente corrientes que intentan descubrir una verdad extraordinaria mientras son perseguidos por fuerzas que preferirían mantener la ignorancia de la población.

Retrospectiva: La fuga de Logan

La fuga de Logan (Logan's Run, 1976), dirigida por Michael Anderson con Michael York, Richard Jordan, Peter Ustinov, Jenny Agutter, Roscoe Lee Browne, Farrah Fawcett. Basada en la novela homónima distópica, coescrita por William F. Nolan y George Clayton Johnson en 1967. 

Sinopsis: La vida transcurre plácidamente en una megalópolis del siglo XXIII. Sus habitantes dedican la mayor parte del tiempo a gozar de los placeres de la vida y frecuentan tiendas en las que pueden cambiar de personalidad y aspecto físico, gracias a la cirugía plástica instantánea. Sin embargo, al cumplir los 30 años, deben morir. Logan, un policía encargado de cazar a los que huyen de la muerte, decide también rebelarse y huir hacia el desierto que rodea la ciudad. 

Fue ganadora del premio Oscar de 1976 a los mejores efectos visuales; y candidata a la mejor dirección de arte y a la mejor fotografía. Ganó también los Premios Saturn de 1977 al mejor filme de ciencia-ficción, a la mejor dirección de arte, a la mejor fotografía, al mejor vestuario, al mejor maquillaje y a la mejor escenografía.

Cannes 2026: “Hope”, de Na Hong-jin, un éxito de taquilla monstruosamente espectacular

El director surcoreano confirma su habilidad para combinar géneros en un entretenimiento espectacular y trepidante. Aunque un poco menos de persecuciones de coches y un poco más de política no le habrían venido mal.

La trama: Los refuerzos se han desviado para combatir los incendios forestales y se han cortado todas las comunicaciones. El jefe del puesto policial de Hope, Bum-seok, y la agente Sung-ae luchan por defender un pueblo de ancianos, mientras que en las montañas, Sung-ki y los lugareños que se han lanzado a la búsqueda de la bestia se ven, por el contrario, acosados por ella. Lo que comienza como ignorancia siembra la semilla del desastre, que se intensifica a través del conflicto humano hasta convertirse en una tragedia de proporciones cósmicas.

Hope (Hopeu, 2026) puede ser la película más espectacular del Festival de Cannes de este año. Es difícil imaginar que alguien pueda competir con ella. Por "espectacular" nos referimos a ese tipo de superproducción de alto nivel que no escatima recursos y mezcla géneros con maestría. Thriller criminal, farsa, terror sangriento, ciencia-ficción: no, no hablamos de Bong Joon-ho (de la época de The Host  (Gwoemul, 2006)), sino de Na Hong-jin, un compatriota surcoreano, unos años menor que él. Es el director de dos thrillers criminales aclamados por su violencia gráfica -The Chaser (Chugyeogja, 2008), The Yellow Sea (Hwanghae, 2010)-, y de una película fantástica, El extraño (Goksung, 2016),  con su visión desbordante de imaginación.

“Sheep in the Box”, de Hirokazu Kore-eda, en Cannes: una ingeniosa fábula sobre un niño androide...

A una pareja que perdió a su hijo de 7 años le ofrecen un robot humanoide a su imagen y semejanza. Con esta historia sutilmente especulativa, el director japonés invita a la reflexión. En cines el 16 de diciembre de 2026. 

¿Remake, reinterpretación, reinvención? Al leer la sinopsis de la nueva película de Hirokazu Kore-eda, era difícil no pensar en A.I. Inteligencia Artificial, la película de Steven Spielberg de 2001. Dadas las numerosas similitudes entre ambos directores, esto no fue particularmente sorprendente. En un futuro que se presenta como cercano, a una pareja que ha perdido a su hijo se le ofrece un robot humanoide gratuito, una réplica perfecta de su hijo que murió a los 7 años. El padre, un personaje algo tosco y rudo (trabaja en una empresa maderera), se muestra reacio; pero su esposa, una arquitecta de aspecto mucho más refinado, logra convencerlo.

En cines fue un fracaso, pero en streaming está triunfando: “Sin piedad”

Sin piedad (Mercy, 2026), dirigida por Timur Bekmambetov e interpretada por Chris Pratt, Rebecca Ferguson, Annabelle Wallis, Chris Sullivan, Kylie Rogers, Noah Fearnley, Kenneth Choi, Kali Reis, Rafi Gavron, Philicia Saunders, Jeff Pierre, Jamie McBride.

La trama: Año 2029. Ciudad de Los Ángeles. Desde hace dos años se ha impuesto Mercy, un sistema de inteligencia artificial para agilizar la justicia, en determinados juicios no intervienen seres humanos y se dictan sentencias en 90 minutos, incluso al acabar se aplica la pena capital, muy práctica la silla donde se sientan los acusados. Uno de sus grandes promotores ha sido el inspector de policía Chris Raven, y en efecto, ha bajado drásticamente la criminalidad. Pero Raven se acaba convirtiendo en víctima de su propio monstruo, porque es detenido y acusado del asesinato de su mujer Nicole, de la que se estaba divorciando. Con escaso margen de tiempo debe armar su defensa, con la ventaja de que la tecnología permite rápido acceso a indicios, pruebas y evidencias, o contactar con testigos, en su caso es casi como dirigir una investigación a distancia.

Un thriller de acción que discurre en tiempo real. El ruso Timur Bekmambetov llamó la atención hace 20 años con Guardianes de la noche, pero sus intentos por hacer carrera en Hollywood no han pasado de discretos. Firma el guión el desconocido Marco van Belle. De Raven se nos cuenta que luchaba contra su adicción al alcohol, y que tenía muy mal carácter. Aparecen algunos personajes, compañeros de trabajo o el padrino de alcohólicos anónimos, pero sin gracia alguna, mientras discurre una trama de falso culpable y carrera contra el reloj para demostrar la inocencia, servida de un modo atullurante, con un montaje que no deja que nos detengamos en las imágenes, y un entorno virtual. Disponible en Amazon Prime Video, YouTube, Google Play Películas y Rakuten TV. 

7 películas de ciencia-ficción que te emocionarán y se alejan de la distopía (VII)

Wall·E (2008), de Andrew Stanton

Pixar logró crear una de las historias más esperanzadoras de la ciencia ficción moderna utilizando a un pequeño robot compactador de basura que apenas habla. Aunque el escenario inicial es una Tierra desolada y cubierta de desperdicios, la película no es una condena, sino un renacimiento. Wall-E, con su curiosidad por los objetos humanos y su capacidad de amar, es el catalizador que despierta a una humanidad aletargada y desconectada. 

En el año 2800, en un planeta Tierra devastado y sin vida, tras cientos de solitarios años haciendo aquello para lo que fue construido -limpiar el planeta de basura- el pequeño robot WALL·E (acrónimo de Waste Allocation Load Lifter Earth-Class) descubre una nueva misión en su vida (además de recolectar cosas inservibles) cuando se encuentra con una moderna y lustrosa robot exploradora llamada EVE. Ambos viajarán a lo largo de la galaxia y vivirán una emocionante e inolvidable aventura... 

El optimismo aquí reside en la idea de que la naturaleza tiene una voluntad asombrosa, representada por esa pequeña planta en una bota. Y además, que el ser humano siempre puede rectificar sus errores si encuentra una razón por la cual luchar. Ideal para los optimistas de corazón.

7 películas de ciencia-ficción que te emocionarán y se alejan de la distopía (VI)

Encuentros en la tercera fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977), de Steven Spielberg

Esta película de Steven Spielberg es un hito de la ciencia ficción. En especial, por oponerse al hábito cinematográfico de mostrar alienígenas como monstruos o invasores. Al contrario, el director mostró una visión radicalmente pacífica. La película sigue a personas comunes que sienten una llamada irresistible hacia un encuentro con lo desconocido. Lo que hace que esta cinta sea tan optimista es su clímax en la Torre del Diablo, donde la comunicación con los extraterrestres no se logra mediante códigos militares o amenazas, sino a través de la música y la luz.

La trama: Una noche, cerca de su casa, en Indiana, Roy Neary (Richard Dreyfuss) observa en el cielo unos misteriosos objetos voladores. Desde entonces vive tan obsesionado por comprender lo que ha visto que se distancia de su esposa (Teri Garr). Encuentra apoyo en una mujer que también ha sido testigo de los mismos hechos, y juntos intentan encontrar una respuesta al misterio que ha alterado sus vidas. Al mismo tiempo, un nutrido grupo de científicos internacionales comienza a investigar las apariciones de ovnis y otros extraños fenómenos en la zona. 

El uso de las famosas cinco notas musicales como lenguaje universal es una metáfora poderosa: el arte y la armonía son la base del entendimiento. Los alienígenas no vienen a juzgarnos ni a destruirnos, sino a intercambiar conocimientos en un gesto de amistad cósmica. Es una película que captura la inocencia y el asombro infantil, sugiriendo que el universo es un lugar benevolente y que nuestro primer encuentro con otras civilizaciones será un momento de belleza sublime y paz absoluta.

7 películas de ciencia ficción que te emocionarán y se alejan de la distopía (V)

Tomorrowland: El mundo del mañana (Tomorrowland, 2015), de Brad Bird

Quizás no la conozcas, pero esta película de Brad Bird es una crítica directa a la obsesión actual por el apocalipsis y las historias de futuros deprimentes. La trama nos dice que unidos por el mismo destino, una adolescente inteligente y optimista, llena de curiosidad científica, y un antiguo niño prodigio inventor, hastiado por las desilusiones, se embarcan en una peligrosa misión para desenterrar los secretos de un enigmático lugar localizado en algún lugar del tiempo y el espacio, conocido en la memoria colectiva como “Tomorrowland”, y así salvar a la humanidad. El mensaje central es que el futuro se convierte en una distopía solo si dejamos de creer que podemos mejorarlo. 

Además, la cinta es una explosión visual de retrofuturismo que celebra el optimismo como una forma de rebeldía necesaria. Tomorrowland: El mundo del mañana nos invita a dejar de consumir historias de destrucción y a empezar a imaginar soluciones, recordándonos que las grandes hazañas de la humanidad comenzaron simplemente porque alguien se negó a aceptar que el final estaba cerca. Es un toque de atención para la acción para los inventores, los artistas y los soñadores que aún creen que el ingenio humano puede salvar el mundo. Disponible en Disney+. 

7 películas de ciencia ficción que te emocionarán y se alejan de la distopía (III) 19/4

Interestelar (Interstellar, 2014), de Christopher Nolan

La gran obra de ciencia ficción de nuestra época es también una reflexión optimista del futuro. Eso, aunque Christopher Nolan sitúa la acción en una Tierra moribunda por una plaga agrícola, el núcleo de la película late con una fe inquebrantable en el futuro. Es una odisea espacial que utiliza conceptos complejos como los agujeros de gusano y la dilatación temporal para contar una historia sobre el vínculo emocional. El optimismo de Interstellar radica en su tesis principal: que el amor no es solo un sentimiento humano volátil, sino una dimensión real y poderosa que trasciende el tiempo y el espacio. 

Al ver que la vida en la Tierra está llegando a su fin, un grupo de exploradores dirigidos por el piloto Cooper (McConaughey) y la científica Amelia (Hathaway) emprende una misión que puede ser la más importante de la historia de la humanidad: viajar más allá de nuestra galaxia para descubrir algún planeta en otra que pueda garantizar el futuro de la raza humana. 

La película rechaza la idea de que la humanidad esté destinada a extinguirse en el polvo; en cambio, nos presenta como exploradores natos cuya curiosidad y sacrificio nos permiten dar saltos evolutivos imposibles. La ciencia no se ve como algo frío o distante, sino como la herramienta que permite que la conexión humana se manifieste a escala cósmica. Ver a la humanidad establecerse en estaciones espaciales al final es la recompensa de un viaje donde la esperanza fue el combustible más importante.

Actualmente, puedes ver Interstellar en streaming a través de Max, Netflix y Movistar Plus+. También está disponible para compra o alquiler en plataformas digitales como Apple TV y Amazon Prime Video.

7 películas de ciencia ficción que te emocionarán y se alejan de la distopía (II)

La llegada (Arrival, 2016), de Denis Villeneuve

Otra adaptación para la lista y esta vez, dirigida por Denis Villeneuve, la mente creativa detrás de la trilogía Dune. Pero, al contrario que el punto de vista épico de la obra de Frank Herbert, esta visión sobre la ciencia ficción es conmovedora y casi íntima. Basada en el cuento La historia de tu vida de Ted Chiang, redefine el tropo del primer contacto desde una perspectiva profundamente humanista y lingüística.

Cuando naves extraterrestres comienzan a llegar a la Tierra, los altos mandos militares piden ayuda a una experta lingüista (Amy Adams) para intentar averiguar si los alienígenas vienen en son de paz o suponen una amenaza. Poco a poco la mujer intentará aprender a comunicarse con los extraños invasores, poseedores de un lenguaje propio, para dar con la verdadera y misteriosa razón de la visita extraterrestre... Adaptación del relato corto The Story of Your Life del escritor Ted Chiang, ganador de los reconocidos premios de ciencia ficción Hugo y Nebula.

La película es optimista porque sugiere que el lenguaje no es solo una herramienta para transmitir datos, sino una forma de moldear nuestra mente y nuestra capacidad de empatía. Algo que también forma parte de Proyecto Salvación, por cierto. Disponible en Amazon Prime Video, Apple TV, Google Play, Netflix y Rakuten TV.

Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (V)

(cont.)

11. Parque Jurásico (Jurassic Park, 1993)

Reparto: Laura Dern, Sam Neill, Jeff Goldblum, Richard Attenborough, Joseph Mazzello, Ariana Richards, Bob Peck, Martin Ferrero, Samuel L. Jackson, BD Wong, Wayne Knight, Miguel Sandoval, Gerald R. Molen.

La trama: El multimillonario John Hammond consigue hacer realidad su sueño de clonar dinosaurios del Jurásico y crear con ellos un parque temático en una isla remota. Antes de abrirlo al público, invita a una pareja de eminentes científicos y a un matemático para que comprueben la viabilidad del proyecto. Pero las medidas de seguridad del parque no prevén el instinto de supervivencia de la madre naturaleza ni la codicia humana. Un parque temático con dinosaurios clonados se convierte en un caos cuando la seguridad falla. La mezcla de maravilla, tensión y efectos innovadores redefinió el cine de aventuras, dejando escenas icónicas que aún impresionan.

Laura Dern y Sam Neill en Parque Jurásico (1993)

Curiosidades: El icónico rugido del T‑Rex, que luego se convertiría en canon, no salió de un solo animal, sino de un ensamblaje de sonidos de perro, de pingüino, el gruñido de un tigre y el gorgoteo de un aligátor, rematados por el chillido agudo de un elefante bebé, tan extraño que solo lo emitió una vez; la escena se diseñó para que se oyera antes de ver al dinosaurio. Obra maestra del suspense, la aventura y la ciencia ficción de un especialista como Steven Spielberg. Adapta el popular best-seller de Michael Crichton con unos efectos visuales que en la época fueron sencillamente revolucionarios. Disponible en Prime Video, SkyShowtime, Movistar+ Ficción Total.

2. La lista de Schindler (Schindler's List, 1993)

Reparto: Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes, Caroline Goodall, Embeth Davidtz, Jonathan Sagall, Ezra Dagan, Mark Ivanir, Malgorzata Gebel, Béatrice Macola, Oliwia Dabrowska, Shmuel Levy

La trama: Oskar Schindler (Liam Neeson), un empresario alemán de gran talento para las relaciones públicas, busca ganarse la simpatía de los nazis de cara a su beneficio personal. Después de la invasión de Polonia por los alemanes en 1939, Schindler consigue, gracias a sus relaciones con los altos jerarcas nazis, la propiedad de una fábrica de Cracovia. Allí emplea a cientos de operarios judíos, cuya explotación le hace prosperar rápidamente, gracias sobre todo a su gerente Itzhak Stern (Ben Kingsley), también judío. Pero conforme la guerra avanza, Schindler y Stern comienzan ser conscientes de que a los judíos que contratan, los salvan de una muerte casi segura en el temible campo de concentración de Plaszow, que lidera el comandante nazi Amon Goeth (Ralph Fiennes), un hombre cruel que disfruta ejecutando judíos.

Ralph Fiennes y Liam Neeson en La lista de Schindler (1993)

Curiosidades: Cuando una superviviente del campo de concentración fue presentada a Ralph Fiennes durante el rodaje, su reacción fue inmediata: empezó a temblar de forma incontrolable, porque la caracterización del actor era tan real que le situó de nuevo frente a Amon Göth, el oficial de la SS jefe del campo. Disponible en SkyShowtime, Movistar+ Ficción Total, Filmin. El director recibió por la película una recompensa largamente acariciada. La Academia se volcó con ella, otorgándole siete Oscar, entre ellos los correspondientes a la mejor película, mejor guión y mejor dirección. 

13. Amistad (1997)

Reparto: Morgan Freeman, Nigel Hawthorne, Anthony Hopkins, Djimon Hounsou, Matthew McConaughey, Anna Paquin, David Paymer, Pete Postlethwaite, Stellan Skarsgård, Chiwetel Ejiofor, Razaaq Adoti, John Ortiz, Jeremy Northam, Xander Berkeley, Arliss Howard, Pedro Armendáriz Jr., Jake Weber, Austin Pendleton, Paul Guilfoyle, Daniel von Bargen, Tomas Milian, Geno Silva, Allan Rich.

La trama: Una noche del verano de 1839, cincuenta y tres esclavos negros que viajaban a bordo del navio "La Amistad" se amotinaron y tomaron el control del barco frente a las costas de Cuba. Fracasado su intento de regresar a África, fueron detenidos por tropas americanas y se encontraron en un país extraño y a merced de un sistema judicial que les era ajeno. La narración combina emoción y reflexión histórica, mostrando la importancia de la dignidad y la justicia frente a la opresión. 

Anthony Hopkins y Morgan Freeman en Amistad (1997)

Curiosidades: Anthony Hopkins dejó al equipo clavado en el suelo al recitar de memoria el alegato final, que ocupaba siete páginas, en una sola toma, con el ritmo adecuado y sin pedir refugio con cortes. Spielberg quedó tan impresionado que, desde ese día, se negó a llamarle “Tony” y durante el resto del rodaje solo se dirigió a él como “Sir Anthony”. Disponible en Google Play, Apple TV, Prime Video, Rakuten TV.

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Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (III)

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5. E.T., el extraterrestre (E.T.: The Extra-Terrestrial, 1982)

Reparto: Henry Thomas, Dee Wallace, Peter Coyote, Robert McNaughton, Drew Barrymore, Erika Eleniak, C. Thomas Howell, K.C. Martel, Sean Frye. 

La trama: Un pequeño ser de otro planeta se queda abandonado en la Tierra cuando su nave, al emprender el regreso, se olvida de él. Está completamente solo y tiene miedo, pero se hará amigo de un niño, que lo esconde en su casa. El pequeño y sus hermanos intentan encontrar la forma de que el pequeño extraterrestre regrese a su planeta antes de que lo encuentren los científicos y la policía. La historia combina ternura, descubrimiento y emoción, logrando una conexión universal basada en la inocencia y el deseo de regresar a casa.

Drew Barrymore en E. T., el extraterrestre (1982)

Curiosidades: La historia nació de una cicatriz personal: Spielberg la apoyó en el amigo imaginario que se inventó tras el divorcio de sus padres, y esa raíz explica el pulso doméstico de todo el relato. Para facilitar interpretaciones convincentes en el reparto infantil, rodó en un orden casi cronológico, de manera que cada escena llegara cuando la relación ya estaba asentada. Steven Spielberg no sería quien es si no hubiera rodado esta película. Si ya antes había sorprendido con una visión favorable de la vida más allá de la Tierra en Encuentros en la tercera fase, su siguiente película fue directamente a destrozar el mito del marciano con malas pulgas que viene a nuestro planeta para sembrar la destrucción. Disponible en Prime Video, SkyShowtime, Disney+, Movistar+, Filmin. 

6. Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and the Temple of Doom, 1984)

Reparto: Harrison Ford, Kate Capshaw, Ke Huy Quan, Amrish Puri, Roshan Seth, Dan Aykroyd, Philip Stone, Roy Chiao, David Yip, Ric Young. 

La trama: 1935. Shanghai. El intrépido arqueólogo Indiana Jones, tras meterse en jaleos en un local nocturno, consigue escapar junto a una bella cantante y su joven acompañante. Tras un accidentado vuelo, los tres acaban en la India, donde intentarán ayudar a los habitantes de un pequeño poblado, cuyos niños han sido raptados. Esta peligrosa misión lo arrastra a rituales oscuros, persecuciones y una de las aventuras más intensas y frenéticas de toda la saga.

Jonathan Ke Quan y Harrison Ford en Indiana Jones y el templo maldito (1984)

Curiosidades: La secuencia de la cámara de insectos fue tan real como parece: Kate Capshaw aceptó rodar cubierta por más de dos mil insectos vivos y, para vencer el miedo inicial, tomó sedantes antes de entrar en el set. Ella misma reconoció que le ayudaron a dar el paso. Se trata de la película con más elementos fantásticos de la serie de Indiana Jones. Las escenas se suceden a una velocidad de vértigo en varios continentes distintos. El sentido del humor es un elemento constante, y está reforzado por la presencia del joven Jonathan Ke Quan. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, SkyShowtime, Tivify. 

7. El color púrpura (The Color Purple, 1985)

Reparto: Danny Glover, Whoopi Goldberg, Margaret Avery, Oprah Winfrey, Willard E. Pugh, Dana Ivey, Akosua Busia, Laurence Fishburne, Desreta Jackson, Adolph Caesar, Rae Dawn Chong, Leonard Jackson, Bennet Guillory, Carl Anderson, John Patton Jr., Susan Beaubian, James Tillis, Phillip Strong. 

La trama: Principios del siglo XX. Historia ambientada en Estados Unidos, en el sur rural. Whoopi Goldberg interpreta a una joven muchacha negra, obligada por su padre a casarse con un hombre odioso al que no quiere. Sólo encuentra consuelo en su hermana, a quien escribe puntualmente, aunque sus cartas de respuesta sean retenidas por su malvado marido. Un viaje emocional que combina dolor y esperanza con una sensibilidad profunda.

Whoopi Goldberg en El color púrpura (1985)

Curiosidades: La respuesta inicial fue un no: Spielberg se veía inseguro, dudaba de su mirada para retratar el Sur profundo y sentía que la historia pedía otra voz. Quincy Jones le desmontó el miedo con una frase perfecta, recordándole que no hacía falta “ser un extraterrestre” para dirigir a uno, y ese empujón lo metió de lleno en la película. Algunas escenas han pasado a la historia del cine, por su maestría y sutileza. Está basada en la novela homónima de Alice Walker, ganadora del Premio Pulitzer. A pesar de contar con un montón de nominaciones al Oscar, el film se fue sin ninguna estatuilla a casa, era la época en que no se toma muy en serio a Spielberg. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, SkyShowtime, Tivify.

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