Hace 100 años: La vida para el amor

En enero de 1926 se estrenó la película estadounidense Made for Love, dirigida por Paul Sloane e interpretada por Leatrice Joy, Edmund Burns, Ethel Wales, Bertram Grassby, Brandon Hurst, Frank Butler, Lincoln Stedman, Neely Edwards, Snitz Edwards, Malcolm Denny. Productora: DeMille Pictures Corporation. Duración: 72 minutos. 

Sinopsis argumental:  Nicholas Ainsworth es un joven arqueólogo estadounidense que trabaja en Egipto y descuida a su esposa Joan por su trabajo, en el que cuenta con la ayuda de Lady Diana Trent, una inglesa con título. Su esposa resiente la actitud de su esposo y, tras varias aventuras, acepta las atenciones de un príncipe nativo. Para vengarse de lo que considera una afrenta a su familia, el príncipe planea dinamitar una tumba mientras el científico trabaja en ella. La esposa, descuidada, cabalga para advertir a su esposo del peligro. Ambos quedan atrapados por la explosión. El príncipe muere al caer una roca, y el científico y su esposa finalmente son rescatados y se reconcilian.

Comentario: Una copia de Made for Love se conserva en el Archivo de Cine y Televisión de la UCLA .

“Americana”, Sydney Sweeney en uno de sus mejores papeles

Tony Tost nos presenta una encantadora película independiente, inspirada en el cine de Quentin Tarantino. Las vidas de varios forasteros y locales se entrecruzan violentamente cuando una rara camisa de Lakota Ghost aparece en el mercado negro de un pequeño pueblo de Dakota del Sur. Su estreno mundial tuvo lugar en South by Southwest el 17 de marzo de 2023, pero no se estrenó en salas hasta más de dos años después, el 22 de agosto de 2025.

Lefty Ledbetter (Paul Walter Hauser) y Penny Jo Poplin (Sydney Sweeney) se conocen jugando a los dardos

Oiga, ¿una nueva película con Sydney Sweeney? No exactamente. Dos años antes del éxito de La asistenta (The The Housemaid), la actriz protagonizó esta pequeña película independiente, estrenada con retraso en HBO Max. Es una pena, porque en Americana (también conocida como aquí National Anthem) ofrece una de sus mejores interpretaciones: la de una camarera tartamuda que se enamora de un vaquero romántico (el brillante Paul Walter Hauser). Juntos, traman un plan para robar una camisa nativa americana perteneciente a un jovencito adinerado. Pero no han contado con otras bandas de matones y criminales, todos igualmente decididos a hacerse con el botín...

Por qué deberíamos volver a ver “En la sopa (In the Soup)”

Una película de culto sobre la época dorada del cine independiente estadounidense.

Adolpho Rollo está muy enamorado de su vecina, y sueña con hacer cine, pero no tiene dinero ni para pagar el alquiler del piso en el que vive. Lo único que tiene es un guion de quinientas páginas que decide vender poniendo un anuncio en la prensa local. Su sorpresa es mayúscula cuando aparece un comprador, que resulta ser Joe, un criminal de poca monta que, así, se convierte en su productor. Alexandre Rockwell cuenta la historia detrás de escena de su película, ganadora del Gran Premio del Jurado en Sundance en 1992, que se reestrena en los cines en una versión restaurada.

Algunas historias cinematográficas merecen una película propia. Fue recordando las extravagantes aventuras de sus primeros años que Alexandre Rockwell concibió En la sopa (In the Soup) (In the Soup, 1992), una comedia trepidante y melancólica, de vuelta en los cines en una versión restaurada desde el 7 de enero. También ofreció una reflexión sobre el cine independiente, del que es un ferviente defensor. Cuando se embarcó en su primer largometraje, Lenz (1982), el director estadounidense tenía 25 años. Lleno de ambición pero sin dinero, luchó por comprar suficiente película. Hasta que conoció a un productor poco convencional... "Empecé a venderlo todo"...

Efemérides de cine: La respuesta

En 1976 se estrenó la película española La respuesta, dirigida por Josep Maria Forn e interpretada por Francesc Viader, Marta May, Jordi Torras, Carme Fortuny, Teresa Cunillé, Carmen Pradillo, Josep Castillo Escalona, Víctor Petit, Jaume Picas, Adrià Gual. Productora: P.C. Teide, Estela Films, José María Forn Costa. Duración: 82 minutos.

Sinopsis argumental: Tras el impacto del Mayo francés de 1968, en la Barcelona de ese año, Aleix Farràs (F. Viader), un universitario de actitud contestataria y muy interesado por los movimientos revolucionarios recientes, mantiene una relación con Renata (Marta May), una camarera de un club de copas. Cuando Renata comienza a alternar con el señor Molina Costa, un político franquista, Aleix decide aprovechar esta circunstancia y planea su asesinato como respuesta a la represión del régimen. Consumada 'la contestación', el cadáver es descubierto, pero la policía no tiene ninguna pista. Un hallazgo del padre de Aleix, el doctor Farràs (Jordi Torras), hace que empiece a sospechar de su hijo, con el que no comparte valores ni ideas y al que ve capaz de cualquier barbaridad.

Comentario: Título original en catalán: M'enterro en els fonaments, (Me entierro en los cimientos). Está basada en el libro homónimo de Manuel de Pedrolo, publicado en 1967. Si bien su rodaje se completó en 1969, la película fue prohibida por la censura y no se pudo estrenar hasta siete años después en 1976. En 1985 fue doblada al catalán y reestrenada con algunos cambios de montaje. Se conmemora el quincuagésimo aniversario. 

Las mejores adaptaciones cinematográficas de George Simenon (V)

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Maigret en el caso de la condesa (Maigret et l'affaire Saint-Fiacre, 1959), de Jean Delannoy

Segundo largometraje basado en personaje del Comisario Maigret creado por Georges Simenon, y protagonizado por Jean Gabin. En esta ocasión, Maigret viaja a la campiña francesa para visitar a su amiga, la condesa de Saint-Fiacre, que ha recibido una carta en la que se le dice que fallecerá pronto. Días después, la condesa muere de un infarto, pero Maigret no lo piensa así... 

El presidente (Le président, 1961), de Henri Verneuil

El ex primer ministro de Francia, Émile Beaufort (Jean Gabin), aprovecha sus tiempos de retiro para reencontrarse con sus viejos amigos y para escribir sus memorias que ahora dicta a una secretaria. Al llegar a los tiempos de su más reciente ejercicio político, Beaufort rememorará los hechos que se dieron cuando su rival político, Philippe Chalamont (Bernard Blier), aspiró a suplantarlo.

La mort de Belle (1961), de Edouard Molinaro

Stéphane Blanchon, que da clases en un colegio de Suiza, lleva una vida tranquila junto a su esposa, Christine. Con ellos convive Belle Shermann, una estudiante estadounidense hija de una amiga de su mujer, que se queda en casa de sus anfitriones para tratar de aprender francés. Pero su vida sin incidentes dará un vuelco cuando Belle aparece estrangulada en su habitación. Blanchon, que estaba a solas con la víctima, afirma que él estaba durmiendo en su cuarto en el momento del crimen, pero pronto todas las evidencias parecen acumularse en su contra... Notable adaptación de una novela de Georges Simenon, a cargo de Édouard Molinaro.

Maigret, terror del hampa (Maigret voit rouge, 1963), de Gilles Grangier

Tres americanos disparan sobre un transeúnte. El inspector Quevedos asiste al homicidio y alerta a la policía, pero cuando llegan, el cuerpo desaparece. Poco después, Quevedos es raptado por los gángsters que quieren saber qué se hizo con el cuerpo. Maigret (interpretado por tercera y última vez por Jean Gabin) lleva la investigación. La historia, basada en la novela Maigret, Lognon y los Gangsters (1951) y la única dirigida por Gilles Grangier. 

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Una breve introducción al Acid Western (II)

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También podemos integrar en este subgénero del western a películas como:

- Une aventure de Billy le Kid (1971). Director: Luc Moullet. Con Jean-Pierre Léaud, Marie-Christine Questerbert, Jean Valmont, Bruno Kresoja, Míchel Minaud, Bernard Piñón, Kathy Maloney, Luc Moullet. Este western impresionista muestra a Billy the Kid como alguien despiadado y torpe a la vez. Despiadado porque encuentra al testigo de un robo y lo mata a sangre fría. Torpe porque literalmente se tropieza con cosas durante el film. Y también es un tipo con suerte, ya que la chica de un hombre al que mató marcha junto a él bajo la puesta de sol, en lugar de ejecutar su plan de venganza. La película se desprende de todo contexto narrativo para concentrarse en la intensa y retorcida relación de un hombre y una mujer en una extraña tierra salvaje.

Al parecer el año 1971 fue excepcional para ver cómo el western se volvía extraño. Pocas películas son tan extravagantes como esta obra desenfadada de los confines de la Nouvelle Vague francesa, una reducción del género de bajo presupuesto en la que el actor fetiche del movimiento, Jean-Pierre Léaud, interpreta la leyenda de Billy el Niño. Con un tono afectuosamente paródico de los westerns estadounidenses, la película tiene poca trama y escasos diálogos inteligibles y con paisajes imponentes que forman parte de una estética visual deslumbrante, sus ritmos psicodélicos y sus divagaciones extrañas.

- Zacarías (Zachariah, 1971). Director: George Englund. Reparto: John Rubinstein, Patricia Quinn, Don Johnson, Elvin Jones, Dick Van Patten, Doug Kershaw. Zachariah, un joven inquieto, decide un día buscar su destino en la vida junto a su amigo Matthew. Así irá conociendo a diversos personajes como a Belle Starr y a un viejo ermitaño.

“¡Hola, forastero! ¿Qué te pasó? ¿Se te salió una rueda del caballo?” pregunta un Don Johnson irreconociblemente joven a su amigo Zachariah (John Rubinstein), reforzando el anacronismo anterior en el que una banda de rock psicodélico tocaba a todo volumen en el desierto mientras el aspirante a pistolero del título pasaba cabalgando, de camino a abrir su pistola comprada por correo. Presentada como "el primer western eléctrico", esta adaptación libre del texto contracultural omnipresente de Hermann Hesse, Siddhartha, es una especie de musical, que ambienta su narrativa de "conéctate, desconéctate y encuéntrate a ti mismo" con todo tipo de números extravagantes de artistas como Country Joe and the Fish. Encantadoramente simple y totalmente representativa de su época, vale la pena dedicarle un tiempo solo por la aparición del baterista de jazz Elvin Jones como el supervillano Job Cain, quien dispara a un hombre antes de dirigirse a su batería para tocar un solo espectacular.

- Glen and Randa (1971). Director: Jim McBride. Con Steve Curry, Shelley Plimpton, Woody Chambliss, Garry Goodrow. Glen y Randa son dos adolescentes que viven aventuras en el marco de un planeta Tierra devastado por la guerra nuclear. 

En el capítulo sobre el “acid western” en su monografía sobre Dead Man, Rosenbaum amplió su definición más allá de los parámetros del género cinematográfico histórico para incluir aquellas películas basadas en modelos «derivados del western… siendo una parte importante la sustitución del capitalismo por modelos alternativos de intercambio social propuestos por la contracultura que echó raíces durante la década de 1960. Glen and Randa de Jim McBride es uno de los ejemplos citados: una road movie postapocalíptica que, si bien está ambientada varias décadas en el futuro, parece existir fuera del tiempo, como si estuviera acechada por el fantasma del western. Ni utópica ni distópica, la película comienza con la pareja protagonista desnuda en el bosque, un Adán y Eva nacidos después de la caída de la civilización. En medio de los restos del colapso de Estados Unidos —aparentemente arrasado por una catástrofe ecológica— la pareja emprende un viaje en busca de Metrópolis,la ciudad sobre la que Glen ha leído en viejos cómics de Marvel. Con las antiguas formas de vida prácticamente olvidadas, estos dos ingenuos idealistas forjan sus propias definiciones en relación con el otro y con el mundo que los rodea, en un viaje para reconstruir un nuevo mundo entre las ruinas del siglo XX.

- La última película (The Last Picture, 1971). Direccion: Dennis Hopper. Con Durante el rodaje de una película en una aldea peruana, un actor muere al interpretar una escena peligrosa. Kansas decide entonces abandonar el cine y quedarse a vivir allí con una mujer del pueblo. Sin embargo, su sueño de llevar una vida idílica se ve truncado cuando el cura del pueblo le pide que le ayude a evitar un grave problema: los nativos del pueblo, que fingen rodar una película, se enfrentan violentamente entre sí, imitando lo que han visto durante el rodaje.

Tras el éxito sin precedentes de Easy Rider (1969), Dennis Hopper viajó a Perú para, sin saberlo, cavar la tumba de su carrera como director. Durante años, su segundo largometraje, La última película fue prácticamente imposible de ver, y su reputación se basaba en las historias casi míticas de locura que rodearon su producción. Bellamente restaurada en 2018, esta obra incomprendida del Nuevo Hollywood está ahora disponible para ser redescubierta y analizada.Editada a partir de unas 40 horas de metraje —con un primer montaje, supuestamente realizado por Alejandro Jodorowsky, que fue rechazado—, es innegable el carácter psicodélico de La última película, dada la cantidad de LSD que se consumió durante su creación. Un western —o mejor dicho, un western peruano— sobre el rodaje de un western, es un viaje infinitamente autorreferencial que explora temas como el ritual y la explotación. Stewart Stern escribió el guion que Hopper descartó, citando la máxima de Godard de que una película necesita “un principio, un medio y un final, pero no necesariamente en ese orden”. Una de las obras más desafiantes y vanguardistas de un importante cineasta de Hollywood de cualquier época, fue descrita por Hopper en una introducción filmada en 2007 como “una experiencia no muy agradable para la mayoría del público”. ¿Qué sabrá él?

- Greaser’s Palace (1972). Director: Robert Downey Sr. Reparto: Albert Henderson, Luana Anders, James Antonio, Allan Arbus,Toni Basil, Don Calfa, Woody Chambliss, Pablo Ferro, Stanley Gottlieb, Joe Madden, George Morgan, Ron Nealy, Michael Sullivan, Hervé Villechaize, Lawrence Wolf, Elsie Downey, Jackson Haynes, Alex Hitchcock, John Paul Hudson, Larry Moyer as Captain GoodDon Smolen, Rex King.

“Una visión estadounidense extraordinaria de algo indefinido”, así describió el director Jonathan Demme la película Greaser’s Palace, “[una película] sin ninguna pretensión comercial”. Estaba conversando con Paul Thomas Anderson, otro gran admirador de Robert Downey, en el Festival de Cine de Austin, intentando comprender los innumerables encantos de esta joya poco conocida. La valoración del trabajo de Downey ha sido fluctuante a lo largo de los años, aunque ahora se encuentra firmemente en el grupo de los redescubiertos y apreciados gracias a una edición de Criterion Eclipse de 2012. Surgió de la escena vanguardista neoyorquina y es más conocido por la película de culto Putney Swope (1969), además de ser el padre de cierto Iron Man, aunque con Greaser’s Palace se alejó de su habitual entorno urbano para rodar una parábola de Cristo (en cierto modo) en Nuevo México. Esta definición no logra transmitir la esencia de esta pequeña película de explotación, sucia, violenta e hilarante, repleta de planos largos, números musicales y con pocas concesiones a la cultura o el gusto popular. Una experiencia salvaje con un final impactante; a los fans de Inherent Vice (2014) les encantará.

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Recuerdo: Sal Mineo

Salvatore Mineo Jr., más conocido como Sal Mineo (El Bronx, Nueva York, 10 de enero de 1939-West Hollywood, Los Ángeles; 12 de febrero de 1976), fue una de las figuras más complejas y vanguardistas del Hollywood clásico, cuya vida y carrera estuvieron marcadas tanto por el éxito precoz como por la tragedia.

- Juventud rebelde: Nacido como Salvatore Mineo Jr. en el Bronx, tuvo una infancia difícil que incluyó arrestos por robo antes de los 10 años. Evitó el reformatorio al inscribirse en una escuela de danza, lo que lo llevó finalmente a Broadway.

- Consagración: Alcanzó la fama mundial a los 16 años interpretando a Platón en Rebelde sin causa (Rebel Without a Cause, 1955), dirigida por Nicholas Ray con James Dean, Natalie Wood, Jim Backus, Ann Doran y Corey Allen.. Su actuación le valió su primera nominación al Oscar como mejor actor de reparto, convirtiéndolo en uno de los nominados más jóvenes de la historia. El éxito de Rebelde sin causa, lejos de lanzarlo al estrellato, lo consagró como idóneo para encarnar papeles secundarios en los que da vida a jóvenes perdedores marcados por un destino trágico; lo cual en cierta manera lo encasilló y limitó para obtener papeles de otro tipo.

Sal Mineo y James Dean en Rebelde sin causa (1955)

- Éxito continuo: Recibió una segunda nominación al Oscar y ganó un Globo de Oro por su papel en Éxodo (Exodus, 1960), de Otto Preminger. Otros trabajos. notables fueron Gigante (Giant, 1956) de George Stevens, donde repitió colaboración con James Dean; Marcado por el odio (Somebody Up There Likes Me, 1956), dirigido por Robert Wise; El día más largo (The Longest Day, 1962), dirigida por Ken Annakin, Andrew Marton y Bernhard Wicki; El gran combate (Cheyenne Autumn, 1964), último western dirigido por John Ford y Huida del planeta de los simios (Escape from the Planet of the Apes, 1971), de Don Taylor. En 1959, había protagonizado  las película La historia de Gene Krupa (The Gene Krupa Story), la historia del legendario batería de jazz Gene Krupa. Desde su juventud, todo lo que ha querido hacer Gene es tocar la batería y hacer música. Sin embargo sus padres no lo aprueban, ya que quieren que se convierta en sacerdote; y, Negocios del corazón (A Private's Affair), de Raoul Walsh, 

Sal Mineo y Susan Oliver en La historia de Gene Krupa (1959)

Desarrolló una prolífica carrera televisiva de apariciones estelares en series como Hawaii Five-O, Los hombres de Harrelson, Misión: Imposible y Columbo, así como dos papeles especiales en la serie Combat!.

- Visibilidad: En una época de extrema represión, Mineo fue uno de los primeros actores de Hollywood en hablar abiertamente sobre su bisexualidad en 1972.

Subtexto en pantalla: Su interpretación de Platón es hoy analizada como un hito del cine queer, debido al profundo y sutil vínculo emocional que su personaje mostraba hacia el de James Dean.

- Veto y reinvención: Su honestidad sobre su orientación sexual provocó un veto de las grandes productoras cinematográficas. Lejos de rendirse, se reinventó como un aclamado director teatral, dirigiendo obras polémicas como Los ojos de la cárcel (Fortune and Men's Eyes). En 1969, la obra fue producida y dirigida por Sal Mineo en el Teatro Coronet de Los Ángeles. Don Johnson interpretó el papel principal de Smitty y Michael Greer el papel de Queenie, compañero de celda de Smitty. Mineo tomó el papel de Rocky. La producción cosechó ganó más aprobación de la crítica, pero incluyendo escenas adicionales que no habían sido aprobadas por Herbert.

- Su muerte: Sal Mineo fue acuchillado el 12 de febrero de 1976 cuando regresaba a su domicilio después de un ensayo teatral. En contra de lo que se dijo, recibió una sola puñalada pero esta le alcanzó el corazón y falleció en el acto. Tenía 37 años. Su final coincidió tristemente con el tipo de papeles que acostumbró a hacer en el cine. El asesinato se atribuyó a un móvil pasional, pero el asesino resultó ser Lionel Ray Williams, un repartidor de pizza afroestadounidense con amplio historial delictivo, quien dijo que no reconoció a Mineo cuando lo atacó. Fue detenido, juzgado y condenado a 57 años de cárcel como autor del crimen, que posteriormente asumió. En la década de 1990 Williams fue liberado bajo ciertas condiciones, pero fue apresado una vez más por nuevos delitos.

- Misterio e investigación: Inicialmente, la prensa sensacionalista especuló que el crimen estaba vinculado a su vida privada. Sin embargo, la investigación determinó que fue víctima de un intento de robo al azar cometido por Lionel Ray Williams, quien fue condenado a prisión años más tarde.

- Legado: Hoy es recordado no solo como la "otra tragedia" de Rebelde sin causa, sino como un icono de valentía que desafió las normas sociales de su tiempo. 

Las mejores adaptaciones cinematográficas de George Simenon (IV)

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Barreras de orgullo (The Bottom of the Bottle, 1956), de Henry Hathaway

Drama familiar que narra el enfrentamiento, en un pueblo fronterizo de Arizona, entre dos hermanos muy diferentes: Joseph Cotten, un respetado abogado y ranchero, y Van Johnson, condenado por asesinato, que se acaba de fugar de la cárcel y busca la ayuda de su hermano para huir a México. Adaptación de la novela de George Simenon, Le fond de la bouteille. 

Los hermanos Rico (The Brothers Rico, 1957), de Phil Karlson

Eddie Rico (Richard Conte) era el contable de una organización mafiosa, pero ahora se ha retirado y vive feliz junto a su esposa Alice (Dianne Foster) con quien planea adoptar un niño... pero a veces no es fácil liberarse del pasado, y un nuevo lío en el que están involucrados sus hermanos, obligará a Eddie a tomar partido.Phil Karlson dirige esta fría y eficiente película negra basada en una historia de Georges Simenon.

El comisario Maigret (Maigret tend un piège, 1958), de Jean Delannoy

El célebre detective francés inmortalizado en decenas de novelas de George Simenon, se enfrenta a un peligroso psicópata adicto al asesinato de mujeres. Después de duros interrogatorios y de una meticulosa investigación a la vieja usanza, el comisario Maigret destapará al criminal... Primera de las dos adaptaciones de obras de George Simenon del realizador Jean Delannoy, con Jean Gabin encarnando al célebre Maigret, el personaje más característico del escritor belga. Le siguió Maigret et l'affaire Saint-Fiacre.

El amor es mi oficio (En cas de malheur, 1958), de Claude Autant-Lara

La trama sigue a un abogado casado que amaña un juicio para absolver a una joven delincuente con la que se ha obsesionado, hasta el punto de imaginar que podrían tener una vida juntos y formar una familia. El guion fue escrito por Jean Aurenche y Pierre Bost, basado en la novela En cas de malheur (1958) de Georges Simenon. Fue la segunda película basada en Simenon que Gabin protagonizó ese año, después de El comisario Maigret...

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Una breve introducción al Acid Western (I)

El Acid Western es un subgénero psicodélico y revisionista del cine del Oeste de las décadas de 1960 y 1970 que combina los elementos tradicionales del western con imágenes surrealistas, temas contraculturales e influencias del spaghetti western. Estas películas suelen explorar la desilusión, el existencialismo y los estados alterados por las drogas para deconstruir el mito estadounidense. Acuñado por la crítica Pauline Kael para referirse a El Topo de Alejandro Jodorowsky, este subgénero presenta antihéroes, imágenes oníricas y una visión más oscura y cínica del Viejo Oeste, desafiando el optimismo de los westerns clásicos.

He aquí algunos ejemplos: 

- El Topo (1970). Dirección: Alejandro Jodorowsky. Reparto: Alejandro Jodorowsky, Brontis Jodorowsky, Mara Lorenzio, David Silva, Paula Romo. En un Oeste imaginario, el pistolero Topo se enfrenta a una banda de fetichistas, dirigida por un coronel lascivo, que tiene atemorizada a una congregación franciscana. Fue la película que popularizó el término.

Kael empleó inicialmente el término del “acid western” con ánimo de defenestrar el experimento libre que Alejandro Jodorowsky realizó en su viaje surrealista por los arenosos códigos del género. Provocativa, obtusa y absolutamente a contracorriente, el chileno ofrece una relectura lisérgica y espiritual para responder a lo que consideraba imperialismo disfrazado de épica.

Con anterioridad se habían estrenado: 

- El tiroteo (The Shooting, 1966), de Monte Hellman. Con Millie Perkins, Jack Nicholson, Will Hutchins, Warren Oates, Charles Eastman, Brandon Carroll, Guy El Tsosie, B.J. Merholz, Wally K. Berns, James Campbell, William Mackleprang. Dos hombres aceptan guiar a través del desierto a una misteriosa desconocida que, aparentemente, viaja sola, aunque no saben a dónde se dirige.

Está considerado un acid western por su naturaleza atípica, introspectiva, existencialista y su crítica a las convenciones del género western, con una atmósfera de pesadilla y misterio que se aleja de la épica tradicional para adentrarse en un viaje psicológico y desolador.

- Y, A través del huracán (Ride in the Whirlwind, 1966). Dirección: Monte Hellma. Con Jack Nicholson, Cameron Mitchell, Millie Perkins, Katherine Squire, George Mitchell, Rupert Cross, Harry Dean Stanton, John Hackett, Tom Filer, B.J. Merholz, Brandon Carroll, Peter Cannon. Tres vaqueros (Nicholson, Mitchell, Tom Filer) acampan cerca de unos bandidos y son confundidos con ellos por una partida vengativa, desencadenando una persecución agotadora.

Un aclamado western minimalista y existencial rodado simultáneamente con El tiroteo, que explora temas de injusticia y supervivencia.

Ambas, a menudo, son citadas como antecedentes de este subgénero.

No podemos dejar de destacar dos influyentes westerns revisionistas de Sam Peckinpah: 

- Grupo salvaje (The Wild Bunch, 1969). Reparto: William Holden, Ernest Borgnine, Robert Ryan, Edmond O'Brien, Warren Oates, Jaime Sánchez, Ben Johnson, Emilio Fernández. Una banda de forajidos, liderados por Pike Bishop y disfrazados bajo unos uniformes militares, acuden a San Rafael, una pequeña ciudad en la frontera de Texas, dispuestos a asaltar el banco local. Pero Deke Thronton, un antiguo cómplice de Pike, ahora al servicio de la compañía del ferrocarril, les tiende una emboscada. Cuando Pike y los suyos se dan cuenta, ya es demasiado tarde. Se organiza un tiroteo en el que mueren muchos civiles. Pike y sus hombres descubren que los sacos que han robado contienen chatarra y no oro. Se ven obligados a cruzar la frontera y refugiarse en México, donde ofrecen sus servicios a Mapache, un general rebelde. Por encargo de él, asaltan un tren cargado de municiones y armas. La operación funciona a pesar de que Deke Thornton no cesa en su persecución. Tras la operación, Mapache no siente ninguna necesidad de pagar lo prometido a Pike y los suyos, y toma como rehén a Ángel, uno de los hombres de Pike, dejando a sus soldados que lo torturen.

Película fundamental, considerado el epítome del western crepuscular o revisionista, y algo “acid western”. Un western áspero y violento que marca el fin de una era para los forajidos en el Viejo Oeste, con violencia gráfica y un tono cínico que redefinió el género.

- Pat Garrett y Billy El Niño (Pat Garrett & Billy the Kid, 1973). Con James Coburn, Kris Kristofferson, Bob Dylan, Richard Jaeckel, Katy Jurado, Chill Wills, Barry Sullivan, Jason Robards, R.G. Armstrong, Luke Askew, John Beck.William Bonney era conocido por todos como "Billy el Niño". Estando encarcelado en Lincoln, después de ser condenado a morir en la horca, llega a sus manos un colt 44, con el que intimida a los guardianes y consigue huir a México. El sheriff Pat Garrett, que en otros tiempos cabalgó junto a él, será el encargado de darle caza.

Considerada un clásico del subgénero “acid western”, ya que subvierte los tropos del western tradicional para explorar temas de desilusión, el fin de una era, y el choque entre el mito y la realidad, con un tono sombrío, poético y psicodélico, reflejando la contracultura de los años 1970 y la paranoia post-Vietnam/Watergate. 

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Hace 100 años: Orquídea, la modelo

El 11 de enero de 1926 se estrenó la película estadounidense Orquídea, la modelo (Mannequin), dirigida por James Cruze e interpretada por Alice Joyce, Warner Baxter, Dolores Costello, Zasu Pitts, Walter Pidgeon, Freeman Wood, Charlotte Bird. Productora: Paramount Pictures. Duración: 70 minutos. 

Sinopsis argumental: La niñera ingenua Annie Pogani, amante de los niños, le roba una niña a Selene Herrick, una mujer adinerada que se preocupa más por la vida regalada de fiestas y subastas. que por la vida familiar. La niña, conocida como Orquídea, es criada por Annie en un barrio del East Side; tras la muerte de Annie, Orquídea encuentra trabajo como modelo en una tienda de moda, donde conoce a Martin Innesbrook, un reportero que se está forjando una reputación escribiendo editoriales contra la práctica de absolver a las delincuentes solo por ser mujeres. Durante una pelea con Terry Allen, un tipo de baja estofa más acostumbrado a tomar que a pedir, Terry es empalado inadvertidamente en el broche de Orquídea. Es llevada a juicio por asesinato y, tras un juicio difícil, declarada inocente. Finalmente se descubre su verdadera identidad y se reencuentra con su padre, juez en su juicio. Ella y Martin anhelan recorrer juntos el camino de la vida.

Comentario: Cuidada película de la época muda, que cuenta con buenas interpretaciones. Destaca la presencia de Walter Pidgeon, en el que fue su debut en el cine. Una copia de la película se conserva en la colección de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos.

Homenaje: Yvonne De Carlo

El 8 de enero de 2007 fallecía Yvonne De Carlo, actriz canadiense (nacida en 1922). Es sobre todo recordada por haber interpretado a Séfora en la película Los diez mandamientos (The Ten Commandments, 1956), dirigida por Cecil B. DeMille y por el personaje de Lily Munster en la serie televisiva La familia Monster (The Munsters, 1964-1966).

La fama no llegaría sino hasta 1945, por medio de la película Salomé, la embrujadora (Salome, Where She Danced), de Charles Lamont. De ahí en adelante Yvonne protagonizó un gran número de películas, abarcando varios géneros, desde wésterns y películas de ambientación árabe, hasta cine negro -donde se destaca su actuación en El abrazo de la muerte (Criss Cross, 1949), dirigida por Robert Siodmak con BUrt Lancaster-, drama y comedia. Y demostró su talento actuando junto con los grandes de la pantalla, tales como Burt Lancaster, Rock Hudson, Clark Gable, Alec Guinness y David Niven.

Burt Lancaster & Yvonne De Carlo en El abrazo de la muerte (1949)

En la mayoría de sus películas, De Carlo demostró además su talento como bailarina y cantante, en la película El paraíso del capitán (The Captain's Paradise, 1953), de Anthony Kimmins, convenció al director para que sir Alec Guinness bailara el mambo, ofreciéndose ella misma como instructora.

Alec Guinness e Yvonne De Carlo en El paraíso del capitán (1953)

En 1954, durante la preparación de la película bíblico-épica Los diez mandamientos, de Cecil B. DeMille, la actriz Audrey Hepburn fue sugerida para el papel de Nefertari y la actriz Anne Baxter fue elegida para el papel de Séfora. 

Charlton Heston, Yvonne De Carlo y John Derek en Los diez mandamientos (1956)

John Wayne, amigo de Yvonne, le ofreció un papel en la película El gran McLintock (McLintock!, 1963). Pero esta ayuda no sirvió de mucho. Así fue como De Carlo decidió aceptar el papel de Lily, la madre vampira más famosa de todos los tiempos, en la serie televisiva La familia Monster a mediados de los años 1960. Pese a que la serie solo se grabó durante 2 años (de 1964 a 1966), tuvo un gran éxito, y llegó a convertirse en una serie de culto, con reposiciones durante más de 4 décadas.

Fred Gwynne, Yvonne De Carlo, Butch Patrick, Pat Priest y Al Lewis en La familia Monster (Serie de TV)

En sus últimos años, De Carlo vivió cerca de Solvang, al norte de Santa Bárbara. Su hijo Michael murió en 1997 y la actriz sufrió un ataque de apoplejía al año siguiente. De Carlo falleció el 8 de enero de 2007 por causas naturales en el asilo de Motion Picture & Television Hospital, en el suburbio Woodland Hills, de Los Ángeles, contaba 84 años de edad.