lunes, 31 de agosto de 2020

Rodolfo Valentino, el eterno latin lover (I)

Rodolfo Valentino atravesó los cielos de América como un meteoro, y se hundió en tierra en el único momento dramático de su vida, el de su muerte. Lo repentino de su enfermedad, y la rapidez con que desapareció de entre los vivos provocaron una ola de histeria como no se había dado antes ni ha vuelto a repetirse. Se convirtió en la figura masculina de los sueños de mujeres de todas las edades, en el gran amante de la Historia del Cine. 
Aunque sin figurar en los créditos, Valentino interpretó un pequeño papel en A Rogue's Romance (1919). Sele ve aquí junto a Earle Williams. 
El hombre
Pocas mujeres del mundo podrían dejar de sentirse fascinadas por el hecho de verse arrebatadas a su caballero acompañante y arrastradas a un tango erótico que se convierte prácticamente en una seducción como el bailado por Valentino en Los cuatro jinetes del Apocalipsis (The Four Horsemen of the Apocalypse, 1921). ¿Qué mujer podría resistirse al magnetismo animal de un hombre capaz de desnudarla con la vista, en una mirada ascendente, lenta y cargada de erotismo, como la que lanza Valentino a  su pareja en El Caíd (The Sheik, 1921). ¿Qué mujer no se siente complacida ante la idea de ver de rodillas ante ella a un hombre lo suficientemente fuerte y valiente como para torear y dar muerte a los temibles toros bravos, como hace Valentino en Sangre y arena (Blood and Sand, 1922)?
Interpretando a un hombre de mundo argentino, que posteriormente lucha a favor de Francia en la I Guerra Mundial, en Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1921)
Contemplando a Valentino numerosas mujeres se aproximaron a su ideal de hombre apasionado, viril, prodigador de caricias, dispuesto a someterse sólo a su belleza. Su enorme atractivo para las mujeres ha fascinado siempre a sus biógrafos y a los historiadores. Para hablar de él se han utilizado términos como "magnetismo animal", "carisma", "it"; mientras que su "sex appeal" se atribuido entre otras cosas a su mirada cálida y apasionada, a su físico atlético, a su forma de seducir a las mujeres, al uso desinhibido que hacia de su propio cuerpo cuando bailaba. En cualquier caso, lo que esta claro es que una cualidad indefinible brillaba en todas sus interpretaciones y le hacía irresistible. 
Rodolfo Valentino en El Caíd (1921)
Era italiano hasta la médula, con muchas de las virtudes y no poco de los defectos típicamente italianos; y, como otros muchos compatriotas suyos de ambos sexos, poseía una espléndida belleza juvenil que parecía condenada a marchitarse y a desaparecer al alcanzar la madurez. Una foto durante el rodaje de Monsieur Beaucaire (1924) de la Paramount demuestra que estaba empezando a echar papada; mientras en sus películas de época tenía que sujetarse los vestidos con un apretado cinturón, sin duda para disimular la "curva de la felicidad" que empezaba a ser ya visible. 
Bebe Daniels y Rudolph Valentino en Monsieur Beaucaire (1924)
El advenimiento del sonoro no le hubiese planteado el menor problema. Era un hombre políglota, que no sólo hablaba italiano e inglés, sino también español y francés; y, de hecho, buena parte de los diálogos de Monsieur Bucaire eran en francés. Aunque tenía un ligero acento extranjero, su inglés era impecable. En caso de no haber muerto prematuramente, lo único con lo que habría tenido que luchar para seguir siendo una gran estrella era la tendencia a la obesidad. Por otro lado, era un bailarín consumado. 
(cont.)

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XXII)

Rebeca (Rebecca, 1940), de Alfred Hitchcock

Fiel adaptación de la novela homónima de Daphne du Maurier -publicada solo un par de años antes-, en 1938, que conserva la tenebrosidad y el dramatismo del libro en el que se basa. Hitchcock le agrega su importante cuota característica de suspense. Fue la primera producción estadounidense de Alfred Hitchcock, que la dirigió con asombroso aplomo y con una comprensión excepcional del tono esencial de la novela, sin dejar por ello de imprimir su huella personal a la hora de regalar dosis de suspense.
Seguramente sea una de las películas que menos definan a Hitchcock como director. Destacan las impresionantes interpretaciones de Laurence Olivier, Joan Fontaine y Judith Anderson -como la retorcida ama de llaves-, todos ellos candidatos al Oscar. La película obtuvo las estatuillas a la mejor película y mejor fotografía en blanco y negro. Además, tuvo otras nueve nominaciones.
Una curiosidad: A partir del éxito de la película, en España comenzó a denominarse Rebeca al estilo de chaqueta que utiliza la actriz Joan Fontaine a lo largo de la película –aunque en realidad Rebeca es la primera esposa, y Joan Fontaine encarna a la segunda–. De hecho, más adelante el término sería incluido en el Diccionario de la Real Academia Española. 

Memorables transformaciones de maquillaje en la pantalla (XVIII)

Nicole Kidman en Destroyer, una mujer herida (2018)

domingo, 30 de agosto de 2020

El hijo del Caíd, película en fotogramas (III)


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La joven no sabe quién es, pero su padre, André, un francés, sí. Su cómplice, Ghabah, el Moro, que desea casarse con Yasmin, captura a Ahmed y lo manda azotar, haciéndole creer que Yasmin lo ha traicionado. 
Los sirvientes de Ahmed lo rescatan. Algún tiempo después, mientras ella baila en el café Maure, en una ciudad cercana.   
Ahmed se presenta  en él haciéndose pasar por un cliente rico, y la rapta tras una lucha.
La conduce a su tienda y la toma a la fuerza.
El Caid acude al campamento, donde le reprocha a Ahmed su forma de tratar a la joven. Ahmed accede a enviarla de nuevo a la ciudad, escoltada por sus hombres. En el camino, es capturada por André, Ghabah y sus seguidores. Ahmed se entera de que Yasmin no tuvo la menor culpa de su captura. En medio de una violenta tormenta, vuelve al  café en busca de Yasmín. 
Mientras tanto, el Caid se informa de que su hijo está en peligro.
Se produce una pelea, y el Caid acude en auxilio de Ahmed. Padre e hijo se reconcilian.
Ahmed marcha hacia el desierto, junto a Yasmin.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XXI)

El desconocido del tercer piso (Stranger on the Third Floor, 1940), de Boris Ingster

Un drama negro estilísticamente muy influenciado por el expresionismo alemán y que tampoco renunció a incluir en su argumento unos toques de crítica social (especialmente en lo que se refiere al injusto juicio al que se somete al personaje interpretado por Elisha Cook Jr.). Peter Lorre está excelente en un papel prácticamente de cine mudo, pues apenas pronuncia palabras en toda la película.
El desconocido del tercer piso suele ser citada como el primer film noir por excelencia. En la que  participa el actor Peter Lorre, que había alcanzado la fama por su perversa composición en el clásico M, el vampiro de Düsseldorf (M, 1931), en la que también podemos encontrar elementos del género, sobre todo en lo que respecta a la iluminación. Lorre participó en la ópera prima de Ingster porque por contrato debía dos días a la RKO. La película, poco conocida hoy día, es una pequeña maravilla.

Memorables transformaciones de maquillaje en la pantalla (XVII)

Neil Patrick Harris en Una serie de catastróficas desdichas. The Wide Widow: part One (2017)

sábado, 29 de agosto de 2020

Los nuevos mutantes, lo peor de X-Men

Imaginación adulterada, estética grandilocuente ... No hay mucho que salvar de esta película de Josh Boone con mutantes con superpoderes, en cines desde el 28 de agosto después de haber visto pospuesto varias veces su estreno. Ojo, este texto revela ciertos elementos de la trama.
Inicialmente su estreno estaba programado para abril de 2018, luego pospuesto varias veces, debido a la adquisición de Fox por parte de Disney, debido a la pandemia de Covid-19, el tercer largometraje de Josh Boone, Bajo la misma estrella (Our Fault Stars, 2014) se estrena en las salas con más de dos años de retraso. Esta adaptación de una serie de cómics derivada de los X-Men tiene como objetivo, en primer lugar, atraer a un público adolescente, como lo demuestran las apariciones en el casting de Maisie Williams (Juego de tronos) o Charlie Heaton (Stranger Things). Luego, intenta reconciliar el superhéroe y el cine de terror: una falsa buena idea que ya ha provocado varios fracasos, entre ellos, en 2019, el último Hellboy y El hijo (Brightburn 2019). Los nuevos mutantes (The New Mutants, 2020), o el encierro en un centro médico, en compañía de otros cuatro mutantes, de un joven mutante nativo americano capaz de hacer realidad los temores enterrados de cada uno.

De “Memento” à “Tenet”, la carrera contra el reloj de Christopher Nolan

Desde su primera película, el cineasta británico va la búsqueda del tiempo que se pierde, obsesionado por esas horas, esos minutos que transcurren inexorablemente. Desde la búsqueda amnésica de Memento hasta el regreso al futuro de Tenet, incluidos los sueños cronometrados de Origen, echemos un vistazo juntos al empleo del tiempo de Christopher Nolan.
Christopher Nolan en El caballero oscuro (2008)
“No le tengo miedo a la muerte, siendo físico”, dice el profesor Brand (Michael Caine) en Interstellar (2014), “pero le tengo miedo al tiempo. Christopher Nolan no pudo expresarlo mejor. Es con obstinación, una obstinación cercana al masoquismo, que filma la angustia que siente por esos días, horas, minutos, segundos que se le escapan de los dedos. Es el director que, en la actualidad, mejor sabe jugar con la durabilidad: la distiende, la encoge como le place. Lo rompe mejor para intentar recrearlo, como el héroe de Memento (2000). Lenny (Guy Pearce) que perdió la memoria inmediata como resultado de una lesión. Cuando se despierta en un hotel, no sabe si llegó el día anterior o hace tres meses. Mientras busca al asesino de su esposa, se ve obligado a anotar frases en su cuerpo, fotografiar a las personas que conoce y los actos que realiza, antes de borrarlos. Obviamente, esto es una desventaja, pero un regalo a los ojos del cineasta: vivir el tiempo sin sentir su peso, qué sueño...
Guy Pearce en Memento (2000)
En él, incluso los sueños están cronometrados. Sistemáticamente cronometrado matemáticamente. En Origen (2010), Leonardo Di Caprio entendió que "la mente va más rápida en los sueños. Por otro lado, el tiempo pasa más lentamente. Por tanto, diseñó un universo imaginario donde "cinco minutos reales valen una hora de ensueño"...
Leonardo DiCaprio en Origen (2010)
A veces, las tramas de Nolan son simples: ¿Sobrevivirán los soldados de Dunkerque (2017)? ¿Evitarán las bombas? ¿Podrán salir de un refugio antes de que se acerque a ellos? El clima aquí es un suspense inmediato. Como en Hitchcock...
Fionn Whitehead en Dunquerque (2017)
Las grietas en el espacio-tiempo
Pero estos son temas más amplios y misteriosos que él privilegia. Los basa, con mayor frecuencia, en fallas en el espacio-tiempo, pero también, especialmente en Interstellar, en una verborrea pseudocientífica que bordea el fraude intelectual. Lo que todas sus películas tienen en común: personajes que parecen convertirse en juguetes de lo que esperaban dominar. En Interstellar, el astronauta Cooper (Matthew McConaughey) viaja por las galaxias para encontrar un planeta que pueda acoger nuestra Tierra exhausta. Todas las obsesiones del cineasta parecen condensadas en este cuento se convierten en las agujas de un reloj, pero ¿qué otro objeto habría sido posible? - que permiten a la heroína adivinar el mensaje de su padre. Y salvar a la Tierra...
Matthew McConaughey y Anne Hathaway en Interstellar (2014)
Un planeta amenazado de nuevo en Tenet, estrenada el 26 de agosto y esperado como el Mesías por los distribuidores para llenar los cines. Esta vez, el enemigo es nada menos que el futuro, ansioso por tomar el lugar del presente, nuestro lugar, de hecho. El adversario es astuto: después de todo, nos conoce de memoria. El director multiplica, por tanto, las inversiones y los retornos al futuro... Bajo una apariencia futurista, es un James Bond más que dispara, con gadgets y peleas clásicas y un soberbio "villano" anticuado: Kenneth Branagh, en camino al Oscar al mejor actor de reparto, es significativamente más ambiguo y emocionante que el héroe, extrañamente aburrido (John Daniel Washington).
John Daniel Washington en Tenet (2020)
"Tiempo, tiempo, tiempo y nada más. El tuyo, el mío, el que queremos nuestro”, cantó una vez Charles Aznavour. Francamente, no es cuando lo distorsiona cuando Christopher Nolan está en su mejor momento, sino cuando lo detiene abruptamente, como en Insomnio (2002). En un pequeño pueblo de Alaska donde el sol no se pone durante meses, llega un policía, soportando una falta implacable. No está durmiendo. Los ruidos a su alrededor se hicieron más fuertes. Y la luz de su dormitorio, a pesar de las persianas bajadas, lo ciega. Frente a sus ojos que se desvanecen, sus rasgos que se hunden, uno siente que Al Pacino se derrumba. En otra parte. En otra dimensión. Lo desconocido. Y su viaje inmóvil, su viaje interior, agoniza como una pesadilla sin fin.
Al Pacino y Yan-Kay Crystal Lowe en Insomnio (2002)

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XX)

El mago de Oz (The Wizard of Oz, 1939), de Victor Fleming

La película está basada asimismo en la novela infantil El maravilloso mago de Oz, de L. Frank Baum. Notable por su uso del Technicolor, la narración fantástica, su partitura musical y los personajes inusuales, con los años se ha convertido en un icono de la cultura popular estadounidense. Fue nominada a seis premios Óscar en la 12ª entrega, incluyendo mejor película. Ganó en otras dos categorías, incluyendo mejor canción original, por Over the Rainbow y mejor banda sonora, por Herbert Stothart. A pesar de recibir críticas positivas, la película fue un fracaso de taquilla en su estreno inicial.​ Fue la producción más cara de Metro-Goldwin-Mayer hasta la fecha y no recuperó completamente la inversión del estudio ni obtuvo ganancias hasta sus reestrenos en 1949. Su estreno en televisión en 1956 por la cadena CBS reintrodujo la película a un público más amplio y, con el paso de los años, su presentación anual se convirtió en una tradición, haciéndola una de las películas más conocidas en la historia del cine. Es uno de lοs pocos filmes considerados Memoria del Mundo por la Unesco (otros son las películas documentales de los hermanos Lumière, Los olvidados, dirigida por Luis Buñuel, de 1950, y Metrópolis de Fritz Lang, de 1927). En 1989, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.​ Está considerada como el tercer mejor musical del cine estadounidense por el American Film Institute.

viernes, 28 de agosto de 2020

Películas de la semana: 28 de agosto

Los nuevos mutantes

Título original: The New Mutants. Dirección: Josh Boone. País: Estados Unidos Año: 2020. Duración: 94 minutos. Género: Terror. Ciencia-ficción. Sobrenatural. Superhéroes. Cómic. Marvel Comics. Spin-off. Interpretación: Anya Taylor-Joy, Maisie Williams, Rosario Dawson, Charlie Heaton, Henry Zaga, Antonio Banderas, Blu Hunt, Happy Anderson, Alice Braga, Mickey Gilmore, Thomas Kee, Jeffrey Corazzini, Colbi Gannett. Guion: Josh Boone, Chris Claremont, Kante Gwaltney, Knate Lee, Bob McLeod, Scott Neustadter, Michael H. Weber (Cómic: Chris Claremont, Bob McLeod. Personaje: Dave Cockrum, Len Wein). Música: Mark Snow. Fotografía: Peter Deming. Productora: 20th Century Studios/Marvel Entertainment. Distribuidora: 20th Century Studios. Estreno en España: 28 de agosto de 2020. Sinopsis: Un grupo de adolescentes se encuentran recluidos en una especie de hospital psiquiátrico. Allí les realizan diferentes preguntas y pruebas. Estos chicos parecen tener una cosa en común: son peligrosos. Pero ni ellos mismos saben realmente por qué. Pronto se darán cuenta de que este hospital psiquiátrico no es normal. Ocurren fenómenos muy extraños que les ponen en constante peligro, incluso al borde de perder la vida. Este joven equipo de superhéroes mutantes fue creado por el escritor Chris Claremont y el artista Bob McLeod en 1982. Estos adolescentes eran estudiantes de la escuela del Profesor Xavier para Jóvenes Talentos, donde aprendieron cómo ser superhéroes. Los miembros originales incluían a Bala de Cañón (que puede generar energía termoquímica que le impulsa hacia adelante a gran velocidad), Magik (que puede poseer físicamente los cuerpos de otras personas), Danielle Moonstar (también conocido como Psyche o Mirage, capaz de generar ilusiones), Mancha Solar (que puede canalizar y absorber energía solar), y Wolfsbane (heroína que puede transformarse en hombre lobo). 

¡Va por nosotras!

Título originalUne belle équipeDirecciónMohamed Hamidi. PaísFrancia. Año2020. Duración95 minutos. GéneroComedia. Fútbol. Feminismo. InterpretaciónKad Merad, Alban Ivanov, Céline Sallette, Sabrina Ouazani, Guillaume Gouix, Laure Calamy, Myra Tyliann, Manika Auxire, Alexandra Roth, Marion Mezadorian. GuionAlain-Michel Blanc, Camille Fontaine, Mohamed Hamidi. MúsicaIbrahim Maalouf. FotografíaLaurent Dailland. ProductoraKiss Films. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 28 de agosto de 2020. SinopsisTras un pelea por insultar a un árbitro, en la que todo el equipo de Clourrières queda descalificado hasta la final, Marco (Kad Merad), el entrenador, ve a su pequeño equipo en riesgo de desaparecer. La única manera de que no desaparezca es que se forme un equipo únicamente de mujeres hasta que llegue la final del campeonato. La nueva situación del equipo alterará por completo la vida cotidiana de las familias cuando una actividad destinada únicamente hasta el momento a los hombres, pasa a ser también del dominio de las mujeres del pueblo.

Solo las bestias

Título originalSeules les bêtesDirecciónDominik Moll. PaísFrancia. Año2019. Duración117 minutos. GéneroIntriga. Drama. Secuestros. Desapariciones. InterpretaciónDenis Menochet, Laure Calamy, Damien Bonnard, Nadia Tereszkiewicz, Bastien Bouillon, Guy Roger 'Bibisse' N'Drin, Valeria Bruni Tedeschi. GuionGilles Marchand, Dominik Moll (Novela: Colin Niel). MúsicaBenedikt Schiefer. FotografíaPatrick Ghiringhelli. ProductoraFrance 3 Cinéma/Haut et Court/Razor Film. Distribuidora: Festival Films. Premios y nominaciones: Premios César: Nominada mejor actriz secundaria (Calamy) y guion adaptado; Festival Internacional de Tokyo: Premio del Público y mejor actriz (Tereszkiewicz). Estreno en España: 28 de agosto de 2020. SinopsisEn las montañas, durante una fuerte nevada, desaparece Évelyne (Valeria Bruni Tedeschi). Nadie sabe nada hasta que un día, Alice (Laure Calamy), una trabajadora social casada con Michel (Denis Ménochet), un granjero de la zona, encuentra un coche detenido junto a la carretera, pero no hay nadie dentro de él. Alice oculta una aventura con Joseph (Damien Bonnard), uno de sus pacientes. Él dice no tener relación con la desaparición, pero el cuerpo de la conductora aparece en su granero. Este es el principio de la desaparición de una mujer que relaciona misteriosamente a cinco personas que se encuentran en dos continentes distintos.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XX)

Tiempos modernos (Modern Times, 1936), de Charles Chaplin

Largometraje escrito y dirigido, por Charles Chaplin, que fue también el actor principal. Esta película es un reflejo de las condiciones desesperadas de las cuales era víctima un empleado de la clase obrera en la época de la Gran depresión, en la visión dada por la película, por la eficiencia de la industrialización y la producción en cadena. Tiempos modernos muestra escenas de corte futurista de la fábrica en la que trabaja Charlot que podrían tener influencia de la película de Fritz Lang Metrópolis y de la famosa ilustración Mechanophobia de John Vassos, aparecida en 1931. Fue la primera película de Charles Chaplin en la que a este se le puede escuchar su voz mientras canta en el bar. El actor canta una versión de la canción de Léo Daniderff «Je cherche après Titine», pero con una lengua inexistente, conocida como «Charabia», cuyos sonidos tratan de asemejarse a una mezcla de francés e italiano, con alguna palabra reconocible en inglés. Es una mezcla entre el cine mudo y el sonoro; a veces es considerada como la última película muda de la historia. Se emplearon algunos efectos auditivos, como música, cantantes y voces provenientes de radios y altavoces así como la sonorización de la actividad de las máquinas. Considerada como un ejemplo de crítica social, el mismo Chaplin negó la relevancia que muchos han querido darle a su trabajo en este largometraje. En la obra se mezcla la ficción con la realidad, para tomarla con un poco de humor.

El hijo del Caíd, película en fotogramas (II)

(cont.)
El aspecto más curioso de la película es el de la relación entre los escenarios en  los que transcurre y los personajes. Todos actúan como figuras típicamente árabes, incluyendo jeques y mujeres que ejecutan la danza del vientre; y, sin embargo, se comportan como en el más rancio melodrama sobre la moralidad sexual. De hech, los principales protagonistas no son árabes, sino europeos (ingleses y franceses) que viven como si lo fueran. De este modo, El hijo del Caíd muestra algo así como la "vida secreta" de la sociedad occidental contemporánea, hablando libremente sobre temas aparentemente "tabúes" como el deseo femenino, la violación y el conflicto entre padres e hijos. Los espectadores podían interpretar la historia de dos maneras: por un lado, si se escandalizaban por lo explícito de sus escenas sexuales, podía clasificarlas como una muestra "antropológica" de conductas propias de "extranjeros atrasados". Por el otro, si se dejaban atraer por los personajes y lo que les sucedía, podía acoger favorablemente la película como una fantasía erótica llena de luz y de color. En una época todavía no saturada por las teorías freudianas, esos sueños eran posibles. 
Ficha técnico-artística:
El hijo del Caíd (The Son of Sheik, 1926). Estados Unidos. Duración: 68 minutos. Dirección: George Fitzmaurice. Interpretación: Rudolph Valentino, Vilma Bánky, George Fawcett, Montagu Love, Karl Dane, Bull Montana, Bynunsky Hyman, Agnes Ayres, William Donovan, Charles Requa, Erwin Connelly. Guion: Frances Marion, Fred De Gresac (Novela: Edith Maude Hull). Música: Artur Guttmann. Fotografía: George Barnes. Productora: Feature Productions/United Artists. 
"El Sahara está regido por el Caíd, nacido en Inglaterra, pero criado en el desierto. Su hijo Ahmed se siente atraído por la danzarina Yasmin y organiza un encuentro secreto con ella..."
(cont.)

jueves, 27 de agosto de 2020

Películas de la semana: 27 de agosto

DJ Snake: The Concert in Cinema

País: Estados Unidos. Año: 2020. Duración: 110 minutos. Género: Documental. Conciertos. Reparto: Documental, DJ Snake. Música: (Canciones: DJ Snake). Estreno en España: 27 de agosto de 2020. SinopsisDJ Snake ha conquistado escenarios de todo el mundo y es uno de los 5 mejores artistas de dance a nivel mundial. Ha colaborado con grandes estrellas como Justin Bieber, Cardi B, Selena Gomez y J. Balvin. 3 de sus canciones tienen más de mil millones de reproducciones en Spotify y sus vídeos acumulan más de 20 mil millones de visitas en YouTube. El 27 de agosto se estrena en cines DJ Snake: The Concert in Cinema, una película sobre el concierto que Dj Snake ofreció el pasado mes de febrero en el Paris La Défense Arena, que convirtió al famoso artista y productor francés en el primer DJ en tocar para más de 40.000 personas en un recinto cerrado. Un concierto histórico filmado especialmente para cines de todo el mundo por más de 20 cámaras. Un concierto inolvidable con grandes éxitos como Turn Down For What, Lean On, Magenta Riddim o Taki Taki, Loco Contigo y Let Me Love You. Un evento cinematográfico único con una fabulosa producción y una espectacular puesta en escena que incluye una réplica de 20 metros del emblemático Arco de Triunfo.

Efemérides de cine: Toomorrow

El 27 de agosto de 1970 se estrenó la película británica Toomorrow in Toomorrow (Mañana) (Toomorrow), dirigida por Val Guest e interpretada por  Roy Dotrice, Carl Rigg, Tracey Crisp, Margaret Nolan, Roy Marsden, Maria O'Brien, Stuart Henry, Kubi Chaza, Shakira Caine, David Lodge. Productora: Lowndes Productions Limited. Duración: 95 minutos. 
Sinopsis argumental: Un grupo de estudiantes paga sus estudios formando una banda de pop llamada Toomorrow; Las vibraciones sónicas de un instrumento especial llamado "tonalizador" hacen que un extraterrestre abduzca al grupo y entretenga a la población alfoide.
Comentario: Por problemas económicos y administrativos, la película tuvo una difusión más bien escasa, en su momento. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Cine: El nacimiento del star-system (VII)

(cont.)
Cuando Estados Unidos entró en guerra, los dirigentes políticos de la nación demostraron ser conscientes de la popularidad  de las estrellas, y las utilizaron para convocar grandes multitudes en las calles de las ciudades de todo el país, de manera que se pudiese vender el mayor número posible de Bonos de Guerra. 
James K. Hackett en The Prisoner of Zenda (1913)
Pero, según fueron ascendiendo los honorarios de las estrellas, las distribuidoras no tuvieron más remedio que cobrarles a los exhibidores aunque eso sirvió también para elevar el nivel de calidad de las películas que se hacían.  
Billie Burke en Gloria's Romance (1916)
Viendo que su poder disminuía y temiendo el derrumbamiento de toda su estructura, los productores buscaron formas de reducir los honorarios de las estrellas y someterlas a su control. Una de ellas consistió en la introducción de los contratos a largo plazo. Otra en la idea de Samuel Goldwyn de ofrecer al público alternativas como la creación de su propia compañía para producir películas basadas en textos de autores famosos. Y, cuando la compañía de una gran estrella caía en bancarrota, como ocurrió con la de Clara Kimball Young, la causa última no radicaba en la mayor o menor calidad de sus producciones, sino en la negativa de las grandes empresas a exhibirlas en sus circuitos. 
Como reacción a esos ominosos planes, cuatro de los nombres más importantes de la industria del cine, Mary Pickford, Douglas Fairbanks, Charles Chaplin y D. W. Griffith, decidieron unirse  en 1919 para crear su propia compañía, la United Artists. Cuando la noticia se filtró antes de tiempo, uno de los grandes productores, comentó sardónicamente: "Así es que los locos se ha hecho cargo del manicomio". Pero, de hecho, la fundación de la United Artists demostró que el poder de las estrellas había llegado al máximo. Tenían el mundo a sus pies y, cuando Mary Pickford y Douglas Fairbanks contrajeron matrimonio el 28 de marzo de 1920, se les considero como el rey y la reina sin corona de la industria del cine. 
Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Charlie Chaplin y D. W. Griffith, en 1919

miércoles, 26 de agosto de 2020

Películas de la semana: 26 de agosto

Tenet

Dirección: Christopher Nolan. País: Reino Unido. Año: 2020. Duración: 150 minutos. Género: Thriller. Acción. Espionaje. Interpretación: John David Washington, Robert Pattinson, Elizabeth Debicki, Dimple Kapadia, Michael Caine, Kenneth Branagh, Aaron Taylor-Johnson, Clémence Poésy, Himesh Patel, Andrew Howard, Yuri Kolokolnikov, Martin Donovan, Jonathan Camp, Fiona Dourif, Wes Chatham, Marcel Sabat, Anthony Molinari, Rich Ceraulo, Katie McCabe, Mark Krenik, Denzil Smith, Bern Collaco, Laurie Shepherd. Guion: Christopher Nolan. Música: Ludwig Göransson. Fotografía: Hoyte van Hoytema. Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Syncopy Production/Warner Bros. Distribuidora: Warner Bros. Estreno en España: 26 de agosto de 2020. SinopsisEn el mundo del espionaje internacional, un hombre (John David Washington) prefiere morir antes que entregar a sus compañeros. Tras conseguir superar esta difícil prueba, este hombre tendrá una importante misión: evitar una nueva amenaza mucho más peligrosa que la tercera guerra mundial. La clave será una sola palabra: TENET. La manera de ver el mundo de otra forma. 

Abou Leila

DirecciónAmin Sidi-Boumédiène. PaísArgelia. Año2019. Duración135 minutos. GéneroDrama. Intriga. Terrorismo. Años 1990. InterpretaciónSlimane Benouari, Lyès Salem, Azouz Abdelkader, Fouad Megiraga, Meriem Medjkrane, Hocine Mokhtar, Samir El Hakim. GuionAmin Sidi-Boumédiène. FotografíaKaname Onoyama. ProductoraCoproducción Argelia-Francia; Thala Films Production/In Vivo Films. Premios y nominaciones: Festival Internacional de Sevilla: Mejor película sección Nuevas Olas. Estreno en España: 26 de agosto de 2020. Sinopsis: Dos amigos de la infancia, S. (Slimane Benouari) y Lotfi (Lyes Salem), viajan por el desierto del Sahara en busca de un terrorista, el Abou Leila del título. Su coche se vuelve pequeño en la inmensidad del desierto y parecen dirigirse a ninguna parte. Esa sensación es reforzada por el estado mental de S., que tiene pesadillas de su infancia. Lofti intenta ser un amigo bueno y comprensivo, que lo protege, lo acompaña e intenta ayudarlo en una situación difícil. Poco a poco se hace evidente que vemos el mundo a través de los ojos de nuestros protagonistas; y es un mundo donde la realidad y la imaginación surrealista van de la mano desde que fueron soldados juntos. Además, su capacidad de imaginar animales muertos y escenas sangrientas siempre viene bien para mostrar horror. Hay recordatorios constantes del estado de guerra, como un momento de violencia con la puerta de un coche que es brutal, fortuito y desgarrador.

Mi gran despedida

DirecciónAntonio Hens, Antonio Álamo. PaísEspaña. Año2020. Duración80 minutos. GéneroDrama. Romance. InterpretaciónJesús Castro, Juanma Lara, Carmen Vique, Joaquín Perles, Eloína Marcos, Josema Pichardo, Rocío Marín, Óscar Lara, Aïda Santos-Allely, Carolina Herrera. GuionVeronica Sosa, Antonio Álamo. MúsicaAntonio Meliveo. FotografíaAlfonso Sanz. ProductoraCoproducción España-Venezuela; 73140323 Producciones Cinematográficas, Malas Compañías P.C./Plenilunio Film & Arts. Estreno en España: 26 de agosto de 2020. SinopsisEs la historia de tres amores: el de Puri, dispuesta a hacer lo posible y lo imposible por dejar las cosas claras con su novio; el de Milagri, que guarda más secretos de los que su naturaleza le permite, y el de Sara, cuya inminente boda reúne a un variopinto grupo de mujeres para festejar su compromiso en un día que debería ser muy feliz para todas. Pero va a ser que no. Es también la historia de dos catástrofes, aunque quizá nos quedamos cortos. Y, por último, es la historia de un acto de coraje, aunque, por supuesto, haya siempre que pagar un precio por ello.

Hace 100 años: La cabeza de Jano

El 26 de agosto de 1920 se estrenó la película alemana La cabeza de Jano (Der Januskopf), dirigida por F.W. Murnau e interpretada por Bela Lugosi, Conrad Veidt, Magnus Stifter, Margarete Schlegel, Willy Kaiser-Heyl, Margarete Kupfer, Jaro Fürth, Gustav Botz. Productora: Lipow Film/Decla Film. Duración: 107 minutos.
Sinopsis argumentalEl doctor Warren adquiere en la tienda de un anticuario un busto que por un lado muestra el rostro de un dios y por el otro el de un demonio. En esta cabeza con dos caras empieza a ver el doctor el símbolo de la dualidad en la naturaleza humana. 
Comentario: Película perdida de Murnau basada en la obra El extraño caso del doctor Jekyll y Mr. Hyde, de Robert Louis Stevenson. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XIX)

Tell Your Children (Reefer Madness) (1936), de Louis J. Gasnier

Película explotation, propagandística y exagerada sobre los efectos de los porros y la marihuana, narrando la historia de varios jóvenes que acaban volviéndose locos por su consumo. En 2005, se hizo un remake para televisión en clave de musical, Reefer Madness: The Movie Musical, dirigido por Andy Fickman y con Kristen Bell y Christian Campbell en los papeles protagonistas.
La película surge como herramienta de propaganda en plena crisis económica de 1929, que sumió a Estados Unidos en una profunda depresión económica y social con más de catorce millones de desempleados.​ La escasez de trabajo en una época de crisis y de proliferación criminal, provocó suspicacias frente a la barata mano de obra mexicana. Y el rechazo social llevó al rechazo étnico y cultural.
Esta obra audiovisual es la película de culto más conocida sobre la marihuana, y aunque fue rodada en 1936 como documental de propaganda para aleccionar a los padres acerca de los peligros del consumo de hierbas, Reefer Madness no se hizo realmente popular hasta los años 1970, cuando la 'Organización por la Reforma de las Leyes de la Marihuana' (NORML) la recuperó del archivo del Congreso, a efectos de señalar la política retrógrada impulsada por la administración; los militantes de la legalización del cannabis, así se burlaban del orden moral dominante y hasta de ellos mismos.

martes, 25 de agosto de 2020

El hijo del Caíd, películas en fotogramas (I)

El término "objeto sexual" implica una cierta pasividad, el que una persona estáahí únicamente para que la observen. Los objetos sexuales son imágenes para ser colgadas de una pared y contemplarlas. Ese sometimiento parece adaptarse a la perfección al papel reservado al sexo femenino, que se define sobre todo en términos de pasividad; pero ¿qué ocurre cuando el objeto sexual es un hombre? El hijo del Caíd es un interesante ejemplo de algunas de las formas en las que el cine puede convertir a un hombre en objeto de adoración de la cámara y, por tanto, del espectador. 
En su papel de Ahmed en esta película, la cámara está evidentemente enamorada de Valentino, y le adora. Bajo una cuidada iluminación de estudio, su piel morena brilla como si fuese satén. Es siempre el elemento más importante de todas las composiciones, bien sea por el lugar en el que está situado, o bien por sus vestidos o de sus movimientos. Además de este tratamiento especial, la película le propone claramente como modelo de belleza masculina, en marcado contraste con otros dos personajes, definidos también por su físico, el del enano cómicamente libidinoso y el del forzudo del café Maure. Al igual que el suyo, sus cuerpos son todo un espectáculo; pero, mientras que él es una síntesis de erotismo y fuerza; los de los otros dos son parodias grotescas de esas cualidades. Ambos parecen en todo momento supeditados a Ahmed, para reforzar la sensación de perfección física y magnetismo sexual del personaje. 
No obstante, esa objetivización sexual mantenida no significa que la película le dé la vuelta a las papeles masculino y femenino tradicionales, con el varón convertido en objeto del deseo de la mujer exactamente igual a como las mujeres son normalmente mostradas por el cine como objetos del deseo de los hombres. Yasmin aparece en la película antes que Ahmed y él es presentado como el objeto de su deseo, pero el momento en que eso ocurre es crucial. Habitualmente, el héroe ve a la mujer, y hay un plano de ella mientras la contempla, normalmente, un plano que la reduce a la condición de "pin-up", de objeto pasivo de su deseo.
En El hijo del Caíd, Yasmin piensa en Ahmed y entonces (en "flashback") se ve un plano de él, situado ya en los sueños de Yasmin, en el campo espiritual del deseo. Se trata de un plano de él mirándola mientras baila, y haciéndolo con tal intensidad y concentración que excluye cualquier idea de qué pueda ser ella quien le está mirando a él. Dicho en otras palabras, se trata de un objeto extremadamente activo de deseo. 
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Cine: El nacimiento del Star-system (VI)

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James O'Neill interpretó una vez más su gran éxito teatral El conde de Montecristo (The Count of Monte Cristo (1913), que llevaba representando desde hacía más treinta años; James Hackett repitió su papel de mayor éxito en los escenarios, el The Prisoner of Zenda (1913). 
James O'Neill en El Conde de Montecristo (1913)
Y otros muchos siguieron su ejemplo. La popular estrella de Broadway, Billie Burke (que se haría posteriormente famosa en el cine interpretando papeles de madre entrometida  en divertidas comedias), realizó su debut cinematográfico en 1915, y cobró 40.000 dólares por cinco semanas de trabajo(en aquellos momentos el sueldo más elevado pagado a nadie por una película). La estrella de la Metropolitan Opera House, Geraldine Farrar trabajó ese mismo añoen la versión cinematográfica de uno de sus mayores éxitos Carmen. Recibió 20.000 dólares por ocho semanas de trabajo, y en el contrato iba incluido otro para su marido, Lou Tellegan; aparte de una casa, criados, un automóvil, alimentos y un vagón privado para ir y volver a Nueva York. 
Pero ninguna de las grandes estrellas teatrales que probaron suerte en el cine (incluyendo a Lillian RussellLeslie Carter y Enrico Caruso) logró la misma popularidad y permanencia que las estrellas elegidas por el propio público: Blanche SwettDouglas FairbanksClara Kimball YoungWallace ReidGloria Swansom (que debutó en el cine en 1915), Lillian y Dorothy Gish. La mayor sensación de 1915 fue también una desconocida Theda Bara, cuya película A Fool There Was se estrenó en enero de dicho año. Aunque el lanzamiento de la Bara se basó sobre todo en la publicidad, su éxito fue realmente popular. 
Theda Bara en A Fool There Was (1915)
En 1912, cuando las sufragistas británicas estaban todavía encadenándose a las vías de tranvía para lograr la igualdad de derechos con los hombres, actrices norteamericanas, como Helen Gardner, rompían el control al que pretendía someterlas los grandes estudios, y creaban sus propias compañías. Gloria Swansom recuerda en su autobiografía hasta que punto le impresionó el descubrimiento (a su llegada a Hollywood) de una mujer, Clara Kimball Young, que mandaba en su propia compañía y daba órdenes a los hombres que trabajaban para la misma. 
Clara Kimball Young en Lola (1914)
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Las mejores películas de culto de la historia del cine (XVIII)

Maniac (1934), de Dwain Esper

Hay tres películas de culto tituladas Maniac (cuatro, si contamos la reciente y rarísima serie para Netflix de Cary Fukunaga: parece que nada puede escapar de la extravagancia total si se titula así). Una es el clásico gore de William Lustig y Larry Cohen de 1980, con alma de grindhouse neoyorkino y protagonizada por Joe Spinell, tan brutal y perversa que el mismísimo Tom Savini, encargado de los efectos especiales, la repudió. Otra es su extravagante remake de 2012, producido y protagonizado por Elijah Wood, de una belleza apabullante y rodado íntegramente en cámara subjetiva.
Pero la más rara de las Maniac es esta ignota producción de 1934, ya en dominio público, que dirigió Dwain Esper, padre de la exploitation moderna y responsable de títulos como la también de cultísimo Marihuana (1936)o la instructiva How to Undress in Front of Your Husband (1937). Con solo 7500 dólares de presupuesto se inspiró remotamente en un par de cuentos de Edgar Allan Poe para dar forma a la historia de un actor que suplanta a un científico que afirma haber dado con la fórmula para reanimar muertos, enloqueciendo en el proceso. Ultragore de los años treinta, experimentación involuntaria y locura general en una película que solo encontró el éxito cuando fue retitulada como Sex Maniac, años después de su estreno.