sábado, 27 de febrero de 2021

Hace 100 años: The Mistress of Shenstone

El 27 de febrero de 1921 se estrenó la película estadounidense The Mistress of Shenstone, dirigida por Henry King e interpretada por Pauline Frederick, Roy Stewart, Emmett King, Arthur Clayton, John Willink, Helen Wright, Rosa Gore, Helen Muir, Lydia Yeamans Titus. Productora: Robertson-Cole Pictures Corporation. Duración: 60 minutos.
Sinopsis argumentalLady Ingleby, sola mientras su marido está en el frente, recibe la noticia de su muerte debido a una orden involuntaria de uno de sus compañeros y se retira de luto a la costa de Cornualles. Allí conoce al joven Jim Airth, quien le salva la vida en la playa. Se desarrolla un romance, pero cuando se entera de que él es el hombre que dio la orden fatal, se separan. Más tarde, regresa a la costa y decide que no puede vivir sin él.
Comentario: Basada en la novela de 1910 de Florence L. Barclay, ha sobrevivido una copia en el archivo español, la Filmoteca de Cataluña. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXIV)

Un hombre y una mujer (Un homme et une femme, 1966), de Claude Lelouch

Anne es una joven viuda que tiene una hija pequeña y cuyo marido murió durante el rodaje de una escena peligrosa. Ella también trabaja en el mundo del cine. Jean-Louis Duroc es también un joven viudo que tiene un hijo de corta edad; es un hombre más bien triste e introvertido. Claude Lelouch fue un director que, a diferencia de sus compañeros de profesión en Francia, tendió a realizar un cine de marcado signo comercial. Su éxito más rotundo fue esta Un hombre y una mujer, una historia de amor que gustó tanto a los espectadores europeos como los americanos. Fruto de ello fue la Palma de Oro que recibió Lelouch al mejor director, y la obtención de dos Oscar por su film, el de mejor película de habla no inglesa y el de mejor guión original. 
Gran parte del buen recibimiento del film fue gracias a la música de Francis Lai y a la interpretación de la bella Anouk Aimée. Es notable su fotografía, calificada por la crítica como «exuberante» (Lelouch ya tenía experiencia realizando fotografía para publicidad), que ofrece frecuentes secuencias entre tomas a todo color, en blanco y negro, y otras con tonos de sepia, dependiendo del tema tratado en cada escena. Veinte años después, Lelouch intentó repetir el éxito conseguido en 1966, dirigiendo una segunda parte, 'Un hombre y una mujer: 20 años después, en el que los dos personajes volvían a reunirse y recordaban su antigua pasión. Sin embargo, la operación comercial quedó en un simple y curioso experimento. 

"El cine no sirve para nada": un sentido homenaje a un escandaloso Marco Ferreri (II)

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Por supuesto, lo llamaron misógino. En efecto, en La abeja reina (Una storia moderna - L'ape regina, 1963), Marina Vlady acaba matando sexualmente a su marido para poder tener  un hijo (ella no se responsabiliza de nada: ¡son el Estado y la Iglesia los que reclaman este crimen!). 
Y en Liza (La cagna, 1972), Catherine Deneuve mata al mejor amigo de su hombre - un perro - para tomar su lugar y lamer la mano que se le tiende… Pero, como escribe Gabriela Trujillo, “¿por qué tanto retrato cruel de la mujer? ¿Puede ser sospechoso de misoginia? Después de todo, en este cine que salva vidas porque sin moral, ninguna zorra se demora, ninguna víctima es aburrida, ninguna arpía permanece así por mucho tiempo, ninguna femme fatale sobrevive feliz a su víctima. De sus heroínas, el cineasta dijo: “No son mujeres, sino oráculos. Antes de agregar: “La mujer siempre ha tenido las llaves de nuestro futuro, pero el hombre hizo todo lo posible para que ella no lo supiera."
Y eso es lo que pinta: hombres perdidos, patéticos, abrumados. Que disfrutan sexualmente con un llavero (I Love You). Que se esfuman como las figuras en un incendio fuego de un museo de cera (Adiós al macho (Ciao maschio, 1978)). O están totalmente fuera de lugar en La última mujer (L'ultima donna, 1976), Gérard el tosco (interpretado por Depardieu el sutil) fulmina: "Entonces, para lograr la igualdad entre los sexos, ¿debemos separarnos?" Lo que hace, además, como un idiota. Consecuencia inmediata: sus aullidos de dolor despiertan a su bebé asustado y llorando ¡Qué burla: todo por eso!
Bestiario insensato
Cuando no se está castrando, el hombre de Ferreri se lanza de lleno por la ventana (Marcello Mastroianni en L'uomo dei cinque palloni (Break Up), 1965). Pero, recuerda Gabriela Trujillo, “es toda la genialidad de Ferreri continuar la narración abajo, en la calle, donde un hombre (breve aparición del actor Ugo Tognazzi) hecha pestes contra el suicida porque al aterrizar dañó su auto...” Decididamente, el hombre es un animal curioso. De ahí que, en la obra del cineasta, un demencial bestiario compuesto por perros, gatos, ratas, ranas, guepardos y gorilas...
¿Qué pensaría Ferreri de nuestro tiempo? ¿Del Covid-19? ¿De #MeToo? ¿Del calentamiento global? ¿De Donald Trump? ¿De Greta Thunberg? Patearía las camillas, provocaría inevitablemente polémica, provocaría nuevos escándalos. ¡Ah, lo extrañamos!

viernes, 26 de febrero de 2021

Efemérides de cine: La revolución de las ratas

El 26 de febrero de 1971 se estrenó la película estadounidense La revolución de las ratas (Willard), dirigida por Daniel Mann e interpretada por Bruce Davison, Elsa Lanchester, Ernest Borgnine, Sondra Locke, Michael Dante, Jody Gilbert, Joan Shawlee, William Hansen, J. Pat O'Malley, John Myhers. Productora: Bing Crosby Productions. Duración: 95 minutos. 
Sinopsis argumental: Willard Stiles es un malcriado de 27 años reprimido. En realidad es un chico extrovertido, pero se lo guarda todo en su interior e intenta aliviar la ansiedad mordiéndose las uñas. La vida de Willard no es fácil, cuando su padre murió, él y su madre Henrietta (Elsa Lanchester) acabaron convirtiéndose en esclavos de Al Martin (Ernest Borgnine), un hombre de negocios. Willard hierve por dentro, pero prefiere quedarse en casa haciéndose amigo de las ratas que están plagando la vivienda. Incluso llega a ponerles nombres como Ben o Sócrates. Pero cuando su madre muere todo cambia, Al matar a una de las ratas y le despide de su trabajo. Será entonces cuando Willard usará a sus amigas roedoras para tener su venganza...
Comentario: Pequeña película de culto dentro del género de terror que tuvo una secuela en Ben (1972) y un remake de mismo título original, Willard, en el 2003. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Querido profesor

El 26 de febrero de 1971 se estrenó la película estadounidense Querido profesor (Pretty Maids All in a Row), dirigida por Roger Vadim e interpretada por Rock Hudson, Angie Dickinson, Telly Savalas, John David Carson, Roddy McDowall, William Campbell, Keenan Wynn. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 92 minutos. 
Sinopsis argumental: Michael McDrew es un profesor de instituto muy respetado por sus alumnos, los cuales no dudan en pedirle consejo siempre que lo necesitan. Michael se aprovecha de esta situación y empieza a mantener relaciones sexuales con algunas de sus pupilas. Entonces, unos misteriosos asesinatos empiezan a sucederse en el instituto; las víctimas siempre son jovencitas. El inspector Sam Surcher llega para investigar el caso.
ComentarioComedia negra producida por Gene Roddenberg, el creador de Star Trek. Para su director, el francés Roger Vadim, supuso su primera experiencia americana. Para ello contó con actores de la talla de Rock Hudson que, aunque en los años 1970 estaba acomodado en las series de televisión, todavía protagonizaba algunas películas, Angie Dickinson, y Telly Savalas interpretando al detective, un papel que anticipaba a su famoso Kojak. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

"El cine no sirve para nada": un sentido homenaje a un escandaloso Marco Ferreri (I)

Brillante ay apasionante estudio sobre Marco Ferreri firmado por Gabriela Trujillo, Marco Ferreri: Le cinéma ne sert à rien, (Capricci Editions, 2021), nos ofrece la ocasión para volver sobre el verbo panfletario, la filosofía incendiaria y las múltiples provocaciones del más iconoclasta de los cineastas italianos. 
Durante mucho tiempo, desde su muerte en 1997, para ser sincero, Marco Ferreri ha estado en el purgatorio. Ya no vemos sus películas, los más jóvenes no conocen su nombre... Pero nada es sorprendente: desde la Antigüedad, nos hemos deshecho de los portadores de malas noticias. Y como mensajero de lo peor, no podríamos hacerlo mejor que este cineasta regordete y barbudo, cínico por la lucidez, provocador por la necesidad, al que Gabriela Trujillo rinde homenaje en un libro con el sobretítulo irónico: El cine es inútil. Estudio emocionante, brillante e inteligente. Calidad suprema: es legible, completamente desprovisto del preciosismo jerárquico que abarrota muchos ensayos cinematográficos.
Ferreri es menos un director (sus películas son formalmente imprecisas, si no francamente descuidadas) que un panfletario. Un filósofo, más exactamente, un sociólogo que obstinadamente y con tristeza -porque nunca se regocija con lo que muestra- vería los vicios y las hipocresías del mundo. Y no va de la mano. La delicadeza, no le importa. La sutileza tampoco. Golpea fuerte, presiona donde duele y se revuelve profundamente en heridas abiertas. De ahí los gritos de dolor - y resentimiento - de sus víctimas. Quienes se convierten, necesariamente muy rápidamente, en detractores, adversarios, incluso enemigos jurados...
La cara oculta de los Treinta (Años) Gloriosos
El público del Festival de Cine de Cannes de 1973, con la presidenta del jurado, Ingrid Bergman, a la cabeza, grita de rabia y desesperación frente a La gran comilona (La Grande Bouffe), fábula terrenal, melancólica y escatológica, donde hombres de clase media sin aliento en sus cincuenta años se aprovechan del lema general - “¡Consume! »- para suicidarse colectivamente por medio de la comida. Nadie se ha atrevido a denunciar con tanta crueldad los días decepcionantes, el rostro oculto de las Treinta (Años) Gloriosos... Los insultos y anatemas dirigidos contra el cineasta, no paran. 
Unos años más tarde, en Los negros también comen (Come sono buoni i bianchi, 1988), bromeó sobre ciertas ONGs humanitarias cuyos miembros acaban siendo devorados por las mismas personas a las que querían ayudar (la antropofagia es un tema recurrente en su obra. 
En La carne (1991), comedia de amor, sexo y antropofagia... Tras colaborar en España con Rafael Azcona y rodar su película más destacada, La grande comilona, Ferreri resume la mayoría de los temas y obsesiones que lo han hecho famoso en esta atrevida síntesis que llega a tocar, incluso, el canibalismo. Con este tipo de propuestas, no es extraño que el cineasta tuviera habitualmente problemas para la distribución de sus películas.
Y mucho antes que Spike Jonze en Her (2013), imagina, en I Love You (1986), a un hombre, cansado del deseo que despierta, repentinamente, enamorado de un llavero con cabeza de mujer que susurra incansablemente las tres palabras que solo necesita escuchar para llenar su vida.
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jueves, 25 de febrero de 2021

Películas de la semana: 26 de febrero (II)

Pequeños detalles 

Título originalThe Little ThingsDirección: John Lee Hancock. PaísEstados Unidos Año: 2021. Duración: 127 minutos. Género: Thriller. Policíaco. Interpretación: Denzel Washington, Rami Malek, Jared Leto, Sofia Vassilieva, Natalie Morales, Terry Kinney, Michael Hyatt, Kerry O'Malley, Sheila Houlahan, Joris Jarsky, Dimiter D. Marinov, Jason James Richter, Isabel Arraiza, Stephanie Erb, Samantha Cormier, Tom Hughes, Chris Bauer, John Kim, Patricia Mizen. Guion: John Lee Hancock. Música: Thomas Newman. Fotografía: John Schwartzman. ProductoraWarner Bros. Distribuidora: Warner Bros. Estreno en España: 26 de febrero de 2021. SinopsisLa película, escrita por Hancock, se centra en Deke (Washington), un sheriff adjunto del condado de Kern, California, que se une a Baxter (Malek), un detective de LASD, para atrapar a un asesino en serie. La nariz de Deke para las "pequeñas cosas" resulta inquietantemente precisa, pero su disposición a eludir las reglas envuelve a Baxter en un dilema que destroza el alma. Mientras tanto, Deke debe luchar con un oscuro secreto de su pasado. Esta obra está dirigida por John Lee Hancock, a quien también nos encontramos en el apartado de guion, y por lo que hemos visto en la sinopsis, cuenta con varias estrellas de renombre en el elenco principal. Entre ellas podemos encontrar a Denzel Washington, actor muy conocido que ha protagonizado películas como Raíces, El vuelo o The Equalizer, entre muchas otras. Vemos también a otra estrella más actual como es Rami Malek, quien ganó el Oscar hace un año por su interpretación en Bohemian Rhapsod' y a Jared Leto, un artista también reconocido mundialmente. Se trata de un thriller de carácter policial que buscará que nos enganchemos con su trama. Una producción de Warner Bros que actualmente se encuentra en estado de postproducción y que, aunque de momento no hemos podido ver tráiler o imágenes oficiales, se espera que se estrene para principios del próximo año.

Dating Amber

Dirección: David Freyne. País: Irlanda. Año: 2020. Duración: 92 minutos. Género: Drama. Comedia. Amistad. Homosexualidad. Años 1980. Interpretación: Fionn O'Shea, Lola Petticrew, Sharon Horgan, Barry Ward, Simone Kirby, Evan O'Connor, Ian O'Reilly, Emma Willis, Anastasia Blake, Lauryn Canny, Shaun Dunne, Adam Carolan, Peter Campion, Ally Ni Chiarain, Tara Flynn, Arian Nik, Andrew Bennett, Karl Rice, Shauna Higgins, Dillon Potter Stapleton, Hannah O'Reilly. Guion: David Freyne. Fotografía: Ruairi O'Brien. Productora: Atomic 80/Tilted Pictures. Distribuidora: Amazon Prime Video. Estreno en España: 26 de febrero de 2021. Sinopsis: Ambientada en Irlanda en los años 90, un chico y una chica aparentan ser pareja para acallar los rumores sobre su orientación sexual que circulan por el instituto. Estos dos adolescentes que viven en una población que no les acepta como son y solo sueñan con escapar de allí para empezar a ser ellos mismos. Eddie está ansioso por entrar en el ejército como su padre y Amber quiere mudarse al centro liberal de Londres.

El diablo entre las piernas

Dirección: Arturo Ripstein. País: México. Año: 2019. Duración: 147 minutos. Género: Drama. Vejez. Madurez. Celos. Blanco y negro. Interpretación: Silvia Pasquel, Alejandro Suárez, Greta Cervantes, Daniel Giménez Cacho, Erando González, Patricia Reyes Spíndola, Mar Carrera, Roberto Fiesco. Guion: Paz Alicia Garciadiego. Música: David Mansfield. Fotografía: Alejandro Cantú. Productora: Alebrije Cine y Video/Oberon Films. Premios y nominaciones:  Festival de Málaga: Mejor dirección. Estreno en España: 26 de febrero de 2021. Sinopsis: Todos los días Beatriz es víctima de insultos, vejaciones y humillaciones por parte de su celoso esposo, pero no huye de su lado porque han creado una codependencia y, al menos ella, no concebiría su vida de otra manera. La mujer, a fuerza de sentirse vejada, se siente deseada y sobre todo deseable. Quiere comprobarlo. Por ello una noche sale de casa sin rumbo alguno con un solo propósito: sexo. Su regreso a casa desata la hecatombe.

Del inconveniente de haber nacido

Título original: The Trouble with Being Born. Dirección: Sandra Wollner. País: Austria. Año: 2020. Duración: 94 minutos. Género: Ciencia-ficción. Drama. Robots. Interpretación: Jana McKinnon, Ingrid Burkhard, Dominik Warta, Lena Watson, Susanne Gschwendtner. Guion: Sandra Wollner, Roderick Warich. Música: David Schweighart, Peter Kutin. Fotografía: Timm Kröger. Productora: Co-production Austria-Alemania; Panama Film. Estreno en España: 26 de febrero de 2021. Sinopsis: Elli es una androide y vive con un hombre al que llama padre. Es capaz de rememorar vacaciones y cualquier otra cosa que él programe para que ella recuerde. Durante el día se dejan llevar por el verano y por la noche él la lleva a la cama. Diseñada para asemejarse a uno de sus recuerdos, realmente parece estar viva, a veces incluso parece soñar, y sin embargo no deja de ser un robot, un contenedor para unos recuerdos que lo son todo para él y nada para ella. Esta es la historia de una máquina y de los fantasmas que todos llevamos en nuestro interior.

Los libreros de Nueva York

Título original: The Booksellers. Dirección: D.W. Young. País: Estados Unidos. Año: 2019. Duración: 99 minutos. Género: Documental. Literatura. Reparto: Documental, (intervenciones de: Fran Lebowitz, Rebecca Romney, Susan Orlean, Gay Talese, Nancy Bass Wyden, Nicholas D. Lowry, Zack Hample, Rob Warren Thomas, Stephen Massey, Saúl Roll, John Wronoski, Ed Maggs, William Reese, Naomi Hample, Erik DuRon, Dennis M. David, Syreeta Gates, Jess Kuronen, Michael Zinman, Sunday Steinkirchner, Henry Wessells, Jay Walker, Tom Lecky, James Cummins, Justin Schiller, Judith Lowry, William Noel, Arthur Fournier, Bibi Mohamed, Ben Lowry, Caroline Schimmel, Susan Benne, Lizzy Young, Adam Weinberger, Cara Schlesinger, Glenn Horowitz, Justin Croft, Regan Kladstrup, Heather O'Donnell, David Bergman, Jim Cummins, Chris Wolfe, Terry Halladay, Adina Cohen). Música: David Ullmann. Fotografía: Peter Bolte. Productora: Blackletter Films. Sinopsis: Un vistazo a los pormenores del extraño mundo neoyorkino del libro.

¿Dónde está Mikel?

Título original: Non Dago Mikel? Dirección: Miguel Angel Llamas, Amaia Merino. País: España. Año: 2020. Duración: 80 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental. Guion: Miguel Angel Llamas, Amaia Merino. Música: Gorka Pastor. Productora: IZAR Films. Distribuidora: Atera Fulms.  Estreno en España: 26 de febrero de 2021. Sinopsis: Noviembre de 1985. Mikel Zabalza, un joven conductor de autobús, es detenido junto a otras personas por la Guardia Civil en el marco de una operación antiterrorista. Cuando el resto de los jóvenes son liberados, denuncian haber sido salvajemente torturados. Pero falta Mikel. Las autoridades alegan que se ha fugado y mientras las esperanzas de encontrarlo vivo se van desvaneciendo, las calles del País Vasco arden con un grito: "¿Dónde está Mikel?" .La película, que cuenta con la participación de EITB, muestra testimonios del entorno de Zabalza y gente cercana al caso, y el jurado del Festival de San Sebastián destacó “la labor realizada para recoger a través de imágenes de archivo temibles y repetidas vulneraciones de derechos humanos”.

El caracol y la ballena

Título original: The Snail and the Whale. Dirección: Max Lang, Daniel Snaddon. País: Reino Unido. Año: 2019. Duración: 26 minutos. Reparto: Animación. Género: Animación. Aventuras. Cortometraje. Animales. Guion: Max Lang, Suzanne Lang (Libro: Julia Donaldson, Axel Scheffler). Música: René Aubry. Fotografía: Animación. Productora: Magic Light Pictures/ZDF. Estreno en España: 26 de febrero de 2021. Sinopsis: Con espíritu inquieto y ganas de descubrir mundo, un pequeño caracol se embarca en un viaje, a la cola de una ballena jorobada, a través de los mares. Pero un día, la ballena pierde el rumbo y termina varada en una bahía aislada. ¿Cómo hará el pequeño caracol para rescatarla? La historia de una amistad improbable que recorre los lugares más sorprendentes y mágicos del mundo submarino. De los productores de películas como El Grúfalo y La rata pirata, llega esta nueva aventura acompañada de tres cortometrajes tocados por el poder del mar.

Películas de la semana: 26 de febrero (I)

Millennium Actress 

Título original: Sennen Joyû.  Dirección: Satoshi Kon. País: Japón. Año: 2001. Duración: 87 minutos. Género: Animación. Fantástico. Romance. Drama. Melodrama. Cine dentro del cine. Animación para adultos. Película de culto. Reparto: Animación. Guion: Satoshi Kon, Sadayuki Murai. Música: Susumu Hirasawa. Fotografía: Animación, Hisao Shirai. Productora: Bandai Visual/Chiyoko Commitee/Madhouse/Works WoWow/Genco. Reestreno en España: 26 de febrero de 2021 (remasterizada en calidad 4K). Sinopsis: Hace treinta años, Chiyoko Fujiwara fue la estrella más importante del cine japonés, pero, de repente, desapareció. Uno de sus mayores admiradores, el realizador de documentales Genya Tachibana, viaja hasta el apartado refugio de montaña en el que vive para entrevistarla. Una vez allí, entrega a su ídolo de juventud una vieja llave que encontró entre los restos de su antiguo estudio. Como si la llave hubiera abierto las puertas de su memoria, Chiyoko comienza a recordar la historia de su vida. De esta forma, viaja desde el remoto pasado hasta el distante futuro a través de mil años, traspasando la frontera que separa la realidad de las películas que han formado gran parte de su vida...

El cine del siglo XXI, veinte años ya: De "Boys Don't Cry" a "Little Girl", el cine ha cambiado de género (V)

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21.- Lovely Man (2011), de Teddy Soeriaatmadja
La película tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Busan 2011 con críticas positivas en la sección "A Window on Asian Cinema". Donny Damara interpreta el papel protagónico de Syaiful / Ipuy, una mujer transgénero en Yakarta. La actriz Raihaanun interpreta el papel protagonista femenino como Cahaya, la hija de 19 años perdida de Syaiful que viene a la ciudad a buscarlo y descubre que su padre es una mujer transgénero.
22.- Carla (2011), de Eli Hershko
Carla es una mujer trans que sufre la oposición de su familia cuando termina su transición. Al mismo tiempo, se enamora de Sam, un hombre que parece amarla por lo que es. Sin embargo, cuando Carla finalmente obtiene los medios para completar su transición, Sam comienza a cuestionar su relación. Ahora, Carla debe elegir entre ser ella misma y vivir una mentira por el hombre que ama.
23.- Mía (2011), de Javier Van De Couter
Esta película resulta el debut en largometrajes de su director: Javier Van de Couter. Eso no le ha impedido conseguir varios premios internacionales, especialmente en los centrados en el mundo LGBT, como el Puerto Rico Queer Film Festival o el festival Chéries Chéris, en París. Aún partiendo de un guión original, este largometraje no era la idea original de Van de Couter, que pretendía hacer un documental. Su intención primera era relatar la historia de un asentamiento real de transexuales que existía en Argentina en los años 1990, llamado La aldea rosa. Pero al haber sido desalojados sus habitantes, no pudo llevar a cabo el proyecto como tal, decantándose por una ficción construida a partir de una historia que le relató un religioso.
24.- Tomboy (2011), de Céline Sciamma
Segundo largometraje de la realizadora francesa Céline Sciamma. Si en su cinta debut, Naissance des pieuvres, la cineasta hablaba sobre la adolescencia con una atracción lésbica como eje central, en Tomboy Sciamma aborda la indefinición de género durante el paso de la infancia a la edad adulta, así como también denuncia los arquetipos sociales estipulados. El resultado final es una película delicada y conmovedora, que huye del morbo y del dramatismo, y que incluso se ve impregnada algunas de sus escenas con ciertos toques de humor. La cinta está protagonizada por la brillante Zoé Héran, en el que es su estreno en la gran pantalla. La acompañan las también jóvenes debutantes Malonn Lévana y Jeanne Disson. Entre el elenco adulto, destaca la presencia de Sophie Cattani y Mathieu Demy como los padres de la pequeña.
25.- Romeos (2011), de Sabine Bernardi
Lukas es un veinteañero transgénero. Entusiasta con la vida que le aguarda en la gran ciudad, se encuentra con un problema: es seleccionado para un servicio comunitario y será el único hombre de una residencia de mujeres. Lo que sería un sueño para cualquier chico es un problema que le provoca mucha ansiedad. Afortunadamente, su mejor amiga Ine le ayuda introduciéndole en la escena homosexual de Colonia. Lukas vive su primer ligue con el atrevido y atractivo Fabio, que representa todo lo que él anhela: confianza en uno mismo y masculinidad. Lukas, cuyos atributos de mujer siguen sin haber sido alterados, se verá ante el dilema de compartir sus deseos con Fabio.
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miércoles, 24 de febrero de 2021

Efemérides de cine: Juventud sin esperanza

El 24 de febrero de 1971 se estrenó la película estadounidense Juventud sin esperanza (Taking Off), dirigida por Milos Forman e interpretada por Lynn Carlin, Buck Henry, Georgia Engel, Tony Harvey, Audra Lindley, Paul Benedict, Vincent Schiavelli, David Gittler, Ike Turner, Tina Turner, Linnea Heacock, Rae Allen. Productora: Forman Production/Crown-Hausman/Renn Productions. Duración: 93 minutos.
Sinopsis argumental: Incapaz de relacionarse con su padre Jeannie Tyne se escapa de casa. Sus padres, Larry y Lyne, crean un dispositivo de búsqueda para encontrar a su hija. En el proceso, el matrimonio conoce a numerosas parejas cuyos hijos también se han ido de casa. Con sus hijos desaparecidos, los padres optan por cancelar y la búsqueda y redescubrir la parte más gamberra de la vida.
Nominaciones y premios:  Cannes: Gran Premio del Jurado. Nominada a la Palma de Oro; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión original comedia; Premios BAFTA: 6 nominaciones, incluida mejor película, mejor director y guión.
ComentarioUna de las primeras películas en inglés del celebrado director checo Milos Forman, poco antes de ganar su primer Oscar por Alguien voló sobre el nido del cuco. Pese a tratarse de una comedia ligera, el filme hace un retrato agridulce de la clase media estadounidense con el que obtuvo seis nominaciones a los premios BAFTA y el gran premio del jurado en el festival de Cannes. Forman volvió a colaborar con su director de fotografía habitual, el también checo Miroslav Ondrícek, con el que ya había trabajado en numerosas producciones en su país y volvería a hacerlo en Hair y Amadeus, entre otras. Con una estructura narrativa poco habitual, la cinta intercala las historias particulares de los protagonistas con pequeños interludios musicales, entre los que destaca una breve pero intensa actuación de una todavía desconocida Kathy Bates (acreditada como Bobo Bates) y un buen número de escenas rodadas durante un concierto de Ike y Tina Turner, que también aparecen en la película. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

martes, 23 de febrero de 2021

Cumplió 25 años: Trainspotting

El 23 de febrero de 1996 se estrenó la película británica Trainspotting, dirigida por Danny Boyle con Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, Kelly MacDonald, Peter Mullan, James Cosmo, Eileen Nicholas, Susan Vidler, Pauline Lynch. Productora: Film4 Productions/Figment Film/The Noel Gay Motion Picture Company. Duración: 90 minutos. 
Sinopsis argumentalMark Renton, un joven escocés de Edimburgo, y sus amigos son adictos a la heroína, lo que significa que viven fuera de la realidad, en un mundo aparte. Dentro del grupo hay un psicópata alcohólico y violento, un joven desesperado, un mujeriego con un conocimiento enciclopédico sobre Sean Connery y un entusiasta de las caminatas y de Iggy Pop. 
Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: mejor guión adaptado; Premios BAFTA: Mejor guión adaptado. Nominada a mejor film británico; Satellite Awards: 3 nominaciones incluyendo mejor película drama; Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera; Asociación Críticos de Chicago: Nominada a mejor guión y actor revelación (McGregor); Asociación de Críticos de Boston: Mejor película. 2 nominaciones.
Comentario: Basada en la novela homónima escrita por Irvine Welsh. Es, junto Drugstore Cowboy (1989), la película más veraz realizada sobre el mundo de las drogas. Tiene una secuela llamada T2: Trainspotting, estrenada en 2017.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXIII)

Who Wants to Kill Jessie? (Kdo chce zabít Jessii?, 1966), de Václav Vorlícek

"¿Qué pasaría si alguien tuviese un sueño absurdo y sus visiones saliesen a la calle?”, pregunta un científico a Rose, una investigadora que descubre una manera de crear sueños beneficiosos (para producir trabajadores contentos y productivos). Surge un problema: después de una inyección de su elixir, hay elementos de los sueños que se hacen reales. Rose se da cuenta después de darle una dosis a Henry, su marido, para que deje de soñar con Jessie, una heroína sensual de cómics que tiene guantes antigravitatorios que él necesita para estudiar la forma de resolver un problema en la fábrica de la que es el ingeniero jefe. Henry se despierta con Jessie dormida a su lado perseguida por un cow-boy y un súper héroe. Los celos consumen a Rose.
 Otra de las películas pertenecientes a la nueva ola checa que en aquellos años se rebelaba contra el sistema político. A diferencia de otros ejemplos de la época, esta obra de Václav Vorlícek apuesta por un tono de comedia fantástica que, a primera vista, no tiene nada que ver con su contexto político. La película combina muy hábilmente recursos del mundo del cómic con la película, como esos bocadillos de diálogo con que los personajes de cómic se comunican al resto y el tipo de situaciones absurdas en que se ven envueltos (incluyendo escalar edificios, destrozar paredes, etc.). De esta manera el propio estilo del film barre con las propias limitaciones realistas que se autoimponen las películas haciendo que todo sea posible.

El cine del siglo XXI, veinte años ya: De "Boys Don't Cry" a "Little Girl", el cine ha cambiado de género (IV)

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16.- Morir como un hombre (Morrer Como Um Homem, 2009), de Joao Pedro Rodrigues
Una noche oscura, en plena guerra, un joven soldado deserta. Tonia, toda una estrella de los espectáculos de travestis en Lisboa, ve cómo sus días de gloria se desvanecen ante la imbatible competencia de las artistas más jóvenes. Mientras su joven novio Rosário la presiona para que se someta a la operación de cambio de sexo, Tonia lucha contra sus creencias religiosas más íntimas. Si cede a los deseos de Rosário de convertirse en mujer, sabe que delante de Dios nunca podrá hacerlo. Y su hijo, al que abandonó siendo un niño, acaba de desertar y va en su búsqueda.El portugués Joao Pedro Rodrigues se consagró a ojos de la crítica de cine internacional con este melodrama trans, a medio camino entre Almodóvar y Fassbinder, que participó en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes.
17.- Life Is Hot in Cracktown (2009), de Buddy Giovinazzo
Cuatro historias que reflejan la lucha por la supervivencia de algunas personas en medio de un ambiente hostil y marcado por las drogas. Marybeth (Kerry Washington) es una transexual que se prostituye para conseguir el dinero necesario para someterse a la operación que la convertirá definitivamente en mujer. El fin último es casarse con su novio Benny (Desmond Harrington). Mientras Manny (Victor Rasuk) pasa el día fuera de casa trabajando, su mujer Concetta (Shannyn Sossamon) cuida del hijo de ambos, que está enfermo, en su pobre apartamento. Por la noche, Manny trabaja en un local frecuentado por drogadictos, traficantes de droga y prostitutas, y, durante el día, como guardia de seguridad en un hotel. Un huésped de ese hotel es Willy (Ridge Canipe), un niño de diez años que vive con su madre (Illeana Douglas) y su prepotente novio. Willy pide limosna en la calle para conseguir comida para él y su amiga Suzie (Ariel Winter). Pero la calle es muy peligrosa, porque el voluble gángster Romeo (Evan Ross) sigue buscando al asesino de su hermano y no duda en aterrorizar a cualquiera que se cruce en su camino. 
18.- Ticked-Off Trannies with Knives (2010), de Israel Luna
Un grupo de transexuales son violentamente golpeados y dados por muerto. Las damas sobrevivientes recuperan la conciencia, la confianza y el coraje dispuestas a buscar venganza contra los que los atacaron. La película se divide en cinco capítulos, uno de los cuales se ha perdido. La película generó controversia cuando fue programada en el Festival de Cine de Tribeca de 2010. La Alianza de Gays y Lesbianas contra la Difamación (GLAAD) condenó la película por lo que llamó una representación negativa de las personas transgénero.
19.- Insects in the Backyard (2010), de Tanwarin Sukkhapisit
En ausencia de sus padres, Johnny, de 15 años, y Jennifer, de 17, están al cuidado de su "hermana mayor" Tanya, un travesti que va siempre demasiado arreglado y que come y fuma demasiado, causando continuamente situaciones embarazosas a los chicos. Largometraje debut de Tanwarin, como director, escritor y estrella, explora esos problemas con una gran determinación.
20.- Gun Hill Road (2011), de Rashaad Ernesto Green
Un exconvicto regrese a su casa en el Bronx, después de tres años en la prisión. Una vez en su hogar descubre que el comportamiento de su mujer y el de su hijo adolescente, que está sufriendo una transformación sexual, pondrá a prueba los frágiles lazos que le unen a su familia. El título de la película se deriva de una calle del Bronx del mismo nombre. La película se destaca porque la protagonista es interpretado por una persona transgénero, Harmony Santana, quien fue la primera actriz abiertamente transgénero en ser nominada para un premio Independent Spirit. 
(cont.)

lunes, 22 de febrero de 2021

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXII)

Persona (1966), de Ingmar Bergman

Elisabeth (Liv Ullmann), una célebre actriz de teatro, es hospitalizada tras perder la voz durante una representación de "Electra". Después de ser sometida a una serie de pruebas, el diagnóstico es bueno. Sin embargo, como sigue sin hablar, debe permanecer en la clínica. Alma (Bibi Andersson), la enfermera encargada de cuidarla, intenta romper su mutismo hablándole sin parar
. Una de las películas favoritas de su director. Postmoderna con dosis de surrealismo y onirismo, se trata de un drama experimental que utiliza una ambigua relación enfermera-paciente en contraste y complemento para tratar temas sobre comunicación, psicoanálisis, trauma e identidad. Abundan los primeros planos en una imaginería compleja que fusiona las personalidades de sus dos protagonistas con originalidad, poética e intensidad. Persona ha sido objeto de considerables análisis, interpretaciones y debates. La película, que aborda temas como la dualidad, la locura y la identidad personal, ha sido interpretada como una representación de la teoría junguiana de la persona y explora el cine, el lesbianismo, la maternidad, o el aborto, entre otros. El estilo experimental de su prólogo y su narración también han sido objeto de discusión. La enigmática película ha sido llamada el Monte Everest del análisis cinematográfico; según el historiador de Peter Cowie, "Todo lo que uno dice sobre Persona puede ser contradicho; lo contrario también será cierto. Película esencial de su autor. Recibió los premios a mejor película y mejor actriz (Bibi Anderson) en los Premios Guldbagge (Suecia) y una nominación a la mejor actriz extranjera (Bibi Anderson).

Flora y Ulises en Disney +: una comedia de superhéroes a la que no le falta elegancia

Una linda ardilla con poderes extraordinarios llega a la vida de una niña intrépida pero preocupada... Adaptada de una novela infantil de Kate DiCamillo, esta tierna y divertida aventura se desarrolla a  un ritmo enérgico y un universo colorido.La película está dirigida por Lena Khan. A partir de 6 años.
Una buena historia de superhéroes a menudo comienza con un accidente con consecuencias imprevistas. Cuando descubre que una aspiradora de jardín se ha tragado una ardilla, Flora, de 10 años, no tiene más remedio que darle a la pobrecita sciurido un masaje cardíaco y la respiración boca a boca. Se comprende de inmediato que entre estas dos, la relación será sólida.
Adaptada de la novela infantil de Kate DiCamillo, The Luminous Adventures of Flora & Ulysses, esta refrescante comedia familiar, disponible en Disney +, a partir del 19 de febrero, presenta a dos personajes con perfiles muy diferentes: una niña de 10 años, fanática de los cómics y superhéroes. (incluso se cruza con algunos en su vida diaria), pero esa separación y las preocupaciones profesionales de sus padres artistas la ponen melancólica, y esta linda ardilla que da vueltas con elegancia en la vida de la niña.

Jardines de piedra, de Francis Ford Coppola, una película para redescubrir (II)

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Durante el prólogo, un ruido parásito perturba el orden de la ceremonia. Los sonidos de los helicópteros y las comunicaciones de primera línea hacen eco de Apocalypse Now a través de las tumbas de Arlington. Estrenada casi al mismo tiempo que Platoon, de Oliver Stone, y La chaqueta metálica, de Stanley Kubrick, Jardines de piedra es otra película sobre el desastre de Vietnam, pero muy alejada de la gran saga caótica de Coppola. Adaptada de una novela de Nicholas Proffitt, hijo de un soldado de carrera, se adhiere de manera íntima, casi silenciosa, a la vida cotidiana de la “vieja guardia”, un batallón que veía la guerra sin librarla, enteramente dedicado a la perfecta ejecución de los ritos que acompañan al regreso de los héroes caídos del campo de batalla. El entrenamiento es severo, la disciplina férrea, el compañerismo sujeto a las leyes del infierno, pero los rifles están cargados de balas de fogueo y el idealismo choca con los contornos bucólicos de un entorno inmutable. “Somos los soldados de opereta de la nación”, dijo uno de los protagonistas.
 James Earl Jones y James Caan
En este absurdo y magnífico teatro atormentado por la violencia y la muerte, Coppola filma la iniciación de un joven soldado inocente por un soldado atormentado por la experiencia. Para este papel de padre putativo, el cineasta se reencuentra con James Caan, quien retiene con conmovedora fuerza la virulencia que ofreció en el Padrino. Su personaje está atrapado en el ejército, por el que lo daría todo, pero que no lo lleva a ninguna parte, y menos a esta guerra tan inútil donde "no hay nada que ganar". Gira sobre sí mismo en un drama doméstico que no ofrece una oportunidad de fuga. En su difícil romance con la bella Anjelica Huston, una periodista pacifista, en la brutalidad de los ritos de aprendizaje, en las reyertas de soldados borrachos, la pasión está en todas partes, pero está contenida, contenida y enmarcada. La puesta en escena suntuosa y seria apenas deja que el drama se instale y el dolor aflore. Todo está dicho desde el principio sobre la trayectoria de estos héroes que salen a puerta cerrada: la guerra es una prueba formativa, pero de la que nunca volvemos.
Coppola en todas sus formas
Después del bombazo de Apocalypse Now, la década de 1980 ofreció a Francis Ford Coppola un paseo en montaña rusa. Sus ambiciones en Hollywood se hacen añicos rápidamente con el hundimiento de un estudio electrónico (también) adelantado a su tiempo y el fracaso de un musical, Corazonada (One Front  the Heart, 1981), que lo deja arruinado. Las películas por encargo se suceden y, a pesar del apoyo de la crítica a Rebeldes (The Outsiders, 1983) o a La ley de la calle (Rumble Fish, 1983) (menos para Cotton Club (1984)), el éxito parece escapársele. En 1986, es una asombrosa fábula retro, Peggy Sue se casó (Peggy Sue Got Married), la que (momentáneamente) saca a flote al director, con éxito de taquilla y nominaciones al Oscar.
Kathleen Turner, una madre desencantada, regresa allí para visitar los tonos pastel de su adolescencia; Noémie Lvovsky se inspiraría más tarde en el redoblamiento de Camille. Al igual que Gardens of Stone, Peggy Sue se casó hoy y será redescubierta en una brillante edición que destaca la maestría de un monstruo cinematográfico. 

domingo, 21 de febrero de 2021

Cumplió 25 años: Ladrón que roba a otro ladrón

El 21 de febrero de 1996 se estrenó la película Ladrón que roba a otro ladrón (Bottle Rocket), dirigida por Wes Anderson e interpretada por Luke Wilson, Owen Wilson, Robert Musgrave, Lumi Cavazos,James Caan, Andrew Wilson, Donny Caicedo, Jim Ponds, Kumar Pallana. Productora: Columbia Pictures/Gracie Films. Duración: 91 minutos. 
Sinopsis argumentalDignan (Owen Wilson) y su compañero Anthony (Luke Wilson), recién salidos del manicomio donde ingresaron voluntariamente, deciden seguir por la senda del delito. Con la ayuda de su amigo Bob, que debe ayudarles a escapar, puesto que es el único que sabe conducir, intentarán cometer algunos atracos para llamar la atención de un jefe mafioso (James Caan). 
Nominaciones y premiosLos Angeles Film Critics: Premio Nueva Generación.
ComentarioDebut tras las cámaras de Wes Anderson, el ahora conocido realizador de Los Tenenbaum y The Life Aquatic, que, tras un corto titulado Bottle Rocket, consiguió financiación por parte de la Columbia para trasladar su historia al ámbito del largometraje. Para ello, contó con el protagonismo de los hermanos Luke y Owen Wilson, dos actores emergentes en el Hollywood de los años 1990. La película obtuvo un buen recibimiento por parte del público estadounidense, consiguiendo ganar algunos premios independientes, sin embargo, no llegó a estrenarse en las pantallas españolas, por lo que ésta es una buena ocasión para verla.

Efemérides de cine: La mansión de los crímenes

El 21 de febrero de 1971 se estrenó la película británica La mansión de los crímenes (The House That Dripped Blood), dirigida por Peter Duffell e interpretada por Peter Cushing, Denholm Elliott, Jon Pertwee, Christopher Lee, Joss Ackland,Nyree Dawn Porter, Ingrid Pitt, Joanna Dunham, John Bennett, Tom Adams, Geoffrey Bayldon, Chloe Franks. Productora: Amicus Productions. Duración: 102 minutos.
Sinopsis argumentalNarra 4 cuentos de terror relacionados por una vieja y fantasmal mansión en la que se realiza una investigación policial para esclarecer ciertas desapariciones. Escritos en tono paródico por Robert Bloch. 1) Method for Murder: Un escritor conjura desde su imaginación a un estrangulador y cual es su sorpresa cuando nota que el criminal ha tomado vida real. 2) Waxworks: Un hombre solitario visita un museo de cera y ve una figura que le recuerda a una mujer que amó en el pasado. El dueño de la exhibición es, además, un psicópata que va por ahí blandiendo su hacha... 3) Sweets to the Sweets: Un hombre tiene una hija con "problemas", y la nueva institutriz descubre que sus dificultades vienen acarreadas por la afición de la chica a la magia negra, especialmente a su nuevo muñeco vudú, hecho a imagen y semejanza del padre. 4) The Cloak: Un pedante actor compra una capa para interpretar el papel de un vampiro, pero como la capa era de un vampiro verdadero, su propia conducta se ve afectada.
ComentarioRobert Bloch, autor de la novela Psicosis adaptada de forma magnífica al cine por Alfred Hitchcock, es el guionista de esta irregular cinta de intriga, terror y humor dividida en cuatro episodios vinculados a la estancia en una casa encantada. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Jardines de piedra, de Francis Ford Coppola, una película para redescubrir (I)

El desastre de la guerra de Vietnam visto desde el cementerio de Arlington. Estrenada en 1987, esta película poderosamente melancólica, sobre el ritual militar y el dolor del duelo, y que el cineasta quiso olvidar, podemos volver a verla en DVD en una versión restaurada.
Hasta dónde alcanza la vista, estelas blancas alineadas en la hierba fresca, en la gran calma de los bosques que bordean el río Potomac. Los "Jardines de Piedra" son los del cementerio militar de Arlington, cerca de Washington, donde están enterrados cientos de miles de jóvenes soldados y donde Francis Ford Coppola nos acompañó gentilmente, ocho años después del tumulto de Apocalypse Now. La película de 1987 comienza con el funeral de un joven muerto en Vietnam. Una brisa hace temblar los árboles sin ofender el tono de la fanfarria, sin perturbar el ceremonial que la puesta en escena defiende con un clasicismo deslumbrante. El marco riguroso encierra los movimientos del desfile fúnebre, la cámara se desliza elegantemente sobre los uniformes y los gestos mecánicos que realzan la emoción.
El director  del Padrino, quien pasó dos años en las aulas de una academia militar en Nueva York (con Donald Trump), dice estar fascinado por los rituales que cimentan la comunidad humana y afirman su continuidad en las horas de gran sufrimiento y desorden. La armonía es ilusoria, por supuesto, los fantasmas son presencias abrumadoras. Una viuda de 20 años, pálida como la muerte misma, se sobresalta al oír la salva de honor. Su miedo congela la sangre. Las palabras de su joven esposo que se llevan al suelo se ciernen sobre el escenario; lee su última carta en off y su confusión marca el tono de una película de matices oscurecidos que se dobla por completo bajo el peso de una profunda melancolía.
En la variada filmografía de Francis Ford Coppola, Jardines de piedra (Stone Gardens, 1987) es una obra olvidada, poco apreciada en su estreno, no amada por el propio cineasta, que pocas veces la ha mencionado. Dijo que apenas la recordaba y no ocultó las razones del olvido. Jardines de piedra es una película sobre el duelo, y la muerte lo ha golpeado con toda su fuerza. "Si hay un largometraje que desearía no haber hecho nunca, es este", dijo Coppola recientemente. Lo empecé cuando estaba en quiebra, cuando tenía que rodar todos los años para saldar mis deudas, y me costó mucho. Me lo quitó todo. A menudo sueño con no haber realizado Jardines de piedra, no habría perdido a mi hijo. Mientras filmaba, Gian-Carlo, el mayor de los hijos de Coppola, murió en un accidente de lancha motora conducida por el hijo de Ryan O'Neal, quien interpretó a uno de los soldados. Gian-Carlo tenía 22 años, era más que un hijo, el asistente y socio del cineasta, el sucesor, el heredero designado. “No puedes superarlo”, dijo Coppola, “no puedes superarlo, sabes que nunca lo superarás. No obstante, el director ha vuelto al trabajo y hoy en día difícilmente se puede contemplar este drama de la inocencia perdida sin percibir el dolor que se despliega a la sombra de cada plano. Sin dejarse arrastrar por la fuerza del destino y el bucle implacable que lleva a los personajes de una escena de despedida a la siguiente. El mismo cementerio para entrar y salir de la película.
(cont.)

sábado, 20 de febrero de 2021

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXI)

Django (1966), de Sergio Corbucci

El mercenario y ex-soldado yankee Django (Franco Nero) llega a un desértico pueblo mexicano con un ataúd. Su objetivo: la venganza contra el mayor Jackson. Un spaghetti-western originalmente prohibido en Inglaterra por su violencia... Junto a la trilogía de Sergio Leone con Clint Eastwood, Django es uno de los mejores y más influyentes títulos que haya dado el espagueti wéstern. Menos estilizada que las películas de Leone, pero tan violenta como estas, Django dio pie hasta a 20 secuelas no oficiales y a una oficial, rodada 20 años después y con Franco Nero recuperando el que, sin duda, fue uno de los roles más importantes de su carrera. Dirigida por Sergio Corbucci, uno de los grandes directores del wéstern europeo gracias a obras como El gran Silencio o la que nos ocupa, esta cinta fue una de las que más rompió los cánones estéticos de los filmes del Oeste estadounidense. Una curiosidad. A pesar de estar rodada en las madrileñas localidades de La Pedriza y Colmenar Viejo, en su día, los espectadores españoles no vieron la versión íntegra de la cinta, porque fue censurada por su violencia extrema. De hecho, cortaron dos escenas: cuando a Jonathan le amputan la oreja y le obligan a comerla, y cuando Ringo dispara a quemarropa a un mexicano. Fan declarado del film, Quentin Tarantino "copió" la escena donde un general le rebana la oreja a un predicador para su Reservoir Dogs y en 2012 estrenó Django Unchained, una película que homenajea a ésta usando su música entre otros elementos

Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles, película de acción doméstica de Chantal Akerman (II)

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Puesta en escena muy reflexiva y muy precisa
El cineasta realiza así, en el marco de una película con guion y actores, un gesto bastante parecido al cine de la realidad, naturalmente curioso por los pequeños detalles de la existencia y menos sujeto que la ficción a las exigencias románticas. La puesta en escena que propone, además, evoca la forma documental en más de un sentido, ubicando a Joan en el espacio doméstico evitando adoptar un punto de vista subjetivo, conservando también una considerable distancia respecto a Delphine Seyrig, que no conseguiría el recurso del primer plano. Así, Chantal Akerman no utiliza el corte para enfatizar aislando una expresión de su rostro, ni produce movimientos de cámara que, siguiéndola en sus movimientos, inducirían a un esbozo de dramatización. Su práctica del plano fijo y distanciado, en cambio, le permite establecer claramente la relación que mantiene su personaje con las estancias que ocupa, en las que se mueve.
“Su cámara no busca empatía; es topográfica, explica Corinne Maury, profesora de estética cinematográfica en la Universidad Toulouse-II y autora de un notable libro sobre la película de Akerman, publicado en 2020. Para ella, no se trata de ilustrar o acompañar a Jeanne, sino de mirarla a la cara, de mostrar sus acciones cotidianas y su forma de vivir en el espacio." Gestos y movimientos a los que Delphine Seyrig aporta una precisión participando en su belleza casi coreográfica, como lo hacen la puesta en escena muy reflexiva y muy precisa de Chantal Akerman, y el trabajo a la luz de la directora de fotografía Babette Mangolte. Todo lo relativo a una relación con la realidad imbuida de ética y respeto.
"Es en el piso y en lo banal donde todo sucede", dijo Chantal Akerman. "No es esta nada lo que filmé", enfatiza Corinne Maury, quien siente una profunda admiración por Jeanne Dielman y muchas de sus películas. El gesto de Chantal Akerman en realidad consiste en contar lo cotidiano. Aquellos que esperan que el cine sea una forma de encubrir, huir de su vida o imaginar una que no tienen, no puede hacer nada por ellos."
En su artículo sobre la película Umberto D (1952) dirigida por Vittorio De Sica , el crítico de cine André Bazin (1918-1958) evoca el sueño del guionista Cesare Zavattini de "hacer una película continua con noventa minutos de la vida de" un hombre al que nada podría pasar". Y para añadir: “Dos o tres secuencias de Umberto D hacen algo más que dejar entrever lo que podría ser una película así: ya son fragmentos realizados." Podríamos ampliar su reflexión argumentando que Jeanne Dielman no solo le da a este sueño una forma coherente de principio a fin, sino sobre todo que lo hace como parte de un proyecto que le da todo su significado. La de una película preocupada por levantar el engañoso velo de la ficción, para darnos acceso a una realidad que nos negamos a ver o que ya no vemos mientras la tengamos frente a nuestros ojos. Para des-alienarnos un poco, en resumen.