martes, 19 de enero de 2021

Cumplió 25 años: Abierto hasta el amanecer

El 19 de enero de 1996 se estrenó la película estadounidense Abierto hasta el amanecer (From Dusk Till Dawn),  dirigida por Robert Rodriguez  e interpretada por George Clooney, Quentin Tarantino, Harvey Keitel, Juliette Lewis, Ernest Liu, Salma Hayek, Danny Trejo, Tom Savini, Cheech Marín, Fred Williamson, Michael Parks, John Saxon y Tito & Tarantula. Productora: Miramax/Band Apart/Los Hooligans Productions/Dimension Films. Duración: 108 minutos. 
Sinopsis argumental: Los hermanos Seth y Richard Gecko han protagonizado un sangriento atraco cerca de la frontera con México. En su huida, han ido dejando un rastro de cadáveres a su paso que ha provocado que la policía tome el asunto como algo personal. Para facilitar su huida, los dos hermanos deciden secuestrar a la familia Fuller, formada por un padre y sus dos hijos, y abandonar Estados Unidos en su autocaravana. Una vez traspasada la frontera, Seth, Richard y los Fuller acuden a un bar conocido como 'La Teta Enroscada', donde tendrán que esperar hasta el amanecer para encontrarse con Carlos, un narcotraficante con el que los Gecko hicieron un trato. Por desgracia para ellos, no contaban con que este bar fuera una guarida de vampiros y tendrán que hacer milagros para sobrevivir hasta que el sol haga su aparición.
Nominaciones y premios: Nominada a los Premios Razzie: Peor actor secundario (Quentin Tarantino).
ComentarioPelícula con dos partes claramente diferenciadas. La primera mitad se centra en el género en el que mejor se mueve al autor de Reservoir Dogs, Quentin Tarantino (guionista de la película): el thriller violento de acción con toques de humor negro y, aquí, retazos de ‘road movie’. Tratado de manera tensa y apremiante, se sigue con atención en espera de las vivaces peripecias del fraternal dúo y la curiosa familia con la que terminan conectando. La segunda parte, más del gusto de Robert Rodríguez es una barahúnda de efectos especiales, sangre, estacazos, llamaradas… girando la película 180 grados, olvidándose de la trama anterior y, sin explicación alguna ni conexión con lo visto anteriormente. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCIV)

Harakiri (Seppuku) (Seppuku (Harakiri) (1962), de Masaki Kobayashi

En 1630, después de un largo periodo de paz posterior a la guerra de los clanes, miles de samurais han quedado sin amos en Japón y tienen que vivir en la pobreza absoluta. El ronin Hanshiro Tsugumo, antiguo samurai de Lord Geishu, llega a la casa de Lord Lyi pidiendo un lugar para poder cometer hara-kiri, un ritual de suicidio honorable. Es recibido por Umenosube Kawabe, que le cuenta la historia de otro samurai que llegó hace un tiempo a la casa pidiendo lo mismo sólo para obtener unas monedas que le permitieran seguir con vida. Para que su caso sirviera de ejemplo a futuros visitantes, el dueño de la casa le obligó a cometer realmente hara-kiri utilizando una espada de bambú. Tsugumo descubre que se trataba de su cuñado, que se vio forzado a dicha situación cuando buscaba dinero para su mujer enferma y su bebé, y decide vengar su memoria. Gano el Premio Especial del Jurado (ex-aqueo con Az prijde kocour) en el Festival Internacional de Cine de Cannes. Basada en la novela Ibun rônin-ki de Yasuhiko Takiguchi. La película plasma la situación de pobreza y desamparo en que se vieron abocados miles de samuráis tras el establecimiento del Shogunato Tokugawa en 1603. El Shogunato, que se mantuvo en el poder hasta la Restauración Meiji de 1868, se caracterizó por una férrea centralización e inauguró un periodo de paz, en el que muchos samuráis, especialmente los que servían a señores de la guerra derrotados por los Tokugawa, quedaron sin amo, creándose así la figura del rōnin o samurái sin amo. La película critica también la hipocresía del código de honor de los Daimyo o señores feudales, sólo preocupados en mantener las apariencias y la reputación de su Clan, aunque tuviesen que ocultar la verdad para ello.

Las películas por episodios (II)

(cont.)
Los primeros seriales
Aunque el serial llegó a ser claramente diferenciable de las series, al principio ambas modalidades se confundían en las películas por capítulos. Las series comenzaron hacia 1908, cuando los productores de diversos países se dieron cuenta de las posibilidades taquilleras de personajes populares con los que el público estaba ya familiarizado. Entre los primeros ejemplos de esta clase de películas cabe destacar Bronco Billy, interpretado por G. M. Anderson, y que comenzó en 1908; la serie francesa de Nick Carter (Nick Carter, le roi des détectives, 1908-1910), de Victorin Jasset, basad en el famoso detective de las novelas policíacas baratas, y toda una serie francesa de westerns protagonizados por Arizona Bill.  
La primera película en capítulos o episodios de la Historia del Cine, What Happened to Mary fue producida en 1912 por los estudios Edison en colaboración con una popular revista femenina, McClur Ladies World. Cada episodio de la película se estrenaba coincidiendo con la publicación de de un capítulo de la historia en la revista, recurso frecuentemente utilizado en los primitivos días del serial. Los doce capítulos del serial What Happened to Mary tenían principio y fin propias, pero iban ligados entre sí a través de las aventuras de una huerfanita (encarnada por Mary Fuller) que intentaba encontrar su lugar en el mundo. La idea tuvo tanto éxito que, en 1913, Edison lanzó una secuela, Who Will Marry Mary? dirigida por Walter Edwin. Estos vehículos para el lucimiento de Mary Fuller se diferenciaban de los seriales posteriores en que carecía de finales emocionantes, y eran más bien melodramas lacrimógenos. El autentico serial no sólo no dejaba a los espectadores en suspenso, sino que también creaba un mundo único, lleno de fantasía e imaginación, en el que la acción constituía el elemento dominante. 
El auténtico serial fue Las aventuras de Catalina (The Adventures of Kathlyn, 1913), dirigido por Francis J. Grandon e interpretado por Kathlyn Williams, calificada como la "muchacha sin miedo". Constaba de trece episodios, en los que la intrépida protagonista se veía envuelta en toda clase de situaciones extrañas y peligrosas en una exótica India. 
En 1914, la Pathé, la compañía que llegaría a dominar el mercado de los seriales mudos, produjo The Perils of Pauline, dirigida por Louis J. Gasnier, Donald MacKenzie e interpretada por Pearl White y que sigue siendo todavía el serial cinematográfico más  recordado de la historia.
El siguiente vehículo para Peral White fue de The Exploits of Elaine (1914), dirigido por 
Louis J. Gasnier, George B. Seitz, Leopold Wharton y Theodore Wharton, en el que se veía ayudada por Arnold Daly en el papel de Craig Kennedy, el popular detective creado por Arthur B. Reeve. Juntos lucharon contra un siniestro malo, llamado "La mano que aprieta", el primero de los numerosos villanos de nombre extravagante que aterrorizarían a los espectadores de seriales. Pearl White repitió su papel en dos secuelas, The New Exploits of Elaine y The Romance of Elaine (ambas de 1915), aparte de interpretar ocho seriales en la década siguiente antes de retirarse definitavemente a Francia en 1924. 
(cont.)

lunes, 18 de enero de 2021

Roger Corman y Vincent Price, una colaboración a flor de Poe

De 1960 a 1964, el cineasta y actor reiventarón el cine de terror, en torno a la obra de Edgar Allan Poe. Relato de una asociación legendaria.
“¡Esta mascarada es una imagen voluptuosa!"- escribió Edgar Allan Poe (traducido por Baudelaire) en su cuento La máscara de la muerte roja. El famoso escritor estadounidense, gran maestro de la novela gótica, no creía que fuera tan bueno decirlo: saturado de rojo sangre, oro ardiente, ojivas pseudo-medievales y bóvedas oscuras, la obra del cineasta Roger Corman es hermosa y de hecho, una "mascarada" suntuosa, un homenaje (muy) póstumo y al mismo tiempo grandioso, al inventivo y roto autor de las Historias extraordinarias. Grandioso, como el actor Vincent Price, que presta su larga figura aristocrática, bigote tembloroso, voz sepulcral y severidad tragicómica a los héroes oscuros de siete adaptaciones memorables, incluidas seis de los cuentos de Poe, de 1960 a 1964.
Roger Corman y Vincent Price en el rodaje de sur le tournage de El péndulo de la muerte, de Roger Corman en 1961
Inventivo y roto como el propio Corman, acostumbrado a trabajar rápido, con medios más ajustados que un cadáver en su ataúd. Tanto es así que una broma circuló durante mucho tiempo en Hollywood: el hombre, se decía, pudo rodar una película en una cabina telefónica, y financiarla con el pequeño cambio que contenía el dispositivo. Las condiciones para La caída de la casa Usher (House of Usher AKA The Fall of the House of Usher, 1960), su primer largometraje inspirado en Poe (con un guion de su cómplice Richard Matheson), apenas eran más cómodas: solo dos semanas de rodaje y 250.000 dólares. Pequeño presupuesto, gran posteridad: nació un nuevo tipo de horror, la tendencia gótica (pop) flamígera.
Roger Corman, un cineasta pero también un productor prolífico y visionario
"Vincent Price era un verdadero caballero y un hombre muy divertido. Nos llevamos perfectamente desde el principio". afirmó Roger Corman
La historia de una colaboración única entre dos hombres (o tres, si contamos el fantasma de Edgar), que, a ambos lados de la cámara, han influido profundamente en la cultura popular. En 1960, Roger Corman aún no era el dios viviente (ahora de 94 años) del cine independiente estadounidense (cineasta, pero también prolífico y visionario productor, puso un pie en, entre otros, Francis Ford Coppola , Martin Scorsese , Jack Nicholson …). Entonces era un empleado estajanovista de la serie B, con veinticinco películas en su haber, incluida La pequeña tienda de los horrores (The Little Shop of Horrors, 1960), solo entre 1955 y 1960.
Quince años mayor que él, el elegante Vincent Price ha construido una sólida carrera desde la década de 1930 (sobre todo con Laura, de Otto Preminger, en 1944, junto a Gene Tierney). “Fue la primera estrella con la que me ofrecieron a trabajar, le confió Roger Corman hace unos años a una revista estadounidense. Un comediante de formación clásica, un verdadero caballero y un hombre muy divertido. Nos llevamos perfectamente desde el principio."
Vincent Price, Mark Damon y Myrna Fahey en La caída de la casa Usher (1960)
El “comienzo” es el inesperado éxito público de La caída de la casa Usher, que incita a los cómplices a repetir el delito. Corman consideró en ese momento de dedicarse a dirigir La máscara de la muerte roja, pero se rindió temporalmente (dirigiría la película más tarde, en 1964), porque temía: ¿quién le habría creído? - de ser acusado de plagio… de El séptimo sello (Det sjunde inseglet, 1957), de Ingmar Bergman (1957), con el pretexto de que las dos historias presentan una versión misteriosa y encapuchada de la propia Muerte.
La máscara de la muerte roja (1964)
Será, pues, El péndulo de la muerte (The Pit and the Pendulum, 1961), con Vincent Price como un marido despreciado, transformado en un espectro vengativo. Maléfico y torturado, pero siempre con un toque de ironía en la ceja, el actor seguirá siendo para siempre el héroe de todas estas “historias extraordinarias”, fiel al autor, en Historias de terror (Tales of Terror, 1962), donde comparte el estrellato con Peter Lorre y Basil Rathbone, en El cuervo (The Raven, 1963) o en El palacio de los espíritus (The Haunted Palace, 1963) -única infidelidad a Edgar Poe en beneficio de HP Lovecraft), hasta La máscara de la muerte roja y La tumba de Ligeia (The Tomb of Ligeia, 1964), historia de un hombre literalmente perseguido por el duelo y adaptación favorita de su intérprete, que murió en 1993: “La mayoría de las películas fueron... adaptadas con mucha libertad, con la excepción de Ligeia, que es, para mí, fue la más fiel al espíritu de Poe. “Y la más peligrosa también: como consecuencia de un accidente... de trucaje, el actor y su compañera, Elizabeth Shepherd, casi terminan quemados vivos como sus personajes.
La tumba de Ligeia de Roger Corman reunió a Vincent Price, Elizabeth Shepherd y John Westbrook.
Adaptación de la novela de Edgar Allan Poe
Después de cuatro años de intensa colaboración, los caminos de Vincent Price y Roger Corman se separaron. Su influencia nunca ha cesado. Corman sigue siendo hoy el mentor de toda una generación de cineastas. En cuanto a Vincent Price, se ha convertido en objeto de un culto que se extiende desde el séptimo arte (ver Vincent, el primer cortometraje animado de Tim Burton, un homenaje directo al período Poe del actor) hasta la música (el grupo Deep Purple incluso tituló una de sus canciones… Vincent Price ).
"Jamás, por nada del mundo, habría imaginado que después de más de medio siglo, el público hablaría aún de estas películas, se expresaba Roger Corman, hace ya algunos años […] Estoy muy honrado. pero sé que una buena parte de esta posteridad se debe al trabajo de Vincent Price." Más inmortal que un gato negro. 

Las películas por episodios (I)

El cine serial o el serial cinematográfico, hoy día apenas visto, fue un formato para películas, heredero del folletín decimonónico. Se basaban en el sistema de ofrecer emociones sin cuento y terminar con una escena llena de excitación y peligro, de forma que los boquiabiertos espectadores volviesen a la semana siguiente para no perderse la continuidad. 
En este fotograma se ve a Kay McKay (Walter McGrall) y a Evelyn Erith (Pearl White) 
en el serial The Black Secret (1919), dirigido por George B. Seitz.
Las películas de episodios constituyeron una parte importante y estable de la producción hollywoodiense desde finales de la I Guerra Mundial hasta mediados de los años 1950. What Happened To Mary, de 1912, producido por la Edison, parece ser el primer serial de la historia y Blazing the Overland Trail (1956)(1956), de la Columbia, que fue el último serial. No obstante, y a pesar de su importancia económica, el serial se vio relegado en el subconsciente colectivo de Hollywood, por lo que apenas se ha discutido y analizado este género, considerado como simple entretenimiento para niños. 
 What Happened to Mary (1912) con Miriam Nesbitt, Mary Fuller y Marc McDermott
Sin embargo, precisamente el hecho de que estuviesen destinadas a un público predominantemente juvenil convierte a las películas de episodios en más significativas, pues contribuyeron a conformar la visión del mundo de varias generaciones de espectadores. Además, numerosos intérpretes, directores y técnicos aprendieron el oficio gracias a su trabajo en los seriales, y contribuyeron a ir creando las convenciones propias de los distintos géneros, que constituyen puntos de referencia esenciales para producciones más ambiciosas. 
Kathlyn Williams en The Adventures of Kathlyn (1913), de Francis J. Grandon
El serial debe distinguirse las llamadas series. Una serie es un determinado número de películas con historias autosuficientes (que empiezan y acaban en una película), aunque concebidas y producidas tomando como eje e hilo conductor los mismos personajes centrales. El ingrediente clave del serial consiste en que los episodios que lo forman son incompletos, y están unidos unos a otros mediante finales emocionantes y peligrosos en los que el héroe o heroína se encuentra en situaciones aparentemente sin más salida que la muerte. 
Gregg Barton, Norma Brooks, Dennis Moore y Lee Roberts en Blazing the Overland Trail (1956), de Spencer Gordon Bennet
(cont.)

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCIII)

El carnaval de las almas (Carnival of Souls, 1962), de Herk Harvey

La película narra la historia de Mary Henry (Candace Hilligoss) quien es víctima de un accidente automovilístico. Después de competir con otro automóvil, el auto en el que viajaba cae al río en conjunto con otras dos pasajeras del vehículo. Afortunadamente para ella, Mary puede escapar de la tragedia, un poco desorientada y muy diferente emocionalmente. 
Para dejar atrás la tragedia, Mary decide aceptar un trabajo en la iglesia de otra ciudad como organista. Sin embargo, encuentra todo a su alrededor bastante extraño, lo que incluye unos personajes fantasmales que la persiguen durante todo su viaje y su estancia en la nueva ciudad a la que se ha mudado. En esa misma ciudad hay un lugar en donde anteriormente había una feria. Sin saber por qué, Mary se siente atraída por el lugar, y decide investigar la zona. La película no obtuvo la atención del público cuando se estrenó originalmente, debido en gran medida a su intento de clasificarse como una película de serie B, hoy en día se ha vuelto una especie de película de culto. El carnaval de las almas sirvió a su vez de influencia, como después confesaron, a directores tan disímiles como George A. Romero y al surrealista David Lynch. Acompañada por música de órgano interpretada por Gene Moore, El carnaval de las almas recrea una atmósfera especial, diferente a la generada por efectos especiales, para envolver al público en un ambiente de terror. La película mantiene un buen número de seguidores del género, por lo que es ocasional que se proyecte en festivales de Halloween, así como en canales de televisión durante esas mismas fechas. Se basa en un relato corto de Lucille Fletcher; el mismo relato fue adaptado televisivamente en la serie de gran éxito The Twilight Zone, con el nombre homónimo de The Hitch-Hicker ("El escalador"), resulta más fiel a la original. Tiene un remake estrenado en 1998 y dirigido por Adam Grossman. 

domingo, 17 de enero de 2021

Efemérides de cine: Lujuria para un vampiro

El 17 de enero de 1971 se estrenó la película británica Lujuria para un vampiro (Lust for a Vampire), dirigida por Jimmy Sangster e interpretada por Barbara Jefford, Michael Johnson, Ralph Bates, Suzanna Leigh, Yutte Stensgaard, Helen Christie, Pippa Steel, David Healy, Harvey Hall, Mike Raven, Michael Brennan, Jack Melford, Christopher Cunningham, Judy Matheson, Christopher Neame. Productora: Hammer Films. Duración: 95 minutos. 
Sinopsis argumental: Un escritor famoso llega a una lejana población, en donde hay un colegio de jovencitas. El escritor se fijará en dos mujeres, la profesora de gimnasia Janet y la alumna recién llegada Mircalla. El lugar está lleno de leyendas y en concreto se habla de un castillo cercano en donde los dueños, la familia Karnstein, son en realidad vampiros que vuelven a matar cada ciertos años.
Comentario: Un año después de Las amantes del vampiro llegó a los cines Lujuria para un vampiro, la segunda entrega de la trilogía de la Hammer basada en el personaje Mircalla/Carmilla von Karnstein. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCII)

Vivir su vida (Vivre sa vie: Film en douze tableaux, 1962), de Jean-Luc Godard

Nana (Anna Karina) es una joven veinteañera de provincias que abandona a su marido y a su hijo para intentar iniciar una carrera como actriz en París. Sin dinero, para financiar su nueva vida comienza a trabajar en una tienda de discos en la que no gana mucho dinero. Al no poder pagar el alquiler, su casera la echa de casa, motivo por el que Nana decide ejercer la prostitución. 
Premio Especial del Jurado y Premio de la crítica Pasinetti en el Festival de Cine de Venecia. Con la interpretación como tema y la vida como referencia, Jean-Luc Godard y su mujer en aquel entonces, Anna Karina, se embarcan en una cascada de sentimientos para construir este drama premeditadamente documental que hace un retrato de doce viñetas de una prostituta parisiense enamorada del cine. Lejos de frivolizar ni rodear de glamur la profesión, Godard hace un análisis de esta desde una vertiente sociológica y, para escribir el guión, el reconocido director se basó en un estudio reputado de Marcel Sacotte sobre la prostitución contemporánea. El resultado fue esta cinta poética, cuya belleza se debe también al director de fotografía Raoul Coutard, un artesano que ya había colaborado con Godard numerosas veces, como por ejemplo en Una mujer es una mujer, La chinnoise o Lemmy contra Alphaville, entre otras.

sábado, 16 de enero de 2021

Hace 100 años: El chico

El 16 de enero de 1921 se estrenó la película estadounidense El chico (The Kid), dirigida por Charles Chaplin e interpretada por Charles Chaplin, Jackie Coogan, Edna Purviance, Carl Miller, Tom Wilson, Henry Bergman, Lita Grey. Productora: Charles Chaplin/First National Picture. Duración: 68 minutos. 
Sinopsis argumentalEn Londres, una mujer pobre tiene un hijo. El padre del chico la abandona, y ella, que no puede mantener al niño, le abandona dentro del automóvil de una familia adinerada con la esperanza de que esa familia le adopte. Pero unos delincuentes roban el coche y lo abandonan en un barrio pobre, donde finalmente no será una familia rica quien se quede con el niño, será un vagabundo (Charles Chaplin) quien se encariñará del chico y decidirá quedárselo como sea, aunque él tenga que pasar mas hambre y más penurias. Cuando el niño cumple cinco años, el vagabundo usará lo usará para sacar provecho de un puesto de trabajo que ha conseguido. Sin embargo, con el tiempo, la madre del niño se convierte en una famosa actriz, con dinero de sobra para cuidar de su pequeño.
ComentarioEn ella, destacó el pequeño Jackie Coogan como uno de los dos actores principales y como estrella infantil. En el 2011, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su conservación en el National Film Registry.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCI)

El ángel exterminador (1962), de Luis Buñuel

Un grupo de burgueses de la Ciudad de México es invitado a una cena en la mansión de los Nóbile, después de asistir a la ópera. Mientras, los sirvientes y los cocineros sienten muchos deseos de abandonar la mansión y se marchan. Al terminar la cena, los invitados se dan cuenta de que no pueden salir de la habitación por una razón misteriosa totalmente desconocida, aunque aparentemente no hay nada que lo impida. A medida que van pasando los días, el alimento y la bebida empiezan a escasear, los anfitriones y los invitados enferman, la basura se acumula y duermen donde pueden. A partir de ese momento, la etiqueta, las buenas costumbres y la cordialidad poco a poco se acaban perdiendo y los burgueses se comportan como auténticos salvajes. Una de las obras más emblemáticas del cineasta Luis Buñuel, enmarcada dentro de uno de los periodos más nihilistas de su carrera. Es una feroz sátira de la burguesía que encarna muchas de las obsesiones del director: el surrealismo, el sexo, la muerte, la crueldad de la superioridad de la clase burguesa o la escatología (un armario que sirve de retrete). Tras rodar Viridiana, El ángel exterminador fue una de las pocas películas que el realizador filmó en México en su etapa francesa de los años 1960. El título se lo sugirió el escritor José Bergamín, en cuya obra Los náufragos está basada la película, pese a que en un principio Buñuel había pensado titularla Los náufragos de la calle Providencia.

viernes, 15 de enero de 2021

Efemérides de cine: Punto límite: cero

El 15 de enero de 1971 se estrenó la película estadounidense Punto límite: cero (Vanishing Point), dirigida por Richard C. Sarafian e interpretada por Barry Newman, Cleavon Little, Dean Jagger, Victoria Medlin, Paul Koslo, Robert Donner, Timothy Scott, Charlotte Rampling, Gilda Texter. Productora: 20th Century Fox. Duración: 99 minutos.
Sinopsis argumental: Un ex combatiente del Vietnam llamado Kowalski se dedica a recoger y entregar coches entre Denver y San Francisco. Para rememorar la época en que fue piloto de bólidos, este experto conductor decide aceptar una arriesgada apuesta: conducir un flamante coche deportivo desde Colorado hasta California en tan solo 15 horas, debiendo entregarlo en Los Ángeles en este tiempo récord. Así, se lanza a una carrera suicida a enormes velocidades perseguido por la policía de varios estados. Mientras un locutor de radio, D.J Super Soul, le ayudará a través de las ondas previniéndole en todo momento de cualquier peligro.
Comentario: Exótica producción americana, que el tiempo ha convertido en una ‘película de culto’, dirigida en 1971 por Richard C. Sarafian. Este realizador, con buena mano para el género de la acción, presentó esta trepidante ‘road movie’ protagonizada por Barry Newman, en una interpretación que le hizo famoso y que recuerda a los héroes desencantados del cine de Sam Peckinpah. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: La perversa señora Ward

El 15 de enero de 1971 se estrenó la película italiana La perversa señora Ward (Lo strano vizio della Signora Wardh), dirigida por Sergio Martino e interpretada por George Hilton, Edwige Fenech, Conchita Airoldi, Manuel Gil, Carlo Alighiero, Ivan Rassimov, Alberto de Mendoza, Bruno Corazzari, Marella Corbi, Miguel del Castillo, Luis de Tejada, Brizio Montinaro, Mira Vidotto. Productora: Co-production Italia-España; Copercines Cooperativa Cinematográfica/Devon Film/Laurie International, ML. Duración: 92 minutos. 
Sinopsis argumentalJulie Wardh (Edwige Fenech) regresa a Austria después de un año viviendo en Estados Unidos con Neil (Alberto de Mendoza), su marido. Éste es un hombre enfrascado en sus negocios, pero le proporcinó a Julie la oportunidad de escapar de una turbia relación sado-masoquista con Jean (Ivan Rassimov). Mientras tanto, un asesino en serie se dedica a asesinar a mujeres jóvenes con una navaja barbera. Asustada por este clima de inseguridad, traumatizada por su pasado y ante la ausencia de Neil, Julie termina refugiándose en los brazos de George (George Hilton), un rico heredero. Cuando su amiga Carol (Cristina Airoldi) es asesinada en un parque y el tipo de la navaja la ataca en el aparcamiento, Julie decide abandonar a su marido y escapar a Sitges con George. Pero aún quedan varios giros inesperados porque los muertos parecen volver a la vida.
ComentarioLa fuerte impronta hitchcockiana del argumento queda desbordada por una puesta en escena que a ratos se acerca a la abstracción en el primero de los gialli que Sergio Martino dirigió a principios de la década de 1970. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LXC)

El cabo del terror (Cape Fear, 1962), de J. Lee Thompson

Sam Bowden, un respetable abogado de una pequeña ciudad, ve cómo su tranquila vida se convierte en una pesadilla cuando Max Cady, un criminal que pasó ocho años en la cárcel por su culpa, no deja de acechar a su mujer y a su hija adolescente. La ayuda que le ofrece el jefe de la policía local resulta inútil, y él, legalmente, no puede hacer nada para alejar a Cady de su familia. 
Basada en la novela Los ejecutores, de John D. MacDonald, El cabo del terror fue dirigida por un J. Lee Thompson (inmediatamente antes de rodar Los cañones de Navarone) en sus mejores momentos, hasta el punto de que, hoy en día, la película está considerada una pequeña obra maestra. Fue estrenada en un momento que la política de estudios estaba en plena crisis, por lo que fue financiada por la productora de Gregory Peck y Robert Mitchum, la Melville-Talbot Productions. La conjunción de estos tres profesionales del cine consiguió un 'film noir', a partir del cual Martin Scorsese realizó un remake en 1991, El cabo del miedo, aunque sin llegar a las cotas de la primera versión.

jueves, 14 de enero de 2021

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LXXXIX)

El hombre que mató a Liberty Valance (The Man Who Shot Liberty Valance, 1962), de John Ford

Ransom Stoddard (James Stewart), un anciano senador del Congreso de los Estados Unidos, explica a un periodista por qué ha viajado con su mujer (Vera Miles) para asistir al funeral de su viejo amigo Tom Doniphon (John Wayne). La historia empieza muchos años antes, cuando Ransom era un joven abogado del este que se dirigía en diligencia a Shinbone, un pequeño pueblo del Oeste, para ejercer la abogacía e imponer la ley. Poco antes de llegar, fue atracado y golpeado brutalmente por el temido pistolero Liberty Valance (Lee Marvin). 
John Ford, famoso por su habilidad para retratar fabulosos paisajes, rodó curiosamente este magistral wéstern íntegramente en dos platós de la Paramount y en blanco y negro. Un gran contraste, si se compara con otro de sus grandes hitos de la época, Centauros del desierto, lleno de colorido y ambientado en el parque natural de Monument Valley. La ausencia de exteriores, la suplió con la contratación de dos superestrellas que pasaban por su mejor momento profesional: su actor fetiche John Wayne, en su sempiterno papel de tipo duro, pero tierno en el fondo; y James Stewart, como su contrapunto ideal, dando vida a un hombre de paz pero tan firme en sus ideales que está dispuesto a morir por ellos. Frente a ambos, un Lee Marvin que, gracias al papel de Liberty Valance, logró dejar atrás diez años como eterno secundario para convertirse por fin en una gran estrella de Hollywood. Una obra maestra expone más matices que ningún otro western, y sin duda el más importante es el de definir con hábil precisión un momento significativo de los Estados Unidos: aquel en el que el salvaje oeste comenzó a perder su condición de territorio sin ley y la civilización entró de la mano de los abogados, decididos a imponer las leyes sobre las pistolas. 

Hace 100 años: La luz que mata

El 14 de enero de 1921 se estrenó la película alemana La luz que mata (Der Gang in die Nacht), dirigida por F.W. Murnau e interpretada por Olaf Fønss, Erna Morena, Conrad Veidt, Gudrun Bruun-Stefenssen, Clementine Plessner. Productora: Goron Film. Duración: 105 minutos.
Sinopsis argumental: Para festejar el cumpleaños de su novia, un médico asiste con ella a un espectáculo de cabaret. La bailarina principal se siente atraída por él y finge un accidente para que la atienda en su camerino. El doctor se enamora de ella y rompe con su prometida.
Comentario: El título alemán de esta película se traduciría como "Viaje en la noche", pero esa "noche" es metafórica: se refiere a la ceguera, más que a algo nocturno. Los méritos más notables de la película son su fotografía (de Max Lutze), la dirección de FW Murnau (un poco más ligera de lo habitual por parte de este director) y una notable actuación de Conrad Veidt ... un actor que nunca deja de impresionarme, pero que supera sus propios altos estándares en este drama.

Películas de la semana: 15 de enero

23 paseos

Título original23 WalksDirecciónPaul Morrison. PaísReino Unido. Año2020. Duración102 minutos. GéneroRomance. Drama. Drama romántico. Comedia dramática. Vejez. Madurez. InterpretaciónAlison Steadman, Dave Johns, Graham Cole, Bob Goody, Marsha Millar, Oliver Powell, Natalie Simpson, Nina Smith, Vivienne Soan, Rakhee Thakrar. GuionPaul Morrison. Producción: Stewart Le Marechal, Anna Mohr-Pietsch, Maggie Monteith. MúsicaGary Yershon. FotografíaDavid Katznelson. Montaje: Bruce Green. Diseño de producciónNatalie O'Connor. VestuarioLaura Smith. ProductoraMet Film Production. Distribuidora: Caramel Films. Estreno en España: 15 de enero de 2021. SinopsisDave (Dave Johns) y Fern (Alison Steadman) son dos desconocidos de cierta edad que han sufrido por circunstancias de la vida. Se conocen mientras sacan a sus perros y, durante un total de veintitrés paseos, florece un romance entre los dos. Pero ni Dave ni Fern han sido del todo honestos el uno con el otro y su futuro puede verse comprometido por los secretos que se han guardado.

Vacaciones contigo... y tu mujer

Título original: Antoinette dans les Cévennes. Dirección: Caroline Vignal. País: Francia. Año: 2020. Duración: 95 minutos. Género: Comedia. Interpretación: Laure Calamy, Benjamin Lavernhe, Olivia Côte, Marc Fraize, Jean-Pierre Martins, Louise Vidal, Lucia Sanchez, Maxence Tual, Marie Rivière, François Caron, Ludivine de Chastenet, Bertrand Combe, Pierre Laur, Denis Mpunga, Dorothée Tavernier. Guion: Caroline Vignal. Música: Mateï Bratescot. Fotografía: Simon Beaufils. Productora: Chapka Films. Distribuidora: Cinemaran. Estreno en España: 15 de enero de 2021. Sinopsis: Antoinette, una maestra de escuela, espera con ansias sus largas vacaciones de verano que ha planeado con su amante secreto, Vladimir, el padre de uno de sus alumnos. Al enterarse de que Vladimir no puede ir porque su esposa organizó unas vacaciones de trekking sorpresa en el Parque Nacional de Cévennes con su hija y un burro para llevar su carga, Antoinette decide seguir su rastro, sola, con Patrick, un burro protector. Un viaje iniciático en tono de comedia rodada en unos magníficos entornos, pero también una hilarante "buddy movie" que une a una mujer y a un burro.

Más allá de las palabras

Título original: Beyond Words. Dirección: Urszula Antoniak. País: Países Bajos (Holanda). Año: 2017. Duración: 85 minutos. Género: Drama. Blanco y negro. Interpretación: Jakub Gierszal, Andrzej Chyra, Justyna Wasilewska, Philip Wilhelmi, Christian Löber. Guion: Urszula Antoniak. Fotografía: Lennert Hillege. Productora: Co-production Países Bajos (Holanda)-Polonia-Francia; Family Affair Films/Opus Film, EC1 Lódz - Miasto Kultury/Eurimages/Polski Instytut Sztuki Filmowej. Premios y nominaciones: Camerimage: Nominada a mejor película polaca; Festival de Cine Europeo Les Arcs: Nominada mejor realización narrativa; Nederlands Film Festival: Nominada a mejor película, mejor fotografía y mejor diseño de sonido; Netia Off Camera International Festival of Independent Cinema: Nominada a mejor largometraje polaco; Festival Internacional de Cine de San Sebastián: Nominada a mejor película; Festival Internacional de Cine de Varsovia: Nominada al Grand Prix. Estreno en España: 15 de enero de 2021. Sinopsis: Michael y Franz, su jefe y mejor amigo, se sienten como en casa en los restaurantes, bares y clubes de moda de Berlín. Aparentemente no hay diferencias entre ellos, pero Michael, que emigró de Polonia tras la muerte de su madre hace unos cuantos años, todavía presta especial atención a su acento. Michael queda conmocionado cuando un polaco desastrado y bohemio se presenta en su puerta asegurando ser su padre. Padre e hijo, dos perfectos extraños, comparten un fin de semana que va de la empatía al rechazo y la desconfianza. Una dolorosa crisis se hace inevitable conforme Michael se va reencontrando con sus raíces...

Fritzi: Un cuento revolucionario

Título originalFritzi - Eine WendewundergeschichteDirecciónRalf Kukula, Matthias Bruhn. PaísAlemania. Año2019. Duración86 minutos. Género: Animación. Drama. Reparto: Animación. GuionBeate Völcker, Péter Palátsik, Hannah Schott. MúsicaAndré Dziezuk. FotografíaAnimación. ProductoraCo-production Alemania-Luxemburgo; TrickStudio Lutterbeck/Doghouse Films/Artemis Productions/MAUR Film. Premios y nominaciones: Premios del cine Alemán: Nominada a mejor film infantil. Estreno en España: 15 de enero de 2021. Sinopsis: Basada en el libro para niños de Hanna Schott, esta película de animación cuenta la historia de Fritzi, estudiante de cuarto grado, en la ciudad de Leipzig, en Alemania del Este, durante el verano de 1989. Se supone que cuidará del perro de su mejor amiga Sophie durante el verano, pero descubre que Sophie y su familia han huido a Occidente a través de Hungría. Así que Fritzi hace todo lo posible para reunirse con su amiga. Con un sentido sutil para la pedagogía y muchos momentos conmovedores, esta película presentará a una generación joven a los complejos acontecimientos políticos e históricos que condujeron a la reunificación alemana.

Los Elfkins

Título original: Die Heinzels - Rückkehr der HeinzelmännchenDirección: Ute von Münchow-Pohl. País: Alemania. Año: 2019. Duración: 78 minutos. Género: Animación. Infantil. Comedia. Reparto: Animación. Guion: Jan Strathmann. Música: Alex Komlew. Fotografía: Animación. Productora: Akkord Film Produktion GmbH/Tobis Film, ZDF/Deutsches Filmorchester Babelsberg/Studio Rakete. Estreno en España: 15 de enero de 2021. Sinopsis: Durante más de 200 años, los Elfkins han estado viviendo bajo tierra, escondiéndose del mundo superior y evitando cualquier interacción con los seres humanos "ingratos y malos". Pero un día, Helvi, Kipp y Butz deciden subir a la superficie de la tierra. Después de muchas aventuras, Helvi se hace amiga de Theo, un chef de pastelería un poco gruñón que le recordará a ella y a todos los demás Elfkins su verdadero propósito en la vida: ¡ayudar a los demás!

miércoles, 13 de enero de 2021

Efemérides de cine: La guerra de Murphy

El 13 de enero de 1971 se estrenó la película británica La guerra de Murphy (Murphy's War), dirigida por Peter Yates e interpretada por Peter O'Toole, Philippe Noiret, Sian Phillips, Horst Janson, John Hallam, Ingo Mogendorf. Productora: Paramount Pictures. Duración: 108 minutos.
Sinopsis argumentalDurante los últimos coletazos de la Segunda Guerra Mundial, el irlandés Murphy (Peter O'Toole) es el único superviviente de la tripulación del buque mercante Mount Kyle, hundido por un submarino alemán, el U-boat. Los compañeros que no murieron ahogados fueron ametrallados en el agua por el rival. Murphy logra llegar hasta tierra. Cae en un asentamiento misionero en el Orinoco (Venezuela), donde recibe los cuidados de un médico pacifista cuáquero, el dr. Hayden (Siân Phillips). Cuando Murphy se entera de que el U-Boat está escondido río arriba, bajo la espesura de la jungla, decide planificar pormenorizadamente su venganza, que se convertirá en una obsesión inmediata por hundir la embarcación alemana por encima de todas las cosas, para lo que piensa utilizar también el hidroavión del Mount Kyle. Dicha aeronave sí se había salvado, aunque el piloto que la conducía, convaleciente en una cama de hospital, había sido finalmente asesinado por el capitán del U-boat para preservar el secreto de su localización y, presumiblemente, el indiscriminado tiroteo en el agua de los supervivientes tras el hundimiento.
ComentarioSe trata de una adaptación de una novela de Max Catto de la mano del guionista Stirling Silliphant donde Peter O'Toole realiza todo un recital interpretativo, mostrando el ecléctico de su trabajo. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LXXXVIII)

Viridiana (1961), de Luis Buñuel

Don Jaime (Fernando Rey), un viejo hidalgo español, vive retirado y solitario en su hacienda desde la muerte de su esposa, ocurrida el mismo día de la boda. Un día recibe la visita de su sobrina Viridiana (Silvia Pinal), novicia en un convento, que tiene un gran parecido con su mujer. Basada libremente en la novela Halma, de Benito Pérez Galdós. 
Única película española que ha ganado la Palma de Oro en el Festival de Cannes, aunque durante muchos años el filme -una coproducción- "se hizo pasar" por mexicana pues las autoridades españolas, cuyos censores habían dado visto bueno al guión, consideraron irreverente la película una vez vista. De hecho no se estrenó en España hasta 1977, tras la muerte de Franco, a pesar de que era la primera película rodada en el país natal del maestro aragonés tras décadas en el exilio en México y Francia. Luis Buñuel regresó a principios de la década de 1960 a Madrid para dirigir su primer largometraje español. La película, una demostración de la imposibilidad de ejercer la caridad cristiana, fue prohibido por la censura durante 16 años al ser acusado de blasfemo por el Vaticano. La morbosidad de ser una película censurada jugó a favor de la cinta, que terminó funcionando muy bien en taquilla. Buñuel eligió como protagonista de la historia a la mexicana Silvia Pinal, representante de la pureza, en contraposición a toda una galería de personajes españoles, encabezados por Francisco Rabal, Fernando Rey y Lola Gaos.

Sigourney Weaver, inmarchitable Mrs Ripley, en la saga “Alien”

Superviviente, comandante, suicida, clonada… Sigourney Weaver, una actriz con una potencia de fuego inigualable, se endosa todos los disfraces de la saga “Alien”.
En la última temporada de la serie francesa Call My Agent! (Dix pour cent), interpreta su propio papel, como todas las estrellas invitadas: Sigourney Weaver, de 70 años, es esperada en París para rodar una  una película francesa, dirigida por Guillaume Gallienne. Una historia romántica entre personas mayores. Pero se producirá un malentendido, cuando llegue allí: pensando en trabajar con Gaspard Ulliel, en el papel de su amante, descubre que su pareja es finalmente un actor octogenario (Bernard Verley, visto recientemente como el sacerdote Bernard Preynat, acusado de pedofilia, en Grâce á Dieu (2018), de François Ozon). Terriblemente decepcionada y molesta, quiere regresar a los Estados Unidos pero Andréa Martel (Camille Cottin) la convence in extremis de quedarse...
Pero es una mujer atlética, con una energía casi sobrehumana, la que llega. Hace que le instalen algunas máquinas de musculación en la habitación del hotel y desafía al viejo amante ficticio destinado a ella. Por fantástica que sea esta visión de la mujer estadounidense por parte de los guionistas franceses, resume bien ciertos rasgos comúnmente atribuidos a Sigourney Weaver. Pionera del cine de acción realizado por una mujer, forjó su ADN de actriz a lo largo de las primeras cuatro partes de Alien, entre 1979 y 1997. Incluso hoy, parece inevitable tener en cuenta su origen y su originalidad, a través del prisma de la saga de ciencia ficción creada por Ridley Scott.

martes, 12 de enero de 2021

Cumplió 25 años: Los colegas del barrio

El 12 de enero de 1996 se estrenó la película estadounidense Los colegas del barrio (Don't Be a Menace to South Central While Drinking Your Juice in the Hood), dirigida por Paris Barclay e interpretada por Shawn Wayans, Marlon Wayans, Tracey Cherelle Jones, Chris Spencer, Suli McCullough, Darrel Heath, Helen Martin, Isaiah Barnes, Lahmard J. Tate. Productora: Miramax. Duración: 89 minutos.
Sinopsis argumentalAshtray (Shawn Wayans) es un joven negro que regresa a casa de su padre tras vivir casi toda su vida con su madre. En el barrio se encuentra con su primo Loc Dog (Marlon Wayans) y sus amigos. 
ComentarioLa película es una parodia al estilo Mel Brooks de los numerosos filmes afro-americanos que se pusieron de moda durante la década de 1990 y que venían firmados por directores como John Singleton o Spike Lee. El título en inglés de la película, Don’t Be a Menace to South Central While Drinking Your Juice in the Hood, es una mezcla de los títulos de varias de las mejores cintas de este tipo. De hecho, la gracia de la película es poder identificar las referencias a estas películas y también a otras como Apocalypse Now o Regreso al futuroLa cinta es una de las exitosas producciones de los hermanos Wayans, una familia de cómicos-guionistas-productores afroamericanos, muy populares en los Estados Unidos gracias a la serie de TV In Living Color y a la parodia Scary Movie, donde repitieron el mismo esquema pero burlándose de la saga de Scream.

Cumplió 25 años: Bio-Dome

El 12 de enero de 1996 se estrenó la película estadounidense Bio-Dome, dirigida por Jason Bloom e interpretada por Pauly Shore, Stephen Baldwin, William Atherton, Denise Dowse, Dara Tomanovich, Kevin West, Kylie Minogue, Joey Lauren Adams, Teresa Hill, Patty Hearst. Productora: Motion Picture Corporation of America/Weasel Productions/3 Arts Entertainment. Duración: 88 minutos. 
Sinopsis argumental: Antes del Día del Medio Ambiente de 1996, lo más cerca que Bud (Pauly Shore) y Doyle (Stephan Baldwin) había estado de un vertedero ¡era su apartamento! Cuando sus novias ecologistas les piden que dejen de tirarse el rollo y empiecen a tirar la basura, este dúo poco dinámico deja bien claro que prefieren hablar de guarradas que recogerlas. Pero sus vidas sufren un cambio radical cuando se encuentran atrapados en un experimento científico durante un año dentro de un entorno biológico esférico ¡sin comida rápida ni televisón por cable! ¿Podrán Bud y Doyle adaptarse a su nuevo habitat o provocarán con su mera presencia su propia extinción, junto con el fracaso del proyecto y quizá la destrucción del planeta? 
ComentarioLa película está protagonizada por Stephen Baldwin y Pauly Shore, y cuenta con apariciones de celebridades como Roger Clinton, Kylie Minogue, Patricia Hearst y Rose McGowan. Jack Black y Kyle Gass llamaron la atención mundial por primera vez en Bio-Dome, donde actuaron juntos como Tenacious D en pantalla por primera vez.

Carax, Lemercier, Verhoeven, Spielberg, Rasoulof... 20 películas para estrenar en 2021 (IV)

(cont.)

16.- Comédie humaine (2021), de Xavier Giannoli

17.- Nomadland (2020), de Chloé Zhao

Prevista su estreno en España el próximo 19 de febrero de 2021.

18.- The Matrix 4 (2021), de Lana Wachowski

19.- Sra. Lowry e Hijo (Mrs. Lowry & Son, 2019), de Adrian Noble

Prevista su estreno en España el próximo 12 de febrero de 2021. 

20.- Nadie (Nobody, 2021), de Ilya Naishuller

Prevista su estreno en España el próximo 26 de febrero de 2021. 

lunes, 11 de enero de 2021

Cumplió 25 años: Hiedra venenosa 2

El 12 de enero de 1996 se estrenó la película estadounidense Hiedra venenosa 2 AKA Fuego de pasión (Poison Ivy II: Lily), dirigida por  Anne Goursaud e interpretada por Alyssa Milano, Johnathon Schaech, Xander Berkeley, Belinda Bauer, Camilla Belle, Kathryne Dora Brown, Walter Kim, Victoria Haas, Tara Ellison, Mychal Wilson, Joey Krees, Kate Rodger, Howard Brown. Productora: New Line Cinema/CineTel Pictures/MG Entertainment. Duración: 106 minutos.
Sinopsis argumental: Lily is una estudiante de arte aventajada que proviene de Michigan y que estudia en California. Cuando la joven se traslada a esta ciudad, tiene que encontrar un piso para compartir, pero sus compañeros son algo extraños. Un día Lily encuentra algo muy personal que le cambiará la vida. Es una caja, un objeto que pertenece a una chica desconocida y que contiene fotografías de la muchacha desnuda y un diario. Lily no puede resistirse a leerlo y en él descubre una vida ajena y muy diferente que cambiará por completo sus ideales. La joven empieza a salir con un chico, pero su profesor de arte se muestra extrañamente posesivo y celoso. Este hombre desea con todas sus ganas a su alumna más avanzada y se muere por estar con ella. La dirección de la película corre a cuenta de Anne Gorusaud, realizadora de  9 semanas y 1/2 en París (Love in Paris, 1997)
Comentario: Segunda película sobre el veneno de Ivy, donde resalta la sensualidad de Alyssa Milano, dejando atrás la niña tierna de Quien manda a Quien?, y pasa a ser un símbolo de erotismo singular mezclado de ternura y madurez. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LXXXVII)

El péndulo de la muerte (The Pit and the Pendulum, 1961), de Roger Corman

Francis Barnard se dirige a España al enterarse de la muerte de su hermana Elizabeth. Su marido, Nicholas Medina, hijo de un brutal inquisidor, le dice que ha muerto de una enfermedad de la sangre, pero Francis no acaba de creérselo. Pronto se dará cuenta de los terribles secretos que oculta el castillo de los Medina. Uno de los filmes más famosos que Corman realizó bajo su peculiar estética de serie B. A diferencia de otras cintas basadas en relatos del escritor Edgar Allan Poe, que el director llevó a cabo durante la primera mitad de los años 1960,
El péndulo de la muerte no está inspirado en ningún cuento en concreto. Gracias a la intervención en el guión de Richard Matheson, Corman consiguió plasmar aquí las obsesiones de Poe mediante una historia original situada en la España de la Inquisición. Para ello contó de nuevo con Vincent Price, su actor fetiche, y con una Barbara Steele que acababa de saltar a la fama de los filmes de terror, con su genial interpretación en La máscara del demonio (La maschera del demonio, 1960) de Mario Bava.

Carax, Lemercier, Verhoeven, Spielberg, Rasoulof... 20 películas para estrenar en 2021 (III)

(cont.)

11.- Benedetta (2021), de Paul Verhoeven

12.- Kaamelott - Premier volet (2020), de Alexandre Astier

13.- The Beatles: Get Back (2021), de Peter Jackson

Previsto su estreno en España el 27 de agosto de 2021.

14.- Dune (2021), de Denis Villeneuve

15.- The Last Duel (2021), de Ridley Scott

(cont.)

domingo, 10 de enero de 2021

Hace 100 años: Hamlet

El 10 de enero de 1921 se estrenó la película alemana Hamlet AKA Hamlet: The Drama of Vengeance, dirigida por Svend Gade, Heinz Schall e interpretada por Asta Nielsen, Paul Conradi, Mathilde Brandt, Eduard von Winterstein, Heinz Stieda, Hans Junkermann, Anton De Verdier, Lilly Jacobson, Fritz Achterberg. Productora: Art-Film GmbH. Duración: 131 minutos. 
Sinopsis argumental: El prólogo: la reina Gertrudis de Dinamarca da a luz a una niña. Cuando se entera de que el rey ha sido asesinado en una batalla con Noruega, anuncia que ha dado a luz a un niño llamado Hamlet, ya que solo los hombres pueden inherente a la corona. Luego, para sorpresa de la reina, el rey regresa vivo a casa. Deciden que no pueden retirar la proclamación de la reina y criar a Hamlet como un niño.
Primera parte: el solitario príncipe Hamlet crece y asiste a la Universidad de Wittenberg . Hamlet, melancólico, mira por la ventana a la gente socializando, y un título intermedio describe al príncipe como si tuviera alas cortadas. Pero Hamlet se hace amigo de Horatio, por quien Hamlet se siente visiblemente atraído, y Fortinbras de Noruega. Mientras tanto, el hermano del rey, Claudio, mata al rey con una serpiente venenosa y hereda la corona.
Segunda parte: Hamlet regresa a casa y se indigna al descubrir que Claudio y Gertrude no están de luto por el padre de Hamlet, sino que están celebrando su próximo matrimonio. Hamlet habla con el jardinero que encontró el cuerpo del rey, quien revela que había una serpiente del calabozo del castillo cercano. Hamlet investiga la mazmorra y encuentra la daga de Claudio. Hamlet decide investigar más y fingir locura para que Claudio no considere al príncipe como una amenaza. Actuando como loco, Hamlet talla una corona falsa para Claudio, luego la hace desaparecer con un juego de manos.
Tercera parte: Horacio yace con la cabeza en el regazo de Hamlet. Horatio revela que se siente atraído por la noble Ophelia y Hamlet se pone celoso y decide cortejar a Ophelia. Hamlet acaricia a Ofelia y le besa los dedos y el brazo. Entonces, solo, Hamlet dice: "Ahora, Horacio, eres mío".
Cuarta parte: los sentimientos antagónicos de Hamlet hacia Ophelia se filtran: el príncipe la ignora en persona y escribe una carta llamándola tonta. El padre de Hamlet insta al príncipe a vengarlo en un sueño. Hamlet no tiene la voluntad de matar, sin embargo, y en su lugar considera el suicidio, antes de decir: "¡Demasiado débil para matar y demasiado débil para quitarme la vida!" Para determinar si Claudio es culpable, Hamlet hace que un grupo de actores interprete una obra en la que el hermano de un rey mata a un rey. Cuando el rey detiene la producción, Hamlet se convence y corre a la habitación de Claudio con una espada. Pero Hamlet encuentra a Claudio rezando y decide no matarlo. Más tarde, Hamlet visita a la reina y ve a alguien moviéndose detrás de una cortina. Hamlet lo apuñala y lo mata, pensando que es Claudio, pero es el padre de Ofelia, Polonio .
Quinta parte: Claudio se da cuenta de que Hamlet tenía la intención de matarlo y envía a Hamlet a Noruega con dos compañeros para ver Fortinbras. Claudio les da a los compañeros una carta secreta que ordena a Fortinbras que decapite a Hamlet. Hamlet, sin embargo, descubre la nota y la cambia hábilmente. Cuando, finalmente, Fortinbras lee la nota y hace que los sorprendidos compañeros de viaje de Hamlet sean arrastrados para ser decapitados, Hamlet sonríe. Hamlet le cuenta a Fortinbras sobre las fechorías de Claudio y Fortinbras promete ayudar a usurpar a Claudio.
Parte seis: Ofelia se ha vuelto loca después de la muerte de su padre. Ella se ahoga devastando a su hermano Laertesy Horatio. Más tarde, Claudio está bebiendo alegremente cuando, para su sorpresa, aparece Hamlet. Hamlet anima al rey y a sus compañeros a seguir bebiendo, hasta que se quedan en un sueño ebrio. Hamlet prende fuego a la habitación. Claudio se despierta y pelea con Hamlet. Hamlet escapa y deja morir a Claudio y sus asociados. Cuando Gertrude descubre lo sucedido, conspira con Laertes para vengarse. Ella establece un duelo entre los dos y envenena tanto la espada de Laertes como una bebida destinada a Hamlet. Durante el duelo, la reina bebe accidentalmente la bebida envenenada. Ella grita y Hamlet se vuelve. Laertes apuñala a Hamlet en el pecho. Horacio va hacia el príncipe y comienza a desabrochar la parte superior de Hamlet, pero Hamlet lo detiene. Hamlet se derrumba en los brazos de Horatio y muere. Horatio, acariciando a Hamlet, se da cuenta de que Hamlet tiene pechos. "¡Solo en la muerte se revela tu secreto! "Y" ¡Demasiado tarde, amor mío, demasiado tarde! "Horacio besa los labios de Hamlet y llora. Luego, cubre el cuerpo de Hamlet. Fortinbras llega y se entristece, describiendo a Hamlet como con las alas rotas. los hombres se llevan el cuerpo de Hamlet.
Comentario: Adaptación alemana de la famosa obra de William Shakespeare. Esta versión se inspira en el libro de Edward P. Vining, The Mystery of Hamlet, el cual sostenía que ese príncipe danés era en realidad una princesa andrógina y de esta forma comprende el porqué de su atormentada existencia, como si no fuese bastante el saber que su tío que ha asesinado a su padre se casa con su madre y se apodera a continuación del trono danés que le pertenecía...