Efemérides de cine: El otro Sr. Klein

El 22 de mayo de 1976 se estrenó la película El otro Sr. Klein (Monsieur Klein), dirigida por Joseph Losey e interpretada por Alain Delon, Jeanne Moreau, Francine Bergé, Juliet Berto, Massimo Girotti, Dany Kogan, Jean Bouise, Suzanne Flon, Michel Aumont, Gérard Jugnot, Etienne Chicot, Michael Lonsdale. Productora: Coproducción Francia-Italia; Lira Films, Adel Productions, Nova Films, Mondial Televisione Film. Duración: 117 minutos. 

Sinopsis argumental: París, 1942. Robert Klein es un 'bon vivant' amante de las obras de arte que reside en París. Aprovechando las leyes antisemitas del régimen de Vichy, en la Francia ocupada por los nazis, compra maravillas artísticas a bajo precio, ya que muchos judíos de buena posición andan necesitados de liquidez monetaria. Tan cómoda posición se altera cuando el propio Klein es sospechoso de ascendencia judía. Al parecer, existe otro misterioso señor Klein, que sí sería judío, y que al ver la coincidencia de apellidos ha sembrado la confusión entre las autoridades. De ser un tipo seguro de sí mismo, el Klein protagonista de nuestra historia empieza a inquietarse por su progresiva identificación con su “alter ego”.

Nominaciones y premios:  Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro; Premios Cesar: Mejor película, director, diseño de producción. 7 nominaciones.

Comentario: Inquietante película dirigida por Joseph Losey y producido por su protagonista, Alain Delon. Viene a ser una especie de fábula donde del inicial desapego de Robert Klein por las andanzas del tipo con que es confundido, de su actividad y previsible destino por la cuestión racial, se pasa a cierto involucramiento que se resuelve en un soberbio final, entre irónico, fatalista y lógico, en el que se vendría a decir que cuando el humanismo desaparece, todos nos convertimos en víctimas. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

De “Furia” a “Arthur Rambo”: un sinfín de películas donde la manada es implacable (II)

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Pánico (Panique, 1946), de Julien Duvivier

Para ser amado, tienes que ser amable. Monsieur Hire (Michel Simon) no lo es. Y así, todo su vecindario lo odia. Cuando lo acusan de asesinato (la única mujer que ha amado en su vida, lo engaña), la turba lo echa del hotel donde vive. Lo empuja. Le obliga a refugiarse en la azotea de un edificio del que acaba cayendo. 

Julien Duvivier transforma en un cuento expresionista la novela de Georges Simenon, Les fiançailles de monsieur Hire. Encontramos allí la soledad del alma humana en la oscuridad infinita, hilo conductor de toda su obra: La cabeza de un hombre, he aquí el tiempo de los asesinos.

Han matado a un hombre blanco (Intruder in the Dust, 1949), de Clarence Brown

Tras el asesinato de un hombre blanco, los vecinos del pueblo culpan de ello a un hombre negro, basándose únicamente en vagas hipótesis. Pero de entre la irracional masa que quiere linchar al sospechoso, surgen un abogado, una anciana y un muchacho que están dispuestos a aliarse y a arriesgar sus vidas para evitar el linchamiento.

Han matado a un hombre blanco” forma parte de aquellas producciones hollywoodienses del periodo de la posguerra que trataban el tema racial de forma tolerante. Este ciclo cinematográfico terminó bruscamente en la década de 1950 con la ‘caza de brujas’ del senador McCarthy. Esta película, basada en la novela de William Faulkner, fue filmada en una pequeña ciudad de Mississippi y Juano Hernández interpreta a Lucas Beauchamp, un afro-americano acusado injustamente de asesinato. Éste fue uno de los primeros papeles importantes para este actor, formado en el mundo del teatro, y su interpretación fue elogiada por los críticos que, a partir de ese momento, empezaron a considerarle un talento digno de tomarse en cuenta. La película, sin embargo, no tuvo el éxito comercial esperado.

El forajido (The Lawless, 1950), de Joseph Losey

Larry Wilder, un antiguo corresponsal de grandes periódicos norteamericanos, edita en el pueblo de Santa Marta su propio diario. En un baile que tiene lugar en el barrio chicano, Larry conoce a Sunny García, la hija del editor de un semanario dirigido a esta comunidad y editado en español, en el que Sunny trabaja como periodista. Cuando un grupo de jóvenes adinerados anglosajones hace irrupción en el baile, se origina un tumulto. Un joven recolector de fruta, Pablo Rodríguez, golpea a un policía y, asustado por las consecuencias, huye. A partir de entonces es víctima de una implacable persecución por parte de los habitantes del pueblo, que pretenden lincharle. Únicamente Larry le defiende, convencido de su inocencia.

Segundo largometraje de Joseph Losey que rodó íntegramente en escenarios naturales (por primera vez Losey utiliza el decorado como un personaje más, algo que sería una constante en su cine posterior) y que muestra el choque de la cultura dominante anglosajona con la chicana a través de una intriga con elementos melodramáticos. Se trata de una eficaz película de bajo presupuesto, costó 150.000 dólares, que consagró a Losey como un gran director.

The Sound of Fury (AKA Try and Get Me), de Cy Endfield

Un padre de familia en paro, acuciado por las necesidades económicas, conoce a un individuo que le propone ser su chófer en pequeños atracos. Todo se complica cuando se ve envuelto en un secuestro.

La película está basada en la novela de 1947 The Condemned de Jo Pagano, quien también escribió el guión. La novela Pagano se basó en hechos que ocurrieron en 1933 cuando dos hombres fueron arrestados en San José, California por el secuestro y asesinato de Brooke Hart. Los sospechosos confesaron y posteriormente fueron linchados por una turba de lugareños.

Piel de serpiente (The Fugitive Kind, 1960), de Sidney Lumet

Adaptación de La caída de Orfeo, drama de Tennessee Williams. Valentine 'Snakeskin' Xavier (Marlon Brando) es un músico de Nueva Orleáns que lleva una vida errante y muy irregular que le crea frecuentes problemas con la ley, razón por la cual se ve obligado a cambiar de ciudad continuamente. Durante un viaje, se detiene en Two Rivers, cerca del Mississippi. Allí consigue trabajo en la tienda de Lady Torrance (Anna Magnani), una mujer madura de origen italiano que se convierte en su amante. Al mismo tiempo, conoce a Carol Cutrere (Joanne Woodward), una joven alcohólica que se siente atraída hacia él.

Un drama humano en su más pura esencia. Claramente una joya necesaria de ver una y otra vez. Sorprendente y magnífico trabajo del gran Lumet, una película con gran fuerza visual y emocional que nos atrapa desde el principio hasta el final.

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Efemérides de cine: El mensajero

El 25 de mayo de 1971 se estrenó la película británica El mensajero (The Go-Between),  dirigida por Joseph Losey e interpretada por Julie Christie, Alan Bates, Margaret Leighton, Michael Redgrave, Dominic Guard, Michael Gough, Edward Fox, Richard Gibson, Simon Hume-Kendall, Roger Lloyd-Pack, Amaryllis Garnett, Keith Buckley, John Rees, Gordon Richardson, Jim Broadbent, Joshua Losey. Productora: EMI Films/Robert Velaise Productions/John Heyman Productions/Columbia Pictures. Duración: 116 minutos. 

Sinopsis argumental: Inglaterra, principios del siglo XX. Los señores Maudsley, de la alta sociedad inglesa, han invitado a Leo, un compañero de clase de su hijo a pasar unos días de vacaciones con ellos. El recién llegado será utilizado por la hermana de su amigo para enviar cartas a su amante. 

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor actriz de reparto (Margaret Leighton); Festival de Cannes: Palma de Oro: Mejor película; Globos de Oro: Nominada a mejor película extranjera de habla inglesa; Premios BAFTA: 4 premios incluyendo mejor guión. 12 nominaciones.

Comentario: Basada en la novela de mismo título, de L. P. Hartley. Su director, Joseph Losey, era un cineasta de origen americano que decidió exiliarse en Inglaterra cuando empezó a ser perseguido por el tristemente célebre Comité de Actividades Antiamericanas. Para esta película, considerada como uno de los mejores de su carrera, Losey contó con un reparto de actores británicos de primera fila, como Julie Christie, Alan Bates, Michael Redgrave y Edward Fox.

“A pleno sol”, "Crónica negra"" y “El otro señor Klein”: tres veces Alain Delon y sus dobles, para volver a ver, en Netflix (III)

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Segunda colaboración del realizador Joseph Losey con el actor Alain Delon. Nominado a la Palma de Oro (Cannes), gana tres César (dirección, película y decorados) y producido por Alain Delon. París, 1942. A pesar de la ocupación de Francia por los nazis, Robert Klein (Alain Delon), un hombre pragmático y desprovisto de ideales, lleva una existencia feliz y despreocupada: tiene un hermoso apartamento, una amante y un negocio floreciente. Los problemas surgen cuando la policía lo busca, sospechando que es judío. Robert acaba averiguando que existe otro señor Klein, de origen judío, con quien podría ser confundido. 

La película suma crimen, drama, misterio y guerra. El relato desarrolla una historia que enfrenta a un personaje pragmático, desprovisto de ideales, que goza de buena posición y muchas relaciones sociales, con otro, de origen judío, que tiene su mismo nombre, su mismo apellido, una edad similar, una apariencia que muchos confunden con la suya y una gran capacidad de confundir y engañar. Se establece un juego parecido al del ratón y el gato, que a medida que avanza descubre una maraña espesa de misterio e intriga crecientes, que alcanza formas y dimensiones casi fantásticas. Dibuja con acierto y eficacia la frialdad del protagonista. Reproduce con vigor la atmósfera de autoritarismo, impunidad, control policial, desconfianza y temor que vive la población. Explica sin disimulos el fenómeno del colaboracionismo francés. Muestra la progresión que experimenta la persecución de los judíos y el comienzo de las deportaciones a los campos de exterminio nazis. Explica los hechos históricos que rodearon las detenciones masivas de judíos y su internamiento temporal en el Velódromo de Invierno durante la noche del 16 al 17 de julio de 1942 (“Rafle du Vel’d’hiv”). Algunos dicen que la obra es una pesadilla filmada.

La película guarda relación con obras de Kafka (Las metamorfosis, El castillo y El proceso), que los guionistas tienen en cuenta a la hora de construir la evolución personal del protagonista. Desarrolla una intriga que algunos califican de hitchcockiana por su intensidad y fuerza. Se sirve del distanciamiento respecto de los personajes, a la manera de Bertold Brecht, para subrayar la frialdad del conjunto. El hieratismo del protagonista refuerza, en mayor o menor medida, con mayor o menor acierto, la frialdad de su personalidad y su gélida indiferencia ante el dolor ajeno.

Joseph Losey, un maestro cineasta en un juego de engaños (II)

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Silencios y tartamudeos sin decir

Es este novelista, británico y convencional, quien rápidamente se convierte en el objetivo del cineasta. Lo tiene todo mal, de hecho: es presuntuoso, hasta el punto de que un simple cumplido, hipócrita, basta para calmar un repentino nerviosismo. Condescendiente con esta esposa que se fue a Alemania "para encontrarse a sí misma", como él dice, no sin ironía ... Y cuando el rival que él creía imaginario aparece en Inglaterra, considera inteligente contratarla como secretaria - ¡para humillarlo! -, que se vuelve en su contra. De hecho, se parece a esos héroes de Molière que con paciencia, inconscientemente, construyen su propia ruina.

Losey siente mucha más simpatía por su heroína (Glenda Jackson , porque se embarca en una aventura, se desvía del sistema y lo desafía, a riesgo, como prueba el último plan, de pagar caro por ello ... Y por el amante (Helmut Berger): un gigoló, claro, y un narcotraficante execrable (¡esconde la mercadería en una cuneta, sin pensar en el tiempo!). Pero un cínico, sobre todo, un especulador, un anarquista mundano que, en lugar de matarlo, se vende al adversario para derrotarlo. Subsistir siendo bien pagado por aquellos a quienes se desprecia, y que te lo devuelven, ya es una sedición. ¡Y qué secretos placeres proporciona!

A pesar de un último cuarto de hora decepcionante (ya que, curiosamente, allí triunfa el realismo), la película brilla con sus no dichos, sus silencios, sus balbuceos, sus miradas. En fin, toda una cosa indescriptible que el director toca como tantos enigmas sin resolver.

Elizabeth Taylor, vulgar y noble a la vez

Lo que hace aún mejor en Ceremonia secreta (1968). Otro fracaso empresarial y otro trío, mucho más angustioso: una virgen loca (Mia Farrow), una prostituta envejecida (Elizabeth Taylor) y un depredador sexual (Robert Mitchum). Una rechaza la muerte de su madre, la otra de su hija y el tercero de su virilidad. De ahí muchos engaños y mentiras. Los tres mienten, se mienten el uno al otro, aceptan pasar por lo que no son, hacer el papel que el otro quiere, incluso creer en él, a veces, sin que sepamos realmente cuando las víctimas se convierten en monstruos. Y viceversa.

En un escenario suntuoso y mortífero (parece un sarcófago gigante), con una puesta en escena que parece envolver a los personajes - ¡y a los espectadores! - para reprimirlos mejor, fascina Elizabeth Taylor, vulgar y noble al mismo tiempo. Una vez causó una muerte involuntaria, le gustaría expiar salvando una vida. Pero no: a su alrededor, morimos. Ella sobrevive. Es su dolor y su castigo. Losey la abandona acurrucada en su cama, rodeada de sombras, murmurando una extraña fábula: “Dos ratones caen en una jarra de leche. Uno pide ayuda y se ahoga. El otro está agitado toda la noche y, por la mañana, se encuentra con un trozo de mantequilla... "

“A pleno sol”, "Crónica negra"" y “El otro Señor Klein”: tres veces Alain Delon y sus dobles, para volver a ver, en Netflix (II)

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Crónica negra (Un flic, 1972) es la última palabra de J.P. Melville, antes de fallecer, sobre el género negro y sus arquetipos, y supone su absoluta voluntad de abstracción porque, ante todo, representa la simplificación a su esencia de los tradicionales procedimientos estilísticos y retóricos. En esta película crepuscular a Melville ya ni siquiera le interesa la intriga, que soluciona mediante elipsis y sobreentendidos, sino, únicamente, la peripecia y la ambigüedad en estado puro.

Décimotercer largometraje y último de Jean-Pierre Melville. La acción dramática tiene lugar en Paris y en Saint-Jean-de-Mont entre el 23/12/1971 y el 10/2/1972. La banda de Simón (Crenna), amigo del comisario Edouard Coleman (Delon), atraca una sucursal bancaria de una pequeña localidad turística de la costa atlántica. Posteriormente interceptan y sustraen una partida de droga (cocaína) en poder de una banda rival. Uno de los malhechores, Marc Albouis (Pousse), resulta herido de bala. Los otros dos asaltantes son Paul Weber (Cucciola) y Louis Costa (Conrad). Simón regenta, con la colaboración de Cathy (Deneuve), la sala de fiestas de noche “Simon’s”, de Paris. Es duro, codicioso, ambicioso y desconsiderado. El comisario Coleman es tan duro y frío como los malhechores.

Catherine Deneuve y Alain Delon en Crónica negra (1972)

Al realizador, le interesa, sobre todo, la exploración de la ambigüedad moral de los protagonistas y las equivalencias entre la policía y los atracadores. La lucha de la policía contra los criminales no se identifica con el enfrentamiento secular entre el bien y el mal. Los criminales son fríos, carecen de sentimientos, maltratan a quienes se cruzan en su camino, son sanguinarios y crueles. La policía, personificada en la figura del comisario Coleman, actúa de manera similar. Otros referentes temáticos de la película son la exploración de las debilidades humanas, la preocupación por la muerte, la amistad masculina, la lucha entre el sentido del deber y los sentimientos de amistad, la tensión entre realidad y apariencias, la ambigüedad sexual (travestido enamorado del comisario). Los personajes dudan, sueñan, actúan y albergan miedos, frustraciones y esperanzas. Se comportan como seres humanos inmersos en una realidad cotidiana, ordinaria y corriente. Los diálogos son breves, escasos y casi lacónicos. El realizador muestra la atracción que siente por la tragedia. Destaca la secuencia del asalto a la oficina bancaria y el cruel interrogatorio (sólo insinuado) de Louis Costa. La película destila la gélida frialdad que anida en el espíritu de los criminales y de la policía.

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Joseph Losey, un maestro cineasta en un juego de engaños (I)

Una joven novia necesitada de amor se va a Alemania a recargar pilas y se cruza en la calle de un gigoló, un narcotraficante… En Una inglesa romántica (The Romantic Englishwoman, 1975), reeditada hoy, el director estadounidense transforma un guión banal en una sutil película. La oportunidad de evocar también Ceremonia secreta (Secret Ceremony, 1968), otro trío donde el engaño y la mentira se llevan hasta las últimas consecuencias. 

Helmut Berger y Glenda Jackson en  Una inglesa romántica  (1975) de Joseph Losey 

Los grandes cineastas son geniales solo porque saben cómo moverse con  en guiones convencionales que a veces se ven obligados a aceptar: ¡tienes que vivir! - su universo, su personalidad, su perspectiva. Este es el punto de Una inglesa romántica que Joseph Losey rodó en 1975, después del triunfo en Cannes de El mensajero (The Go-Between, 1971) y los duros fracasos de El asesinato de Trotsky (The Assassination of Trotsky, 1972), con Alain Delon y Richard Burton y Chantaje a una esposa (A Doll's House, 1973), con Jane Fonda.

La trama de Una inglesa romántica es banal: la escapada a Baden-Baden de un burgués inglés, mal casado, que cruza la calle de un gigoló proveedor de drogas ... Gracias a la ayuda del dramaturgo Tom Stoppard (unos años después de que Harold Pinter hiciera el mismo trabajo para Accidente (1967)), Losey convierte esta novela de la estación en una farsa sofisticada. Con espejos por todas partes, como para sugerir que sus personajes solo viven de sus reflejos. Y como leitmotiv, una secuencia erótica en un ascensor: convencido de su desgracia conyugal, uno de los tres héroes (Michael Caine) lo imagina, lo insiste, lo repite. Y, a fuerza de soñarlo, le da vida...

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“A pleno sol”, "Crónica negra"" y “El otro Señor Klein”: tres veces Alain Delon y sus dobles, para volver a ver, en Netflix (I)

Si un tema sigue cuestionando en la filmografía de Alain Delon, es el de la dualidad. Netflix ofrece tres películas que resuenan con este tema, dirigidas por tres de los cineastas de su panteón personal. Con esta constante: cuanto más "lejos" está Delon, más carismático es.

A pleno sol (1960), de René Clément (1960), la película que descubrió a Alain Delon. 

Conocemos la historia de A pleno sol (Plein soleil, 1960), la película que convirtió al joven Alain en una estrella. Una historia de robo de identidad como se describe en esta adaptación de la novela El talento de Mr. Ripley (1955) de Patricia Highsmith, unida a otra historia de identidad cambiante durante el casting de la película. Originalmente, René Clément imaginó a Jacques Charrier para interpretar a Tom Ripley, y Delon interpretaría a Philippe Greenleaf, el joven heredero. Convencido de que es Ripley, ese personaje dispuesto a robarle la vida a otro, llega a la casa de René Clément para defender su caso. Los hermanos Hakim, productores de la película, presentes esa noche, se enfurecen: ¿quién se cree que es?

Con Delon, la pregunta es más profunda de lo que parece. Hará falta la intervención de Belle Clément, la esposa del director, para convencer a todos de que es una buena idea (Jacques Charrier rechazará el otro papel que será para Maurice Ronet). Así que fue una mujer que sintió hasta qué punto Delon era, y seguirá siendo, en un Ripley de cine (¿una repetición? ¿Una copia fascinante de sí mismo, una y otra vez, de película en película?): Un hombre cuya belleza ideal, su rostro tan suave como el agua del lago donde se inclina Narciso, esconde un vacío por llenar. Un Ripley listo para mezclarse y desaparecer en cualquier cosa menos en él mismo. ¿Por qué? Delon encarna la pregunta, no la respuesta, y la película, más allá de su maravilloso dominio formal de un thriller pervertido, se basa, una y otra vez, en este magnetismo del vacío.

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Efemérides de cine: La mujer maldita

El 26 de mayo de 1968 se estrenó la película británica La mujer maldita (Boom), dirigida por Joseph Losey e interpretada por Elizabeth Taylor, Richard Burton, Noël Coward, Joanna Shimkus, Michael Dunn, Romolo Valli, Fernando Piazza, Veronica Wells, Howard Taylor. Productora: Coproducción Estados Uniod-Reino Unido;  World Film Services/Moon Lake/Universal Pictures/John Heyman Productions. Duración: 113 minutos. 

Sinopsis argumental: Flora 'Sissy' Goforth (Elizabeth Taylor) es una mujer difícil de tratar y que, simultáneamente, padece una enfermedad terminal. Vive retirada junto a una comitiva de sirvientes en una enorme mansión localizada en una apartada isla del Mediterráneo, de la que ella es propietaria. Sus días los pasa entre pastillas, alteraciones emocionales varias y un libro que está escribiendo. De pronto, un hombre misterioso irrumpe en su vida. Se hace llamar Angelo Del Morte (Richard Burton) y dice haber sido invitado por ella tiempo atrás. La película se construye fundamentalmente sobre la interacción entre ambos personajes y su contenido a menudo tiene resonancias alegóricas y simbólicas. El mismo nombre de él induce explícitamente a pensar en la venida del "ángel de la muerte" a la vida de Sissy.

Comentario: Adaptación de la obra de Tennessee Williams titulada originalmente The Milk Train Doesn't Stop Here Anymore. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Noticias de libro: Joseph Losey

Joseph Losey

Joaquín Vallet Rodrigo

Cátedra

Madrid

2010

328 págs.

La obra de Joseph Losey ha estado marcada por la constante reflexión sobre la complejidad del individuo y su soledad o su condición marginal frente a la sociedad que lo envuelve. Sin duda, ello adquiere rasgos profundamente personales al ser Losey uno de los afectados por las investigaciones del Comité de Actividades Antiamericanas, lo que le obligó a exiliarse a Europa a comienzos de los años cincuenta, manteniendo un compromiso ideológico del que muchos de sus colegas habían abjurado. Cineasta de gran personalidad, fue uno de los nombres capitales de la década de los sesenta gracias a títulos tan aclamados como «El sirviente» o «Accidente». Este libro, el primero editado en castellano sobre Joseph Losey, analiza toda su obra exponiendo las claves necesarias para su plena comprensión.

Efemérides de cine: Accidente

El 6 de febrero de 1967 se estrenó la película británica Accidente (Accident), dirigida por Joseph Losey e interpretada por Dirk Bogarde, Stanley Baker, Jacqueline Sassard, Michael York, Vivien Merchant, Delphine Seyrig, Alexander Knox. Productora: Royal Avenue Chelsea. Duración: 105 minutos. 

Sinopsis argumental: Stephen es un profesor de la Universidad de Oxford, un tipo sereno y cálido, casado, pero que empieza a experimentar los clásicos problemas de la crisis de la mediana edad. Las cosas empeoran cuando conoce a Anna, una bella estudiante a la que da clase. Ella está comprometida con William, otro de los estudiantes de Stephen. Un día, la joven estudiante se ve envuelta en un accidente, cuya consecuencia es la dramática muerte de su novio. Desesperada, solo encontrará consuelo en Stephen. Por su parte, él descubrirá que se ha enamorado de la joven y que solo se siente vivo y feliz con su presencia. Pero a su alrededor se percibe una sofocante presión, los sentimientos de él hacia ella solo pueden acabar en tragedia. 

Nominaciones y premios: Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado; Globos de Oro: Nominada mejor película extranjera de habla inglesa; Premios BAFTA: 4 nominaciones incluyendo a mejor film británico.

Comentario: Un dramático thriller, segunda película de Joseph Losey, que realiza un demoledor ataque contra la alta sociedad y la escasa profundidad de los convencimientos y reglas por los que se rige, poniendo el dedo en la llaga de su hipocresía y de su falsa doble moral. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: Modesty Blaise, superagente femenino

En mayo de 1966 se estrenó la película británica Modesty Blaise, superagente femenino (Modesty Blaise), dirigida por Joseph Losey. Protagonizada por Monica Vitti, Terence Stamp, Dirk Bogarde, Harry Andrews, Michael Craig, Clive Revill. Productora: Twentieth Century-Fox. Duración: 119 minutos.

Sinopsis argumental: Modesty Blaise es el nombre de una seductora espía (Monica Vitti) a quien recurre el gobierno británico para impedir que un experto criminal (Dirk Bogarde) lleve a cabo un robo millonario de diamantes. 

Nominaciones y premios: Festival de Cannes: nominada a la Palma de Oro (mejor película); Premios BAFTA: nominada a mejor fotografía (color).

Comentario: Basada en la popular tira cómica Modesty Blaise, escrita por Peter O'Donell e ilustrada por Jim Holdaway, que fue publicada por primera vez en el Evening Standard en 1963. Se cumple el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: El muchacho de los cabellos verdes

El 16 de noviembre de 1948 se estrenó la película estadounidense El muchacho de los cabellos verdes, dirigida por Joseph Losey. Protagonizada por Pat O'Brien, Robert Ryan, Barbara Hale, Dean Stockwell, Richard Lyon, Walter Catlett, Samuel S. Hinds, Regis Toomey. Productora y distribuidora: RKO Radio Pictures.

Sinopsis argumental: En un pequeño pueblo inglés, la policía recoge a Peter (Dean Stockwell), un chaval con la cabeza afeitada que rehúsa hablar ante las preguntas de los agentes. El Dr. Evans, el psiquiatra que colabora con la policía, será con quién el chico cogerá confianza y será el elegido para escuchar su increíble historia: Peter vivía con sus abuelos, unos antiguos feriantes de circo. Un día, mientras ayudaba en el colmado donde trabajaba, se entera que una nueva guerra está a punto de estallar. Ahí es cuando se entera que sus padres murieron en un raid aéreo durante uno de los bombardeos sobre Londres. A la mañana siguiente, Peter se despertó con el cabello completamente verde. Todos los chavales se reían de él, por lo que Peter huye al bosque, lugar donde tendrá una visión: Él ha sido el elegido. Y él, el muchacho de los cabellos verdes, será el encargado de comunicar al resto del pueblo los horrores y los peligros de la guerra...

Comentario: La película explica una historia vista a través de los ojos de un niño. Se desarrolla como una fábula sencilla, no exenta de simpatía, sobre temas en relación a los que el autor desea mover a la reflexión. Le preocupa la carrera nuclear, los temores asociados a la Guerra Fría, los horrores de la guerra y la intolerancia social de la diferencia (raza, religión, enfermedad). Hace hincapié en tres lineas argumentales: los peligros de las armas nucleares, la tragedia de la guerra y la intolerancia contra las personas diferentes (pelirrojos, los que usan gafas gruesas, los huérfanos de guerra, etc.). En términos didácticos, defiende las actitudes antibelicistas y antinuclearistas y exalta el valor de la tolerancia social de la diferencia. El caudal argumental que hoy se tiene en relación a los temas indicados se halla en un nivel mucho más elevado que el disponible en 1948. Visto con ojos actuales, la película es ingenua en sus planteamientos, pese a la vigencia de los cuestiones propuestas. El color verde, como símbolo del medio natural y de la vida, es hoy conocido, aceptado y respetado por todos. La sinrazón de la intolerancia contra los diferentes dispone de argumentos más potentes y sofisticados, como el desarrollo del Derecho Internacional Humanitario, el avance de la multiculturalidad, la realidad multiétnica de las sociedades desarrolladas, el avance científico y otros referentes, que señalan que la diferencia no justifica la desigualdad. Es enternecedora la descripción del personaje del abuelo de adopción y relación parternofilial entre éste y el niño.

Efemérides de cine: Ceremonia secreta

El 23 de octubre de 1968 se estrenó la película estadounidense Ceremonia secreta (Secret Ceremony), dirigida por Joseph Losey. Con Elizabeth Taylor, Mia Farrow, Robert Mitchum, Peggy Ashcroft, Pamela Brown, Robert Douglas, George Howell. Productora: World Film Services. Distribuidora: Universal Pictures.

Sinopsis argumental: Leonora, una prostituta de mediana edad, aún no ha asumido la pérdida de su hija. Un día, cree verla en el rostro de Cenci, una chica que conoce casualmente durante un trayecto en autobús por las calles de Londres. Leonora se da cuenta de que la chica, a su vez, la confunde a ella con su madre, pero acepta seguirle el juego con la intención de indagar sobre la persona que podría ser una reencarnación de su propia hija. 

Comentario: Ceremonia secreta es la segunda obra del autor argentino Marco Denevi, la cual, debido a que fue galardonada con el Premio Internacional de Cuento convocado por la revista Life en 1960 –entre los miembros del jurado se hallaba el prestigiado escritor mexicano Octavio Paz–, posteriormente también se mereció su traslado a la pantalla grande, en este caso bajo la dirección de Joseph Losey. 

Efemérides de cine: Rey y patria

El 5 de septiembre de 1964 en el Festival de Venecia se estrenó la película británica Rey y patria (King and Country AKA King & Country), dirigida por Joseph Losey. Con Dirk Bogarde, Tom Courtenay, Leo McKern, Barry Foster, James Villiers, Peter Copley, Jeremy Spenser. Productora: American International Pictures. Por tanto hoy cumple el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Sinopsis argumental: A un soldado, acusado de desertar durante la batalla, sus superiores quieren imponerle un castigo ejemplar. 

Nominaciones y premios: Premios BAFTA: Mejor película. Festival de Venecia: Mejor actor (Tom Courtenay) 

Comentario: Drama antibélicista, de argumento similar a Senderos de Gloria (Paths of Glory), rodada por Kubrick en1957.

Efemérides de cine: Chantaje a una esposa

El 17 de agosto de 1973 se estrenó la película británica Chantaje a una esposa (A Doll's House), dirigida por Joseph Losey. Protagonizada por Jane Fonda, David Warner, Trevor Howard, Delphine Seyrig, Edward Fox, Anna Wing. Coproducción GB-Francia: Les Films de la Boétie/World Film Services. Distribución: British Lion Film Corporation.

Sinopsis argumental: Nora Helmer, casada y con cuatro hijos pequeños, parece una mujer feliz. Aunque su marido es muy autoritario y dominante, el carácter alegre y algo frívolo de Nora hace soportable la situación. Pero, años atrás, Nora, sin conocimiento de su marido, contrajo una deuda que intenta liquidar sustrayendo pequeñas sumas al presupuesto familiar. Sin embargo, como su marido es muy estricto en el control de los gastos, ha ido retrasando los pagos, ha pedido incluso dinero a algunos conocidos, pero llega un momento en el que su situación es desesperada. 

Comentario:Adaptación a cargo de Joseph Losey de la clásica obra del noruego Henrik Ibsen Casa de muñecas, considerada una obra de temática revolucionaria por su rechazo de las convenciones sociales y la toma de partido por la mujer en la vida matrimonial, lo cual puede entenderse, y así lo ha sido, como uno de los más incisivos alegatos feministas de la literatura.

Efemérides de cine: El mensajero

El 29 de julio de 1970 se estrenó la película británica El mensajero (The Go-Between), dirigida por Joseph Losey. Con Julie Christie, Alan Bates, Dominic Guard, Margaret Leighton, Michael Redgrave, Edward Fox, Michael Gough. Producción y distribución: EMI Films/Robert Velaise Productions/John Heyman Productions/Columbia Pictures Corporation.

Sinopsis argumental: Inglaterra, principios del siglo XX. Los señores Maudsley, de la alta sociedad inglesa, han invitado a Leo, un compañero de clase de su hijo a pasar unos días de vacaciones con ellos. El recién llegado será utilizado por la hermana de su amigo para enviar cartas a su amante.

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor actriz de reparto (Margaret Leighton). Festival de Cannes: Palma de Oro: Mejor película. Globos de Oro: Nominada Mejor película extranjera de habla inglesa.

Comentario: Tercera y última colaboración del realizador Joseph Losey (1909-84) con el dramaturgo y guionista Harold Pinter. El guión adapta la novela The Go-Between (1954), de Leslie P. Hartley (1895-1972). La película describe con eficacia la sociedad aristocrática inglesa de la época eduardiana, explora sus costumbres, ideales, debilidades, intereses y decadencia, recrea el ambiente aristocrático con la ayuda de un vestuario magnífico, unos decorados espléndidos y unas interpretaciones de gran nivel. La narración se desarrolla siguiendo los recuerdos de un niño que ve las cosas con superficialidad y que no entra en el análisis de las interrelaciones de las variables que ve, pero no entiende por razones de edad y por su condición de persona ajena a la familia protagonista. Los recuerdos se evocan unos 70 años después de que ocurrieran los hechos. El que los rememora es un Léo (Redgrave), de 82 años, que contempla el pasado sin emociones y desde la lejanía que impone el paso del tiempo.

Efemérides de cine: M

El 10 de junio de 1951 se estrenó la película estadounidense M, dirigida por Joseph Losey. Protagonizada por David Wayne, Howard Da Silva, Luther Adler, Martin Gabel, Steve Brodie. Productora: Superior Pictures.

Sinopsis argumental: Un criminal cuyas víctimas son niños es perseguido incansablemente por la policía, pero también por el mundo del hampa. 

Comentario: Americanización de la impresionante película de Fritz Lang de 1931, M, el vampiro de Düsseldorf.

Efemérides de cine: El sirviente

El 19 de marzo de 1963 se estrena la película británica El sirviente (The Servant), dirigida por Joseph Losey. protagonizada por Dirk Bogarde, Sarah Miles, Wendy Craig, James Fox, Catherine Lacey, Richard Vernon, Brian Phelan, Hazel Terry, Alison Seebohm, Philippa Hare, Dorothy Bromiley. Productora: Springbok Productions / Elstree Distributors

Sinopsis argumental: La acción tiene lugar en Londres entre 1961 y 1962, a lo largo del invierno. Narra la historia de Hugo Barrett (Dick Bogarde), perspicaz, manipulador, seductor, buen cocinero, que lleva 13 años como asistente doméstico. Es contratado por Anthony Mounset (James Fox), aristócrata, soltero, refinado, indolente, frágil e inseguro, más joven que Barrett. Entre ambos se establece una relación compleja de dominación y sumisión, confianza y engaño, eficiencia y degradación, amistad y lucha por el poder.

Premios y nominaciones: Festival de Venecia: Nominada al León de Oro. Nominado a 8 BAFTA, ganó 3 (mejor actor, mejor fotografía y mejor actor novel). Círculo de Críticos de Nueva York: mejor guión. Obtuvo un Silver Ribbon (mejor director extranjero).

Comentario: Se basa en la novela The Servant (1948) de Robin Maugham. La película es un drama psicológico basado en el enfrentamiento entre un hombre servicial que, tras una apariencia de eficacia, oculta pasiones de dominación, posesión y degradación. Entre sus motivaciones se apuntan deseos de revancha, resentimientos, afanes de poder e inclinaciones sadomasoquistas. El arco dramático avanza desde la conquista de la confianza y el respeto de Tony, el alejamiento de su novia, la introducción de una mujer en la casa, Vera (Sarah Miles), para que le seduzca al patrón y le domine sexualmente, la ocupación física de sus espacios (lavabo, dormitorio), etc. La obra explora el alma humana, sugiriendo hipótesis sin formular juicios. Las cuestiones que se plantean quedan en suspenso, abiertas a la reflexión. La cámara realiza un extraordinario trabajo de exploración de la casa, con un sugestivo movimiento de cámara, travellings, zooms, barridos, tomas largas, planos picados y contrapicados, reflejos en espejos que completan las escenas. Se sirve de símbolos, como la posición de los actores en la escalera, la intensidad del color de las figuras, los barrotes del pasamos. Añade elementos inquietantes, como el sonoro goteo del grifo, la estridencia del teléfono, la indefinición de la distribución de la casa, la lluvia persistente y la nieve. Salvo escasas excepciones, todas las escenas son inquietantes, incluidas las exteriores (restaurante, bar, casa de los padres, estación de tren). La homosexualidad se sugiere a través de las fotografías del dormitorio de Tony (jóvenes musculosos), esculturas de la casa (atleta desnudo) y la indicación amenazadora de Barrett "yo conozco su secreto". Critica a la aristocracia, presumida e ignorante, que confunde un poncho con una capa.

La música aporta una banda jazzística de saxo y piano, en la que se apoyan fragmentos de All Gone, a cargo de Cleo Laine. Añade un fragmento de guitarra. La fotografía es magnífica. El guión desgrana un crescendo dramático demoledor. La interpretación de Bogarde, extraordinaria, incrementa los sentimientos de desasosiego. La dirección consigue la que posiblemente es su obra cumbre.