Efemérides de cine: Bugsy Malone, nieto de Al Capone

El 27 de mayo de 1976 se estrenó la película británica Bugsy Malone, nieto de Al Capone (Bugsy Malone), dirigida por Alan Parker e interpretada por  Scott Baio, Florrie Dugger, Jodie Foster, John Cassisi, Martin Lev. Productora: The Rank Organisation, Goodtimes Enterprises, Robert Stigwood Organization. Duración: 93 minutos. 

Sinopsis argumental: Bugsy Malone está levemente basado en sucesos ocurridos en Chicago durante las décadas de 1920 y 1930, durante la ley seca que prohibía la producción y venta de alcohol en Estados Unidos. La era de la prohibición supuso un incremento de la actividad criminal de gangsters como Al Capone, Bugs Moran o Baby Face Nelson, que inspiran algunos de los personajes. El protagonista es Bugsy Malone, exboxeador italo-irlandés y promotor de boxeo sin dinero, quien traba contacto con el gánster Fat Sam; Sam está enfrentado con otro gánster llamado Dandy Dan, que ataca el imperio de aquel. Bugsy ayuda a Fat Sam a escapar de una trampa tendida por Dandy Dan, Sam le paga en agradecimiento 200 $. Sam tiene como novia a Tallulah (Jodie Foster), una cantante cuya carrera promueve, al tiempo que Bugsy se reconcilia con Blousey, con la que celebra una comida romántica junto al lago. Bugsy es atacado en un garaje, siendo salvado por Leroy Smith, en quien Bugsy aprecia potencial como boxeador...

Nominaciones y premios:  Nominada al Oscar: Mejor canción original de la Banda Sonora Original; Globos de Oro: 3 nominaciones, incluyendo mejor película comedia/musical; Premios BAFTA: 5 premios incluida mejor actriz secundaria (Foster). 9 nominaciones; Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película); Saturn Awards: Nominada a mejor película de género fantástico.

Comentario: Todo un clásico del cine musical que significó el debut del realizador británico Alan Parker, quien posteriormente dirigiría grandes títulos como El expreso de medianoche, Fama, Arde Mississippi o Las cenizas de Angela. También tiene interés el filme para comprobar el trabajo de una jovencísima Jodie Foster, que contaba solamente con trece años de edad. Se conmmora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Novecento

El 21 de mayo de 1976 se estrenó la película italiana Novecento, dirigida por Bernardo Bertolucci e interpretada por Robert De Niro, Gérard Depardieu, Dominique Sanda, Laura Betti, Stefania Casini, Francesca Bertini, Werner Bruhns, Sterling Hayden, Anna Henkel, Burt Lancaster, Donald Sutherland, Alida Valli, Stefania Sandrelli. Productora: Coproducción Italia-Francia-Alemania del Oeste (RFA); Produzioni Europee Associati (PEA), Les Productions Artistes Associes, Artemis Film. Duración: 314 minutos. 

Sinopsis argumental:  En el año 1901, en una finca del norte de Italia, nacen el mismo día el hijo de un terrateniente y el hijo de un bracero que serán amigos inseparables, aunque su relación se verá nublada por sus diferentes actitudes frente al fascismo. Drama que hace un complejo recorrido político y social por la Italia del siglo XX.

Nominaciones y premios: Premios National Society of Film Critics (NSFC): nominada a mejor fotografía; Bodil Awards (Dinamarca): Mejor Película Europea; 1976: Sindicato Italiano de Periodistas de Cine: Nominadas Actrices Sec. (Valli & Betti); Premios Sant Jordi: Mejor Interpretación en Película Extranjera (de Niro). 

Comentario: Octavo largometraje de Bernardo Bertolucci, dedicado a exaltar la lucha del movimiento obrero italiano de 1901 a 1945. La música de Ennio Morricone y la fotografía de Vittorio Storaro están cerca de la perfección.

"The Electric Kiss” en Cannes, una comedia picaresca

The Electric Kiss (La Vénus électrique, 2026), la comedia romántica de Pierre Salvadori, que ha inaugurado el Festival de Cannes 2026 el martes, 12 de mayo. 

Tras Elegir mi vida (Partir un jour), de Amélie Bonnin en 2025, le tocó a Pierre Salvadori el honor de inaugurar el Festival de Cannes de 2026. Y quizás electrizar la Croisette. Para su undécima película, el "rey francés de la comedia" nos ofrece una obra romántica "auténtica". De esas que emocionan.

París, 1928. Antoine Balestro, un joven y elegante pintor, no ha podido trabajar desde la muerte de su esposa, para desesperación de su galerista, Armand. Una noche, borracho, Antoine intenta contactar con ella a través de una vidente. Sin saberlo, en realidad está hablando con Suzanne, una humilde feriante que se ha colado en su caravana para robar comida. Suzanne demuestra ser una experta en el engaño y, con la ayuda de Armand, comienza una serie de falsas sesiones de espiritismo. Poco a poco, Antoine recupera la inspiración, pero para Suzanne, las cosas se complican al enamorarse lentamente del hombre al que manipula...

Retrospectiva: "Novecento", una película fundamental...

Novecento (1900) (1976), dirigida por Bernardo Bertolucci e interpretada por Robert De Niro, Gérard Depardieu, Dominique Sanda, Laura Betti, Stefania Casini, Francesca Bertini, Werner Bruhns, Sterling Hayden, Anna Henkel, Burt Lancaster, Donald Sutherland, Alida Valli, Stefania Sandrelli.  un fresco histórico de extraordinaria belleza visual, a ratos épico, intimista en otros, poético siempre. 

Gérard Depardieu y Robert De Niro en Novecento (1900) (1976)

La trama: Impresionante fresco histórico que recorre la historia italiana del siglo XX a través de la historia de dos hombres que, naciendo el mismo día, pertenecen a clases sociales diferentes: Robert De Niro interpreta al hijo de un rico terrateniente y Gérard Depardieu al de uno de los obreros de su finca. Juntos vivirán experiencias sexuales en su juventud, los horrores de la Guerra en su madurez y seguirán discutiendo ya ancianos en uno de los finales más extravagantes que nunca ha tenido una película.

Donald Sutherland en Novecento (1900) (1976)

Tan irregular como poderosa, esta producción de Alberto Grimaldi cuenta con un reparto excepcional.Donald Sutherland en el papel de un fascista que dejó boquiabierto a los espectadores cuando aplasta con su cabeza a un gato y luego despedaza a un niño. Debido a su exagerada duración la película fue estrenada en dos partes. La música de Ennio Morricone y la fotografía de Vittorio Storaro están cerca de la perfección.

Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (III)

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5. E.T., el extraterrestre (E.T.: The Extra-Terrestrial, 1982)

Reparto: Henry Thomas, Dee Wallace, Peter Coyote, Robert McNaughton, Drew Barrymore, Erika Eleniak, C. Thomas Howell, K.C. Martel, Sean Frye. 

La trama: Un pequeño ser de otro planeta se queda abandonado en la Tierra cuando su nave, al emprender el regreso, se olvida de él. Está completamente solo y tiene miedo, pero se hará amigo de un niño, que lo esconde en su casa. El pequeño y sus hermanos intentan encontrar la forma de que el pequeño extraterrestre regrese a su planeta antes de que lo encuentren los científicos y la policía. La historia combina ternura, descubrimiento y emoción, logrando una conexión universal basada en la inocencia y el deseo de regresar a casa.

Drew Barrymore en E. T., el extraterrestre (1982)

Curiosidades: La historia nació de una cicatriz personal: Spielberg la apoyó en el amigo imaginario que se inventó tras el divorcio de sus padres, y esa raíz explica el pulso doméstico de todo el relato. Para facilitar interpretaciones convincentes en el reparto infantil, rodó en un orden casi cronológico, de manera que cada escena llegara cuando la relación ya estaba asentada. Steven Spielberg no sería quien es si no hubiera rodado esta película. Si ya antes había sorprendido con una visión favorable de la vida más allá de la Tierra en Encuentros en la tercera fase, su siguiente película fue directamente a destrozar el mito del marciano con malas pulgas que viene a nuestro planeta para sembrar la destrucción. Disponible en Prime Video, SkyShowtime, Disney+, Movistar+, Filmin. 

6. Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and the Temple of Doom, 1984)

Reparto: Harrison Ford, Kate Capshaw, Ke Huy Quan, Amrish Puri, Roshan Seth, Dan Aykroyd, Philip Stone, Roy Chiao, David Yip, Ric Young. 

La trama: 1935. Shanghai. El intrépido arqueólogo Indiana Jones, tras meterse en jaleos en un local nocturno, consigue escapar junto a una bella cantante y su joven acompañante. Tras un accidentado vuelo, los tres acaban en la India, donde intentarán ayudar a los habitantes de un pequeño poblado, cuyos niños han sido raptados. Esta peligrosa misión lo arrastra a rituales oscuros, persecuciones y una de las aventuras más intensas y frenéticas de toda la saga.

Jonathan Ke Quan y Harrison Ford en Indiana Jones y el templo maldito (1984)

Curiosidades: La secuencia de la cámara de insectos fue tan real como parece: Kate Capshaw aceptó rodar cubierta por más de dos mil insectos vivos y, para vencer el miedo inicial, tomó sedantes antes de entrar en el set. Ella misma reconoció que le ayudaron a dar el paso. Se trata de la película con más elementos fantásticos de la serie de Indiana Jones. Las escenas se suceden a una velocidad de vértigo en varios continentes distintos. El sentido del humor es un elemento constante, y está reforzado por la presencia del joven Jonathan Ke Quan. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, SkyShowtime, Tivify. 

7. El color púrpura (The Color Purple, 1985)

Reparto: Danny Glover, Whoopi Goldberg, Margaret Avery, Oprah Winfrey, Willard E. Pugh, Dana Ivey, Akosua Busia, Laurence Fishburne, Desreta Jackson, Adolph Caesar, Rae Dawn Chong, Leonard Jackson, Bennet Guillory, Carl Anderson, John Patton Jr., Susan Beaubian, James Tillis, Phillip Strong. 

La trama: Principios del siglo XX. Historia ambientada en Estados Unidos, en el sur rural. Whoopi Goldberg interpreta a una joven muchacha negra, obligada por su padre a casarse con un hombre odioso al que no quiere. Sólo encuentra consuelo en su hermana, a quien escribe puntualmente, aunque sus cartas de respuesta sean retenidas por su malvado marido. Un viaje emocional que combina dolor y esperanza con una sensibilidad profunda.

Whoopi Goldberg en El color púrpura (1985)

Curiosidades: La respuesta inicial fue un no: Spielberg se veía inseguro, dudaba de su mirada para retratar el Sur profundo y sentía que la historia pedía otra voz. Quincy Jones le desmontó el miedo con una frase perfecta, recordándole que no hacía falta “ser un extraterrestre” para dirigir a uno, y ese empujón lo metió de lleno en la película. Algunas escenas han pasado a la historia del cine, por su maestría y sutileza. Está basada en la novela homónima de Alice Walker, ganadora del Premio Pulitzer. A pesar de contar con un montón de nominaciones al Oscar, el film se fue sin ninguna estatuilla a casa, era la época en que no se toma muy en serio a Spielberg. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, SkyShowtime, Tivify.

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Cinco películas de Paul Thomas Anderson que hay que ver (I)

Paul Thomas Anderson se consolidó como uno de los directores más audaces y técnicamente dotados de su generación. Sus historias no suelen ser complacientes: exploran la soledad, el poder, las familias disfuncionales y esa búsqueda incansable de pertenencia en un mundo que parece siempre a punto de desmoronarse. 

1. Magnolia (1999)

La trama: Un mosaico ambicioso de vidas cruzadas en el Valle de San Fernando, en Los Ángeles: un niño prodigio, el presentador de un concurso de televisión, un ex-niño prodigio, un moribundo, su hijo perdido, la mujer y el enfermero del moribundo. Son historias aparentemente independientes, pero que guardan entre sí una extraña relación. A través de nueve tramas que convergen de forma casi mística, Anderson explora el perdón y las coincidencias imposibles.

Tom Cruise en Magnolia (1999)

Comentario: Fue celebrada como una obra maestra del exceso emocional. Aunque su duración y su final surrealista dividieron las opiniones, la prensa destacó su valentía narrativa y una banda sonora de Aimee Mann que funciona como el corazón latente de la película. La actuación de Tom Cruise como un gurú de la seducción es, para muchos, la cima de su carrera. Disponible en Apple TV+ y Google TV.

2. Pozos de ambición (There Will Be Blood, 2007)

La trama: Texas, principios del siglo XX. Una historia sobre la familia, la avaricia y la religión. Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis) se traslada a una miserable ciudad con el propósito de hacer fortuna, pero, a medida que se va enriqueciendo, sus principios y valores desaparecen y acaba dominado por la ambición. Tras encontrar un rico yacimiento de petróleo en 1902, se convierte en un acaudalado magnate. Cuando, años después, intenta apoderarse de un nuevo yacimiento, tiene que enfrentarse al predicador Eli Sunday (Paul Dano). 

Daniel Day-Lewis en Pozos de ambición (2007)

Comentario: Adaptación de la novela de Upton Sinclair Petróleo, escrita en 1927. Daniel Day-Lewis interpreta a Daniel Plainview, un minero convertido en magnate petrolero cuya ambición lo consume por completo. Es una épica oscura sobre el nacimiento del capitalismo moderno y el enfrentamiento entre la fe y el dinero. Considerada unánimemente como una de las mejores películas del siglo XXI. Los especialistas alabaron la dirección milimétrica de Paul Thomas Anderson y la atmósfera opresiva lograda por la música de Jonny Greenwood (Radiohead). Disponible en Netflix y Movistar TV. 

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Efemérides de cine: El carnaval de las águilas

El 1 de enero de 1975 se estrenó la película estadounidense El carnaval de las águilas (The Great Waldo Pepper), dirigida por George Roy Hill e interpretada por Robert Redford, Bo Svenson, Bo Brundin, Susan Sarandon, Geoffrey Lewis, Edward Herrmann, Margot Kidder, Philip Bruns, Kelly Jean Peters, Roderick Cook, Scott Newman, James S. Appleby. Productora: Universal Pictures. Duración: 108 minutos. 

Sinopsis argumental: Año 1926. La Primera Guerra Mundial (1914-1918) ha popularizado la aviación, y algunos pilotos, una vez licenciados, intentan ganarse la vida con espectáculos aéreos cada vez más peligrosos debido a la competencia. Waldo Pepper es uno de ellos y sus acrobacias son cada vez más arriesgadas. Esto le crea problemas, porque las autoridades necesitan convencer al público de que el avión es un medio de transporte seguro a fin de impulsar el desarrollo de la aviación comercial. En estas circunstancias, el cine es la mejor salida para Waldo.

Comentario: George Roy Hill dirige un título de aviación y muestra los sueños de unos hombres y su amor por volar. Robert Redford encarna perfectamente al ídolo del aire, que antaño fue un heroico aviador, y le acompaña en pantalla Bo Svenson y una joven Susan Sarandon. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Primera plana

El 18 de diciembre de 1974 se estrenó la película estadounidense Primera plana (The Front Page), dirigida por Billy Wilder e interpretada por  Jack Lemmon, Walter Matthau, Susan Sarandon, Vincent Gardenia, David Wayne, Allen Garfield, Austin Pendleton, Harold Gould, Cliff Osmond, Dick O'Neill, Carol Burnett, Martin Gabel, Charles Durning, Herb Edelman, Paul Benedict, Jon Korkes, Lou Frizzell, Doro Merande. Productora: Universal Pictures. Duración: 105 minutos. 

Sinopsis argumental: Chicago, 1929. Earl Williams, convicto del asesinato de un policía, espera en la cárcel el momento de su ejecución. Mientras tanto, en la sala de prensa del Tribunal Supremo, un grupo de periodistas espera el indulto o la confirmación de la sentencia. Hildy Johnson, el cronista de sucesos del Chicago Examiner, que tendría que cubrir la información, está a punto de contraer matrimonio y abandonar su trabajo; pero Walter Burns, el maquiavélico director del periódico, empeñado en retenerlo, tratará de impedir su boda por todos los medios.

Nominaciones y premios: Globos de Oro: 3 nominaciones, incluyendo mejor película comedia/musical; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion adaptado comedia; 2 Premios David di Donatello, incluyendo a mejor director extranjero; Festival de Valladolid - Seminci: Premio Especial del Jurado.

Comentario: Obra maestra basada en la obra teatral homónima de Ben Hecht y Charles MacArthur, que ya había sido llevada a la gran pantalla por Lewis Milestone en 1931, con el título Un gran reportaje y por el gran Howard Hawks en la también magistral Luna nueva (His Girl Friday) en 1940. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: El padrino parte II

El 12 de diciembre de 1974 se estrenó la película estadounidense El padrino parte II (The Godfather Part II), dirigida por Francis Ford Coppola e interpretada por Al Pacino, Diane Keaton, Robert De Niro, Robert Duvall, John Cazale, Talia Shire, Lee Strasberg, James Caan, Danny Aiello, Bruno Kirby, Michael V. Gazzo, G.D. Spradlin, Morgana King, Richard Bright, Gianni Russo, Abe Vigoda, Troy Donahue, Harry Dean Stanton, Dominic Chianese, Marianna Hill, Carmine Caridi, Gastone Moschin. Productora: Coppola Co. Production. Productor: Francis Ford Coppola. Duración: 200 minutos. 

Sinopsis argumental: Continuación de la historia de los Corleone por medio de dos historias paralelas: la elección de Michael como jefe de los negocios familiares y los orígenes del patriarca, Don Vito Corleone, primero en su Sicilia natal y posteriormente en Estados Unidos, donde, empezando desde abajo, llegó a ser un poderosísimo jefe de la mafia de Nueva York. 

Nominaciones y premios: 6 Oscar, incluyendo película, director, actor de reparto (De Niro). 11 nominaciones; Globos de Oro: 6 nominaciones, incluyendo mejor película - drama; Círculo de Críticos de Nueva York: 4 nominaciones, incluyendo mejor película; Sindicato de Directores (DGA): Mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión adaptado drama; Premios BAFTA: Mejor actor (Al Pacino). 4 nominaciones. 

Comentario: Una segunda parte que rompe el tópico de segundas partes nunca fueron buenas. Es cuestionable si es mejor o peor que la genial primera parte pero, como poco, se queda a la misma altura. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Celebrando la promoción del "99" (XX)

La momia (The Mummy), de Stephen Sommers

Por qué es importante: El guionista y director Stephen Sommers creó una versión perfecta y exitosa de los clásicos monstruos del cine con su combinación desenfrenada de aventuras al estilo de Spielberg, suspenso y terror al estilo Industrial Light & Magic y un romance al estilo del viejo Hollywood con dos de los humanos más atractivos de los años 1990, Brendan Fraser y Rachel Weisz.

Brendan Fraser y Arnold Vosloo en La momia

Por qué se mantiene: No dejes que las mediocres secuelas o los spin-offs directos a video de El rey escorpión (The Scorpion King, 2002), de Chuck Russell, te engañen, la película original sigue siendo increíblemente re-mirable. El romance chisporrotea, los efectos especiales son espectaculares y el amplio grupo de actores de personajes trabaja duro para robarle el protagonismo a Fraser y Weisz. No lo hacen, pero sus esfuerzos combinados son un placer de ver.

Qué ver a continuación: Cabezas huecas (Airheads, 1994), de Michael Lehmann, para disfrutar de más Fraser de los años 1990, Langosta (The Lobster, 2015), de Yorgos Lanthimos, con  una de las mejores actuaciones de Weisz, y Van Helsing (2004), de Stephen Sommers, que tiene sus defectos, pero merece un arco de redención, porque fue un intento mucho mejor de crear un MonsterVerse que el Dark Universe de Cruise.

Las veinte mejores películas de John Ford (IX)

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9. El delator (The Informer, 1935)

Irlanda 1922. Traición entre amigos para una conocida película de nuestro director. Rodada en apenas 3 semanas. En el agitado Dublín de los años 1920, Gypo Nolan, un tipo sin oficio ni beneficio, expulsado del Ejército de Liberación Irlandés y con tendencia a empinar el codo, sueña con viajar a Estados Unidos en compañía de su novia, Katie, que se gana la vida como prostituta. Animado por la recompensa que ofrecen las autoridades, Gypo delata el paradero del activista Frankie McPhillip, un viejo amigo y compañero... 

Esta película fue el primer gran éxito de John Ford en el cine sonoro. Cuenta la historia de traición y lucha durante la guerra civil irlandesa, en la que el catolicismo está muy presente. De nuevo, Victor McLaglen se hace con la cinta y se convirtió en la primera gran estrella de Ford. El director fue galardonado con el premio Oscar a mejor director. En 1929 se había realizado la película El delator (The informer) dirigida por Arthur Robison, una versión menos fiel al libro en el que estánbasadas ambas cintas. 

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Efemérides de cine: El capitán pirata

El 14 de abril de 1974 se estrenó la película británica El capitán pirata (Swallows and Amazons), dirigida por Claude Whatham e interpretada por Virginia McKenna, Ronald Fraser, Simon West, Suzanna Hamilton, Sophie Neville, Stephen Grendon, Kit Seymour, Lesley Bennett, Brenda Bruce, Mike Pratt, John Franklyn-Robbins, Jack Woolgar, David Blagden. Productora: Theatre Projects Film Productions Ltd. Duración: 92 minutos. 

Sinopsis argumental: De vacaciones con su madre en 1929, cuatro niños navegan a una cercana isla en su barca "Golondrina" para acampar allí durante unos días. Pronto se dan cuenta de que ha sido territorio de otras dos niñas que navegan por la zona. 

Comentario: Entretenida cinta de aventuras que adapta un libro de de Arthur Ransome, Los niños son los protagonistas de la función, aunque en el reparto hay adultos veteranos, como Virginia McKenna. La embarcación que representaba el barco "Swallow" fue vendida en una subasta en abril de 2010 a un grupo de aficionados. Fue restaurado y ahora está nuevamente apto para navegar y está disponible para viajes en barco. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Cumplió 25 años: La leyenda del pianista en el océano

El 28 de octubre de 1998 se estrenó la película italiana La leyenda del pianista en el océano (La leggenda del pianista sull'oceano AKA The Legend of 1900), dirigida por Giuseppe Tornatore e interpretada por Tim Roth, Pruitt Taylor Vince, Mélanie Thierry, Bill Nunn, Clarence Williams III, Peter Vaughan, Niall O'Brien, Gabriele Lavia, Harry Ditson, Vernon Nurse, Angelo Di Loreta, Alberto Vasquez, Kevin McNally, Cory Buck. Productora: Sciarlò, Medusa Film. Duración: 125 minutos. 

Sinopsis argumental: Desde finales del siglo XIX, se producen emigraciones masivas a los Estados Unidos. A bordo de lujosos trasatlánticos, además de elegantes burgueses, viajan también emigrantes. Danny, el maquinista del Virginia, encuentra a un niño abandonado sobre un piano, lo adopta y le impone el nombre de Novecento ("siglo XX" en italiano). El barco es el hogar del niño, y los pasajeros, sus ventanas al mundo. Tras la muerte de Danny, alguien descubre por azar el talento innato del niño para el piano. A través de la música, este insólito personaje muestra lo que siente dentro del limitado mundo de un barco que no se atreve a abandonar.

Nominaciones y premios: Globos de Oro: Mejor banda sonora; Premios del Cine Europeo: mejor fotografía; Premios David di Donatello: 5 premios, incluyendo a mejor director. 8 nominaciones; Premios Satellite Awards. 2 nominaciones. 

Comentario: Una fábula intimista y en ocasiones mágica, filmada con la sensibilidad que caracteriza al director italiano Giuseppe Tornatore, ganador de un Oscar por Cinema paradiso. Para Tornatore ésta fue su primera película rodada en inglés y está basada en un monólogo teatral de Alessandro Baricco titulado Novecento. Los protagonistas fueron Tim Roth, en el papel del extraordinario pianista, y Pruitt Taylor Vince, que encarnó al amigo trompetista de Novecento y desde cuyo punto de vista se narra la historia. También hay que destacar la banda sonora, compuesta por Ennio Morricone, que ya había trabajado con Tornatore en varias ocasiones.

Damien Chazelle por 'Babylon': "Quería contar el reverso de pesadilla de 'Cantando bajo la lluvia'"

En Babylon, su quinto largometraje, el director de La La Land rastrea la esencia de los años 1920 en Hollywood, un período grandioso y decadente, entre drogas, orgías y pasiones ardientes. El fruto de diez años de investigación.

Concebida como una respuesta a Cantando bajo la lluvia, Babylon se estrelló en la nieve: estrenada durante las vacaciones en los Estados Unidos, la película fue recibida solo con una gélida indiferencia cuando los hombres azules de Avatar: The Way of the water, estaban nadando en felicidad. 

Conocido antes del veredicto de la taquilla americana, Damien Chazelle sabía que se jugaba a lo grande en este largometraje de 80 millones de dólares, de una duración extraordinaria (tres horas y nueve minutos), que retrata con seductor exceso el paso del cine mudo al sonoro en el Hollywood de los años 1920-1930. En un momento en que la industria solo tiene ojos para los superhéroes y las franquicias, el futuro cineasta de 38 años asegura que mantiene la fe...

Spielberg, Anderson, Indiana Jones o Astérix… Las películas más esperadas para 2023 (II)

2. Babylon (2022), de Damien Chazelle

Cómo Hollywood pasó del mudo al sonoro, y perdió buena parte de su libertad y su despreocupación... Este es el tema de esta larga película (188 minutos) y loca, llena de ruido y furia, de burla y de tragedias donde Damien Chazelle (La La Land) y sus estrellas Brad Pitt y Margot Robbie demuestran que todavía es posible (¿pero por cuánto tiempo?) producir un cine de autor ambicioso y con un presupuesto muy grande sin pasar por las plataformas. 

Margot Robbie en Babylon (2022)

Volver a ver “Real Adventure” de King Vidor, una huida feminista de los años 1920

En 1922, King Vidor abogó por la liberación de un ama de casa en una película olvidada y ahora restaurada. 

Una bobina perdida, una única copia existente, un título en francés y una trama de emancipación femenina decididamente progresista para la época: la historia de Real Adventure tiene algo para fantasear. Estrenada en los cines de Estados Unidos en 1922 (dos años después en Francia), la desaparecida película de King Vidor, un prolífico director estadounidense que logró convertir brillantemente al cine sonoro (¡Aleluya!, 1929), había desaparecido del radar cinematográfico durante casi ochenta años Solo resurgió en la década de 2000, a unos miles de kilómetros de distancia, en el suroeste de Francia, desenterrada del gran fondo de la cinemateca de Toulouse.

"Esta copia fue una de las más antiguas conservadas por la cinemateca", explica hoy Christophe Gauthier, su antiguo comisario. Él relata gustosamente este redescubrimiento, un evento raro y particularmente emocionante para todos los Indiana Jones del cine perdido. Los cuatro diablos (1928), de F. W. Murnau, o la adaptación de Thérèse Raquin (1928), de Jacques Feyder, que datan de la década de 1920, son los cilindros de las filmotecas, que todo el mundo busca desde hace setenta años Real Adventure no es tan legendaria, pero considerando todas las cosas, es un poco como encontrar a Hitchcock."

Historia del cine: El cine alemán (IV)

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F. W. Murnau (1888-1931) logró sobrevivir a las vicisitudes del cine alemán de los años 1920, y triunfar durante su breve estancia en Hollywood sobre todo con Amanecer, que le valió a su protagonista Janet Gaynor, uno de los primeros Oscar de la Academia concedido en 1928. En su primera obra importante Nosferatu (Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens, 1922), Murnau intentó abordar un tema fantástico y de terror, desde un punto de vista realista que implicaba rodar en las calles en lugar de los estudios, y utilizar la profundidad fotográfica de campo. La textura de Nosferatu (basada en la novela Drácula de Bram Stocker) es audazmente naturalista. 

Max Schreck como Nosferatu

En El último, Murnau renunciaba a los títulos, narrando la historia en términos puramente visuales, y ofreciendo a Karl Freund la oportunidad de sujetar la cámara al pecho y moverse libremente. Con sus ataques contra la sociedad decadente y ese implacable sentido de lo visual de que sólo el cine es capaz, El último se convirtió en uno de los grandes títulos alemanes de la década de 1920.  

Emil Jannings en El último (1924)

Historia del cine: El cine alemán (III)

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 Sigfrido (Paul Richter) es el heroico aventurero

con cuyo asesinato termina la primera parte de 

Los nibelungos de Frtz Lang. Paul Rotha comentó:

"En la belleza pictórica de su arquitectura estructural

Sigfrido es una película que no será igualada jamás".

Todas estas películas estaban ambientadas en el presente o en el pasado inmediato, mientras que Los nibelungos (Die Nibelungen, 1924), dividida en dos partes: Los nibelungos: la muerte de Sigfrido (Die Nibelungen: Siegfried) y Los nibelungos: la venganza de Krimilda (Die Nibelungen: Kriemhilds Rache), se sumergían en la Edad Media, en busca de un héroe mítico y épico que inspirase al pueblo alemán una vez más. Esta película es una adaptación de una serie de leyendas alemanas sobre unas criaturas que habitan la niebla llamadas nibelungos. Cuenta la historia del príncipe Sigfrido, que después de haber forjado una formidable espada y convertirse en un herrero excelente debe volver al castillo de su padre. Luego conoce la historia de la hermosa princesa Krimilda y decide abandonar de nuevo el castillo de su padre para salvarla. Estas obras están inspiradas en el Cantar de los nibelungos, y probablemente también en la trilogía de Friedrich Hebbel Los nibelungos, que ahonda en el cantar. Ambas películas fueron rodadas en los meses de 1923 en los que Alemania llegó a su situación más baja de la posguerra, con la inflacción más elevada de su historia, miembros de la ultraizquierda levantando barricadas en Hamburgo y Hitler llevando a cabo un abortado Putsch en Múnich. Los nibelungos fue una película dominada por los decorados gigantescos, las enormes escaleras y los vastos bosques artificiales, verdaderas proezas de producción que combinaban los antiguo y lo moderno. 

Sin embargo, la insaciable imaginación de Lang le llevó a ofrecer también visiones del futuro. La más espectacular de todas sus películas sigue siendo Metrópolis (1927); y, aunque las primeras escenas pueden parecer lentas y lúgubres, se ven compensadas por el dinámico climax en el que los esclavos se rebelan, destruyen las máquinas que les oprimen e inundan sus propios hogares. No obstante, Metrópolis se ve perjudicada por unos malos intérpretes, y su sumisión al poder resulta más ridícula que repulsiva. Metrópolis es uno de lοs pocos filmes considerados Memoria del Mundo por la Unesco. Fue el primero en poseer esta categoría, amparado en la vívida encarnación de toda la sociedad, y la profundidad de su contenido humano y social.

Aunque menos famosa, la siguiente película de Lang, La mujer en la Luna (Frau in Mod, 1929), resulta más acertada en su visión del futuro. Se trata de una historia de ciencia-ficción que se adelantaba ya al uso de las naves espaciales de los años 1960 y 1970. Está considerada como una de las primeras películas de ciencia-ficción "serias".​

Hacia mediados de la década, los artistas alemanes comenzaron a contemplar su sociedad desde un punto de vista crítico, al que se denominó Die Neue Sachlichkeit ("Nueva Objetivad" o "nuevo Realismo"), acuñado por el crítico Gustav Friedrich Hartlaub en 1923, quien afirmó: afirma: «el objetivo es superar las mezquindades estéticas de la forma a través de una nueva objetividad nacida del disgusto hacia la sociedad burguesa de la explotación» o «…lo que aquí estamos mostrando se distingue por las, en sí mismas puramente externas, características de la objetividad con la que los artistas se expresan ellos mismos…». Reaccionó contra el expresionismo y vuelve a una figuración «realista». Entrecomillamos realista porque es una plasmación objetiva de la realidad, con acento en lo social. Objetiva en el sentido de ser menos experimental en cuanto a búsqueda de nuevos lenguajes, menos introspectiva, y de ser más comprometido y directo. Resignados, desilusionados y horrorizados, los cineastas de la época se dedicaron a captar la realidad que les rodeaba con una visión fría e imparcial. De poco sirvió… 10 años después de su creación, la Alemania Nazi acaba con el movimiento.

El director G. W. Pabst se mostró partidario del "Nuevo Realismo": "¿Qué necesidad hay de un tratamiento romántico? La vida real es ya de por sí demasiado romántica, demasiado sombría".

Varieté, una historia de amor, celos y asesinato
en un circo, se estrenó en el mejor cine de la
UFA en Berlín

Pero la película que tendió el puente entre el pasado y el presente, deleitándose en la nostalgia al tiempo que optaba por el naturalismo fue Varieté (1925), dirigida por Ewald André Dupont, protagonizada por Emil Jannings y producida por la UFA, está basada en la novela El juramento de Stephan Huller de 1912, escrita por Felix Hollaender, sobre un director de circo que abandona a su esposa por una atractiva trapecista, sólo para verse remplazado por un apuesto acróbata, al que termina dando muerte. Emil Jannings, como el hombre del espectáculo que experimenta un proceso de degradación espiritual, es considerado por el director sueco Ingmar Bergman como el modelo de un personaje suyo parecido, el de Albert Johansson (Ake Ggrönberg) en Noche de circo (Gycklarnas afton, 1953). Con esta película,  Dupont, que, en 1911, se había convertido en uno de los primeros críticos profesionales de Alemania alcanzó la cúspide de su carrera; y Karl Freund, el operador, seguía las evoluciones del trapecio con voluptuosidad, mientras mostraba la estancia del protagonista en la cárcel con tonos sombríos y desolados, utilizando el gigantesco número 28 de la espalda como símbolo del anonimato y la desgracia. Varieté fue censurada en los Estados Unidos y se eliminó todo el primer rollo de película, la parte de la historia que tiene lugar en Hamburgo. La película fue uno de los pocos largometrajes alemanes de la época que tuvieron éxito en los Estados Unidos y tuvo buena recaudación y excelentes críticas.​ Una de las escenas contiene la primera representación del hockey sobre monociclo que se conoce.

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Historia del cine: El cine alemán (II)

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Mayer escribió, posteriormente, Escalera de servicio (Hintertreppe, 1921), para Leopold Jessner y Paul Leni, y algunos de los guiones clave de la carrera de Murnau, El castillo encantado (Schloss Vogelöd, 1921), una historia policíaca; El último (Der Letzte Mann, 1924), este clásico del cine mudo fue el primer film que explotó el movimiento de cámara; Tartufo o el hipócrita (Herr Tartüff, 1925), fábula moral basada en la famosa comedia de Moliere sobre la hipocresía de un hombre que quiere adueñarse de una gran fortuna; y la película más importante del período americano de Murnau, Amanecer (Sunrise: A Song of Two Humans, 1927), obra cumbre del expresionismo con la que el alemán Murnau -recién llegado a Estados Unidos- realizó toda una invasión de talento y dominio técnico en Hollywood. Su talento abarcaba tanto el campo de los fantástico como el documental social, representado este último por su guión para Berlín, sinfonía de una gran ciudad (Berlin – Die Symphonie der Großstadt, 19279, de Walter Ruttmann.

El castillo encantado (1921)

La afición a la mezcla de fantasía y terror característica de los directores alemanes les condujo a un verdadero callejón sin salida. Películas como Sombras (Schatten - Eine nächtliche Halluzination, 1923), de Arthur Robison y El hombre de las figuras de cera (Das Wachsfigurenkabinett, 1924), de Paul Leni y Leo Birinsky, han perdido su cualidad alucinatoria y, con el paso de los años, se han convertido en simples parodias del arte expresionista. 

El hombre de las figuras de cera (1924)

Fritz Lang pude considerarse como el más versátil de todos los directores alemanes de la década de 1920, capaz de dirigir toda clase de historias, desde la leyenda y la fantasía hasta el cine policíaco y el melodrama. En 1920, gracias al éxito comercial de Las arañas, parte 1 (Las arañas 1: El lago de oro) (Die Spinnen, 1. Teil - Der Goldene See, 1919) y Las arañas, parte 2 (Las arañas 2: El barco de los brillantes) (Die Spinnen, 2. Teil - Das Brillantenschiff, 1920), comenzó a escribir sus propios guiones en colaboración son su futura esposa Thea von Harbou y, al año siguiente, consiguió su primer gran éxito crítico con Las tres luces (Der müde Tod, 1921), una alegoría sobre la lucha entre el amor y la muerte, destacable sobre todo por sus impresionantes decorados. 

Las tres luces (1921)

Lang se sentía atraído por figuras de dimensiones colosales, tanto del pasado como del presente. Su archicriminal doctor Mabuse estaba interesado el llegar a dominar el mundo en El doctor Mabuse (Dr. Mabuse, der Spieler, 1922), fue la primera versión cinematográfica del Dr. Mabuse consta de dos partes: “El gran jugador” y “El infierno”. Mientras que malos semejantes aparecen en Los espías (Spione, 1928).

El doctor Mabuse (1922)

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Historia del cine: El cine alemán (I)

Durante la primera mitad del siglo XX, la situación político-social en Alemania influyó en gran medida sobre la industria cinematográfica, llegando ésta a evitar su desaparición gracias a las aportaciones que a la misma hicieron las cinematografías escandinavas, tanto de películas con las que abastecer las programaciones de los empresarios, como de directores y actores que ayudaron a relanzar uno de los períodos más creativos del cine alemán.

En esta etapa florece un importante movimiento -el Expresionismo-, se crea una productora -la UFA, Universum Film AG-, surgen renombrados directores -Murnau, Pabst, Conrad Veidt-, y se realizan las grandes películas alemanas, como fueron El gabinete del Dr. Caligari, Metrópolis y Amanecer, entre otras. 

Escandinavia filmó sus breves veranos y y nevados invierno en espectaculares exteriores, mientras que Alemania exploró los secretos del alma en claustrofóbicos interiores de estudio.

Antes de que estallase la I Guerra Mundial, e incluso después, los exhibidores alemanes dependían de las películas danesas para mantener abastecidos sus cines. Pocos directores nacionales lograron un mínimo impacto, aunque Richard Oswald, Max Mack y Max Reinhardt empezaron a trabajar para el cine alrededor de 1910. Significativamente, cuando los alemanes hicieron su primera película importante, revelando los temas que habrían de obsesionarles durante los años siguientes, ésta fue dirigida por un danés, Stellan Rye. Se trataba de la primera versión de El estudiante de Praga (Der Student von Prag, 1913), que fue vista por Sjöström en el momento de su estreno, causándole una gran impresión. El estudiante de Praga reflejaba la visión extravagante e intensa del actor y coguionista Paul Wegener (1874-1948), que había trabajado con Reinhardt, inspirándose en la obra de los escritores E.T.A. Hoffman y Edgar Allan Poe sobre la leyenda de Fausto, así como en la novela de Robert Louis Stevenson, El doctor Jekill y Mr. Hyde, para contar la historia de un hombre cuya alma es fatalmente dividida entre dos personalidades conflictivas. 

Wegener interpreto y codirigió El Golem (Der Golem, 1913), que también mostraba la afición hacia lo fantástico que habría de caracterizar al cine alemán en los años 1920. Siete años después volvió a rodar la misma historia, pero esta vez contando con mayores medios y experiencias, El Golem es el monstruo sagrado, hecho de barro que cobra vida para ayudar a los judíos en tiempos de crisis. La película esta dominada por la Astrología y la superstición, y Wegener en el papel del monstruo constituye un curioso precedente del Frankenstein (1931), de Boris Karloff, un ser terrible y tierno al mismo tiempo. 

El Golem (1920)

La historia ha cubierto de gloria a los directores alemanes que vivían y trabajaban en Berlín durante los años 1920, pero Frtiz Lang, Robert Wiene, F. W. Murnau y otros se habrían visto en grandes apuros sin la ayuda de diversos guionistas destacados. Entre ellos figuran Carl Mayer, de origen austríaco, que se unió al poeta checoslovaco Hhans Janowitz para escribir el guión de El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Dr. Caligari, 1920), de Robert Wiene.

El gabinete del doctor Caligari, película que por el romanticismo de su contenido y el expresionismo de su forma, ejerció una gran influencia en todo el cine de terror de la época

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