Cinco películas basadas en libros (IV)

Cadena perpetua (The Shawshank Redemption, 1994), de Frank Darabont

Esta película está basada en Rita Hayworth y la redención de Shawshank (1982), una novela corta de Stephen King  Stephen King. Lo curioso detrás de esta obra es que el conocido como "maestro del misterio" vendió los derechos de su historia por un dólar a un cineasta emergente que ya había adaptado en un cortometraje una de sus novelas. Es una obra que, a pesar de ser hoy en día un clásico ineludible, fracasó estrepitosamente en la taquilla: tan solo logró recaudar un total de 16 millones de dólares frente a un presupuesto de 25 millones. Sin embargo, gracias a sus nominaciones a los Oscar y a su posterior lanzamiento en VHS, vivió una segunda vida, convirtiéndose en el clásico de culto que es hoy.

Sin duda, destaca por la calidad del guion, de sus interpretaciones y por una fotografía expresiva que logra transformar el carácter opresivo del drama carcelario en una bandera de esperanza. En el centro de la trama encontramos a Andrew Dufresne (interpretado por Tim Robbins), un hombre acusado y condenado por el asesinato de su mujer a la cárcel de Shawshank, en Maine, a pesar de clamar incansablemente su inocencia.

Cinco películas basadas en libros (III)

El padrino (The Godfather, 1972), de Francis Ford Coppola

No muy a menudo se puede decir que una película haya definido un género, pero nunca es tan cierto como en el caso de El padrino. Desde su estreno en 1972, ha determinado el baremo de calidad para todas las producciones de gánsteres posteriores. De hecho, tan solo hace falta fijarse en sus nominaciones y premios para darse cuenta de que, sin duda, fue una obra que logró conquistar al público con unanimidad: obtuvo diez nominaciones al Oscar, ganando tres de ellos (entre ellos, mejor película).

Fue la primera película de la serie de Francis Ford Coppola basada en la novela de Mario Puzo; una epopeya llena de actuaciones hipnóticas que reinventó a los criminales de la mafia como actores de un psicodrama dinástico. Sin duda, la obra destaca por su narrativa y guion magistrales, logrando equilibrar el ritmo entre las secuencias íntimas y los momentos de pura tensión. Además, cuenta con actuaciones icónicas como la de Marlon Brando, que logró darle a la figura del mafioso una vulnerabilidad paterna, y la de Al Pacino, quien ofreció otra actuación perfecta.

“Mémoire de fille” de Judith Godrèche, una adaptación simplificada de la novela de Annie Ernaux, en Cannes 2026

Judith Godrèche, figura clave del movimiento #MeToo, adapta con delicadeza la historia de Annie Ernaux en A Girl’s Story (Memoire de fille, 2026). Seleccionada para la sección Un Certain Regard, en cines a partir del 30 de septiembre.

La trama: Annie Ernaux es invitada a una firma de libros. De camino, la invade una sensación de vértigo y se sumerge en el recuerdo del verano de 1958, el de su primera noche con un hombre, una dolorosa primera experiencia...

En A Girl’s Story, es un pasaje corto, apenas cuatro líneas: "Tiene una cicatriz en forma de garra en la comisura del labio izquierdo —invisible en la foto— de una caída sobre una botella rota cuando tenía tres años". Sin embargo, esta cicatriz se convierte en un detalle fundamental en la sutil adaptación que Judith Godrèche hace de la novela de Annie Ernaux de 2016, en su segundo largometraje como directora, dieciséis años después de Toutes les filles pleurent. Y esta adaptación, una especie de acontecimiento, por alguien que se ha convertido en una figura destacada en la lucha contra la violencia sexual contra las mujeres y los niños, en la sociedad civil en general. 

Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (IX)

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23. El puente de los espías (Bridge of Spies, 2015)

Reparto: Tom Hanks, Mark Rylance, Amy Ryan, Alan Alda, Scott Shepherd, Austin Stowell, Dakin Matthews, Domenick Lombardozzi, Sebastian Koch, Michael Gaston, Marko Caka, Joshua Harto, Stephen Kunken, Peter McRobbie, Billy Magnussen, James Farley, Leonard Zimmerman, Eve Hewson, Jesse Plemons, Will Rogers, David Wilson Barnes, Mikhail Gorevoy, Burghart Klaußner, Max Mauff, Nadja Bobyleva, Joe Forbrich. 

La trama: James Donovan (Tom Hanks), un abogado de Brooklyn (Nueva York) se ve inesperadamente involucrado en la Guerra Fría entre su país y la URSS cuando se encarga de defender a Rudolf Abel, detenido en los Estados Unidos y acusado de espiar para los rusos. Convencido de que Abel debe tener la mejor defensa posible, Donovan incluso rechazará cooperar con la CIA cuando la Agencia intenta que viole la confidencialidad de comunicaciones entre abogado y su cliente. Su enfoque humano y su integridad moral sostienen una historia sobria que explora la diplomacia y la lealtad.

Mark Rylance en El puente de los espías (2015)

Curiosidades: El asunto del espionaje es real y se basa en una operación que salió a la luz por un descuido casi ridículo: un agente soviético se equivocó y pagó un periódico con un níquel hueco. El chaval que lo recibió notó que pesaba raro, lo golpeó contra el suelo y la moneda se abrió apareciendo un microfilm con un mensaje cifrado. Esa pista terminó poniendo a al espía ruso en el radar del FBI. Disponible en Tivify.

24. West Side Story (2021)

Reparto: Ansel Elgort, Rachel Zegler, Ariana DeBose, David Álvarez, Rita Moreno, Mike Faist, Josh Andrés Rivera, Ana Isabelle, Corey Stoll, Brian d'Arcy James. 

La trama: Los adolescentes Tony y María, a pesar de tener afiliaciones con pandillas callejeras rivales, los Jets y los Sharks, se enamoran en la ciudad de Nueva York en la década de 1950. Nueva versión del legendario musical West Side Story, a su vez adaptación de una famosa obra de teatro de Broadway, que modernizaba la historia de Romeo y Julieta,  de Shakespeare. Amor prohibido, conflicto racial y desigualdad se traducen en potentes coreografías y canciones.

Ansel Elgort Rachel Zegler en West Side Story (2021)

Curiosidades: Spielberg llevaba el musical dentro desde los 10 años; cuando sus padres compraron el álbum original y él lo desgastó a base de escucharlo y cantarlo en casa, hasta agotar la paciencia familiar. Décadas después seguía tarareándolo con sus hijos y lo convirtió en una promesa íntima: si algún día rodaba un musical, sería este. Disponible en Disney+.

25. Los Fabelman (The Fabelmans, 2022)

Reparto: Gabriel LaBelle, Michelle Williams, Seth Rogen, Paul Dano, Gabriel Bateman, Oakes Fegley, Nicolas Cantu, Julia Butters, Judd Hirsch, Chloe East, Isabelle Kusman, Jeannie Berlin, Mateo Zoryon, Francis-DeFord.

La trama: Película semiautobiográfica de la propia infancia y juventud de Spielberg. Ambientada a finales de la década de 1950 y principios de los años 1960, un niño de Arizona llamado Sammy Fabelman, influido por su excéntrica madre, artista (Michelle Williams), y su pragmático padre, ingeniero informático (Paul Dano), descubre un secreto familiar devastador y explora cómo el poder de las películas puede ayudarlo a contar historias y a forjar su propia identidad. Su mirada mezcla sensibilidad y creatividad, revelando cómo el arte puede convertirse en refugio, impulso y forma de comprender el mundo.

Los Fabelman (2022)

Curiosidades: Para que los Fabelman no fueran solo un recuerdo idealizado, el reparto trabajó con películas familiares, fotos y testimonios reales, una caja negra emocional de la familia Spielberg. La chispa para contar todo llegó de casa: el director confesó que sus padres le insistían desde hacía años en que plasmara su historia antes de morir. Disponible en Google Play, Apple TV, Prime Video, Rakuten TV. 

Retrospectiva: “La batalla de Argel”, una obra maestra del cine bélico

Hoy traemos a colación un joya del cine bélicoLa batalla de Argel (La battaglia di Algeri, 1966), de Gillo Pontecorvo e interpretada por Jean Martin, Yacef Saadi, Brahim Haggiag, Fusia El Kader, Samia Kerbash, Ugo Paletti, Mohamed Ben Kassen, Michele Kerbash, Tommaso Neri. Reconstrucción del conflicto bélico que llevó a Argel a su independencia de Francia, repleto de espectaculares secuencias bélicas.

La trama: Se basa en la acción emprendida por los rebeldes durante la guerra de Argelia (1954-1962) contra el gobierno francés en el norte de África, la más destacada es la batalla de Argel, la capital de Argelia. Se rodó en exteriores al estilo de los noticiarios inspirados en Roberto Rossellini: en blanco y negro con un montaje de tipo documental para aumentar su sensación de autenticidad histórica, con actores en su mayoría no profesionales que habían vivido la batalla real. 

La película se centra en el luchador revolucionario Ali La Pointe durante los años comprendidos entre 1954 y 1957, cuando los guerrilleros del FLN entraron en Argel. Sus acciones fueron respondidas por paracaidistas franceses que intentaban recuperar territorio. La película, de gran dramatismo, trata sobre la organización de un movimiento guerrillero y los métodos ilegales, como la tortura, utilizados por los franceses para detenerlo. Argelia logró independizarse de los franceses, algo que Pontecorvo aborda en el epílogo de la película.

Ganadora del León de Oro en 1966 en el Festival de Venecia, recibió tres nominaciones al Oscar. Gillo Pontecorvo la rodó en blanco y negro, en las calles reales de la Casbah de Argel, con miles de extras locales y un puñado de actores no profesionales. El resultado fue tan convincente que los anuncios de la película avisaban de que las imágenes no procedían de archivos documentales. La película reconstruye los años más intensos del conflicto argelino contra la colonización francesa, entre 1954 y 1957. Pontecorvo la basó en las memorias del comandante del FLN Saadi Yacef, que además actuó en la propia película interpretando un personaje inspirado en sí mismo. 

El director pasó un mes entero haciendo pruebas antes de rodar una sola escena, usó múltiples cámaras para que las multitudes parecieran más grandes y llegó a repetir algunas tomas más de veinte veces para conseguir que los actores quedaran exhaustos. La música, firmada por Ennio Morricone, coquetea con la percusión tradicional norteafricana y las marchas militares tradicionales. Y finalmente, la película destaca por su negativa a ofrecer una perspectiva moral clara: tanto los guerrilleros del FLN como los paracaidistas franceses cometen atrocidades, y nadie hace el papel de héroe inequívoco.

En el mundo del cine, Nolan la citó como influencia cuando estrenó El caballero oscuro: La leyenda renace (The Dark Knight Rises, 2012) y Dunquerque (Dunkirk, 2017). 

Cinco películas de Paul Thomas Anderson que hay que ver (II)

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3. The Master (2012)

La trama: Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman), un intelectual brillante y de fuertes convicciones, crea una organización religiosa que empieza a hacerse popular en Estados Unidos hacia 1952. Freddie Quell (Joaquin Phoenix), un joven vagabundo, se convierte en su mano derecha. Sin embargo, cuando la secta triunfa y consigue atraer a numerosos y fervientes seguidores, a Freddie le surgirán dudas. La tensión entre ambos es el eje de esta pieza psicológica.

Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman en The Master (2012)

Comentario: Drama sobre la Iglesia de la Cienciología. La prensa destacó el "duelo actoral de titanes". Es una película densa, visualmente bellísima (filmada en 70mm) y críptica, que requiere de varios visionados para desentrañar todas sus capas. Disponible en Amazon Prime Video y Movistar TV.

4. El hilo fantasma (Phantom Thread, 2017)

La trama: En el Londres de la posguerra, en 1950, el famoso modisto Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis) y su hermana Cyril (Lesley Manville) están a la cabeza de la moda británica, vistiendo a la realeza y a toda mujer elegante de la época. Un día, el soltero Reynolds conoce a Alma (Vicky Krieps), una dulce joven que pronto se convierte en su musa y amante. Y su vida, hasta entonces cuidadosamente controlada y planificada, se ve alterada por la irrupción del amor. Lo que parece un drama romántico tradicional pronto se transforma en un juego de poder gótico y retorcido.

Vicky Krieps y Daniel Day-Lewis en El hilo invisible (2017)

Comentario: Fue aplaudida por su elegancia y sutileza. Los críticos señalaron que es la película más "madura" de Anderson, donde el diseño de vestuario y la música son tan protagonistas como los diálogos. Disponible en Apple TV+ y Google TV

5. Licorice Pizza (2021)

La trama: En 1970, San Fernando Valley, Los Ángeles. Gary es un adolescente de 15 años que estudia en el instituto de la ciudad, donde conoce a Alana, una joven judía de 25 años que trabaja en un estudio de fotos que se encarga de realizar cada año la orla de los estudiantes del centro. Cuando Gary y Alana se cruzan por primera vez, rápidamente surge una conexión entre ellos que será muy difícil de romper. Mientras tratan de descubrir hacia donde les lleva esta nueva amistad, Gary poco a poco se va enamorando más de ella, pero la diferencia de edad será una barrera que Alana no dejará a un lado. Va pasando el tiempo y Gary y Alana irán formando parte de la vida del otro de alguna manera, desde ser socios de un negocio de camas de agua hasta cómplices de vandalismo. 

Alana Haim y Cooper Hoffman en Licorice Pizza (2021)

Comentario: Una carta de amor a la juventud y a los años 1970. Es, quizás, la película más luminosa y accesible del director. Recibida como una bocanada de aire fresco. La crítica resaltó la química natural de sus protagonistas (ambos debutantes en cine) y la capacidad de Anderson para capturar la nostalgia sin caer en clichés. Disponible en Amazon Prime Video.

"L. A. Confidential", uno de los mejores thrillers policíacos de los años 1990

L. A. Confidential (1997), de Curtis Hanson con Kevin Spacey, Russell Crowe, Guy Pearce, Kim Basinger, James Cromwell, David Strathairn, Danny DeVito, Ron Rifkin, Graham Beckel, Simon Baker, Tomas Arana, Matt McCoy, Amber Smith, John Mahon. Disponible en Disney+, Prime Video. 

Los Ángeles, años 1950. El departamento de policía vive tiempos agitados en una ciudad revuelta y sacudida continuamente por escándalos que destapa la prensa sensacionalista, y donde todo el mundo busca la fama, drogas, alcohol, sexo o dinero. Dos agentes de caracteres opuestos, en cambio, guían sus acciones por nobles sentimientos: Bud White (Russell Crowe) se mete en todo tipo de líos, pero no soporta que maltraten a una mujer. Mientras, Ed Exley (Guy Pearce) es un agente novato que quiere "limpiar" el cuerpo de la corrupción imparable que invade todo el escalafón policial, aunque le cueste el desprecio de sus compañeros. Cada uno tiene sus tareas y sus problemas, hasta que una noche aparecen muertos varios agentes en un local nocturno... 

El cine negro estaba dormido (casi muerto) a finales de siglo XX, cuando de repente llegó esta película turbia, intensa y magníficamente narrada, que adapta una novela del gran Ellroy. Compleja pero apasionante historia para una película con un sólo error: estrenarse el mismo año y enfrentarse en los Oscar con Titanic; Los premios no pudieron refrendar una indiscutible obra maestra.

"The Disappearance of Josef Mengele” de Kirill Serebrennikov: ¿“Fascinante” o “intolerable”?

Tras La mujer de Tchaikovsky  (2022) y Limónov (2024), Kirill Serebrennikov regresa a los cines con The Disappearance of Josef Mengele (2025), adaptación de la novela de Olivier Guez, ganadora del Premio Renaudot en 2017. Está protagonizada por August Diehl en el papel del médico nazi de las SS Josef Mengele. La película tuvo su estreno mundial en la sección Cannes Premiere del Festival de Cine de Cannes de 2025 el 20 de mayo de 2025. 

La película narra como Tras la Segunda Guerra Mundial, Josef Mengele, el médico nazi de Auschwitz, escapa a Sudamérica para rehacer su vida en la clandestinidad. A través de los ojos de su hijo, que lo reencuentra, Mengele se enfrenta a un pasado que ya no puede ignorar. De Buenos Aires a Paraguay, pasando por Brasil, el hombre que llegó a ser conocido como 'El Ángel de la muerte' organizará su metódica desaparición para evitar cualquier tipo de juicio.

Cinco adaptaciones de Stephen King en el cine que ver antes del estreno de ‘La vida de Chuck’ y ‘La larga marcha’

Las adaptaciones de Stephen King en el cine son unas de las películas que parecen más idóneas para la spooky season (temporada de terror) en cuenta atrás para Halloween, por ser uno de los escritores más prolíficos en el género de terror y que han dado clásicos como El resplandor, Misery o Carrie.

Sin embargo, en esta recta final de 2025 llegan hasta tres estrenos de cine basados en novelas de Stephen King como son La vida de Chuck el 17 de octubre basado en el relato de La sangre manda y con Tom Hiddleston como protagonista, para luego el 14 de noviembre La larga marcha y The Running Man el 21 de noviembre, con Glen Powell.

Pero antes queremos recordar cinco adaptaciones de Stephen King ya estrenadas. 

1. Cuenta conmigo (Stand by me, 1986), de Rob Reiner

El próximo estreno de La larga marcha (The Long Walk, 2025) es una nueva incursión a relatos adolescentes de una adaptación de Stephen King, algo que se ha podido ver anteriormente en películas que se basan en novelas suyas, como es el caso por ejemplo de todo un clásico como es Cuenta conmigo, con Will Wheaton, River Phoenix, Corey Feldman y Jerry O’Connell. En un pequeño pueblo de Oregón, cuatro adolescentes se lanzan a la aventura de buscar a un muchacho desaparecido. Jugando a ser héroes, el inteligente Cornie, el rudo y sentimental Chris, el extravagante Teddy y el miedoso Vern se adentran en un ambiente hostil en el que deberán valerse por sí mismos. 

2. Cadena Perpetua (The Shawshank Redemption, 1994), de Frank Darabont

La película es la más valorada de todos los relatos que han llegado al cine y que salieron de la pluma de Stephen King basado en el relato Rita Hayworth y la redención de Shawshank que se publicó en la colección Cuatro estaciones en 1982. La adaptación llegó en 1994 con Tim Robbins y Morgan Freeman como protagonistas en los papeles de Andrew Dufresne y Red en un drama carcelario que tuvo hasta siete nominaciones a los premios Oscar. A pesar de que pasó de forma discreta por los cines, la historia del cine le ha dado su sitio. Acusado del asesinato de su mujer, Andrew Dufresne (Tim Robbins), tras ser condenado a cadena perpetua, es enviado a la cárcel de Shawshank. Con el paso de los años conseguirá ganarse la confianza del director del centro y el respeto de sus compañeros de prisión, especialmente de Red (Morgan Freeman), el jefe de la mafia de los sobornos.

3. La milla verde (The Green Mile, 1999), de Frank Darabont

En el género fantástico y dramático que encontramos también en La vida de Chuck llega otro drama carcelario que se basa en una novela de Stephen King como es La milla verde que se publicó en 1996 y que tan solo tres años después tuvo su adaptación en los cines conTom Hanks como protagonista. La sinopsis se centra en Paul Edgecomb que se basa en una trágica historia real de asesinato y ejecución de un niño afroamericano en 1944, a la que se le añade ficción y elementos sobrenaturales que conmocionaron al público y que fue nominada a cuatro premios Oscar. 

4. Corazones en Atlántida (Hearts in Atlantis, 2001), de Scott Hicks

Para complementar las historias dramáticas que podrían enlazarse con La vida de Chuck es una de las adaptaciones menos conocidas de Stephen King, Corazones en Atlántida que protagoniza Anthony Hopkins y que se estrenó en 2001 en el que el personaje Bobby Garfield ve como el pasado irrumpe en su vida cuando la muerte de un amigo de la infancia le hace volver a la ciudad donde creció. Allí le asaltan los recuerdos de su undécimo verano, marcado por la llegada de un nuevo inquilino, Ted Brautigan, que llenó el vacío que le supuso la defunción de su padre. Ted, un hombre misterioso que al tiempo fascinaba y perturbaba a Bobby, le ofrece un trabajo: leerle el periódico, pues su vista está muy debilitada, pero sobre todo ejercer un servicio de vigilancia para evitar el grave peligro que acecha a Ted.

5. It (2017), de Andy Muschietti

Pero si se habla de grupo de amigos una de las películas que viene primero a la mente es It, que aúna el terror y lo fantástico al comenzar la historia con la desaparición de niños que es obra del malvado payaso Pennywise y al que deciden enfrentarse cinco jóvenes del pueblo de Derry, y que ahora también se adapta al formato serie por HBO Max.

Diez grandes películas que no podemos perdernos (I)

Aquí tienes nuestra selección de diez obras imprescindibles o menos conocidas para volver a ver o ver por primera vez antes de que acabe el verano.

Brillante: K-19: The Widowmaker (2002), de Kathryn Bigelow

El Capitán Mihhail Polenin (Liam Neeson), además de contar con la confianza y el cariño de sus hombres, es considerado y respetado como el capitán de submarinos con mayor experiencia de la Marina soviética. Sin embargo, es destituido del mando del K-19 porque sus superiores juzgan que no está en condiciones de ponerlo a punto para la hora y fecha previstas. Su sustituto es el Capitán Alexei Vostrikov (Harrison Ford), un oficial con una voluntad de hierro, que consigue que el K-19 emprenda la travesía exactamente a la hora programada: las 16:00 horas del día 18 de junio de 1961... Inspirada en hechos reales ocultados por el gobierno ruso durante décadas.. La claustrofobia está garantizada en esta emocionante película. El aplomo de Kathryn Bigelow, una directora de Hollywood sumamente original, da sus frutos una vez más. Disponible en Prime Vídeo y Netflix.

Harrison Ford y Liam Neeson en K-19: The Widowmaker (2002)

Irreverente: Amén (Amén, 2002), de Costa-Gabras

Dos sistemas: por una parte, la maquinaria nazi y, por otra, la diplomacia del Vaticano y de los Aliados. Pero dos hombres luchan desde dentro. El primero es Kurt Gerstein (personaje real), químico y miembro de las SS que se encarga de suministrar el gas Ziklon B a los campos de la muerte. Pero eso no le impide denunciar los crímenes nazis a los aliados, al Papa e incluso a los miembros de la Iglesia alemana a la que pertenece, jugándose de este modo su vida y la de su familia. El segundo, Ricardo, es un joven jesuita que representa a todos los sacerdotes que supieron oponerse a la barbarie, pagando muchas veces con su propia vida. Kurt Gerstein sabía lo que estaba ocurriendo y quería que el mundo entero también lo supiera. La película denuncia la indiferencia de todos aquellos que sabían lo que estaba pasando y decidieron callarse. Inspirado en una obra de Rolf Hochhuth, este panfleto directo y eficaz, escrito por Costa-Gavras, es una historia cautivadora y conmovedora. Disponible en Netflix, Amazon Prime Video y Movistar Plus+.

Ulrich Tukur y Mathieu Kassovitz en Amén (2002)

Deslumbrante: El árbol de la vida (The Tree of Life, 2011) de Terrence Malik

Estados Unidos, años 50. Jack (Hunter McCracken) es un niño que vive con sus hermanos y sus padres. Mientras que su madre (Jessica Chastain) encarna el amor y la ternura, su padre (Brad Pitt) representa la severidad, pues la cree necesaria para enseñarle al niño a enfrentarse a un mundo hostil. Ese proceso de formación se extiende desde la niñez hasta la edad adulta. Es entonces cuando Jack (Sean Penn) evoca los momentos trascendentes de su infancia y trata de comprender qué influencia tuvieron sobre él y hasta qué punto determinaron su vida. Una película legendaria, ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2011. Disponible en Prime Vídeo y Netflix.

Jessica Chastain en El árbol de la vida (2011)

Autobiográfico: Dialogando con la vida (Le Lycéen, 2022), de Christophe Honoré 

A sus 17 años, Lucas ve cómo su adolescencia se hace añicos en un abrir y cerrar de ojos. Siente que su vida es una bestia salvaje que debe domar. Entre un hermano afincado en París y una madre con la que ahora vive solo, Lucas se verá obligado a luchar para reconquistar la esperanza y el amor. Entre el colapso y el renacimiento, Christophe Honoré relata un momento clave de su adolescencia, evocado en su obra teatral Le Ciel de Nantes,¿Una razón más para amar la película? Reveló el talento de Paul Kircher. Disponible en Amazon Prime Vídeo y Movistar+.

Paul Kircher en Dialogando con la vida (2022)

Conmovedora: El éxito de Youssef Salem (Youssef Salem a du succès, 2022), de Baya Kasmi

Hasta la fecha, Youssef Salem, de 45 años, siempre se las ha arreglado para fracasar como escritor... pero, qué mala pata, esta vez, con su libro "El choque tóxico", encuentra el éxito. Y es entonces cuando empiezan los problemas, ya que en la novela, Youssef no ha podido evitar reírse de su familia, a la que en realidad quiere enormemente, y provocar a su comunidad con sus obsesiones sexuales y alcohólicas. Un retrato familiar cálido y conmovedor, la película gira inteligentemente en torno a la libertad del artista y la asignación de una identidad. Disponible en Movistar+.

Ramzy Bedia en El éxito de Youssef Salem (2022)

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Efemérides de cine: Una ventana al cielo

El 9 de mayo de 1975 se estrenó la película estadounidense Una ventana al cielo (The Other Side of the Mountain), dirigida por Larry Peerce e interpretada por Marilyn Hassett, Beau Bridges, Belinda Montgomery, Nan Martin, William Bryant, Dabney Coleman, Bill Vint, Hampton Fancher, William Roerick, Dori Brenner, Walter Brooke, Jocelyn Jones, Greg Mabrey, Tony Becker, Griffin Dunne, Warren Miller, Robin Pepper, Brad Savage, Productora: Filmways Pictures. Duración: 103 minutos. 

Sinopsis argumental: La joven campeona de esquí Jill Kinmont queda paralizada tras un trágico accidente de esquí. Su mejor amiga corre la misma suerte tras contraer la polio. Poco a poco, Jill debe rehacer su vida con la ayuda de las personas cercanas a ella.

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor canción; Globos de Oro: Nueva promesa femenina (Hassett). 4 nominaciones. 

Comentario: La historia real de la esquiadora olímpica Jill Kinmont, confinada en una silla de ruedas tras un grave accidente. La película explora temas de superación, amor y la lucha incansable por alcanzar los sueños a pesar de las adversidades. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

“Queer” de Luca Guadagnino: ¿iniciación romántica exitosa o estafa talentosa?

En la Ciudad de México de los años 1950, un expatriado (Daniel Craig) descubre la pasión que siente por un hombre apuesto e indeciso. El director de Call Me by Your Name (2017), adapta a William S. Burroughs y divide a la crítica. 

Después de James Bond, Daniel Craig se reinventa como un cincuentón gay

Ocho años después, el cineasta de Call Me by Your Name, que desde entonces ha dirigido tres largometrajes y una serie, nunca ha estado más cerca del espíritu de su gran éxito. La vibración conmovedora de esta nueva película proviene, una vez más, de una relación desequilibrada entre dos hombres, debida a la edad demasiado joven del amante angustiado interpretado por Timothée Chalamet en Call Me by Your Name. Por el contrario, el maltratado héroe de Queer, Lee (Daniel Craig), parece descubrir el ardor de los sentimientos un poco tarde, frente a la juventud deslumbrante de la que desea, Allerton (Drew Starkey), en este México de los años 1950, poblado de expatriados.

Daniel Craig y Drew Starkey en Queer (2024)

Visualmente cuidada, con ambientación esteticista en colores y planificación, y estructurada en varios capítulos, gran parte de la película es una repetición de charlas y encuentros gais en bares y camas, en donde asistimos a la preferencia del protagonista por el joven Eugene, al tiempo que éste juguetea un tanto a ser esquivo. La trama gira mínimamente cuando los amantes hacen su viaje al sur y nos traslada a la selva, en donde ambos vivirán su personal experiencia con la droga Yagé, llamada por los indios Ayahuasca. Es aquí cuando visualmente la cosa se dispara, con imágenes oníricas y surrealistas. La película se hace larga y por momentos se hace un tanto aburrida. Asombra desde luego ver a Daniel Craig como desgraciado protagonista, con una esforzadísima composición de drogadicto y alcohólico que va obsesivamente en busca de afecto por barras y aceras y que arrastra como una maldición autodestructiva su asumida condición de homosexual.

"The Brutalist": la historia de una película monumental

Un delirio de grandeza a pesar de un presupuesto ajustado: el director Brady Corbet movió montañas para este extraordinario fresco. Siete años de trabajo, una armada de productores y vértigo de principio a fin.

Adrien Brody interpreta a un arquitecto que sobrevivió al Holocausto y emigró a Estados Unidos, donde le esperan otros sufrimientos

"Esta película me está matando lentamente." Brady Corbet puede moderar su admisión con una sonrisa, pero debajo de la broma surge una verdad: el cine tiene un precio, que se mide menos en dólares que en tiempo. The Brutalist le costó siete años. El propio interesado nos lo recordó aquel día, por videoconferencia desde Londres y al límite de sus fuerzas, como repite cada vez que le toca un honor –y los premios no dejan de llegar desde el Festival de Venecia de septiembre y su León de Plata al mejor director-. Además de los tres Globos de Oro (mejor director, película dramática y actor en esta categoría para Adrien Brody) recibidos en enero, ha obtenido diez nominaciones a los Oscar.

“Un barco en el jardín”, opina su director: “Lo importante es el sentimiento, hacerlo bien, hacerlo de forma sencilla”

Siempre tan poético y conmovedor, el cineasta de 85 años Jean-François Laguionie firma su séptima película de animación. Habla allí, por primera vez, de su infancia muy libre a orillas del Marne, de su padre que le hacía soñar a lo grande...  Jean-François Laguionie firma una delicada y bella obra sobre el viaje metafórico de una familia de tres miembros que construye un barco en su jardín durante la posguerra. 

1 de julio de 1895. El capitán Joshua Slocum parte del puerto de Boston a bordo del "Spray" para dar la primera vuelta al mundo en solitario. 1 de julio de 1950, Pierre comienza a construir una réplica del "Spray" en el jardín de su casa de las afueras, a orillas del Marne. Geneviève y su hijo François, de 11 años, son reclutados para el proyecto en cuestión.

Un barco en el jardín (Slocum et moi, 2024), que fue presentada en la competición oficial del 77.º Festival de Cannes y también proyectada en competición en el 43.º Festival de Cine de Animación de Annecy, no es otra cosa que una guía de navegación interna, una carta astral que traza las formas en que la vida cotidiana puede transformarse mediante el poder de la imaginación, pero también una afectuosa exploración de las cosas que quedan sin decir en las relaciones familiares y los recuerdos —no nostálgicos— de momentos compartidos en la intersección de trayectorias individuales.

Cumplió 25 años: El talento de Mr. Ripley

El 25 de diciembre de 1999 se estrenó la película estadounidense El talento de Mr. Ripley (The Talented Mr. Ripley), dirigida por Anthony Minghella e interpretada por Matt Damon, Gwyneth Paltrow, Jude Law, Cate Blanchett, Philip Seymour Hoffman, Jack Davenport, James Rebhorn, Sergio Rubini, Philip Baker Hall, Celia Weston, Stefania Rocca, Ivano Marescotti. Productora: Miramax, Paramount Pictures, Mirage Entertainment, Timnick Films. Duración: 139 minutos.

Sinopsis argumental: Tom Ripley (Matt Damon), un joven empleado de una empresa de servicios de Manhattan, pide prestada una chaqueta de Princeton para tocar el piano en una fiesta. Cuando el rico propietario de la casa charla con él, Ripley le hace creer que es amigo y compañero de universidad de su hijo Dickie (Jude Law); entonces, el padre ofrece a Tom mil dólares si va a Italia y convence a Dickie para que regrese a casa. Cuando conoce a Dickie, que es un playboy, se queda fascinado con el estilo de vida que llevan él y su novia Marge (Gwyneth Paltrow)... 

Nominaciones y premios: 5 nominaciones al Oscar, incluyendo actor secundario (Law), guión vestuario y música; 5 nominaciones al Globo de Oro, incluyendo mejor director, película drama y banda sonora original; Premios BAFTA: Mejor actor secundario (Jude Law). 7 nominaciones; 2 premios National Board of Review: Mejor director y actor secundario (Hoffman); Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor banda sonora. 

Comentario: Adaptación de la novela homónima de Patricia Highsmith, que ha sido varias veces adaptada al cine. 

Efemérides de cine: Una mujer y tres hombres

El 21 de diciembre de 1974 se estrenó la película italiana Una mujer y tres hombres también conocida como Nos habíamos amado tanto (C'eravamo tanto amati), dirigida por Ettore Scola e interpretada por Stefania Sandrelli, Vittorio Gassman, Nino Manfredi, Stefano Satta Flores, Aldo Fabrizi, Giovanna Ralli, Elena Fabrizi, Fiammetta Baralla, Marcella Michelangeli, Ugo Gregoretti, Mike Bongiorno, Federico Fellini, Marcello Mastroianni, Vittorio De Sica, Nello Meniconi, Guidarino Guidi, Alfonso Crudele, Isa Barzizza. Productora: Dean Cinematografica Delta, La Deantir. Duración: 124 minutos.

Sinopsis argumental: Un amargo retrato sobre la amistad de tres hombres idealistas que intentan lidiar con las inevitables desilusiones de la vida. En 1944, a finales de la Segunda Guerra Mundial, Gianni (Vittorio Gassman), Antonio (Nino Manfredi) y Nicola (Stefano Satta Flores) se hacen amigos mientras combaten contra los nazis en defensa de la liberación de Italia de la ocupación de los alemanes. Tras el final de la batalla, las vidas de los amigos toman caminos diferentes. Treinta años más tarde, los ex combatientes se encuentran en la trattoria en la que pasaron su última noche juntos: Nicola está casado y escribe artículos ocasionales para los periódicos; Antonio vive junto a su amor de la juventud Luciana (Stefania Sandrelli) y sus dos hijos y trabaja en un hospital de Roma; y Gianni tiene un empleo como asistente de un abogado. Los tres amigos hacen un repaso sobre lo mucho que han cambiado sus vidas.

Nominaciones y premios: Premios César: mejor película extranjera.

Comentario: Amarga crónica de la historia de Italia, desde la posguerra hasta los años setenta, narrada a través de un grupo de amigos de izquierdas que se conocieron cuando en 1944 lucharon contra los nazis. Este retrato del idealismo, pero también de la inevitable pérdida de las ilusiones a causa del acomodamiento burgués, fue el primer éxito internacional del realizador italiano Ettore Scola. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Lenny

El 10 de noviembre de 1974 se estrenó la película estadounidense Lenny, dirigida por Bob Fosse e interpretada por Dustin Hoffman, Valerie Perrine, Jan Miner, Stanley Beck, Rashel Novikoff, Gary Morton, Guy Rennie. Productora: United Artists. Duración: 111 minutos. 

Sinopsis argumental: Lenny Bruce es un cáustico humorista que trabaja en locales nocturnos de poca categoría. Poco después de conocer a Honey, una exuberante bailarina de strip-tease, se casa con ella. Durante años mantienen una relación tumultuosa que incluye drogas y sexo poco convencional, pero acaban separándose. La fama de Lenny como showman va en aumento, pero también las denuncias y juicios que debe afrontar debido al carácter subversivo de su humor. 

Nominaciones y premios: 6 nominaciones al Oscar, incluyendo película, director, actor (Hoffman), actriz (Perrine);  3 nominaciones al Globos de Oro: Director, actriz (Perrine) y actor (Hoffman) - Drama. Premios BAFTA: Mejor actriz revelación (Valerie Perrine). 3 nominaciones; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión adaptado drama; Festival de Cannes: Mejor actriz (Valerie Perrine). 

Comentario: Biopic del auge y caída del comediante y showman Lenny Bruce, un vividor de los tugurios de la droga y el sexo, y cuya lengua viperina acabó por convertirse en un arma de doble filo. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Celebrando la promoción del "99" (XV)

El talento de Mr. Ripley (The Talented Mr. Ripley), de Anthony Minghella

Por qué es importante: Una comedia soleada que se vuelve deliciosamente oscura, la adaptación de Patricia Highsmith le permitió a Matt Damon estirar sus alas después de El indomable Will Hunting (Good Will Hunting, 1997), el mismo año en que se las cortó interpretando a Loki, el Ángel de la Muerte en Dogma de Kevin Smith. Un presagio de lo que vendrá.

Gwyneth Paltrow, Judd Law y Matt Damon en El talento de Mr. Ripley

Por qué se mantiene: La trama enrevesada, los matices queer y las escenas que transportan aún se sienten tan nítidas como la sastrería de los años 1950.

Qué ver a continuación: La serie Ripley, la última de muchas adaptaciones cinematográficas, logra lucir exuberante y texturizada en monocromo, lo que aumenta el drama y el impacto de cada ubicación, desde las calles de la ciudad hasta las costas italianas.

Celebrando la promoción del "99" (VII)

El gigante de hierro (The Iron Giant), de Brad Bird

Por qué es importante: El debut como director del empresario de Pixar, Brad Bird, es una obra maestra animada con un toque de tragedia. Basada en una novela de Ted Hughes, Bird se encargó del proyecto para procesar la pérdida de su hermana. Utilizando una combinación de técnicas tradicionales y CGI y un elenco de gran talento en las voces, fue un fracaso de taquilla, pero conquistó a los críticos, ganándose un seguimiento de culto y comparaciones con Hayao Miyazaki.

Por qué se mantiene: Una edición remasterizada de la película regresó a los cines en 2015 con nuevas imágenes animadas adicionales, incluido un huevo de Pascua de Tomorrowland: El mundo del mañana (Tomorrowland, 2015). Vuelva a verla cuando necesite un recordatorio de que podemos elegir ser super.

Qué ver a continuación: Los visitantes del Museo Ghibli en los suburbios de Tokio pueden reconocer a un cierto gigante larguirucho y amenazador que posa fuera de la entrada. Por desgracia, no es El gigante de hierro, sino Laputa, el ser de metal sensible (y la inspiración del rumoreado gigante) de El castillo en el cielo (Tenkû no shiro Laputa, 1986), de Miyazaki.