Cumplió 25 años: Beowulf, la leyenda

El 31 de marzo de 2024 se estrenó la película estadounidesne Beowulf, la leyenda (Beowulf), dirigida por Graham Baker e interpretada por Christopher Lambert, Rhona Mitra, Oliver Cotton, Götz Otto, Vincent Hammond, Charles Robinson, Patricia Velasquez, Brent Jefferson Lowe, Roger Sloman, Diana Dumbrava, Layla Roberts, Vlad Jipa. Productora: Capitol Films, European Motion Pictures Productions, La Kushner-Locke Company. Duración: 100 minutos. 

Sinopsis argumental: En algún lugar del tiempo, las garras del diablo se extienden ominosas sobre un castillo y sus habitantes. Un gran ejército ha sitiado el lugar y nadie puede salir de él con vida. Pero un día un extraño personaje, Beowulf, llega a ofrecer su ayuda. Dado que cualquier ayuda es bienvenida en tan desesperada situación, le piden que cace a una silueta sin forma que llega por las noches con la única intención de matar.

Comentario: Aventuras por doquier, con algunos elementos sanguinarios. La películas se inspira en un poema épico, que se conserva en la Biblioteca Británica de Londres, centrándose en la lucha fantástica entre las fuerzas del bien y el mal.

Cumplió 25 años: 10 razones para odiarte

El 31 de marzo de 1999 se estrenó la película estadounidense 10 razones para odiarte (10 Things I Hate About You), dirigida por Gil Junger e interpretada por Heath Ledger, Julia Stiles, Joseph Gordon-Levitt, Larisa Oleynik, Andrew Keegan, Susan May Pratt, David Krumholtz, Gabrielle Union, Larry Miller, Daryl Mitchell, Allison Janney. Productora: Touchstone Pictures. Duración: 97 minutos.

Sinopsis argumental: Las hermanas Stratford son muy distintas. La guapa y popular Bianca nunca ha salido con un chico, y Kat, su hermana mayor, es una bruja con muy mal genio, y algo arisca, que se ha propuesto rechazar a cualquier chico que demuestre el más mínimo interés por ella. Desgraciadamente, el estricto reglamento que rige el hogar de los Stratford prohibe a Blanca tener novio hasta que su insoportable hermana tenga uno; situación que parece más que improbable teniendo en cuenta que Kat lleva una vida social desastrosa. Blanca está desesperada por ir al baile de fin de curso. Pero su pretendiente, Cameron, guarda una sorpresa... 

Nominaciones y premios: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor actriz revelación (Julia Stiles).

Comentario: Comedia adolescente que adapta libremente la novela La fierecilla domada, de William Shakespeare. La cinta está protagonizada por Julia Stiles, una de las actrices jóvenes con más proyección del Hollywood del nuevo milenio, y el fallecido actor australiano Heath Ledger, nominado al Oscar. 

Cuatro clásicas del baloncesto (y tres que quizás se haya perdido) (VI)

(cont.)

6. Garra (Hustle, 2022), de Jeremiah Zagar

Sandler interpreta a un cazatalentos de baloncestistas en horas bajas que, estando en el extranjero, descubre un jugador con enorme talento pero con un pasado difícil. Sin la aprobación de su equipo, decide llevarse el fenómeno con él, dándoles a ambos una última oportunidad para demostrar que son dignos de la NBA.

Adam Sandler y Juancho Hernangomez en Garra (2022)

Entretenido drama deportivo con toques de humor, que presenta clásicos elementos de entrenador exigente con su pupilo, y los traumas que uno y otro arrastran, el primero por una lesión que le impidió ser jugador profesional, el otro por su inexperiencia e ingenuidad, y el miedo a que nunca se haga realidad en él el “sueño americano”. El film está producido por el célebre jugador LeBron James, y ha contado con el concurso de muchos jugadores y profesionales de la NBA interpretándose a sí mismos. Y el hecho de que la acción transcurra en Filadelfia hace que las escenas de duro entrenamiento remitan inevitablemente a Rocky.

7. El último baile (The Last Dance, 2020), de Jason Hehir

Miniserie de TV (2020). 10 episodios. Docuserie repleta de material inédito de la temporada 1997-98 , que muestra la carrera del legendario baloncestista Michael Jordan, uno de los mayores iconos del deporte de todos los tiempos, y su trayectoria con los Chicago Bulls en los años 1990.

El título de la serie documental, hace referencia al nombre que le asignó el entrenador Phil Jackson, a la temporada 1997-98 de los Chicago Bulls. Ya que ésta iba a ser su última temporada como entrenador en Chicago, la catalogó como "The Last Dance" ("el último baile"), en alusión al último recorrido que harían como equipo.

Cinco películas más de Godzilla que debe ver

Estamos celebrando la última incursión de Godzilla en MonsterVerse en Godzilla y Kong: El nuevo imperio (Godzilla x Kong: The New Empire), así como la reciente victoria en el Oscar en la categoría de efectos especiales conseguida por Godzilla Minus One (Gojira -1.0), con estas películas de Godzilla mejor calificadas que no se puedes perder.

1. Japón bajo el terror del monstruo (Gojira AKA Godzilla, 1954), de Ishirô Honda

La nación japonesa entra en pánico después de que varios barcos hayan sido atacados y hundidos cerca de sus costas. En un primer momento las autoridades niponas piensan que se trata de minas submarinas o de actividad volcánica, pero, una noche, algo sale del agua y destroza decenas de casas en la costa, matando a sus ocupantes. Una expedición liderada por el paleontólogo Kyôhei Yamane, su hija Emiko y un joven marinero llamado Hideto Ogata descubre que lo que ha emergido del océano es un devastador y monstruoso lagarto de más de 50 metros de alto a quien los nativos llaman Godzilla. Ahora el monstruo ha iniciado una carrera de destrucción y terror que amenaza con reducir a cascotes y escombros no sólo Japón sino también el resto del mundo. ¿Cómo destruir a la enorme mole antes de que sea demasiado tarde?. Godzilla es una de las películas de monstruos más famosas de todos los tiempos, pero también es un drama sombrío ambientado en un mundo donde la violencia indescriptible y los avances científicos se habían convertido en uno mismo tras el ataque nuclear de la vida real. Visualmente impresionante y técnicamente impresionante, esta película histórica estableció récords de taquilla en Japón en 1954 y ha generado una franquicia con más de 30 películas, además de cómics, videojuegos, juguetes y más. Setenta años de secuelas no han mancillado la fuerza cinematográfica del Godzilla de Ishirô Honda. Rara vez se ha trasladado la herida de la devastación con tanta crudeza al mundo del celuloide. 

2. Shin Godzilla (Shin Gojira, 2016), de Hideaki Anno y Shinji Higuchi

Gozilla ha regresado, mal que le pese a la bahía de Japón. Pronto se desata el pánico cuando la región comienza a hundirse a cada paso del monstruo. Los habitantes huyen despavoridos, todas las alarmas se disparan y los edificios se derrumban. ¿Hay quién pueda detener al gigantesco lagarto que asola la ciudad? Ante la emergencia de una destrucción masiva, la policía junto al ejército tratará de tenderle una emboscada para minimizar los daños mientras intentan destruirle. Los críticos calificaron esta película de todo, desde un "resurgimiento" hasta "loca", pero la película número 31 de la franquicia Godzilla es también una sátira de la cultura laboral y la política modernas. Mientras la aterradora criatura hace estragos por todas partes, las personas encargadas de contener al monstruo se mueven impotentes de reunión en reunión mientras intentan decidir cuál es la mejor manera de abordar este mortal problema mortal. Shin Godzilla fue la película producida en Japón más taquillera de la franquicia hasta el estreno de Godzilla Minus One en 2023. Primera película de Godzilla realizada en Japón desde Godzilla: Final Wars (2004), de Ryuhei Kitamura. 

3. Godzilla contra los monstruos Aka Godzilla contra Mothra (Mosura tai Gojira, 1964),de Ishirô Honda 

En una playa de Japón unos pescadores descubren un huevo gigantesco. El huevo es vendido a Yamamura, un corrupto hombre de negocios que pretende incubarlo para convertir a la criatura contenida en él en la principal atracción de un parque temático de próxima inauguración. Yamamura no toma en serio a las dos diminutas gemelas protectoras de Mothra, las Aelinas, que lideran una iniciativa popular para que el huevo sea devuelto a su madre, que sólo accederá a enfrentarse con Godzilla cuando ésta amenace la integridad de su criatura. El segundo monstruo más popular de Toho Studios se enfrentó por primera vez a Godzilla en esta estimable entrega de la franquicia. A primera vista, la película trata sobre un lagarto gigante que lucha contra un un monstruo gigante (en Japón denominado kaiju) que se asemeja a una polilla, pero como tantas películas de Godzilla, los temas reales de la película son mucho más profundos. La codicia y el beneficio personal son lo que realmente amenaza a los personajes de esta película, que recaudó 217.000 dólares durante sus primeras tres semanas en los cines (serían 2,1 millones de dólares en la actualidad).

4. Godzilla (2014), de Gareth Edwards

Protagonizada por Bryan Cranston, ganador del Globo de Oro por Breaking Bad, que da vida a Joe Brody un científico que descubre que algo terrible está a punto de suceder cuando una serie de tsunamis comienzan a llegar a las costas, anticipando la llegada de numerosos monstruos de gran tamaño mientras el ejército intenta defenderse en vano. El mítico monstruo japonés vuelve a la gran pantalla en su versión más realista, un épico renacimiento de las emblemáticas películas de la productora japonesa Toho. En ella, el monstruo más famoso del mundo se enfrenta a malvadas criaturas que, animadas por la arrogancia científica de la humanidad, amenazan nuestra propia existencia. La película pretende reiniciar desde cero la franquicia fílmica de Godzilla, al recontar los orígenes del popular monstruo dentro de nuestros tiempos y presentarlo como una "aterradora fuerza de la naturaleza", fiel al estilo de películas elaboradas por Toho. Esta versión del monstruo icónico marcó el inicio de MonsterVerse y fue solo la segunda película de Godzilla producida íntegramente en un estudio de Hollywood; la primera fue la película de 1998. Aunque los ingresos de taquilla fueron inferiores a lo deseado, el reinicio fue bien recibido por la crítica y lanzó con éxito el universo compartido de Legendary Picture, que ha recaudado 1.900 millones de dólares en sus cinco películas y dos series.

5. Godzilla vs. Kong (2021), de Adam Wingard

Este nuevo y épico capítulo del Monsterverse cinematográfico enfrenta a dos de los mayores íconos de la historia del cine: el temible Godzilla y el poderoso King Kong, con la humanidad atrapada en medio. Godzilla y Kong, dos de las fuerzas más poderosas de un planeta habitado por todo tipo de aterradoras criaturas, se enfrentan en un espectacular combate que sacude los cimientos de la humanidad. Kong y sus protectores emprenderán un peligroso viaje para encontrar su verdadero hogar. Con ellos está Jia, una joven huérfana con la que el gigante tiene un vínculo único y poderoso. En el camino se cruzan inesperadamente con el de un Godzilla enfurecido que va causando destrucción a su paso por el mundo. El choque épico entre los dos titanes -provocado por fuerzas invisibles- es solo el comienzo del misterio que se esconde en las profundidades del núcleo de la Tierra. ¿Listo para hacer números? Godzilla vs. Kong es la película número 36 de la franquicia Godzilla. También es la duodécima película de King Kong y el cuarto largometraje de MonsterVerse de Legendary. La revancha enfrenta a estos dos kaiju 59 años después de su primer encuentro en King Kong contra Godzilla (Kingu Kongu tai Gojira) de 1962. Si eso no es suficiente matemática para usted, podemos agregar que la película es la cuarta que se produce íntegramente en un estudio de Hollywood, es una secuela directa de Godzilla: Rey de los monstruos (Godzilla: King of the Monsters) de 2019 y es la primera de las dos películas de Godzilla dirigidas por Adam Wingard, que regresa en 2024 con Godzilla y Kong: El nuevo imperio (Godzilla x Kong: The New Empire).

Hace 100 años: The Fighting Coward

El 30 de marzo de 1924 se estrenó la película estadounidense The Fighting Coward, dirigida por James Cruze con Ernest Torrence, Mary Astor, Noah Beery, Cullen Landis, Phyllis Haver, G. Raymond Nye, Richard Neill, Carmen Phillips, Bruce Covington, Helen Dunbar, Frank Jonasson. Productora:Paramount Pictures. Duración: 66 minutos. 

Sinopsis argumental: Tom Rumford nació en el sur, pero fue criado por parientes cuáqueros pacifistas en el norte y le enseñaron a no pelear. Cuando regresa al sur siendo un joven muchacho, los matones locales lo atormentan por su negativa a pelear, lo que culmina de avergonzar a su familia cuando se niega a pelear con el mayor Patterson por la prima de Tom, Elvira. Tom es tildado de cobarde por todos excepto por Lucy, la hermana de Elvira, que lo ama en secreto. Tim finalmente trama un plan que cree que dará como resultado que recupere los favores de su familia. 

Comentario: Adaptación de la obra Magnolia de Booth Tarkington, publicada en 1904. Copias de La película sobreviven en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, en George Eastman House, y el archivo Gosfilmofond de Moscú. Se realizó una nueva versión en 1929 titulada El río del romance, dirigida por Richard Wallace y protagonizada por Charles 'Buddy' Rogers y María Brian. 

Hace 100 años: El árbitro de la moda

El 30 de marzo de 1924 se estrenó la película estadounidense El árbitro de la elegancia, también conocida como El árbitro de la moda (Beau Brummel), dirigida por Harry Beaumont e interpretada por John Barrymore, Mary Astor, Willard Louis, Carmel Myers, Irene Rich, Alec B. Francis, William Humphrey, Richard Tucker, George Beranger, Clarissa Selwynne, John J. Richardson, Claire de Lorez, Michael Dark, Templar Saxe, James A. Marcus, Betty Brice, Roland Rushton, Carol Holloway. Productora: Warner Bros. Duración: 135 minutos. 

Sinopsis argumental: George Bryan Brummel, un oficial militar británico, ama a Lady Margery, la prometida de Lord Alvanley. A pesar de su amor desesperado por Brummel, se somete a la presión familiar y se casa con Lord Alvanley. Brummel, con el corazón roto, se embarca en una vida de juerga. Se hace amigo del Príncipe de Gales y abandona el ejército, convirtiéndose posteriormente en el libertino y determinante de la moda más conocido en Europa. A medida que sus asuntos prosperan, también crece su desdén por su benefactor, el Príncipe. Al final, Brummel cae en desgracia y sólo Lady Margery tiene alguna posibilidad de ayudarlo.

Comentario: Beau Brummel, un clásico de la pantalla, dirigida por Harry Beaumont, a partir de la obra teatral y datos históricos de Clyde Finch, está protagonizada por el legendario John Barrymore en una de sus películas más prestigiosas de la época del cine mudo. Mezclando realidad y ficción en la vida de George Bryan Brummell (1778-1840). La versión Turner Classic Movies presenta una nueva partitura grabada en sonido estereofónico.

Muerte de Laurent Achard, el director que sólo filmó seres frágiles

Laurent Achard en el Festival
de Cine de Locarno, 2011

Premio Jean-Vigo 2006 por Demented (El último de los locos), Laurent Achard fue
un cineasta de mesura y también de extremo. Su corazón dejó de latir el lunes 25 de marzo de 2024, con apenas 59 años.

Habría celebrado su 60 cumpleaños en abril: el lunes 25 de marzo, el corazón de Laurent Achard se detuvo. Un final abrupto para el hombre que parecía haber seguido siendo el joven director que había sido a principios de los años 1990. Pero también era, en un fotograma menos feliz, su carrera que seguía pareciéndose a la de un cineasta al comienzo de la década de 1990. su carrera, con sólo tres largometrajes en su haber y numerosos cortometrajes.

Sin embargo, la madurez no fue en absoluto ajena al autor de:

- Plus qu'hier, moins que demain (1998). Después de una sesión bastante larga, Sonia regresó inesperadamente con su familia con su bebé y su esposo. Decidida a contar una aburrida y nueva historia del pasado y conocer a su amiga de la familia, Sonia recibirá penas que todos prefieren morir.

- Demented (El último de los locos) (Le dernier des fous, 2006). Bajo el sol del verano y en medio de un paisaje bucólico, la granja de la familia de Martin está derrumbándose por dentro. La abuela domina a un padre sin presencia ni opinión ni mando, la madre vive encerrada noche y día en una habitación, el hermano mayor, bebe porque no puede escribir Martin está desatendido y sin amor y su único refugio son su gato y la asistenta. A sus once años, posee la ingenuidad de los dispuestos a cambiar el estado de las cosas, a mover a los suyos, a la fuerza si es preciso. Protagonizada por un niño de carne y hueso pero que parece de realidad virtual.

- Dernière séance (Last Screening) (2011). No hay pasión más peligrosa que la cinefilia. Si no, fíjense en Sylvain, un joven taquillero de una vieja sala de arte y ensayo a punto de cerrar, que dedica su tiempo libre a saldar sus deudas con las mujeres asesinando silenciosamente y a golpe de puñaladas. Pocas veces el plástico y colorista póster de Playtime de Tati ha parecido tan sombrío. El director Laurent Achard traslada los referentes cinéfilos al universo frío y aterrador de un asesino en serie. Una imagen medida, una estética marcadamente retro y un dominio rotundo de los tiempos aderezan esta cinta de celuloide ensangrentado.

Ella estaba incluso en el centro de sus películas impregnada de gravedad, si no a veces de desesperación, cortada en pedazos.

Películas de la semana: 27 de marzo

Godzilla y Kong: El nuevo imperio

Título original: Godzilla x Kong: The New Empire. Dirección: Adam Wingard. País: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 115 minutos. Género: Acción. Fantástico. Ciencia-ficción. Monstruos. Simios. Secuela. Interpretación: Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, Dan Stevens, Kaylee Hottle, Alex Ferns, Fala Chen, Rachel House, Ron Smyck, Chantelle Jamieson, Greg Hatton, Kevin Copeland, Tess Dobré, Tim Carroll, Anthony Brandon Wong. Guion: Terry Rossio, Simon Barrett, Jeremy Slater. Historia: Terry Rossio, Simon Barrett, Adam Wingard. Música: Junkie XL, Antonio Di Iorio. Fotografía: Ben Seresin. Productora: Legendary Pictures, Screen Queensland, Warner Bros.. Distribuidora: Warner Bros. Estreno en España: 27 de marzo de 2024. Sinopsis: Una aventura cinematográfica completamente nueva, que enfrentará al todopoderoso Kong y al temible Godzilla contra una colosal amenaza desconocida escondida dentro de nuestro mundo. La organización Monarc sigue monitorizando a los titanes expandidos por el territorio terrestre, como Godzilla, que se ha dormido en el Coliseo de Roma, y King Kong, que busca comida en su hábitat natural, en la Isla Calavera, aunque se le ha picado una muela, por lo que Trapper, veterinario de la institución, le somete a una intervención. La doctora Illene Andrews, alto cargo de Monarc, adoptó a Jia, la pequeña superviviente de la etnia Iwi, que puede comunicarse con el gigantesco gorila. Pero Andrews detecta una extraña comunicación que viene de la Tierra Hueca, mundo antediluviano del interior de nuestro planeta donde habitan los monstruos, así que organizará una expedición en busca de respuestas, en la que la acompañarán Trapper, Jia, el podcaster conspiranoico Bernie Hayes, y Mikael, piloto del vehículo volador que les transportará.

The Beast (La bestia)

Título original: La Bête (The Beast). Dirección: Bertrand Bonello. País: Francia. Año: 2023. Duración: 146 minutos. Género: Ciencia-ficción. Drama. Romance. Distopía. Interpretación: Léa Seydoux, George MacKay, Martin Scali, Elina Löwensohn, Dasha Nekrasova, Marta Hoskins, Julia Faure, Guslagie Malanda, Kester Lovelace, Felicien Pinot, Laurent Lacotte, Pierre-François Garel, Tiffany Hofstetter. Guion: Bertrand Bonello. Historia: Henry James (relato La bestia en la jungla). Música: Anna Bonello, Bertrand Bonello. Fotografía: Josée Deshaies. Productora: Coproducción Francia-Canadá; Les Films du Bélier, My New Picture, Sons of Manual, arte France Cinéma, Eurimages. Distribuidora: Youplanet, Caramel Films. Estreno en España: 27 de marzo de 2024. Sinopsis:En un futuro cercano en el que reina la inteligencia artificial (IA), las emociones humanas se han convertido en una amenaza. Para librarse de ellas, Gabrielle debe purificar su ADN regresando a sus vidas pasadas. Allí se reencuentra con Louis, su gran amor. Pero el miedo la invade y presiente que se avecina una catástrofe.

Puan

Dirección: María Alché, Benjamín Naishtat. País: Argentina. Año: 2023. Duración: 111 minutos. Género: Comedia. Drama. Enseñanza. Universidad. Interpretación: Marcelo Subiotto, Leonardo Sbaraglia, Julieta Zylberberg, Alejandra Flechner, Cristina Banegas, Andrea Frigerio, Mara Bestelli, Gaspar Offenhenden, Lali Espósito, Luis Ziembrowski, Camila Peralta, Claudia Cantero, Juan Luppi, Teresa Calandra, Liliana Juarez, Damián Dreizik, Zulema Galperín, Héctor Bidonde. Guion: María Alché, Benjamín Naishtat. Música: Santiago Dolan. Fotografía: Hélène Louvart. Productora: Coproducción Argentina-Italia-Brasil-Francia-Alemania; Pasto Cine, Pucara Cine, Bubbles Project, Infinity Hill, Kino Produzioni, Pandora Film, Atelier de Production. Distribuidora: La Aventura Audiovisual. Premios y nominaciones: Festival de San Sebastián: Mejor interpretación protagonista (Subiotto) y guion; Premios Goya (España): Nominada a mejor película iberoamericana; Premios Platino del Cine Iberoamericano: 5 nominaciones; Premios Forqué: Nominada a mejor película latinoamericana. Estreno en España: 27 de marzo de 2024. Sinopsis: Marcelo (Marcelo Subiotto), un hombre de unos 50 años, ha dedicado su vida a la enseñanza de Filosofía en la Facultad de Filosofía y Letras. Cuando su jefe de Cátedra, mentor y compañero de aventuras del pensamiento muere inesperadamente, Marcelo asume que heredará la titularidad de la Cátedra que ha quedado vacante. Lo que no imagina es que Rafael Sujarchuk (Leonardo Sbaraglia), un brillante y seductor colega, regresará desde Alemania para disputar el puesto vacante. Comienza entonces una batalla sin cuartel entre dos profesores extremadamente opuestos en sus estilos y pedagogías.

Milli Vanilli: Girl You Know It's True

Título original: Girl You Know It's True. Dirección: Simon Verhoeven. País: Alemania. Año: 2023. Duración: 124 minutos. Género: Drama. Basado en hechos reales. Música. Años 1980. Interpretación: Tijan Njie, Elan Ben Ali, Matthias Schweighöfer, Bella Dayne, Graham Rogers, Natasha Loring, Mitsou Jung, Lara Mandoki, Tijan Marei, Darlene Tejeiro, Joshua Kantara, James Flynn. Guión: Simon Verhoeven. Producción: Simon Verhoeven. Música: Segun Akinola. Fotografía: Jo Heim. Productora: Wiedemann & Berg Filmproduktion, Leonine, Seven Pictures, Mediawan, Sentana Filmproduktion. Distribuidora: Youplanet. Estreno en España: 27 de marzo de 2024. Sinopsis:  Milli Vanilli, el dúo formado por el alemán Rob Pilatus y el francés Fab Morvan, se convirtió en un fenómeno musical a finales de los años 1980 y principios de los años 1990. Con canciones enormemente populares, arrasaron en las listas de éxitos de todo el mundo. Fab y Rob parecían tener una gran carrera por delante, hasta que la verdad fue revelada: no eran ellos quienes cantaban sus canciones. Lo que siguió fue uno de los mayores escándalos en la historia de la música. Su ascenso meteórico a la fama acabó siendo eclipsado por su devastadora caída.

Las cosas sencillas

Título original: Les choses simples. Dirección: Eric Besnard. País: Francia. Año: 2023. Duración: 95 minutos. Género: Drama. Comedia. Comedia dramática. Interpretación: Lambert Wilson, Grégory Gadebois, Marie Gillain, Betty Pierucci Berthoud, Magali Bonat, Antoine Gouy, Déborah Lamy, Pascal Gimenez. Guion: Eric Besnard. Música: Christophe Julien. Fotografía: Jean-Marie Dreujou. Productora: Cine Nomine, Same Player, SND Groupe M6, France 3 Cinéma, Auvergne Rhône-Alpes Cinéma. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 27 de marzo de 2024. Sinopsis: Cuando sufre una avería en su coche deportivo en medio de una carretera de montaña, al exitoso empresario Vincent le auxilia Pierre, lacónico individuo que vive medio recluido en medio de la naturaleza con su perro. Aunque el recién llegado tiene prisa por llamar a un mecánico, su anfitrión le hace saborear una deliciosa tortilla de patata, y le indica que echará un vistazo él mismo a su automóvil, pero tomándose la tarea con tranquilidad, o sea que hasta después de la siesta no se pondrá en marcha…

Hate to Love: Nickelback

Dirección: Leigh Brooks. País: Canadá. Año: 2023. Duración: 101 minutos. Género: Documental. Documental sobre música. Reparto: Documental. Intervenciones: Chad Kroeger, Mike Kroeger, Ryan Peake, Daniel Adair. Fotografía: Richard Lynch. Productora: Gimme Sugar Productions, Nickel Plated Films, Submarine Deluxe. Estreno en España: 27 de marzo de 2024. Sinopsis: Documental sobre uno de los grupos de rock canadienses de mayor éxito. Cuenta la verdadera historia de Nickelback desde sus humildes comienzos en Alberta, hasta el explosivo éxito mundial de 'How You Remind Me' en 2001 y los éxitos que batieron récords después y que continúan hasta hoy. Pero la fama de estrella del rock vino acompañada de una oleada de negatividad en Internet a la que muchos otros artistas se han enfrentado desde entonces. En este documental la banda habla de la concepción de Nickelback y de su increíble ascenso a la cima en la década de 2000. Revelan el impacto personal del vitriolo en Internet, la lealtad de sus fans y su decisión de volver tras un descanso de 5 años con un nuevo disco y una gira de gran éxito, encontrándose con una repentina ola de amor en Internet que ha presentado su música a un ejército de nuevos fans.

Un rey supermono

Título original: Shimmy: The First Monkey King. Dirección: Dick Zondag, Ralph Zondag. País: Estados Unidos. Año: 2023. Duración: 101 minutos. Género: Animación. Comedia. Infantil. Animales. Familiar. Reparto: Animación. Guion: Dick Zondag, Ralph Zondag. Música: James Everingham. Fotografía: Animación. Productora: Coproducción Estados Unidos-China; Eastern International Pictures Group, Europe-China Pictures Group, Magik Pictures, Stone Monkey Productions. Distribuidora: Media Solutions Partners. Estreno en España: 27 de marzo de 2024. Sinopsis: Shimmy, un mono que acaba de descubrir sus poderes de superhéroe, aprende a controlar sus extraordinarias habilidades transformadoras y a impedir que poderosas fuerzas demoníacas sumen al universo en el caos. Un rey Supermono está basada en una de las leyendas más ancestrales, basada en el libro Viaje al Oeste de Wu Cheng'en, concretamente en el personaje que aparece en la novela, el Rey Mono. Esta novela ha inspirado varias obras audiovisuales, anterior a esta película están: Dragon Ball o El reino perdido. Varios videojuegos y mangas se han inspirado también en la novela.

Se reestrena en cines “Dersu Uzala”: la película por la que Akira Kurosawa pasó por todos los colores

Con esta película rodada a principios de los años 1970 en territorio soviético, el cineasta japonés encontró una nueva vida al contar una amistad poética, lejos de las historias de samuráis y gánsteres que le habían hecho famoso.

A finales de los años 1960, Akira Kurosawa se encontraba en un callejón sin salida. Su primer proyecto para el cine americano, un segmento de la película de guerra  Tora! ¡Tora! ¡Tora!, no se materializó. En 1970, su primera película en color, Dodes'kaden (Dodesukaden), fracasó estrepitosamente en taquilla. La industria japonesa le dio la espalda, creyendo que nunca más podría dirigir un largometraje. El cineasta más reconocido por sus pares, Sergio Leone a la cabeza, ha pasado de moda.

Maksim Munzuk en Dersu Uzala (1975)

Después de un intento de suicidio en 1971, Akira Kurosawa fue contactado por el estudio soviético Mosfilm, detrás de las obras maestras de Sergei Eisenstein, para realizar una película en la URSS, Dersu Urzala (1975). El guion está basado en las memorias escritas en 1923 por el explorador Vladímir Arséniev (1872-1930)​ sobre Dersú Uzalá, un hombre de la etnia hezhen que acompañó a sus hombres durante varias expediciones por la región siberiana de Sijoté-Alín. De este modo la trama se centra en un nativo que vive cómodamente en los bosques llevando un estilo de vida que, de manera inevitable, será destruido por el avance de la civilización.​ Otros ejes centrales son el respeto y la amistad que surge entre dos personas de diferentes etnias o la pérdida de fuerzas y habilidades con el paso de los años. 

El rodaje se realizó casi en su totalidad en la taiga siberiana convirtiéndose en la primera película dirigida por Kurosawa rodada fuera de Japón. También es la única rodada en formato de 70 mm. La película obtuvo varios premios​ entre los que destacan el David de Donatello de la academia italiana de cine (1977), el premio a mejor película en el Festival de Cine de Moscú (1975) y el Oscar a mejor película extranjera (1976).

“Los delincuentes”, de Rodrigo Moreno: una “película de atracos” en forma de oda a la libertad

En Argentina, un empleado de banco roba una gran suma y huye. Más allá de la crítica tragicómica a un sistema alienante, una invitación a la dulzura de la vida.

Un traje azul coronado con un bigote gris, Del Toro increpa a sus subordinados: "¿Saben cuánto tiempo he trabajado aquí? ¡Cincuenta y cinco años!" El humor, por supuesto, surge del hecho de que debe tener unos sesenta años y que nadie se convierte en banquero con pantalones cortos. "Esa es una forma de decirlo", dice el jefe. Por… toda una vida dedicada a esto." Toda una vida en el banco, en esta decoración marrón eterna, con el falso techo como horizonte, este es el destino del que acaba de escapar Morán (Daniel Elías) robando 650.000 dólares ante las narices de sus compañeros - de ahí el la ira del jefe. ¿Estaba el poco delicado tesorero de la agencia considerando su crimen?

Lo más significativo de la historia es que presenta a unos personajes muy naturales, normales, que viven una situación secreta en medio de las vicisitudes de su vida. Sin embargo, Moreno no logra que lo que nos cuenta resulte atractivo, debido sobre todo a los numerosos pasajes donde sobran muchos minutos. El director se recrea en momentos anodinos, que no hacen avanzar la narración, sino que la ralentizan, de manera que el núcleo del argumento acaba casi diluyéndose en imágenes intrascendentes.

La película, que da protagonismo a lo inesperado, que abarca un romance de digresiones y divagaciones

Aunque tiene sus originalidades, Los delincuentes es una propuesta que exige, sobre todo, paciencia por su narración algo lenta de más de tres horas, de las que, como ya se ha insinuado, sobra la mitad del metraje por lo menos. De fondo, ofrece una crítica al modelo de sociedad que vivimos, con trabajos rutinarios, alienantes, sin interés. Se aboga así por vidas más sencillas en donde el problema económico estaría resuelto. Por lo demás, hacia el final la historia se vuelve algo confusa y resultan curiosas ciertas decisiones del relato, en donde se producen sorprendentes coincidencias casi de realismo mágico, en la cárcel o en una improbable relación amorosa a dos bandas, con tres nombres que tienen las mismas letras (Morán, Román y Norma). Curioso y un tanto surrealista. Entre el reparto destaca Esteban Bigliardi, actor fetiche del director y a quien hemos visto entre los viajeros de La sociedad de la nieve. Funciona su interpretación de tipo lento, pasmado, aburrido. También convence Daniel Elías como el autor del latrocinio bancario.

Mujeres de cine: Gloria Swanson

El 27 de marzo de 1899 nació en Chicago, la actriz y productora estadounidense, Gloria Swamson (su nombre completo era Gloria May Josephine Svensson), nominada en tres ocasiones a los Oscar y ganadora de un Globo de Oro. 

En la década de 1920 brilló como una de las principales estrellas del cine mudo, colaborando con figuras como Rodolfo Valentino, Cecil B. DeMille y Erich Von Stroheim, y fue una de las actrices más glamurosas y polémicas por sus extravagantes lujos y agitada vida amorosa; a lo largo de su vida sumó seis matrimonios y varios romances muy comentados por la prensa. 

En pocos años rodó más de veinte películas y en 1929 fue nominada en la primera edición de los premios Oscar por La frágil voluntad (Sadie Thompson, 1928), de Raoul Walsh.  

En su etapa de apogeo con la compañía Paramount gozó de un salario anual de un millón de dólares, suma colosal para la época; pero la irrupción del cine sonoro la llevó a perder súbitamente el favor del público, como le ocurrió a casi todas las estrellas cinematográficas del momento. 

Se retiró del cine a los 35 años de edad, aunque siguió trabajando en radio y televisión, y a edad madura reapareció triunfalmente en la gran pantalla con El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard, 1950) de Billy Wilder.

En 1974 intervino en la película del género catástrofe Aeropuerto 75 (Airport 1975), de Jack Smight, interpretando el papel de una pasajera con su mismo nombre. Y en la película televisiva Abejas asesinas (Killer Bees), de Curtis Harrington.

Swanson murió, en Nueva York víctima de un ataque al corazón a los 84 años de edad, el 4 de abril de 1983.

De “El club de los poetas muertos” a “El show de Truman”, Peter Weir cuenta su historia en diez películas emblemáticas (III)

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7. Único testigo (Witness, 1985) 

En su primer viaje a Philadelphia, el pequeño Samuel Lap (Lukas Haas), un niño de una comunidad amish, presencia por casualidad el brutal asesinato de un hombre. John Book (Harrison Ford) es el policía encargado de proteger al chico y a su madre Rachel de quienes quieren eliminar a Samuel, unico testigo del homicidio. 

La primera versión del libreto se centraba más en el personaje de Rachel, que interpretó Kelly McGillis un año antes de su mayor éxito internacional, "Top Gun". Pero tras una revisión con los tres guionistas, Weir decidió que el tema central fuera la comparación entre la violencia y el pacifismo, vista a través de los ojos del policía que encarna Harrison Ford. Magnífica interpretación del trío protagonista, con mención especial para el niño, Lukas Haas, que se reveló con este filme y que luego ha seguido una fructífera carrera en Hollywood. La película fue candidato a 8 premios Óscar, de los que ganó dos, y diez premios internacionales más.

8. El año que vivimos peligrosamente (The Year of Living Dangerously, 1982)

Yakarta, año 1965. Al inexperto reportero australiano Guy Hamilton (Mel Gibson) se le presenta la oportunidad de su vida cuando lo mandan como enviado especial a Indonesia. En el turbulento escenario de la insurrección comunista contra el presidente Sukarno, conoce a Billy Kwan (Linda Hunt), un enigmático fotógrafo, y a Jill Bryant (Sigourney Weaver), una atractiva mujer que trabaja en la embajada inglesa.

Gran éxito de crítica y público recibió este drama periodístico, en tiempos de conflicto y con 'affair' de fondo. La historia funcionó muy bien en pantalla, gracias en parte a que estaba protagonizada por dos actores en alza: Mel Gibson y Sigourney Weaver, los cuales vivían sus aventuras en lugares alejados de la civilización occidental. El australiano Peter Weir dirigió con mucho oficio la función y la pequeña Linda Hunt ganó un Oscar a la mejor actriz secundaria por su sorprendente interpretación del fotógrafo Billy.

9. Gallipoli (1981)

Primera Guerra Mundial, 1915. Reza la leyenda de la película: "De un lugar del que nunca has oído hablar llega una historia que nunca olvidarás". Dos amigos australianos, ambos atletas, deciden alistarse para ir a la guerra y les toca luchar contra los turcos en la batalla de Gallipoli.

Alrededor de la batalla de Gallipoli, Peter Weir entrega un sólido alegato antibelicista, aprovechando de modo maestro las notas del ‘adagio’ de Albinoni. La película lanzó a la palestra a un jovencito Mel Gibson. Quién no recuerda el diálogo: "-¿Qué son tus piernas? -Muelles de acero. -¿Cómo vas a correr? -Como un leopardo".

10. El club de los poetas muertos (Dead Poets Society, 1989)

En un elitista y estricto colegio privado de Nueva Inglaterra, un grupo de alumnos descubrirá la poesía, el significado del "carpe diem" -aprovechar el momento- y la importancia vital de luchar por alcanzar los sueños, gracias al Sr. Keating, un excéntrico profesor que despierta sus mentes por medio de métodos poco convencionales.

Existen pocas películas que hayan conseguido llegar hasta el público tanto como esta impresionante y profunda creación dirigida por el australiano Peter Weir. Película magníficamente rodada, que cuenta con un guión (Tom Schulman) realmente sobresaliente, que fue premiado con un Oscar. Robin Williams logró uno de los mejores papeles de su carrera y algunos de los alumnos se convirtieron en estrellas consagradas. La música de Maurice Jarre no tiene desperdicio. Una película sobre la educación, distinta, arriesgada e impresionante.

Cuatro clásicas del baloncesto (y tres que quizás se haya perdido) (V)

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Y tres que quizás Vd. se haya perdido:

5. Superación: La historia de la familia Antetokounmpo (Rise, 2002), de Akin Omotoso

La historia de los Antetokounmpo es única. Después de emigrar a Grecia desde Nigeria, Vera y Charles Antetokounmpo lucharon por sobrevivir y mantener a sus cinco hijos mientras vivían pendientes a diario de una posible deportación. Su hijo mayor se había quedado en Nigeria con otros familiares, así que la pareja luchaba desesperadamente por obtener la ciudadanía griega, pero sus intentos acababan en fracaso por las complejidades de la burocracia. Cuando no estaban vendiendo productos a los turistas por las calles de Atenas con el resto de la familia, los hermanos se escapaban para jugar al baloncesto con un equipo juvenil local. Aunque llegaron a este deporte relativamente tarde, descubrieron sus extraordinarias aptitudes en la cancha de baloncesto y trabajaron duro para convertirse en atletas de primera clase. Con la ayuda de un agente, Giannis entró en el Draft de la NBA en 2013 en una apuesta arriesgada que iba a cambiar no solo su vida, sino la vida de toda su familia. Y la pasada temporada, Giannis y Thanasis ayudaron a los Milwaukee Bucks a conseguir su primer anillo del campeonato en 50 años, al mismo tiempo que Kostas jugaba para el campeón de años anteriores, Los Ángeles Lakers.

Basada en la historia real de tres jóvenes hermanos nigeriano-griegos, Giannis, Thanasis y Kostas Antetokounmpo, que emigran a los Estados Unidos y alcanzan la fama y el éxito dentro de la Asociación Nacional de Baloncesto. La película está protagonizada por los recién llegados Uche Agada, Ral Agada y Jaden Osimuwa en los tres papeles principales; con Elijah Shomanke, Yetide Badaki y Dayo Okeniyi en roles familiares secundarios.

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3. El visitante (The Plumber) (The Plumber AKA The Mac Plumber, 1979)

Jill, la esposa de doctor Brian Cowper, está en casa trabajando en la tesis que le permitirá licenciarse en Antropología. Inesperadamente, recibe la visita de Max, el fontanero que se encarga de las labores de mantenimiento del sistema de tuberías de la casa. A Jill el comportamiento de Max le resulta algo extraño, pero a su marido y a sus amigos les parece completamente normal. Una reparación en el cuarto de baño obliga a Jill y a Max a estar solos en la casa demasiado tiempo. 

Título televisivo ejemplar de cómo con pocos medios y una situación de arranque sencilla, se puede hacer una película interesante. A lo que podría ser una trama de terror y suspense más o menos convencional, el australiano Peter Weir suma buenas dosis de ironía, En efecto, Jill es antropóloga, y se muestra algo condescendiente con Max, cuyas circunstancias sociales se cree muy capaz de entender. Pero acabarán asomando sus prejuicios e instintos más primitivos. Hay sitio incluso para el humor, en la escena en que, en una cena con invitados, uno debe usar el cuarto de baño, hecho un desastre por la maña de Max.

4. Picnic en Hanging Rock (Picnic at Hanging Rock, 1975)

La acción transcurre en 1900 en Australia Meridional. Un grupo de alumnas de un colegio victoriano va a hacer una excursión el día de San Valentín a un lugar llamado Hanging Rock, una formación rocosa de origen volcánica. Tras el pícnic, un pequeño grupo de alumnas junto con una profesora deciden investigar las zonas más recónditas del lugar, pero solo una de ellas volverá a ser vista, aunque no recordará nada. 

Está basada en la novela homónimade Joan Lindsay, publicada en 1967. La trama implica la desaparición de varias colegialas y su maestra durante un pícnic en Hang Rock, Victoria, el día de San Valentín de 1900, y el consiguiente efecto en la comunidad local. Picnic At Hanging Rock fue un éxito comercial y de crítica, y ayudó a atraer la atención internacional hacia la entonces emergente Nueva Ola Australiana.

5. Master and Commander: Al otro lado del mundo (Master and Commander: The Far Side of the World, 2003)

Aubrey, capitán del Surprise, tiene órdenes de capturar el Acheron, buque insignia de la Armada Francesa; su determinación para cumplir la misión, recuerdan a la obsesión del capitán Achab por Moby Dick, aunque Aubrey revela una humanidad superior. Contrapunto a su empeño militar lo ofrece el médico de a bordo, Stephen Maturin. Buen amigo de Aubrey, la razón de que esté en el barco no estriba en su sentido marcial. Cumple un papel y está dispuesto a luchar, pero su deseo es recabar en las Islas Galápagos para estudiar la naturaleza virgen y hacer avanzar la ciencia. 

Sotavento. Foque, trinquete, bauprés. Más de un amante de los libros de aventuras, se ha sentido perdido entre términos náuticos incomprensibles, al leer novelas que transcurren en el mar. Para los que son de tierra adentro, el inicio de Master and Commander puede producir temblores. Pero la sensación dura poco. La descripción de la vida a bordo del Surprise, espléndida nave de Su Majestad Británica que surca los mares en 1805 durante las guerras napoleónicas, es un paso necesario. Gracias a él nos hacemos idea de las penalidades y hermosura de la navegación. Y estamos listos para conocer a los personajes y su misión, inspirados en la décima novela de Patrick O'Brian sobre el capitán Jack Aubrey “el afortunado”, aunque con elementos de las otras.

6. El show de Truman (The Truman Show, 1998)

Truman Burbank es un hombre corriente y algo ingenuo que ha vivido toda su vida en uno de esos pueblos donde nunca pasa nada. Sin embargo, de repente, unos extraños sucesos le hacen sospechar que algo anormal está ocurriendo. Todos sus amigos son actores, toda su ciudad es un plató, toda su vida está siendo filmada y emitida como el reality más ambicioso de la historia.

El show de Truman se originó a partir de un guion de Niccol inspirado en un episodio de The Twilight Zone titulado «Special Service». A diferencia de la película terminada, se trataba de un película de suspenso de ciencia ficción ambientado en la ciudad de Nueva York. Scott Rudin compró el guion para producirlo con Paramount Pictures como distribuidora. La cinta iba a ser dirigida por Brian De Palma, pero finalmente Weir fue contratado como director; realizando el filme con sesenta millones de dólares, veinte millones menos de lo que se estimó en un principio. Niccol reescribió el guion mientras que la producción esperaba que Carrey se uniera al proyecto.

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