Fallece la actriz francesa Nathalie Baye

Nathalie Baye (Mainneville, Eure, 6 de julio de 1948 – París, 17 de abril de 2026) fue una actriz francesa de cine, teatro y televisión. A lo largo de su carrera actuó en más de ochenta películas, convirtiéndose en una de las actrices más prolíficas y versátiles del cine francés. 
Obtuvo cuatro trofeos en los Premios César de un total de diez candidaturas. En 1999 obtuvo la Copa Volpi a la mejor actriz por Una relación privada (Une liaison pornographique) en el Festival de Cine de Venecia. Posteriormente, en 2006 obtuvo la Concha de Plata a la mejor actriz por Mi hijo (Mon fils à moi) en el Festival de Cine de San Sebastián. Asimismo, en 2009 recibió la condecoración de la Legión de Honor francesa, en el grado de Dama. En octubre de 2011, fue presidenta del jurado del 22.º Festival de Cine Británico de Dinard.
Había trabajado con Truffaut (gracias a quien se dio a conocer en La noche americana), Godard, Chabrol, Dolan, Spielberg… Nathalie Baye, una gran actriz y figura clave del cine francés, falleció en París la noche del viernes 17 de abril de 2026, participó en cerca de un centenar de películas. 

Ha muerto Rob Reiner, pero siempre lo recordaremos por su ecléctica filmografía (II)

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Misery (1990)

Rob Reiner, con guion de William Goldman, hizo una adaptación modélica del terrorífico libro de Stephen King de 1987. Y Kathy Bates alzó su mano... con el Oscar. La trama se centra en un autor cautivo de una fan obsesiva que lo obliga a reescribir el final de su serie de novelas.

Algunos hombres buenos (A Few Good Men, 1992)

Un sensacional thriller judicial, con personajes muy bien perfilados en el guion de Aaron Sorkin, que adapta su propia obra teatral, con buenas escenas ante el tribunal, y una buena dosificación de los altibajos en el progreso del caso, y las dudas de los personajes de la defensa acerca de si serán capaces de montar un caso sólido para lograr la absolución de los acusados. Todo el reparto está perfectamente escogido, y Rob Reiner dirige con buen tino. La película invita a reflexionar acerca de cuestiones como la obediencia debida, la dignidad de la persona o el honor, esa palabra con frecuencia demasiado gastada.

Ahora o nunca (The Bucket List, 2007)

Es ésta una de esas películas que se interrogan acerca de cuáles son las cosas importantes de la vida, capaces de dar la felicidad; y que invita a dar los pasos necesarios para conseguirlas. En efecto, se distinguen los caprichos e ilusiones que están bien, pero no son para tanto (la caída libre, conducir un par de cochazos...), con la contemplación de la belleza del mundo, y así, de modo ascendente, llegar al amor de las personas, o a la consideración de lo que nos aguarda después de la muerte. En ese sentido es muy emotiva la conversación ante las grandes pirámides de Egipto, en que se habla de las ideas egipcias sobre el más allá y una suerte de juicio para acceder a la vida eterna; también destaca el panegírico final.

Flipped (2010)

Historia de amores adolescentes, donde Rob Reiner adapta una novela juvenil de Wendelin Van Draanen. Lo original de la propuesta es que se cuenta la historia desde el punto de vista de cada uno de los chicos, y según una u otro, las cosas se ven de modo muy diferente.

Ha muerto Rob Reiner, pero siempre lo recordaremos por su ecléctica filmografía (I)

El cineasta estadounidense de 78 años y su esposa fueron encontrados muertos a puñaladas en su casa de Los Ángeles el domingo 14 de diciembre de 2025. Deja tras de sí numerosas películas que han impactado a toda una generación. He aquí algunas de sus películas más emblemáticas. 

This is Spinal Tap (1984)

Documental, más bien rockumental, sobre la banda de rock más ruidosa de la historia, el grupo de heavy metal "Spinal Tap". Imprescindible clásico de culto de los documentales rock. La parodia definitiva sobre la desastrosa gira americana de una falsa banda en decadencia. 

Cuenta conmigo (Stand by Me, 1986)

Adaptación de un relato de Stephen King, en que un escritor recuerda su adolescencia, y en especial el verano en que, con su pandilla, descubrieron un cadáver en el bosque. Este extraño suceso tiene lugar en un pequeño pueblo de Oregón, Estados Unidos. Y sirve para dibujar la personalidad de cuatro valientes amigos: Gordie (Wil Wheaton), Chris (River Phoenix), Teddy (Corey Feldman) y Vern (Jerry O'Connell). Una entretenida película de aventuras, bañada de nostalgia, que hace un certero retrato del difícil paso de la niñez a la adolescencia. La película ha llegado a convertirse en un clásico, tan inolvidable como el tema musical del que toma título la película, Stand By Me, interpretado por Ben E. King.

La princesa prometida (The Princess Bride, 1987)

Una joven Robin Wright es la bella princesita Buttercup, que suspira por el amor del apuesto Westley (Cary Elwes). Humor y maravillosas y trepidantes aventuras ofrece el relato gracias al prodigioso guion de William Goldman. Destacan los divertidos personajes secundarios, como el español Íñigo Montoya o el gigante Fezzik. Dirige Rob Reiner, que había triunfado el año anterior con Cuenta conmigo. Fábula indispensable para niños y grandes.

Cuando Harry encontró a Sally (When Harry Met Sally, 1989)

La cinta fue la comedia romántica del año protagonizada por Billy Crystal y Meg Ryan. Encantadora, divertida y romántica, pero también con estilo "moderno"; ingredientes que el director Rob Reiner reunió para contar una historia de amor con unos actores de primera. Tiene momentos brillantes y diálogos aún mejores. El guion de Nora Ephron fue nominado a los Oscar.

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Fallecimiento del actor Peter Greene

Peter Greene (nacido Green; 8 de octubre de 1965 - 12 de diciembre de 2025) fue un actor estadounidense. Actor de carácter, conocido por interpretar a villanos. Fue conocido por su interpretación del malvado Zed, un sádico guardia de seguridad en Pulp Fiction (1994), murió a los 60 años. En La máscara (The Mask, 1994), de Chuck Russell, donde interpretó al villano Dorian Tyrell.

Otros créditos de Greene incluyen Leyes de la gravedad (Laws of Gravity, 1992), de Nick Gomez; Los jueces de la noche (Judgment Night, 1993), dirigida por Stephen Hopkins; Clean, Shaven (1994), de Lodge Kerrigan; Alerta máxima 2 (Under Siege 2: Dark Territory, 1995), de  Geoff Murphy; Bang (1995), de Ash Baron-Cohen; Ambición peligrosa (The Rich Man's Wife, 1996), de Amy Holden Jones; Coyote Run (1996), de Shimon Dotan; Kiss & Tell (1997), de Jordan Ala; Impacto mortal (Double Tap, 1997), de Greg Yaitanes; De ladrón a policía (Blue Streak, 1999), de Les Mayfield; La hora de las sombras (Shadow Hours, 2000), de Isaac H. Eaton; 

Tiempo límite (Ticker, 2001), de Albert Pyun; Escenas de un crimen (Scenes of the Crime, 2001), de Dominique Forma; Dos granujas y un bebé (Nobody's Baby, 2001), de David Seltzer; Dead Dogs Lie (2001), de Craig Singer; Under the Influence (Malas influencias) (2002), de Eric Gradner; Un ladrón con estilo (Gentleman B., 2003), de Jordan Alan; La guerra de los mundos (War of the Worlds AKA H.G. Wells' War of the World, 2005), de David Michael Latt; Confession (Deadly Secrets) (2005), de Jonathan Meyers; Justicia y venganza (Brothers in Arms, 2005), de Jean-Claude La Marre; End Game (2006), de Andy Cheng; Fist of the Warrior (2007), de Wayne Kennedy; Exposados (The Bounty Hunter, 2010), de Andy Tennant; Los muelles del delito (Once Fallen, 2010), de Ash Adams; Terrícola (Earthling, 2010), de Clay Liford; Caller ID: Entity (2010), de Eric Zimmerman; The Kill Hole (2012), de Misha Webley; Brutal (2012), de Kamal Ahmed; Turnabout (2016), de E.B. Hughes; Ciudad de mentiras (City of Lies, 2018), de Brad Furman; Samir (2019), de Michael Basha, Chateau Bezerra y Maria De Sanctis; Exit 0 (2019), de E.B. Hughes; El traficante (Body Brokers, 2021), de John Swab; Out of Exile (2022), de Kyle Kauwika Harris; 3 Days Rising (2022), de Craig Cukrowski; Little Dixie (2023), de John Swab; Buckle Up (2023), de Ross Fall y Chris Newman; Clika (2026), de Michael Greene. 

Muerte de Udo Kier, impresionante villano y audaz metamorfo del cine

Interpretó varias veces a Hitler y a muchísimos vampiros, pasó del cine de arte y ensayo al cine de serie B, trabajó con Fassbinder, Lars von Trier y Madonna… El actor alemán que no le tenía miedo a nada falleció el 23 de noviembre a los 81 años.

Ejerció su oficio como actor y doble de acción, asumiendo todo lo que podía, a veces incluso cualquier cosa, durante más de cincuenta años. El fenomenal Udo Kier Ha fallecido dejando tras de sí una filmografía única que abarca desde papeles secundarios hasta papeles principales con una gran sensación de libertad. Reflexionando sobre esta maratoniana carrera de papeles secundarios, declaró a Variety en 2024: "Hay 100 películas malas, 50 que puedes ver con una copa de vino y 50 buenas".

Con un rostro modesto pero una mirada inquietantemente felina y un carácter temperamental y caótico, este actor alemán, nacido en Colonia en 1944, interpretó a menudo personajes amenazantes, villanos o incluso sádicos, aceptando con gusto el papel de Hitler en varias ocasiones, sobre todo en la serie Hunters . También fue capaz de transformarse, como en Swan Song (2021), de Todd Stephens: Pat Pitsenbarger es un excéntrico peluquero gay ya retirado que se escapa del asilo en el que está ingresado para cumplir con un último encargo: peinar y maquillar a una antigua celebridad, amiga y clienta que ha fallecido, para que esté perfecta en su velatorio.

Marginalidad y cine de género

Estrella por derecho propio, Udo Kier convirtió su excentricidad en una fortaleza, una forma de afirmarse no solo como gay, sino como completamente atípico. Su audacia fue recompensada desde el principio: cuando se unió al director Paul Morrissey en la barroca aventura de sus películas de terror producidas por Andy Warhol, Carne para Frankenstein (Flesh for Frankenstein, 1973) y Sangre para Drácula (Dracula cerca sangue di vergine... e morì di sete!!!, 1974), se convirtió en una figura de culto. Compañero de viaje de la modernidad artística, de los márgenes y del cine de género, desde películas de serie B hasta películas comerciales -como Blade (1998),  de Stephen Norrington, su aura era considerable. Incluso impresionó a la propia Madonna, quien, a principios de los años 1990, lo llamó para Sex, su libro de fotografías publicado con el álbum Erotica, y lo invitó a aparecer en el videoclip de la canción Deeper and Deeper.

Udo Kier y Dalila Di Lazzaro en Carne para Frankenstein (1973)

Una energía creativa une esta carrera a veces oscura pero abierta, marcada por películas sumamente originales, a menudo rebosantes de ideas. Por ejemplo, La sombra del vampiro (Shadow of the Vampire, 2000), de E. Elias Merhige , recreó el rodaje de Nosferatu (Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens, 1922) de F. W. Murnau, dándole a Udo Kier el papel de Albert Grau, el famoso escenógrafo y productor de esta obra maestra del cine mudo. El actor también destacó en la fábula futurista Johnny Mnemonic (1995), de Robert Longo, donde se reencontró con Keanu Reeves, su coprotagonista en Mi Idaho privado (My Own Private Idaho, 1991) de Gus Van Sant. Más recientemente, el rostro de Udo Kier apareció en el tráiler del misterioso OD, un videojuego dirigido por Hideo Kojima a partir de un guion de Jordan Peele. Y lo esperamos en diciembre en El agente secreto (O Agente Secreto, 2025), del brasileño Kleber Mendonça Filho, quien ya lo había elegido para Bacurau (2019).

Udo Kier en Sangre para Drácula (1974)

Dos cineastas marcaron especialmente la vida de este actor de espíritu libre internacional. Primero, Rainer Werner Fassbinder, quien nació un año después de Udo Kier y lo conoció a temprana edad. Lo dirigió en La mujer del ferroviario (Bolwieser, 1977), La tercera generación (Die dritte Generation, 1979) y Lili Marleen (Una canción... Lilí Marlen) (Lili Marleen, 1981). Luego, Lars von Trier, quien convirtió al alemán (quien se había establecido en Palm Springs y se había convertido en una especie de californiano) en un rostro familiar en su universo a partir de Epidemic (1987), contratándolo nuevamente para Europa (1991), Rompiendo las olas (Breaking the Waves, 1996), Bailar en la oscuridad (Dancer in the Dark, 2000), Melancolía (Melancholia, 2011) y Nymphomaniac. Volumen 1 (2013). Estos dos grandes directores encontraron en Udo Kier un conducto para sus visiones de una humanidad atormentada, la encarnación de una violencia oculta bajo apariencias aparentemente mundanas, un hombre capaz de explorar cuestiones del bien y del mal, y los excesos ideológicos o morales. Acostumbrado a traspasar los límites, Udo Kier supo explorarlos en todas sus dimensiones.

El cineasta Peter Watkins, un revolucionario silencioso, ha fallecido

Conocido por Punishment Park (1971), La comuna (Paris 1871) (La Commune (Paris 1871), 2000), o su drama documental de 1974 sobre el pintor Edvard Munch, el cineasta británico radical Peter Watkins (1935-2025), ferviente antimilitarista y ferviente crítico de los medios de comunicación, falleció el 31 de octubre de 2025, a la edad de 90 años.

"Es sencillo pero conmovedor", comenta con ironía un general sobre un joven soldado enviado a la muerte en la fábula antibélica de Peter Watkins, The Gladiators (Gladiatorerna, 1969), en el que la guerra es tratada como un evento deportivo en la que dos partes se enfrentan en un conflicto bajo la supervisión de unos ‘oficiales’. Los ‘juegos’ se desarrollan de forma similar a un programa de televisión. Watkins pretende con esta película ilustrar la vaciedad de la guerra, caricaturizando a los líderes políticos y la forma en la que utilizan argucias para empujar a sus tropas a la victoria. 

A los 31 años, Peter Watkins causó revuelo con El juego de la guerra (The War game, 1966), un sombrío docudrama (ganador del Oscar al mejor documental en 1966) encargado por la BBC como anuncio de servicio público sobre el riesgo de un ataque nuclear durante la Guerra Fría. Sin embargo, el joven cineasta entregó algo parecido a una película de terror: básicamente, si la URSS atacaba al Reino Unido, habría numerosas bajas, independientemente de las estrategias de evacuación.

Fallecimiento de la actriz Diane Ladd, un rostro familiar de la televisión estadounidense y madre de Laura Dern

Desde series populares hasta grandes películas, Diane Ladd, versátil y aclamada actriz, ha sido una figura constante en la televisión estadounidense desde la década de 1950. Será recordada sobre todo por el intenso vínculo filial que mantuvo con su hija, Laura Dern, que fue retratado en la pantalla, especialmente por Lynch.

¿Diane Ladd? Quizás el rostro asociado a ese nombre esté algo borroso en la memoria de los cinéfiloa. Completamente oculto por una máscara de carmín (ya volveremos a eso). O tal vez pixelado por los rasgos más familiares de Diane Lane, Cheryl Ladd de Los Ángeles de Charlie, o incluso Diane Keaton, quien falleció entre una ola de homenajes tres semanas antes que ella. Actriz con numerosos papeles, en su mayoría secundarios, Diane Ladd murió tranquilamente, en Ojai, California, el 3 de noviembre de 2025, a los 89 años, setenta de los cuales los pasó trabajando en platós de cine.

Laura Dern y Diane Ladd

Diane Ladd, registrada al nacer como  Rose Diane Lanier, (Meridian, Misisipi, 29 de noviembre de 1935-Ojai, California, 3 de noviembre de 2025)​ fue una actriz de cine y televisión estadounidense. Estaba emparentada lejanamente con el dramaturgo Tennessee Williams.

Comenzó su carrera en la década de 1950 en televisión, en series como Perry Mason y Mr. Novak, mientras que su debut fílmico fue en la película de Roger Corman Los ángeles del infierno (The Wild Angels, 1956), junto a Nancy Sinatra, Bruce Dern y Peter Fonda.

Diane Ladd, que era una actriz respetada más que una estrella de cine mundialmente famosa, nunca ganó un premio de la Academia, aunque recibió tres nominaciones al Premio Óscar por sus papeles en Alicia ya no vive aquí (Alice Doesn't Live Here Anymore, 1974), de Martin Scorsese, donde interpretaba Flo, la camarera sureña descarada y malhablada pero profundamente compasiva; Corazón salvaje (Wild at Heart, 1990), junto a su hija Laura  Dern, en la que asume el papel de Marietta Fortune, una ex reina de belleza seductora y malévola que contrata a un sicario para matar al novio de su hija (Nicolas Cage), y El precio de la ambición (Rambling Rose (1991), la primera de las cuales le valió un Premio BAFTA. También fue nominada a tres premios Primetime Emmy y cuatro Globos de Oro.

Muere Björn Andrésen, el inolvidable Tadzio de 'Muerte en Venecia'

Visto por última vez en cines en 2019 en Midsommar de Ari Aster, el actor sueco alcanzó una fama repentina por su papel de adolescente en la obra maestra de Luchino Visconti. Falleció el 25 de octubre de 2025, a los 70 años.

A los 15 años, cuando el adolescente aspiraba a una carrera como pianista, fue contactado por el cineasta italiano Luchino Visconti, quien viajaba por Europa en busca del joven perfecto para interpretar a Tadzio. Un adolescente con gracia prerrafaelita, por quien el compositor Gustav von Aschenbach, interpretado por Dirk Bogarde, alberga una obsesión que le impide escribir y salir de Venecia, amenazada por una epidemia de cólera. El papel, que le valió el apodo de "el chico más guapo del mundo", catapultó a Björn Andrésen a la fama. Pero lo afectó tanto que lo sumió en la depresión y la adicción.

“No tuve ningún problema durante el rodaje. Pero una vez terminado, me sentí como si me estuvieran echando a los lobos. Físicamente, no me pasó nada, pero aun así fue muy desagradable”, declaró Björn Andrésen al periódico Expressen en 2021. En la misma entrevista, explicó cómo, tras ser llevado por Visconti a un club gay con un grupo de hombres tras el estreno de Muerte en Venecia (Morte a Venezia, 1971), -basada en la novela corta La muerte en Venecia (1912)-, de Thomas Mann. se dio un atracón de alcohol para adormecer su soledad. Habiéndose convertido, a pesar suyo, en un icono gay (véase el cortometraje Buscando a Tadzio, dirigido en 1988 por Étienne Faure), Björn Andrésen también fue adorado en Japón, donde inspiró a creadores de manga, incluido el que dio origen a Lady Oscar. Pero tras un comienzo espectacular, su carrera como actor se limitó en gran medida a las producciones de la televisión sueca.

Björn Andrésen y Dirk Bogarde en Muerte en Venecia (1971)

También trabajó en películas como Smugglarkungen (1985), Kojan (1992) y  Pelikaanimies (2004). Fue, además, músico profesional y tecladista del grupo de dansband Sven Erics. En 2021, se estrenó el documental The Most Beautiful Boy in the World, de las directoras Kristina Lindström y Kristian Petri, basado en su vida y los efectos que la fama a partir de la película de Visconti tuvieron en ella.​ Se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en 2021. En él, Andrésen discute la vida familiar con su hermana. También habló sobre su vida en el internado. El documental también lo muestra revisando los registros policiales de la muerte de su madre. Ella desapareció en octubre de 1965 cuando Andrésen tenía diez años, y su cuerpo fue descubierto en un bosque en mayo de 1966.

Björn Andrésen en Muerte en Venecia (1971)

En su última aparición en la gran pantalla, interpretó al viejo Dan en Midsommar, la película de terror de Ari Aster, en 2019. Dos años más tarde, sus compatriotas Kristina Lindström y Kristian Petri le dedicaron un conmovedor documental, Björn Andrésen, en una situación muy precaria y con el rostro marcado, recuerda una vida de pruebas (el suicidio de su madre cuando tenía 10 años; el autoritarismo de una abuela que quería que su nieto fuera famoso a toda costa; la muerte de un niño a los 7 meses...), durante la cual Muerte en Venecia le había hecho más daño que bien.

Muerte de Diane Keaton, la inolvidable actriz que protagonizó "El Padrino" y "Annie Hall" (II)

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Ocho películas con Woody Allen

Fue con Woody Allen, por supuesto, que pulió su brillantez cómica, su seducción, voluntariamente torpe, o fuerte, y exaltada, y excéntrica, desprovista de las afectaciones que conforman el sexy común en el cine. El dúo, que se conoció a finales de los años 1960 en la obra teatral Aspirina para dos (Play it again, Sam, 1969) colaboró ​​no menos de ocho veces entre 1972 y 1993: Sueños de un seductor (Play it again, Sam, 1973), una adaptación de la mencionada obra dirigida por Herbert Ross); El dormilón (Sleeper, 1973), La última noche de Boris Grushenko (Love and Death, 1975);  Annie Hall (1977); Interiores (Interiors, 1977); Manhattan (1979); Días de radio (Radio Days, 1987) y Misterioso asesinato en Manhattan (Manhattan Murder Mystery, 1993) donde Keaton sustituyó a Mia Farrow tras su ruptura con el director. 

Diane Keaton y Woody Allen en Annie Hall (1977)

Mientras tanto, la californiana se aventuró en Buscando al señor Goodbar (Looking for Mr. Goodbar, 1977), de Richard Brooks, la historia de una profesora que es buena en todos los aspectos y cuyas noches son más calurosas que sus días; o se aventura en la épica político-romántica con su nuevo amante, Warren Beatty, quien la filma como una periodista feminista enamorada de un colega marxista (él mismo, por supuesto) durante la revolución rusa de 1917 en Rojos (Reds, 1981). El resultado fue una nominación al Oscar, seguida de dos más por La habitación de Marvin (Marvin's Room, 1996), de Jerry Zaks y Cuando menos te lo esperas (Something's Gotta Give, 2003), de Nancy Myers, una comedia romántica con Jack Nicholson.

Diane Keation, Kathy Bates y Alfre Woodard en Campamento de verano (2024)

Productora (en particular, de Elephant (2003), de Gus Van Sant), directora de varios largometrajes marcados por la muerte y el más allá, una serie de telefilmes e incluso, sorprendentemente, un episodio de la segunda temporada de Twin Peaks, Diane Keaton ha tenido su cuota de fracasos y entretenimiento más o menos insignificante. En cualquier caso, el público general prefería que fuera graciosa. Como prueba, el éxito de Baby, tú vales mucho (Baby Room, 1987), de Charles Shyer, donde se reinventa como una ejecutiva que hereda un niño pequeño y construye un floreciente negocio de compota de manzana, basado en una historia real. Desde El club de las primeras esposas (The First Wives Club, 1996), de Hugh Wilson, donde ella y sus amigas (Bette Midler y Goldie Hawn) vengaron con alegría a las cincuentonas abandonadas por modelos más jóvenes, se ha entregado a menudo a la comedia de la tercera edad que se impone: una atmósfera de perros y gatos con Harrison Ford en la encantadora Morning Glory (2010), de Roger Michell, o, en Book Club (2018), de Bill Holderman, hasta el punto de afirmar estar abrumada por la lectura de Cincuenta sombras de Grey. También la vimos como una monja rígida en la serie The Young Pope (2016), a mil años luz de la elegancia "juvenil", con sombrero, corbata y chaleco de abuelo, que era el estilo Keaton. Campamento de verano (Summer Camp), su última película, una comedia con Kathy Bates, llegó aquí directamente a la carta en 2024. No contemplaba la jubilación.

Muerte de Diane Keaton, la inolvidable actriz que protagonizó "El Padrino" y "Annie Hall" (I)

La actriz estadounidense falleció en Los Ángeles el 10 de octubre de 2025, a los 79 años, tras una larga carrera marcada por sus colaboraciones con Francis Ford Coppola y Woody Allen.

Annie Hall fue, en dos sentidos, el papel de su vida. Primero, porque Woody Allen, su expareja, que siguió siendo su amigo, se inspiró en ella para escribir esta brillante comedia sobre los tormentos de una pareja. Pero también porque Diane Keaton, nacida Diane Hall en 1946, quizá nunca haya encontrado ni hecho nada mejor que esta maravilla de chica encaramada, loca por la rueda y domadora de langostas, que la consagró como digna heredera de su ídolo, la gran Katharine Hepburn, y le valió el Oscar a la mejor actriz en 1978. La muerte de la estrella estadounidense dará lugar a multitud de homenajes. Ella afirmó en una entrevista: "Quiero formar parte de esta familia de actrices, un poco andrógina, con un humor antipatético".

Diane Keaton y Al Pacino en El padrino (1972)

Diane Keaton ha fallecido, y la idea misma de fantasía y encanto parece estar en decadencia. Su extensa filmografía, que comenzó en 1970 tras una breve temporada en Broadway, incluye, sin embargo, algunos títulos olvidables. En cualquier caso, recordamos las joyas, y los diamantes son para siempre. La trilogía del Padrino, por supuesto, comenzó en 1972 después de que Francis Ford Coppola la viera en Amantes y otros extraños (Lovers and Other Strangers, 1970), de Cy Howard, su primer largometraje. El joven cineasta buscaba entonces una prometida para Michael Corleone/Al Pacino y le ofreció la sabia, aunque insignificante, banda sonora de Kay Adams. Una mujer con traje en un mundo de hombres con traje, tan ajeno a las costumbres de la mafia como al levantamiento de pesas. Aunque el papel consistía esencialmente en "esperar en los pasillos", regresó para la segunda parte en 1974 (la escena en la que deja a su marido gánster, diciéndole que había tenido un aborto ("¡Era un hijo!"), vale la pena el esfuerzo) y una tercera parte, tan operística como puede ser, en 1990.

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Cómo Robert Redford se convirtió en el Señor de Sundance y una figura del cine independiente

Enamorado perdidamente de las montañas de Utah, el actor fue adquiriendo terrenos allí y convirtió el lugar en un punto de encuentro para sus luchas ambientales, y posteriormente para todo el cine independiente. Antes de fundar allí el famoso festival en 1979.
Se ha pasado página. En 2027, el Festival de Sundance dejará el hogar de Robert Redford en Utah para establecerse en las montañas de Colorado. Desde hacía un tiempo, debido a problemas de salud, el actor y director había sido un espectáculo poco común. Bajaba con menos frecuencia de su retiro en las laderas del Monte Timpanogos para saludar a los jóvenes cineastas que abarrotaban las calles de Park City. La historia continuará sin él, pero permanecerá ligada a él para siempre. Sundance es su creación más preciada, la que lo convirtió en el padrino más genial del cine independiente estadounidense. Y un señor sin igual, comparado con un héroe de Tolstoi contemplando su inmenso legado. 

El Festival de Cine de Sundance es un festival cinematográfico internacional que se celebra anualmente las últimas dos semanas de enero en el poblado de Park City, cerca de Salt Lake City, la capital del estado de Utah, en Estados Unidos. En marzo del 2025, se anunció que el Festival se mudaría a Boulder, Colorado, después de 40 años de organización en Salt Lake City, debido a la falta de cines necesarios y de residencias asequibles para albergar a sus asistentes. El nombre del festival, Sundance, proviene del personaje que Redford interpretó en 1969 en la película Dos hombres y un destino (Butch Cassidy and the Sundance Kid).

Fallece Robert Redford, el querido actor estadounidense y gran defensor del cine independiente

Actor irresistible, fundador del Festival de Cine de Sundance, director comprometido y activista ambiental, Robert Redford encarnó una América particular, una de espacios abiertos y héroes. Esto no le impidió denunciar sus numerosos defectos. Falleció el martes, 16 de septiembre de 2025, a los 89 años.

Sexy, rubio, alto, musculoso, de mirada cautivadora y sonrisa devastadora, Robert Redford, fallecido el 16 de septiembre a los 89 años, fue el actor más sensual, más celebrado y más admirado de los años 70. Tan guapo como Paul Newman, en los años 1960 y 1970, de quien fue compañero, todavía vacilante como puede serlo un estudiante frente al maestro, en Dos hombres y un destino, de George Roy Hill, en 1969… Pero Newman, fuerte en su físico y su notoriedad, nunca dudó en aceptar papeles atormentados y ambiguos — El zurdo (1958), de Arthur Penn, La gata sobre el tejado de zinc (1958), de Richard Brooks, basada en Tennessee Williams (1958), o El buscavidas (1961), de Robert Rossen.

Fallece el actor Graham Greene, figura inolvidable de “Bailando con Lobos”

El público lo descubrió junto a Kevin Costner y Mel Gibson, y luego lo vio crecer en la pantalla chica. El actor canadiense, nacido en la tribu oneida, tuvo un impacto significativo en la representación de los nativos americanos en la gran pantalla. Falleció el lunes 31 de agosto de 2025, a los 73 años.

Detesto la frase "Graham Greene, actor nativo americano". Estamos en un dilema. ¿Cómo podemos separar la carrera del canadiense, fallecido el 1 de septiembre a los 73 años, de su identidad oneida, una de las tribus de la Confederación Iroquesa? Para los cinéfilos, su nombre evoca en primer lugar al personaje de Kicking Bird, el indio (sioux en este caso) que se hace amigo del soldado norteño derrotado interpretado por Kevin Costner en su película Bailando con lobos (Dances with Wolves, 1990). Gracias a su actuación, que juega con lo pintoresco, el entonces actor de treinta años, que admite haber sudado sangre y agua para aprender el idioma lakota, equipara el cliché del buen salvaje. Su inconfundible presencia convierte a este western humanista en un hito en la representación de los pueblos indígenas en la gran pantalla. Su papel en esta película le valió una nominación al Oscar como mejor actor de reparto. 

En la película Bailando con lobos (1990), Graham Greene interpretó a Pájaro Pateador

Después participó en películas más comerciales como Corazón trueno (Thunderheart, 1992), Maverick (1994), Jungla de cristal: la venganza (Die Hard with a Vengeance, 1995), La milla verde (The Green Mile, 1996), Pequeño cherokee (The education of Little Tree, 1997) y La saga Crepúsculo: Luna nueva (The Twilight Saga: New Moon, 2009). Además, dio vida a Rafe McCawley, uno de los personajes principales de la serie de ciencia-ficción Defiance (2013-2015. Por otro lado, hizo de actor de doblaje de Lluvia Repentina (el jefe indio) en el juego de Red Dead Redemption 2.

Fallece el actor Eusebio Poncela (III)

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Trabaja con directores como Carlos Saura, Imanol Uribe y destaca en El arreglo (1983) o en Diario de invierno (1988). En 1986 trabaja con Pilar Miró en la película Werther . Por entonces dejó su adicción a la heroína, que sufrió durante treinta años y combatió expatriándose a Argentina.

Durante un tiempo desaparece de la escena española y se traslada a Ushuaia (Argentina), la ciudad más austral del mundo, donde se desengancha; viaja luego por la Patagonia y por la provincia de La Rioja junto a los Andes. Se instala una temporada en casa de sus amigos Cecilia Roth y Fito Páez y recibe la llamada de Adolfo Aristarain para interpretar a Dante en Martín (Hache) (1997), cosechando excelentes críticas. Hace allí una exposición de sus pinturas. En 1993 participa como protagonista en el videoclip Matador de la reconocida banda de rock argentina Los Fabulosos Cadillacs.

Eusebio Poncela en Martín (Hache) (1997)

En 2001 comparte protagonismo con Ángela Molina en Sagitario, debut en la dirección de Vicente Molina Foix e interviene en la miniserie Viento del pueblo, biografía de Miguel Hernández a quien da vida Liberto Rabal. Otras películas recientes son Tuno negro, Remake, Los Borgia o Teresa, el cuerpo de Cristo. 

Prosigue exitosamente su carrera en teatro, y participa en coproducciones como Intacto, junto a Max von Sydow, por la que es candidato al Premio Goya como mejor actor, o la argentina Hermanas, de Julia Solomonoff, que revisa el antes y el después de la dictadura militar.

En 2004 recibe el Premio Nacional de Cinematografía Nacho Martínez que cada año otorga el Festival Internacional de Cine de Gijón.

En 2015 en la serie Carlos, Rey Emperador interpretó al cardenal Cisneros, papel que interpretó anteriormente en la serie Isabel. También ese año aparece como Cisneros en un capítulo de la primera temporada de El Ministerio del Tiempo.

Fallece el actor Eusebio Poncela (II)

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El gran éxito de popularidad le llega con su papel de Carlos Deza en la serie Los gozos y las sombras (1982), adaptación de la obra literaria de Gonzalo Torrente Ballester con Charo López, Amparo Rivelles y Carlos Larrañaga en los demás papeles principales, ambientada en Galicia durante la Segunda República. Anteriormente había participado en Curro Jiménez y más tarde, también para TVE, protagoniza Las aventuras de Pepe Carvalho, serie inspirada en las novelas policíacas de Manuel Vázquez Montalbán.

Los gozos y las sombras (1981)

En la década de 1980 se convierte en un actor popular del cine español. En 1986 participa en la película Matador y al año siguiente en La ley del deseo.
editarMatador realizada en 1986, producida por Andrés Vicente Gómez bajo la dirección de Pedro Almodóvar contó con las actuaciones de Eusebio Poncela como el comisario, Assumpta Serna, Antonio Banderas y Nacho Martínez. Un torero que se ha visto forzado a retirarse prematuramente debido a una cogida, se da cuenta de que su obsesión por matar no desaparece, solo que ahora su objetivo serán las mujeres. Hacer el amor y matar en el último instante es lo más parecido al inefable placer de una tarde en la plaza de toros. El problema se agrava cuando conoce a María, una mujer con tendencias similares a las suyas.

La ley del deseo (1987) cuenta la historia de Pablo (Eusebio Poncela) y Tina (Carmen Maura) son dos hermanos, dedicados al mundo del espectáculo, que están marcados para siempre por la separación de sus padres y, sobre todo, por un oscuro secreto de Tina. Pablo, que malvive enamorado de Juan (Miguel Molina), conoce a Antonio (Antonio Banderas), pero entonces su vida se complicará aún más.

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Fallece el actor Eusebio Poncela (I)

El 27 de agosto de 2025, en El Escorial (Madrid), fallecía el actor español Eusebio Poncela a los 79 años. Protagonista de uno de los grandes clásicos de culto de la historia del cine español, Arrebato, su carrera abarcó múltiples décadas en producciones como Martín (Hache), La ley del deseo, 800 balas, entre otras.

Eusebio Poncela Aprea (Madrid, 15 de septiembre de 1945) fue un actor, pintor, productor y guionista español. Forjado en el teatro durante el tardofranquismo, su trabajo en series de éxito y su vinculación al cine de autor le convierten en uno de los actores más representativos de la Transición y los primeros años de la democracia.

Desde los tres años quiso ser actor y participó en funciones escolares; siendo aún muy joven ya frecuentaba el gimnasio y hacía yoga. Tras graduarse en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD), empieza a actuar en teatro a mediados de la década de 1960. Debuta con la obra Mariana Pineda de Federico García Lorca y es sobre las tablas donde triunfa plenamente. Protagoniza Romeo y Julieta junto a María José Goyanes y uno de sus primeros éxitos en el Teatro Español es Marat-Sade en la compañía de Adolfo Marsillach. A partir de 1970 compagina su actividad teatral con trabajos en cine y televisión; para Estudio 1 protagoniza, entre otras, Los bandidos, de Schiller, junto a Juan Diego y Marisa Paredes. Viaja a Londres, a París y a Nueva York.

Despunta en el séptimo arte a partir de Arrebato (1979), película innovadora de Iván Zulueta donde el poder de absorción de la heroína corre paralelo al poder hipnótico de la imagen. Es una película de carácter vanguardista, tanto en la forma como en su contenido. Se estrena en el contexto de la movida madrileña, es un fracaso de crítica y público pero se convierte en película de culto poco a poco permaneciendo en la sombra durante la década de los años 1990, hasta su reestreno en 2002 y su reedición en DVD. Eusebio Poncela interpreta a José Sirgado, un director de cine de treinta y pocos años que acaba de montar su última película. Su adicción a la heroína hace que su perspectiva del mundo real sea distorsionada, como en un sueño. Aunque es serio y de personalidad inestable, su carácter mejora al recibir las grabaciones de Pedro, con el que comparte su pasión por el cine. Más tarde hará también con Zulueta la película Párpados. 

Arrebato (1979)

En el mismo año de Arrebato protagoniza Operación Ogro, dirigida por Gillo Pontecorvo. Historia del atentado con coche bomba de ETA que mató a Carrero Blanco en diciembre de 1973. Tiempo atrás varios hombres que formaban un comando de ETA tenían una misión: secuestrar al almirante Carrero Blanco para intercambiarlo por presos políticos. Sin embargo, cuando estaban a punto de cumplir su objetivo, Carrero fue nombrado Presidente del Gobierno, y los planes cambiaron. Tiempo después, uno de los hombres de aquél comando sigue siendo partidario de la lucha armada, mientras que sus antiguos correligionarios creen que ha llegado la hora de seguir los cauces democráticos.

Operación Ogro (1979)

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