Hace 100 años: Las campanas

El 15 de septiembre de 1926 se estrenó la película estadounidense Las campanas (The Bells), dirigida por James Young e interpretada por Lionel Barrymore, Caroline Frances Cooke, Gustav von Seyffertitz, Lorimer Johnston, Eddie Phillips, Lola Todd, Laura La Varnie, Boris Karloff, E. Alyn Warren, John George.  Productora: Chadwick Pictures Corporation. Duración: 92 minutos. 

Sinopsis argumental: Mathias, un mesonero alsaciano, asesina a un rico ciudadano polaco. Su conciencia no le deja descansar, y el espíritu del hombre muerto lo atormenta haciéndole perder poco a poco la razón. Mientras tanto, el hermano de la víctima investiga el crimen por su cuenta...

Comentario: Se basó en una obra de teatro francesa de 1867 llamada Le Juif Polonais (El judío polaco ) de Erckmann-Chatrian. La obra fue traducida al inglés en 1871 por Leopold Lewis, momento en el que se le cambió el título a The Bells. La versión inglesa de la obra fue representada en los Estados Unidos en el siglo XIX por Sir Henry Irving. Le Juif Polonais también fue adaptada a una ópera del mismo nombre en tres actos por Camille Erlanger, con libreto de Henri Cain. La obra fue adaptada a varias veces para el cine:  una película australiana en 1911 dirigida por WJ Lincoln; una película estadounidense de 1913 dirigida por Oscar Apfel; otra versión estadounidense de 1918, dirigida por Ernest C. Warde; una película británico-belga de 1925 (también conocida como Le juif polonais) dirigida por Harry Southwell;  la película de Hollywood de 1926 protagonizada por Lionel Barrymore y Boris Karloff; y una película británica de 1931 protagonizada por Donald Caltrop como Mathias. Harry Southwell volvió a hacer la película más tarde en Australia como The Burgomeister (1935). 

Hace 100 años: Tres hombres malos

El 28 de agosto de 1926 se estrenó la película estadounidense Tres hombres malos (3 Bad Men AKA Three Bad Men), dirigida por John Ford e interpretada por George O'Brien, Olive Borden, Lou Tellegen, Tom Santschi, J. Farrell MacDonald, Frank Campeau, Priscilla Bonner, Otis Harlan. Productora: Fox Film Corporation. Duración: 95 minutos. 

Sinopsis argumental: En 1876, en plena oleada de colonización para el oeste, el descubrimiento de oro en las tierras de Sioux provoca una riada de inmigrantes hacia Dakota. De camino a Custer, el solitario vaquero Dan O'Malley ayuda a arreglar el volante del vagón del señor Carlton mientras coquetea con su hija Lee Carlton. Más tarde, Lee y su padre son atacados por unos ladrones de caballos y el señor Carlton es terriblemente asesinado. Los proscritos "Bull" Stanley, Mike Costigan y "Spade" Allen salvan a la joven de los criminales y se dirigen con ella al campamento donde los pioneros esperan la proclamación del presidente Grant para explorar las tierras. Allí gobierna con terror e injusticia el sheriff corrupto Layne Hunter junto a sus secuaces.

Comentario: Grandísima joya de la etapa muda de John Ford, estamos ante un western sobre la conquista del Oeste atravesado de elementos románticos y de comedia, donde ya se encuentra en germen todo su cine. Basada en la novela novela Over the Border de Herman Whitaker. 

Retrospectiva: La loba

La loba (The Little Foxes, 1941), dirigida por William Wyler con Bette Davis, Herbert Marshall, Teresa Wright, Richard Carlson, Dan Duryea, Patricia Collinge, Charles Dingle,Carl Benton Reid. 

Sinopsis: A finales del siglo XIX, en una población sureña, la calculadora y despiadada Regina Giddens entabla una lucha sin cuartel contra sus hermanos para quedarse con la herencia familiar. En sus planes no tienen cabida los sentimientos, ni siquiera hacia su marido, un hombre honrado que regresa a casa después de sufrir una grave enfermedad. En medio de la asfixiante atmósfera creada por la desmedida ambición de su esposa, sólo encontrará calor humano en el amor de su hija. 

Uno de los papeles más inolvidables de la gran Bette Davis, una mujer sin escrúpulos. Clásico del melodrama americano que se ve engrandecido por la eficaz realización del maestro William Wyler, autor de otros títulos imborrables como Cumbres borrascosas (1939) o Los mejores años de nuestra vida (1946). La película recibió nueve nominaciones al Oscar.

Otras películas basadas en libros (I)

La edad de la inocencia (The Age of Innocence, 1993), dirigida por Martin Scorsese con Daniel Day-Lewis, Michelle Pfeiffer, Winona Ryder, Alexis Smith, Mary Beth Hurt, Jonathan Pryce, Stuart Wilson, Richard E. Grant, Miriam Margolyes, Siân Phillips, Robert Sean Leonard, June Squibb, Geraldine Chaplin, Alec McCowen, Michael Gough, Norman Lloyd, Brian Davies, Carolyn Farina. La escritora Edith Wharton llevó a cabo en su novela La edad de la inocencia una notable radiografía de la alta sociedad de la Nueva York de principios de siglo, que se trasladó a la gran pantalla. 

Nueva York, año 1870. Newland Archer (Daniel Day-Lewis), un caballero de la alta sociedad neoyorquina, está prometido con May Welland (Winona Ryder), una joven de su misma clase social. Pero sus sentimientos cambian cuando conoce a la poco convencional prima de May, la condesa Olenska (Michelle Pfeiffer). Desde el principio, defenderá la difícil posición de la condesa, cuya separación de un marido autoritario la ha convertido en una especie de proscrita dentro de su propia clase social. 

Martin Scorsese –que coescribe el guión con Jay Cocks– fue exquisitamente fiel al espíritu de la novela. Del italoamericano podía haberse esperado otra vuelta de tuerca a sus demonios personales, aprovechando una historia que habla de sentimientos reprimidos. En cambio se pone al servicio de la misma con esmero, convirtiendo una mirada, un silencio, un gesto, unas palabras sin aparente contenido, en momentos harto expresivos de un grupo social a veces hipócrita, defensor a ultranza de unos valores y unas apariencias.

En 1934, ya se había realizado una adaptación de la obra de Edith Wharton con el mismo título, dirigida por Philip Moeller e interpretada por Irene Dunne, John Boles, Lionel Atwill, Julie Haydon, Helen Westley, Laura Hope Crews, Herbert Yost, Theresa Maxwell Conover, Edith Van Cleve, Leonard Carey. 

Retrospectiva: Al este de Java

Al este de Java (Krakatoa, East of Java, 1969), dirigida porBernard L. Kowalski con Maximilian Schell, Diane Baker, Brian Keith, Barbara Werle, Sal Mineo, Rossano Brazzi, John Leyton, J.D. Cannon, Jacqui Chan, Rob't Hall, Victoria Young, Marc Lawrence, Midori Arimoto, Niall MacGinnis, Joseph Hann, Sumi Haru, Geoffrey Holder, Alan Hoskins, Peter Kowalski.

Sinopsis: La historia se centra en el buque "Batavia Queen". Un barco mercante perteneciente al gobierno holandés que está realizando una expedición en las colonias que posee en la zona de Indonesia. Saben que existe un navío que albergaba un enorme tesoro repleto de perlas y que está hundido en la zona. El capitán Hanson es el encargado de dirigir este cometido y su amante, Laura, sabe donde se ubica el tesoro ya que su difunto marido era el propietario del buque. Mientras tanto, el gobierno convence al capitán para que traslade en las bodegas del "Batavia Queen" a un grupo de presos que tienen que ser llevados a otra prisión. Días antes, el volcán ya empezó a manifestar su deseo de despertar pero hacen caso omiso a las señales. Tras zarpar del puerto de Singapur el volcán empieza a rugir como nunca hasta el momento lo había hecho y enormes cantidades de lava y ceniza empiezan a brotar de sus entrañas. La situación empieza a ser extremadamente peligrosa y, por si fuera poco, los convictos se escapan y toman el control del buque.

Basada en los hechos del cataclismo ocurrido en 1883 por una gran erupción del volcán Krakatoa. Tuvo una nominación al Oscar de la Academia por sus efectos visuales y está basado en una novela de Michael Avallone.

Como “Basil, el ratón detective” que salvó a Disney

El ratón detective está algo olvidado hoy en día, pero fue él quien salvó la división de animación del gigante. Para celebrar el 40 aniversario de Basil de Baker Street, te contamos cómo lo hizo.

Basil, el ratón superdectective (1986)

Disney le debe mucho a un ratón… que no es Mickey. Cuando se estrenó en cines Basil, el ratón superdetective (The Great Mouse Detective, 1986) hace exactamente cuarenta años, la compañía atravesaba una profunda crisis. Desde la muerte de Walt Disney en 1966, el estudio había visto jubilarse a sus animadores veteranos uno tras otro, y la nueva dirección había reestructurado sus operaciones. Más inversión en parques temáticos y películas de acción real; menos en animación.

Basil, el ratón superdectective (1986

Un "período tenebroso" de veinte años durante la cual Disney produjo muchas menos películas animadas, más comerciales... y menos rentables. Esto culminó con Tarón y el caldero mágico (The Black Cauldron) en 1985, cuyo fracaso en taquilla casi hundió para siempre la división de animación. Sobre todo porque, por primera vez en su historia, el gigante se enfrentó a una seria competencia en su propio terreno por parte de un antiguo animador de la compañía, Don Bluth. La adaptación de novelas infantiles que trasladaban a Sherlock Holmes al mundo de los ratones, la producción ya muy avanzada de la siguiente película de Disney, ofreció un respiro bienvenido al estudio de animación.

Basil, el ratón superdectective (1986

Porque Basil, el ratón superdetective, lo salva, así de simple. Esta película animada no reinventa la rueda, pero tanto el público como la crítica se muestran entusiasmados, encontrando todo lo que suele hacer tan fuerte a Disney: una historia cautivadora, algunas canciones pegadizas, un villano memorable y una animación sólida. Con un éxito modesto pero alentador, Basil devuelve la confianza a Disney, lo que les lleva a adoptar un ritmo de una película animada cada dos años, y luego cada año. Esto da inicio a una nueva edad de oro para el estudio, el "Renacimiento", que comienza con La sirenita (The Little Mermaid, 1989), cuyo enorme éxito allana el camino para La bella y la bestia (Beauty and the Beast, 1991), Aladdin (1992) y El Rey León (The Lion King, 1994): diez años de éxito indiscutible. Todo gracias a un ratón detective.

Retrospectiva: Cloud Atlas

El atlas de las nubes (Cloud Atlas, 2012), dirigida por dirigida por Tom Tykwer (también compositor de la banda sonora) y Lilly y Lana Wachowsk con Tom Hanks, Hugo Weaving, Jim Sturgess, Halle Berry, Susan Sarandon, Hugh Grant, Keith David, Ben Whishaw, Jim Broadbent, James D'Arcy, Bae Doona, Zhou Xun, David Gyasi, Robert Fyfe, Martin WuttkeEstá basada en la novela homónima de 2004 escrita por David Mitchell y fue estrenada en Estados Unidos el 26 de octubre de 2012.

La película se compone de seis historias interrelacionadas y entrelazadas que llevan al espectador desde el Pacífico Sur en el siglo XIX, hasta un futuro posapocalíptico. A diferencia de la novela original, la película se estructura, de acuerdo con el novelista David Mitchell, “como una especie de mosaico puntillista: Nos mantenemos en cada uno de los seis mundos solo el tiempo suficiente para que el gancho se hunda, y de ahí que los dardos de la película de un mundo a otro vayan a la velocidad de un plato giratorio, revisando cada narrativa durante el tiempo suficiente para impulsarlo hacia adelante”.

Resumen de las 6 historias:

The Pacific Journal of Adam Ewing (El diario del Pacífico de Adam Ewing)

editarThe Pacific Journal of Adam Ewing (El diario del Pacífico de Adam Ewing).

Sur del océano Pacífico, 1849. Adam Ewing, un abogado estadounidense de San Franciscodurante la fiebre del oro de California, ha llegado a las islas Chatham para concluir un acuerdo comercial con el reverendo Gilles Horrox por su suegro, Haskell Moore. Es testigo de la paliza dada a un esclavo moriori, Autua, que se esconde en la embarcación de Ewing, y lo convence para mantenerlo oculto, entonces Ewing aboga por él para que se uniera a la tripulación como un hombre libre. Mientras tanto, el Dr. Henry Goose lentamente envenena a Ewing, alegando que era la cura para un gusano parásito, con el objetivo de robar objetos valiosos de Ewing.

Letters from Zedelghem (Cartas desde Zedelghem).

Cambridge (Inglaterra) y Edimburgo (Escocia). En 1936, Robert Frobisher, un joven músico británico que es bisexual, encuentra trabajo como un copista para el famoso compositor Vyvyan Ayrs, lo que le permite el tiempo y la inspiración para componer su propia obra maestra, el Sexteto del atlas de las nubes. Una vez terminada esta, Ayrs quiere atribuirse el mérito de la obra, y amenaza con exponer el pasado escandaloso de Frobisher si no cumple. Frobisher se suicida poco antes de que llegue su amante, Rufus Sixsmith.

Half-Lives: The First Luisa Rey Mystery (Semivida: el primer misterio de Luisa Rey).

San Francisco, California, 1973. Luisa Rey es una periodista que por casualidad se encuentra con un viejo Sixsmith, ahora un físico nuclear. Rey apunta hacia Sixsmith por una conspiración en relación con la seguridad de un reactor nuclear nuevo, pero este es asesinado por el sicario Bill Smoke antes de que pueda darle a Luisa Rey el informe que lo demuestra.

The Ghastly Ordeal of Timothy Cavendish (El horrible calvario de Timothy Cavendish)

Reino Unido, 2012. Timothy Cavendish, un editor de 65 años de edad, tiene un golpe de suerte cuando Dermott Hoggins, el autor gánster cuyo libro él ha publicado, tristemente asesina a un crítico y es enviado a la cárcel. Cuando los socios del autor amenazan la vida de Cavendish para conseguir parte de los beneficios, Cavendish se dirige hacia su hermano Denholme por ayuda. Su hermano lo engaña y lo convence de esconderse en un asilo de ancianos, donde es retenido en contra de su voluntad y maltratado por la enfermera tirana Noakes.

An Orison of Sonmi-451 (Una oración de Sonmi-451)

Neo Seúl, Corea, 2144. Sonmi-451, una mujer fabricada por ingeniería genética (clon) que trabajaba en un restaurante de comida rápida, es entrevistada antes de su ejecución. Ella relata cómo fue liberada de su vida de servidumbre por el comandante Hae-Joo Chang, miembro de un movimiento rebelde conocido como Unión. Mientras está en la clandestinidad, ve una película basada en la aventura de Cavendish. Los rebeldes de la Unión le revelan que las clones como ella son sacrificados y «reciclados» como alimento para clones futuros.

Sloosha's Crossin' an' Ev'rythin' After (El cruce de Slusha, y todo lo que vino después)

Islas Hawaianas, en una tierra posapocalíptica, en 2321 (106 años después de la Caída). Un nativo, de nombre Zachry, lleva una vida primitiva después de que la mayor parte de la humanidad muriera en la llamada «Caída», acechado por constantes visiones de un «diablo», conocido por su gente como Old Georgie (Viejo Georgie). Este diablo parece alguna clase de entidad olvidada que existe solo dentro de la mente de Zachry. Después de que su cuñado fuera asesinado por el líder caníbal de la tribu rival kona, Georgie se le aparece seguidamente en varias visiones para manipularlo y hacerlo sucumbir al miedo. Luego de un tiempo, Zachry es visitado por Meronym, un miembro de los "Prescientes", los últimos sobrevivientes de una civilización tecnológicamente avanzada. A cambio de salvar a su joven sobrina envenenada, Zachry accede a guiar a Meronym a través de las montañas hasta el Mauna Kea en busca del "Cloud Atlas", una estación de comunicaciones desde donde se podría enviar un mensaje de ayuda a la gente que dejó la Tierra y que ahora vive en otros planetas colonizados.

Retrospectiva: La esclava libre

La esclava libre (Band of Angels, 1957), dirigida por Raoul Walsh con Clark Gable, Yvonne De Carlo, Sidney Poitier, Torin Thatcher, Ray Tesla, Efrén Zimbalist Jr., Patric Knowles, Tommie Moore. 

Sinopsis: Amantha Starr ( Yvonne De Carlo) es una joven rica y atractiva que vive con su poderoso padre en una lujosa plantación del sur de Estados Unidos. La vida de ambos parece encarrilada hasta que el padre de Amantha fallece. Cuando las autoridades del Estado se enteran de que el señor Starr ha fallecido, acuden a la casa para verificar la herencia y la identidad de Amantha. Después de investigar sobre su origen, llegan a la conclusión de que Amantha es hija de una esclava negra, por lo que su derecho a heredar las tierras de su padre queda instantáneamente anulado. Despojada de sus tierras y de su apellido, Amantha es convertida en una esclava más. Tras ser trasladada a Nueva Orleans para ser subastada, Hamish Bond (Clark Gable), un rico y atractivo caballero, la comprará para convertirla en su mujer, aunque vaya en contra de la ley.

Adaptación de la novela de Robert Penn Warren, que cuenta con una excelente fotografía en color de Lucien Ballard y una poderosa partitura de Max Steiner. Fue la tercera película consecutiva de Clark Gable para Raoul Walsh, tras Los implacables (1955) y Un rey para cuatro reinas (1956). Ambos trabaron una buena amistad, sobre todo en sus largas cacerías por las praderas, y estuvieron a punto de volver a trabajar juntos en Vidas rebeldes, dirigida finalmente por John Huston.

Retrospectiva: Cadenas rotas

Cadenas rotas (Great Expectations, 1946), de David Lean con John Mills, Anthony Wager, Valerie Hobson, Jean Simmons, Bernard Miles, Martita Hunt, Alec Guinness, Eileen Erskine, Freda Jackson, Francis L. Sullivan, Finlay Currie, Ivor Barnard, George Hayes, Hay Petrie. La película obtuvo dos premios Oscar (mejor dirección de arte y mejor fotografía) y fue nominado para otros tres (mejor película, mejor director y mejor guion).

Sinopsis: Un niño huérfano visita la tumba de sus padres y se encuentra con un preso que le pide que le traiga víveres y una lima. El reo vuelve a ser apresado. Pasados unos años, el niño huérfano recibe una pensión de un desconocido para su educación.

Célebre adaptación de la novela de Charles Dickens "Grandes esperanzas", que obtuvo un gran éxito gracias al excelente reparto y a la falta de teatralidad. La película está considerada como una de las mejores de Lean. En 1999 el Instituto Británico de Cine la posicionó en el Top 100 de películas británicas. Cadenas rotas fue nombrada como la quinta mejor película británica de todos los tiempos.

Efemérides de cine: El inocente

El 18 de mayo de 1976 se estrenó la película italiana El inocente (L'innocente), dirigida por Luchino Visconti e interpretada por Giancarlo Giannini, Laura Antonelli, Jennifer O'Neill, Rina Morelli, Massimo Girotti, Didier Haudepin, Marie Dubois, Roberta Paladini, Claude Mann, Marc Porel, Elvira Cortese, Alessandra Vazzoler. Productora: Coproducción Italia-Francia; Les Films Jacques Leitienne, Rizzoli Film. Duración: 123 minutos. 

Sinopsis argumental: Giuliana Hermil es una mujer asentada en el convencionalismo de un matrimonio que siente roto, desde hace tiempo sospecha que su marido, Tullio Hermil, tiene una amante. Éste, aclimatado en una filosofía del goce y disfrute, se dedica a entrenar en la esgrima, a la lectura, y a su amor pasional, su amante Teresa Raffo. En Tullio no surgirá la chispa del deseo por su mujer hasta que se entere de la relación que ésta ha iniciado con un joven escritor llamado Filippo d’Arborio. Cuando la presión social y los celos le dominen, surgirá la pasión carnal perdida, pero un trágico hecho ocurrirá: Giuliana se queda embarazada de Filippo. Cuando, a pesar de haberse reconciliado, Tullio se dé cuenta de que no puede aceptar al niño, surgirán en él una serie de sentimientos de locura y paranoia.

Nominaciones y premios: Premios David di Donatello: Mejor música. 

Comentario: Basada en la novela homónima de Gabriele D'Annunzio, en El inocente. Luchino Visconti plasma todas sus obsesiones y ahonda en la decadencia de la clase aristocrática, a la cual él perteneció, cuyo fin está cercano. Una obra donde destaca un impecable trabajo de puesta en escena y una excelente interpretación del actor Giancarlo Giannini. Es la película que cierra la filmografía de Luchino Visconti. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Retrospectiva: El festín de Babette

El festín de Babette (Babettes gæstebud, 1987), dirigida por Gabriel Axel e interpretada por Stéphane Audran, Birgitte Federspiel, Bodil Kjer, Jarl Kulle, Jean-Philippe Lafont, Bibi Andersson, Ghita Norby. Aclamadísima adaptación de un cuento de Isak Dinesen, autora también de la novela que inspiró dos años antes Memorias de África. Obtuvo el Oscar a la mejor película de habla no inglesa.

La trama: Siglo XIX. En una remota aldea de Dinamarca, dominada por el puritanismo, dos ancianas hermanas, que han permanecido solteras, recuerdan con nostalgia su lejana juventud y la rígida educación que las obligó a renunciar a la felicidad. La llegada de Babette, que viene de París, huyendo de la guerra civil, cambiará sus vidas. La forastera pronto tendrá ocasión de corresponder a la bondad y al calor con que fue acogida. Un premio de lotería le permite organizar una opulenta cena con los mejores platos y vinos de la gastronomía francesa. Todos los vecinos aceptan la invitación, pero se ponen previamente de acuerdo para no dar muestras de una satisfacción que sería pecaminosa. Pero, poco a poco, en un ceremonial intenso y emotivo, van cediendo a los placeres de la cocina francesa. 

La narración de El festín de Babette, más profunda de lo que parece a simple vista, contrapone dos modos opuestos de encarar la existencia, aun dentro de la buena voluntad de ambas: la visión católica y la protestante. Se trata de un verdadero canto a la "joie de vivre", y a la realidad de que el ser humano está compuesto de cuerpo y alma, y ambos pueden gozar de las cosas buenas de la Tierra. Cuestiones como la comprensión, la apertura de mente, el amor y el perdón están bien presentes, y vienen facilitadas por algo en aparente tan prosaico como una buena comida.

Toda la trama de El festín de Babette se encamina al momento climático de la cena, una celebración culinaria en que el paladar y el espíritu pueden gozar sobremanera. En esos pasajes convive un fino sentido del humor con la emoción más genuina, para subrayar que el trabajo bien hecho puede convertirse en arte, y que las renuncias de este mundo bien llevadas tendrán su recompensa en el banquete del reino de los cielos.

Los 12 mejores wésterns de la década de los años 1960 (sin incluir ningún spaghetti) (II)

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5. El hombre que mató a Liberty Valance (The Man Who Shot Liberty Valance, 1962), de John Ford

Sinopsis: Ransom Stoddard (James Stewart), anciano senador del Congreso de los Estados Unidos, explica a un periodista por qué ha viajado con su mujer (Vera Miles) para asistir al funeral de su viejo amigo Tom Doniphon (John Wayne). La historia empieza muchos años antes, cuando Ransom era un joven abogado del este que se dirigía en diligencia a Shinbone, un pequeño pueblo del Oeste, para ejercer la abogacía e imponer la ley. Poco antes de llegar, fue atracado y golpeado brutalmente por Liberty Valance (Lee Marvin), un temido pistolero. 

Obra maestra definitiva de John Ford en la que están presentes los grandes temas de su filmografía como la construcción de nación, la confrontación entre el revolver y las leyes y el viejo y el nuevo Oeste, en definitiva, en torno a los personajes de James Stewart y John Wayne. Es una de las películas más rotundas del director en que deja de manifiesto su idea de la salvación y del hombre.

6. La conquista del Oeste (How the West Was Won, 1962), de Henry Hathaway, John Ford, George Marshall y Richard Thorpe

Sinopsis: La expansión hacia el Oeste protagonizada por los colonos, la anexión de Texas (1845) y la incorporación de Arizona, Nuevo México y California, tras una guerra con México que se salda con la victoria de los Estados Unidos (Tratado De Guadalupe-Hidalgo:1848) suponen un avance espectacular de la frontera norteamericana hacia el Pacífico. La película consta de cuatro episodios sobre la colonización del Oeste que tienen lugar entre 1830 y 1890. Los dos primeros y el último, fueron dirigidos por Hathaway, y el tercero, por Marshall, pero incluye también un interludio, dirigido por John Ford, ambientado en la guerra de Secesión (1861-1865), con un diálogo entre los generales nordistas Sherman (Wayne) y Grant (Morgan). Primera película rodada en Cinerama. El narrador es Spencer Tracy.

Película única por su magnitud, sus varias decenas de estrellas y sus cuatro directores, cuenta a lo largo de cuatro episodios y varias familias, sesenta años de construcción del Oeste. Una grandísima obra que ha pasado a la historia por su apartado técnico más que por la grandeza de su narración, pero que el tiempo y una nueva ola de fans ha conseguido reparar y situar en el lugar que merece.

7. Los profesionales (The Professionals, 1966), de Richard Brooks

Sinopsis: 1917. El millonario Joe Grant contrata a cuatro expertos mercenarios. Su misión consiste en rescatar a la mujer de Grant, secuestrada por Raza, un rebelde mexicano. Dos de los mercenarios habían luchado junto a Raza por la causa de ese país.

El choque del idealismo con la vida real y la lealtad son los temas que trata esta adaptación de la novela A Mule For the Marquesa, de Frank O'Rourke.Claramente influida por los códigos del spaghetti wéstern, es un poderoso wéstern político que reflexiona sobre el paso del tiempo, la edad y la necesidad de redención con Burt Lancaster, Lee Marvin, Robert Ryan, Jack Palance y Claudia Cardinale.

8. Un Hombre (Hombre, 1967), de Martin Ritt

Sinopsis: John Russell (Paul Newman) secuestrado y criado por los indios apache desde cuando era un niño, es ahora un hombre comprometido con su tribu a la que ha aprendido a apreciar y a respetar profundamente. Queriendo vender una casa que ha recibido como herencia, Russell viajará en una diligencia, en compañía de siete personas de diferentes rangos sociales, entre los cuales podrá ver una amplia radiografía de la sociedad a la que, con decisión, ha abandonado para siempre.

Espléndido trabajo de Paul Newman en el género en el da vida a un hombre blanco que ha sido criado por los indios y que cuando tiene la oportunidad de volver con los suyos renegará de la civilización por su crueldad y materialismo. De enorme éxito en su momento, fue una película comprometida y precursora de los grandes temas que el neowestern acabaría tocando unos años después.

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Los 12 mejores wésterns de la década de los 60 (sin incluir ningún spaghetti) (I)

El género en esos años estaba en uno de sus momentos más ricos y diversos. Entre el cine de las grandes llanuras, la toma de los fuertes y los pioneros y el descreimiento de los antihéroes implacables y profundamente solitarios, se yergue el wéstern de la década de los años 1960 en uno de sus momentos más ricos y diversos. Aquí ofrecemos sólo doce repitiendo sólo una vez de director.

1. Los siete magníficos (The Magnificent Seven, 1960), de John Sturges

Sinopsis: Los humildes habitantes de un pueblo mexicano, que viven modestamente de la agricultura, se hallan a merced de una despiadada banda de forajidos que constantemente les exigen un pago por sus cosechas. Como ellos no saben defenderse, deciden contratar los servicios de siete pistoleros, siete implacables mercenarios cada uno con una habilidad especial en el manejo de las armas.

Sobrio remake de Los sietes samuráis de Kurosawa pese a que la banda sonora de Elmer Bernstein le otorgó un tono casi festivo cuando está lejos de ser una película amable. Pese a contar con Yul Bryner, Steve McQueen, Charles Bronson, Eli Wallach y James Coburn fue un fracaso de taquilla, aunque el tiempo la ha catapultado a la categoría de clásico.

2. El último atardecer (The Last Sunset, 1961), de Robert Aldrich

Sinopsis: Brendan O'Malley (Kirk Douglas), un antiguo pistolero, llega a México para buscar a Belle Breckenridge (Dorothy Malone), que resulta estar casada con un borracho (Cotten). Éste le pide ayuda para conducir un rebaño a Texas. Tras los pasos de O'Malley va Dana Stribling (Rock Hudson), un vengativo sheriff que tiene motivos personales para arrestarlo. 

Con guion de Dalton Trumbo, cuenta la historia de un pistolero a quien contrata una antigua amante para llevar sus reses a Texas. Kirk Douglas, Dorothy Malone, Joseph Cotten y Rock Hudson construyen un relato sobre la obsesión, el odio, el desprecio y la revancha de la mano de Robert Aldrich que formó parte de la generación de directores que renovarían los cánones del viejo Hollywood.

3. El rostro impenetrable (One Eyed Jacks, 1961), de Marlon Brando

Sinopsis: Tras el atraco a un banco fronterizo, Johnny Río es traicionado por Dad, su mejor amigo y compañero de correrías. Apresado por la policía mexicana, pasa cinco amargos años en la prision de Sonora, durante los cuales, vive obsesionado con la idea de vengarse del traidor. Tras ser puesto en libertad, visita a Dad, que se ha convertido en un hombre respetable y es el sheriff de Monterrey. Cuando Dad le presenta a su hijastra Louisa, Jonnhy queda prendado de su belleza y la seduce.

La única película dirigida por Brado es absolutamente irrepetible, pues junto a Karl Malden protagoniza una historia de venganza atípica y fantasmagórica, abstracta casi, que se hizo con la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. Es una película lastimera, luminosa y cruel que la Paramount destrozó en la sala de montaje y que, con todo, es una maravilla.

4. Duelo en alta sierra (Ride the High Country AKA Guns in the Afternoon, 1962), de Sam Peckinpah

Sinopsis: Dos viejos amigos se asocian para escoltar un cargamento de oro desde las minas de Alta Sierra hasta un banco. Uno de ellos (Joel McCrea) es un hombre honrado que sólo se propone hacer bien su trabajo; el otro (Randolph Scott), en cambio, carece de escrúpulos y proyecta robar la valiosa mercancía.

Ellos son Randolph Scott y Joel McCrea y juntos protagonizan una de las mejores finales de la historia del wéstern en una película soberbia y sobrecogedora sobre la lealtad y el honor en el otoño de la vida. Y la estupenda y lírica banda sonora de George Bassman engrandece el aire crepuscular de la película. Se trata de uno de los primeros éxitos de Sam Peckinpah.  

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Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (VIII)

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20. Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn, 2011)

Reparto: Animación. 

La trama: Tintín, un joven periodista dotado de una curiosidad insaciable, y su leal perro Milú descubren que la maqueta de un barco contiene un enigmático y secular secreto que deben investigar. A partir de ese momento, Tintín se verá acosado por Ivan Ivanovitch Sakharine, un diabólico villano que cree que el joven ha robado un valioso tesoro vinculado a un cruel pirata llamado Rackham el Rojo. Pero, con la ayuda de Milú, del cascarrabias capitán Haddock y de los torpes detectives Hernández y Fernández, viajará por medio mundo, sirviéndose de su proverbial astucia para burlar a sus perseguidores y encontrar antes que ellos El Unicornio, un navío hundido que puede proporcionar la clave de una fabulosa fortuna y de una antigua maldición. La aventura lo lleva por mares, desiertos y ciudades peligrosas en un viaje vibrante que mezcla humor, intriga y energía visual.

Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio (2011)

Curiosidades: El plan inicial apuntaba a la imagen real, con Milú generado por ordenador, pero Peter Jackson le hizo ver a Spielberg que ese enfoque se quedaba a medio camino: el mundo de Hergé pedía otra lógica. De ahí el giro hacia la captura de movimiento, manteniendo al perro como animación, para preservar el espíritu del cómic sin traicionarlo. Traslación a la pantalla de las aventuras de Tintín, el genial personaje de cómic creado por el artista belga Hergé, seguramente la obra maestra indiscutible del llamado Noveno Arte. No faltan a la cita personajes como Hernández y Fernández, el mayordomo Néstor o el capitán Allan. La base argumental la proporciona el álbum El secreto del Unicornio. Disponible en Filmin.

21. War Horse (Caballo de batalla) (War Horse, 2011)

Reparto: Jeremy Irvine, Emily Watson, David Thewlis, Benedict Cumberbatch, Peter Mullan, Niels Arestrup, Tom Hiddleston, Toby Kebbell, Celine Buckens, Patrick Kennedy, David Kross, Matt Milne, Leonard Carow, Eddie Marsan, Nicolas Bro, Robert Emms, Rainer Bock, Hinnerk Schönemann. 

La trama: En un pueblo inglés, Albert, el hijo de un granjero, ve nacer un potrillo. Poco después, su padre lo adquiere en una subasta, y el chico le pone de nombre Joey. Pero la familia se arruina y no tiene más remedio que vender el caballo justo cuando estalla la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Ése es el punto de partida de un viaje en el que tanto Albert como Joey lucharán por sobrevivir a la contienda y volver a estar juntos. Su espíritu resistente inspira a quienes lo encuentran, mostrando cómo la lealtad y la esperanza pueden sobrevivir incluso en los tiempos más oscuros.

Jeremy Irvine en War Horse (Caballo de Guerra) (2011)

Curiosidades: Spielberg defendía que el realismo mandaba: los únicos efectos digitales fueron tres planos brevísimos, apenas tres segundos, aplicados por seguridad. Incluso la escena del alambre se resolvió con trucos físicos (goma en lugar de espino real y, cuando tocaba, un animatrónico) para no poner al caballo en riesgo. Notable adaptación de la novela de Michael Morpurgo, que estaba narrada con talento desde el punto de vista del caballo del título. Disponible en HBO Max, Movistar+ Ficción Total, Tivify.

22. Lincoln (2012)

Reparto: Daniel Day-Lewis, Joseph Gordon-Levitt, Tommy Lee Jones, Jared Harris, David Strathairn, Sally Field, James Spader, John Hawkes, Hal Holbrook, Tim Blake Nelson, Jackie Earle Haley, Lee Pace, David Costabile, Jeremy Strong, Bruce McGill, Julie White, Gloria Reuben, Michael Stuhlbarg, Bill Camp, Elizabeth Marvel, Walton Goggins, Peter McRobbie, David Oyelowo, Gulliver McGrath.

La trama: En 1865, mientras la Guerra Civil Americana se acerca a su fin, el presidente Abraham Lincoln propone una enmienda que prohíba la esclavitud en los Estados Unidos. Sin embargo esto plantea un gran dilema: si la paz llega antes de que se apruebe la enmienda, el Sur tendrá poder para rechazarla y mantener la esclavitud; si la paz llega después, decenas de miles de personas seguirán muriendo en el frente. En una carrera contrarreloj para conseguir los votos necesarios, Lincoln se enfrenta a la mayor crisis de conciencia de su vida.

Daniel Day-Lewis en Lincoln (2012)

Curiosidades: Cuando Liam Neeson se bajó del proyecto, Spielberg volvió a su primera opción, Daniel Day‑Lewis, que dudó por el peso casi mítico del personaje. El giro llegó por una vía inesperada: Leonardo DiCaprio intervino para convencerlo de que aceptara. Steven Spielberg dirige al actor ganador de dos premios de la Academia Daniel Day-Lewis en Lincoln,  un revelador drama que se centra en los tumultuosos últimos meses en ejercicio del decimosexto presidente norteamericano. Disponible en Google Play, Apple TV, Prime Video, Rakuten TV. 

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