"Iron Boy": la revelación del Festival de Cannes

Iron Boy (Le corset, 2026), dirigida por Louis Clichy. Reparto: Animación. Deliciosa película de tránsito de la adolescencia a una cierta madurez.

Sinopsis: Christophe, un chico de 11 años, intenta seguir los pasos de su padre ayudando en la granja familiar en la que viven. Pero todo cambia el día que tiene que llevar un corsé metálico por prescripción médica, que le obliga a desatender las tareas cotidianas de la granja. Este cambio repentino, sin embargo, dará a Christophe la oportunidad de descubrir nuevas pasiones como la natación o la música y hacer amistades que marcarán su vida para siempre.

Iron Boy se adentra en un imaginario a menudo maltratado en el cine: el de la vida cotidiana en el mundo rural. La película dignifica al tiempo que pone en evidencia las dificultades para salir adelante cuando dependes del trabajo en el campo. Además, la figura de Christophe también representa la idea del hijo de granjeros que desarrolla una vocación poco asociada con su entorno. Entre lo mejor de la película se encuentra el papel central que juega ¡la música de órgano! en la vida de su pequeño protagonista. Clichy también despliega con todos los matices los complicados vínculos paterno-filiales, marcados además por la contención emocional propia de los hombres de entornos rurales.

"Su propio infierno": una pretenciosa película de terror

Su propio infierno (Her Private Hell, 2025), dirigida por Nicolas Winding Refn con Sophie Thatcher, Diego Calva, Dougray Scott, Charles Melton, Kristine Froseth, Shioli Kutsuna, Havana Rose Liu, Hidetoshi Nishijima.

Sinopsis: Cuando una misteriosa niebla envuelve una metrópolis futurista, liberando a una presencia esquiva y letal, una atormentada joven se lanza a la búsqueda de su padre. Su búsqueda se cruza con la de un soldado estadounidense inmerso en una angustiosa odisea para rescatar a su hija del infierno. Quince años después de Drive, el director se enfrasca en un slasher pretencioso y moralista. La niebla es la protagonista indiscutible, reinando tanto en lo visual como en el guion.

Cuando el asesino enmascarado agarra los pechos de una chica por detrás, y ella dice "Papá", y él la asesina, Su propio infierno casi se aclara: ¿estamos presenciando, contra nuestra voluntad, una sesión de psicoanálisis con Nicolas Winding Refn? Hasta entonces, hemos tenido que pedalear a través de la niebla, imagen y guion entrelazados, de una película slasher pretenciosa (aunque para gustos, los colores) que brilla como un árbol de Navidad en el pálido amanecer del vestíbulo de un edificio de apartamentos. Luces de neón, sintetizadores, actrices muy jóvenes y provocativas que adoptan poses lascivas y pronuncian declaraciones crípticas, un padre (el apuesto Charles Melton) que aparece repentinamente... 

"La frappe": Una electrizante y explosiva película

La frappe (2026), dirigida por Julien Gaspar-Oliveri con Bastien Bouillon, Héloïse Volle, Sophie Cattani, Florencia Janas, Manon Clavel, Carole Franck, Mustafá Abourachid, Bwanga Pilipili, Jean-Louis Garçon, Julien Gaspar-Oliveri, Julie Ledru. 

Sinopsis: Enzo, de 19 años, y su hermana Carla, de 20, llevan años viviendo por su cuenta. Cuando su padre Anthony sale de prisión, aparece la posibilidad de reconstruir una familia, aunque para Carla esa idea resulta imposible. El pasado familiar reaparece y Enzo se ve obligado a enfrentarse a una verdad que ha mantenido oculta durante demasiado tiempo. El director examina minuciosamente los cuerpos, la piel, para reflexionar directamente sobre la cuestión del control y el trauma.

Bajo el impactante título se esconde una película electrizante. En cualquier momento, algo amenaza con estallar, provocando un frenesí en sus dos jóvenes protagonistas, Enzo y Carla. Hermanos, gato y perro, son los protagonistas que el actor y director Julien Gaspar-Oliveri examina en su ópera prima, descubierta en la Semana de la Crítica de Cannes el pasado mes de mayo. El chico, de 19 años, con su rostro y sonrisa juveniles, trabaja en los mercados de la región de Provenza-Alpes-Costa Azul, vendiendo electrodomésticos baratos y de baja calidad. La chica, de 20 años, con su mirada penetrante y espíritu luchador, es estudiante universitaria. Solteros desde hace mucho tiempo, comparten una complicidad bulliciosa.

“Enfants de Palestine. Deux histoires de Cisjordanie”, un desgarrador documental

Enfants de Palestine. Deux histoires de Cisjordanie (2026), de Mohamed Mesbah y Shayma’ Awawdeh. Reparto: Documental. 

Sinopsis: ¿Cómo es la vida cotidiana en los territorios ocupados? Al vincular testimonios del pasado y del presente, "Enfants de Palestine" presenta dos perspectivas documentales: "Still Playing" e "Intersecting Memory". Estas dos películas revelan cómo son la crianza y la infancia en medio de la violencia de la ocupación.

Still Playing de Mohamed Mesbah: Cisjordania, verano de 2024. Rasheed, creador de videojuegos, lucha por criar a sus dos hijos a pesar de las incursiones del ejército israelí y las noticias de Gaza. Por la noche, crea juegos donde las madres y los padres ya no pueden proteger a sus hijos.

Intersecting Memory de Shayma' Awawdeh: En Palestina, en los territorios ocupados durante la Segunda Intifada, el miedo, el asedio y la muerte son la realidad cotidiana de la ciudad de Hebrón. Momentos del pasado resurgen a través de recuerdos de la infancia, entrelazados con la memoria colectiva. Mientras todo continúa y se repite, ¿qué recordamos? ¿Qué olvidamos?

Retrospectiva: Ladrón de bicicletas

Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette, 1948), de Vittorio De Sica con Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola, Lianella Carell, Gino Saltamerenda, Vittorio Antonucci, Giulio Chiari.

Sinopsis: En la Roma de la posguerra, Antonio, un obrero en paro, consigue un sencillo trabajo pegando carteles a condición de que posea una bicicleta. De ese modo, a duras penas consigue comprarse una, pero en su primer día de trabajo se la roban. Es así como comienza toda la aventura de Antonio junto con su hijo Bruno por recuperar su bicicleta mientras su esposa María espera en casa junto con su otro hijo. 

El gran Vittorio De Sica filmó una de las obras cumbres del neorrealismo, con actores no profesionales, como Lamberto Maggiorani, el protagonista, un auténtico parado de la construcción. Basada en una novela de Luigi Bartolini que tuvo cierto éxito, la película traza un retrato de las dificultades de la vida en Italia durante la postguerra. Lo mejor y más entrañable es la relación entre el protagonista y su hijo, que le tiene idealizado.

Obra maestra del neorrealismo italiano que forma, junto con Milagro en Milán (Miracolo a Milano, 1951) y Umberto D. (1952), la famosa trilogía de De Sica. La posguerra, la pobreza, la dignidad, la familia... Pocas veces con tan pocos recursos se contó tanto. Una de las grandes películas de la historia del cine.

“Sheep in the Box”, de Hirokazu Kore-eda, en Cannes: una ingeniosa fábula sobre un niño androide...

A una pareja que perdió a su hijo de 7 años le ofrecen un robot humanoide a su imagen y semejanza. Con esta historia sutilmente especulativa, el director japonés invita a la reflexión. En cines el 16 de diciembre de 2026. 

¿Remake, reinterpretación, reinvención? Al leer la sinopsis de la nueva película de Hirokazu Kore-eda, era difícil no pensar en A.I. Inteligencia Artificial, la película de Steven Spielberg de 2001. Dadas las numerosas similitudes entre ambos directores, esto no fue particularmente sorprendente. En un futuro que se presenta como cercano, a una pareja que ha perdido a su hijo se le ofrece un robot humanoide gratuito, una réplica perfecta de su hijo que murió a los 7 años. El padre, un personaje algo tosco y rudo (trabaja en una empresa maderera), se muestra reacio; pero su esposa, una arquitecta de aspecto mucho más refinado, logra convencerlo.

“Full Phil”, de Quentin Dupieux, en Cannes: Woody Harrelson y Kristen Stewart en un “gran comilona” en París

En este nuevo largometraje, presentado fuera de competición a medianoche, Quentin Dupieux, como de costumbre, desconcierta.
La trama: Philip Doom, un acaudalado magnate estadounidense, intenta recuperar la relación con su hija Madeleine durante un lujoso viaje a París. Sin embargo, la gastronomía francesa, una película de terror de los años 50 y un entrometido empleado del hotel pronto amenazan con perturbar sus planes.

Figura prolífica del cine francés, Quentin Dupieux está prácticamente omnipresente este año en Cannes: por un lado, el director presenta una película de animación, Le Vertige (2026), en la clausura de la Quincena de los Cineastas el jueves 21 de mayo; por otro lado, regresa a la selección oficial, dos años después de inaugurarla con El segundo acto (Le Deuxième Acte), con Full Phil, proyectada el sábado 16 de mayo a medianoche, en la categoría de películas más o menos extrañas, terroríficas y/o divertidas, adjetivos que se aplican a su universo en general y a esta película en particular.

Para ver: "Marielle lo sabe todo", una fábula escalofriante

Marielle lo sabe todo (Was Marielle weiß, 2025), de Frédéric Hambalek con Julia Jentsch, Felix Kramer, Laeni Geiseler, Mehmet Ateşçi, Moritz Treuenfels. ¿Podrá una familia sobrevivir a la abolición de la privacidad? En esta película del Nuevo Cine Alemán, el director lleva la pregunta al límite del absurdo, sin perder la sensatez de dejarla con un final abierto.

La trama: Julia y Tobías parecen la pareja perfecta. Pero detrás de la fachada y la cocina de diseño, se avecinan problemas. El frágil equilibrio entre ambos se rompe cuando su hija Marielle desarrolla repentinamente habilidades telepáticas que le otorgan el poder de ver y oír todo lo que hacen sus padres, de día y de noche. La pareja pronto se da cuenta de que las mentiras que se han estado contando ya no pueden ocultárselas a la niña. Cuando sus secretos más incómodos salen a la luz, Julia y Tobias se enzarzan en un juego de manipulación que desemboca en situaciones cada vez más incómodas y absurdas que agravan el conflicto y sus consecuencias.

Con su cinematografía gris y su dirección aséptica, la película se ajusta a las convenciones del Nuevo Cine Alemán. Esta vida de frustraciones y renuncias, que ya de por sí no era precisamente brillante, se convierte en una pesadilla cuando la adolescente abofeteada desarrolla, contra su voluntad, el poder (¿telepático?) de ver y oír todo lo que hacen sus padres, día y noche…

Retrospectiva: Matar a un ruiseñor

En 1962, durante el rodaje de Matar a un ruiseñor (To Kill a Mockingbird, 1962), dirigida por Robert Mulligan, ocurrió un momento que nadie había ensayado. En pleno juicio ficticio, mientras Brock Peters interpretaba el testimonio de un hombre acusado injustamente, algo se quebró dentro de él. Las lágrimas comenzaron a caer sin que estuviera en el guion. Gregory Peck, para no romper la escena, evitó mirarlo directamente. Sabía que si cruzaba los ojos con Peters, la emoción lo desbordaría también. 

Lo curioso es que, al inicio, muchos productores no querían contratar a Brock Peters. Lo veían como un villano por sus papeles anteriores. No imaginaban que ese hombre, nacido como George Fisher en la pobreza de Harlem, cargaría con tanta verdad en una sola escena. Peters había llegado al cine después de un camino difícil. Estudió en la prestigiosa Escuela de Música y Artes de Nueva York, pero sobrevivía con trabajos esporádicos mientras buscaba una oportunidad en la actuación. Su vida cambió cuando obtuvo un papel en el musical Porgy and Bess en 1949; dejó la universidad y salió de gira. Su primera gran aparición en cine llegó con Carmen Jones en 1954.

Mientras tanto, Matar a un ruiseñor tampoco lo tenía fácil. Aunque la novela ganó el Pulitzer, los estudios la rechazaron una y otra vez. Decían que no había suficiente acción, que no era romántica, que su villano no sufría castigo. Pero el productor Alan J. Pakula vio algo que otros no: humanidad. Convenció al director Robert Mulligan, y juntos lograron lo imposible: que Gregory Peck aceptara el papel de Atticus Finch.

Para preparar su personaje, Peck viajó con Mulligan y Pakula a Monroeville, Alabama. Allí conoció al padre enfermo de Harper Lee: Amasa Lee, el hombre que había inspirado a Atticus. Un viudo que había criado solo a sus hijos y había defendido a un inocente cuando nadie más se atrevía. Ese encuentro marcó a Peck y se convirtió en el núcleo emocional de su interpretación. Años después, en 2003, cuando Gregory Peck murió, Brock Peters fue quien pronunció su discurso en el funeral. El hombre que había llorado sin querer durante el rodaje fue también quien, desde el corazón, despidió al amigo que lo había ayudado a contar una de las historias más poderosas de la pantalla.