Retrospectiva: Cuando el alba se tiñe de rojo

Cuando el alba se tiñe de rojo (A Man Called Gannon, 1968), dirigida por James Goldstone e interpretada p Anthony Franciosa, Michael Sarrazin, Judi West, Susan Oliver, John Anderson, David Sheiner, James Westerfield, Gavin MacLeod, Eddie Firestone, Ed Peck. Basada en la novela Man without a Star publicada en 1952 por Dee Linford. Llevada al cine en 1955 con el mismo título (en España, La pradera sin ley), dirigida por King Vidor y protagonizada por Kirk Douglas.

La trama: Gannon, un cowboy errante con gran pericia con el revólver, salva de una acusación de homicidio a un joven llamado Jess. Éste, atraído por la personalidad del vaquero, decide acompañarle en sus aventuras. Juntos se instalan en una nueva ciudad donde Jess empieza a trabajar como capataz en un rancho propiedad de una amiga de Gannon. Sin embargo, la amistad de los dos hombres será puesta a prueba cuando la jefa de Jess intente cercar un terreno utilizado como pasto por otros ganaderos, algo a lo que Gannon se opondrá.

Correcta y entretenida muestra de película del oeste, con uno de los temas clave del género, las luchas derivadas de las tierras abiertas y el ganado. Los protagonistas están convincentes, sobre todo un Tony Franciosa que da muestras de su carisma en pantalla. Fue elaborado en la época en que Hollywood intentó reactivar el género tras el éxito en Europa de las películas del oeste de Sergio Leone y Clint Eastwood.

Para ver: "Les Chaillées de l'enfer", la vida en el viñedo

The Hills of Wrath (Les Chaillées de l'enfer, 2025), de Léo Boudet. Reparto documental. Su primer largometraje documental, se estrenó mundialmente en el Millennium Docs Against Gravity de Polonia. 

La trama: Esta ópera prima del director francés Léo Boudet nos sumerge en el corazón de una tierra ancestral, las viñas del valle del Ródano, donde se cultivan los prestigiosos vinos de Condrieu y Côte-Rôtie. A lo largo de un año entero, la película retrata el duro trabajo del equipo de Christine Vernay, reconocida enóloga que elabora algunos de los mejores vinos de la actualidad -varias veces galardonados con 100 puntos en la lista de Robert Parker-, que lucha contra las duras condiciones climáticas y los desafíos cotidianos para sacar adelante la cosecha. 

La prodigiosa banda sonora de Alexandre Desplat -ganador de dos premios Oscar a mejor banda sonora por El gran hotel Budapest (2015) y La forma del agua (2018)- conduce este delicado documental sobre la paciencia, el amor por la tierra, la situación actual de los agricultores y el compromiso con la producción de vinos ecológicos en tiempos de crisis medioambiental.

Películas que mejoraron el libro en el que se basan (VII)

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Una batalla tras otra (One Battle After Another, 2025)

Thomas Pynchon es uno de los escritores más prestigiosos de la literatura contemporánea. Se trata, además, de un personaje fascinante, ya que rehuye el foco mediático de manera constante y sus obras son tan complejas y profundas que requieren de una lectura concienzuda para poder ser comprendidas. Su figura lleva décadas fascinando a propios y extraños, entre ellos al director de cine Paul Thomas Anderson. De hecho, aunque durante años las novelas de Pynchon se han considerado inadaptables al cine, este ya llevó a la pantalla Puro vicio en 2014. Aunque, sin duda, ha logrado cuadrar el círculo con Una batalla tras otra. 

Leonardo Di Caprio en Una batalla tras otra (2025)

Para ello, eso sí, ha tenido que tomar varias decisiones drásticas. La ganadora al Oscar a la mejor película de 2026 es, en realidad, una adaptación muy pulida de Vineland (1990). Básicamente, Una batalla tras otra es un gran ejercicio de síntesis, que si bien recoge todas las ideas planteadas por el escritor en el libro, consigue reordenarlas para construir una historia mucho más comprensible y depurada. Las actuaciones soberbias de Leonardo Di Caprio, Benicio del Toro, Teyana Taylor y Sean Penn, éste último también galardonado con un Oscar, hacen el resto. 

“Wild Horse Nine”, la nueva película

Escrita y dirigida por Martin McDonagh y Que reúne a John Malkovich y Sam Rockwell en una intriga ambientada en la Isla de Pascua y la historia chilena.

El estudio fijó la fecha de estreno exclusivo en cines internacionales para el 6 de noviembre de 2026, una marca relevante que consolida el retorno de McDonagh al largometraje tras “Los espíritus de la isla”, su colaboración previa con Blueprint Pictures y Film4. La distribuidora no ha confirmado fechas para su lanzamiento en cines nacionales.

La producción de Wild Horse Nine se ha presentado como una comedia dramática oscura que explora la zona de contacto entre el thriller político y el humor a través del seguimiento de dos agentes de la CIA, Chris y Lee, interpretados por John Malkovich y Sam Rockwell, enviados a Rapa Nui en los días inmediatos al golpe de Estado en Chile de 1973. El elenco se completa con Steve Buscemi, Mariana di Girolamo, Ailín Salas, Tom Waits y Parker Posey. Entre los elementos de industria destacados se cuenta la participación local de la productora chilena Fabula y el respaldo de los habitantes de la isla, quienes aportaron asesoría en el rodaje y validaron acuerdos de filmación.

La película marca la tercera colaboración consecutiva de McDonagh con Searchlight Pictures y Blueprint Pictures, después de un ciclo que incluyó “Tres anuncios por un crimen” (2017) y “Los espíritus de la isla” (2022), esta última nominada a nueve Premios de la Academia®. El propio director indicó que la producción de “Wild Horse Nine” se realizó el año pasado en Rapa Nui, una decisión motivada por la experiencia personal de un viaje que realizó a la isla trece años atrás.

La trama de Wild Horse Nine sitúa la acción “poco antes del golpe de Estado chileno de 1973”, e incorpora elementos de espionaje y conspiración a partir de la orden de MJ (Steve Buscemi) que destina a Chris y Lee desde Santiago hacia la Isla de Pascua. En diálogo con Vanity Fair, McDonagh describió la ambientación como “una meditación sobre la memoria, el legado y las consecuencias de las propias acciones bajo la sombra de la historia”. El director remarcó que los paisajes y los moáis en la isla funcionan como “un eco visual de los temas de la película”.

 estructura narrativa combina episodios de humor negro, relaciones tensas y una progresiva complejidad entre los personajes principales y las estudiantes rebeldes encarnadas por Mariana di Girolamo y Ailín Salas. El tráiler del filme anticipa escenas grabadas en ubicaciones emblemáticas de Santiago, incluyendo el Palacio de la Moneda antes de su bombardeo, la Plaza de Armas y referencias visuales a la extinta aerolínea LAN CHILE. Esta aproximación refuerza el abordaje de McDonagh sobre cómo las decisiones políticas impactan tanto en el paisaje natural como en la psicología de sus protagonistas.

Para ver: "Ato noturno", erótico y queer

Ato noturno (2025), de Filipe Matzembacher y Marcio Reolon e interpretada por Gabriel Faryas, Cirillo Luna, Henrique Barreira, Ivo Müller, Kaya Rodrigues, Larissa Sanguiné, Gabriela Grecco. Dirigido por un dúo de cineastas brasileños, este thriller explora la interacción entre la ambición y los límites del deseo. Un drama inteligente sobre el precio insensato que una persona queer tiene que pagar para alcanzar un nivel de éxito en el ojo público. 

La trama: Matías, un ambicioso actor de 23 años, está ensayando una obra con una prestigiosa compañía de teatro. Él y su compañero de piso Fabio, también de 23 años, interpretan los papeles principales. Los dos llaman la atención de la agente de casting Pamela, que está buscando actores para una gran producción de una serie que se rodará en la ciudad. Sin embargo, sólo Fabio es invitado a la audición porque, a pesar de su talento, el comportamiento de Matías fuera de la pantalla no es bien recibido. Devastado, Matías se consuela al conocer a Rafael, un hombre misterioso de 35 años que se niega a revelar mucho sobre sí mismo. Juntos, descubren su fetiche por tener sexo en lugares públicos. Matías pronto descubre que Rafael es un político encubierto que se presenta a la alcaldía. Después de grandes esfuerzos, Matías finalmente gana el papel protagonista de la serie y Rafael gana ventaja en las encuestas. Pero cuanto más se acercan ambos a su ansiada fama, más temerarios se vuelven. Los amantes despiertan celos en Fabio y preocupación entre los patrocinadores de la campaña de Rafael y comienza un peligroso juego de éxito, placer y muerte.

Películas que mejoraron el libro en el que se basan (VI)

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El club de la lucha (1999)

Chuck Palahniuk es un escritor de culto por su espíritu nihilista y lo salvaje de sus manuscritos. Sin embargo, o quizá precisamente por ello, no se trata de un autor amable de leer. Su estilo es muy personal; repleto de frases cortas y repeticiones. Algo que puede hacerse pesado de leer. Además, en ocasiones, peca de no centrar sus ideas por completo. Por ello, adaptar sus obras parecía algo imposible. Sin embargo, David Fincher no solo logró llevar El club de la lucha (Flight Club) a la gran pantalla, sino que convirtió su adaptación en un icono generacional. 

Edward Norton y Brad Pitt en El club de la lucha (1999)

El director estadounidense no solo consiguió mantener el espíritu y mensaje de Palahniuk, sino que lo hizo más digerible. De hecho, su película toma algunas decisiones que mejorar el material original. Por ejemplo, la gran revelación está llevada mucho mejor llevada en la película, tanto por las semillas que va plantando a lo largo del metraje como por el montaje subliminal que realiza. También el final es más satisfactorio, con una imagen icónica, potenciada por el Where is my mind? de los Pixies, que cierran la historia con una profunda carga simbólica. Una conclusión redonda que no posee la novela.  

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Efemérides de cine: El juez y el asesino

El 31 de marzo de 1976 se estrenó la película francesa El juez y el asesino (Le juge et l'assassin), dirigida por Bertrand Tavernier e interpretada por Philippe Noiret, Michel Galabru, Isabelle Huppert, Jean-Claude Brialy, Renée Faure, Cécile Vassort. Productora: Lira Films,Société Française de Production et de Création Audiovisuelles, FR3. Duración: 128 minutos.

Sinopsis argumental: Francia, 1893. Cuando Joseph Bouvier, un sargento francés, es rechazado por su novia, la mata y después se pega un tiro en la cabeza. Milagrosamente ambos sobreviven, y él es internado en un centro psiquiátrico. Con las facultades mentales aún perturbadas, sale del hospital y lleva una vida errante por las carreteras. Durante cinco años viola y mata a una docena de adolescentes en las granjas que va encontrando a su paso. Cuando, por fin, lo detienen, se declara un "anarquista de Dios". El ambicioso juez Rousseau se hará cargo del caso.

Nominaciones y premios: Premios César: Mejor actor (Galabru) y mejor guion y seis nominaciones incluyendo mejor película. 

Comentario: Historia basada en hechos reales, habla del oportunismo de un personaje que se aprovecha de la desgracia ajena para intentar sacar tajada política. Tavernier, que consultó los recuerdos del juez, conservados en la Biblioteca Nacional francesa, reconocía haber mezclado lirismo e ironía en su narración. Y afirma el cineasta que el resultado final responde a su idea de que "una sociedad puede ser juzgada en función de la manera como trata a sus enfermos mentales". Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Para ver: "Allo la France", una road movie telefónica

Allo La France (2023), de Floriane Devigne. Reparto: Documental. Siguiendo la pista de las últimas cabinas telefónicas que quedan, Floriane Devigne nos ofrece un documental inesperado y de gran éxito, un viaje por las regiones francesas tan divertido como profundo. El telón de fondo explora el futuro de los servicios públicos y el concepto de "convivencia" y también una mirada divertida, crítica e irónica a nuestra sociedad en constante cambio.

La trama: La historia de la inocua desaparición de un servicio público que en cuarenta años se ha convertido en una antigualla: la cabina telefónica. Al ir en busca de la última de ellas, en la llamada 'periferia' de Francia, se exhuman estas ruinas del siglo XX para cuestionar nuestro tiempo y su evolución. Un entrañable y fantasioso documental de viajes por carretera. 

Películas que mejoraron el libro en el que se basan (V)

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Starship Troopers: Las brigadas del espacio (Starship Troopers, 1997)

Starship Troopers, el libro, escrito por Robert A. Heinlein en 1959, es una novela filofascista que glorifica el militarismo y el autoritarismo. Una oda a la guerra de la que Paul Verhoeven se mofa en su adaptación. El director neerlandés tomó el material original y, en lugar de trasladarlo a la pantalla tal cual, decidió subvertirlo por completo en una sátira ácida que funciona a dos niveles. Es divertida como película de aventuras, con algunas imágenes icónicas y visualmente impactantes. Pero, al mismo tiempo, posee un subtexto político muy profundo que, por si fuese poco, confronta las ideas que deseaba trasladar el libro. Algo que le convierte en una obra única.

Denise Richards, Jake Busey y Casper Van Dien en Starship Troopers: Las brigadas del espacio (1997)

La intención de Verhoeven es clara, aunque nunca resulta panfletaria. De hecho, la película fue en gran medida incomprendida en el momento de su estreno. Todo su discurso se construye a través de una ironía muy fina, visible, por ejemplo, en el tratamiento de los personajes: su perfección física y moral los convierte en una parodia evidente de la propaganda en tiempos de guerra. Asimismo, la película expone con crudeza el funcionamiento de los conflictos armados, donde quienes toman las decisiones rara vez son quienes pagan las consecuencias.

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Retrospectiva: “Cerco roto”, la secuela espiritual de “La cruz de hierro”

El clásico infravalorado de la Segunda Guerra Mundial que habló de los alemanes derrotados en Rusia que ya está en streaming. Se la considera la secuela espiritual de La cruz de hierro. 

El cine bélico no dudó en retratar historias potentes dentro del bando perdedor. Películas como La cruz de hierro y Land of Mine (Bajo la arena) (Under Sandet, 2015), son exponentes de una forma de hacer cine que deja espacio lejos de la gloria épica. Precisamente la película que tratamos hoy se considera secuela de la segunda mencionada. Aunque las valoraciones del público fueron muy moderadas.

Cerco roto (Steiner - Das eiserne Kreuz, 2. Teil, 1979), dirigida por Andrew V. McLaglen e interpretada por Richard Burton, Rod Steiger, Helmut Griem, Klaus Löwitsch, Michael Parks, Werner Pochath, Robert Mitchum, Curd Jürgens, Véronique Vendell, Horst Janson, Joachim Hansen, Dieter Schidor, Sonja Jeannine, Bruno Dietrich, Walter Ullrich, Günter Meisner, funciona como continuación espiritual de La cruz de hierro (Cross of Iron, 1977). Aunque cambia de equipo creativo y tono, la película retoma el personaje del sargento Steiner en el contexto del frente oriental durante la Segunda Guerra Mundial.

La trama: Rusia, junio de 1944. La ofensiva rusa obliga al ejército alemán a abandonar la cabeza del puente Kwai y la Península de Crimea. Aunque la división del sargento Steiner ha sufrido terribles bajas, logra reunir a los supervivientes y deslizarse a través de las líneas americanas para reunirse con el capitán Stransky. Ambos librarán una dura batalla en una ciudad francesa el mismo día en que el general Patton rompe las líneas alemanas en Avranche.

El eje narrativo se construye en torno a un grupo de soldados atrapados tras las líneas enemigas que deben abrirse paso a través de territorio hostil para reunirse con sus fuerzas. Esta situación de cerco convierte la película en un relato de supervivencia donde cada decisión implica un riesgo extremo. La misión no responde a grandes objetivos estratégicos, sino a la necesidad inmediata de escapar de un entorno donde la derrota parece inevitable.

En paralelo, la película introduce tensiones entre oficiales y soldados, reflejando la fractura interna de un ejército sometido a la presión constante del frente y a la pérdida de confianza en el mando. Steiner, como figura central, encarna una actitud pragmática frente a la guerra, alejada de la ideología y centrada en la supervivencia de sus hombres.

Cerco roto adopta un enfoque más convencional dentro del cine bélico, con mayor presencia de acción y enfrentamientos a gran escala, incluyendo combates con tanques y secuencias de batalla más abiertas. Sin embargo, mantiene un tono sombrío que subraya la inutilidad del conflicto en sus etapas finales. Ofrece una visión desencantada de la guerra, centrada en hombres atrapados en un conflicto que ya no pueden ganar, pero del que aún deben intentar salir con vida.

Para ver: “Précieuse(s)”, de Fanny Guiard-Norel, Molière reinterpretado

Précieuse(s) (2026), de Fanny Guiard-Norel. Reparto: Documental. Estudiantes de secundaria de un taller de teatro reinterpretan Las preciosas ridículas. En el centro del documental, su profesora aprovecha la creación de la obra para reexaminar su feminismo e iniciar un proceso de reconstrucción personal. Un documental muy delicado, aunque formalmente sobrio.

Al adaptar la conocida comedia en un acto de Molière, escrita en prosa, con sus alumnas, Cécile pensó que rehabilitaría a las Preciosas, aquellas primeras feministas del siglo XVII injustamente olvidadas. Nunca imaginó que este proyecto la sacaría de su propia insidiosa invisibilidad.

La película intenta narrar simultáneamente el viaje personal de Cécile, profesora de literatura de secundaria, su revisión de la obra de un acto de Molière, Las preciosas ridículas, y el hecho de transmitir conocimientos a su clase de teatro, a quienes intenta introducir tanto en la literatura como en una crítica feminista de la misma.

Películas que mejoraron el libro en el que se basan (IV)

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¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988)

¿Quién engañó a Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit) es una obra maestra. Un prodigio de orfebrería. Su mezcla de animación y acción real no solo estaba increíblemente adelantada a su tiempo, sino que resiste perfectamente el paso del tiempo. Se trata, además, de una película conceptualmente muy extravagante. Canónicamente es un noir, con todos los tropos del género, aunque lo mezcla con el cartoon más loco imaginable. No debería funcionar, pero lo hace. ¡Si hasta aparecen el Pato Lucas, símbolo de Warner Bros, y Donald el pato, de Disney, juntos en una escena! Algo que solo ha ocurrido en esa ocasión en la historia. 

Bob Hoskins & Roger Rabbit en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988)

La producción de la cinta fue una locura, pero salió adelante con brillantez. La historia está basada en la novela Who Censored Roger Rabbit?, escrita por Gary K. Wolf en 1981. Un libro de misterio que, sin embargo, está lejos de ser la obra catedralicia que sí es su adaptación a la pantalla grande. En este caso, el ver a los dibujos animados coexistir con las personas de carne y hueso resultó mucho más impactante que el leerlo en el libro. De hecho, solo un par de frases de la novela se utilizaron en la película, aunque sí es cierto que la más mítica de todas, el “no soy mala, es que me han dibujado así” de Jessica Rabbit, sí aparece en el manuscrito. 

Bob Hoskins y Jessica Rabbit en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988)

La superioridad de la película es tal que el propio Wolf no tuvo problemas en reconocerlo. De hecho, en su secuela Who P-P-P-Plugged Roger Rabbit?(1991), escrita a raíz del éxito de la película, no dudó en utilizar el argumento de la cinta dirigida por Robert Zemeckis, reduciendo los hechos acaecidos en la novela a un sueño de Jessica Rabbit. 

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Para ver: "Marielle lo sabe todo", una fábula escalofriante

Marielle lo sabe todo (Was Marielle weiß, 2025), de Frédéric Hambalek con Julia Jentsch, Felix Kramer, Laeni Geiseler, Mehmet Ateşçi, Moritz Treuenfels. ¿Podrá una familia sobrevivir a la abolición de la privacidad? En esta película del Nuevo Cine Alemán, el director lleva la pregunta al límite del absurdo, sin perder la sensatez de dejarla con un final abierto.

La trama: Julia y Tobías parecen la pareja perfecta. Pero detrás de la fachada y la cocina de diseño, se avecinan problemas. El frágil equilibrio entre ambos se rompe cuando su hija Marielle desarrolla repentinamente habilidades telepáticas que le otorgan el poder de ver y oír todo lo que hacen sus padres, de día y de noche. La pareja pronto se da cuenta de que las mentiras que se han estado contando ya no pueden ocultárselas a la niña. Cuando sus secretos más incómodos salen a la luz, Julia y Tobias se enzarzan en un juego de manipulación que desemboca en situaciones cada vez más incómodas y absurdas que agravan el conflicto y sus consecuencias.

Con su cinematografía gris y su dirección aséptica, la película se ajusta a las convenciones del Nuevo Cine Alemán. Esta vida de frustraciones y renuncias, que ya de por sí no era precisamente brillante, se convierte en una pesadilla cuando la adolescente abofeteada desarrolla, contra su voluntad, el poder (¿telepático?) de ver y oír todo lo que hacen sus padres, día y noche…

Retrospectiva: “Destinos cruzados”, un thriller de intriga con femme fatale

Destinos cruzados (Lulu Belle, 1948), dirigida por Leslie Fenton e interpretada por Dorothy Lamour, George Montgomery, Albert Dekker, Otto Kruger, Glenda Farrell, Charlotte Wynters, Addison Richards.

La trama: Tras un confuso incidente en el camerino de un teatro resultan heridos de bala Lulu Belle, una estrella de Broadway, y su amante. La policía detiene al marido de Lulu como sospechoso de la agresión. El hombre narra la historia de su relación con ella: su encuentro en un café de los muelles, donde Lulu cantaba; cómo alcanzó el éxito, sirviéndose de varios hombres, y la última vez que se vieron, poco antes del suceso.

El mito de la mujer perversa que es objeto del deseo y luego perdición de un buen hombre ha quedado unido en la historia del cine al nombre de Marlene Dietrich y la Lola-Lola que interpretó en El ángel azul (Der blaue Angel, 1930). Desde entonces no han faltado las reediciones de la historia, con nombres y actores diferentes. Una de ellas es esta película donde la actriz protagonista es la bella Dorothy Lamour, sex-symbol de los años 1940 que fue apodada ''la reina del sarong'' por su inclinación a interpretar personajes orientales y que llevaban esta prenda de vestir. En cuanto a la cinta, destacar la fotografía de Ernest Laszlo, un profesional que trabajó con directores de la talla de Billy Wilder y que pasados los años se convertiría en la mano derecha de Robert Aldrich.

Películas que mejoraron el libro en el que se basan (III)

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Tiburón (1975)

Tiburón (Jaws, 1975), la película, es el mejor ejemplo de que, en muchas ocasiones, menos es más. Lo es, sobre todo, con el uso del tiburón. Por cuestiones técnicas, el escualo apenas aparece en pantalla. Bruce, como apodaron al animatrónico en el set de rodaje, no paraba de fallar en su uso en agua salada. Algo que llevó a Steven Spielberg a adaptarse. Sustituyó su presencia por el uso de la música de John Williams, así como una serie de planos subjetivos y acuáticos. El resultado fue que la tensión de la cinta se disparó por los aires, convirtiéndose en un clásico absoluto del séptimo arte. 

Roy Schreider en Tiburón (1975)

Además, Spielberg también recortó varias tramas de la novela original, las cuales entendía que no aportaban nada a la historia. En esencia, el director de E.T., el extraterrestre (1982) centró su película Tiburón en el tiburón. Algo que no hace la novela escrita por Peter Benchley en 1973, cuyo foco está situado en los personajes humanos. El libro, eso sí, tiene a su favor el explicar mejor la corrupción local o un tono más cínico en líneas generales. Sin embargo no es una obra maestra, algo que sí se puede decir de su adaptación cinematográfica.

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Hace 100 años: The Nutcracker

 El 28 de marzo de 1926 se estrenó la película estadounidense The Nutcracker, dirigida por Lloyd Ingraham e interpretada por Edward Everett Horton, Mae Busch, Harry Myers,Tom Ricketts, Martha Mattox, George Kuwa, Katherine Lewis, Albert Prisco, George Periolat. Productora: Samuel S. Hutchinson Productions. Duración: 60 minutos. 

Sinopsis argumental: Horatio Slipaway es dominado en casa por su esposa Martha mientras lleva puesto su delantal de cuadros y sufre abusos en su oficina. Huye de casa para escapar de su esposa dominante y resulta herido por un tranvía. Al despertar en un hospital, recibe 500 dólares para resolver el caso del accidente. Simula amnesia y, fingiendo haber perdido la memoria, se hace pasar por Pete Peters de Perú. Invierte en bolsa cuando entra en la oficina de un corredor de bolsa y gana una fortuna comprando las acciones con la cotización más baja. Horatio alquila un apartamento amueblado al estilo peruano. Organiza una recepción a la que asiste su esposa, de quien se enamora de nuevo, pero mantiene su nueva identidad. Finalmente, su esposa descubre su verdadera identidad. Decidida a que su marido "reaccione", lo secuestra y hace que tres cirujanos lo esperen en su antigua casa. Amenazado con una operación para recuperar la memoria, admite que es Horatio. Se produce un feliz reencuentro.

Comentario: Basada en la novela de 1920 The Nut Cracker de Frederic S. Isham. Al no encontrarse ninguna copia de la película, se considera perdida