“Enfants de Palestine. Deux histoires de Cisjordanie”, un desgarrador documental

Enfants de Palestine. Deux histoires de Cisjordanie (2026), de Mohamed Mesbah y Shayma’ Awawdeh. Reparto: Documental. 

Sinopsis: ¿Cómo es la vida cotidiana en los territorios ocupados? Al vincular testimonios del pasado y del presente, "Enfants de Palestine" presenta dos perspectivas documentales: "Still Playing" e "Intersecting Memory". Estas dos películas revelan cómo son la crianza y la infancia en medio de la violencia de la ocupación.

Still Playing de Mohamed Mesbah: Cisjordania, verano de 2024. Rasheed, creador de videojuegos, lucha por criar a sus dos hijos a pesar de las incursiones del ejército israelí y las noticias de Gaza. Por la noche, crea juegos donde las madres y los padres ya no pueden proteger a sus hijos.

Intersecting Memory de Shayma' Awawdeh: En Palestina, en los territorios ocupados durante la Segunda Intifada, el miedo, el asedio y la muerte son la realidad cotidiana de la ciudad de Hebrón. Momentos del pasado resurgen a través de recuerdos de la infancia, entrelazados con la memoria colectiva. Mientras todo continúa y se repite, ¿qué recordamos? ¿Qué olvidamos?

Retrospectiva: Ladrón de bicicletas

Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette, 1948), de Vittorio De Sica con Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola, Lianella Carell, Gino Saltamerenda, Vittorio Antonucci, Giulio Chiari.

Sinopsis: En la Roma de la posguerra, Antonio, un obrero en paro, consigue un sencillo trabajo pegando carteles a condición de que posea una bicicleta. De ese modo, a duras penas consigue comprarse una, pero en su primer día de trabajo se la roban. Es así como comienza toda la aventura de Antonio junto con su hijo Bruno por recuperar su bicicleta mientras su esposa María espera en casa junto con su otro hijo. 

El gran Vittorio De Sica filmó una de las obras cumbres del neorrealismo, con actores no profesionales, como Lamberto Maggiorani, el protagonista, un auténtico parado de la construcción. Basada en una novela de Luigi Bartolini que tuvo cierto éxito, la película traza un retrato de las dificultades de la vida en Italia durante la postguerra. Lo mejor y más entrañable es la relación entre el protagonista y su hijo, que le tiene idealizado.

Obra maestra del neorrealismo italiano que forma, junto con Milagro en Milán (Miracolo a Milano, 1951) y Umberto D. (1952), la famosa trilogía de De Sica. La posguerra, la pobreza, la dignidad, la familia... Pocas veces con tan pocos recursos se contó tanto. Una de las grandes películas de la historia del cine.

“Sheep in the Box”, de Hirokazu Kore-eda, en Cannes: una ingeniosa fábula sobre un niño androide...

A una pareja que perdió a su hijo de 7 años le ofrecen un robot humanoide a su imagen y semejanza. Con esta historia sutilmente especulativa, el director japonés invita a la reflexión. En cines el 16 de diciembre de 2026. 

¿Remake, reinterpretación, reinvención? Al leer la sinopsis de la nueva película de Hirokazu Kore-eda, era difícil no pensar en A.I. Inteligencia Artificial, la película de Steven Spielberg de 2001. Dadas las numerosas similitudes entre ambos directores, esto no fue particularmente sorprendente. En un futuro que se presenta como cercano, a una pareja que ha perdido a su hijo se le ofrece un robot humanoide gratuito, una réplica perfecta de su hijo que murió a los 7 años. El padre, un personaje algo tosco y rudo (trabaja en una empresa maderera), se muestra reacio; pero su esposa, una arquitecta de aspecto mucho más refinado, logra convencerlo.

“Full Phil”, de Quentin Dupieux, en Cannes: Woody Harrelson y Kristen Stewart en un “gran comilona” en París

En este nuevo largometraje, presentado fuera de competición a medianoche, Quentin Dupieux, como de costumbre, desconcierta.
La trama: Philip Doom, un acaudalado magnate estadounidense, intenta recuperar la relación con su hija Madeleine durante un lujoso viaje a París. Sin embargo, la gastronomía francesa, una película de terror de los años 50 y un entrometido empleado del hotel pronto amenazan con perturbar sus planes.

Figura prolífica del cine francés, Quentin Dupieux está prácticamente omnipresente este año en Cannes: por un lado, el director presenta una película de animación, Le Vertige (2026), en la clausura de la Quincena de los Cineastas el jueves 21 de mayo; por otro lado, regresa a la selección oficial, dos años después de inaugurarla con El segundo acto (Le Deuxième Acte), con Full Phil, proyectada el sábado 16 de mayo a medianoche, en la categoría de películas más o menos extrañas, terroríficas y/o divertidas, adjetivos que se aplican a su universo en general y a esta película en particular.

Para ver: "Marielle lo sabe todo", una fábula escalofriante

Marielle lo sabe todo (Was Marielle weiß, 2025), de Frédéric Hambalek con Julia Jentsch, Felix Kramer, Laeni Geiseler, Mehmet Ateşçi, Moritz Treuenfels. ¿Podrá una familia sobrevivir a la abolición de la privacidad? En esta película del Nuevo Cine Alemán, el director lleva la pregunta al límite del absurdo, sin perder la sensatez de dejarla con un final abierto.

La trama: Julia y Tobías parecen la pareja perfecta. Pero detrás de la fachada y la cocina de diseño, se avecinan problemas. El frágil equilibrio entre ambos se rompe cuando su hija Marielle desarrolla repentinamente habilidades telepáticas que le otorgan el poder de ver y oír todo lo que hacen sus padres, de día y de noche. La pareja pronto se da cuenta de que las mentiras que se han estado contando ya no pueden ocultárselas a la niña. Cuando sus secretos más incómodos salen a la luz, Julia y Tobias se enzarzan en un juego de manipulación que desemboca en situaciones cada vez más incómodas y absurdas que agravan el conflicto y sus consecuencias.

Con su cinematografía gris y su dirección aséptica, la película se ajusta a las convenciones del Nuevo Cine Alemán. Esta vida de frustraciones y renuncias, que ya de por sí no era precisamente brillante, se convierte en una pesadilla cuando la adolescente abofeteada desarrolla, contra su voluntad, el poder (¿telepático?) de ver y oír todo lo que hacen sus padres, día y noche…

Retrospectiva: Matar a un ruiseñor

En 1962, durante el rodaje de Matar a un ruiseñor (To Kill a Mockingbird, 1962), dirigida por Robert Mulligan, ocurrió un momento que nadie había ensayado. En pleno juicio ficticio, mientras Brock Peters interpretaba el testimonio de un hombre acusado injustamente, algo se quebró dentro de él. Las lágrimas comenzaron a caer sin que estuviera en el guion. Gregory Peck, para no romper la escena, evitó mirarlo directamente. Sabía que si cruzaba los ojos con Peters, la emoción lo desbordaría también. 

Lo curioso es que, al inicio, muchos productores no querían contratar a Brock Peters. Lo veían como un villano por sus papeles anteriores. No imaginaban que ese hombre, nacido como George Fisher en la pobreza de Harlem, cargaría con tanta verdad en una sola escena. Peters había llegado al cine después de un camino difícil. Estudió en la prestigiosa Escuela de Música y Artes de Nueva York, pero sobrevivía con trabajos esporádicos mientras buscaba una oportunidad en la actuación. Su vida cambió cuando obtuvo un papel en el musical Porgy and Bess en 1949; dejó la universidad y salió de gira. Su primera gran aparición en cine llegó con Carmen Jones en 1954.

Mientras tanto, Matar a un ruiseñor tampoco lo tenía fácil. Aunque la novela ganó el Pulitzer, los estudios la rechazaron una y otra vez. Decían que no había suficiente acción, que no era romántica, que su villano no sufría castigo. Pero el productor Alan J. Pakula vio algo que otros no: humanidad. Convenció al director Robert Mulligan, y juntos lograron lo imposible: que Gregory Peck aceptara el papel de Atticus Finch.

Para preparar su personaje, Peck viajó con Mulligan y Pakula a Monroeville, Alabama. Allí conoció al padre enfermo de Harper Lee: Amasa Lee, el hombre que había inspirado a Atticus. Un viudo que había criado solo a sus hijos y había defendido a un inocente cuando nadie más se atrevía. Ese encuentro marcó a Peck y se convirtió en el núcleo emocional de su interpretación. Años después, en 2003, cuando Gregory Peck murió, Brock Peters fue quien pronunció su discurso en el funeral. El hombre que había llorado sin querer durante el rodaje fue también quien, desde el corazón, despidió al amigo que lo había ayudado a contar una de las historias más poderosas de la pantalla.