jueves, 25 de febrero de 2021

Películas de la semana: 26 de febrero (II)

Pequeños detalles 

Título originalThe Little ThingsDirección: John Lee Hancock. PaísEstados Unidos Año: 2021. Duración: 127 minutos. Género: Thriller. Policíaco. Interpretación: Denzel Washington, Rami Malek, Jared Leto, Sofia Vassilieva, Natalie Morales, Terry Kinney, Michael Hyatt, Kerry O'Malley, Sheila Houlahan, Joris Jarsky, Dimiter D. Marinov, Jason James Richter, Isabel Arraiza, Stephanie Erb, Samantha Cormier, Tom Hughes, Chris Bauer, John Kim, Patricia Mizen. Guion: John Lee Hancock. Música: Thomas Newman. Fotografía: John Schwartzman. ProductoraWarner Bros. Distribuidora: Warner Bros. Estreno en España: 26 de febrero de 2021. SinopsisLa película, escrita por Hancock, se centra en Deke (Washington), un sheriff adjunto del condado de Kern, California, que se une a Baxter (Malek), un detective de LASD, para atrapar a un asesino en serie. La nariz de Deke para las "pequeñas cosas" resulta inquietantemente precisa, pero su disposición a eludir las reglas envuelve a Baxter en un dilema que destroza el alma. Mientras tanto, Deke debe luchar con un oscuro secreto de su pasado. Esta obra está dirigida por John Lee Hancock, a quien también nos encontramos en el apartado de guion, y por lo que hemos visto en la sinopsis, cuenta con varias estrellas de renombre en el elenco principal. Entre ellas podemos encontrar a Denzel Washington, actor muy conocido que ha protagonizado películas como Raíces, El vuelo o The Equalizer, entre muchas otras. Vemos también a otra estrella más actual como es Rami Malek, quien ganó el Oscar hace un año por su interpretación en Bohemian Rhapsod' y a Jared Leto, un artista también reconocido mundialmente. Se trata de un thriller de carácter policial que buscará que nos enganchemos con su trama. Una producción de Warner Bros que actualmente se encuentra en estado de postproducción y que, aunque de momento no hemos podido ver tráiler o imágenes oficiales, se espera que se estrene para principios del próximo año.

Dating Amber

Dirección: David Freyne. País: Irlanda. Año: 2020. Duración: 92 minutos. Género: Drama. Comedia. Amistad. Homosexualidad. Años 1980. Interpretación: Fionn O'Shea, Lola Petticrew, Sharon Horgan, Barry Ward, Simone Kirby, Evan O'Connor, Ian O'Reilly, Emma Willis, Anastasia Blake, Lauryn Canny, Shaun Dunne, Adam Carolan, Peter Campion, Ally Ni Chiarain, Tara Flynn, Arian Nik, Andrew Bennett, Karl Rice, Shauna Higgins, Dillon Potter Stapleton, Hannah O'Reilly. Guion: David Freyne. Fotografía: Ruairi O'Brien. Productora: Atomic 80/Tilted Pictures. Distribuidora: Amazon Prime Video. Estreno en España: 26 de febrero de 2021. Sinopsis: Ambientada en Irlanda en los años 90, un chico y una chica aparentan ser pareja para acallar los rumores sobre su orientación sexual que circulan por el instituto. Estos dos adolescentes que viven en una población que no les acepta como son y solo sueñan con escapar de allí para empezar a ser ellos mismos. Eddie está ansioso por entrar en el ejército como su padre y Amber quiere mudarse al centro liberal de Londres.

El diablo entre las piernas

Dirección: Arturo Ripstein. País: México. Año: 2019. Duración: 147 minutos. Género: Drama. Vejez. Madurez. Celos. Blanco y negro. Interpretación: Silvia Pasquel, Alejandro Suárez, Greta Cervantes, Daniel Giménez Cacho, Erando González, Patricia Reyes Spíndola, Mar Carrera, Roberto Fiesco. Guion: Paz Alicia Garciadiego. Música: David Mansfield. Fotografía: Alejandro Cantú. Productora: Alebrije Cine y Video/Oberon Films. Premios y nominaciones:  Festival de Málaga: Mejor dirección. Estreno en España: 26 de febrero de 2021. Sinopsis: Todos los días Beatriz es víctima de insultos, vejaciones y humillaciones por parte de su celoso esposo, pero no huye de su lado porque han creado una codependencia y, al menos ella, no concebiría su vida de otra manera. La mujer, a fuerza de sentirse vejada, se siente deseada y sobre todo deseable. Quiere comprobarlo. Por ello una noche sale de casa sin rumbo alguno con un solo propósito: sexo. Su regreso a casa desata la hecatombe.

Del inconveniente de haber nacido

Título original: The Trouble with Being Born. Dirección: Sandra Wollner. País: Austria. Año: 2020. Duración: 94 minutos. Género: Ciencia-ficción. Drama. Robots. Interpretación: Jana McKinnon, Ingrid Burkhard, Dominik Warta, Lena Watson, Susanne Gschwendtner. Guion: Sandra Wollner, Roderick Warich. Música: David Schweighart, Peter Kutin. Fotografía: Timm Kröger. Productora: Co-production Austria-Alemania; Panama Film. Estreno en España: 26 de febrero de 2021. Sinopsis: Elli es una androide y vive con un hombre al que llama padre. Es capaz de rememorar vacaciones y cualquier otra cosa que él programe para que ella recuerde. Durante el día se dejan llevar por el verano y por la noche él la lleva a la cama. Diseñada para asemejarse a uno de sus recuerdos, realmente parece estar viva, a veces incluso parece soñar, y sin embargo no deja de ser un robot, un contenedor para unos recuerdos que lo son todo para él y nada para ella. Esta es la historia de una máquina y de los fantasmas que todos llevamos en nuestro interior.

Los libreros de Nueva York

Título original: The Booksellers. Dirección: D.W. Young. País: Estados Unidos. Año: 2019. Duración: 99 minutos. Género: Documental. Literatura. Reparto: Documental, (intervenciones de: Fran Lebowitz, Rebecca Romney, Susan Orlean, Gay Talese, Nancy Bass Wyden, Nicholas D. Lowry, Zack Hample, Rob Warren Thomas, Stephen Massey, Saúl Roll, John Wronoski, Ed Maggs, William Reese, Naomi Hample, Erik DuRon, Dennis M. David, Syreeta Gates, Jess Kuronen, Michael Zinman, Sunday Steinkirchner, Henry Wessells, Jay Walker, Tom Lecky, James Cummins, Justin Schiller, Judith Lowry, William Noel, Arthur Fournier, Bibi Mohamed, Ben Lowry, Caroline Schimmel, Susan Benne, Lizzy Young, Adam Weinberger, Cara Schlesinger, Glenn Horowitz, Justin Croft, Regan Kladstrup, Heather O'Donnell, David Bergman, Jim Cummins, Chris Wolfe, Terry Halladay, Adina Cohen). Música: David Ullmann. Fotografía: Peter Bolte. Productora: Blackletter Films. Sinopsis: Un vistazo a los pormenores del extraño mundo neoyorkino del libro.

¿Dónde está Mikel?

Título original: Non Dago Mikel? Dirección: Miguel Angel Llamas, Amaia Merino. País: España. Año: 2020. Duración: 80 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental. Guion: Miguel Angel Llamas, Amaia Merino. Música: Gorka Pastor. Productora: IZAR Films. Distribuidora: Atera Fulms.  Estreno en España: 26 de febrero de 2021. Sinopsis: Noviembre de 1985. Mikel Zabalza, un joven conductor de autobús, es detenido junto a otras personas por la Guardia Civil en el marco de una operación antiterrorista. Cuando el resto de los jóvenes son liberados, denuncian haber sido salvajemente torturados. Pero falta Mikel. Las autoridades alegan que se ha fugado y mientras las esperanzas de encontrarlo vivo se van desvaneciendo, las calles del País Vasco arden con un grito: "¿Dónde está Mikel?" .La película, que cuenta con la participación de EITB, muestra testimonios del entorno de Zabalza y gente cercana al caso, y el jurado del Festival de San Sebastián destacó “la labor realizada para recoger a través de imágenes de archivo temibles y repetidas vulneraciones de derechos humanos”.

El caracol y la ballena

Título original: The Snail and the Whale. Dirección: Max Lang, Daniel Snaddon. País: Reino Unido. Año: 2019. Duración: 26 minutos. Reparto: Animación. Género: Animación. Aventuras. Cortometraje. Animales. Guion: Max Lang, Suzanne Lang (Libro: Julia Donaldson, Axel Scheffler). Música: René Aubry. Fotografía: Animación. Productora: Magic Light Pictures/ZDF. Estreno en España: 26 de febrero de 2021. Sinopsis: Con espíritu inquieto y ganas de descubrir mundo, un pequeño caracol se embarca en un viaje, a la cola de una ballena jorobada, a través de los mares. Pero un día, la ballena pierde el rumbo y termina varada en una bahía aislada. ¿Cómo hará el pequeño caracol para rescatarla? La historia de una amistad improbable que recorre los lugares más sorprendentes y mágicos del mundo submarino. De los productores de películas como El Grúfalo y La rata pirata, llega esta nueva aventura acompañada de tres cortometrajes tocados por el poder del mar.

Películas de la semana: 26 de febrero (I)

Millennium Actress 

Título original: Sennen Joyû.  Dirección: Satoshi Kon. País: Japón. Año: 2001. Duración: 87 minutos. Género: Animación. Fantástico. Romance. Drama. Melodrama. Cine dentro del cine. Animación para adultos. Película de culto. Reparto: Animación. Guion: Satoshi Kon, Sadayuki Murai. Música: Susumu Hirasawa. Fotografía: Animación, Hisao Shirai. Productora: Bandai Visual/Chiyoko Commitee/Madhouse/Works WoWow/Genco. Reestreno en España: 26 de febrero de 2021 (remasterizada en calidad 4K). Sinopsis: Hace treinta años, Chiyoko Fujiwara fue la estrella más importante del cine japonés, pero, de repente, desapareció. Uno de sus mayores admiradores, el realizador de documentales Genya Tachibana, viaja hasta el apartado refugio de montaña en el que vive para entrevistarla. Una vez allí, entrega a su ídolo de juventud una vieja llave que encontró entre los restos de su antiguo estudio. Como si la llave hubiera abierto las puertas de su memoria, Chiyoko comienza a recordar la historia de su vida. De esta forma, viaja desde el remoto pasado hasta el distante futuro a través de mil años, traspasando la frontera que separa la realidad de las películas que han formado gran parte de su vida...

El cine del siglo XXI, veinte años ya: De "Boys Don't Cry" a "Little Girl", el cine ha cambiado de género (V)

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21.- Lovely Man (2011), de Teddy Soeriaatmadja
La película tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Busan 2011 con críticas positivas en la sección "A Window on Asian Cinema". Donny Damara interpreta el papel protagónico de Syaiful / Ipuy, una mujer transgénero en Yakarta. La actriz Raihaanun interpreta el papel protagonista femenino como Cahaya, la hija de 19 años perdida de Syaiful que viene a la ciudad a buscarlo y descubre que su padre es una mujer transgénero.
22.- Carla (2011), de Eli Hershko
Carla es una mujer trans que sufre la oposición de su familia cuando termina su transición. Al mismo tiempo, se enamora de Sam, un hombre que parece amarla por lo que es. Sin embargo, cuando Carla finalmente obtiene los medios para completar su transición, Sam comienza a cuestionar su relación. Ahora, Carla debe elegir entre ser ella misma y vivir una mentira por el hombre que ama.
23.- Mía (2011), de Javier Van De Couter
Esta película resulta el debut en largometrajes de su director: Javier Van de Couter. Eso no le ha impedido conseguir varios premios internacionales, especialmente en los centrados en el mundo LGBT, como el Puerto Rico Queer Film Festival o el festival Chéries Chéris, en París. Aún partiendo de un guión original, este largometraje no era la idea original de Van de Couter, que pretendía hacer un documental. Su intención primera era relatar la historia de un asentamiento real de transexuales que existía en Argentina en los años 1990, llamado La aldea rosa. Pero al haber sido desalojados sus habitantes, no pudo llevar a cabo el proyecto como tal, decantándose por una ficción construida a partir de una historia que le relató un religioso.
24.- Tomboy (2011), de Céline Sciamma
Segundo largometraje de la realizadora francesa Céline Sciamma. Si en su cinta debut, Naissance des pieuvres, la cineasta hablaba sobre la adolescencia con una atracción lésbica como eje central, en Tomboy Sciamma aborda la indefinición de género durante el paso de la infancia a la edad adulta, así como también denuncia los arquetipos sociales estipulados. El resultado final es una película delicada y conmovedora, que huye del morbo y del dramatismo, y que incluso se ve impregnada algunas de sus escenas con ciertos toques de humor. La cinta está protagonizada por la brillante Zoé Héran, en el que es su estreno en la gran pantalla. La acompañan las también jóvenes debutantes Malonn Lévana y Jeanne Disson. Entre el elenco adulto, destaca la presencia de Sophie Cattani y Mathieu Demy como los padres de la pequeña.
25.- Romeos (2011), de Sabine Bernardi
Lukas es un veinteañero transgénero. Entusiasta con la vida que le aguarda en la gran ciudad, se encuentra con un problema: es seleccionado para un servicio comunitario y será el único hombre de una residencia de mujeres. Lo que sería un sueño para cualquier chico es un problema que le provoca mucha ansiedad. Afortunadamente, su mejor amiga Ine le ayuda introduciéndole en la escena homosexual de Colonia. Lukas vive su primer ligue con el atrevido y atractivo Fabio, que representa todo lo que él anhela: confianza en uno mismo y masculinidad. Lukas, cuyos atributos de mujer siguen sin haber sido alterados, se verá ante el dilema de compartir sus deseos con Fabio.
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miércoles, 24 de febrero de 2021

Efemérides de cine: Juventud sin esperanza

El 24 de febrero de 1971 se estrenó la película estadounidense Juventud sin esperanza (Taking Off), dirigida por Milos Forman e interpretada por Lynn Carlin, Buck Henry, Georgia Engel, Tony Harvey, Audra Lindley, Paul Benedict, Vincent Schiavelli, David Gittler, Ike Turner, Tina Turner, Linnea Heacock, Rae Allen. Productora: Forman Production/Crown-Hausman/Renn Productions. Duración: 93 minutos.
Sinopsis argumental: Incapaz de relacionarse con su padre Jeannie Tyne se escapa de casa. Sus padres, Larry y Lyne, crean un dispositivo de búsqueda para encontrar a su hija. En el proceso, el matrimonio conoce a numerosas parejas cuyos hijos también se han ido de casa. Con sus hijos desaparecidos, los padres optan por cancelar y la búsqueda y redescubrir la parte más gamberra de la vida.
Nominaciones y premios:  Cannes: Gran Premio del Jurado. Nominada a la Palma de Oro; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión original comedia; Premios BAFTA: 6 nominaciones, incluida mejor película, mejor director y guión.
ComentarioUna de las primeras películas en inglés del celebrado director checo Milos Forman, poco antes de ganar su primer Oscar por Alguien voló sobre el nido del cuco. Pese a tratarse de una comedia ligera, el filme hace un retrato agridulce de la clase media estadounidense con el que obtuvo seis nominaciones a los premios BAFTA y el gran premio del jurado en el festival de Cannes. Forman volvió a colaborar con su director de fotografía habitual, el también checo Miroslav Ondrícek, con el que ya había trabajado en numerosas producciones en su país y volvería a hacerlo en Hair y Amadeus, entre otras. Con una estructura narrativa poco habitual, la cinta intercala las historias particulares de los protagonistas con pequeños interludios musicales, entre los que destaca una breve pero intensa actuación de una todavía desconocida Kathy Bates (acreditada como Bobo Bates) y un buen número de escenas rodadas durante un concierto de Ike y Tina Turner, que también aparecen en la película. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

martes, 23 de febrero de 2021

Cumplió 25 años: Trainspotting

El 23 de febrero de 1996 se estrenó la película británica Trainspotting, dirigida por Danny Boyle con Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, Kelly MacDonald, Peter Mullan, James Cosmo, Eileen Nicholas, Susan Vidler, Pauline Lynch. Productora: Film4 Productions/Figment Film/The Noel Gay Motion Picture Company. Duración: 90 minutos. 
Sinopsis argumentalMark Renton, un joven escocés de Edimburgo, y sus amigos son adictos a la heroína, lo que significa que viven fuera de la realidad, en un mundo aparte. Dentro del grupo hay un psicópata alcohólico y violento, un joven desesperado, un mujeriego con un conocimiento enciclopédico sobre Sean Connery y un entusiasta de las caminatas y de Iggy Pop. 
Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: mejor guión adaptado; Premios BAFTA: Mejor guión adaptado. Nominada a mejor film británico; Satellite Awards: 3 nominaciones incluyendo mejor película drama; Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera; Asociación Críticos de Chicago: Nominada a mejor guión y actor revelación (McGregor); Asociación de Críticos de Boston: Mejor película. 2 nominaciones.
Comentario: Basada en la novela homónima escrita por Irvine Welsh. Es, junto Drugstore Cowboy (1989), la película más veraz realizada sobre el mundo de las drogas. Tiene una secuela llamada T2: Trainspotting, estrenada en 2017.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXIII)

Who Wants to Kill Jessie? (Kdo chce zabít Jessii?, 1966), de Václav Vorlícek

"¿Qué pasaría si alguien tuviese un sueño absurdo y sus visiones saliesen a la calle?”, pregunta un científico a Rose, una investigadora que descubre una manera de crear sueños beneficiosos (para producir trabajadores contentos y productivos). Surge un problema: después de una inyección de su elixir, hay elementos de los sueños que se hacen reales. Rose se da cuenta después de darle una dosis a Henry, su marido, para que deje de soñar con Jessie, una heroína sensual de cómics que tiene guantes antigravitatorios que él necesita para estudiar la forma de resolver un problema en la fábrica de la que es el ingeniero jefe. Henry se despierta con Jessie dormida a su lado perseguida por un cow-boy y un súper héroe. Los celos consumen a Rose.
 Otra de las películas pertenecientes a la nueva ola checa que en aquellos años se rebelaba contra el sistema político. A diferencia de otros ejemplos de la época, esta obra de Václav Vorlícek apuesta por un tono de comedia fantástica que, a primera vista, no tiene nada que ver con su contexto político. La película combina muy hábilmente recursos del mundo del cómic con la película, como esos bocadillos de diálogo con que los personajes de cómic se comunican al resto y el tipo de situaciones absurdas en que se ven envueltos (incluyendo escalar edificios, destrozar paredes, etc.). De esta manera el propio estilo del film barre con las propias limitaciones realistas que se autoimponen las películas haciendo que todo sea posible.

El cine del siglo XXI, veinte años ya: De "Boys Don't Cry" a "Little Girl", el cine ha cambiado de género (IV)

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16.- Morir como un hombre (Morrer Como Um Homem, 2009), de Joao Pedro Rodrigues
Una noche oscura, en plena guerra, un joven soldado deserta. Tonia, toda una estrella de los espectáculos de travestis en Lisboa, ve cómo sus días de gloria se desvanecen ante la imbatible competencia de las artistas más jóvenes. Mientras su joven novio Rosário la presiona para que se someta a la operación de cambio de sexo, Tonia lucha contra sus creencias religiosas más íntimas. Si cede a los deseos de Rosário de convertirse en mujer, sabe que delante de Dios nunca podrá hacerlo. Y su hijo, al que abandonó siendo un niño, acaba de desertar y va en su búsqueda.El portugués Joao Pedro Rodrigues se consagró a ojos de la crítica de cine internacional con este melodrama trans, a medio camino entre Almodóvar y Fassbinder, que participó en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes.
17.- Life Is Hot in Cracktown (2009), de Buddy Giovinazzo
Cuatro historias que reflejan la lucha por la supervivencia de algunas personas en medio de un ambiente hostil y marcado por las drogas. Marybeth (Kerry Washington) es una transexual que se prostituye para conseguir el dinero necesario para someterse a la operación que la convertirá definitivamente en mujer. El fin último es casarse con su novio Benny (Desmond Harrington). Mientras Manny (Victor Rasuk) pasa el día fuera de casa trabajando, su mujer Concetta (Shannyn Sossamon) cuida del hijo de ambos, que está enfermo, en su pobre apartamento. Por la noche, Manny trabaja en un local frecuentado por drogadictos, traficantes de droga y prostitutas, y, durante el día, como guardia de seguridad en un hotel. Un huésped de ese hotel es Willy (Ridge Canipe), un niño de diez años que vive con su madre (Illeana Douglas) y su prepotente novio. Willy pide limosna en la calle para conseguir comida para él y su amiga Suzie (Ariel Winter). Pero la calle es muy peligrosa, porque el voluble gángster Romeo (Evan Ross) sigue buscando al asesino de su hermano y no duda en aterrorizar a cualquiera que se cruce en su camino. 
18.- Ticked-Off Trannies with Knives (2010), de Israel Luna
Un grupo de transexuales son violentamente golpeados y dados por muerto. Las damas sobrevivientes recuperan la conciencia, la confianza y el coraje dispuestas a buscar venganza contra los que los atacaron. La película se divide en cinco capítulos, uno de los cuales se ha perdido. La película generó controversia cuando fue programada en el Festival de Cine de Tribeca de 2010. La Alianza de Gays y Lesbianas contra la Difamación (GLAAD) condenó la película por lo que llamó una representación negativa de las personas transgénero.
19.- Insects in the Backyard (2010), de Tanwarin Sukkhapisit
En ausencia de sus padres, Johnny, de 15 años, y Jennifer, de 17, están al cuidado de su "hermana mayor" Tanya, un travesti que va siempre demasiado arreglado y que come y fuma demasiado, causando continuamente situaciones embarazosas a los chicos. Largometraje debut de Tanwarin, como director, escritor y estrella, explora esos problemas con una gran determinación.
20.- Gun Hill Road (2011), de Rashaad Ernesto Green
Un exconvicto regrese a su casa en el Bronx, después de tres años en la prisión. Una vez en su hogar descubre que el comportamiento de su mujer y el de su hijo adolescente, que está sufriendo una transformación sexual, pondrá a prueba los frágiles lazos que le unen a su familia. El título de la película se deriva de una calle del Bronx del mismo nombre. La película se destaca porque la protagonista es interpretado por una persona transgénero, Harmony Santana, quien fue la primera actriz abiertamente transgénero en ser nominada para un premio Independent Spirit. 
(cont.)

lunes, 22 de febrero de 2021

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXII)

Persona (1966), de Ingmar Bergman

Elisabeth (Liv Ullmann), una célebre actriz de teatro, es hospitalizada tras perder la voz durante una representación de "Electra". Después de ser sometida a una serie de pruebas, el diagnóstico es bueno. Sin embargo, como sigue sin hablar, debe permanecer en la clínica. Alma (Bibi Andersson), la enfermera encargada de cuidarla, intenta romper su mutismo hablándole sin parar
. Una de las películas favoritas de su director. Postmoderna con dosis de surrealismo y onirismo, se trata de un drama experimental que utiliza una ambigua relación enfermera-paciente en contraste y complemento para tratar temas sobre comunicación, psicoanálisis, trauma e identidad. Abundan los primeros planos en una imaginería compleja que fusiona las personalidades de sus dos protagonistas con originalidad, poética e intensidad. Persona ha sido objeto de considerables análisis, interpretaciones y debates. La película, que aborda temas como la dualidad, la locura y la identidad personal, ha sido interpretada como una representación de la teoría junguiana de la persona y explora el cine, el lesbianismo, la maternidad, o el aborto, entre otros. El estilo experimental de su prólogo y su narración también han sido objeto de discusión. La enigmática película ha sido llamada el Monte Everest del análisis cinematográfico; según el historiador de Peter Cowie, "Todo lo que uno dice sobre Persona puede ser contradicho; lo contrario también será cierto. Película esencial de su autor. Recibió los premios a mejor película y mejor actriz (Bibi Anderson) en los Premios Guldbagge (Suecia) y una nominación a la mejor actriz extranjera (Bibi Anderson).

Flora y Ulises en Disney +: una comedia de superhéroes a la que no le falta elegancia

Una linda ardilla con poderes extraordinarios llega a la vida de una niña intrépida pero preocupada... Adaptada de una novela infantil de Kate DiCamillo, esta tierna y divertida aventura se desarrolla a  un ritmo enérgico y un universo colorido.La película está dirigida por Lena Khan. A partir de 6 años.
Una buena historia de superhéroes a menudo comienza con un accidente con consecuencias imprevistas. Cuando descubre que una aspiradora de jardín se ha tragado una ardilla, Flora, de 10 años, no tiene más remedio que darle a la pobrecita sciurido un masaje cardíaco y la respiración boca a boca. Se comprende de inmediato que entre estas dos, la relación será sólida.
Adaptada de la novela infantil de Kate DiCamillo, The Luminous Adventures of Flora & Ulysses, esta refrescante comedia familiar, disponible en Disney +, a partir del 19 de febrero, presenta a dos personajes con perfiles muy diferentes: una niña de 10 años, fanática de los cómics y superhéroes. (incluso se cruza con algunos en su vida diaria), pero esa separación y las preocupaciones profesionales de sus padres artistas la ponen melancólica, y esta linda ardilla que da vueltas con elegancia en la vida de la niña.

Jardines de piedra, de Francis Ford Coppola, una película para redescubrir (II)

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Durante el prólogo, un ruido parásito perturba el orden de la ceremonia. Los sonidos de los helicópteros y las comunicaciones de primera línea hacen eco de Apocalypse Now a través de las tumbas de Arlington. Estrenada casi al mismo tiempo que Platoon, de Oliver Stone, y La chaqueta metálica, de Stanley Kubrick, Jardines de piedra es otra película sobre el desastre de Vietnam, pero muy alejada de la gran saga caótica de Coppola. Adaptada de una novela de Nicholas Proffitt, hijo de un soldado de carrera, se adhiere de manera íntima, casi silenciosa, a la vida cotidiana de la “vieja guardia”, un batallón que veía la guerra sin librarla, enteramente dedicado a la perfecta ejecución de los ritos que acompañan al regreso de los héroes caídos del campo de batalla. El entrenamiento es severo, la disciplina férrea, el compañerismo sujeto a las leyes del infierno, pero los rifles están cargados de balas de fogueo y el idealismo choca con los contornos bucólicos de un entorno inmutable. “Somos los soldados de opereta de la nación”, dijo uno de los protagonistas.
 James Earl Jones y James Caan
En este absurdo y magnífico teatro atormentado por la violencia y la muerte, Coppola filma la iniciación de un joven soldado inocente por un soldado atormentado por la experiencia. Para este papel de padre putativo, el cineasta se reencuentra con James Caan, quien retiene con conmovedora fuerza la virulencia que ofreció en el Padrino. Su personaje está atrapado en el ejército, por el que lo daría todo, pero que no lo lleva a ninguna parte, y menos a esta guerra tan inútil donde "no hay nada que ganar". Gira sobre sí mismo en un drama doméstico que no ofrece una oportunidad de fuga. En su difícil romance con la bella Anjelica Huston, una periodista pacifista, en la brutalidad de los ritos de aprendizaje, en las reyertas de soldados borrachos, la pasión está en todas partes, pero está contenida, contenida y enmarcada. La puesta en escena suntuosa y seria apenas deja que el drama se instale y el dolor aflore. Todo está dicho desde el principio sobre la trayectoria de estos héroes que salen a puerta cerrada: la guerra es una prueba formativa, pero de la que nunca volvemos.
Coppola en todas sus formas
Después del bombazo de Apocalypse Now, la década de 1980 ofreció a Francis Ford Coppola un paseo en montaña rusa. Sus ambiciones en Hollywood se hacen añicos rápidamente con el hundimiento de un estudio electrónico (también) adelantado a su tiempo y el fracaso de un musical, Corazonada (One Front  the Heart, 1981), que lo deja arruinado. Las películas por encargo se suceden y, a pesar del apoyo de la crítica a Rebeldes (The Outsiders, 1983) o a La ley de la calle (Rumble Fish, 1983) (menos para Cotton Club (1984)), el éxito parece escapársele. En 1986, es una asombrosa fábula retro, Peggy Sue se casó (Peggy Sue Got Married), la que (momentáneamente) saca a flote al director, con éxito de taquilla y nominaciones al Oscar.
Kathleen Turner, una madre desencantada, regresa allí para visitar los tonos pastel de su adolescencia; Noémie Lvovsky se inspiraría más tarde en el redoblamiento de Camille. Al igual que Gardens of Stone, Peggy Sue se casó hoy y será redescubierta en una brillante edición que destaca la maestría de un monstruo cinematográfico. 

domingo, 21 de febrero de 2021

Cumplió 25 años: Ladrón que roba a otro ladrón

El 21 de febrero de 1996 se estrenó la película Ladrón que roba a otro ladrón (Bottle Rocket), dirigida por Wes Anderson e interpretada por Luke Wilson, Owen Wilson, Robert Musgrave, Lumi Cavazos,James Caan, Andrew Wilson, Donny Caicedo, Jim Ponds, Kumar Pallana. Productora: Columbia Pictures/Gracie Films. Duración: 91 minutos. 
Sinopsis argumentalDignan (Owen Wilson) y su compañero Anthony (Luke Wilson), recién salidos del manicomio donde ingresaron voluntariamente, deciden seguir por la senda del delito. Con la ayuda de su amigo Bob, que debe ayudarles a escapar, puesto que es el único que sabe conducir, intentarán cometer algunos atracos para llamar la atención de un jefe mafioso (James Caan). 
Nominaciones y premiosLos Angeles Film Critics: Premio Nueva Generación.
ComentarioDebut tras las cámaras de Wes Anderson, el ahora conocido realizador de Los Tenenbaum y The Life Aquatic, que, tras un corto titulado Bottle Rocket, consiguió financiación por parte de la Columbia para trasladar su historia al ámbito del largometraje. Para ello, contó con el protagonismo de los hermanos Luke y Owen Wilson, dos actores emergentes en el Hollywood de los años 1990. La película obtuvo un buen recibimiento por parte del público estadounidense, consiguiendo ganar algunos premios independientes, sin embargo, no llegó a estrenarse en las pantallas españolas, por lo que ésta es una buena ocasión para verla.

Efemérides de cine: La mansión de los crímenes

El 21 de febrero de 1971 se estrenó la película británica La mansión de los crímenes (The House That Dripped Blood), dirigida por Peter Duffell e interpretada por Peter Cushing, Denholm Elliott, Jon Pertwee, Christopher Lee, Joss Ackland,Nyree Dawn Porter, Ingrid Pitt, Joanna Dunham, John Bennett, Tom Adams, Geoffrey Bayldon, Chloe Franks. Productora: Amicus Productions. Duración: 102 minutos.
Sinopsis argumentalNarra 4 cuentos de terror relacionados por una vieja y fantasmal mansión en la que se realiza una investigación policial para esclarecer ciertas desapariciones. Escritos en tono paródico por Robert Bloch. 1) Method for Murder: Un escritor conjura desde su imaginación a un estrangulador y cual es su sorpresa cuando nota que el criminal ha tomado vida real. 2) Waxworks: Un hombre solitario visita un museo de cera y ve una figura que le recuerda a una mujer que amó en el pasado. El dueño de la exhibición es, además, un psicópata que va por ahí blandiendo su hacha... 3) Sweets to the Sweets: Un hombre tiene una hija con "problemas", y la nueva institutriz descubre que sus dificultades vienen acarreadas por la afición de la chica a la magia negra, especialmente a su nuevo muñeco vudú, hecho a imagen y semejanza del padre. 4) The Cloak: Un pedante actor compra una capa para interpretar el papel de un vampiro, pero como la capa era de un vampiro verdadero, su propia conducta se ve afectada.
ComentarioRobert Bloch, autor de la novela Psicosis adaptada de forma magnífica al cine por Alfred Hitchcock, es el guionista de esta irregular cinta de intriga, terror y humor dividida en cuatro episodios vinculados a la estancia en una casa encantada. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Jardines de piedra, de Francis Ford Coppola, una película para redescubrir (I)

El desastre de la guerra de Vietnam visto desde el cementerio de Arlington. Estrenada en 1987, esta película poderosamente melancólica, sobre el ritual militar y el dolor del duelo, y que el cineasta quiso olvidar, podemos volver a verla en DVD en una versión restaurada.
Hasta dónde alcanza la vista, estelas blancas alineadas en la hierba fresca, en la gran calma de los bosques que bordean el río Potomac. Los "Jardines de Piedra" son los del cementerio militar de Arlington, cerca de Washington, donde están enterrados cientos de miles de jóvenes soldados y donde Francis Ford Coppola nos acompañó gentilmente, ocho años después del tumulto de Apocalypse Now. La película de 1987 comienza con el funeral de un joven muerto en Vietnam. Una brisa hace temblar los árboles sin ofender el tono de la fanfarria, sin perturbar el ceremonial que la puesta en escena defiende con un clasicismo deslumbrante. El marco riguroso encierra los movimientos del desfile fúnebre, la cámara se desliza elegantemente sobre los uniformes y los gestos mecánicos que realzan la emoción.
El director  del Padrino, quien pasó dos años en las aulas de una academia militar en Nueva York (con Donald Trump), dice estar fascinado por los rituales que cimentan la comunidad humana y afirman su continuidad en las horas de gran sufrimiento y desorden. La armonía es ilusoria, por supuesto, los fantasmas son presencias abrumadoras. Una viuda de 20 años, pálida como la muerte misma, se sobresalta al oír la salva de honor. Su miedo congela la sangre. Las palabras de su joven esposo que se llevan al suelo se ciernen sobre el escenario; lee su última carta en off y su confusión marca el tono de una película de matices oscurecidos que se dobla por completo bajo el peso de una profunda melancolía.
En la variada filmografía de Francis Ford Coppola, Jardines de piedra (Stone Gardens, 1987) es una obra olvidada, poco apreciada en su estreno, no amada por el propio cineasta, que pocas veces la ha mencionado. Dijo que apenas la recordaba y no ocultó las razones del olvido. Jardines de piedra es una película sobre el duelo, y la muerte lo ha golpeado con toda su fuerza. "Si hay un largometraje que desearía no haber hecho nunca, es este", dijo Coppola recientemente. Lo empecé cuando estaba en quiebra, cuando tenía que rodar todos los años para saldar mis deudas, y me costó mucho. Me lo quitó todo. A menudo sueño con no haber realizado Jardines de piedra, no habría perdido a mi hijo. Mientras filmaba, Gian-Carlo, el mayor de los hijos de Coppola, murió en un accidente de lancha motora conducida por el hijo de Ryan O'Neal, quien interpretó a uno de los soldados. Gian-Carlo tenía 22 años, era más que un hijo, el asistente y socio del cineasta, el sucesor, el heredero designado. “No puedes superarlo”, dijo Coppola, “no puedes superarlo, sabes que nunca lo superarás. No obstante, el director ha vuelto al trabajo y hoy en día difícilmente se puede contemplar este drama de la inocencia perdida sin percibir el dolor que se despliega a la sombra de cada plano. Sin dejarse arrastrar por la fuerza del destino y el bucle implacable que lleva a los personajes de una escena de despedida a la siguiente. El mismo cementerio para entrar y salir de la película.
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sábado, 20 de febrero de 2021

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXI)

Django (1966), de Sergio Corbucci

El mercenario y ex-soldado yankee Django (Franco Nero) llega a un desértico pueblo mexicano con un ataúd. Su objetivo: la venganza contra el mayor Jackson. Un spaghetti-western originalmente prohibido en Inglaterra por su violencia... Junto a la trilogía de Sergio Leone con Clint Eastwood, Django es uno de los mejores y más influyentes títulos que haya dado el espagueti wéstern. Menos estilizada que las películas de Leone, pero tan violenta como estas, Django dio pie hasta a 20 secuelas no oficiales y a una oficial, rodada 20 años después y con Franco Nero recuperando el que, sin duda, fue uno de los roles más importantes de su carrera. Dirigida por Sergio Corbucci, uno de los grandes directores del wéstern europeo gracias a obras como El gran Silencio o la que nos ocupa, esta cinta fue una de las que más rompió los cánones estéticos de los filmes del Oeste estadounidense. Una curiosidad. A pesar de estar rodada en las madrileñas localidades de La Pedriza y Colmenar Viejo, en su día, los espectadores españoles no vieron la versión íntegra de la cinta, porque fue censurada por su violencia extrema. De hecho, cortaron dos escenas: cuando a Jonathan le amputan la oreja y le obligan a comerla, y cuando Ringo dispara a quemarropa a un mexicano. Fan declarado del film, Quentin Tarantino "copió" la escena donde un general le rebana la oreja a un predicador para su Reservoir Dogs y en 2012 estrenó Django Unchained, una película que homenajea a ésta usando su música entre otros elementos

Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles, película de acción doméstica de Chantal Akerman (II)

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Puesta en escena muy reflexiva y muy precisa
El cineasta realiza así, en el marco de una película con guion y actores, un gesto bastante parecido al cine de la realidad, naturalmente curioso por los pequeños detalles de la existencia y menos sujeto que la ficción a las exigencias románticas. La puesta en escena que propone, además, evoca la forma documental en más de un sentido, ubicando a Joan en el espacio doméstico evitando adoptar un punto de vista subjetivo, conservando también una considerable distancia respecto a Delphine Seyrig, que no conseguiría el recurso del primer plano. Así, Chantal Akerman no utiliza el corte para enfatizar aislando una expresión de su rostro, ni produce movimientos de cámara que, siguiéndola en sus movimientos, inducirían a un esbozo de dramatización. Su práctica del plano fijo y distanciado, en cambio, le permite establecer claramente la relación que mantiene su personaje con las estancias que ocupa, en las que se mueve.
“Su cámara no busca empatía; es topográfica, explica Corinne Maury, profesora de estética cinematográfica en la Universidad Toulouse-II y autora de un notable libro sobre la película de Akerman, publicado en 2020. Para ella, no se trata de ilustrar o acompañar a Jeanne, sino de mirarla a la cara, de mostrar sus acciones cotidianas y su forma de vivir en el espacio." Gestos y movimientos a los que Delphine Seyrig aporta una precisión participando en su belleza casi coreográfica, como lo hacen la puesta en escena muy reflexiva y muy precisa de Chantal Akerman, y el trabajo a la luz de la directora de fotografía Babette Mangolte. Todo lo relativo a una relación con la realidad imbuida de ética y respeto.
"Es en el piso y en lo banal donde todo sucede", dijo Chantal Akerman. "No es esta nada lo que filmé", enfatiza Corinne Maury, quien siente una profunda admiración por Jeanne Dielman y muchas de sus películas. El gesto de Chantal Akerman en realidad consiste en contar lo cotidiano. Aquellos que esperan que el cine sea una forma de encubrir, huir de su vida o imaginar una que no tienen, no puede hacer nada por ellos."
En su artículo sobre la película Umberto D (1952) dirigida por Vittorio De Sica , el crítico de cine André Bazin (1918-1958) evoca el sueño del guionista Cesare Zavattini de "hacer una película continua con noventa minutos de la vida de" un hombre al que nada podría pasar". Y para añadir: “Dos o tres secuencias de Umberto D hacen algo más que dejar entrever lo que podría ser una película así: ya son fragmentos realizados." Podríamos ampliar su reflexión argumentando que Jeanne Dielman no solo le da a este sueño una forma coherente de principio a fin, sino sobre todo que lo hace como parte de un proyecto que le da todo su significado. La de una película preocupada por levantar el engañoso velo de la ficción, para darnos acceso a una realidad que nos negamos a ver o que ya no vemos mientras la tengamos frente a nuestros ojos. Para des-alienarnos un poco, en resumen.

viernes, 19 de febrero de 2021

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CX)

Incubus (1966), dirigida por Leslie Stevens

En Nomen Tuum se encuentra un pozo que, según creencias, sus aguas son curativas y embellecedoras. Por este motivo, los súcubos, unos demonios con forma de mujeres, eligen este lugar para conducir las almas a la oscuridad. Kia es una súcubo que pretende encontrar un alma noble para hacerla sucumbir. De esta manera, se fija en Marko, un joven soldado que acude a la fuente para curarse. Rodada en blanco y negro en 1965, restaurada en 2001. Dirigida por Leslie Stevens, fue el segundo largometraje con diálogos completamente en esperanto, con subtítulos en inglés o francés. El tema básico del largometraje es la lucha eterna entre el bien y el mal. A pesar de contar con un bajo presupuesto, el director Leslie Stevens, autor de la saga Más allá del límite, consiguió crear un ambiente repleto de escenas terroríficas prescindiendo en gran medida de la violencia. Numerosos expertos en cine reconocen en la película cierta paralelidad con las célebres obras del sueco Ingmar Bergman y el japonés Akira Kurosawa. Los diálogos están completamente en esperanto, lengua planificada creada por el polaco L. L. Zamenhof en 1887. Sin embargo, hay que decir que la pronunciación de los actores deja mucho que desear, lo que en cierta medida resta calidad a la película (especialmente en lo que se refiere al público esperantista1​). El motivo es que el director Leslie Stevens quería crear un ambiente ajeno y misterioso, y acentuar esa intención con una lengua que –según él– no hablase ningún pueblo de la tierra. Para solucionar ese problema se pensó en usar en un principio un idioma sin sentido, a lo que los actores se negaron. Como el volapük tampoco les agradaba, se decidió que fuese en esperanto como se expresasen las fuerzas de la oscuridad. El uso de este idioma se presenta como un medio estilístico, ya que en realidad los actores no lo hablaban, y ni siquiera fueron entrenados para ello, por lo que su pronunciación es muy defectuosa. La importancia de la utilización del esperanto es tal, que el director prohibió que se doblara a otros idiomas. Sin embargo, el nombre de la película está en latín y significa "íncubo", que en esperanto es "inkubo".

Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles, película de acción doméstica de Chantal Akerman (I)

Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles, describe tres días en la vida de un ama de casa, magistralmente interpretada por Delphine Seyrig. La vida de Jeanne Dielman, una joven viuda con un hijo, sigue un orden inmutable: mientras el muchacho está en la escuela, ella se ocupa de las tareas domésticas por la mañana y ejerce la prostitución por la tarde. Con una atención documental completa sobre aquellas actividades domésticas que el cine de ficción suele escamotear.
Si Chantal Akerman (1950-2015) fue uno de los rarísimos realizadores cuyo trabajo toma prestado tan felizmente de los géneros documental y de ficción, lo debe en parte al hecho de que nunca ha buscado disociar uno del otro en su práctica cinematográfica. "La gran diferencia", admitió en 2007, "es que cuando vas a rodar un documental, te vas sin guión y sin actores. Después, el documental filmado y editado, si no abre una brecha en la imaginación, si no se desliza hacia la ficción, entonces para mí no es un documental. En cuanto a la ficción, si no se convierte en documental, me resulta difícil pensar en ella como una película de ficción". 
Destacar en su obra Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975) el poseer un aura especial. No solo porque muchos comentaristas han querido y todavía quieren ver en él el manifiesto feminista de que no es; pero también porque la magnitud del gesto cinematográfico realizado hace cuarenta y seis años por Chantal Akerman no deja de cuestionar al espectador. Este trabajo juvenil asombrosamente maduro describe tres días en la vida de una ama de casa, viuda y madre de un niño, que mantiene a la familia con hombres en su habitación. Durante casi tres horas y media, la película la muestra realizando diversas tareas domésticas, aquellas que el cine de ficción se resiste a presentar y que en la mayoría de los casos solo representa de forma fugaz. Sacando la preparación de las comidas o el lavado de los platos de su supuesta insignificancia, Chantal Akerman nos los muestra desde las primeras escenas como gestos que participan en la cotidianidad ritualizada de un ama de casa. Y deja detrás de la puerta sus relaciones pagadas, que otros escritores de guiones habrían trabajado para exponer.
En una entrevista acordada con la revista Cinema 76 y disponible en el excelente sitio de la Fundación Chantal Akerman, el cineasta señala que un accidente de coche o un beso en primer plano son más altos, en la jerarquía de imágenes, que una mujer lavando los platos. Dando la espalda a los usos dominantes del cine de ficción, Jeanne Dielman se centra en los gestos y movimientos de su personaje principal (Delphine Seyrig), ofreciéndolos al espectador como acciones que vale la pena ver. Y se salta la actividad secundaria de esta mujer, para dar toda su atención a su higiene personal tras el su trabajo vespertino, seguida de la enérgica limpieza de la bañera en la que acaba de lavarse.
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El cine del siglo XXI, veinte años ya: De "Boys Don't Cry" a "Little Girl", el cine ha cambiado de género (III)

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11.- 20 centímetros (2005), de Ramón Salazar
Marieta nació varón y sus padres le pusieron el nombre de Adolfo. No le gusta nada su cuerpo, quiere cambiarse de sexo con todas las de la ley y que así lo refleje en su DNI. Llamarse como su padre y tener los mismos 20 centímetros entre las piernas le produce repelús. Además, Marieta sufre de narcolepsia, la enfermedad del sueño, y siempre se queda dormida en el momento menos oportuno. Segundo largometraje del director malagueño Ramón Salazar, quien ya consiguió cautivar al público con su primer cortometraje Hongos y su primera apuesta en cine Piedras. En esta ocasión, rodó una comedia musical en la que los personajes viven situaciones extremas y expresan sus sentimientos sin tapujos. En el filme, cuando la protagonista se queda dormida, aparecen en sus sueños números musicales con referencias a Tómbola de Marisol o al dúo infantil Enrique y Ana. 20 centímetros fue presentada en el Festival de Cine Español de Málaga 2005, donde ganó el Premio de la Crítica, el de la mejor música y el de mejor maquillaje. Mónica Cervera (actriz fetiche del director) es la estrella de la película.
12.- En soap (Enjabonado) (2006), de Pernille Fischer Christensen
Charlotte rompe su relación con Kristian y se traslada a otro apartamento. En el piso de abajo vive Veronica, un transexual adicto a las telenovelas, que lleva una vida de soledad y aislamiento con la única compañía de su perro. Veronica, que desea cambiar de sexo, espera que le llegue la autorización para operarse. Charlotte y ella se conocen, se enamoran y viven una turbulenta historia de amor. Pero, su felicidad se nubla cuando, por fin, Veronica obtiene el visto bueno para cambiar de sexo. En el Festival de Cine de Berlín obtuvo el Oso de Plata - Gran Premio del Jurado a la mejor ópera prima. 
Between Love and Goodbye (2008), de Casper Andreas
Una pareja joven y sexy, el aspirante a actor Marcel y el prometedor músico Kyle. Sintiéndose atraídos inmediatamente el uno por el otro, Marcel, francés, se casa finalmente con una amiga lesbiana para poder permanecer en el país. Pero cuando la hermana ex-prostituta de Kyle se sitúa entre los dos, forzando a Kyle a elegir entre familia y relación, su amor se pone a prueba en sus límites y puede ser deseado. 
13.- Mein Freund aus Faro (2008), de Nana Neul
Melanie, una adolescente poco femenina, está obsesionada con todo lo portugués. Cuando conoce a Jenny, una chica hermosa, Melanie decide que la única manera de construir una relación con ella es asumiendo la identidad de un niño portugués.
14.- A Cheonggyecheon Dog (2008), de Kim Kyung-Mook
Un transexual está contemplando el "Nuevo Seúl" que se levanta por encima de la "vieja y fea Seúl" mientras pasea por un río, el río Cheonggyecheon en medio del centro de Seúl, donde se encuentra con un perro que habla. Los dos empiezan a hablar y el perro guía al extraño a través de un extraño mundo multidimensional. El lado masculino de su personalidad ve a Seúl de un lado y el lado femenino ve algo completamente diferente. 
15.- Strella, más que una mujer (Strella, 2009), de Panos H. Koutras
Tras salir de prisión, Yiorgos regresa a Atenas con la intención de rehacer su vida, sin imaginar que en su camino se encontrará con Strella, una prostituta transexual y cantante de cabaret, mezcla de María Callas y Cher. El buen corazón de Strella gana el amor del protagonista, sin saber que el destino revelará un nexo desconocido entre ambos. Los bajos fondos de Atenas enmarcan esta transgresora historia de amor con reminiscencias mitológicas de la antigua Grecia.
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jueves, 18 de febrero de 2021

Efemérides de cine: Una lagartija con piel de mujer

El 18 de febrero de 1971 se estrenó la película italiana Una lagartija con piel de mujer (Una lucertola con la pelle di donna), dirigida por Lucio Fulci e interpretada por Florinda Bolkan, Jean Sorel, Alberto de Mendoza, George Rigaud, Mike Kennedy, Stanley Baker, Silvia Monti, Leo Genn, Anita Strindberg. Productora: Co-production Italia-España-Francia; Apollo Films/Atlántida Films/Les Films Corona. Duración: 103 minutos.
Sinopsis argumentalUna mujer decide visitar al psiquiatra para explicarle una pesadilla recurrente: mata a su vecina de una puñalada. Cuando ésta aparece asesinada, todas las sospechas recaen sobre ella. Pero, en el curso de la investigación, las circunstancias se complican. 
Comentario: Una trama con bastante morbo sexual, con la excusa de los sueños extraños que tiene la protagonista. Sin embargo, Fulci, no se deja arrastrar ciegamente en este caso por los efectismos y acaba por entregar una historia con un guión medianamente apañado, aunque es cierto que comienza como un film de terror y acaba como un simple thriller. Protagoniza Florinda Bolkan con un trabajado papel. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Percy

El 18 de febrero de 1971 se estrenó la película británica Percy,dirigida por Ralph Thomas e interpretada por Hywel Bennett, Denholm Elliott, Elke Sommer, Britt Ekland, Cyd Hayman,Janet Key, Tracey Crisp, Antonia Ellis, Tracy Reed, Patrick Mower, Pauline Delaney, Adrienne Posta, Julia Foster, Sheila Steafel, Arthur English, Angus MacKay, Sue Lloyd. Productora: Anglo-EMI/Welbeck Films Ltd. Duración: 103 minutos.
Sinopsis argumentalEdwin resulta castrado por culpa de un accidente en el que resulta muerto un reputado seductor. Los médicos le implantan el pene del fallecido, pero callan su origen. Edwin inicia la investigación, que le lleva hasta la esposa del Don Juan, y a otras muchas mujeres...
Comentario: La película está basada en la novela homónima de 1969 del escritor Raymond Hitchcock. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Películas de la semana: 19 de febrero

Entre nosotras 

Título original: Deux. Dirección: Filippo Meneghetti. País: Francia. Año: 2019. Duración: 95 minutos. Género: Romance. Comedia. Drama. Homosexualidad. Vejez. Madurez. Interpretación: Barbara Sukowa, Martine Chevallier, Léa Drucker, Jérôme Varanfrain, Hervé Sogne, Eugenie Anselin, Véronique Fauconnet, Aude-Laurence Clermont Biver, Denis Jousselin, Alice Lagarde, Muriel Bénazéraf, Augustin Reynes, Stéphane Robles, Paloma Dumaine, Sasha Roy Bellina. Guion: Malysone Bovorasmy, Filippo Meneghetti, Florence Vignon. Música: Michele Menini. Fotografía: Aurélien Marra. Productora: Co-production Francia-Luxemburgo-Bélgica; Paprika Films/Tarantula/Artemis Productions/VOO/BE TV/Shelter Prod. Premios y nominaciones: Globos de Oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa; Critics Choice Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa; Premios César: 4 nominaciones, incluyendo mejor ópera prima; Satellite Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa. Estreno en España: 19 de febrero de 2021. Sinopsis: Nina y Madeleine, dos mujeres jubiladas, están secretamente enamoradas desde hace décadas. Aunque de cara a los demás no son más que dos vecinas, vienen y van de una casa a la otra compartiendo la ternura de una vida en común. Hasta que un día, su relación da un giro a causa de un suceso inesperado. 

Nuevo orden

DirecciónMichel Franco. PaísMéxico. Año2020. Duración88 minuto. Género: Drama. Thriller. Distopía. Interpretación: Naian González Norvind, Diego Boneta, Mónica del Carmen, Darío Yazbek Bernal, Fernando Cuautle, Eligio Meléndez, Lisa Owen, Patricia Bernal, Enrique Singer, Gustavo Sánchez Parra, Javier Sepulveda, Sebastian Silveti, Roberto Medina, Analy Castro. Guion: Michel Franco. Fotografía: Yves Cape. Productora: Co-production México-Francia; Teorema/Les Films d'Ici. Distribuidora: A Contracorriente Films. Premios y nominaciones: Festival de Venecia: Gran Premio del Jurado; Festival de San Sebastián: Nominada a mejor película; Premios Forqué: Mejor película latinoamericana. Estreno en España: 19 de febrero de 2021. Sinopsis: Una fastuosa boda de alta alcurnia se convierte inesperadamente en una lucha entre clases que deriva en un violento golpe de estado. Visto a través de los ojos de una joven prometida y de los sirvientes que trabajan para su pudiente familia, 'Nuevo orden' sigue las huellas del derrumbe de un sistema político y del nacimiento de un desgarrador nuevo reemplazo. 

14 días, 12 noches

Título original: 14 jours, 12 nuits. Dirección: Jean-Philippe Duval. País: Canadá. Año: 2019. Duración: 99 minutos. Género: Drama. Interpretación: Anne Dorval, François Papineau, Leanna Chea, Laurence Barrette. Guion: Marie Vien. Música: Bertrand Chénier. Fotografía: Yves Bélanger. Productora: Attraction Images. Distribuidora: Adso Films. Premios y nominaciones: Candidata a los Oscar a mejor película internacional por Canadá. Estreno en España: 19 de febrero de 2021. Sinopsis: Isabelle Brodeur, una mujer de 54 años, pierde a su hija Clara, de origen vietnamita, en un trágico accidente de quad. Un año después de su muerte, la vida de Isabelle todavía está en estado de caos. Y cada día ve más imposible que todo vuelva a la normalidad. Rota por el dolor, Isabelle solo tiene un deseo: escapar, volar a Vietnam y sumergirse en el país de origen de Clara. Isabelle, que no acepta la muerte de la joven espera encontrar a Clara, una forma de prolongar su vida y rechazar su muerte. La influencia de la cultura, el peso de la identidad, el perdón y la potencia de la amistad entre dos mujeres que comparten el amor por la misma hija son los ingredientes fundamentales de esta cinta.

Godot

Dirección: Chico Sánchez. País: España. Año: 2019. Duración: 105 minutos. Género: Drama. Teatro. Interpretación: Alberto Ferreiro, Pilar González, Nerea Garciolo, Juan Antonio Díaz, Raúl Muñoz, Álvaro Chumillas, Rafa Blanes, Demetrio Benítez. Guion: Chico Sánchez. Producción: Chico Sánchez. Montaje: Chico Sánchez. Fotografía: Carlos Navarro. Productora: Actúa Córdoba. Distribuidora: Phoenix Entertainment Group (PEG). Estreno en España: 19 de febrero de 2021. Sinopsis: Chico Sánchez escribe, dirige y produce este thriller protagonizado por un grupo de actores y técnicos con la misión de montar una obra de teatro en un remoto paraje que empezarán a descubrir que nada es lo que parece.