viernes, 22 de enero de 2021

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCVI)

Fellini, ocho y medio (8½) (8½ (Otto e mezzo) AKA  Fellini 8½, 1963), de Federico Fellini

Considerada como una de las grandes obras maestras de la historia, Fellini, ocho y medio cuenta la crisis artística de un gran director de cine, Guido Anselmi (Marcello Mastroianni), y sus muchos esfuerzos por recuperar la inspiración. Obsesionado con levantar un mastodóntico proyecto, se irá encontrando por el camino a muchas de las mujeres a las que ha amado y echará la vista a todos los momentos más importantes de su vida. Con claros elementos autobiográficos, esta película es por méritos propios uno de los títulos más representativos de la filmografía de Federico Fellini. Es una de las cintas más conocidas del realizador, y según varios críticos cinematográficos es una de las mejores películas que se han hecho jamás. Fue filmada en blanco y negro, y la música fue compuesta por Nino Rota. El tema principal de la película es la crisis creativa de un artista, el problema de confrontarse con las expectativas de todos (productores, periodistas, amigos), y también la crisis existencial de un hombre, que se aferra a los recuerdos y a los sueños para soportar el peso de la vida. Fellini encuentra en el final una solución original e inesperada al problema de la crisis existencial. Este final es el fruto de la genialidad creativa de Fellini. 8 ½, que consiguió un gran éxito internacional y obtuvo el Oscar a la mejor película extranjera, es una película bastante autobiográfica. Este hecho ha sido reconocido y negado, según el humor de que estuviera, por el propio Fellini. La película suponía el número ocho y medio en su filmografía, porque ya había rodado anteriormente siete películas, "y media", considerando sus colaboraciones en las de creación colectiva con otros renombrados directores: Amor en la ciudad (L'amore in città, 1953), en la que el episodio dirigido por Fellini se titula Agencia matrimonial (Agenzia matrimoniale), y Boccaccio 70 (1962), en la que Fellini aporta el episodio titulado Las tentaciones del doctor Antonio (Le tentazioni del dottor Antonio).

Las películas por episodios (IV)

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El esquema de los seriales
El esquema de los seriales estaba ya completamente acabado cuando finalizó la I Guerra Mundial. Desgraciadamente, de los aproximadamente doscientos setenta seriales mudos producidos por Hollywood pocos han logrado llegar hasta nuestros días, y sólo es posible visionar unos veinte, y ni tan siquiera enteros todos ellos. Pero el esquema básico se repetía de uno a otro. Desde el punto de vista de los productores, la razón de ser del serial era conseguir que el público acudiese semana tras semana hasta el final, con lo que se esforzaban sobre todo por crear tensión y curiosidad mediante la combinación de una trama misteriosa y de finales llenos de emoción y peligro. 

Riders of Death Valley es un serial de Universal de 1941, con alto presupuesto y con un elenco de estrellas liderado por Dick Foran y Buck Jones. Ford Beebe y Ray Taylor lo dirigieron. También contó con Lon Chaney Jr. en un papel secundario como un secuaz villano. La trama giraba en torno a un grupo de vigilantes de las minas de Oro de California.

Al menos en la primera época de los seriales, estos finales rara vez se resolvían satisfactoriamente. Era, frecuente que, al final, de un episodio, el héroe quedase atado junto a una bomba de relojería que estaba a punto de explotar y que, al comienzo del siguiente apareciese milagrosamente libre e indemne, sin que se ofreciese explicación alguna. Esas trampas descaradas, basadas en la poca memoria de los espectadores, fueron haciéndose cada vez menos frecuentes según se iba mejorando las técnicas de producción. Pero era también normal rodar dos versiones distintas de un mismo final, en el segundo de los cuales se mostraba cómo, casi milagrosamente, el héroe o la heroína conseguían escapara de la trágica muerte o sufrimiento a que parecía condenarle inexorablemente la primera versión. La versión con que finalizaba un episodio podía mostrar el coche del protagonista despeñándose por un precipicio, mientras que la otra versión rodada desde el otro lado del automóvil, y destinada a abrir el episodio siguiente, mostraba cómo se salvaba, saltando en el último momento posible. 

The Phantom Empire es un serial del oeste estadounidense de 1935, dirigida porOtto Brower y B. Reeves Eason y protagonizada por Gene Autry, Frankie Darro y Betsy King Ross. Constaba de 12 capítulos de Mascot Pictures combina los géneros western, musical y de ciencia-ficción. El primer episodio dura 30 minutos, el resto unos 20 minutos. Trata sobre un vaquero cantante que se topa con una antigua civilización subterránea que vive debajo de su propio rancho y que se corrompe por los especuladores codiciosos sin escrúpulos de la superficie. En 1940, un largometraje de 70 minutos editado a partir de la serie fue estrenado bajo los títulos Radio Ranch o Men with Steel Faces. Este fue el primer papel protagónico de Gene Autry, interpretándose a sí mismo como un vaquero cantante.

Los seriales rara vez se exhibían en las salas de estreno de las grandes ciudades, aunque la situación cambió algo a comienzos del sonoro. En 1930, un vehículo para Tim McCoy, The Indians Are Coming, uno de los primeros seriales con sonido, fue orgullosamente anunciado por la Universal como el "primer serial exhibido en Broadway". No obstante, los seriales ocupaban siempre uno de los últimos puestos en los lotes de distribución de Hollywood. Durante la era del sonoro, la Universal y Columbia fueron los dos únicos estudios importantes que siguieron produciendo seriales (69 y 57, respectivamente). Los demás eran producidos por la Republic, un estudio especializado en este género, que rodó un total de 66, y por las Mascot (una de las compañías independientes que se fundió con otras en 1935 para dar lugar a la Republic), y que rodó un total de 24. Entre diversos productores independienyes se rodaron un total de otros 15 seriales. 
Boris Karlof (a la izquierda) como malo en King of the Wild, serial de 1931
John Wayne fue la única estrella de primera fila que accedió a rodar seriales, pero sus tres intentos, Bajo el terror del águila (Shadow of the Eagle), El expreso de la muerte (Hurricane Express), ambas de 1932, y Los tres mosqueteros del desierto (The Three Musketeers, 1933), fueron modestas producciones de serie B entre su primer papel como protagonista, en La gran jornada (The Big Trail, 1930) y su redescubrimiento en La diligencia (Stagecoach, 1939). Algunos seriales estaban interpretados por actores que hacían también películas normales, como Tom Mix, Buck Jones, Tom Tyler, Bela Lugosi y, por supuesto, Buster Crabbe. Pero, en la mayoría de los casos, sus intérpretes eran actores de segunda fila, como Clayton Moore, Tristasn Coffin o Robert Lowery, que en otra clase de películas solían interpretar personajes secundarios, o que se dedicaban exclusivamente al campo de los seriales, como Kirk Alyn y Charles Quigley. 
The Green Archer es el duodécimo seria producido por Columbia Pictures. 
Se basó en la novela homónima de Edgar Wallace de 1923, que había sido adaptada previamente, 
también como serial mudo del mismo nombre en 1925 por Pathé Exchange
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Jean-Pierre Bacri: sus ocho películas (y ocho roles) más memorables (I)

Fue etiquetado como un gran gruñón, primero fue un gran actor (y autor talentoso). Desde el desagradable pero entrañable Guido de Mes meilleurs copains (1989) hasta el polifacético y gruñón organizador de la boda de C'est la vie (Le sens de la fête, 2017), lo definimos en ocho películas seleccionada de la carrera de un sutil actor, fallecido el lunes 10 de enero de 202, a los 69 años.

1.- Mes meilleurs copains (1989), de Jean-Marie Poiré

Jean-Pierre Bacri es uno de los cinco ex fans de los años sesenta (los otros son Gérard Lanvin, Philippe Khorsand, Christian Clavier y el irresistible Jean-Pierre Darroussin, que se hizo famoso gracias a la película) que, veinte años después de mayo del 68 y muchas decepciones, se reúnen durante un fin de semana en la finca de uno de ellos. Guido, su personaje, soñaba con ser un cineasta erótico-experimental con tendencia gay en la época de los pantalones de patas de elefante, se convirtió en un hijo del pub ya que los años 1980 lamentablemente produjeron mucho. Insoportable, pero también, gracias a la composición de Bacri, muy entrañable cuando se da cuenta de que su juventud definitivamente ha quedado atrás.
 Christian Clavier, Gérard Lanvin, Jean-Pierre Bacri y Jean-Pierre Darroussin en Mes meilleurs copains

2.- Cuisine et dépendances (1993), de Philippe Muyl

La obra de Agnès Jaoui y Jean-Pierre Bacri fue más convincente en el escenario, pero que importa. Perdedor particularmente amargado por el éxito ajeno (y refugiado en la cocina de sus amigos que lo acogen), el actor cuenta con las mejores escenas de la película. En particular aquella en la que pierde los estribos contra el discurso mayoritario con acentos feroces: “La mayoría, ¿cuál exactamente? ¿El que está por la pena de muerte? ¿La que le mete una pluma en el culo porque está de moda? "
Jean-Pierre Bacri y Jean-Pierre Darroussin en Cuisine et dépendances

3.- Didier, mi fiel amigo (Didier, 1997), de Alain Chabat

Jean-Pierre Bacri como agente deportivo, eso es lo que llamamos un papel compositivo, incluso si el personaje está, además, en su registro habitual de fruncir el ceño con buen corazón. Esto no le impide sobresalir ante Alain Chabat como un labrador convertido en humano - y futura estrella de la pelota redonda - en esta película realmente loca ...
Jean-Pierre Bacri y Alain Chabat en Didier, mi fiel amigo

4.- On connaît la chanson (1997), de Alain Resnais

Jean-Pierre Bacri, con Agnès Joui, había adaptado las obras de Alan Ayckbourn Smoking et No Smoking para Alain Resnais en 1992. Cinco años más tarde, el guionista también se convierte en actor del director de Hiroshima mon amour en su película más lúdica. (y su mayor éxito). Porque, en On connaît la chanzon, los actores, en medio de sus diálogos, de repente comienzan a cantar éxitos de la música popular francesa con la voz de su intérprete original. Bacri, interpretando aquí a un conductor hipocondríaco, Tengo el bazo que se dilata, del cómico trooper Ouvrard, fue fundamental. La escena es irresistible.
 Jean-Pierre Bacri y André Dussollier en On connaît la chanson
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jueves, 21 de enero de 2021

Películas de la semana: 22 de enero

El profesor de persa

Título originalPersian Lessons AKA PersischstundenDirección: Vadim Perelman. PaísRusia. Año2020. Duración: 127 minutos. Género: Drama. Drama carcelario. Nazismo. II Guerra Mundial. Holocausto. Años 1940. Interpretación: Nahuel Pérez Biscayart, Lars Eidinger, Leonie Benesch, Jonas Nay, David Schütter, Luisa-Céline Gaffron, Alexander Beyer, Giuseppe Schillaci, Peter Beck, Andreas Hofer, Nico Ehrenteit, Marcus Calvin, Mehdi Rahim-Silvioli, Ingo Hülsmann, Felix von Bredow, Antonin Chalon, Serge Barbagallo, Pascal Elso, Elena Stetsenko, Gennadiy Fomin, Alexander Starchenko, Alexandr Zhdanovich, Anton Zhukov, Svetlana Anikey, Anastasia Gudei, Veronika Buslaeva, Elena Girenok. GuionIlya Tsofin (Novela: Wolfgang Kohlhaase). MúsicaEvgueni Galperine, Sacha Galperine. FotografíaVladislav Opelyants. ProductoraCo-production Rusia-Alemania-Bielorrusia; Hype Film/ONE TWO Films/LM Media/Belarusfilm. Premios y nominacionesFestival de Sevilla: Gran Premio del Público; Festival de Valladolid - Seminci: Mejor montaje. Estreno en España: 22 de enero de 2021. SinopsisFrancia, 1942. Gilles es arrestado por soldados de las SS junto con otros judíos y enviado a un campo de concentración en Alemania. Allí consigue evitar la ejecución al jurar a los guardias que no es judío, sino persa. Gracias a esta artimaña, Gilles consigue mantenerse con vida, pero tendrá que enseñar un idioma que no conoce a uno de los oficiales del campo, interesado en aprenderlo. Al tiempo que la relación entre ellos aumenta, las sospechas de los soldados van en incremento. 

La maldición de Lake Manor

Título original: Il nido AKA The Nest. Dirección: Roberto De Feo. País: Italia.Año: 2019. Duración: 107 minutos. Género: Terror. Casas encantadas. Interpretación: Maurizio Lombardi, Justin Korovkin, Francesca Cavallin, Gabriele Falsetta, Ginevra Francesconi, Massimo Rigo. Guion: Lucio Besana, Margherita Ferri (Historia: Roberto De Feo). Música: Teho Teardo. Fotografía: Emanuele Pasquet. Productora: Colorado Film Production/Vision Distribution/Film Commission Torino-Piemonte/Regione Piemonte. Premios y nominaciones: Nominada al Variety Piazza Grande Award; Sindicato Nacional Italiano de Críticos de Cine: Nominada a mejor director revelación. Estreno en España: 22 de enero de 2021. Sinopsis: Samuel es un joven parapléjico que vive en una siniestra mansión con su madre Elena. La casa se encuentra aislada, en medio del bosque. Elena y el médico de la casa mantienen conversaciones secretas sobre una nueva sociedad, y el papel de Samuel en ella. Pero éste siente una gran curiosidad y deseos de conocer el mundo, a pesar de que su madre le tiene terminantemente prohibido salir de la casa. Cuando Samuel conozca a Denise, una sirvienta que trabaja en la mansión, afrontará las estrictas restricciones de su madre y saldrá al mundo. Elena no le dejará tan facilmente y hará todo lo posible para alejarle de Denise. 

Cazadores de brujas

Título original: Zlogonje. Título internacional: The Witch Hunters. Dirección: Rasko Miljkovic. País: Serbia. Año: 2018. Duración: 90 minutos. Género: Aventuras. Drama. Cine familiar. Amistad. Infancia. Enfermedad. Interpretación: Mihajlo Milavic, Silma Mahmuti, Jelena Djokic, Bojan Zirovic, Dubravka Kovjanic, Jelena Jovanova, Olga Odanovic, Milutin Milosevic, Stela Cetkovic, Milena Predic, Mateja Popovic, Vaja Dujovic. Guion: Milos Kreckovic, Marko Manojlovic, Ivan Stancic (Novela: Jasminka Petrovic). Música: Nevena Glusica. Fotografía: Miksa Andjelic. Productora: Co-production Serbia-Macedonia; Akcija Produkcija/Dream Factory Macedonia/This and That Productions. Estreno en España: 22 de enero de 2021. Sinopsis: El joven de diez años Jovan nació con una parálisis celebral parcial. Tímido, consciente de sí mismo pero con pocos amigos, su lugar preferido para huir es su propia imaginación. Allí imagina ser un superhéroe que no está limitado por su cuerpo. Su vida da un cambio radical cuando una nueva chica llega a su clase: Milica. Desvergonzada y sin nada que ocultar, Jovan no se piensa dos veces la posibilidad de ayudarla a que su padre se libere de su nueva novia. Su nueva amiga está convencida de que la novia de su padre es una bruja que le ha sometido a un hechizo, y además aporta toda clase de pruebas para dar fe de ello. Con el paso del tiempo ambos desarrollan un plan que lleva a Jovan a disfrutar por primera vez de su vida y a superar muchas de las inseguridades que le han perseguido desde que nació.

Hope

Título original: Håp. Dirección: Maria Sødahl. País: Noruega. Año: 2019. Duración: 126 minutos. Género: Drama. Enfermedad. Interpretación: Stellan Skarsgard, Andrea Bræin Hovig, Elli Rhiannon Müller Osbourne, Eirik Hallert, Steinar Klouman Hallert, Johannes Joner, Gjertrud L. Jynge, Alexander Mørk Eidem, Dina Enoksen Elvehaug, Knut Magne Uv, Thomas Tetens Moe, Einar Økland, Ingrid Bugge, Hala Dakhil, Alfred Vatne, Kristin Voss Hestvold, Terje Auli, Daniel Storm Forthun Sandbye, Bente Westad, Maria Vatne. Fotografía: Manuel Alberto Claro.  Montaje: Christian Siebenherz. Productora: Film I Väst/Motlys, Oslo Pictures/Zentropa Productions/Zentropa International Sweden. Premios y nominaciones: Candidata al Oscar por Noruega a mejor película internacional; Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor dirección y actriz (Bræin Hovig). Estreno en España: 22 de enero de 2021. Sinopsis: La relación entre una pareja de artistas es puesta a prueba cuando a ella le descubren que tiene una enfermedad que amenaza con robarle la vida. ¿Qué sucede con el amor cuando a una mujer de mediana edad le pronostican tres meses de vida? Anja (43) y Tomas (59) viven en familia junto a sus hijos biológicos e hijastros pero durante años, la pareja se ha distanciado. Cuando Anja recibe el diagnóstico de cáncer cerebral terminal el día antes de Navidad, su vida se rompe y pone a prueba el amor desatendido

Fellini de los espíritus

Título original: Fellini degli spiriti. Dirección: Selma Dell'Olio. País: Italia. Año: 2020. Duración: 100 minutos. Género: Documental. Documental sobre cine. Reparto: Documental, Gianfranco Angelucci, Filippo Ascione, Leonetta Bentivoglio, Ermanno Cavazzoni, Damien Chazelle, Marina Cicogna, Andrea De Carlo, Gian Luca Farinelli, William Friedkin, Terry Gilliam, Andrea Minuz, Giuditta Miscioscia, Vincenzo Mollica, Antonio Monda, Nicola Piovani, Maurizio Porro, Fiammeta Profili, Gigi Proietti, Aldo Tassone, Serge Toubiana, Sergio Zavoli. Música: Antonio Fresa. Fotografía: Daniele Botteselle. Productora: Mad Entertainment/RAI Cinema/Walking The Dog/Direzione Generale per il Cinema. Estreno en España: 22 de enero de 2021. Sinopsis: Profundamente enamorado de la vida, Fellini vivió la suya mientras buscaba constantemente su significado. Con motivo del centenario de su nacimiento (20 de enero de 1920), este documental investiga en profundidad su pasión por lo que él definió como "misterio" -lo esotérico y el mundo invisible- en su incansable búsqueda de otras posibilidades, otras dimensiones, otros viajes; y de todo lo que alimenta el vuelo del espíritu y la mente. Estos temas, que impregnan su filmografía, fueron objeto de su investigación personal.

Una luz en la oscuridad

Dirección: José María Borrell. País: España. Año: 2020. Duración: 75 minutos. Género: Documental. África. Reparto: Documental, Marta Borrell, Berta Gutiérrez (intervenciones de: Federico Mayor Zaragoza, Richard Gerver, Emilio González Ferrín, Ndaba Mandela, Jaime Saavedra, Ana Revenga). Guion: José María Borrell. Productora: Gondola Films. Estreno en España: 22 de enero de 2021. Sinopsis: Marta, una joven adolescente, a raíz de una charla en su colegio de España y un viaje de fin de curso a las entrañas de Marruecos, decide indagar sobre qué es lo que falla en la educación de los niños y jóvenes de los países en vías de desarrollo. Está muy afectada por la precariedad de la vida en estos países y realmente piensa que la salvación está en una mejora de la educación que reciben los niños que allí habitan. Marta se propone ir más allá y con su amiga Berta emprende un viaje a Mozambique, uno de los países más pobres del mundo. Al norte, en la pequeña isla de Ibo, existe un lugar donde desde hace años se viene aplicando un sistema de educación sostenible basado en la idea de que la limosna o la ayuda gratuita es el peor estimulo para el crecimiento.

Cumplió 25 años: Shine. El resplandor de un genio

El 21 de enero de 1996 se estrenó la película australiana Shine. El resplandor de un genio (Shine), dirigida por Scott Hicks e interpretada por Geoffrey Rush, Armin Mueller-Stahl, John Gielgud, Noah Taylor, Lynn Redgrave, Sonia Todd, Googie Withers, Nicholas Bell, Chris Haywood. Productora: Australian Film Finance Corporation (AFFC)/Film Victoria. Duración: 106 minutos. 
Sinopsis argumentalBasada en la vida de David Helfgott, un niño prodigio, Shine examina su tortuosa vida, desde su infancia dominada por su estricto padre, hasta llegar a sus crisis nerviosas cuando es adulto. Cuando es aceptado en una prestigiosa escuela de música en Londres, la Royal College of Music, David se siente capaz de huir de su padre y arriesgarlo todo por su única pasión, la música. Pero el rechazo de su padre y las presiones de su trabajo, acaban sumiéndole en una enfermedad mental. Sólo el amor de una mujer que le comprende de verdad, puede salvarle y devolverle a la sociedad para que ésta disfrute con su música.
Nominaciones y premios: Premios Oscar: Mejor actor (Rush). 7 Nominaciones; Globo de Oro: Mejor actor drama (Rush). 5 nominaciones; 2 premios BAFTA: Mejor actor (Geoffrey Rush) y sonido. 9 nominaciones; National Board of Review: Mejor película; Satellite Awards: Mejor actor (Rush) y actor de reparto (Mueller-Stahl); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Rush) Festival de Toronto: 2 premios: Metro Media, People's Choice (Scott Hicks); Critics' Choice Awards: Mejor actor (Rush). 2 nominaciones; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actor (Rush). 2 nominaciones; Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión original; Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor (Geoffrey Rush). 3 nominaciones; Asociación de Críticos de Chicago: 2 nominaciones incluido Mejor actor (Rush); Asociación de Críticos de Boston: Mejor actor (Geoffrey Rush). 
Comentario: Shine. El resplandor de un genio fue aclamada por la crítica de todo el mundo, y recibió innumerables premios, incluido el premio Oscar de 1997 al mejor actor para Geoffrey Rush. También fue nominada al Oscar en las categorías mejor actor de reparto, mejor dirección, mejor edición, mejor música, mejor fotografía, mejor guion y mejor película.

Jean-Pierre Bacri, mil sombras del misántropo brusco

Jean-Pierre Bacri falleció el lunes 18 de enero de cáncer, a la edad de 69 años. Fue un actor sincero, una voz familiar, un autor incisivo y sobre todo un hombre libre.
Jean-Pierre Bacri ha muerto y lo perdemos todo al mismo tiempo. Sus ojos estaban perpetuamente en círculos, esa mirada de fatiga existencial. Su humanismo a contrapelo, sin concesiones, sin ilusiones. La atrevida sobriedad de su interpretación, como ninguna otra: opaca y sincera. Atrajo luz y afecto casi desafiante. Sus papeles desarrollaron los mil matices del mismo misántropo brusco, celoso de su misterio y de sus heridas, sin repetirse jamás.
Georges, el amigo en cuclillas, amargado y gruñón de Cuisine et dépendances (1993), de Philippe Muyl.  Henri, el irascible dueño del café de Como en las mejores familias (Un air de famille, 1996), de Cédric Klapich. Jean-Jacques, el emprendedor melancólico y torpemente enamorado de Para todos los gustos (Le goût des autres, 2000 ), de Agnès Jaoui... Hombres constreñidos en sus vidas, en la exasperante banalidad de la vida cotidiana, entrañables a pesar de sí mismos, inolvidables, que revelado al gran público, tras años de papeles secundarios, o en obras poco conocidas, como L'été en pente douce, de Gérard Krawczik en 1987.
Actor delicado e intenso, alérgico a las limitaciones y los conformismos, fue también coautor de varias películas con Agnès Jaoui, como la citada Cuisine et dépendences y Como en las mejores familia

miércoles, 20 de enero de 2021

Cumplió 25 años: Sidney

El 20 de enero de 1996 se estrenó la película estadounidense Sidney (Hard Eight (Sidney)), dirigida por Paul Thomas Anderson e interpretada por Philip Baker Hall, John C. Reilly, Gwyneth Paltrow, Samuel L. Jackson, Philip Seymour Hoffman, F. William Parker. Productora: Trinity/Green Parrot/Rysher Entertainment. Duración: 101 minutos. 
Sinopsis argumental: John es un hombre sin recursos que vive en Reno. Un día, un misterioso individuo llamado Sydney, lo invita a desayunar y le ofrece la oportunidad de ganar dinero acompañándolo por los casinos. Todo les va muy bien, pero John se enamora de una camarera que está dispuesta a hacer lo que sea por conseguir dinero. 
Nominaciones y premios: Premios Independent Spirit: 5 nominaciones incluyendo mejor ópera prima; Asociación de Críticos de Los Angeles: Premio Nueva generación (Anderson); Asociación de Críticos de Boston: Mejor director novel.
ComentarioTitulada originalmente Hard Eight, es el primer largometraje de Paul Thomas Anderson; sus siguientes películas también contarían con las actuaciones de Hall, Reilly, Ridgely, Hoffman y Walters.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCV)

La escapada (Il sorpasso, 1962), de Dino Risi

Bruno Cortona (Vittorio Gassman) es un auténtico vividor, práctico y hedonista. Roberto Mariani (Jean-Louis Trintignant) es un estudiante de Derecho responsable, neófito en muchos aspectos vitales y extremadamente tímido. Tras un encuentro fortuito en Roma, los dos recorrerán parte del país trasalpino en el flamante deportivo de Bruno, visitando a los parientes de Roberto, persiguiendo a turistas o gozando de las localidades costeras. Magnífica parábola social presentada en formato de comedia de carretera agridulce por parte de uno de los grandes del género en Italia: Dino Risi. Contraponiendo dos personalidades muy diferentes, La escapada muestra el conflicto interno de valores existenciales debido al choque de actitudes significando con su final la estimación de la mesura en el comportamiento tras un muy entretenido y divertido desarrollo resaltado por la química extraída de las interpretaciones de Vittorio Gassman y Jean-Louis Trintignant. La moralina final y el acentuado de las características psicológicas del personaje de Gassman impiden considerar a esta alegoría como una obra maestra. Pero las situaciones de humor que contiene, los divertidos personajes aparecidos, las altas dosis de acidez incluidas, el dibujo ambiental de la época y la alegría existencial que transmite en casi la totalidad del metraje hacen de La escapada un título imprescindible dentro de la comedia italiana de los años 1960.

Las películas por episodios (III)

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Las rivales de Pearl
Siguiéndole los talones a Pearl White en las listas de popularidad se encontraban varias damas igualmente intrépidas y dotadas de recursos. Primer Helen Holmes y luego Helen Gibson, fueron las intérpretes de The Hazards of Helen, dirigida J. Gunnis Davis, J.P. McGowan, Robert G. Vignola, Helen Holmes, Paul Hurst, Leo D. Maloney, una serie de aventuras ferroviarias que resultó ser la más larga de todas, con un total de 119 episodios entre 1914 y 1917. 
The Hazards of Helen (1914-1917)
Pero la mayor rival de Pearl White fue Ruth Roland, que había sido estrella de cine infantil con el nombre Baby Ruth, y que realizó su debut en los seriales de The Red Circle (1915), pasando luego a interpretar una larga serie de éxitos como The Adventures of Ruth (1919), Ruthof the Rockies (1920) y Ruth of the Range (1923). En los años 1920 se la conocía como la "reina de los seriales". 
Resulta interesante constatar que, en tiempos de la I Guerra Mundial, los seriales más populares estaban interpretados todos por mujeres, lo que probablemente constituía un reflejo del nuevo estatus social de la mujer provocado por la guerra. 
Otras heroínas de seriales mudos, como Allener Ray, Grace Cunar, Never Gerber y Louis Lorraine, interpretaban papeles más tradicionales , viéndose rescatadas en los momentos de peligro por los protagonistas masculinos. Walter Miller (que ya en el cine sonoro interpretaría numerosos papeles de "malo"), Joe Bonomo, Eddie Polo (calificado el Hércules de la pantalla), William Desmond y Francis Ford, cuyo hermano, John Ford, intérprete de pequeños seriales, alcanzaría posteriormente la fama como director. 
Otro de los recursos de los seriales mudos, que tuvo continuación en el sonoro, consistía en explotar la popularidad de destacados atletas y estrellas del deporte. Por ejemplo, Jack Dempsey, el campeón del mundo de los pesos pesados, apareció en Daredevil Jack (1920), mientras que su oponente en el ring Gene Tunney intervino en The Fighting Marine (1926). El rey indiscutible del serial de todos los tiempos, Buster Crabbe, también destacó inicialmente como atleta, obteniendo una medalla de oro en natación en los Juegos Olímpicos de 1932. Crabbe alcanzó la inmortalidad en tres seriales sobre Flash Gordon: Flash Gordon (1936), Marte ataca a la Tierra (Flash Gordon's Trip to Mars, 1938) y Flash Gordon conquista el Universo (Flash Gordon Conquers the Universe, 1940), así como Buck Rogers (1939). Interpretó otro cinco seriales entre 1933 y 1952, el primero de los cuales fue Tarzán de las fieras (Tarzan the Fearless, 1933).
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martes, 19 de enero de 2021

Cumplió 25 años: Abierto hasta el amanecer

El 19 de enero de 1996 se estrenó la película estadounidense Abierto hasta el amanecer (From Dusk Till Dawn),  dirigida por Robert Rodriguez  e interpretada por George Clooney, Quentin Tarantino, Harvey Keitel, Juliette Lewis, Ernest Liu, Salma Hayek, Danny Trejo, Tom Savini, Cheech Marín, Fred Williamson, Michael Parks, John Saxon y Tito & Tarantula. Productora: Miramax/Band Apart/Los Hooligans Productions/Dimension Films. Duración: 108 minutos. 
Sinopsis argumental: Los hermanos Seth y Richard Gecko han protagonizado un sangriento atraco cerca de la frontera con México. En su huida, han ido dejando un rastro de cadáveres a su paso que ha provocado que la policía tome el asunto como algo personal. Para facilitar su huida, los dos hermanos deciden secuestrar a la familia Fuller, formada por un padre y sus dos hijos, y abandonar Estados Unidos en su autocaravana. Una vez traspasada la frontera, Seth, Richard y los Fuller acuden a un bar conocido como 'La Teta Enroscada', donde tendrán que esperar hasta el amanecer para encontrarse con Carlos, un narcotraficante con el que los Gecko hicieron un trato. Por desgracia para ellos, no contaban con que este bar fuera una guarida de vampiros y tendrán que hacer milagros para sobrevivir hasta que el sol haga su aparición.
Nominaciones y premios: Nominada a los Premios Razzie: Peor actor secundario (Quentin Tarantino).
ComentarioPelícula con dos partes claramente diferenciadas. La primera mitad se centra en el género en el que mejor se mueve al autor de Reservoir Dogs, Quentin Tarantino (guionista de la película): el thriller violento de acción con toques de humor negro y, aquí, retazos de ‘road movie’. Tratado de manera tensa y apremiante, se sigue con atención en espera de las vivaces peripecias del fraternal dúo y la curiosa familia con la que terminan conectando. La segunda parte, más del gusto de Robert Rodríguez es una barahúnda de efectos especiales, sangre, estacazos, llamaradas… girando la película 180 grados, olvidándose de la trama anterior y, sin explicación alguna ni conexión con lo visto anteriormente. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCIV)

Harakiri (Seppuku) (Seppuku (Harakiri) (1962), de Masaki Kobayashi

En 1630, después de un largo periodo de paz posterior a la guerra de los clanes, miles de samurais han quedado sin amos en Japón y tienen que vivir en la pobreza absoluta. El ronin Hanshiro Tsugumo, antiguo samurai de Lord Geishu, llega a la casa de Lord Lyi pidiendo un lugar para poder cometer hara-kiri, un ritual de suicidio honorable. Es recibido por Umenosube Kawabe, que le cuenta la historia de otro samurai que llegó hace un tiempo a la casa pidiendo lo mismo sólo para obtener unas monedas que le permitieran seguir con vida. Para que su caso sirviera de ejemplo a futuros visitantes, el dueño de la casa le obligó a cometer realmente hara-kiri utilizando una espada de bambú. Tsugumo descubre que se trataba de su cuñado, que se vio forzado a dicha situación cuando buscaba dinero para su mujer enferma y su bebé, y decide vengar su memoria. Gano el Premio Especial del Jurado (ex-aqueo con Az prijde kocour) en el Festival Internacional de Cine de Cannes. Basada en la novela Ibun rônin-ki de Yasuhiko Takiguchi. La película plasma la situación de pobreza y desamparo en que se vieron abocados miles de samuráis tras el establecimiento del Shogunato Tokugawa en 1603. El Shogunato, que se mantuvo en el poder hasta la Restauración Meiji de 1868, se caracterizó por una férrea centralización e inauguró un periodo de paz, en el que muchos samuráis, especialmente los que servían a señores de la guerra derrotados por los Tokugawa, quedaron sin amo, creándose así la figura del rōnin o samurái sin amo. La película critica también la hipocresía del código de honor de los Daimyo o señores feudales, sólo preocupados en mantener las apariencias y la reputación de su Clan, aunque tuviesen que ocultar la verdad para ello.

Las películas por episodios (II)

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Los primeros seriales
Aunque el serial llegó a ser claramente diferenciable de las series, al principio ambas modalidades se confundían en las películas por capítulos. Las series comenzaron hacia 1908, cuando los productores de diversos países se dieron cuenta de las posibilidades taquilleras de personajes populares con los que el público estaba ya familiarizado. Entre los primeros ejemplos de esta clase de películas cabe destacar Bronco Billy, interpretado por G. M. Anderson, y que comenzó en 1908; la serie francesa de Nick Carter (Nick Carter, le roi des détectives, 1908-1910), de Victorin Jasset, basad en el famoso detective de las novelas policíacas baratas, y toda una serie francesa de westerns protagonizados por Arizona Bill.  
La primera película en capítulos o episodios de la Historia del Cine, What Happened to Mary fue producida en 1912 por los estudios Edison en colaboración con una popular revista femenina, McClur Ladies World. Cada episodio de la película se estrenaba coincidiendo con la publicación de de un capítulo de la historia en la revista, recurso frecuentemente utilizado en los primitivos días del serial. Los doce capítulos del serial What Happened to Mary tenían principio y fin propias, pero iban ligados entre sí a través de las aventuras de una huerfanita (encarnada por Mary Fuller) que intentaba encontrar su lugar en el mundo. La idea tuvo tanto éxito que, en 1913, Edison lanzó una secuela, Who Will Marry Mary? dirigida por Walter Edwin. Estos vehículos para el lucimiento de Mary Fuller se diferenciaban de los seriales posteriores en que carecía de finales emocionantes, y eran más bien melodramas lacrimógenos. El autentico serial no sólo no dejaba a los espectadores en suspenso, sino que también creaba un mundo único, lleno de fantasía e imaginación, en el que la acción constituía el elemento dominante. 
El auténtico serial fue Las aventuras de Catalina (The Adventures of Kathlyn, 1913), dirigido por Francis J. Grandon e interpretado por Kathlyn Williams, calificada como la "muchacha sin miedo". Constaba de trece episodios, en los que la intrépida protagonista se veía envuelta en toda clase de situaciones extrañas y peligrosas en una exótica India. 
En 1914, la Pathé, la compañía que llegaría a dominar el mercado de los seriales mudos, produjo The Perils of Pauline, dirigida por Louis J. Gasnier, Donald MacKenzie e interpretada por Pearl White y que sigue siendo todavía el serial cinematográfico más  recordado de la historia.
El siguiente vehículo para Peral White fue de The Exploits of Elaine (1914), dirigido por 
Louis J. Gasnier, George B. Seitz, Leopold Wharton y Theodore Wharton, en el que se veía ayudada por Arnold Daly en el papel de Craig Kennedy, el popular detective creado por Arthur B. Reeve. Juntos lucharon contra un siniestro malo, llamado "La mano que aprieta", el primero de los numerosos villanos de nombre extravagante que aterrorizarían a los espectadores de seriales. Pearl White repitió su papel en dos secuelas, The New Exploits of Elaine y The Romance of Elaine (ambas de 1915), aparte de interpretar ocho seriales en la década siguiente antes de retirarse definitavemente a Francia en 1924. 
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lunes, 18 de enero de 2021

Roger Corman y Vincent Price, una colaboración a flor de Poe

De 1960 a 1964, el cineasta y actor reiventarón el cine de terror, en torno a la obra de Edgar Allan Poe. Relato de una asociación legendaria.
“¡Esta mascarada es una imagen voluptuosa!"- escribió Edgar Allan Poe (traducido por Baudelaire) en su cuento La máscara de la muerte roja. El famoso escritor estadounidense, gran maestro de la novela gótica, no creía que fuera tan bueno decirlo: saturado de rojo sangre, oro ardiente, ojivas pseudo-medievales y bóvedas oscuras, la obra del cineasta Roger Corman es hermosa y de hecho, una "mascarada" suntuosa, un homenaje (muy) póstumo y al mismo tiempo grandioso, al inventivo y roto autor de las Historias extraordinarias. Grandioso, como el actor Vincent Price, que presta su larga figura aristocrática, bigote tembloroso, voz sepulcral y severidad tragicómica a los héroes oscuros de siete adaptaciones memorables, incluidas seis de los cuentos de Poe, de 1960 a 1964.
Roger Corman y Vincent Price en el rodaje de sur le tournage de El péndulo de la muerte, de Roger Corman en 1961
Inventivo y roto como el propio Corman, acostumbrado a trabajar rápido, con medios más ajustados que un cadáver en su ataúd. Tanto es así que una broma circuló durante mucho tiempo en Hollywood: el hombre, se decía, pudo rodar una película en una cabina telefónica, y financiarla con el pequeño cambio que contenía el dispositivo. Las condiciones para La caída de la casa Usher (House of Usher AKA The Fall of the House of Usher, 1960), su primer largometraje inspirado en Poe (con un guion de su cómplice Richard Matheson), apenas eran más cómodas: solo dos semanas de rodaje y 250.000 dólares. Pequeño presupuesto, gran posteridad: nació un nuevo tipo de horror, la tendencia gótica (pop) flamígera.
Roger Corman, un cineasta pero también un productor prolífico y visionario
"Vincent Price era un verdadero caballero y un hombre muy divertido. Nos llevamos perfectamente desde el principio". afirmó Roger Corman
La historia de una colaboración única entre dos hombres (o tres, si contamos el fantasma de Edgar), que, a ambos lados de la cámara, han influido profundamente en la cultura popular. En 1960, Roger Corman aún no era el dios viviente (ahora de 94 años) del cine independiente estadounidense (cineasta, pero también prolífico y visionario productor, puso un pie en, entre otros, Francis Ford Coppola , Martin Scorsese , Jack Nicholson …). Entonces era un empleado estajanovista de la serie B, con veinticinco películas en su haber, incluida La pequeña tienda de los horrores (The Little Shop of Horrors, 1960), solo entre 1955 y 1960.
Quince años mayor que él, el elegante Vincent Price ha construido una sólida carrera desde la década de 1930 (sobre todo con Laura, de Otto Preminger, en 1944, junto a Gene Tierney). “Fue la primera estrella con la que me ofrecieron a trabajar, le confió Roger Corman hace unos años a una revista estadounidense. Un comediante de formación clásica, un verdadero caballero y un hombre muy divertido. Nos llevamos perfectamente desde el principio."
Vincent Price, Mark Damon y Myrna Fahey en La caída de la casa Usher (1960)
El “comienzo” es el inesperado éxito público de La caída de la casa Usher, que incita a los cómplices a repetir el delito. Corman consideró en ese momento de dedicarse a dirigir La máscara de la muerte roja, pero se rindió temporalmente (dirigiría la película más tarde, en 1964), porque temía: ¿quién le habría creído? - de ser acusado de plagio… de El séptimo sello (Det sjunde inseglet, 1957), de Ingmar Bergman (1957), con el pretexto de que las dos historias presentan una versión misteriosa y encapuchada de la propia Muerte.
La máscara de la muerte roja (1964)
Será, pues, El péndulo de la muerte (The Pit and the Pendulum, 1961), con Vincent Price como un marido despreciado, transformado en un espectro vengativo. Maléfico y torturado, pero siempre con un toque de ironía en la ceja, el actor seguirá siendo para siempre el héroe de todas estas “historias extraordinarias”, fiel al autor, en Historias de terror (Tales of Terror, 1962), donde comparte el estrellato con Peter Lorre y Basil Rathbone, en El cuervo (The Raven, 1963) o en El palacio de los espíritus (The Haunted Palace, 1963) -única infidelidad a Edgar Poe en beneficio de HP Lovecraft), hasta La máscara de la muerte roja y La tumba de Ligeia (The Tomb of Ligeia, 1964), historia de un hombre literalmente perseguido por el duelo y adaptación favorita de su intérprete, que murió en 1993: “La mayoría de las películas fueron... adaptadas con mucha libertad, con la excepción de Ligeia, que es, para mí, fue la más fiel al espíritu de Poe. “Y la más peligrosa también: como consecuencia de un accidente... de trucaje, el actor y su compañera, Elizabeth Shepherd, casi terminan quemados vivos como sus personajes.
La tumba de Ligeia de Roger Corman reunió a Vincent Price, Elizabeth Shepherd y John Westbrook.
Adaptación de la novela de Edgar Allan Poe
Después de cuatro años de intensa colaboración, los caminos de Vincent Price y Roger Corman se separaron. Su influencia nunca ha cesado. Corman sigue siendo hoy el mentor de toda una generación de cineastas. En cuanto a Vincent Price, se ha convertido en objeto de un culto que se extiende desde el séptimo arte (ver Vincent, el primer cortometraje animado de Tim Burton, un homenaje directo al período Poe del actor) hasta la música (el grupo Deep Purple incluso tituló una de sus canciones… Vincent Price ).
"Jamás, por nada del mundo, habría imaginado que después de más de medio siglo, el público hablaría aún de estas películas, se expresaba Roger Corman, hace ya algunos años […] Estoy muy honrado. pero sé que una buena parte de esta posteridad se debe al trabajo de Vincent Price." Más inmortal que un gato negro. 

Las películas por episodios (I)

El cine serial o el serial cinematográfico, hoy día apenas visto, fue un formato para películas, heredero del folletín decimonónico. Se basaban en el sistema de ofrecer emociones sin cuento y terminar con una escena llena de excitación y peligro, de forma que los boquiabiertos espectadores volviesen a la semana siguiente para no perderse la continuidad. 
En este fotograma se ve a Kay McKay (Walter McGrall) y a Evelyn Erith (Pearl White) 
en el serial The Black Secret (1919), dirigido por George B. Seitz.
Las películas de episodios constituyeron una parte importante y estable de la producción hollywoodiense desde finales de la I Guerra Mundial hasta mediados de los años 1950. What Happened To Mary, de 1912, producido por la Edison, parece ser el primer serial de la historia y Blazing the Overland Trail (1956)(1956), de la Columbia, que fue el último serial. No obstante, y a pesar de su importancia económica, el serial se vio relegado en el subconsciente colectivo de Hollywood, por lo que apenas se ha discutido y analizado este género, considerado como simple entretenimiento para niños. 
 What Happened to Mary (1912) con Miriam Nesbitt, Mary Fuller y Marc McDermott
Sin embargo, precisamente el hecho de que estuviesen destinadas a un público predominantemente juvenil convierte a las películas de episodios en más significativas, pues contribuyeron a conformar la visión del mundo de varias generaciones de espectadores. Además, numerosos intérpretes, directores y técnicos aprendieron el oficio gracias a su trabajo en los seriales, y contribuyeron a ir creando las convenciones propias de los distintos géneros, que constituyen puntos de referencia esenciales para producciones más ambiciosas. 
Kathlyn Williams en The Adventures of Kathlyn (1913), de Francis J. Grandon
El serial debe distinguirse las llamadas series. Una serie es un determinado número de películas con historias autosuficientes (que empiezan y acaban en una película), aunque concebidas y producidas tomando como eje e hilo conductor los mismos personajes centrales. El ingrediente clave del serial consiste en que los episodios que lo forman son incompletos, y están unidos unos a otros mediante finales emocionantes y peligrosos en los que el héroe o heroína se encuentra en situaciones aparentemente sin más salida que la muerte. 
Gregg Barton, Norma Brooks, Dennis Moore y Lee Roberts en Blazing the Overland Trail (1956), de Spencer Gordon Bennet
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Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCIII)

El carnaval de las almas (Carnival of Souls, 1962), de Herk Harvey

La película narra la historia de Mary Henry (Candace Hilligoss) quien es víctima de un accidente automovilístico. Después de competir con otro automóvil, el auto en el que viajaba cae al río en conjunto con otras dos pasajeras del vehículo. Afortunadamente para ella, Mary puede escapar de la tragedia, un poco desorientada y muy diferente emocionalmente. 
Para dejar atrás la tragedia, Mary decide aceptar un trabajo en la iglesia de otra ciudad como organista. Sin embargo, encuentra todo a su alrededor bastante extraño, lo que incluye unos personajes fantasmales que la persiguen durante todo su viaje y su estancia en la nueva ciudad a la que se ha mudado. En esa misma ciudad hay un lugar en donde anteriormente había una feria. Sin saber por qué, Mary se siente atraída por el lugar, y decide investigar la zona. La película no obtuvo la atención del público cuando se estrenó originalmente, debido en gran medida a su intento de clasificarse como una película de serie B, hoy en día se ha vuelto una especie de película de culto. El carnaval de las almas sirvió a su vez de influencia, como después confesaron, a directores tan disímiles como George A. Romero y al surrealista David Lynch. Acompañada por música de órgano interpretada por Gene Moore, El carnaval de las almas recrea una atmósfera especial, diferente a la generada por efectos especiales, para envolver al público en un ambiente de terror. La película mantiene un buen número de seguidores del género, por lo que es ocasional que se proyecte en festivales de Halloween, así como en canales de televisión durante esas mismas fechas. Se basa en un relato corto de Lucille Fletcher; el mismo relato fue adaptado televisivamente en la serie de gran éxito The Twilight Zone, con el nombre homónimo de The Hitch-Hicker ("El escalador"), resulta más fiel a la original. Tiene un remake estrenado en 1998 y dirigido por Adam Grossman. 

domingo, 17 de enero de 2021

Efemérides de cine: Lujuria para un vampiro

El 17 de enero de 1971 se estrenó la película británica Lujuria para un vampiro (Lust for a Vampire), dirigida por Jimmy Sangster e interpretada por Barbara Jefford, Michael Johnson, Ralph Bates, Suzanna Leigh, Yutte Stensgaard, Helen Christie, Pippa Steel, David Healy, Harvey Hall, Mike Raven, Michael Brennan, Jack Melford, Christopher Cunningham, Judy Matheson, Christopher Neame. Productora: Hammer Films. Duración: 95 minutos. 
Sinopsis argumental: Un escritor famoso llega a una lejana población, en donde hay un colegio de jovencitas. El escritor se fijará en dos mujeres, la profesora de gimnasia Janet y la alumna recién llegada Mircalla. El lugar está lleno de leyendas y en concreto se habla de un castillo cercano en donde los dueños, la familia Karnstein, son en realidad vampiros que vuelven a matar cada ciertos años.
Comentario: Un año después de Las amantes del vampiro llegó a los cines Lujuria para un vampiro, la segunda entrega de la trilogía de la Hammer basada en el personaje Mircalla/Carmilla von Karnstein. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCII)

Vivir su vida (Vivre sa vie: Film en douze tableaux, 1962), de Jean-Luc Godard

Nana (Anna Karina) es una joven veinteañera de provincias que abandona a su marido y a su hijo para intentar iniciar una carrera como actriz en París. Sin dinero, para financiar su nueva vida comienza a trabajar en una tienda de discos en la que no gana mucho dinero. Al no poder pagar el alquiler, su casera la echa de casa, motivo por el que Nana decide ejercer la prostitución. 
Premio Especial del Jurado y Premio de la crítica Pasinetti en el Festival de Cine de Venecia. Con la interpretación como tema y la vida como referencia, Jean-Luc Godard y su mujer en aquel entonces, Anna Karina, se embarcan en una cascada de sentimientos para construir este drama premeditadamente documental que hace un retrato de doce viñetas de una prostituta parisiense enamorada del cine. Lejos de frivolizar ni rodear de glamur la profesión, Godard hace un análisis de esta desde una vertiente sociológica y, para escribir el guión, el reconocido director se basó en un estudio reputado de Marcel Sacotte sobre la prostitución contemporánea. El resultado fue esta cinta poética, cuya belleza se debe también al director de fotografía Raoul Coutard, un artesano que ya había colaborado con Godard numerosas veces, como por ejemplo en Una mujer es una mujer, La chinnoise o Lemmy contra Alphaville, entre otras.

sábado, 16 de enero de 2021

Hace 100 años: El chico

El 16 de enero de 1921 se estrenó la película estadounidense El chico (The Kid), dirigida por Charles Chaplin e interpretada por Charles Chaplin, Jackie Coogan, Edna Purviance, Carl Miller, Tom Wilson, Henry Bergman, Lita Grey. Productora: Charles Chaplin/First National Picture. Duración: 68 minutos. 
Sinopsis argumentalEn Londres, una mujer pobre tiene un hijo. El padre del chico la abandona, y ella, que no puede mantener al niño, le abandona dentro del automóvil de una familia adinerada con la esperanza de que esa familia le adopte. Pero unos delincuentes roban el coche y lo abandonan en un barrio pobre, donde finalmente no será una familia rica quien se quede con el niño, será un vagabundo (Charles Chaplin) quien se encariñará del chico y decidirá quedárselo como sea, aunque él tenga que pasar mas hambre y más penurias. Cuando el niño cumple cinco años, el vagabundo usará lo usará para sacar provecho de un puesto de trabajo que ha conseguido. Sin embargo, con el tiempo, la madre del niño se convierte en una famosa actriz, con dinero de sobra para cuidar de su pequeño.
ComentarioEn ella, destacó el pequeño Jackie Coogan como uno de los dos actores principales y como estrella infantil. En el 2011, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su conservación en el National Film Registry.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCI)

El ángel exterminador (1962), de Luis Buñuel

Un grupo de burgueses de la Ciudad de México es invitado a una cena en la mansión de los Nóbile, después de asistir a la ópera. Mientras, los sirvientes y los cocineros sienten muchos deseos de abandonar la mansión y se marchan. Al terminar la cena, los invitados se dan cuenta de que no pueden salir de la habitación por una razón misteriosa totalmente desconocida, aunque aparentemente no hay nada que lo impida. A medida que van pasando los días, el alimento y la bebida empiezan a escasear, los anfitriones y los invitados enferman, la basura se acumula y duermen donde pueden. A partir de ese momento, la etiqueta, las buenas costumbres y la cordialidad poco a poco se acaban perdiendo y los burgueses se comportan como auténticos salvajes. Una de las obras más emblemáticas del cineasta Luis Buñuel, enmarcada dentro de uno de los periodos más nihilistas de su carrera. Es una feroz sátira de la burguesía que encarna muchas de las obsesiones del director: el surrealismo, el sexo, la muerte, la crueldad de la superioridad de la clase burguesa o la escatología (un armario que sirve de retrete). Tras rodar Viridiana, El ángel exterminador fue una de las pocas películas que el realizador filmó en México en su etapa francesa de los años 1960. El título se lo sugirió el escritor José Bergamín, en cuya obra Los náufragos está basada la película, pese a que en un principio Buñuel había pensado titularla Los náufragos de la calle Providencia.

viernes, 15 de enero de 2021

Efemérides de cine: Punto límite: cero

El 15 de enero de 1971 se estrenó la película estadounidense Punto límite: cero (Vanishing Point), dirigida por Richard C. Sarafian e interpretada por Barry Newman, Cleavon Little, Dean Jagger, Victoria Medlin, Paul Koslo, Robert Donner, Timothy Scott, Charlotte Rampling, Gilda Texter. Productora: 20th Century Fox. Duración: 99 minutos.
Sinopsis argumental: Un ex combatiente del Vietnam llamado Kowalski se dedica a recoger y entregar coches entre Denver y San Francisco. Para rememorar la época en que fue piloto de bólidos, este experto conductor decide aceptar una arriesgada apuesta: conducir un flamante coche deportivo desde Colorado hasta California en tan solo 15 horas, debiendo entregarlo en Los Ángeles en este tiempo récord. Así, se lanza a una carrera suicida a enormes velocidades perseguido por la policía de varios estados. Mientras un locutor de radio, D.J Super Soul, le ayudará a través de las ondas previniéndole en todo momento de cualquier peligro.
Comentario: Exótica producción americana, que el tiempo ha convertido en una ‘película de culto’, dirigida en 1971 por Richard C. Sarafian. Este realizador, con buena mano para el género de la acción, presentó esta trepidante ‘road movie’ protagonizada por Barry Newman, en una interpretación que le hizo famoso y que recuerda a los héroes desencantados del cine de Sam Peckinpah. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: La perversa señora Ward

El 15 de enero de 1971 se estrenó la película italiana La perversa señora Ward (Lo strano vizio della Signora Wardh), dirigida por Sergio Martino e interpretada por George Hilton, Edwige Fenech, Conchita Airoldi, Manuel Gil, Carlo Alighiero, Ivan Rassimov, Alberto de Mendoza, Bruno Corazzari, Marella Corbi, Miguel del Castillo, Luis de Tejada, Brizio Montinaro, Mira Vidotto. Productora: Co-production Italia-España; Copercines Cooperativa Cinematográfica/Devon Film/Laurie International, ML. Duración: 92 minutos. 
Sinopsis argumentalJulie Wardh (Edwige Fenech) regresa a Austria después de un año viviendo en Estados Unidos con Neil (Alberto de Mendoza), su marido. Éste es un hombre enfrascado en sus negocios, pero le proporcinó a Julie la oportunidad de escapar de una turbia relación sado-masoquista con Jean (Ivan Rassimov). Mientras tanto, un asesino en serie se dedica a asesinar a mujeres jóvenes con una navaja barbera. Asustada por este clima de inseguridad, traumatizada por su pasado y ante la ausencia de Neil, Julie termina refugiándose en los brazos de George (George Hilton), un rico heredero. Cuando su amiga Carol (Cristina Airoldi) es asesinada en un parque y el tipo de la navaja la ataca en el aparcamiento, Julie decide abandonar a su marido y escapar a Sitges con George. Pero aún quedan varios giros inesperados porque los muertos parecen volver a la vida.
ComentarioLa fuerte impronta hitchcockiana del argumento queda desbordada por una puesta en escena que a ratos se acerca a la abstracción en el primero de los gialli que Sergio Martino dirigió a principios de la década de 1970. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LXC)

El cabo del terror (Cape Fear, 1962), de J. Lee Thompson

Sam Bowden, un respetable abogado de una pequeña ciudad, ve cómo su tranquila vida se convierte en una pesadilla cuando Max Cady, un criminal que pasó ocho años en la cárcel por su culpa, no deja de acechar a su mujer y a su hija adolescente. La ayuda que le ofrece el jefe de la policía local resulta inútil, y él, legalmente, no puede hacer nada para alejar a Cady de su familia. 
Basada en la novela Los ejecutores, de John D. MacDonald, El cabo del terror fue dirigida por un J. Lee Thompson (inmediatamente antes de rodar Los cañones de Navarone) en sus mejores momentos, hasta el punto de que, hoy en día, la película está considerada una pequeña obra maestra. Fue estrenada en un momento que la política de estudios estaba en plena crisis, por lo que fue financiada por la productora de Gregory Peck y Robert Mitchum, la Melville-Talbot Productions. La conjunción de estos tres profesionales del cine consiguió un 'film noir', a partir del cual Martin Scorsese realizó un remake en 1991, El cabo del miedo, aunque sin llegar a las cotas de la primera versión.