martes, 20 de febrero de 2024

Hemos clasificados los 49 César a la mejor película, de la menos convincente a la más magistral (I)

La 49ª ceremonia del César tendrá lugar la tarde del 23 de febrero. Cyrano de Bergerac, El odio o incluso El artista: cuarenta y nueve películas han ganado el trofeo supremo. ¿Pero cuál fue la más exitosa? Descubra nuestro ranking.

1. Venus, salón de belleza (Vénus beauté (Institut), 1999), de Tonie Marshall

Vénus es un salón de belleza de barrio en el que, además de los tratamientos estéticos, se dan consejos, se escuchan los problemas graves o leves de las clientas. Se venden cremas, elixires, relajación, sol de mentira... Nadine es la dueña y tiene tres tres esteticistas: Samantha, Marie y Angèle. Angèle hace tiempo que trabaja allí. Se ha amoldado perfectamente a aquel universo rosa, atenta y tranquila, desconectada del tiempo y del ruido. Cuarto largometraje de la directora y actriz Tonie Marshall, que suele alternar sus trabajos delante y detrás de la cámara. En esta película, Marshall ofrece un retrato de la sociedad francesa visto a través de los clientes y empleados de este particular salón de belleza del barrio, convertido en un microcosmos del París de los años 90. El personaje de Angéle es el hilo conductor de este universo intimista donde todos buscan el amor, la comprensión y la manera de combatir las heridas que va dejando el tiempo. Al frente del reparto se encuentra la actriz francesa Natalie Baye, que ya había trabajado con Marshall en su anterior película, Enfants de salaud (1996). Además del César a la mejor película , mejor director , mejor guion y mejor actriz de revelación, con un total de siete nominaciones.

2. 3 solteros y un biberón AKA Tres solteros y un biberón (3 hommes et un couffin, 1985), de Coline Serreau

Jacques, trabajador de una compañía aérea, acepta recibir y guardar en su casa el paquete que un amigo suyo tiene que recibir. Pero Jacques no sabe cuán comprometedor es el paquete que guardará a su amigo, así que se va de viaje a Extremo Oriente explicando a sus compañeros de piso, Pierre y Michel, que cuando llegue el paquete lo guarden, sin más. El paquete resulta ser una niña, al parecer hija de Jacques, que la madre, Sylvia, deja en el descansillo de la casa, con una nota aduciendo que no puede hacerse cargo de ella debido a su trabajo. Los dos compañeros se ven obligados a compaginar la faena que da la niña (biberones, pañales y noches en vela) con su trabajo mientras llega Jacques de su viaje. La cosa se complica cuando llega el paquete que en realidad esperaba Jacques: se trata de heroína, así que Pierre y Michel deberán apañárselas para trabajar, cuidar a la niña y, además huir de la policía y lidiar con los traficantes, con lo que se producirán malentendidos y situaciones cómicas de todo tipo. 
Cuando llega Jacques y solucionado el problema de los traficantes, los tres hombres se dedican a cuidar de la bebé por turnos, y, aunque les resta tiempo de las diversiones a las que estaban acostumbrados, se encariñan mucho con ella, por lo que sienten una gran tristeza y vacío en sus vidas cuando la madre regresa a recogerla. Esta película tuvo un enorme éxito en Francia y también triunfó en el resto de Europa e incluso en los Estados Unidos, lo que originó que allí se realizara un remake en 1987 dirigido por Leonard Nimoy adaptando la película al gusto estadounidense, Tres hombres y un bebé, que tuvo también un gran éxito que, a su vez, también motivó la producción de una secuela, Tres hombres y una pequeña dama, dirigida por Emile Ardolino. Además de a la mejor película ganó los César al mejor actor secundario y al mejor guion. 

3. Adiós, idiotas (Adieu les cons, 2020), de Albert Duponte

Cuando Suze Trappet se entera a los 43 años de que está gravemente enferma, decide ir en busca del hijo al que se vio obligada a abandonar cuando ella tenía 15 años. Su búsqueda administrativa le hará conocer a JB, un cincuentón en plena depresión, y al señor Blin, un archivero ciego con un entusiasmo impresionante. Los tres se embarcan en una búsqueda tan espectacular como improbable. Sorprende la frescura y agilidad de la narración, atravesada de continuos puntos de giro, a veces delirantes, como la ayuda que tiene que prestar el jefe del archivo ciego, o el médico que asistió al parto, aquejado de alzheimer. El humor es sutil, y con frecuencia se rompe el saque aportando momentos de emotividad, por ejemplo con Suze, estupenda Virginie Efira, hablando consigo misma en su etapa adolescente con rastas, o con Jean-Baptiste viéndose reflejado a sí mismo en el hijo tímido, cuando este al fin aparece. También consiguió los premios César a mejor dirección (Albert Dupontel), mejor actor secundario (Nicolas Marié), mejor guion original, mejor fotografía y mejor diseño de producción, contando con una total de 12 nominaciones. 

4. El membrillo (La balance1982), de Bob Swaim

En el distrito parisino de Belleville, la Policía lucha de forma obsesiva contra la mafia. El inspector Mathias Palouzi está empeñado en detener al capo Roger Massina y desarticular su clan. Para su objetivo se vale de un delator, que es asesinado. Con la intención de sustituirlo, Palouzi fija su atención en un antiguo miembro de la organización criminal, un proxeneta llamado Dédé Laffont. El inspector presiona al chulo para que se convierta en su informador. Le amenaza con utilizar su historial delictivo para encarcelarlo y acosa a su novia, Nicole, una prostituta. La pareja se ve inmersa así en una guerra entre la policía y la mafia. 
Una colección de personajes rechazables circula por las imágenes de esta película, en que los menos tóxicos resultan ser los residuos de la sociedad.  La acción es trepidante y no concede cuartel al espectador.  Gran parte del mérito de la cinta recae en los intérpretes, empezando por una Nathalie Baye que nunca estuvo mejor, la pobre prostituta de buen corazón machacada por unos y por otros.  Comparte cartel con su entonces compañero, Philippe Léotard, al que estaba a punto de cambiar por Johnny Halliday. Fue ganadora en los Premios César a la mejor película, mejor actor y mejor actriz, con un total de ocho nominaciones.

5. Demasiado bella para ti (Trop belle pour toi, 1989), de Bertrand Blier

A veces hombres y mujeres suelen estar emparejados con personas que son demasiado perfectas, deseables y lo más parecido al epítome de la belleza. Sin embargo, este equilibrio visual en ocasiones esconde insatisfacciones sexuales y afectivas, que finalmente provocan decisiones que podrían parecer absurdas para la opinión pública. Esto es lo que le sucede a Bernard Barthelemy (Gérard Depardieu), un alegre vendedor de un concesionario de automóviles situado al sur de Francia, que está casado con una mujer bellísima llamada Florence Barthélémy (Carole Bouquet), quien todavía anhela algo más. Un día Bernard decide contratar, de forma temporal, a una nueva secretaria. Todo se vendrá abajo cuando el vendedor comience a sentirse atraído por su nueva secretaria, Colette (Josiane Balasko), una mujer mucho menos atractiva que su mujer, pero por la que siente una pasión desenfrenada. Ella siente lo mismo por él y ambos se embarcan en una aventura amorosa ilícita en la oficina, a pesar de su mujer, a quien le parece que la historia se repite. Esta comedia francesa fue nominada para competir por el Palma de oro en el Festival de Cannes y logró obtener finalmente el Premio del jurado. Además fue la favorita en los Premios César ya que ganó el premio a mejor película, así como al mejor director, a la mejor actriz,  al mejor guión y al mejor montaje, con un total de diez nominaciones.

6. La escurridiza, o cómo esquivar el amor (L'esquive, 2003), de Abdellatif Kechiche

En una urbanización de pisos ubicada en un de los barrios más desfavorecidos de la ciudad de Paris, vive Krimo, un chico joven y poco hablador, que deambula por las calles con sus amigos. Un día se encuentra con Lidia, una joven actriz protagonista de una obra teatral, de la que Krimo se queda locamente enamorado. El joven poco hablador, decide participar en la obra, con tal de pasar el mayor tiempo posible con su amada y poder declararle su amor. Se trata de h
istorias donde la situación de marginación se mezcla con el espíritu soñador y de superación de los protagonistas y que, según la película, terminan en éxito o en fracaso.
Desde el primer momento surge la chispa entre ellos, e inician un bonito romance, ambientado en uno de los barrios más desfavorecidos de la ciudad del amor. Desde comienzos de los 90, el director tunecino Abdellatif Kechiche quería realizar este proyecto sobre la vida de un barrio y los amores juveniles, pero en aquel momento no encontró financiación suficiente para afrontar el rodaje. La situación de los barrios periféricos parisinos y la difícil integración de las minorías han propiciado que esta producción salga adelante. Además de a mejor película obtuvo los César a mejor dirección, mejor actriz revelación y mejor guion, con un total de seis nominaciones. 

7. El dinero de los demás (L'Argent des autres, 1978), de  Christian de Chalonge

El ejecutivo bancario Henri Rainier concede un préstamo enorme al inversionista Claude Chevalier d'Aven. Sin embargo, los negocios de Chevalier resultan tan ruinosos que el banco se ve obligado a cubrir el déficit. Por si fuera poco, Rainier es considerado culpable del desastre de la entidad financiera. A pesar de todo, Rainier, lejos de quedarse de brazos cruzados, decide demandar a su anterior jefe. Basado en una novela de Nancy Markham, y al igual que una serie proyectada en televisión acerca de la emancipación de la mujer y su capacidad para regir imperios de negocios, también aquí el protagonista, en este caso masculino y de carácter bien opuesto, ve su vida amenazada por tan vil metal, caballero poderoso según nos explicó Quevedo. Más poderoso y todo, el dinero suele ser poco fotogénico. Toda la filmografía americana, televisión incluida, sobre el tema trata siempre de salvar tal escollo a base de aventuras más o menos sentimentales. Jean-Louis Trintignant realiza un gran trabajo, como ejecutivo sin escrúpulos, en esta interesante crítica del mundo de las entidades financieras. Fue la ganadora en Premio Louis Delluc y en los Premios César obtuvo el de mejor película y mejor director, entre cinco nominaciones. 
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Películas esenciales de terror de directores negros (II)

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6. Eve's Bayou (1997), de Kasi Lemmons

Eve es la pequeña de los Batiste, una acaudalada familia de color que vive cerca de los 'Bayou', la zona pantanosa del sur de Lousiana. Su acomodada infancia se ve sacudida bruscamente cuando es testigo directo de las infidelidades de su padre, lo que la llevará a bucear en los rincones oscuros y secretos de su familia y en extraños sucesos relacionados con los ritos vudú importados por los esclavos caribeños. Un muy sólido drama, cuidadosamente dirigido por la actriz Kasi Lemmons (su primer largometraje como directora), producido por Samuel L. Jackson y espléndidamente interpretado, que realiza un estudio de personajes y emociones, centrado en los personajes de una familia sureña de afro americanos bienestantes. El prestigioso crítico americano Roger Ebbert la saludó como una de las mejores películas de 1997. Película intimista y multipremiada, se aleja de films que describen problemas de afroamericanos en grandes urbes, con el crack y la violencia callejera como telón de fondo. Ni siquiera se aborda el racismo. Lemmons evita las estridencias en este emotivo drama sureño sobre la pérdida de la inocencia de una chiquilla.

7. Bones (2001), de Ernest R. Dickerson

En 1979, Jimmy Bones es el rey del sur de Chicago. Con su pandilla controla y protege la zona, hasta que un policía corrupto y un traficante tratan de alterar la calma del barrio. Bones es asesinado cruelmente y sus compañeros, obligados a participar en el crimen. Ya en los 90, los traficantes son los amos del lugar. Pero el espiritu de Bones no descansa en paz, y espera la oportunidad para volver a la vida y vengarse de todos los que le han traicionado. Sangrienta cinta de sustos dirigida por Ernest R. Dickerson, especialista en pelis de miedo truculentas como Caballero del diablo (Demon Knight, 1995). 
El director de esta cinta es Ernest Dickerson, colaborador habitual de Spike Lee como director de fotografía en películas como Malcom X o Haz lo que debas. En esta ocasión, el realizador mezcla los géneros del terror, en su vertiente más tenebrosa, y del western urbano contemporáneo en una película que reflexiona sobre los miedos comunes y sobre las deudas del pasado, centrándose en la figura de un vengador oscuro que busca el bien y el progreso para el barrio que él ayudó a levantar y dignificar. Este personaje es interpretado por Snoop Dogg, conocido rapero a cuya medida fue escrito el guión.

8. The Sweet Blood of Jesus AKA Da Sweet Blood of Jesus (2014), de Spike Lee

Es una peculiar historia de amor sobre un ser humano que se siente atraído por la sangre. Cuando el Dr. Hess Green se introduce en un misterioso artefacto maldecido por el curandero Lafayette Hightower, es atraído sin control hacia su reciente sed de sangre, sin embargo, él no es un vampiro. Lafayette sucumbe rápidamente a la naturaleza que le ha sido impuesta y deja a Hess como un hombre totalmente transformado. Pronto, la mujer de Lafayette, Ganja, viene en su busca, pero se ve envuelta en un peligroso romance con Hess, cuestionándose la propia naturaleza del amor, la adicción, el sexo y el estado de nuestra aparentemente sofisticada sociedad.. Escrita por el propio Spike Lee, la película recupera la premisa inicial de la película de Bill Gunn y nos introduce en un universo donde cohabitan seres humanos adictos a la sangre. Lee afirmó que la película trata sobre "seres humanos adictos a la sangre" y se ha referido a ella como "un nuevo tipo de historia de amor". Se trata de un remake de la película de 1974 Ganja & Hess (el escritor original Bill Gunn fue acreditado como coguionista junto con Lee). Fue la primera de las películas de Lee en ser financiada a través de la plataforma de microdonaciones Kickstarter y tuvo su estreno el 22 de junio de 2014 en el Festival Estadounidense de Cine Negro como cierre.

9. Déjame salir (Get Out, 2017), de Jordan Peele 

Chris (Daniel Kaluuya) es un joven y exitoso fotógrafo afroamericano que, desde hace cinco meses, sale con Rose (Allison Williams), una chica blanca. Aunque no está del todo convencido, Chris termina cediendo a la invitación de Rose de conocer a su familia. La pareja hará una escapada de fin de semana y viajarán hasta la casa de sus padres, Dean (Bradley Whitford) y Missy (Catherine Keener), que desconocen por completo que el chico es de raza negra. 
Al principio todo es amable y políticamente correcto. Pero Chris no tardará en descubrir secretos y mentiras, sobre todo en relación con los dos misteriosos empleados afroamericanos que viven en la casona. A medida que avanza el fin de semana, una serie de inquietantes descubrimientos le llevarán a conocer una realidad que nunca habría imaginado. Supone el debut como director y guionista de Jordan Peele, popular cómico estadounidense que realizó un gran trabajo como actor en la primera temporada de la serie Fargo. Produce Blumhouse, compañía especializada en producciones baratas de terror, como La visita, con la que tiene elementos en común, sobre todo que se trata de una historia sencilla, con giros inesperados. 

10. La primera purga: La noche de las bestias (The First Purge AKA The Purge: The Island, 2018), de Gerard McMurray

Para mantener durante el resto del año la tasa de criminalidad por debajo del 1%, los Nuevos Padres Fundadores de América ponen a prueba una teoría sociológica que da rienda suelta a todo tipo de agresiones durante una noche en una comunidad aislada. Pero cuando la violencia de los opresores se encuentra con la ira de los marginados, el vandalismo explota más allá de esas fronteras “experimentales” para extenderse por todo el país. Detrás de cada tradición hay una revolución. Descubre cómo toda una nación entera abrazó una brutal celebración anual: 12 horas de impunidad criminal. 
Bienvenidos a un movimiento que comenzó como un simple experimento. Cuarta entrega de la saga La purga. La noche de las bestias, que en este caso se trata de una precuela que explica cómo empezó la singular costumbre de, una vez al año, y durante doce horas, dar carta libre al crimen a lo largo y ancho de los Estados Unidos. 
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Cumplió 25 años: Viviendo sin límites

El 20 de febrero de 1999 se estrenó la película estadounidense Viviendo sin límites (Go), dirigida por Doug Liman e interpretada por Katie Holmes, Sarah Polley, Suzanne Krull, Desmond Askew, Nathan Bexton, Robert Peters, Scott Wolf, Jay Mohr, Timothy Olyphant, Jodi Bianca Wise. Productora: Columbia Pictures, Banner Entertainment, Saratoga Entertainment. Duración: 98 minutos. 
Sinopsis argumentalLa película narra tres historias distintas pero que tienen un factor en común: todas ellas surgen en un supermercado en una Nochebuena, ya sea comprando productos o trabajando en el supermercado. La primera historia narra las desventuras de la cajera del supermercado, Ronna (Sarah Polley), una joven que para poder pagar el alquiler del apartamento le hace el turno a Simon (Desmond Askew) y a la que le ofrecerán en la caja del supermercado otro trabajo más rentable. La segunda la protagoniza Simon, que trabaja junto a Ronna, quien se va a ir con sus amigos a Las Vegas para correrse la gran juerga de su vida, pero allí tendrán una noche muy loca. Y la tercera y última historia tiene como protagonistas a dos actores de una serie de policías de éxito (Jay Mohr y Scott Wolf) que por problemas con la policía (posesión de drogas) tienen que trabajar como informantes junto con un extraño policía (William Fichtner).
Nominaciones y premios: Premios Independent Spirit: 2 nominaciones incluyendo mejor director; National Board of Review: Premio Mención especial. 
ComentarioUna curiosa mezcla entre comedia y thriller, narrada desde tres perspectivas diferentes, que fue la tercera película de su director, Doug Liman, cuyo siguiente trabajo sería la taquillera El caso Bourne.

lunes, 19 de febrero de 2024

Cumplió 25 años: Trabajo basura

El 19 de febrero de 1999 se estrenó la película estadounidense Trabajo basura (Office Space), dirigida por Mike Judge e interpretada por Ron Livingston, Stephen Root, Gary Cole, Jennifer Aniston, David Herman,  Ajay Naidu, Diedrich Bader, Richard Riehle, Alexandra Wentworth, Joe Bays, John C. McGinley. Productora:20th Century Fox, 3 Arts Entertainment. Duración: 90 minutos. 
Sinopsis argumentalHarto de su trabajo como programador informático y de su jefe, Peter Gibbons se propone que le despidan para cobrar una buena indemnización y dedicarse a la buena vida junto a una joven camarera llamada Joanna, que es en realidad la que le anima a seguir por ese camino. Pero sus múltiples acciones para conseguir el despido, entre las que figuran llegar tarde o no presentarse al trabajo, son consideradas como una nueva y revolucionaria manera de trabajar, lo que, contra todo pronóstico, le suponen un aumento de sueldo y un ascenso. 
Comentario:E sta sátira del mundo empresarial norteamericano supone el primer largometraje en imagen real de Mike Judge, el responsable de dar vida a los personajes de televisión Beavis y Butt-Head. 

Cumplió 25 años: Cielo de octubre

El 19 de febrero de 1999 se estrenó la película estadounidense Cielo de octubre (October Sky), dirigida por Joe Johnston e interpretada por Jake Gyllenhaal, Chris Cooper, William Lee Scott, Chris Owen, Laura Dern, Chad Lindberg, Natalie Canerday, Scott Miles, Elya Baskin, Chris Ellis, Courtney Cole-Fendley, David Dwyer. Productora: Universal Pictures. Duración: 105 minutos. 
Sinopsis argumental: Estados Unidos, años 1950. Homer Hickman es un joven fascinado por la hazaña soviética de poner en órbita el satélite Sputnik. Estimulado por el evento, convence a un grupo de amigos del instituto para que se le unan en una meta: construir cohetes y lanzarlos siguiendo estrictos principios científicos. Lo que parece un juego de críos, se convierte en algo muy serio. Así lo advierte John, el algo desilusionado padre de Homer, capataz de mineros en la pequeña localidad donde reside con su familia, que esperaba que su hijo siguiera sus pasos en la mina de carbón.
Nominaciones y premiosCritics' Choice Awards: Mejor película familiar; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion adaptado.
Comentario: Joe Johnston logra su película más redonda al seguir la pista a los hechos auténticos protagonizados por un grupo de adolescentes apodados “los coheteros”. Uno de ellos, ingeniero de la NASA en la actualidad, los ha contado en un libro autobiográfico. A diferencia de tantas películas recientes que retratan a adolescentes descerebrados, que sólo piensan en acostarse con el chico/chica de al lado o en acudir a fiestas topeguay, aquí hay unos chavales con personalidad, ilusiones, caídas de ánimo, secretos inconfesables, preocupación por el otro… Es la traslación a la pantalla de cómo se convierte en realidad el sueño americano, que en realidad no sólo es americano sino universal. Voluntad, coraje, espíritu de sacrificio y amor pueden y de hecho, cambian las cosas. Ello se muestra con una atmósfera que combina perfectamente nostalgia y magia, sin ñoñerías.

Cumplió 25 años: Asesinato en 8 mm

El 19 de febrero de 1999 se estrenó la película estadounidense Asesinato en 8 mm (8MM),  dirigida por Joel Schumacher e interpretada por Nicolas Cage, Joaquin Phoenix, James Gandolfini, Peter Stormare, Anthony Heald, Chris Bauer, Catherine Keener. Productora: Columbia Pictures, Hofflund/Polone Production. Duración: 116 minutos. 
Sinopsis argumental: Tom Welles es un detective privado que se mantiene dignamente ocupándose de resolver casos sencillos e irrelevantes. Pero, de repente, su vida cambia radicalmente cuando, durante la investigación de un caso en el que ha sido contratado por una rica viuda, queda atrapado dentro de un sórdido mundo de espeluznantes 'snuff-movies', películas en las que se filman torturas y asesinatos reales. 
Comentario: La película, no apta para todos los gustos, muestra el descenso a los infiernos del protagonista, que no podía imaginar siquiera la existencia de tanto horror. Joel Schumacher retrata un mundo oscuro y repulsivo, donde Nicolas Cage es guiado por un inspirado Joaquin Phoenix. El sentido de la justicia del protagonista levantó una gran polémica en todo el mundo.

domingo, 18 de febrero de 2024

Películas esenciales de terror de directores negros (I)

Celebre el guión de Jordan Peele de Get Out que encabeza la lista de la WGA de los "101 mejores guiones del siglo XXI" con una lista de películas esenciales de terror de directores negros.

1. Drácula negro (Blacula, 1972), de William Crain 

Un príncipe africano acude a Transilvania para pedir al conde Drácula que le ayude a combatir el tráfico de esclavos. Como es natural, el aristócrata se burla sarcásticamente y como castigo a su osadía lo vampiriza. En la época actual, dos propietarios de un negocio de decoración deciden trasladar a su negocio en Los Ángeles los muebles y objetos del castillo. Como es fácil suponer, entre los efectos que viajan al Nuevo Mundo está el ataúd de Blacula. Nuestro vampiro de color empezará por vampirizar a sus "compradores" para seguir con una serie de asesinatos, eliminando a todo aquél que descubre su condición de no-muerto. Mediocre producto de terror filmado en Estados Unidos en plena época de las movies del "blaxploitation", que pretendían ensalzar el "black power" con todo tipo de productos, a veces de baja calidad. Éste desde luego tiene un planteamiento original, pero la pobretona historia, la puesta en escena anodina y los caseros efectos especiales no le hacen ningún favor. Además carece de cualquier tensión, por lo que no asusta lo más mínimo. Un año después se rodaría la secuela Grita Blacula grita (Scream Blacula Scream, 1973). 

2. Ganja & Hess (1973), de Bill Gunn

El Dr. Hess Green (interpretado por Duane Jones, también protagonista en la mítica La noche de los muertos vivientes de George A. Romero), un arqueólogo que supervisa la excavación de la antigua civilización de Myrthia, es apuñalado con un cuchillo antiguo por su asistente de investigación (interpretado por el propio director Bill Gunn), que luego se suicida. El arma estaba infectada con gérmenes. Cuando Hess despierta, descubre que sus heridas han sanado, pero ahora convertido en vampiro, tiene una insaciable sed de sangre. Ganja and Hess es una singularísima película que combina el cine experimental con el genero de terror desde la perspectiva afroamericana. El controvertido Gunn nos ofrece una película al estilo Bergman y meditativo que aborda en realidad las adicciones, la identidad afroamericana y la obsesión personal. La historia de Ganja and Hess está llena de altibajos, la película fue exhibida en el Festival de Cannes en 1973, donde recibió una gran ovación y el premio de la Critica.En la época del VHS y los programas dobles de cine de terror y serie B, Ganja and Hess aparecía en versiones variadas como Blood Couple, Doble Possesion, Black Evil o Vampires of Harle. La versión original y autorizada por el director tuvo que ser depositada en el MoMA para que podamos conocer Ganja and Hess tal y como la realizó Gunn.

3. Historias de la cripta: Caballero del diablo (Tales from the Crypt Presents Demon Knight, 1995), de Ernest R. Dickerson

En esta historia, Brayker (Bill Sadler), un misterioso hombre, llega a una pensión de Nuevo México con la intención de defender a los huéspedes de un ejército liderado por un ladrón de almas al que llaman El Recolector (Billy Zane). Brayker oculta un gran secreto, es el encargado de guardar las siete llaves que protegen una serie de elementos con mucho poder, entre ellas se encuenta la sangre de Cristo. Si las llaves caen en manos de El Recolector, las diabólicas fuerzas se harán con su poder y provocarán el caos en cualquier lugar. Primer largometraje basado en la serie de televisión Tales from the Crypt, producida por varios de los nombres claves del cine de los años 1990: Richard Donner, Joel Silver, Robert Zemeckis y Walter Hill. Si la serie consistía en episodios de media hora que desarrollaban una historia independiente, presentada por el terrorífico Guardián de la Cripta, la película es un episodio largo de hora y media., a su vez, basada  en los cómics de la década de  1950. La película se caracteriza por escenas con el Guardián de la Cripta (una vez más con la voz de John Kassir) en el comienzo y al final de la película. Su secuela fue Historias de la cripta presenta: El club de los vampiros (Tales from the Crypt presents: Bordello of Blood), a pesar de que no es una secuela directa, la llave de esta película hace aparición en ella.

4. Welcome II the Terrordome (1995), de Ngozi Onwurah 

Spike y su hermana Anjela viven en Terrordome, un enorme gueto en el que todos los negros se han visto obligados a vivir. Jodie, la novia blanca embarazada de Spike, se escapó de un novio blanco abusador que, después de verla con Spike, le tiende una trampa. El sobrino de Spike, Héctor, de 11 años, muere como resultado de esta trampa y Anjela, llena de furia se lanza contra la policía pero es detenida. Su aprensión desencadena la tensión entre Spike y su cuñado, mientras una guerra racial se desarrolla dentro de Terrordome. La directora Ngozi Onwurah luchó durante tres años para conseguir financiación para esta película, que comienza con una representación estilizada del desembarco Igbo en las costas de Georgia y avanza hacia una narrativa que consiste tanto en una trama semitradicional como en una representación simbólica de la brutalidad de pesadilla del racismo y la destrucción física, psicológica, emocional, social y cultural resultante. Es a la vez sorprendente y tristemente fácil creer que esta película fue la primera "película británica distribuida en salas y dirigida por una mujer negra. La película de Onwurah es una distopia ambientada en un gueto negro. La historia transcurre a ritmo de hip hop y el título hace referencia a la canción de Public Enemy. 

5. Tales from the Hood (1995), de Rusty Cundieff

Tres jovenes drogadictos en búsqueda de mercancía llegan hasta un misterioso lugar; una sala fúnebre dirigida por el Señor Simms. Este oscuro hombre les cuenta historias a los tres muchachos de sus más antiguos clientes. Historias que les harán sentir una sensación mucho mayor de la que hubiesen experimentado, y llevarse una gran sorpresa. La película presenta cuatro historias de terror moralistas (al estilo EC Comics) en cinco segmentos, que tratan en su mayoría de personajes negros: Welcome to My Mortuary, Rogue Cop Revelation, Boys Do Get Bruised,  KKK Comeuppance y Hard-Core Convert,  basadas en conceptos problemáticos que afectan a la comunidad afroamericana como la corrupción policial, el abuso doméstico, el racismo institucional y la violencia de las pandillas; todo ello presentado dentro de una historia marco de tres traficantes de drogas que encuentran a un excéntrico director de funeraria. El metraje varía de una historia a otra, pero Cundieff acierta más de lo que falla, y la película ha alcanzado un estatus de culto entre los aficionados al cine de terror.
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Efemérides de cine: El amor empieza a medianoche

El 18 de febrero de 1974 se estrenó la película española El amor empieza a medianoche, dirigida por Pedro Lazaga e interpretada por Concha Velasco, Javier Escrivá, Chris Avram, Helga Liné, Fernando Guillén, Armando Calvo, Mabel Karr, Saturno Cerra, Emilia Rubio, Pablo Blanco, Loreta Tovar, Bárbara Rey. Productora: General Films Corporation S.A. Duración: 92 minutos. 
Sinopsis argumentalElena y Ricardo se conocen en la clínica donde están internados sus respectivos cónyuges. Tras la muerte de éstos, Ricardo y Elena se enamoran y se casan. Cuando ella se percata de que la rutina ha empezado a dominar sus vidas, se deja cortejar y mimar por Andrés, un empleado de Ricardo que se convierte en el fiel admirador que necesita. En cuanto Ricardo se da cuenta, hará lo posible para recuperar a su esposa.
ComentarioEntre bromas y veras, Pedro Lazaga disecciona algunas de las razones por las que los matrimonios se rompen. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: Sombras de París

El 18 de febrero de 1924 se estrenó la película Sombras de París (Shadows of Paris), dirigida por Herbert Brenon e interpretada por Pola Negri, Charles de Rochefort, Huntley Gordon, Adolphe Menjou, Gareth Hughes, Vera Reynolds, Rose Dione, Rosita Marstini, Edward Kipling, Maurice de Canonge, Frank Nelson, George O'Brien, Sam Appel, Marcelle Chotin, Westcott Clarke, Louise Emmons, Anastasia Georgina Kissel, Justine Valse. Productora: Paramount Pictures. Duración: 70 minutos.
Sinopsis argumental: Al final de la guerra, Claire, reina de los bajos fondos parisinos, se encuentra en la alta sociedad de la ciudad. Creyendo que su amante, el delincuente Fernand, ha muerto en la guerra, Claire se enamora de Raoul, un funcionario francés. De Croy, el secretario de Raoul, se entera del pasado de Claire y amenaza con difundirlo a menos que ella ceda ante él. Fernand regresa; Claire se da cuenta de que ya no lo ama; y mientras intenta robar un collar de diamantes, muere en una pelea con De Croy, quien ha ido al tocador de Claire para cobrar su deuda. Raoul regresa durante la pelea y De Croy guarda el secreto de Claire al declarar que ha matado a un ladrón común que robaba las joyas de Madame. Claire, sin embargo, confiesa la verdad y está a punto de irse cuando Raoul la perdona.
Comentario: Aproximadamente un minuto de metraje de Sombras de París sobrevive en el corto recopilatorio de Paramount Fashions in Love (1936); de lo contrario, la película se considerariá perdida.

sábado, 17 de febrero de 2024

Acción acuática: Las mejores películas ambientadas en el mar (XXIV)

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115. El gran azul (Le Grand Bleu, 1988), de Luc Besson

El realizador francés Luc Besson se dio a conocer internacionalmente con este drama que parte de la relación real entre los campeones de submarinismo Jacques Mayol y Enzo Maiorca. Para el rol principal, el cineasta tuvo dudas sobre a quién contratar. Primero, se lo propuso a Christopher Lambert, con quien había trabajado en En busca de Freddy. También se citó con Mickey Rourke y hasta se autosugirió para el papel. No fue hasta semanas antes de empezar a rodar, que alguien sugirió a Jean-Marc Barr. Al actor de Rompiendo las olas, le acompañó un habitual del realizador, un Jean Reno que volvería a trabajar con Besson en títulos tan emblemáticos como El profesional (Léon) o Nikita, dura de matar.

116. Calma total (Dead Calm, 1989), de Phillip Noyce

Emocionante thriller en el que el suspense va en aumento según avanza la película. La atmósfera en alta mar es agobiante. La magnífica interpretación de Nicole Kidman, que le lanzó al estrellato, agudiza el drama en el que se convierte la vida de un matrimonio que sólo quiere escapar de las injusticias de la vida. De una forma original, cuenta cómo las cosas se complican de la forma más extraña cuando todo parece en calma.

117. Abyss (The Abyss, 1989), de James Cameron

Según sus propias declaraciones, ésta es la película más personal de James Cameron y la más cara que había realizado hasta la fecha. El rodaje fue largo y complicado, pues incluyó ocho semanas de rodaje bajo el agua, lo que propició una espectacular fotografía submarina que provoca en el espectador la sensación de haber estado allí. Entre sus hallazgos destacan los efectos especiales, a la vanguardia de la década de los noventa. Los actores realizan unas soberbias interpretaciones, en especial Ed Harris y el actor fetiche de Cameron, Michael Biehn, en un papel de malvado. La música de Alan Silvestri es excelente a pesar de que recuerda ligeramente a la de Star Trek y otros clásicos de la ciencia-ficción.

118. La sirenita (The Little Mermaid, 1989), de John Musker y Ron Clements

Película de animación basada en el cuento homónimo de Hans Christian Andersen. Es la vigésima octava película en el canon de largometrajes de Walt Disney Animation Studios. Se convirtió en todo un éxito, dando inicio a una nueva época dorada a la compañía y a la que siguieron otros grandes éxitos como La bella y la bestia, Aladdín y El rey león, películas tradicionales y representativas de la primera mitad de los años 1990, la cual terminó en 1999. El largometraje animado tuvo una secuela, una precuela, una serie animada, un musical y una adaptación en imagen real.

119. Waterworld (1995), de Kevin Reynolds

Ríos de tinta acompañaron a esta película, una forma muy particular de marketing. Primero trataron de convencernos de que se trataba del mayor despilfarro de la historia del cine, y de que su valor fílmico era nulo; luego aseguraron que la película estaba bastante bien, y que todo era un montaje de cierta prensa contra Kevin Costner. Sea como fuere, lo cierto es que la película no fue la debacle económica que algunos auguraban, y más o menos recuperó lo invertido en él. Publicidad extrafílmica aparte, estamos ante una película futurista entretenida, de guión muy simple, donde los personajes son poco interesantes; desde el antipático héroe de acción, Costner, que nunca se hace amable al espectador, hasta el villano "diácono", que Dennis Hopper interpreta rayando el histrionismo. El principal valor de la cinta proviene del tratamiento visual y del diseño de producción. El "look" de una película cuyos horizontes paisajísticos sólo ofrecen agua tiene un indescriptible encanto, y Kevin Reynolds lo aprovecha filmando unas cuantas secuencias de gran fuerza, originalidad y mérito técnico.
(cont.)

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCCII)

Ciudad sin límite (City Limits, 1984), de Aaron Lipstadt

En un futuro próximo, una misteriosa plaga mata a casi todos los adultos y deja tras de sí "un mundo de huérfanos". Algunos pocos afortunados son criados por los adultos supervivientes, incluido Lee (John Stockwell), a quien Albert (James Earl Jones) acoge y cría en su remota granja. Quince años después, Lee se dirige a las cercanas ruinas de Los Ángeles con la esperanza de unirse a los Clippers, una famosa banda de motociclistas. Lee sigue un convoy de camiones hasta un edificio vallado, donde Bolo (Norbert Weisser), que supervisa las operaciones, lo ve. Cuando los trabajadores comienzan a acercarse a Lee, este huye en su motocicleta. Tras el éxito de Android, el director Aaron Lipstadt tuvo la idea de Ciudad sin límites basándose en la idea de la vida en un mundo post-apocalíptico. Lipstadt escribió el guion inicial de la película en Londres tras el exitoso estreno de Android y se lo mostró al distribuidor británico de vídeos domésticos Videoform Pictures, quien respondió bien y proporcionó el presupuesto de 2,5 millones de dólares para la película. Lipstadt declaró que su intención con Ciudad sin límites era que no se pareciera a El señor de las moscas a pesar de que ambas trataban de sociedades dirigidas por jóvenes sin adultos, y en cambio estaba más en la línea de Los tres mosqueteros con la película más espiritualmente alineada con las del género de capa y espada.

Noticias de libro: El polar francés

El polar francés 

1931-1982

Antonio José Borrego Navarro
Donostia Kultura
San Sebastián
2023
246 págs. 
Representaciones que van mucho más allá de la simple antropología del delito y del delincuente, del enfrentamiento entre el Bien y el Mal. El polar fílmico es, probablemente, una de las mayores aportaciones europeas al cine del género de la historia del cine, pues es el punto de encuentro entre las vanguardias europeas, las películas de Hollywood y la poética trágica, tremendista, sobre la marginación, sobre les bas-fonds, que nace de la novela naturalista francesa de finales del siglo XIX. Todo ello ligado a la fascinación por unas imágenes metafóricas, líricas o ferozmente realistas. De este modo, el polar se define como un cine ideológicamente diverso y estéticamente poliédrico. Un fenómeno transcultural, transhistórico y transgenérico, cuyo estilo visual definido pero, a la vez, dúctil en función de las inquietudes de sus autores, se convierte en miradas, pensamientos, emociones, alrededor del lado oscuro de la sociedad y, sobre todo, de sus individuos. Un género, el polar, dentro del cual encontraremos las mejores obras de cineastas de la categoría de Jacques Becker, Marcel Carné, Pierre Chenal, Claude Chabrol, Alain Corneau, Julien Duvivier, José Giovanni, Jean Grémillon, Jean-Pierre Melville, Jean Renoir o Henri Verneuil, entre otros.

viernes, 16 de febrero de 2024

Reestrenos de la semana: 16 de febrero

Soul

Dirección: Pete Docter, Kemp Powers. País: Estados Unidos. Año: 2020. Duración: 100 minutos. Género: Animación. Fantástico. Drama. Comedia. Música. Jazz. Gatos. Cine familiar. Pixar. Reparto: Animación. Guion: Pete Docter, Mike Jones, Kemp Powers. Música: Trent Reznor, Atticus Ross, Jon Batiste. Fotografía: Animación, Matt Aspbury, Ian Megibben. Productora: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures. Distribuidora: Disney+. Premios y nominaciones: Premios Oscar: Mejor largometraje animación y banda sonora;  Globos de Oro: Mejor película de animación y mejor banda sonora original; Premios BAFTA: Mejor film de animación y banda sonora;  Premios Annie: 7 premios incluyendo mejor película y guion. 10 nominaciones; National Board of Review (NBR): Top 10, mejor largometraje de animación;  American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año. Estreno en España: 16 de febrero de 2024. Sinopsis: Desde que su padre le llevó a un club nocturno cuando era niño, Joe Gardner se convirtió en un apasionado del jazz. Ya adulto, no consigue abrirse camino como pianista, por lo que se ve obligado a dar clases de música para sobrevivir. Un amigo le da un chivatazo para que se presente a una audición para formar parte de la banda de Dorothea Williams, legendaria cantante, a la que deja tan impresionada que le acepta. Por desgracia la buena noticia le provoca tal alegría que al salir a la calle no ve el agujero de una alcantarilla. Cae, muere y acaba en la cinta transportadora del Más Allá. Como pretende regresar a la Tierra porque se iba a cumplir su gran sueño ese día, huye hasta el Gran Antes, un lugar donde le convierten en instructor de 22, una joven y rebelde alma, a la que tiene que preparar para que nazca y afronte una vida.

Cumplió 25 años: eXistenZ

El 16 de febrero de 1999 se estrenó la película canadiense eXistenZ, dirigida por David Cronenberg e interpretada por Jennifer Jason Leigh, Ian Holm, Jude Law, Don McKellar, Willem Dafoe, Callum Keith Rennie, Christopher Eccleston, Sarah Polley, Robert A. Silverman. Productora: Coproducción Canadá-Estados Unidos; Alliance Atlantis Communications, Serendipity Point Films, Natural Nylon Entertainment, Dimension Films, Canadian Television Fund, The Harold Greenberg Fund, The Movie Network (TMN), Téléfilm Canada, UGC Images. Duración: 97 minutos. 
Sinopsis argumentalEsta película refleja una sociedad en la que los diseñadores de juegos son venerados como ídolos, y los jugadores pueden entrar orgánicamente en los juegos. Alegra Geller es la autora de Existenz, el juego más original, porque impide a los usuarios distinguir los límites entre la realidad y la fantasía.
Nominaciones y premiosFestival de Berlín: Contribución artística sobresaliente (David Cronenberg).
ComentarioEl canadiense David Cronenberg firma una película coherente con su filmografía. Ambientes futuristas extraños, escenas repulsivas (atentos a la pistola de cartílagos, o al asqueroso metaflesh), violencia, sirven para configurar un raro universo, en el que las apariencias engañan. 

Noticias de libro: Les Italo-Américains à l’écran

Les Italo-Américains à l’écran

De Scarface aux Soprano

Régis Dubois, Dorian Oliva
Éditions LettMotiff
La Madeleine
2024
280 págs
Frank Capra, Vincente Minnelli, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Brian De Palma, Michael Cimino, Robert De Niro, Al Pacino, Sylvester Stallone, John Travolta, Quentin Tarantino… Es poco deir que los italo-américanos han contribuido ampliamente a la grandeza del cine de Hollywood. 
Para convencerse, considere las películas de culto El padrino (The Godfather, 1972), Rocky (1976), Fiebre del sábado por la noche (Saturday Night Fever, 1977) y Uno de los nuestros (Goodfellas, 1990). Sin olvidarnos por supuesto de la serie Los Soprano (The Sopranos, 1999-2007). Y, sin embargo, el acceso de estos hijos de inmigrantes al panteón del séptimo arte fue un camino plagado de obstáculos. Muchos no lo saben, pero los italianos sufrieron en Estados Unidos un racismo casi tan virulento como el de los afroamericanos, un ostracismo reforzado en la pantalla por una larga tradición de estereotipos que van del mafioso al repudiado, pasando por el del latin lover o el del cabeza hueca.
Es esta larga historia de presencia italoamericana en las pantallas, tanto como personajes caricaturizados como artistas delante y detrás de la cámara, la que relata esta obra, una historia fascinante que nos sumerge en los inicios del cine mudo (Rudolph Valentino) hasta el éxito de las series del siglo XXI (Los Soprano), pasando por la época dorada de los estudios (El precio del poder) y los atronadores años del Nuevo Hollywood (El padrino).
Régis Dubois est enseignant en histoire du cinéma et l’auteur de nombreux ouvrages sur le 7e art dont Le Cinéma des Noirs américains, entre intégration et contestation (Le Cerf/Corlet, 2005), Hollywood, cinéma et idéologie (Sulliver, 2008), Martin Scorsese, l’infiltré (Nouveau Monde, 2019) et Spike Lee, un cinéaste controversé (LettMotif, 2019).
Dorian Oliva est diplômé d’un Bachelor en réalisation cinéma/audiovisuel des Ateliers de l’image & du son (Marseille) où il s’est formé au métier d’assistant réalisateur. Cinéphile, il est aspirant scénariste et réalisateur.

jueves, 15 de febrero de 2024

Películas de la semana: 14 de febrero

Madame Web

Dirección: S.J. Clarkson. País: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 116 minutos. Género: Fantástico. Acción. Ciencia ficción. Viajes en el tiempo. Superhéroes. Cómic. Marvel Comics. Interpretación Dakota Johnson, Sydney Sweeney, Emma Roberts, Isabela Merced, Adam Scott, Celeste O'Connor, Tahar Rahim, Mike Epps, Kerry Bishé, Zosia Mamet, José María Yazpik, Kathy-Ann Hart. Guion: Matt Sazama, Burk Sharpless, Claire Parker, S.J. Clarkson. Historia: Kerem Sanga, Matt Sazama, Burk Sharpless. Música: Johan Söderqvist. Fotografía: Mauro Fiore. Productora: Sony Pictures, Columbia Pictures, Marvel Entertainment. Distribuidora: Sony Pictures. Estreno en España: 14 de febrero de 2024. Sinopsis: En 1973, en la selva amazónica del Perú, la embarazada científica Constance Webb trata de dar con una araña que segrega sustancias curativas, aunque se verá traicionada por su compañero de expedición Ezekiel Sims. Treinta años después Cassandra Webb trabaja como paramédica en los bomberos de Nueva York, habiéndose criado en hogares de acogida, con su compañero Ben Parker. Y empieza a tener extrañas visiones sobre el futuro, un poder que deberá aprender a manejar, mientras se cruzan en su camino tres adolescentes desarraigadas como ella, Julia Cornwall, Anya Corazon y Mattie Franklin, a las que toma bajo su protección, pues Ezekiel trata de acabar con ellas. Nuevo spin-off del universo Spider-Man de los superhéroes Marvel tras títulos como Venom y secuela, más Morbius

Bob Marley: One Love

Dirección: Reinaldo Marcus Green. País: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 104 minutos. Género: Drama. Biográfico. Música. Años 1970. InterpretaciónKingsley Ben-Adir, Lashana Lynch, James Norton, Tosin Cole, Anthony Welsh, Michael Gandolfini, Umi Myers, Nadine Marshall, Micheal Ward, Sundra Oakley, Luca Slade, Dónall Ó Héalai. Guion: Terence Winter, Reinaldo Marcus Green, Frank E. Flowers, Zach Baylin. Biografía sobre: Bob Marley. Historia: Terence Winter, Frank E. Flowers. Producción: Brad Pitt. Música: Kris Bowers. Fotografía: Robert Elswit. Productora: Paramount Pictures, Tuff Gong Pictures, Plan B Entertainment. Distribuidora: Paramount Pictures. Estreno en España: 14 de febrero de 2024. Sinopsis: 1976. Bob Marley es toda una celebridad en Jamaica. La pequeña isla está atravesando un momento delicado, pues la inminencia de las elecciones ha soliviando los ánimos de los partidos enfrentados y la violencia generalizada ha dejado el país al borde de la guerra civil. Marley ha decidido por eso celebrar un concierto por la paz, “Smile Jamaica”. Pero entonces él y su mujer sufrirán un intento de asesinato y finalmente ambos abandonarán Jamaica. El marchará con su grupo a Londres y ella se irá a Estados Unidos con sus hijos.

Priscilla

Dirección: Sofia Coppola. País: Estados Unidos. Año: 2023. Duración: 112 minutos. Género: Drama. Biográfico. Música. Años 1960. Años 1970. Interpretación:  Cailee Spaeny, Jacob Elordi, Emily Mitchell, Deanna Jarvis, R Austin Ball, Luke Humphrey, Jorja Cadence, Ari Cohen, Dagmara Dominczyk, Tim Post, Lynne Griffin, Dan Beirne. Guion: Sofia Coppola. Memorias: Priscilla Presley. Producción: Sofia Coppola. Música: Phoenix. Fotografía: Philippe Le Sourd. Productora: American Zoetrope, Stage 6 Films, The Apartment. Distribuidora: Elástica Films, Bteam Pictures. Estreno en España: 14 de febrero de 2024. Sinopsis: La historia del romance de Priscilla Beaulieu con Elvis Presley, a quien conoció en Alemania por los azares de la vida en 1959. Ella era hija de un oficial de la Fuerza Aérea de Estados Unidos destinado en Wiesbaden, y justo en esa base servía el célebre cantante en el ejército de su país. Siendo una adolescente, y a pesar de lo estrictos que son sus padres con sus salidas, obtiene permiso para acudir a una fiesta donde también está Elvis. Ambos se encuentran juntos muy a gusto, porque sus conversaciones son un modo de colmar la añoranza de su país. Elvis se acomoda a los modos formales que exige la familia para salir con Priscilla, e incluso invitarla a su casa, lo que irá derivando hacia el matrimonio, pero con las complicaciones que conlleva lidiar con la fama y los excesos que son esos casos, casi, inevitable compañía.

Buscando a Coque

Dirección: Teresa Bellón, César F. Calvillo. País: España. Año: 2024. Duración: 90 minutos. Género: Comedia. Romance. Comedia romántica. Interpretación: Alexandra Jiménez, Coque Malla, Hugo Silva, Santi Alhambra, Marta Fernández Muro, Begoña Ballester, Beatriz Bellón , Felipe Betancourt, Betiza Bismark Calderón, Fátima Blanca, Soledad Caltana, César F. Calvillo, Ellen Marguerite Cullivan , Patricia García Méndez. Guion: Teresa Bellón, César F. Calvillo. Fotografía: Javier Salmones. Productora: Agosto la Película, Bestacosta Productions, La Canica Films, La Inti Films. Distribuidora: Filmax. Estreno en España: 14 de febrero de 2024. Sinopsis: A César le apasiona la música de Coque Malla desde su adolescencia. Un día su esposa, Teresa, le confiesa que le ha sido infiel, aunque se muestra arrepentida. Para acentuar más el golpe, resulta que el tipo con el que ella se ha acostado es nada menos que el mismísimo Coque Malla. Para intentar superar el trauma, César piensa que necesita tratar la cuestión en una conversación profunda con Teresa y el propio cantante, pero éste ya no vive en España, sino en Miami, así que será necesario desplazarse hasta allí.

Nacimiento

Título original: Birth. Dirección: Park Heung-sik. País: Corea del Sur. Año: 2022. Duración: 151 minutos. Género: Biografía. Drama. Histórico. Religión. Interpretación: Paul Battle, Foster Burden, Derek Chouinard, Robin Deiana, Thomas L. Frederiksen, Kim Ji-yeon, Kim Kang-woo, Yoon Kyung-Ho, Christian Larson, Alexander Morel, Yoon Si-yoon. Guion: Park Heung-sik. Distribuidora: Bosco Films. Estreno en España: 14 de febrero de 2024. Sinopsis: Retrato hagiográfico de Kim Tae-Gon, que tras bautizarse a los 15 años adquirió el nombre cristiano de Andrés. En torno al año 1845 le plantean convertirse en sacerdote, y aunque no había pensado en esta posibilidad, de alguna manera sabe que debe tomar ese camino, así que acepta enseguida. La monarquía del pais piensa en ese momento que el catolicismo está al servicio de los colonizadores occidentales, por lo que se persigue cruelmente a los conversos. Así las cosas viajar a Macao, entonces bajo dominio portugués, para asistir al seminario, junto a sus compañeros Choi Yang-eop y Choi Bang-je, resulta toda una aventura. Tras llegar a ser el primer sacerdote coreano, Tae-Gon se dedica a burlar a los soldados para encontrar caminos seguros por los que los misioneros puedan adentrarse en el país…

Sembrando sueños

Dirección: Alfonso Sánchez. País: España. Año: 2023. Duración: 75 minutos. Género: Documental. Literatura. Biográfico. Reparto: Documental. Alberto López, Carmen Canivell, Antonia Gómez.  Intervenciones: Santiago Segura, Arturo Pérez Reverte, José Mota, Alfonso Guerra. Guion: Ana Graciani. Música: Pablo Cervantes. Música: Pablo Cervantes. Fotografía: Elisa Moreno. Montaje: Carlos Crespo Arnold. Productora: Enciende Televisión SL. Estreno en España: 14 de febrero de 2024. Sinopsis: Este documental se sumerge en la valiosa contribución de Serafín y Joaquín Álvarez Quintero al teatro del siglo XX. A pesar de haber sido etiquetados en su época como exponentes de un teatro costumbrista y anticuado, es hora de reconocer y valorar su talento multifacético como poetas, narradores, periodistas, y, ante todo, dramaturgos. Una mirada fresca, sin prejuicios ni etiquetas, nos invita a redescubrir a los Quintero desde una perspectiva contemporánea. Serafín y Joaquín Álvarez Quintero crearon escuela, llenaron teatros en toda la geografía nacional y mostraron algunos de los aspectos más importantes de una sociedad que cambiaba de manera vertiginosa en la primera mitad del siglo XX.  Sin embargo, han sido etiquetados en muchas ocasiones como teatro costumbrista y anticuado. ‘Sembrando sueños’ ofrece una imagen diferente de los dos genios de la literatura con una mirada nueva, desde una perspectiva más acorde con nuestro presente, sin prejuicios y sin etiquetas.

Terapia de parejas

Dirección: Gaizka Urresti. País: España. Año: 2023. Duración: 101 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental. Rozalén, Marwán. Guion: Elisa Múgica. Producción: Elisa Múgica  Productora: Urresti Producciones. Distribuidora: Urresti Producciones. Estreno en España: 14 de febrero de 2024. Sinopsis: Los cantautores Rozalén y Marwan inician un viaje para intentar responder a la pregunta universal: ¿Qué es el amor? En este camino, cinco parejas reales reciben terapia durante seis meses para volver a encontrarse siguiendo los pasos de la primera investigación internacional en español sobre parejas que concluye científicamente que cuidar el amor mejora la salud mental. A través de este documental observacional y científico se descubrirán formas de hacer frente a los conflictos de pareja mediante TFE (Terapia Focalizada en las Emociones), modelo de intervención con un éxito entre el 70 y el 75%, desarrollado desde hace 25 años por Sue Johnson que utiliza de forma sistemática la teoría sobre la vinculación afectiva entre adultos. La première mundial se celebró en Teruel.

Boonie Bears: Regreso a la Tierra

Título original: Xiong chu mo: Chong fan di qiu. Dirección: Huida Lin. País: China. Año: 2022. Duración: 97 minutos. Género: Animación. Comedia. Infantil. Cine familiar. Secuela.  Reparto: Animación, Bingjun Zhang. Guion: Lin Jiang, Qin Wan, Rachel Xu. Música: Zhiping Li. Fotografía: Animación. Productora: Fantawild Animation. Distribuidora: Fantawild Animation.  Estreno en España: 14 de febrero de 2024. Sinopsis: Bramble, cuyo anhelo constante ha sido convertirse en un héroe, tendrá su oportunidad cuando un enigmático cubo se estrella desde el espacio. Para liberar el poder de su interior y desentrañar sus secretos, contará con la inesperada ayuda de un visitante del espacio, desencadenando una emocionante aventura llena de enigmas y mucha acción.