Cinco películas basadas en libros (V)

La ladrona de libros (The Book Thief, 2013), de Brian Percival

Esta obra nace de la novela de Markus Zusak publicada en 2005, una novela que se llevó el premio Michael L. Printz en 2007. La adaptación al cine dirigida por Brian Percival obtuvo una nominación al Oscar, una al Globo de Oro y una a los Premios BAFTA, siendo todas ellas en la categoría de mejor banda sonora original, compuesta por John Williams. La historia se desarrolla en la Alemania previa a laSegunda Guerra Mundial, una Alemania nazi en la que Liesel y su hermano son enviados con una familia de acogida para huir de la persecución y las represalias a los judíos de la época. Sin embargo, su hermano fallece y ella deberá afrontar su nueva realidad sola; una realidad donde los secretos son la única puerta a la supervivencia y nadie parece realmente de fiar. Es una realidad de la cual Liesel aprenderá a huir refugiándose en los libros, lo que la mantendrá a flote en los tiempos oscuros de una guerra sin piedad.

Una obra que destaca, sin duda, por la banda sonora que acompaña las imágenes de la cruda realidad de una guerra tan devastadora como cruel, además de unas interpretaciones magistrales por parte del elenco, en el cual encontramos nombres como Sophie Nélisse (Liesel), Geoffrey Rush (Hans Hubermann), Emily Watson (Rosa Hubermann) o Nico Liersch (Rudy Steiner).

Retrospectiva: El conformista

El conformista (Il conformista, 1970), de Bernardo Bertolucci con Jean-Louis Trintignant, Stefania Sandrelli, Gastone Moschin, Enzo Tarascio, Fosco Giachetti, José Quaglio, Dominique Sanda, Pierre Clémenti, Yvonne Sanson, Milly, Alessandro Haber, Luciano Rossi, Massimo Sarchielli, Antonio Maestri, Giuseppe Addobbati, Pasquale Fortunato, Orso Maria Guerrini. 

Sinopsis: Marcello Clerici es un hombre italiano de carácter débil y sometido a numerosas humillaciones sociales que, después de cometer el asesinato de su mejor amigo, se convierte en un lacayo del servicio secreto fascista, aunque ciertas tendencias homosexuales le hacen dudar de su decisión. La misión más importante que se le encomienda en esa nueva ocupación consiste en viajar a París, donde deberá organizar el asesinato de uno de sus antiguos maestros en la universidad, el profesor Luca Quadri, que vive exiliado en Francia tras haberse convertido en un disidente político claramente antifascista. Marcello no duda en utilizar el viaje de luna de miel con su esposa Giulia como tapadera para ir al extranjero y así llevar a cabo el asesinato.

Bernardo Bertolucci adapta con talento la novela de Alberto Moravia, combinando la tensión propia de la historia con su nada disimulada mirada política. Para muchos es la mejor película de Bertolucci, y le valió una nominación al Oscar por el guion.

"El extranjero": adaptación de una de la novelas más leida de todos los tiempos

El extranjero (L’Étranger, 2025), de François Ozon onc Benjamin Voisin, Rebecca Marder, Pierre Lottin, Denis Lavant, Swann Arlaud, Mireille Perrier, Christophe Malavoy, Nicolas Vaude, Jean-Charles Clichet, Hajar Bouzaouit. Adaptación de la novela homónima de Albert Camus. Considerada una obra fundamental del existencialismo y es ampliamente reconocida como la obra maestra del autor.

Sinopsis: Una voz en off declara: he matado a un árabe. Así comienza una película protagonizada por Meursault, un joven descreído en un mundo en pleno cambio. Desde la cárcel, el joven revive una dura experiencia en la Argelia de los años 1930. Un telegrama le anuncia la muerte de su madre, una mujer relativamente joven recluida en una residencia de ancianos. En el entierro, al que asiste como un mero espectador, conoce a la pareja de su madre, un anciano que convivía con ella en la residencia. Poco después, sin lágrimas, sin dolor, Meursault es capaz de salir con su novia e ir al cine a ver una película de Fernandel. La relación con su pareja parece avanzar. Ella incluso habla de matrimonio, pero él no está muy convencido. En realidad, no está convencido de nada, parece actuar a impulsos. De repente, un día se oyen gritos en un apartamento cercano. Es Djemila, la pareja de su vecino, que llama a la policía ante la violencia del varón. Meursault, inesperadamente, se coloca de parte de Sintès, del que luego conoceremos que es un proxeneta sin escrúpulos. Más adelante, Sintès pide a Meursault que le acompañe a la playa a casa de unos amigos. Allí se desencadenará una situación inesperada que le conduce a tomar una decisión fatal. Como consecuencia, es detenido y en el juicio vamos a comprender cómo la sociedad ha culpado de antemano al joven descreído.

En la película, François Ozon se apropia con audacia de la icónica novela de Albert Camus, un hito de la literatura del siglo XX, para ofrecer una lectura fiel y profundamente contemporánea. La película sigue a Meursault (Benjamin Voisin, nominado al premio César por su interpretación), un hombre ajeno al mundo y a sus convenciones, cuya aparente indiferencia ante los acontecimientos —desde la muerte de su madre hasta un acto irreversible— se convierte en un reflejo de una sociedad que busca sentido y anhela un juicio moral. Una adaptación cinematográfica de 1967 del cineasta italiano Luchino Visconti estuvo protagonizada por Marcello Mastroianni como Meursault.

Efemérides de cine: Novecento

El 21 de mayo de 1976 se estrenó la película italiana Novecento, dirigida por Bernardo Bertolucci e interpretada por Robert De Niro, Gérard Depardieu, Dominique Sanda, Laura Betti, Stefania Casini, Francesca Bertini, Werner Bruhns, Sterling Hayden, Anna Henkel, Burt Lancaster, Donald Sutherland, Alida Valli, Stefania Sandrelli. Productora: Coproducción Italia-Francia-Alemania del Oeste (RFA); Produzioni Europee Associati (PEA), Les Productions Artistes Associes, Artemis Film. Duración: 314 minutos. 

Sinopsis argumental:  En el año 1901, en una finca del norte de Italia, nacen el mismo día el hijo de un terrateniente y el hijo de un bracero que serán amigos inseparables, aunque su relación se verá nublada por sus diferentes actitudes frente al fascismo. Drama que hace un complejo recorrido político y social por la Italia del siglo XX.

Nominaciones y premios: Premios National Society of Film Critics (NSFC): nominada a mejor fotografía; Bodil Awards (Dinamarca): Mejor Película Europea; 1976: Sindicato Italiano de Periodistas de Cine: Nominadas Actrices Sec. (Valli & Betti); Premios Sant Jordi: Mejor Interpretación en Película Extranjera (de Niro). 

Comentario: Octavo largometraje de Bernardo Bertolucci, dedicado a exaltar la lucha del movimiento obrero italiano de 1901 a 1945. La música de Ennio Morricone y la fotografía de Vittorio Storaro están cerca de la perfección.

Clásicos de la época dorada de Hollywood para ver en Disney+

Sonrisas y lágrimas (The Sound of Music, 1965), dirigida por Robert Wise e interpretada Julie Andrews, Christopher Plummer, Richard Haydn, Charmian Carr, Eleanor Parker, Anna Lee, Peggy Wood, Nicholas Hammond, Heather Menzies-Urich, Duane Chase, Angela Cartwright, Debbie Turner, Kym Karath, Daniel Truhitte, Portia Nelson, Norma Varden, Marni Nixon, Ben Wright. Uno de los musicales más clásicos de Hollywood. 

La trama: En Austria, en los años 1930, María es una novicia que es contratada para hacerse cargo de la educación y el cuidado de los siete hijos del capitán Von Trapp, un viudo un tanto antipático y amargado por la reciente muerte de su esposa. Sin embargo, María va devolviendo la alegría al hogar y se gana la confianza y el cariño de los niños. Cuando una amiga de la familia le dice que el capitán se ha enamorado de ella, regresa al convento, pero los niños la echan de menos y van a buscarla. La abadesa convence a María de que no tiene vocación religiosa, sino que debería casarse con el capitán, por lo que decide volver y contraer matrimonio. Sin embargo, los nazis han tomado el poder en Austria, por lo que la familia debe huir.

Robert Wise fue un extraordinario realizador, tanto en el género musical (West Side Story) como en la ciencia ficción (Ultimátum a la Tierra). Así lo demuestra con éste, quizás su mejor película, que adapta un conocido musical compuesto para el teatro por Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II, dos de los más reputados autores del género, que a su vez se basaron en la historia real de la familia Trapp. Sonrisas y lágrimas consiguió la friolera de cinco Oscar en 1965: Mejor película, mejor director, mejor sonido, mejor montaje y mejor música adaptada.

Los rayos y las sombras”, una controversia que socava el debate sobre la Francia de Vichy

La película de Xavier Giannoli, manipulada por la ultraderecha y que narra la historia de un magnate de la prensa colaboracionista de izquierdas, se ve envuelta en una lucha de poder que escapa a su control. Y, además, socava el trabajo de los historiadores.

Al centrar su película en la colaboración entre ambos países, Xavier Giannoli sabía que se adentraba en terreno peligroso. Pero afirma que no imaginó la magnitud de la controversia. Nosotros tampoco. Les rayons et les ombres, criticada por varios historiadores, sigue generando artículos de opinión, oportunismo político y acalorados comentarios en las redes sociales; incluso The Guardian se ha hecho eco de la polémica. ¿Cuál es su delito? Mostrar indulgencia hacia el personaje de Jean Luchaire, un periodista colaboracionista retratado como un oportunista sin ideología.

Si bien Giannoli se inspiró en hechos reales y se rodeó de asesores expertos como la historiadora Barbara Lambauer, nunca afirmó estar realizando un documental. Ni siquiera una biografía de Luchaire, ya que la trama gira en torno a tres figuras: él mismo, su hija Corinne y el nazi Otto Abetz, a quien conoció en la década de 1930 gracias a sus ideales pacifistas compartidos. Para su guion, el cineasta jugó con la cronología, a veces incluso con las circunstancias. Mientras no falsee los elementos esenciales, esa es su libertad artística. También se le critica por centrarse únicamente en las fallas políticas y morales de los colaboradores de la izquierda al elegir a Luchaire. Sin embargo, existieron, aunque fueran una minoría muy pequeña. Él no los retrata como arquetipos.

Lo cierto es que la ultraderecha se frota las manos de alegría. Siguiendo los pasos de Éric Zemmour , que lleva años haciéndolo , la explotación de la controversia vuelve a socavar el debate historiográfico en torno a Vichy. Así, la película se ve inmersa en una vorágine que escapa a su control. Tal es el nerviosismo de nuestros tiempos: la derecha la acoge con entusiasmo y la izquierda la rechaza, lo cual es absurdo. Más allá de la crítica legítima, las obras poderosas tienen la virtud de desafiar, de provocar interpretaciones que a veces divergen. Cuando algunos, por ejemplo, consideran que mostrar a Luchaire y a su hija sufriendo de tuberculosis es una forma de despertar compasión, nosotros lo vemos como un símbolo de su decadencia interior. Y si bien algunos lamentan la ambigüedad con la que Giannoli mantiene a sus personajes, nosotros encontramos en ella un tema formidable para la reflexión. Porque la cuestión central que plantea su película es la de la responsabilidad individual. Y los compromisos que, algún día, pueden resultar irreparables. En nuestro tiempo, esta cuestión es más acuciante que nunca.

Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (IV)

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8. El imperio del sol (Empire of the Sun, 1987)

Reparto: Christian Bale, John Malkovich, Joe Pantoliano, Miranda Richardson, Nigel Havers, Leslie Phillips, Masato Ibu, Takatoro Kataoka, Ben Stiller. 

La trama: Cuando, en diciembre de 1941, el ejército japonés ocupa Shanghai, la privilegiada vida de James Graham, un niño inglés de clase alta, toca a su fin. Es separado de sus padres y confinado en un campo de concentración próximo a un aeropuerto militar chino. En un ambiente dominado por la tristeza y la miseria se verá obligado a madurar prematuramente, y eso condicionará su visión del mundo. Su mirada mezcla inocencia y desgarro, mostrando cómo incluso en el caos puede surgir una búsqueda obstinada de identidad y fortaleza.

Christian Bale en El Imperio del Sol (1987)

Curiosidades: El casting del protagonista fue una criba descomunal: más de 4.000 niños pasaron por la prueba hasta que Spielberg se quedó con Christian Bale. Ya lo había visto en Anastasia: The Mystery of Anna y Amy Irving se lo recomendó, pero él mismo admitió que no le había impresionado allí; la decisión llegó cuando lo vio defender el papel en la audición. Adaptación de la obra de ribetes autobiográficos de J.G. Ballard, con guión del autor teatral Tom Stoppard. Spielberg rueda un film espectacular, gran parte rodado en Shanghai con miles de extras, con un formato 'a lo grande', muy a lo David Lean. La preciosa fotografía de Allen Daviau y la gran partitura de John Williams ayudan al empaque de un título a redescubrir. Disponible en Google Play, Apple TV, Prime Video, Raukuten TV.

9. Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and the Last Crusade, 1989)

Reparto: Harrison Ford, Sean Connery, Denholm Elliott, Alison Doody, John Rhys-Davies, River Phoenix, Julian Glover, Michael Byrne, Kevork Malikyan, Isla Blair, Richard Young, Alexei Sayle. 

La trama: Indiana Jones (Harrison Ford) es un inquieto profesor de arqueología en la Universidad, que además de tener embelesadas a sus alumnas, se dedica a buscar valiosas piezas de arqueología. Esta vez no es él quien se mete en líos, sino su padre Henry (Sean Connery), también aficionado a la arqueología. Henry es un testarudo viejo que se ha empeñado en encontrar el Santo Grial. Cuenta la leyenda que el Santo Grial es la copa donde Cristo bebió en la Última Cena, y el que lo encuentre y beba de él, conseguirá la vida eterna. Pero un nazi sin escrúpulos ha retenido a Henry y trata de apoderarse del Santo Grial. Su viaje mezcla humor, tensión y química familiar, creando un equilibrio perfecto entre espectáculo y emoción que muchos consideran la cima de la saga.

Sean Connery y Harrison Ford en Indiana Jones y la última cruzada (1989)

Curiosidades: Harrison Ford se empeñó en ejecutar la mayor parte de las escenas de riesgo y su doble, Vic Armstrong, tuvo que pedirle que le dejara “hacer algo”, porque estaba asumiendo demasiada acción; en el rodaje en Almería, la cosa llegó a tal punto que Armstrong le mintió diciendo que, si no le doblaba, le quitarían el sueldo. Con su habitual capacidad para meterse dentro de la psicología infantil, Steven Spielberg intentó recuperar los viejos seriales de aventuras de los años 30 y 40. El resultado, como en las anteriores entregas, son dos horas de acción sin respiro, en las que se acumulan, una tras otra, situaciones disparatadas de las que Indiana Jones siempre sale triunfante. Disponible en Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, SkyShowtime.

10. Hook (El capitán Garfio) (Hook, 1991)

Reparto: Dustin Hoffman, Glenn Close, Robin Williams, Julia Roberts, Bob Hoskins, Maggie Smith, Caroline Goodall, Charlie Korsmo, Amber Scott, Dante Basco, Gwyneth Paltrow, Phil Collins.

La trama: Peter Pan (Robin Williams) es un prestigioso abogado que vive absorto en su trabajo. Tiene una encantadora familia a la que apenas dedica tiempo, porque se ha olvidado de lo que significa la infancia. Sin embargo, cuando sus hijos son secuestrados por su antiguo enemigo, el Capitán Garfio (Dustin Hoffman), y llevados al País de Nunca Jamás, se verá obligado a viajar a ese reino encantado, donde, con la ayuda de Campanilla (Julia Roberts), podrá recuperar no sólo a sus hijos, sino también al niño que un día fue. Un adulto que ha olvidado su pasado debe regresar al País de Nunca Jamás para rescatar a sus hijos. El viaje lo obliga a reconectar con la imaginación perdida y a enfrentarse a un antiguo enemigo en una aventura luminosa y nostálgica.

Dustin Hoffman y Robin Williams en Hook (El capitán Garfio) (1991)

Curiosidades: Entre el desfile de cameos, hay uno que pasa casi de puntillas: George Lucas y Carrie Fisher aparecen como la pareja que se besa en el puente y empieza a flotar cuando les cae el polvo de hada. Steven Spielberg dirige este magnífico espectáculo sobre las peripecias de Peter Pan. Aventuras, barcos piratas, luchas de espadas, nos harán volver a sentirnos niños, y olvidarnos de los agobios de la vida diaria, aunque sólo sea durante un par de horas. Disponible en Netflix. 

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Retrospectiva: "Novecento", una película fundamental...

Novecento (1900) (1976), dirigida por Bernardo Bertolucci e interpretada por Robert De Niro, Gérard Depardieu, Dominique Sanda, Laura Betti, Stefania Casini, Francesca Bertini, Werner Bruhns, Sterling Hayden, Anna Henkel, Burt Lancaster, Donald Sutherland, Alida Valli, Stefania Sandrelli.  un fresco histórico de extraordinaria belleza visual, a ratos épico, intimista en otros, poético siempre. 

Gérard Depardieu y Robert De Niro en Novecento (1900) (1976)

La trama: Impresionante fresco histórico que recorre la historia italiana del siglo XX a través de la historia de dos hombres que, naciendo el mismo día, pertenecen a clases sociales diferentes: Robert De Niro interpreta al hijo de un rico terrateniente y Gérard Depardieu al de uno de los obreros de su finca. Juntos vivirán experiencias sexuales en su juventud, los horrores de la Guerra en su madurez y seguirán discutiendo ya ancianos en uno de los finales más extravagantes que nunca ha tenido una película.

Donald Sutherland en Novecento (1900) (1976)

Tan irregular como poderosa, esta producción de Alberto Grimaldi cuenta con un reparto excepcional.Donald Sutherland en el papel de un fascista que dejó boquiabierto a los espectadores cuando aplasta con su cabeza a un gato y luego despedaza a un niño. Debido a su exagerada duración la película fue estrenada en dos partes. La música de Ennio Morricone y la fotografía de Vittorio Storaro están cerca de la perfección.

Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (III)

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5. E.T., el extraterrestre (E.T.: The Extra-Terrestrial, 1982)

Reparto: Henry Thomas, Dee Wallace, Peter Coyote, Robert McNaughton, Drew Barrymore, Erika Eleniak, C. Thomas Howell, K.C. Martel, Sean Frye. 

La trama: Un pequeño ser de otro planeta se queda abandonado en la Tierra cuando su nave, al emprender el regreso, se olvida de él. Está completamente solo y tiene miedo, pero se hará amigo de un niño, que lo esconde en su casa. El pequeño y sus hermanos intentan encontrar la forma de que el pequeño extraterrestre regrese a su planeta antes de que lo encuentren los científicos y la policía. La historia combina ternura, descubrimiento y emoción, logrando una conexión universal basada en la inocencia y el deseo de regresar a casa.

Drew Barrymore en E. T., el extraterrestre (1982)

Curiosidades: La historia nació de una cicatriz personal: Spielberg la apoyó en el amigo imaginario que se inventó tras el divorcio de sus padres, y esa raíz explica el pulso doméstico de todo el relato. Para facilitar interpretaciones convincentes en el reparto infantil, rodó en un orden casi cronológico, de manera que cada escena llegara cuando la relación ya estaba asentada. Steven Spielberg no sería quien es si no hubiera rodado esta película. Si ya antes había sorprendido con una visión favorable de la vida más allá de la Tierra en Encuentros en la tercera fase, su siguiente película fue directamente a destrozar el mito del marciano con malas pulgas que viene a nuestro planeta para sembrar la destrucción. Disponible en Prime Video, SkyShowtime, Disney+, Movistar+, Filmin. 

6. Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and the Temple of Doom, 1984)

Reparto: Harrison Ford, Kate Capshaw, Ke Huy Quan, Amrish Puri, Roshan Seth, Dan Aykroyd, Philip Stone, Roy Chiao, David Yip, Ric Young. 

La trama: 1935. Shanghai. El intrépido arqueólogo Indiana Jones, tras meterse en jaleos en un local nocturno, consigue escapar junto a una bella cantante y su joven acompañante. Tras un accidentado vuelo, los tres acaban en la India, donde intentarán ayudar a los habitantes de un pequeño poblado, cuyos niños han sido raptados. Esta peligrosa misión lo arrastra a rituales oscuros, persecuciones y una de las aventuras más intensas y frenéticas de toda la saga.

Jonathan Ke Quan y Harrison Ford en Indiana Jones y el templo maldito (1984)

Curiosidades: La secuencia de la cámara de insectos fue tan real como parece: Kate Capshaw aceptó rodar cubierta por más de dos mil insectos vivos y, para vencer el miedo inicial, tomó sedantes antes de entrar en el set. Ella misma reconoció que le ayudaron a dar el paso. Se trata de la película con más elementos fantásticos de la serie de Indiana Jones. Las escenas se suceden a una velocidad de vértigo en varios continentes distintos. El sentido del humor es un elemento constante, y está reforzado por la presencia del joven Jonathan Ke Quan. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, SkyShowtime, Tivify. 

7. El color púrpura (The Color Purple, 1985)

Reparto: Danny Glover, Whoopi Goldberg, Margaret Avery, Oprah Winfrey, Willard E. Pugh, Dana Ivey, Akosua Busia, Laurence Fishburne, Desreta Jackson, Adolph Caesar, Rae Dawn Chong, Leonard Jackson, Bennet Guillory, Carl Anderson, John Patton Jr., Susan Beaubian, James Tillis, Phillip Strong. 

La trama: Principios del siglo XX. Historia ambientada en Estados Unidos, en el sur rural. Whoopi Goldberg interpreta a una joven muchacha negra, obligada por su padre a casarse con un hombre odioso al que no quiere. Sólo encuentra consuelo en su hermana, a quien escribe puntualmente, aunque sus cartas de respuesta sean retenidas por su malvado marido. Un viaje emocional que combina dolor y esperanza con una sensibilidad profunda.

Whoopi Goldberg en El color púrpura (1985)

Curiosidades: La respuesta inicial fue un no: Spielberg se veía inseguro, dudaba de su mirada para retratar el Sur profundo y sentía que la historia pedía otra voz. Quincy Jones le desmontó el miedo con una frase perfecta, recordándole que no hacía falta “ser un extraterrestre” para dirigir a uno, y ese empujón lo metió de lleno en la película. Algunas escenas han pasado a la historia del cine, por su maestría y sutileza. Está basada en la novela homónima de Alice Walker, ganadora del Premio Pulitzer. A pesar de contar con un montón de nominaciones al Oscar, el film se fue sin ninguna estatuilla a casa, era la época en que no se toma muy en serio a Spielberg. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, SkyShowtime, Tivify.

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Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (II)

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2. Tiburón (Jaws, 1975)

Reparto: Roy Scheider, Robert Shaw, Richard Dreyfuss, Lorraine Gary, Murray Hamilton, Carl Gottlieb, Jeffrey Kramer, Susan Backlinie, Chris Rebello, Jonathan Filley, Jay Mello, Lee Fierro. 

La trama: En la costa de un pequeño pueblo del este de Estados Unidos, un enorme tiburón blanco ataca a varias personas. Por temor a los nefastos efectos que este hecho podría tener sobre el negocio turístico, el alcalde se niega a cerrar las playas y a difundir la noticia. Pero un nuevo ataque del tiburón termina con la vida de un bañista. Cuando el terror se apodera de todos, un veterano cazador de tiburones, un oceanógrafo y el jefe de la policía local se unen para intentar capturar al escualo. La tensión, la música icónica y el ritmo convirtieron esta obra en un fenómeno cultural.

Roy Scheider en Tiburón (1975)

Curiosidades: El rodaje se torció porque el tiburón mecánico, apodado Bruce, se averiaba sin descanso a causa del agua salada y los circuitos corroídos, obligando a levantar la amenaza desde la sugerencia y el fuera de campo. A esa sensación también ayudó la música de John Williams. En un principio cuando le tocó al piano el motivo de dos notas. Spielberg creyó que era una broma hasta que entendió su sentido. Disponible en Disney, Filmin, Tivify. 

3. Encuentros en la tercera fase (Close Encounters Of The Third Kind, 1977)

Reparto: Richard Dreyfuss, François Truffaut, Teri Garr, Melinda Dillon, Bob Balaban, J. Patrick McNamara, Warren J. Kemmerling, Roberts Blossom, Gene Dynarski. 

La trama: Una noche, cerca de su casa, en Indiana, Roy Neary (Richard Dreyfuss) observa en el cielo unos misteriosos objetos voladores. Desde entonces vive tan obsesionado por comprender lo que ha visto que se distancia de su esposa (Teri Garr). Encuentra apoyo en una mujer que también ha sido testigo de los mismos hechos, y juntos intentan encontrar una respuesta al misterio que ha alterado sus vidas. Al mismo tiempo, un nutrido grupo de científicos internacionales comienza a investigar las apariciones de ovnis y otros extraños fenómenos en la zona. La historia combina misterio, ciencia ficción y emoción humana en un relato sobre la necesidad de contacto.

Richard Dreyfuss en Encuentros en la tercera fase (1977)

Curiosidades: El famoso ‘saludo’ de cinco notas no fue fruto de una inspiración súbita, sino de una intensa criba: John Williams probó cientos de combinaciones y, al descubrir que en una escala cromática había alrededor de 134.000 posibles, él y Spielberg se quedaron con las 350 variantes ya compuestas hasta dar con la definitiva, pensada como un mensaje breve y memorizable. Disponible en Movistar+.

4. En busca del arca perdida (Raiders of the Lost Ark, 1981)

Reparto: Harrison Ford, Karen Allen, Paul Freeman, Ronald Lacey, John Rhys-Davies, Alfred Molina, Denholm Elliott, Wolf Kahler, George Harris. 

La trama: Año 1936. Indiana Jones es un profesor de arqueología, dispuesto a correr peligrosas aventuras con tal de conseguir valiosas reliquias históricas. Después de una infructuosa misión en Sudamérica, el gobierno estadounidense le encarga la búsqueda del Arca de la Alianza, donde se conservan las Tablas de la Ley que Dios entregó a Moisés. Según la leyenda, quien las posea tendrá un poder absoluto, razón por la cual también la buscan los nazis. La mezcla de humor, acción y un ritmo impecable definió un nuevo estándar para el cine de aventuras moderno.

Harrison Ford en En busca del arca perdida (1981)

Curiosidades: Spielberg recupera con esta sensacional película el espíritu de los viejos seriales de aventuras de los años 1930 y 1940. El legendario duelo del mercado se resolvió con un disparo por pura supervivencia del rodaje: la coreografía prevista exigía látigo y tempo, pero Harrison Ford estaba enfermo por una intoxicación alimentaria y no tenía fuerzas. Tras varios intentos fallidos, propuso ‘dispararle’ y Spielberg dio el visto bueno a la solución de emergencia. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, SkyShowtime, Tivify. 

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Quince películas imprescindibles que mezclan comedia y acción (IV)

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10. Arma fatal (Hot Fuzz, 2007), de Edgar Wright

Un superpolicía londinense, de los que disparan a dos manos y saltan sobre el capó de los coches en marcha, es enviado a un pueblecito de la campiña inglesa que, en realidad, no es tan tranquilo como parece.

El director y escritor Edgar Wright y el guionista y actor Simon Pegg fueron reclutados por Tarantino y Rodriguez para filmar un gracioso falso tráiler de Grindhouse, gracias a que lograron cierto éxito con Zombies Party, inspirado subproducto que parodiaba el cine de terror. La pareja, procedente de las telecomedias británicas, aplica en esta ocasión el mismo humor mordaz al género policíaco. Como algunas comedias clásicas inglesas introduce elementos costumbristas y describe numerosos personajes secundarios, típicos del ámbito rural británico. 

11. Shoot 'Em Up: En el punto de mira (Shoot Em Up, 2007), de Michael Davis

El señor Smith (Clive Owen), un misterioso y solitario pistolero, desbarata involuntariamente un extraño complot, cuando rescata a un bebé de una muerte segura. Para alimentar a su pequeño protegido, contrata a una prostituta (Monica Bellucci). Desde ese momento los dos se convierten en el objetivo de un peligroso mafioso (Paul Giamatti), que enviará a sus sicarios para eliminar al niño.

Si hubiera que elegir una palabra para describir la película, ésta sería acción. El espectacular arranque de la cinta da una idea de lo que el espectador va a ver, un derroche de tiros coreografiados de manera muy visual y original, que deja a otras películas a la altura del betún. Con las licencias propias del género, la cinta resulta exagerada en algunas ocasiones, pues el héroe lucha contra cientos de enemigos con una eficacia que para sí quisieran los ejércitos mundiales. Aún así, las exageraciones quedan perdonadas por la fluidez narrativa y visual, que está perfectamente aderezada con notas de humor.

12. El bueno, el malo y el raro (Joheunnom nabbeunnom isanghannom, 2008), de Kim Jee-woon

En la convulsa Manchuria de los años 1930, el mapa de un tesoro va a poner tras su pista a chinos, japoneses y coreanos y va a enfrentar en duelo a tres bandas a un cazarrecompesas (el bueno), un asesino a sueldo aficionado a cortar dedos (el malo) y un inclasificable bandido (el raro). Esta película es ante todo una colosal aventura que arranca con el asalto a un tren y alcanza el éxtasis en el desierto de Gobi, entre cañonazos y galope de caballos.

Sorprendente y dinámica película coreana, todo un homenaje al cine de Sergio Leone y más específicamente a uno de sus títulos emblemáticos, el spaghetti-western El bueno, el feo y el malo.

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Película de vampiros de 2025 que hace historia en los Oscar

Nada de fiestas, llamadas histéricas ni champán descorchado a las siete de la mañana. Según ha contado en Variety junto a la productora Zinzi Coogler y Sev Ohanian, fue un día sorprendentemente cotidiano. Despertarse, poner YouTube y decir algo así como “oye, levántate”.

Mientras media industria estaba mirando las listas con el corazón en un puño, en casa de los Coogler tocaba rutina: niños al cole, poco sueño y esa sensación extraña de estar viviendo algo enorme sin tiempo para procesarlo. Zinzi lo resumía con una frase que dice mucho: todavía estamos intentando asimilarlo. Normal. Dieciséis nominaciones no se digieren con el café de la mañana.

Coogler, lejos de ponerse épico, habló desde el orgullo de equipo. De ver cada día a su gente dejándose la piel y sentir que, por una vez, ese trabajo ha sido reconocido por quienes deciden. No siempre pasa así en Hollywood. Y menos cuando lo que haces es una película de vampiros que no juega a ser “prestigiosa” disfrazándose de otra cosa.

Los pecadores (Sinners, 2025), recibe dieciséis nominaciones que cambian las reglas. El dato es demoledor: Los pecadores ha conseguido más nominaciones al Oscar que Titanic, La La Land o Eva al desnudo. Y no es solo un récord por el récord. Es lo que simboliza. El reconocimiento absoluto a una película de vampiros dentro de una industria que históricamente ha mirado el terror con cierto desdén.

Hasta ahora, los grandes hitos del género eran contados. El exorcista logró diez nominaciones en 1973. El silencio de los corderos llegó a siete en 1991. El sexto sentido se quedó en seis en 1999. Logros enormes, sí, pero siempre vistos como excepciones. Los pecadores ha reventado ese techo de cristal con un martillazo directo.

Que una película de vampiros haga historia en los Oscar no es solo una anécdota para titulares llamativos. Es una señal bastante clara de que algo está cambiando dentro de la Academia. El terror ya no es solo “esa cosa rara que da dinero pero no premios”. Ahora puede ser cine grande, con mayúsculas, sin pedir perdón. Además, Los pecadores no es una rareza minoritaria. Fue una de las películas más taquilleras de 2025. Público y crítica fueron de la mano, algo que no siempre ocurre. Y ese equilibrio es justo lo que durante años se le ha negado al género: si triunfa en taquilla, parece que no puede ser “arte”. Aquí se ha demostrado lo contrario.

Otra de la posguerra a la española: "La trinchera infinita"

La trinchera infinita (2019), es una película española dirigida por Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga e interpretada  Antonio de la Torre, Belén Cuesta, Vicente Vergara, José Manuel Poga, Emilio Palacios, Antonio Romero, Esperanza Guardado, Enrique Asenjo. Drama basado en hechos reales. 

Antonio de la Torre y Belén Cuesta en La trinchera infinita (2019)

La trama: Higinio y Rosa llevan pocos meses casados cuando estalla la Guerra Civil, y la vida de él pasa a estar seriamente amenazada. Con ayuda de su mujer, decidirá utilizar un agujero cavado en su propia casa como escondite provisional. El miedo a las posibles represalias, así como el amor que sienten el uno por el otro, les condenará a un encierro que se prolongará durante más de treinta años.

Antonio de la Torre en La trinchera infinita (2019)

El punto de partida de La trinchera infinita lo tenemos en la realidad de un buen grupo de personas que permanecieron ocultas durante años, los de la guerra civil y los posteriores, para evitar represalias, primero del bando nacional, y luego del régimen franquista. Arregi, Garaño y Goenaga centran su atención en un matrimonio, Higinio y Rosa, casados hace poco y residentes en un pueblo de Andalucía. A las tropelías primero del bando republicano siguen las de los sublevados, e Higinio, que nunca estuvo muy metido en política, pero que es de los “sospechosos”, no tiene más remedio que ocultarse. Y el lugar más seguro resulta una oquedad en su propia casa, obligado encierro que esperan sea temporal, pero pasarán los días, los meses, los años...

Cinco adaptaciones de Stephen King en el cine que ver antes del estreno de ‘La vida de Chuck’ y ‘La larga marcha’

Las adaptaciones de Stephen King en el cine son unas de las películas que parecen más idóneas para la spooky season (temporada de terror) en cuenta atrás para Halloween, por ser uno de los escritores más prolíficos en el género de terror y que han dado clásicos como El resplandor, Misery o Carrie.

Sin embargo, en esta recta final de 2025 llegan hasta tres estrenos de cine basados en novelas de Stephen King como son La vida de Chuck el 17 de octubre basado en el relato de La sangre manda y con Tom Hiddleston como protagonista, para luego el 14 de noviembre La larga marcha y The Running Man el 21 de noviembre, con Glen Powell.

Pero antes queremos recordar cinco adaptaciones de Stephen King ya estrenadas. 

1. Cuenta conmigo (Stand by me, 1986), de Rob Reiner

El próximo estreno de La larga marcha (The Long Walk, 2025) es una nueva incursión a relatos adolescentes de una adaptación de Stephen King, algo que se ha podido ver anteriormente en películas que se basan en novelas suyas, como es el caso por ejemplo de todo un clásico como es Cuenta conmigo, con Will Wheaton, River Phoenix, Corey Feldman y Jerry O’Connell. En un pequeño pueblo de Oregón, cuatro adolescentes se lanzan a la aventura de buscar a un muchacho desaparecido. Jugando a ser héroes, el inteligente Cornie, el rudo y sentimental Chris, el extravagante Teddy y el miedoso Vern se adentran en un ambiente hostil en el que deberán valerse por sí mismos. 

2. Cadena Perpetua (The Shawshank Redemption, 1994), de Frank Darabont

La película es la más valorada de todos los relatos que han llegado al cine y que salieron de la pluma de Stephen King basado en el relato Rita Hayworth y la redención de Shawshank que se publicó en la colección Cuatro estaciones en 1982. La adaptación llegó en 1994 con Tim Robbins y Morgan Freeman como protagonistas en los papeles de Andrew Dufresne y Red en un drama carcelario que tuvo hasta siete nominaciones a los premios Oscar. A pesar de que pasó de forma discreta por los cines, la historia del cine le ha dado su sitio. Acusado del asesinato de su mujer, Andrew Dufresne (Tim Robbins), tras ser condenado a cadena perpetua, es enviado a la cárcel de Shawshank. Con el paso de los años conseguirá ganarse la confianza del director del centro y el respeto de sus compañeros de prisión, especialmente de Red (Morgan Freeman), el jefe de la mafia de los sobornos.

3. La milla verde (The Green Mile, 1999), de Frank Darabont

En el género fantástico y dramático que encontramos también en La vida de Chuck llega otro drama carcelario que se basa en una novela de Stephen King como es La milla verde que se publicó en 1996 y que tan solo tres años después tuvo su adaptación en los cines conTom Hanks como protagonista. La sinopsis se centra en Paul Edgecomb que se basa en una trágica historia real de asesinato y ejecución de un niño afroamericano en 1944, a la que se le añade ficción y elementos sobrenaturales que conmocionaron al público y que fue nominada a cuatro premios Oscar. 

4. Corazones en Atlántida (Hearts in Atlantis, 2001), de Scott Hicks

Para complementar las historias dramáticas que podrían enlazarse con La vida de Chuck es una de las adaptaciones menos conocidas de Stephen King, Corazones en Atlántida que protagoniza Anthony Hopkins y que se estrenó en 2001 en el que el personaje Bobby Garfield ve como el pasado irrumpe en su vida cuando la muerte de un amigo de la infancia le hace volver a la ciudad donde creció. Allí le asaltan los recuerdos de su undécimo verano, marcado por la llegada de un nuevo inquilino, Ted Brautigan, que llenó el vacío que le supuso la defunción de su padre. Ted, un hombre misterioso que al tiempo fascinaba y perturbaba a Bobby, le ofrece un trabajo: leerle el periódico, pues su vista está muy debilitada, pero sobre todo ejercer un servicio de vigilancia para evitar el grave peligro que acecha a Ted.

5. It (2017), de Andy Muschietti

Pero si se habla de grupo de amigos una de las películas que viene primero a la mente es It, que aúna el terror y lo fantástico al comenzar la historia con la desaparición de niños que es obra del malvado payaso Pennywise y al que deciden enfrentarse cinco jóvenes del pueblo de Derry, y que ahora también se adapta al formato serie por HBO Max.

Efemérides de cine: El luchador

El 13 de agosto de 1975 se estrenó la película estadounidense El luchador (Hard Times AKA The Streetfighter), dirigida por Walter Hill e interpretada por Charles Bronson, James Coburn, Jill Ireland, Strother Martin, Margaret Blye, Michael McGuire, Felice Orlandi, Edward Walsh, Bruce Glover, Robert Tessier, Nick Dimitri, Frank McRae,Naomi Stevens, Maurice Kowalewski. Productora: Columbia Pictures, Claridge Productions, Major Studio Partners. Duración: 97 minutos.

Sinopsis argumental: En los años de la Gran Depresión, Chaney (Charles Bronson) viaja a Nueva Orleans para ganarse la vida boxeando, algo que se le da muy bien. Allí, se alía con el timador Speed (James Coburn), y participa en peleas ilegales de boxeo con el fin de llevarse unos cuartos. Pero el 'negocio' no va como se esperaba con lo que Chaney ha de pelear con un rival muy fuerte, Street, algo que no resultará nada fácil.

Comentario: Tras El justiciero de la ciudad, Charles Bronson (Doce del patíbulo, La gran evasión, Hasta que llegó su hora) intervino en esta película que no pasa desapercibida dentro de su carrera. Le acompaña Jill Ireland, que era su mujer por entonces, y otro de los rostros más conocidos del cine de acción en los años 1970, James Coburn (Viento en las velas, Pat Garrett y Billy the Kid). Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Como plaga de langosta

El 7 de mayo de 1975 se estrenó la película estadounidense Como plaga de langosta (The Day of the Locust), dirigida por John Schlesinger e interpretada por William Atherton, Karen Black, Donald Sutherland, Burgess Meredith, Geraldine Page, Richard Dysart, Bo Hopkins, Pepe Serna, Lelia Goldoni, Billy Barty, Jackie Earle Haley, Gloria LeRoy, Jane Hoffman, Norman Leavitt, Madge Kennedy, Natalie Schafer, Gloria Stroock, Nita Talbot, Paul Stewart, John Hillerman, William C-tle, Paul Jabara. Productora: Paramount Pictures. Duración: 145 minutos. 

Sinopsis argumental: Un joven y tranquilo artista se traslada a Hollywood para trabajar como decorador en el departamento de arte de la Paramount. Él espera conocer todo el glamour que rodea a las grandes estrellas de cine pero, en lugar de eso, se encuentra con el lado oscuro de la fama: un grupo de miserables personajes que luchan por salir adelante. Entre ellos está Faye, una chica que también sueña con ser actriz de éxito y de la que el pintor se enamora al instante. Pero ella en lo único que piensa es en relacionarse con personas bien posicionadas que puedan ayudarle a alcanzar su objetivo.

Nominaciones y premios: Oscar: Nominada a mejor actor de reparto (Burgess Meredith) y fotografía; Globos de Oro: Nominada mejor Actriz (Black) - Drama y actor secundario (Meredith); Premios BAFTA: Mejor diseño de vestuario. 3 nominaciones; Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Nominada a mejores 10 películas del año.

Comentario: La película describe la alienación y la desesperación de un grupo dispar de individuos cuyos sueños de éxito no se hacen realidad. El guion de Waldo Salt está basado en la novela homónima de 1939 de Nathanael West. La película ha llamado la atención de los académicos por sus comentarios críticos sobre la industria cinematográfica, así como por su descripción de pesadilla de Hollywood, y algunos críticos identificaron elementos de terror implícitos en las imágenes. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

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5. El silencio del agua (He bian de cuo wu, 2023), de Wei Shujun

Década de 1990, ciudad de Banpo, China rural. El cadáver de una mujer aparece junto al río. Ma Zhe, jefe de la policía criminal, dirige la investigación de un asesinato que rápidamente desemboca en una evidente detención. Mientras sus superiores se afanan en comunicar su éxito, varias pistas empujan a Ma Zhe a profundizar en el comportamiento oculto de sus conciudadanos.

El thriller más taquillero del año en China. Un arrollador policíaco en los parajes más rurales de la China de los años 1990 que inevitablemente nos llevará a Memories of Murder. Una joya que pasó por Cannes en la que el agua, y el cine, tienen un papel muy especial. La realidad y la poesía se mezclan en esta película caprichosa y fantasmal, dirigida por el joven director Wei Shujun.

6. Vincent debe morir (Vincent doit mourir, 2023), de Stéphan Castang

Vincent empieza a ser atacado por la gente que lo rodea sin motivo aparente. Su anodina existencia se descontrola y, conforme la violencia crece, no tiene más remedio que huir. Pero ¿adónde?

Si George A. Romero rodara una comedia romántica paranoica en Saint-Nazaire, ¿cómo sería? Esta película preapocalíptica está protagonizada por Karim Leklou, quien intenta escapar de una serie de intentos de asesinato contra su persona común.

7. El callejón de las almas perdidas (Nightmare Alley AKA Nightmare Alley: A Vision in Darkness & Light, 2021), de Guillermo del Toro

Un buscavidas manipulador (Bradley Cooper) se alía con una psiquiatra tan embaucadora como él (Cate Blanchett) para timar a los ricos de la sociedad neoyorquina de los años 1940. 

Nueva adaptación de la novela de William Lindsay Gresham, llevado al cine con anterioridad por Edmund Goulding en 1947. El imaginativo maestro mexicano revela su lado oscuro en este exuberante cine negro con un elenco espléndido. 

8. Nido de víboras (Jipuragirado japgo sipeun jimseungdeul AKA Beasts That Cling to the Straw, 2020), de Kim Yong-hoon

El destino de un mediocre grupo de desgraciados comienza a converger lentamente mientras se desmorona. Joong Man va tirando a duras penas trabajando en una sauna y cuidando de su madre enferma, hasta que encuentra en el vestuario una bolsa llena de dinero. Tae Young se ha metido en un lío porque su novia se ha dado a la fuga con el dinero que él le había robado a un prestamista. Además, aparece misteriosamente un cadáver. Mi Ran, acorralada entre su marido maltratador y su vulgar trabajo de camarera, empieza una relación con su joven amante, Jin Tae, quien se ofrece a matar a su pareja… Así empieza este juego en el que solo puede sobrevivir el más fuerte. 

Cinco individuos sin ninguna conexión aparente gravitan alrededor de un bolso de diseño lleno de billetes. Un thriller surcoreano en forma de juego de matar, donde el humor y la trivialidad suavizan la violencia gráfica de las escenas de asesinato.

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7. Los pecadores (Sinners, 2025), de Ryan Coogler

Tratando de dejar atrás sus problemáticas vidas, dos hermanos gemelos (Jordan) regresan a su pueblo natal para empezar de nuevo, solo para descubrir que un mal aún mayor les espera para darles la bienvenida.

Con esta película de vampiros ambientada en la cuna del blues, el director de Black Panther demuestra una vez más que las películas más inteligentes sobre la condición de la comunidad afroamericana pasan por el cine de género.

8. Harvest (2024), de Athina Rachel Tsangari

En el siglo XVII  se puso a prueba un pueblo libertario. Narra la historia de una comunidad rural aislada, de nombre y lugar indeterminados, cuyas vidas de sus habitantes empiezan a cambiar con la llegada inesperada de tres personajes extraños: un cartógrafo, un inmigrante y un banquero... 

Un fresco inusual, como un sueño febril, acompañado de una bella alegoría poética y política. Adaptación de la novela de Jim Crace, Cosecha', una fábula sobre la modernidad y sus traumas.

9. Gobangiri, 2024, de Kazuya Shiraishi

Yanagida, un ex samurái, lleva una vida modesta con su hija en Edo y dedica sus días al juego de go con una dignidad que inspira respeto. Cuando su honor se ve vulnerado por acusaciones difamatorias, decide utilizar sus talentos como estratega para luchar y obtener reparación.

Misterio, venganza, acción, puro entretenimiento japonés, clásico pero pulido y muy bien interpretada.

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