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lunes, 30 de septiembre de 2019
Historia del cine español: Del costumbrismo a la parodia (II)

De Kenneth Branagh a Jesse Eisenberg: en Woody Allen, el actor también es su doble (II)
Y la edad no importa. Tal como Zelig (1983), falso documental sobre el hombre camaleón, una de sus creaciones más famosas, Woody se infiltra indiferentemente en la piel de una barbie o un joven.
En Si la cosa funciona (Whatever Works, 2009), por ejemplo, el muy odioso viejo físico, suicida, misantrópico, hipocondríaco y vanidoso es él.
Y él nuevamente, el casi adolescente de Día de lluvia en Nueva York (A Rainy Day in New York, 2019), su última variación de fecha, lanzado el 18 de septiembre. Interpretado por Thimothée Chalamet, el apuesto joven es probablemente su avatar más inesperado e improbable.
Después de todo, en 2019, ¿podemos imaginar a un joven tan viejo, tan fuera de la norma y también tan fuera de moda? Gatsby ama a Nueva York bajo la lluvia, cita Denis de Rougemont, ama los thrillers de antaño, los juegos de naipes anticuado y ha elegido a una prometida que no se lo merece: el héroe alienado siempre confunde su amor, afortunadamente, el destino espera... Y cuando comienza a tocar el piano, este adolescente obsesionado no canta rock, pop o metal, sino un éxito de 1940, Everything Happens to Me, popularizada por Frank Sinatra y Chet Baker... Gatsby, es Woody más joven y sexy. El encanto mismo. Algo raro... Timothée Chalamet participó el año pasado en un juicio contra el director, que impidió el estreno de la película en Estados Unidos. Pero tal vez este papel algún día lo salve del olvido.
Rambo: Last Blood, Un Rambo de más
Mediocre película de acción, Last Blood es la quinta (y última) parte de una saga que podría haber terminado con John Rambo, en 2008.
Después de una década de dilación, renuncias, rumores sin sentido (Sylvester Stallone luchando contra el Estado Islámico), aquí está finalmente la quinta y probablemente la última entrega de la saga Rambo. El veterano de Vietnam se enfrenta esta vez a un cartel mexicano de drogas, luego de secuestrar a su ahijada, la nieta de su sirvienta.
El resultado es más del estilo de Venganza (Taken, 2008), una película de venganza protagonizada por Liam Neeson, que del primer episodio de Ted Kotcheff de 1982, que retrató el imposible regreso a los Estados Unidos de un soldado estadounidense que sufre de estrés postraumático. Western moderno, Last Blood presenta a México como un país despiadado, poblado por traidores y asesinos, el único personaje positivo es un periodista, sacrificado por el guión, además de la frontera porosa. Stallone vuelve a sus viejos demonios de la década de 1980, que ha estado tratando de exorcizar, encarnando la ideología de un presidente conservador: ayer Reagan, hoy Trump.
domingo, 29 de septiembre de 2019
Historia del cine español: Del costumbrismo a la parodia (I)

De Kenneth Branagh a Jesse Eisenberg: en la obra de Woody Allen, el actor también es su doble (I)
La filmografía de Woody Allen está llena de actores que, por mimetismo o en respuesta a sus expectativas, terminaron pareciéndose a él de una forma u otra. Entre estos avatares: Kenneth Branagh, Owen Wilson, Jesse Eisenberg o Timothée Chalamet.
La afirmación maliciosa de que Woody Allen se repite. ¡Pero no! Sus películas son los diversos y variados capítulos de una especie de comedia humana que ha estado construyendo durante más de medio siglo. ¿Balzac siempre escribió el mismo libro cuando estaba redactando el suyo? Por otro lado, es cierto que todos los personajes de Woody hablan como él. La libertad que dice dar a sus actores parece ilusoria, ya que nunca se atreven a desviarse de su texto y adoptan, por decirlo, especialmente los hombres, sus tics y sus frases.
Todo comienza con Celebrity, en 1998. Woody ya es demasiado viejo para interpretar a un apuesto cuarentón, y Kenneth Branagh si puede hacerlo. Dirigido hasta el más mínimo detalle, el actor, a quien la comedia nunca amedrentó, se presta a interprtarlo: copia los inicios del cineasta, sus dudas, sus excesos en los agudos, cuando el personaje debe manifestar la sorpresa o la indignación. Increíble mimetismo que resulta casi vergonzoso...
Unos años más tarde, en Café Society (2016), Jesse Eisenberg no tiene necesidad de parecerse al maestro. El discurso brusco que tiene, como lo demuestra La red social (The Social Network, 2010), de David Fincher, quien lo descubrió. La semejanza física también es sorprendente: con veinte años más, se parece al pequeño pelirrojo que Woody había elegido para encarnar al niño en Días de radio (Radio Days, 1987). Hasta el día de hoy, Jesse Eisenberg sigue siendo la copia más bella de Woody. Perfecto, ya que natural.
No se trata sólo de hablar, sino pensar como él. En Medianoche en París (Midnight in Paris, 2011), Owen Wilson adora inevitablemente a la ciudad: "¡Cuando uno piensa, en el universo frío, violento y sin sentido, qué París exista! Él también odia al Tea Party: "Tu padre defiende el ala derecha de los republicanos. Tienes que ser un loco perverso para ser miembro". Y se maravilla, por supuesto, cuando una brecha en el espacio-tiempo le permite conocer a Scott Fitzgerald, Ernest Hemingway y enamorarse de la musa de Picasso, que encarna Marion Cotillard.
(cont.)
sábado, 28 de septiembre de 2019
American Factory, el documental
Durante tres años, los directores Julia Reichert y Steven Bognar siguieron la improbable adquisición de una fábrica estadounidense por parte de un multimillonario chino. Resultado: un documental impresionante, American Factory, primera producción firmada por Barack y Michelle Obama. Encuentro con un dúo talentoso y enérgico, visitando París para el inicio de la carrera hacia los Oscar. Festival de Sundance: Mejor director - Documental.
Su increíble documental es la primera adquisición de la compañía de Barack y Michelle Obama, Higher Ground Productions. En American Factory, en Netflix, la directora Julia Reichert y el director Steven Bognar siguieron a la adquisición de un multimillonario chino de una antigua fábrica de General Motors en Dayton, Ohio, convertida en un negocio de parabrisas. Desde la emoción de los primeros días hasta la desilusión, los autores vuelven a esta singular convivencia entre chinos y estadounidenses, un impactante testimonio de la globalización inversa en la América rural.
En 2008, filmaron el cierre dramático de esta misma fábrica en otro documental, The Last Truck, que le valió una nominación al Oscar.
viernes, 27 de septiembre de 2019
Hace 100 años: The Dragon Painter
El 27 de septiembre de 2019 se estrenó la película japonesa The Dragon Painter, dirigida por William Worthington e interpretada por Sessue Hayakawa, Toyo Fujita, Edward Peil Sr., Tsuru Aoki. Productora: Coproducción Japón-Estados Unidos; Haworth Pictures Corporation. Duración: 53 minutos.
Sinopsis argumental: Tatsu es un joven pintor que vive en las montañas de Hakawa, Japón, haciendo una serie de pinturas y desechándolas al terminar, gritando a los dioses que devuelvan a su prometida, una princesa que creía que se había convertido en un dragón. Tatsu luego se dirige a un pueblo cercano, exigiendo un poco de papel de los lugareños. Su comportamiento inusual llama la atención de un hombre llamado Uchida, un amigo del famoso pintor Kano Indara, que busca a alguien para ser el protegido de Indara, ya que Indara no tiene hijo para ser su heredero y continúa el linaje familiar de pinturas. Un día, una de las pinturas desechadas de Tatsu entra en posesión de Uchida. Sorprendido por la obra de arte, Uchida invita a Tatsu a Tokio, alegando que Indara conoce el paradero de su princesa perdida. Cuando llega Tatsu, su comportamiento salvaje sorprende a Indara y causa un alboroto, hasta que Indara presenta a la princesa perdida, quien explica que tiene la forma de su única hija, Ume-ko. Tatsu exige la mano de Ume-ko en matrimonio, lo que Indara acepta, con la condición de que Tatsu sea su hijo y discípulo para llevar el nombre de Indara. Poco después de su matrimonio, Tatsu no puede pintar, explicando que desde que encontró su felicidad, no tiene ninguna razón para hacerlo. Los Indaras tratan de alentar a Tatsu a pintar, pero fue en vano. Al darse cuenta de que el anhelo de Tatsu de encontrar a su princesa perdida es lo que le otorgó su habilidad para pintar, Ume-ko le dice a su padre que con su muerte, el talento de Tatsu puede ser restaurado. A la mañana siguiente, Tatsu descubre una carta de Ume-ko, diciendo que se había suicidado con la esperanza de que restauraría la capacidad de Tatsu. Angustiado por lo que sucedió, Tatsu intenta suicidarse ahogándose en una cascada cercana, pero no tiene éxito. La tristeza de Tatsu continúa creciendo a medida que pasa el tiempo hasta que un día ve lo que parece ser el fantasma de Ume-ko en el jardín familiar, lo que lo motiva a pintar una vez más. El último trabajo de Tatsu le otorga a él y al Indaras reconocimiento internacional, pero poco después de su éxito, su dolor regresa. Esto lleva a Ume-ko, que estuvo escondido todo el tiempo, a regresar a un Tatsu asombrado. La película termina con Tatsu pintando en las montañas con Ume-ko a su lado.
Comentario: Basada en la novela homónima de Mary McNeil Fenollosa. The Dragon Painter fue restaurada en 1988 por el American Film Institute con George Eastman House y el MoMA. En 2014, la película se agregó al National Film Registry.
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100 sagas de cine: Emmanuelle (I)
Emmanuelle o Emanuelle es el personaje principal de la novela Emmanuelle, de Emmanuelle Arsan, publicada en 1959. El personaje apareció por primera vez en el cine, en la película Un hombre para Emmanuelle (Io, Emmanuelle), en 1969, representado por Erika Blanc. Pero fue a partir de la película francesa Emmanuelle, de 1974, dirigida por Just Jaeckin, cuando se dio a conocer el personaje internacionalmente. Esta película hizo que la actriz holandesa Sylvia Kristel quedara identificada con el personaje, a pesar de que se ha utilizado en una gran cantidad de secuelas. Sólo las películas y los episodios producidos por ASP (Alain Siritzky Productions) son oficiales y se basan en el personaje de Arsan. El nombre Emmanuelle (y sus diversas modificaciones ortográficas) han pasado a convertirse en sinónimos de erotismo en el cine.



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“Ad Astra”, “Gravity”, “Interstellar”… ¿Porque viajar al espacio para superar el complejo de Edipo?
Con Ad Astra, la película de ciencia-ficción de James Gray, pero también Interstellar o incluso Gravity, el psicoanálisis psicoanálisis da un giro galáctico al cine, y eso puede volverse pesado. Humor estelar.
¿Buscan a su padre, a su hijo, o también cualquier problema de comunicación familiar? Contacten con la NASA. ¿Qué tienen todas, en los últimos tiempos, en el cine, para intentar superar su complejo de Edipo en las estrellas? Ad Astra (en los cines españoles desde el 20 de septiembre de 2019), Interestelar (2014), Gravity (2013), y podíamos seguir: el sofá del psicoanalista ha tomado las dimensiones del cosmos. Especialmente aislarse en su traje y en su casco espaciales (como se muestra, idénticamente, los tres carteles de estas películas), y sin pánico: Freud les espera en silencio en el espacio.
¿De qué habla la magnífica odisea de James Gray? Un largo viaje del astronauta Roy McBride (Brad Pitt) para encontrar a su padre que lo abandonó cuando era niño, todo eso para ir a naufragar a Neptuno. Cuando quieres representar al padre dimisionario, aún es más elegante largarse, un día, de la noche a la mañana, porque creemos en los extraterrestres, en lugar de superar el golpe "Solo salgo a comprar cigarrillos"...
jueves, 26 de septiembre de 2019
Películas de la semana: 27 de septiembre
Mientras dure la guerra

Rambo: Last Blood

The Laundromat: Dinero sucio

El papel de sus vidas

Hasta siempre, hijo mío

Bienvenidos al barrio

Agur Etxebeste!

Señor

H0us3

Basia

Historia del cine español: Conversaciones de Salamanca (XI)

100 sagas de cine: El vengador tóxico (II)


La saga de películas del Vengador Tóxico se caracterizan por sus escenas de violencia excesiva, mutilación, humillación, humor obsceno, sexo y desnudos. Además se realizó una serie de animación para televisión (Toxic Crusaders) adaptada a los menores de edad donde se substituye el gore por un mensaje puramente ecológico. Con motivo de su 25 aniversario se realizó The Toxic Avenger: The Musical! Y, para 2019 está anunciado un remake, The Toxic Avenger, dirigida por Conrad Vernon.
miércoles, 25 de septiembre de 2019
Efemérides de cine: Vidas truncadas
El 25 de septiembre de 2019 se estrenó la película francesa Vidas truncadas (L'arbre de Noël), dirigida por Terence Young e interpretada por William Holden, Virna Lisi, Bourvil, Madeleine Damien, Mario Feliciani, Brook Fuller. Productora: Coproducción Francia-Italia; Jupiter Generale Cinematografica/Les Films Corona/Valoria Films. Duración: 110 minutos.
Sinopsis argumental: Tras la muerte de su madre, Pascal, un niño de diez años, pasa las vacaciones con su padre y la novia de éste en Córcega. Un día, mientras bucean cerca de la costa, un avión cae al mar. Algunos días después, en el rostro del niño aparecen unas inquietantes manchas azules como consecuencia de las radiaciones de un arma nuclear que transportaba el avión siniestrado.
Comentario: Melodrama romántico que adapta la novela de Michel Bataille. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.
Hace 100 años: Dalagang bukid
El 25 de septiembre de 1919 se estrenó la película filipina Dalagang bukid, dirigida por Jose Nepomuceno e interpretad por Atang Dela Rama, Mar I. Esmeralda, Marcellano Ilagan. Productora: Malayan Movies/Nepomuceno Productions.
Sinopsis argumental: Historia sobre una joven vendedora de flores llamada Angelita, a quien sus padres obligan a casarse con un viejo rico, Don Silvestre, a pesar de su amor por Cipriano, un estudiante de derecho.
Comentario: Este es el primer largometraje filipino realizado por el director considerado como "Padre del cine filipino" y ahora se considera perdida.
Historia del cine español: Conversaciones de Salamanca (X)

martes, 24 de septiembre de 2019
100 sagas de cine: El vengador tóxico (I)

Existen varias secuelas:

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