Efemérides de cine: Manuela

El 7 de junio de 1976 se estrenó la película española Manuela, dirigida por Gonzalo García Pelayo e interpretada por Charo López, Fernando Rey, Máximo Valverde, Mario Pardo, Carmen Platero, Fernando Sánchez Polack, Carmen Albéniz, David Areu, Aurora Baldomero, Luis Baquero, Luis Barboo, Aurora Bautista, Baldomero Bautista, Vicente Bautista. Productora: Galgo Films S.A. Duración: 105 minutos. 

Sinopsis argumental. Manuela, hija de un cazador furtivo, se casa con el criado del rico Don Ramón, quien está enamorado de ella. Su belleza natural y su sensualidad a flor de piel encienden pasiones que desencadenan toda clase de conflictos. 

Comentario: Adaptación de la novela de Manuel Halcón. Tiene una buena banda sonora. Fue la primera producción andaluza, realizada en plena transición. Se rodó en Carmona, Lebrija y Sevilla. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Un clásico del cine de suspense nominado a seis Oscar

Atracción fatal (Fatal Attraction, 1987), de Adrian Lyne con Michael Douglas, Glenn Close y Anne Archer. Basada en el cortometraje Diversión de 1980. Un thriller psicológico que no se podría hacer hoy.

Dan Gallagher lleva una vida perfecta: tiene una esposa maravillosa, una hija encantadora y un buen trabajo. En una fiesta conoce a Alex, una atractiva mujer que lo seduce. Pero para Dan se trata únicamente de una aventura ocasional. Alex, en cambio, cuando él le anuncia el fin de la relación reacciona con una violencia inaudita. No acepta ser rechazada y sus sentimientos se convierten en una obsesión enfermiza y peligrosa...

Recibió seis nominaciones al Óscar en las categorías de: mejor película, mejor director, mejor actriz, mejor actriz de reparto, mejor guion adaptado y mejor montaje, pero no consiguió ningún premio.

Un estudio afilado sobre el deseo, la culpa y las consecuencias que se descontrolan cuando una decisión impulsiva abre una grieta irreparable. Y décadas después de su estreno, la película sigue siendo igual de incómoda, poderosa y magnética.

Recordando a Orson Welles: El cuarto mandamiento

El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons, 1942). Fue la segunda película de Welles, tras Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941), y en esta película volvía a dirigir y a escribir el guion, aunque esta vez no interpretaba ningún papel. Es una estupenda película, en la que Orson Welles no fue el responsable del montaje final, manipulado por la productora RKO tenía miedo de que Welles rodara una película demasiado personal, lo que pudiera perjudicar a sus resultados en taquilla. Así que la productora arrebató el control creativo al cineasta, y ordenó un nuevo montaje, que mutiló seriamente el original. Las imágenes de Welles son tan fascinantes que, aún así, quedó intacta la magia de esta reflexión acerca de la decadencia de la aristocracia, la aparición del progreso en una sociedad anquilosada y la ascensión de una nueva estructura social".

Joseph Cotten y Agnes Moorehead en El cuarto mandamiento (1942)

Con esta película comenzaría la leyenda negra que le acompañaría el resto de su vida.

Dolores Costello  y Tim Holt en El cuarto mandamiento (1942)

La trama: A finales del siglo XIX, la mansión Amberson es la más fastuosa de Indianápolis. Cuando su dueña, la bellísima Isabel, es humillada públicamente, aunque de forma involuntaria por su pretendiente Eugene Morgan, lo abandona y se casa con el torpe Wilbur Minafer. Su único hijo, el consentido George, crece lleno de arrogancia y prepotencia. Años más tarde, Eugene regresa a la ciudad con su hija Lucy, y George se enamora de ella. Basada en la novela homónima de Booth Tarkington, escrita en 1918, y que había ganado el premio Pulitzer en 1919.

Joseph Cotten, Agnes Moorehead, Richard Bennett, Ray Collins y Dolores Costello en El cuarto mandamiento (1942)

Nuevas películas para toda la familia (V)

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17. Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem 2 (2027), de Jeff Rowe, Yashar Kassai y Kyler Spears

Donnie, Raph, Leo y Mikey vuelven para su próxima aventura con el Maestro Astilla, los Mutantes, April y un nuevo villano al que tienen que enfrentarse: La Trituradora.

Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem 2 (2027)

18. Blancanieves (Snow White, 2025), de Marc Webb

Una princesa une fuerzas con siete enanitos y un grupo de rebeldes para liberar su reino de su cruel madrastra, la Reina Malvada.

Rache Zegler en Blancanieves (2025)

La original Blancanieves y los siete enanitos hizo de Disney lo que es hoy, y como cualquier película venerada, los fans quieren protegerla. Como con la mayoría de los remakes, especialmente las actualizaciones de acción real de los clásicos animados de Disney, el tráiler de Blancanieves irritó a los espectadores poco caritativos que siempre aparecen cuando alguien intenta algo nuevo, pero no dejemos que ese ruido ahogue las voces de los fans que merecen ver a la estrella de West Side Story, Rachel Zegler, interpretar a la princesa Disney. Gal Gadot interpreta a la Reina Malvada, Marc Webb (500 días con ella y las dos primeras películas de Spider-Man de Andrew Garfield) dirige, y los primeros críticos en modo madrastra malvada también tienen mucho que decir sobre los efectos visuales vistos en los tráilers. Ojalá esta versión contemporánea de la historia y la actuación de Zegler conviertan a los detractores de la película en adorables y esponjosos animales del bosque. En cines. 

19. Policán (Dog Man, 2025), de Peter Hastings

Un fiel perro policía y su agente humano sufren graves heridas mientras cumplen con su deber, y solo se les puede salvar mediante una operación descabellada en la que ambos se fusionan en uno, convirtiéndose en Policán. El nuevo agente jura proteger y servir, pero también sabe buscar, sentarse y dar la patita. Policán acepta su nueva identidad y se esfuerza en complacer a su Jefe. Ahora debe detener las malvadas intenciones del supervillano felino Perico. El último plan de Perico es clonarse para crear al gatito Periquillo y disponer del doble de posibilidades para cometer fechorías. Pero las cosas se complicarán cuando Periquillo y Policán se hacen amigos inesperadamente. Adaptación del fenómeno literario de Dav Pilkey. En cines. 

Policán (2025)

20. Looney Tunes: El día que la Tierra explotó (The Day the Earth Blew Up: A Looney Tunes Movie, 2024), de Peter Browngardt

Antes de morir, el granjero Jim aconsejó a sus dos hijos adoptivos, el pato Lucas y el cerdito Porky, que estuvieran siempre juntos y conservaran la casa que les legaba. Por desgracia, mantienen tan mal su morada que no pasan una inspección, así que para conseguir el dinero necesario para las reformas, buscan trabajo. Tras fracasar sonoramente con diversas ocupaciones, conocen a Petunia Pig, una científica que les promete un puesto en la fábrica en la que trabaja. Pero un tipo que se comporta como un muerto viviente sabotea los chicles que se elaboran allí, echándoles una misteriosa sustancia que convierte a quienes los masquen en zombies.

Looney Tunes: El día que la Tierra explotó (2024)

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"Blancanieves” y las siete controversias: El viaje de una película envenenada

El remake del clásico de Disney llegará a los cines españoles el 21 de marzo de 2025 tras una promoción discreta. Un estreno discreto que se explica por la voluntad de limitar las polémicas en torno a una película que ya ha sido objeto de ellas durante tres años. En vísperas del estreno de Blancanieves, el remake en acción real del clásico de Disney , la película está siendo más comentada por sus controversias que por su dirección.

Blancanieves (2025)

A punto de llegar a las grandes pantallas este próximo viernes en España, la promoción inusualmente discreta de una película con un presupuesto de 300 millones de dólares está causando revuelo y los artículos se multiplican para explicar esta repentina y misteriosa sobriedad.

Rachel Zegler en Blancanieves (2025)

El sábado pasado, en una premier en Los Ángeles, se invitó a fotógrafos a cubrir el evento, pero no hubo medios de comunicación presentes para acercarle los micrófonos al equipo en la alfombra roja, como es tradicional: las estrellas suelen desfilar de periodista en periodista. Según Variety, en el mismo evento solo los empleados de Disney pudieron hacer preguntas al equipo de la película, como Jodi Benson, conocida por prestar su voz a Ariel en la película animada La sirenita (The Little Mermaid, 1989)...

Rachel Zegler en Blancanieves (2025)

¿Las razones de esta salida tranquila? Hay muchos de ellos. Comenzando con las quejas de algunos aficionados tras enterarse de que Rachel Zegler interpretaría a la heroína. La actriz estadounidense de origen colombiano y polaco, revelada por West Side Story (2021) de Steven Spielberg, tiene, según ellos, una piel insuficientemente blanca... Una polémica tan estúpida como la que estalló cuando Disney eligió a Halle Bailey, actriz y cantante negra, para interpretar a Ariel en el –catastrófico– remake del clásico de Disney, también en acción real. En respuesta a estas críticas, la actriz Rachel Zegler respondió en ese momento en X: "Sí, soy Blancanieves, y no, no me blanquearé la piel para el papel", antes de eliminar la publicación. Claramente puesta en su lugar por la compañía de las Mickey Mouse, ella, tres años después, moderó sus comentarios durante una entrevista concedida a Vogue México en febrero pasado: "Interpreto los sentimientos de la gente hacia la película como pasión".

Blancanieves (2025)

Para agravar aún más su situación, la actriz también se atrevió a criticar a los votantes de Trump y sintió que el príncipe de Blancanieves la estaba "acosando". Junto a estas declaraciones, que provocaron revuelo entre los detractores de "wokistan", el actor Peter Dinklage también denunció con vehemencia, en un podcast, la representación de "siete enanos viviendo en una cueva", una visión que calificó de "retrógrada". Los enanos fueron finalmente reemplazados en la película por "criaturas mágicas", una elección que disgustó a los actores con enanismo, quienes lo vieron como una oportunidad perdida de ser representados en el cine...

Rachel Zegler y Andrew Burnap en Blancanieves (2025)

Frente a este enorme frente, a lo que se suman los rumores de desacuerdo entre Rachel Zegler y la actriz israelí Gal Gadot en el contexto del conflicto entre Israel y Hamás, Disney ha optado por impedir cualquier promoción. Con el ascenso de Trump al poder, la empresa está mostrando todas las señales de alejarse del progresismo que podría reflejarse en su trabajo. Recordemos que recientemente abandonó Reimagine Tomorrow (Reinventar el mañana), su programa de Diversidad, Equidad e Inclusión y revisará la advertencia en algunos clásicos y ahora sólo dirá que se presentan como se crearon originalmente.

Gal Gadot en Blancanieves (2025)

Efemérides de cine: Mi mujer es muy decente, dentro de lo que cabe

El 19 de febrero de 1975 se estrenó la película española Mi mujer es muy decente, dentro de lo que cabe, dirigida por Antonio Drove e interpretada por Concha Velasco, José Sacristán, María Luisa San José, Mirta Miller, Guadalupe Muñoz Sampedro, Bárbara Rey, Antonio Ferrandis, Julián Navarro. Productora: Ágata Films. Duración: 87 minutos. 

Sinopsis argumental: Paulino (José Sacristán) es un adinerado abogado que está casado con Margarita (Concha Velasco), una mujer bella y atractiva que fue artista de teatro musical antes de conocerlo. Paulino es un hombre apocado y celoso, fascinado por la libertad, pero que necesita dominar, controlar y administrar la de sus seres queridos. Le apasionan los pájaros, su vuelo y su canto, porque encarnan la libertad absoluta. De ahí que los cuide, los mime y los tenga, como a su querida Margarita, enjaulados. Pero un día Paulino conoce a Paloma (María Luisa San José), una mujer libre, espontánea y alegre, que vive de forma desinhibida y que se convierte para él en otro bello ejemplar que cazar. 

Comentario: La segunda película de Antonio Drove para José Luis Dibildos, una comedia sencilla, muy del gusto del público español de mediados de los años 1970. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: El fantasma de la ópera

El 7 de enero de 1925 se estrenó la película estadounidense El fantasma de la ópera (The Phantom of the Opera), dirigida por Rupert Julian e interpretada por Lon Chaney, Mary Philbin, Norman Kerry, Arthur Edmund Carewe, Gibson Gowland, Bernard Siegel, John St. Polis, Snitz Edwards, Virginia Pearson, Mary Fabian, Carla Laemmle. Productora: Universal Pictures. Duración: 106 minutos.

Sinopsis argumental: En los sótanos de la Ópera de París vive oculto el misterioso Eric, el hombre de voz de ángel y rostro desfigurado de demonio, que acecha entre pared y pared a la hermosa soprano Christine Daeé, a la que desea catapultar hasta la cima de la fama; pero cuando se entera de que la cantante está prometida al apuesto vizconde Raoul, se vuelve loco de celos.

Comentario: Es la primera adaptación conservada (hubo una anterior de 1916, perdida) de la novela homónima de Gastón Leroux. Esta película causó mucho impacto por el terror intencionado producido por Lon Chaney con su aspecto, ya que él mismo se aplicaba el maquillaje, que fue mantenido en secreto por el estudio, hasta el estreno de la película. En 1998, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry. 

Cumplió 25 años: El talento de Mr. Ripley

El 25 de diciembre de 1999 se estrenó la película estadounidense El talento de Mr. Ripley (The Talented Mr. Ripley), dirigida por Anthony Minghella e interpretada por Matt Damon, Gwyneth Paltrow, Jude Law, Cate Blanchett, Philip Seymour Hoffman, Jack Davenport, James Rebhorn, Sergio Rubini, Philip Baker Hall, Celia Weston, Stefania Rocca, Ivano Marescotti. Productora: Miramax, Paramount Pictures, Mirage Entertainment, Timnick Films. Duración: 139 minutos.

Sinopsis argumental: Tom Ripley (Matt Damon), un joven empleado de una empresa de servicios de Manhattan, pide prestada una chaqueta de Princeton para tocar el piano en una fiesta. Cuando el rico propietario de la casa charla con él, Ripley le hace creer que es amigo y compañero de universidad de su hijo Dickie (Jude Law); entonces, el padre ofrece a Tom mil dólares si va a Italia y convence a Dickie para que regrese a casa. Cuando conoce a Dickie, que es un playboy, se queda fascinado con el estilo de vida que llevan él y su novia Marge (Gwyneth Paltrow)... 

Nominaciones y premios: 5 nominaciones al Oscar, incluyendo actor secundario (Law), guión vestuario y música; 5 nominaciones al Globo de Oro, incluyendo mejor director, película drama y banda sonora original; Premios BAFTA: Mejor actor secundario (Jude Law). 7 nominaciones; 2 premios National Board of Review: Mejor director y actor secundario (Hoffman); Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor banda sonora. 

Comentario: Adaptación de la novela homónima de Patricia Highsmith, que ha sido varias veces adaptada al cine. 

Hace 100 años: Avaricia

El 4 de diciembre de 1924 se estrenó la película estadounidense Avaricia (Greed), dirigida por Erich von Stroheim e interpretada por Gibson Gowland, ZaSu Pitts, Jean Hersholt, Chester Conklin, Sylvia Ashton, Dale Fuller, Tempe Pigott, Joan Standing, William Barlow, Lita Chevrier, Jack Curtis, Gwendolynne D'Amour, James F. Fulton, Edward Gaffney, Florence Gibson, James Gibson, Oscar Gottell, Otto Gottell. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 239 minutos. 

Sinopsis argumental: La película cuenta la historia de McTeague, un dentista de San Francisco, quien se casa con la prometida de Schouler, su mejor amigo, Trina. Poco después de su compromiso, Trina gana un premio de lotería de $5,000, una suma sustancial para su época. Schouler informa celosamente a las autoridades que McTeague había estado practicando odontología sin licencia, lo que ocasiona que McTeague y Trina se empobrecieran. Durante su miseria, McTeague se vuelve un alcohólico violento y Trina se obsesiona ávidamente con sus ganancias, negándose a gastarlas, pese a lo pobre que ella y su esposo se han convertido. Finalmente McTeague asesina a Trina por el dinero y escapa hacia el Valle de la Muerte, donde Schouler lo atrapa para una confrontación final. 

Comentario: Existen dos versiones: la censurada, de dos horas y media, y la completa, de cuatro horas. basada en McTeague, una novela de Frank Norris publicada en 1899. Originalmente de casi 9 horas de duración, existen dos versiones: la censurada, de dos horas y media, y la completa, de cuatro horas. La versión original ha sido llamada el "santo grial" para los archivistas de cine, en medio de reclamos falsos repetidos del descubrimiento del largometraje completo. En 1999, Turner Entertainment creó una versión de 4 horas de Avaricia que usaba imágenes existentes de escenas perdidas para reconstruir la película. Avaricia fue un fracaso crítico y financiero en su lanzamiento inicial, pero en la década de 1950 comenzó a ser considerada como una de las mejores películas de la historia; cineastas y especialistas la han elogiado por su influencia en películas posteriores.

Celebrando la promoción del "99" (XV)

El talento de Mr. Ripley (The Talented Mr. Ripley), de Anthony Minghella

Por qué es importante: Una comedia soleada que se vuelve deliciosamente oscura, la adaptación de Patricia Highsmith le permitió a Matt Damon estirar sus alas después de El indomable Will Hunting (Good Will Hunting, 1997), el mismo año en que se las cortó interpretando a Loki, el Ángel de la Muerte en Dogma de Kevin Smith. Un presagio de lo que vendrá.

Gwyneth Paltrow, Judd Law y Matt Damon en El talento de Mr. Ripley

Por qué se mantiene: La trama enrevesada, los matices queer y las escenas que transportan aún se sienten tan nítidas como la sastrería de los años 1950.

Qué ver a continuación: La serie Ripley, la última de muchas adaptaciones cinematográficas, logra lucir exuberante y texturizada en monocromo, lo que aumenta el drama y el impacto de cada ubicación, desde las calles de la ciudad hasta las costas italianas.

Clásicos de cine: El signo de la cruz

El signo de la cruz (The Sign of the Cross, 1932), de Cecil B. DeMille

Imperio Romano, siglo I d. C. Después del gran incendio de Roma, el emperador Nerón, decide culpar a los cristianos y publica un edicto por el cual todos ellos deberán ser arrestados y enviados a la arena del circo. Entre los detenidos se encuentran dos viejos cristianos y la hermosa hija de uno de ellos, de la que se enamora Marcus: el más alto funcionario de Roma. Una de las más brillantes y polémicas películas históricas del épico Cecil B. DeMille, que ya en el cine mudo había dado muestras de su magna visión cinematográfica. Sobre el texto de una obra de Wilson Barrett, nos cuenta la historia de cómo Nerón incendió Roma culpando de ello a los cristianos para justificar su persecución de cara al pueblo. Aunque lo más destacado de la función acabó siendo el latente erotismo mostrado por Claudette Colbert (como la malvada emperatriz Poppea), bañándose en leche de cabra ante la atenta y lasciva mirada de Nerón (un espléndido Charles Laughton). Además, la película estaba repleta de orgías, sadismo y otras actividades sexuales, estrenándose íntegra ya que todavía no estaba instaurado el código censor. DeMille ya había dirigido una primera versión sobre el tema en 1914. Para este remake gastó 650.000 dólares, rodándola en tan solo ocho semanas. Constituyó un enorme éxito de taquilla y obtuvo una nominación al Oscar a la mejor fotografía (Karl Struss).

Efemérides de cine: El asesino está entre los trece

El 24 de septiembre de 1973 se estrenó la película española El asesino está entre los trece, dirigida por Javier Aguirre e interpretada por Patty Shepard, Ramiro Oliveros, Jack Taylor, José María Prada, Simón Andreu, Eusebio Poncela, Blaki, Carmen Maura, Paul Naschy, Dyanik Zurakowska, Trini Alonso, Paloma Cela, May Heatherly, Doris Coll, Alberto Fernández, Eduardo Calvo. Productora: Producciones Internacionales Cinematográficas Asociadas. Duración: 93 minutos. 

Sinopsis argumental: Al cumplirse dos años de la muerte de un acaudalado abogado, su viuda decide celebrar una reunión en una casa de campo, invitando a los mejores amigos del difunto. Su intención es descubrir al asesino de su marido que está segura de que se encuentra entre los invitados. El transcurrir de los días hará que se vayan esclareciendo los posibles móviles de cada uno.

Comentario: Javier Aguirre ideó esta historia coral con posible influencia de la novela 10 Negritos de Agatha Christie. Reúne varios personajes que, de manera predecible, terminan cruzados en intereses (preferentemente romántico-sexuales) tras ser señalados como sospechosos. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Clásicos de cine: Que el cielo la juzgue

Que el cielo la juzgue (Leave Her to Heaven, 1945), de John M. Stahl

Interpretada por Gene Tierney, Cornel Wilde, Jeanne Crain, Vincent Price, Mary Philips, Ray Collins, Gene Lockhart, Reed Hadley, Darryl Hickman, Chill Wills. 

Richard Harland (Cornel Wilde), un joven escritor, conoce en un tren a Ellen Berent (Gene Tierney), una bellísima mujer con la que se casa pocos días después. La vida parece sonreírles, pero Ellen es tan posesiva y sus celos son tan enfermizos que no está dispuesta a compartir a Richard con nadie; tanto amigos como familiares representan para ella una amenaza de la que intentará librarse, provocando la desgracia de quienes les rodean. 

Un drama negro dirigido por todo un especialista en el género, como John M. Stahl, que obtuvo un considerable éxito en su momento. La cinta, además, ganó el Oscar a la mejor fotografía en color de 1945, siendo nominada también en las categorías de mejor actriz principal (Gene Tierney), sonido y dirección artística en color. Extrañamente, la excelente banda sonora de Alfred Newman no fue candidata ese año.

Espectacular producción de la Fox, en uno de los más elogiados melodramas de la época. Con reminiscencias de thriller

Mujeres de cine: Hedy Lamarr

Hedy Lamarr tal y como apareció en la polémica película checoslovaca de 1933 Éxtasis (Ekstase), dirigida por Gustav Machatý. Tras casarse con su marido, un viejo caballero, Eva (Hedy Lamarr) descubre que éste está obsesionado con el orden y la tranquilidad, dejando poco tiempo a la pasión y el romanticismo que ella esperaba. Desanimada, abandonará a su marido y regresará con su padre. Un día, mientras se baña en el lago conoce a un joven del que se enamora.

En ella, la actriz austríaca Hedwig Eva Maria Kiesler, posteriormente una estrella del cine mundial conocida como Hedy Lamarr, realizó el primer desnudo integral (y la primera simulación de hacer el amor) de la historia del cine.

El Papa Pío XI denunció Extásis en un periódico del Vaticano en 1933; la película fue condenada después por la Legión Católica de la Decencia en los Estados Unidos, que intentó prohibir la película. La historia cuenta que el primer marido de Hedy Lamarr, el rico traficante de armas Friedrich Mandl, también se opuso a la película, y gastó 280.000 dólares (unos 4,5 millones de dólares en dólares de hoy) en comprar cada impresión existente (no tuvo éxito en suprimir la película checoslovaca). Sí se proyectó en los Estados Unidos en 1935 pero sin la aprobación del código Hays, relegándola a breves proyecciones en cines independientes.

Cumplió 25 años: Más fuerte que su destino

El 20 de febrero de 1998 se estrenó la película estadounidense Más fuerte que su destino (Dangerous Beauty), dirigida por Marshall Herskovitz e interpretada por Catherine McCormack, Rufus Sewell, Jacqueline Bisset, Oliver Platt, Moira Kelly, Fred Ward, Naomi Watts, Jeroen Krabbé. Productora: Arnon Milchan Production, The Bedford Falls Company. Distribuidora: Regency Enterprises. Duración: 11 minutos. 

Sinopsis argumental: En la Venecia del siglo XVI las cortesanas disfrutan de privilegios únicos: visten lujosos vestidos, son cultas, componen poemas y discuten asuntos de Estado con los hombres que gobiernan la República. La joven Veronica Franco se enamora del noble Marco Venier, pero no puede casarse con él, porque Marco debe contraer un matrimonio de conveniencia. Entonces, aconsejada por su madre, se convierte en la cortesana más bella y seductora de Venecia. 

Comentario: Tras una amplia trayectoria en el medio televisivo, donde participó en la realización de series como Treinta y tantos, Marshall Herskovitz debutó en la dirección de largometrajes con este trabajo. La película está basada en la novela biográfica sobre Verónica Franco, La honesta cortesana, escrita por Margaret Rosenthal. Esta crónica de la sociedad Veneciana del siglo XVI, donde las mujeres no tenían derechos y no podían optar a la educación, está protagonizada por Catherine McCormack. La película cuenta, además, con la siempre sugestiva presencia de Jacqueline Bisset interpretando a la madre de la protagonista.

Hace 100 años: El bajel trágico

El 5 de febrero de 1923 se estrenó la película sueca El bajel trágico (Eld ombord),dirigida por Victor Sjöström e interpretada por Jenny Hasselqvist, Matheson Lang, Victor Sjöström, Maria Di Zazzo, Thecla Ahlander, Ida Gawell-Blumenthal, Julia Cederblad, Josua Bengtson, Nils Lundell, Arthur Natorp, Wanda Rothgardt. Productora: Svensk Filminspelning. Duración: 99 minutos. 

Sinopsis argumental: El capitán Jan Steen regresa a casa después de un largo viaje y encuentra a su esposa en compañía de un antiguo pretendiente, Dick, un fracasado que está buscando empleo. Lleno de celos, lo echa de su casa. Algún tiempo después, el destino los reúne a los tres en el mismo barco, un barco con un cargamento secreto de dinamita. 

Comentario: Fue la última película que dirigió Victor Sjöström antes de partir a Hollywood donde aún filmaría una nueva obra maestra: El viento (The wind, 1928).

Hace 100 años: Carceleras

El 14 de diciembre de 1922 se estrenó la película española Carceleras, dirigida por José Buchs e interpretada por Elisa Ruiz Romero, José Romeu, José Montenegro, María Comendador, Modesto Rivas, Manuel Aliacar, Antonio Gil Varela 'Varillas', Javier de Rivera, Aurora Ruiz Romero. Productora: Atlántida Films. Duración: 67 minutos. 

Sinopsis argumental: En un cortijo cordobés, Soledad despierta una pasión en dos hombres, lo que será motivo de desgracia para ambos cuando el novio de la protagonista, en un ataque de celos, mata al rival en su presencia. 

Comentario: Basada en la zarzuela homónima de Ricardo Rodríguez Flores. Película que se distribuyó con éxito fuera de España. De hecho el propio Buchs, ante el gusto del público por los temas andaluces, decide hacer una nueva versión sonora en 1932.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCXVI)

Te amo... pero yo no (Je t'aime moi non plus, 1976), de Serge Gainsbourg

La película Te amo... pero yo no trata sobre un homosexual de origen polaco a quien le gusta ser llamado Krass, que se dedica a manejar un camión de basura, siempre acompañado de su pareja romántica Padovan y también homosexual, pero algo en el cambia al conocer en un restaurante a una camarera llamada Johnny, ya que su aspecto delgado y poco busto le resulta atractivo. Krass inicia una relación con Johnny sin terminar la que tiene con Padovan, pero este se muestra cada vez más celoso y en un  intento de molestar a Krass busca tener relaciones con otro homosexual al que llaman "El campesino", sin embargo esta persona no busca tener más problemas y lo rechaza inmediatamente. La relación entre Krassky y Johnny no se puede consumar sexualmente debido a que él no puede excitarse con una mujer, pero ella se siente muy atraída por Krass y está dispuesta a simular que es un chico y tener relaciones como lo haría un hombre con tal de poder seguir adelante con la relación, lo que se dificulta debido al dolor que le causa y a sus gritos que ocasionan que sean echados de todos los hoteles. La película Te amo... pero yo no (Je t´aime moi non plus) es muy recordada principalmente por la canción del mismo nombre y la calidad de sonido, que la hicieron merecedora a dos nominaciones al premio César en 1977, pero también resulta interesante desde el punto de vista erótico gracias al atractivo de Jane Birkin y a la trama dramática de tema psicológico que finalmente impedirá que Krassky pueda sostener una relación heterosexual con Johnny.

Efemérides de cine: Mortadela

El 22 de diciembre de 1971 se estrenó la película italiana Mortadela (La mortadella), dirigida por Mario Monicelli e interpretada por Sophia Loren, William Devane, Gigi Proietti, Beeson Carroll, David Doyle, Danny DeVito, Susan Sarandon, Bob Glaudini, William J. Daprato, Edward Herrmann. Productora: Coproducción Italia-Francia; Compagnia Cinematografica Champion, Les Films Concordia, Productions et Éditions Cinématographique Français. Duración: 95 minutos. 

Sinopsis argumental: Maddalena va a Nueva York a reunirse con su prometido Michele, que emigró cuatro años antes. Como Michele estaba casado y en Italia no existía el divorcio, no podían casarse. En el aeropuerto, a Maddalena la retiene la policía aduanera por llevar una mortadela en el equipaje. Su estancia en la terminal le servirá para conocer la verdadera América y al verdadero Michele.

Comentario: A partir de un guión de Suso Cecchi d'Amico, colaborador habitual de Visconti, el director italiano Mario Monicelli construye una divertida sátira sobre las estrictas leyes estadounidenses respecto a la emigración. La protagonista indiscutible de la película es Sofía Loren, que gozaba por aquél entonces de uno de sus mejores momentos. En papeles secundarios podemos ver caras tan conocidas como Danny DeVito o Susan Sarandon, ambos en unos de los primeros papeles de su carrera. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

En Manhattan: todo el mundo se (re)sumerge en "La piscina" de Jacques Deray

Más de medio siglo después de su estreno en España, el thriller ambientado en Riviera francesa y sudoroso de Jacques Deray está atrayendo a los cinéfilos de Nueva York como moscas. Se ha estado proyectando en un teatro independiente de Manhattan durante más de tres meses.

Romy Schneider y Alain Delon, pareja magnética y sulfurosa en La piscina (1969), de Jacques Deray

En el calor abrasador del verano neoyorkino, imaginamos enjambres de cinéfilos sedientos de azul que se dirigen como uno hacia la frescura del aire acondicionado de un cine de Manhattan. ¿El programa? La piscina (La piscine), de Jacques Deray. Han pasado catorce semanas que los cuerpos bronceados de Alain Delon y Romy Schneider no han dejado de saludar en la pantalla del Film Forum, la sala en cuestión. Inicialmente previsto para permanecer dos semanas en cartel, el thriller rodado en 1969 ya ha reunido a once mil espectadores desde el 14 de mayo, con 100.000 dólares de recaudación en taquilla. Esta locura por un título francés tan antiguo y decadente no ha escapado al New York Times, que se pregunta por las razones de tanta interés. Para el autor del artículo, Glynnis MacNicol, las turbias aguas de La piscina refleja a la perfección la atmósfera en la que los neoyorquinos se han visto inmersos desde el final del encierro: “Sexo, opulencia, una pizca de peligro. ¿Hay algo que pueda describir mejor el estado de ánimo de Nueva York tras el encierro? Y luego está el estilo épico: ven por la camisa de mezclilla abierta hasta el ombligo de Alain, quédate con los trajes de baño diseñados por Romy's Courrêge. Resulta que muchos neoyorquinos lo han hecho". "¡Dios mío! Después de más de un año de restricciones vinculadas a la pandemia, muchas personas, incluyéndome a mí, no estaban esperando nada más que una dosis saludable de escandalosa belleza." Otro colaborador del mismo diario, Glenn Kenny, ha afirmado sobre la película: "La pasión ardiente y el caos emocional se encuentran debajo de la superficie simbólicamente plácida de la piscina de la villa, que se convierte en el lugar de la seducción y una violenta venganza".

Menos lírico, Bruce Goldstein, el programador del Film Forum, ve en esta mini-onda de choque una forma de viajar por “proxy”. "Son unas vacaciones en el sur de Francia que mucha gente no puede realizar", dijo al diario estadounidense. Y qué lástima que dichas vacaciones terminen en un asesinato sádico. En 2015, La Piscine fue objeto de un remake: Cegados por el sol (A Bigger Splash), con Matthias Schoenaerts y Tilda Swinton. Pero para hacer olas, nada como el original: cincuenta y dos años después, La piscina está más a flote que nunca.