viernes, 16 de abril de 2021

Efemérides de cine: Tráfico

El 16 de abril de 1971 se estrenó la película francesa Tráfico (Traffic), dirigida por Jacques Tati e interpretada por Jacques Tati, Maria Kimberly, Marcel Fraval, Honoré Bostel, Tony Kneppers, Marco Zuanelli, François Maisongrosse. Productora: Co-production Francia-Italia; Les Films Corona/Selenia Cinematografica/Les Films Gibé. Duración: 96 minutos. 
Sinopsis argumentalMonsieur Hulot es un diseñador que trabaja para uan gran firma de automóviles llamada Altra Motors y está a punto de terminar un gran proyecto para presentarlo en un show internacional de automóviles en Amsterdam. Cuando el coche está a punto de ser terminado para la presentación, no funciona como debería. Sin embargo, Hulot y su mecánico, deciden cargarlo en un camión y dirigirlo hasta Holanda. Pero lo que debería habver sido un viaje ordinario desde París a Amsterdam se convierte en una pesadilla: atascos, averías, accidentes,... Y Hulot sólo quiere llegar a tiempo para la muestra.
Nominaciones y premios: National Board of Review: Mejores películas extranjeras; Premios BAFTA: Nominada a mejor música. 
Comentario :Esta fue la última película en que apareció Monsieur Hulot, un famoso personaje de Jacques Tati. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXXXI)

Las amantes del vampiro (The Vampire Lovers, 1970), de Roy Ward Baker

Un joven caballero acude al castillo de los Karnstein para vengar la muerte de su hermana, muerta por los vampiros. Allí, tras apoderarse del sudario de uno de los vampiros, lo atrae hacia sí. Pero el terror lo paraliza, y sólo lo salva la cruz que pende de su cuello. Y entonces, decapita a una vampira... E
s la primera película de la trilogía de los Karnstein basada en el relato Carmilla, la mujer-vampiro, creado por el escritor Sheridan Le Fanu. Esta versión de la Hammer Productions introdujo el erotismo y el lesbianismo en sus historias vampíricas, un filón que seguiría siendo explotado en los siguientes films del género. Basada en Carmilla de Sheridan le Fanu, incluida en su obra In a Glass Darkly. Adaptada por Harry Fine. Carmilla es un vampiro bastante alejado de la figura de Drácula: pasea a la luz del día (eso sí, por la sombra), come y bebe como cualquier persona, no necesita acudir diariamente a la tumba y posee la capacidad de desintegrarse. Las amantes del vampiro es la película que marca el inicio de la decadencia de la Hammer, causada por varias razones: la necesidad de buscar novedades en las tramas de unas películas que tenían como protagonistas a unos personajes bastante agotados, la reducción drástica de presupuestos en clara relación con el descenso de recaudaciones y el hecho de que otros países europeos (Alemania, Italia, España, a menudo en coproducción) empezaron a producir en masa producciones baratas, pero rentables, del género. Estas películas tenían presupuestos ridículos, pero conseguían buenas recaudaciones porque tenían más sangre y, sobre todo, más sexo que las de la Hammer; así pues la productora inglesa no quiso quedarse atrás. Tuvo dos continuaciones: Lujuria para un vampiro, también conocida como Ataúd para un vampiro (Lust for a Vampire, 1971) y Drácula y las mellizas (Twins of Evil, 1971). 

jueves, 15 de abril de 2021

De amor y monstruos: una película mutante marcada por el ADN de las películas fantásticas de la infancia

Es una buena sorpresa que esta De amor y monstruos (Love and Monsters, 2020), dirigida por Michael Matthews, privada del estreno en las salas de cine, aterrice en Netflix. Una canción de amor a los monstruos que poblaron las películas fantásticas de los años 1980 y 1990, con un impecable Dylan O’Brien, digno heredero de los héroes de Spielberg.
¿Qué es peor que vivir confinado bajo tierra en un mundo postapocalíptico? Sin duda, vivir confinado bajo tierra en un mundo post-apocalíptico por estar soltero, rodeado de compañeros sexualmente activos. Este es el caso de nuestro pobre Joel, de 24 años, todo en un romántico frustrado (su apellido es Dawson, como la serie...), que ha vivido siete años como una carga, simpática pero una carga, en el seno de una de las pocas colonias supervivientes que huían de la horrible superficie infestada de monstruos. Pero, ¿cómo hemos llegado hasta ahí?
Dylan O'Brien en De amor y monstruos
Como era de esperar, dado que los humanos a menudo tienen la tendencia a dispararse a sí mismos en el pie, cuando se trata de salvar el planeta, las consecuencias químicas y radioactivas de un arma superpoderosa, utilizada para destruir un asteroide amenazante, ha transformado todas las especies de animales de sangre fría en Godzilla con exudado y pústulas purulentas. Estos monstruos no solo acabaron con la mayoría de la población de la Tierra, sino que también separaron indirectamente a Joel de su novia, Aimee. Tras la muerte de uno de sus familiares, tras la intrusión de una hormiga mutante, y tras haber establecido recientemente contacto por radio con su amada, Joel decide que ya ha tenido suficiente (él cuya única función es preparar un minestrone todos los días) y marcharse solo hacia la colonia de Aimee...

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXXX)

Sayat Nova (El color de la granada) (Sayat Nova, 1969), de Sergei Parajanov

Biografía del trovador y poeta armenio del siglo XVIII Sayat Nova. En lugar de hacer una narración lineal, el director se encarga de realizar una serie de cuadros vivientes que representan episodios importantes de la vida del poeta en clave simbólica: su infancia, su juventud, su entrada a un monasterio, o su enfrentamiento con el ángel de la muerte. Estos capítulos están desarrollados a partir de fragmentos de sus obras, los cuales aparecen en intertítulos o se escuchan mediante una voz en off. 
Censurada en la época por la Unión Soviética, es una de las películas más sorprendentes y surrealistas del incómodo ─subversivo incluso─ cineasta armenio Sergei Paradjanov. Ha sido restaurada por entre otras la Cineteca de Bolonia y la Film Foundation presidida por Martin Scorsese, fue presentada en la sección oficial de Cannes Classics en 2014 después de más de tres años de trabajo. Se trata de la versión prácticamente íntegra del montaje original de Paradjanov de 1969, que fue prohibida por las autoridades soviéticas y remontada por el cineasta Serguei Youtkevitch en una versión más corta y simplificada. 

Películas de la semana: 16 de abril

Mortal Kombat

DirecciónSimon McQuoid. PaísEstados Unidos. Año2021. Duración: 110 minutos. GéneroAcción. Aventuras. Fantástico. Artes marciales. Videojuego. InterpretaciónJoe Taslim, Hiroyuki Sanada, Chin Han, Jessica McNamee, Josh Lawson, Ludi Lin, Mehcad Brooks, Tadanobu Asano, Sisi Stringer, Lewis Tan, Elissa Cadwell, Max Huang, Mike Foenander. GuionGreg Russo (Videojuego: Ed Boon, John Tobias, Midway, NetherRealm Studios). Producción: James Wan. MúsicaBenjamin Wallfisch. FotografíaGermain McMicking. ProductoraWarner Bros./New Line Cinema/Atomic Monster/Broken Road Productions. Distribuidora: Warner Bros. Estreno en España: 16 de abril de 2021. SinopsisEn Mortal Kombat, Cole Young, el luchador de MMA (Artes Marciales Mixtas), acostumbrado a recibir palizas por dinero, desconoce su ascendencia, y tampoco sabe por qué el emperador Shang Tsung de Outworld ha enviado a su mejor guerrero, Sub-Zero, un Cryomancer sobrenatural, para dar caza a Cole. Cole teme por la seguridad de su familia y busca a Sonya Blade siguiendo las indicaciones de Jax, un comandante de las Fuerzas Especiales que tiene la misma extraña marca de dragón con la que nació Cole. No tarda en llegar al templo de Lord Raiden, un Dios Anciano y el protector de Earthrealm, que ofrece refugio a los que llevan la marca. Aquí, Cole entrena con los experimentados guerreros Liu Kang, Kung Lao y el mercenario rebelde Kano, mientras se prepara para enfrentarse a los mayores campeones de la Tierra contra los enemigos de Outworld (El Mundo Exterior) en una batalla de enorme envergadura por el universo. Veremos si los esfuerzos de Cole se ven recompensados y consigue desbloquear su arcana -ese inmenso poder que surge del interior de su alma— a tiempo de salvar no solo a su familia, sino para detener Outworld de una vez por todas.

Una joven prometedora

Título originalPromising Young WomanDirecciónEmerald Fennell. PaísReino Unido. Año2020. Duración113 minutos. GéneroThriller. Drama. Comedia. Venganza. Crimen. Comedia negra. InterpretaciónCarey Mulligan, Bo Burnham, Alison Brie, Connie Britton, Jennifer Coolidge, Adam Brody, Laverne Cox, Clancy Brown, Angela Zhou, Christopher Mintz-Plasse, Alfred Molina, Molly Shannon, Sam Richardson, Steve Monroe, Casey Adams. GuionEmerald Fennell. Producción: Margot Robbie. MúsicaAnthony B. Willis. FotografíaBenjamin Kracun. ProductoraCo-production Reino Unido-Estados Unidos; Filmnation Entertainment/Focus Features/LuckyChap Entertainment. Distribuidora: Focus Features. Premios y nominaciones Premios Oscar: 5 nominaciones incluyendo mejor película y director; Globos de Oro: 4 nominaciones, incluyendo mejor película drama y director; Premios BAFTA: Mejor film británico y guion original. 6 nominaciones; National Board of Review (NBR): Top 10, mejor actriz (Mulligan); Critics Choice Awards: Mejor actriz (Mulligan) y guion original. 6 nominaciones. Premios Independent Spirit: Nom. a mejor dirección, guion y actriz (Mulligan); Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor dirección/película; Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guion original; Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actriz (Carey Mulligan); Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actriz (Mulligan) y guion; Asociación de Críticos de Chicago: Mejor dirección novel. 5 nominaciones; Satellite Awards: Premio Auteur y guion original. 4 nominaciones. Estreno en España: 16 de abril de 2021. SinopsisTodo el mundo habla de Cassie (Carey Mulligan) como una joven muy prometedora... Hasta que un misterioso evento hace que su futuro se desvíe de sus planes. Sin embargo, nada en la vida de Cassie es realmente lo que parece ser, ya que la joven increíblemente inteligente y tentadoramente astuta que todos conocen vive una vida secreta durante las noches. Perseguida por un acontecimiento traumático en su pasado, Cassie comienza a vengar lo ocurrido de manera muy particular, haciéndoselo pagar a aquellos hombres que se crucen en su camino, con la intención de enmendar los errores del pasado.

Una veterinaria en la Borgoña

Título originalLes vétosDirecciónJulie Manoukian. PaísFrancia. Año2019. Duración92 minutos. GéneroComedia. Animales. InterpretaciónClovis Cornillac, Noémie Schmidt, Lilou Fogli, Carole Franck, Caroline Gaget, Sébastien Pruneta, Juliane Lepoureau, Victor Pontecorvo, Matthieu Sampeur, Antoine Chappey, Cyril Couton, Christian Sinniger, Stéphane Rideau, Arnaud Bronsart, Thierry Nenez, François Legrand, Nils Othenin-Girard, Michel Jonasz, Bénédicte-Lala Ernoult, Sylvie Lachat. GuionJulie Manoukian. MúsicaMateï Bratescot. FotografíaThierry Pouget. ProductoraLes Films Du Premier/Piste Rouge/OCS, Cinémage 13/France 3 Cinéma/France Télévision. Estreno en España: 16 de abril de 2021. SinopsisEn el corazón de la Borgoña, Nico, el último veterinario de la zona, lucha por salvar a sus pacientes, su clínica y su familia. Cuando Michel, su compañero y mentor, anuncia su jubilación, Nico sabe que lo difícil está por venir: encontrar un nuevo compañero. Esta será Alexandra, una recién graduada brillante, misántropa y que no tiene ningún deseo de enterrarse en el pueblo de su infancia. ¿Conseguirá Nico que se quede?

Natura Bizia

DirecciónLexeia Larrañaga de Val. PaísEspaña. Año2021. Duración81 minutos. GéneroDocumental. Naturaleza. RepartoDocumental. GuionLexeia Larrañaga de Val. MúsicaJulio Veiga. ProductoraAvis Productions. Estreno en España: 16 de abril de 2021. SinopsisEn el norte de la Península Ibérica encontramos dos regiones que nos depararán grandes momentos. Son Euskadi y Navarra, dos territorios que albergan un alto porcentaje de la biodiversidad existente en Europa. En Natura Bizia, desvelaremos los rincones mejor conservados, la biodiversidad más espectacular y la fauna animal en su estado más salvaje. Acantilados verticales, un mar infinito, bosques llenos de magia y enormes montañas calizas nos harán disfrutar de inolvidables vivencias. Nadaremos entre los cetáceos más grandes del planeta, disfrutaremos de los primeros pasos del oso pardo tras su letargo invernal, viviremos la lucha diaria de los lobos por conquistar un nuevo territorio, y volaremos junto a la más poderosa de nuestras águilas. Descubriremos también los momentos más íntimos del visón europeo, pues es aquí donde aún se conserva uno de los últimos bastiones de todo el continente; y veremos cómo el desierto, aunque parezca vacío y sin vida, alberga uno de los ecosistemas más variados de nuestro planeta.

Amanece en Calcuta

Dirección: José María Zavala. País: España. Año: 2020. Duración: 90 minutos. Género: Documental. Religión. Pobreza. Reparto: Documental, (intervenciones de: Teresa de Calcuta). Guion: José María Zavala. Música: Ray Pherz. Fotografía: Miguel Gilaberte. Productora: Piucho Films. Distribuidora: Dreams European Factory S. L. Estreno en España: 16 de abril de 2021. SinopsisDirigida por José María Zavala, director a su vez de El Misterio del Padre Pío, Renacidos y Wojtyla. La investigación, cuenta en su nueva película 'Amanece en Calcuta' la historia de una pequeña-gran mujer que entregó su vida a los más pobres de entre los pobres. El documental aboga porque gracias a Santa Teresa de Calcuta la capital de la India está presente hoy en todas partes. Porque en tu ciudad hay también una «Calcuta» donde malviven personas necesitadas de amor. Con el ritmo de un thriller, Amanece en Calcuta navega entre los testimonios entrelazados de seis personas que siguen jugándose la vida en los lugares más remotos del planeta para dar a conocer y amar a Cristo, siguiendo los pasos de la espiritualidad de la Madre Teresa. La banda sonora original incorpora incluso instrumentos musicales de la India. La película busca impactar en el corazón de muchas personas, especialmente de aquellas que siguen instaladas en su «zona de confort» ignorando lo que sucede al otro lado de la realidad.

Crock of Gold: Bebiendo con Shane MacGowan

Título originalCrock of Gold: A Few Rounds with Shane MacGowanDirecciónJulien Temple. PaísReino Unido. Año2020. Duración124 minutos. Género: Documental. Documental sobre música. Biográfico. RepartoDocumental, (intervenciones de: Shane MacGowan). Producción: Johnny Depp. MúsicaIan Neil. FotografíaSteve Organ. ProductoraInfinitum Nihil/Nitrate Film. Distribuidora: Magnolia Pictures. Premios y nominaciones: Festival de San Sebastián: Premio Especial del Jurado; Critics' Choice Documentary Awards: Nominado a mejor documental musical; Guild of Music Supervisors Awards: Nominado a  mejor supervisión musical en un documental; International Documentary Association: Nominado a mejor documental. Estreno en España: 16 de abril de 2021. SinopsisCombinando imágenes de archivo inéditas de la banda y de la propia familia de MacGowan, junto con animaciones de, entre otros, el ilustrador Ralph Steadman, "Crock of Gold" es una celebración del poeta punk irlandés Shane MacGowan, cantante y compositor principal de The Pogues. Producida por Johnny Depp.

¡Upsss 2! ¿Y ahora dónde está Noé?

Título original: Ooops! The Adventure Continues... Dirección: Toby Genkel, Sean McCormack. País: Alemania. Año: 2020. Duración: 86 minutos. Género: Animación. Fantástico. Infantil. 3-D. Secuela. Reparto: Animación. Guion: Richie Conroy, Mark Hodkinson. Música: Craig Stuart, Eimear Noone. Fotografía: Animación. Productora: Co-production Alemania-Irlanda-Luxemburgo; Ulysses Filmproduktion/Fabrique d'Images/Studio Rakete/Moetion Films. Estreno en España: 16 de abril de 2021. Sinopsis: El arca de Noé va a la deriva en mar abierto, con los mejores amigos Finny y Leah a bordo. Pero, después de semanas sin tierra a la vista, las reservas de alimentos se están agotando... y la frágil paz entre carnívoros y herbívoros podría romperse en cualquier momento. Finny y Leah se caen accidentalmente del arca ¡junto con el último barril de suministros de comida! Mientras que Finny se despierta en una extraña colonia llena de extrañas criaturas familiares que viven en armonía, ¡bajo la amenaza de un amenazante volcán!, Leah y su nueva amiga Jelly, aparecen en una isla en mitad del océano. En una carrera contra el tiempo, la marea y temblores aterradores, Finny debe rescatar a sus amigos, reunirse con su familia y salvar a toda una colonia de la destrucción total.

Detective Conan: La bala escarlata

Título original: Meitantei Conan: Hiiro no Dangan. Dirección: Tomoka Nagaoka. País: Japón. Año: 2021. Duración: 110 minutos. Género: Animación. Intriga. Manga. Reparto: Animación. Guion: Takeharu Sakurai (Manga: Gôshô Aoyama). Música: Katsuo Ono. Fotografía: Animación. Productora: Shogakukan-Shueisha Productions/Tokyo Movie Shinsha (TMS)/TOHO Animation/Yomiuri-TV Enterprise. Estreno en España: 16 de abril de 2021. Sinopsis: Japón celebra el inminente comienzo de los "World Sports Games", el evento deportivo más grande del mundo, que tendrá lugar en Tokyo. El denominado "Japanese Bullet", un tren de última generación, ha sido creado específicamente para coincidir con el comienzo de la ceremonia de apertura de la WSG. Se prevé que su recorrido empiece en la estación de Shin Nagoya y termine en la estación central de Tokyo a unos 1.000 kilómetros por hora. Sin embargo, un extraño incidente tiene lugar en la fiesta de uno de sus mayores sponsors publicitarios, lo que lleva al rapto de algunos de los ejecutivos más importantes de la compañía. Conan deduce que estos raptos pueden tener algo que ver con los que tuvieron lugar 15 años atrás, cuando el WGS se celebró en Boston.

miércoles, 14 de abril de 2021

Efemérides de cine: La garra de Satán

El 14 de abril de 1971 se estrenó la película británica La garra de Satán (Blood on Satan's Claw), dirigida por Piers Haggard con Patrick Wymark, Linda Hayden, Barry Andrews, Michele Dotrice, Wendy Padbury,Anthony Ainley, Simon Williams. Productora: Tigon British Film Productions/Chilton Films. Duración: 93 minutos.
Sinopsis argumentalSiglo XVII. Unos niños juegan en los campos que rodean su pueblo y se encuentran con unos extraños restos que se asemejan a una garra. El juez local se hace cargo de investigar su procedencia. Al poco de iniciar la investigación la garra desaparece y una extraña locura se adueña de los habitantes del pueblo. Los niños, bajo las órdenes de la siniestra Angel Blake, empiezan a participar en rituales donde los más jóvenes y puros son mutilados y sacrificados. Sólo el juez podrá exorcizar las fuerzas demoníacas que están destrozando su comunidad.
ComentarioAmbientada en una pequeña aldea británica a mediados del siglo XVII, la cinta del eficiente Piers Haggard cincela una turbadora trama de brujería y satanismo. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: El gato montés

El 14 de abril de 1931 se estrenó la película alemana El gato montés (Die Bergkatze), dirigida por Ernst Lubitsch con Pola Negri, Victor Janson, Paul Heidemann, Wilhelm Diegelmann, Hermann Thimig, Edith Meller, Marga Köhler, Paul Graetz, Max Gronert, Erwin Kopp, Paul Biensfeldt. Productora: Projektions-AG Union (PAGU). Duración: 84 minutos. 
Sinopsis argumental: La película cuenta la historia de un carismático teniente que es enviado a un lejano fuerte y es capturado por un grupo de bandidos de la montaña. Al parecer, la hija de uno de los secuestradores se enamora locamente de él. 
Comentario: La última película de Lubitsch rodada en Alemania, muy lejos aún del ascenso del nazismo, constituyó, sin embargo, una burla del militarismo que no le granjeó la popularidad que luego alcanzaría, sobre todo a partir de su “época estadounidense”. 

Nuestro Top 10 de heroínas feministas en el cine (II)

(cont.)

6.- Wonder Woman (2017)

La primera superheroína del cómic, nacida en 1941, por fin consiguió su película en 2017. ¡Ya era hora! Diana Prince, una amazona semidiosa, representa la poderosa feminidad, la que no tiene necesidad de los hombres para existir pero cuya bondad la obliga a salvar el mundo de los humanos.

7.- La princesa Monokoke (Mononoke Hime, 1997)

En esta obra maestra ecológica de Hayao Miyazaki, una guerrera sin compromiso protege a los espíritus del bosque en un Japón medieval fantasmagórico. La primera aparición de la niña-loba, con la boca ensangrentada, marque les esprits. Su epopeya para salvar a la Naturaleza acanba de maravillarnos durante mucho tiempo.

8.- Alien: el octavo pasajero (Alien 1979)

Una luchadora tenaz, el personaje más fuerte y el más inteligente de la saga. Ellen Ripley (Sigourney Weaver) es también, paradójicamente, la más dulce: es una madre que ha dejado a su hijo en la Tierra, la maternidad, incluso hacia los xenomorfos, se adhiere a ella.

9.- Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road, 2015)

Max Max da nombre a la película, pero es Furiosa la verdadera heroína. Ella es la que actúa, toma las decisiones, salva el día. Su personaje con la cabeza rapada y un brazo mecánico (encarnado por Charlize Theron) llena nuestra retina. Es por ello que tiene todo el derecho a tener su propio spin-off.

10.- Telma y Louise (Thelma & Louise, 1991)

Íconos indisociables Thelma (Geena Davis) y Louise (Susan Sarandon), dos mujeres fuertes, libres e independientes, unidas frente a un mundo de hombres violentos. Ellas transforman su escapada de fin de semana en un viaje emancipador, aceptando incluso su trágico fin, pero siempre unidas. 

martes, 13 de abril de 2021

Cumplió 25 años: Pasión obsesiva

El 12 de abril de 1996 se estreno la película estadounidense Pasión obsesiva (Fear), dirigida por James Foley e interpretada por Mark Wahlberg, Reese Witherspoon, William Petersen, Amy Brenneman, Alyssa Milano, Christopher Gray, Jed Rees, Todd Caldecott, Gary Riley. Productora: Universal Pictures. Duración: 95 minutos. 
Sinopsis argumentalNicole es una chica de 16 años con problemas familiares desde que su padre ha vuelto a casarse. Una noche, conoce en una fiesta a David, un joven algo mayor que ella que, en un primer momento, parece ser la respuesta a todos sus sueños románticos. Pero Nicole no tardará en darse cuenta de que David oculta un lado oscuro que le convierte en un individuo muy peligroso.
ComentarioDescrito por su productor como una Atracción fatal para adolescentes, este correcto thriller dirigido por James Foley se beneficia de una pareja protagonista que en poco tiempo se convertirían en dos de los actores jóvenes más solicitados del cine estadounidense. Se trata del exrapero y antiguo modelo de Calvin Klein, Mark Wahlberg y de la sureña Reese Witherspoon, quien consiguió el trabajo tras la renuncia de Liv Tyler. A modo de curiosidad, Pasión obsesiva está inspirada en Fear, película de Bollywood estrenado en 1993.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXXVIII)

El incinerador de cadáveres (Spalovac mrtvol, 1969), de Juraj Herz

El empleado de un crematorio de Praga tiene una especial fascinación con la muerte, que entiende como el único modo de acabar con el sufrimiento que es la vida. Para él, su trabajo consiste en asegurar la transición más limpia y definitiva hacia el mundo de los muertos, mediante la cremación. Pero cuando sus creencias se encuentren con la ideología nazi, éstas irán evolucionando y corrompiendo su mente, hasta que acabe convirtiéndose en un peligroso psicópata. 
Situada durante los años 1930, poco antes de la anexión de Checoslovaquia a la Alemania nazi, la presencia de alemanes era cada vez más notable en lo que fue la República Checa. No es sorpresa, entonces, que esta comedia negra de terror tenga algunos elementos supuestamente políticos. Aun así, la obra de Juraj Herz se suele considerar parte de la "Nueva ola checoslovaca", sucesora del expresionismo alemán de principios de siglo. Aunque la película no es excesivamente política, lo es suficiente para que se prohibiera tras su estreno en 1969 hasta el final del sistema comunista en el país. Desde entonces, se crea un seguimiento de la historia, y llega a considerarse un clásico de culto y una de las mejores obras checas.

Nuestro Top 10 de heroínas feministas en el cine (I)

Estas diez supuestas heroínas feministas imprimieron la película, nos dejaron una huella duradera y todas participaron, a su manera, en la lucha por la emancipación de la mujer en la gran pantalla.
Son libres, independientes, fuertes, decididos, superheroínas o super-ordinarias. Todos nuestros personajes femeninos favoritos del cine popular tienen una cosa en común: una determinación y un compromiso extraordinarios, mientras viajan a través de un futuro postapocalíptico, un bosque medieval de fantasía, el espacio profundo, pero también el mundo muy real. Estas diez supuestas heroínas feministas marcaron la película, nos dejaron una huella duradera y todas participaron, a su manera, en la lucha por la emancipación de la mujer en la gran pantalla.

1.- Jackie Brown (1997)

En Tarantino, las mujeres poderosa tienen un papel à part. En Jackie Brown encontramos un homenaje a los personajes femeninos fuertes surgidos de la Blaxploitation, adulada por Tarantino, Pam Grier es más maligna que todos los "tipos" que la rodean.

2.- Tigre & Dragón (Wo hu cang long, 2000)

Acechando en las sombras), Jiao Long (dragón en mandarín) encarna el espíritu rebelde. Una joven noble (Zhang Ziyi), se supone que debe establecerse, pero que hará todo lo posible para enfrentarse a lo oculto, emanciparse y seguir el camino que desee.

3.- Rogue One: Una historia de Star Wars (Rogue One: A Star Wars Story, 2016)

El universo de Star Wars está poblado de fuertes personajes femeninos. Jin Erso (Felicity Jones)  es la primera de la saga (y, hasta hora, única) en tener una película donde ella es la principal protagonista. Una heroína trágica de la Resistencia, a quien se le va a permitir vencer al Imperio Galáctico.

4.- Mulan (1998)

Adaptación de un popular cuento chino, el trigésimo sexto clásico de animación de Disney, se hace militante: ¡habla de igualdad de sexos y misoginia! Y ocupa el lugar de su padre en la batalla, la joven Mula, bajo una apariencia masculina, demuestra su valor en el combate y la transforma la mentalidad de la China medieval.

5.- Erin Brokovich (2000)

Sola contra todos, madre coraje, tombeuse de multinacional. Adaptación de una historia real, la película resalta la lucha de la perseverante y poco convencional Erin (Julia Roberts) para conseguir justicia frente a una fábrica que hace enfermar a sus vecinos. 
(cont.)

lunes, 12 de abril de 2021

Cumplió 25 años: Tesis

El 12 de abril de 1996 se estrenó la película española Tesis, dirigida por Alejandro Amenábar con Ana Torrent, Fele Martínez, Eduardo Noriega, Nieves Herranz, Rosa Campillo, Miguel Picazo, Xabier Elorriaga. Productora: Las Producciones del Escorpión. Duración: 125 minutos. 
Sinopsis argumental: Ángela, estudiante de Imagen, está preparando una tesis sobre la violencia audiovisual. Como complemento a su trabajo, su director de tesis se compromete a buscar en la videoteca de la facultad material para ella, pero al día siguiente es hallado muerto. Ángela conoce a Chema, un compañero experto en cine gore y pornográfico, y a Bosco, un extraño chico, amigo íntimo de una joven asesinada en una snuff movie. 
Nominaciones y premios: 7 Premios Goya: incluyendo mejor película, dirección novel y guión original; Premios Forqué: Mejor película.
ComentarioÓpera prima de Alejandro Amenábar que rodó con sólo 22 años, a modo de venganza por demostrar su valía a un profesor que le suspendió repetidamente y de forma injusta la asignatura de realización en la facultad de Ciencias de la Información. La película, escrita y dirigida por el joven realizador (que también compuso la música), y producida por el veterano José Luis Cuerda (productor de todas las películas de Amenábar), se convirtió en un gran éxito de crítica y taquilla, además de conseguir un total de siete premios Goya, entre los que destacan el de mejor director novel, guión original, película y actor revelación, por el trabajo del también debutante Fele Martínez.

Cumplió 25 años: James y el melocotón gigante

El 12 de abril de 1996 se estrenó la película estadounidense James y el melocotón gigante (James and the Giant Peach), dirigida por Henry Selick. Reparto: Animación. Productora: Walt Disney Pictures. Duración: 80 minutos. 
Sinopsis argumental: Tras la muerte de sus padres, el pequeño James se ve obligado a vivir con sus dos crueles y repulsivas tías. La visita de un extraño personaje, una araña a la que salva, le proporciona un medio para escapar: un melocotón gigante que comienza a crecer desmesuradamente en su jardín. Cuando se introduzca dentro de él conocerá a otros pintorescos personajes.
Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor banda sonora original comedia o musical; Satellite Awards: Mejor largometraje animación; Festival de Annecy: Mejor largometraje; Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor banda sonora.
Comentario: Se basa en el libro homónimo de Roald Dahl. De todas las películas dirigidas por Henry Selick esta es la segunda en haber sido producida por Tim Burton. Está realizada con la ayuda de ordenadores en la técnica de la animación en volumen. 

Hace 100 años: Dream Street

El 12 de abril de 1921 se estrenó la película estadounidense Dream Street, dirigida por D. W. Griffith e interpretada por Carol Dempster, Charles Emmett Mack, Ralph Graves, Edward Peil Sr., Tyrone Power Sr., Morgan Wallace, William J. Ferguson, George Neville, Charles Slattery, Porter Strong. Productora: D.W. Griffith Productions. Duración: 102 minutos.
Sinopsis argumental: El típico triángulo amoroso tiene hermanos (Charles Emmett Mack, Ralph Graves) que se enamoran de la misma mujer, Gypsy Fair (Carol Dempster) y pronto su relación amorosa comienza a desmoronarse. Las cosas toman un giro aún más peligroso cuando el malvado Swan Way (Edward Peil Sr.) se interesa por Gypsy.
Comentario: Primera película con sonido, seis años antes de El cantor de JazzLa versión original de 1921 de Dream Street se caracteriza por una secuencia breve cuando D.W. Griffith uno pasos por delante de una cortina en el principio de la película, y habla con el público acerca de la misma, utilizando Photokinema, una de las primeras grabaciones de sonido sobre disco, proceso de desarrollado por Orlando Kellum. Algunas películas realizadas en el proceso de Photokinema, incluida la introducción de Griffith's Dream Street al principio, se conservan en el UCLA Film and Television Archive.

domingo, 11 de abril de 2021

Efemérides de cine: Marta

El 11 de abril de 1971 se estrenó la película española Marta (Marta (Dopo di che, uccide il maschio e lo divora)), dirigida por José Antonio Nieves Conde e interpretada por Marisa Mell, Stephen Boyd, George Rigaud, Howard Ross, Jesús Puente,Isa Miranda, Nélida Quiroga. Productora: Co-production España-Italia; Atlántida Films/Cinemar. Duración: 96 minutos.
Sinopsis argumental: Una noche de tormenta, Miguel encuentra cerca de su castillo el cuerpo desvanecido de una hermosa mujer, Marta. Al recobrar el sentido, ella le cuenta la extraña historia de su vida y le confiesa haber matado al "amante de la noche". Efectivamente, en los alrededores, encuentran el cuerpo de un hombre. A partir de ahí, Miguel y Marta entablan una apasionada relación dominada por el desasosiego, las dudas y la locura. 
Comentario: Basada en la obra teatral Estado civil Marta, de Juan José Alonso Millán. Marta es un cuento gótico, con sus sosias, con sus mansiones, con sus crímenes misteriosos, con sus jaurías de perros que persiguen a mujeres por el bosque...  Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXXVII)

Dos hombres y un destino (Butch Cassidy and the Sundance Kid, 1969), de George Roy Hill

Un grupo de jóvenes pistoleros se dedica a asaltar los bancos del estado de Wyoming y el tren-correo de la Union Pacific. El jefe de la banda es el carismático Butch Cassidy (Newman), y Sundance Kid (Redford) es su inseparable compañero. Un día, después de un atraco, el grupo se disuelve. Será entonces cuando Butch, Sundance y una joven maestra de Denver (Ross) formen un trío de románticos forajidos que, huyendo de la ley, llegan hasta Bolivia. Primera de las dos colaboraciones entre el director George Roy Hill y los actores Paul Newman y Robert Redford (la siguiente sería El golpe). Ambos interpretaron, respectivamente, a dos personajes legendarios del viejo Oeste: Butch Cassidy y Sundance Kid. La película fue una bendición para los dos, relanzando la carrera de Newman y convirtiendo a Redford en una gran estrella. 
En su día, la película reinventó el género del wéstern para una nueva generación, presentando a los dos forajidos protagonistas casi como dos niños traviesos y adorables. El resultado fue, innegablemente, un filme memorable. Pero no faltó quien lo comparó con Grupo salvaje, otra película rodada ese mismo año y que narraba prácticamente la misma historia, desde una óptica mucho más realista.

El cine del siglo XXI, veinte años ya: De "Boys Don't Cry" a "Little Girl", el cine ha cambiado de género (XXIV)

(cont.)
116.- Next Goal Wins (2021), de Taika Waititi
Cuenta la historia del entrenador holandés Thomas Rongen, artífice de realizar una tarea prácticamente imposible a nivel deportivo: tomó las riendas del equipo de fútbol de la Samoa Americana y trató de hacer de un grupo de perdedores unos ganadores natos.
117.- Haymaker (2021), de Nick Sasso
Un luchador de Muay Thai retirado rescata a un actor transgénero de las garras de un maleante, convirtiéndose en su guardaespaldas. Esta relación le hace regresar como luchador, lo que pone en peligro la propia relación y su vida.

sábado, 10 de abril de 2021

Hace 100 años: La reina de Saba

El 10 de abril de 1921 se estrenó la película estadounidense La reina de Saba (The Queen of Sheba), dirigida por J. Gordon Edwards con Betty Blythe, Fritz Leiber, George Siegmann, Claire de Lorez, Herbert Heyes, Terrence Moore, George Nichols, Herschel Mayall, G. Raymond Nye, Joan Gordon, William Hardy, Nell Craig, Genevieve Blinn, John Cosgrove, Paul Cazeneuve, Al Hoxie. Productora: Fox Film Corporation. Duración: 90 minutos.
Sinopsis argumentalLa historia del romance malogrado entre Salomón, rey de Israel, y la reina de Saba.
ComentarioLa película es bien conocida por los atrevidos vestidos llevados por Blythe, como evidencian varias fotos de fotogramas tomadas durante la producción. Solo sobrevive un breve fragmento de la película de 17 segundos. Al igual que sus predecesoras Cleopatra (1917) y Salomé (1918), se trató de una superproducción con enormes y lujosos decorados a tamaño real y miles de extras para recrear multitudes ante palacios y ejércitos en batalla.

Hace 100 años: The Witching Hour

El 10 de abril de 1921 se estrenó la película estadounidense The Witching Hour, dirigida por  William Desmond Taylor e interpretada por Elliott Dexter, Winter Hall, Ruth Renick, Robert Cain, A. Edward Sutherland, Mary Alden, F.A. Turner, Genevieve Blinn, Charles West, L.M. Wells, Clarence Geldert, Jim Blackwell. Productora: Famous Players-Lasky Corporation. Duración: 70 minutos. 
Sinopsis argumentalJack Brookfield, un jugador con poderes clarividentes e hipnóticos, puede ganar a las cartas gracias a su don único. Pero cuando inadvertidamente hipnotiza al joven Clay Thorne, Thorne mata a un enemigo de Brookfield mientras está en trance. Nadie cree en las protestas de Brookfield de que Thorne es inocente de cualquier intento de asesinato, por lo que Brookfield se une al abogado retirado Martin Prentice con la esperanza de salvar al joven de la horca.
ComentarioEsta fue una de las tres veces que la obra de teatro de 1907, de Augustus E. Thomas, se adaptó al cine y, según el crítico Christopher Workman, fue "la menos interesante de las tres adaptaciones cinematográficas". Actualmente existe una copia de esta película en la Biblioteca del Congreso. El actor de origen británico A. Edward Sutherland protagonizó una serie de películas mudas antes de trasladarse a los Estados Unidos, donde se convirtió en director, trabajando de películas de Hollywood como Murders in the Zoo (1932), Beyond Tomorrow (1940) y The Invisible Woman. (1940). 

Jonathan Coe : "Billy Wilder es mi primera influencia literaria"

Con su última novela, El señor Wilder y yo (traducción de Javier Lacruz, en Anagrama, de próxima aparición), El escritor británico pinta un retrato asombroso del maestro de la comedia y el cine negro como un monstruo sagrado de Hollywood en declive. Un cineasta que ha teñido toda su obra, como afirma el autor.
Jonathan Coe ha revisitado el verano de 1977 de Billy Wilder, durante el cual el realizador rodara Fedora. En la foto, el rodaje en Cherburgo con  Marthe Keller, el 17 de agosto 
Un cronista tiernamente cáustico de la sociedad británica en sus novelas, Jonathan Coe es posiblemente el más cinéfilo de los escritores ingleses. "Tengo hambre, desesperada, incluso, de salir, de ir al cine y de ver una película en sesión abierta, en compañía de otros seres humanos", explicó por correo electrónico, desde su casa de Londres donde ha estado confinado durante muchos meses. Crítico de cine en su juventud, Jonathan Coe admiraba a Humphrey Bogart, James Stewart (dos actores de la Edad de Oro de Hollywood a los que ha dedicado dos libros) y, sobre todo, a Billy Wilder. El autor de Con faldas y a lo loco (Some Like It Hot, 1959), es más que su cineasta de cabecera: su "primera influencia literaria" - "tuvo un impacto mucho mayor en mi estilo de escritura que cualquier novelista", dijo en una entrevista a The Guardian en el otoño de 2020. Jonathan Coe le rinde un magnífico homenaje en su nueva novela, Billy Wilder y yo, a través de la evocación del rodaje de su penúltimo largometraje, Fedora (1978). Un cuento entre la realidad y la ficción donde conocemos a Marthe Keller, Al Pacino, el guionista I.A.L. Diamond y, por supuesto, al propio Billy Wilder, con su asombroso espíritu de réplica.
“El señor Wilder y yo”, la audaz novela iniciática de Jonathan Coe
El novelista británico nos traslada al plató de Fedora, canto del cisne de Billy Wilder, su cineasta de cabecera, luego rechazado por Hollywood. Un dulce matrimonio de euforia y nostalgia.
La admiración de Jonathan Coe por Billy Wilder se conoce desde su artículo sobre la película La vida privada de Sherlock Holmes (The Private Life of Sherlock Holmes, 1970) publicado en 1999 en Cahiers du cinéma. El muy británico entusiasta del cine relató su incansable y muy proustiana búsqueda de escenas de la maldita obra maestra del director estadounidense, que había descubierto fascinado en su adolescencia.
Jonathan Coe en agosto de 2019, en Londres
Esta "singular obsesión" requería una extensión romántica. Pero fue otra película, menos conocida, y también menos querida, por su cineasta de cabecera, la que inspiró a Jonathan Coe: Fedora (1978), el penúltimo largometraje -y el canto del cisne- de Wilder, rodado en Europa con capital alemán, porque Hollywood no quería saber nada de la historia de una estrella atrapada en su eterna juventud. 
El señor Wilder y yo, un libro tan eufórico como nostálgico, es también, a su manera, una búsqueda del tiempo perdido. La narradora, una compositora con el delicioso nombre de Calista Frangopolou, recuerda la crisis de sus cincuenta, el verano que cambió su vida. Durante un viaje a los Estados Unidos en 1976, la ingenua estudiante de Atenas se encontró en un restaurante en Beverly Hills para compartir la cena con Billy Wilder y su cómplice I.A.L. Diamond, sin saber quiénes eran sus prestigiosos vecinos de mesa, una de las muchas piezas cómicas de la original novela. La corriente de simpatía que se estableció entre ellos había ido tan buena que al año siguiente la joven fue contratada para rodar Fedora, primero como traductora-intérprete del cineasta en Corfú, luego como asistente personal del guionista en Munich y Francia.

viernes, 9 de abril de 2021

Efemérides de cine: ¡Qué viene Valdez!

El 9 de abril de 1971 se estrenó la película estadounidense ¡Qué viene Valdez! (Valdez Is Coming),  dirigida por Edwin Sherin e interpretada por Burt Lancaster, Susan Clark, Frank Silvera, Jon Cypher, Richard Jordan, Barton Heyman, Hector Elizondo, Phil Brown, Ralph Brown. Productora: Norlan Productions, Ira Steiner Productions. Duración: 87 minutos. 
Sinopsis argumentalA la hora de defender la ley y el orden, el antiguo sheriff fronterizo Bob Valdez (Burt Lancaster), un maduro defensor de la ley, mitad mexicano, mitad americano, ha sido siempre un remanso de sensatez en un mundo de locos. Frank Tañer (Jon Cypher) sin embargo, es el polo opuesto: un hombre avaricioso, impulsivo y totalmente corrupto. Un día, Tanner provoca un tiroteo que ocasiona la muerte de un hombre inocente, y Valdez le ordena que compense económicamente a la viuda. Tanner se niega a obedecerle y se ríe en su cara. La reacción de Valdez no se hará esperar: desempolva su viejo uniforme, se ciñe la cartuchera y jura que hará justicia y vengará su honor, cueste lo que cueste...
ComentarioUn wéstern intelectual, basado en una novela de Elmore Leonard y rodado en tierras españolas. Significó el debut como director de cine de Edwin Sherin, quien hasta entonces sólo había trabajado en los escenarios de Broadway y cuya posterior carrera cinematográfica transcurrió, casi por completo, en el ámbito de la televisión. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Satán, mon amour

El 9 de abril de 1971 se estrenó la película estadounidense Satán, mon amour (The Mephisto Waltz),  dirigida por Paul Wendkos e interpretada por  Alan Alda, Jacqueline Bisset, Curd Jürgens, William Windom, Kathleen Widdoes, Pamelyn Ferdin, Barbara Parkins, Bradford Dillman. Productora: 20th Century Fox. Duración: 104 minutos. 
Sinopsis argumentalMyles Clarkson (Alan Alda), joven periodista y pianista clásico en alza, está encantado de poder combinar sus dos pasiones en una entrevista excepcional con el legendario y enfermo pianista Duncan Ely (Curd Jürgens). Pero a Clarkson le espera una desagradable sorpresa. Ely, un adorador secreto de Satán, lleva a cabo un ritual que le permite transferir su alma al cuerpo de Myles en el momento de su muerte, para recuperar la juventud y poder seguir tocando el piano. Las complicaciones aumentan cuando Paula (Jacqueline Bisset), la esposa de Myles, percibe cambios en el comportamiento de su esposo. Cuando intenta averiguar la verdad, Paula se ve arrastrada a un mundo horripilante de intercambios de almas, posesiones demoníacas, y terribles secretos familiares... 
Comentario: Basada  en la novela de Fred M. Stewart, está en la línea de las películas sobre el demonio, tras el éxito de la película La semilla del diablo  en 1968. El título original de la película, The Mephisto Waltz, se inspira directamente en una obra para piano de Franz Liszt, que en la misma está interpretada por el pianista polaco Jakob Gimpel. La música fue compuesta por Jerry Goldsmith, que realizó, para la ocasión, una obra una obra atonal y disonante, particularmente aterradora. Esta La película es la única producción cinematográfica de Quinn Martin que anteriormente produjo las series de televisión El fugitivo (The Fugitive, 1963-1967) y Los invasores (The Invaders1967-1968). Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Televisión a la carta : "Possessor" de Brandon Cronenberg, el gore cerebral como legado

Tasya Vos (Riseborough) es una agente de una organización secreta que utiliza implantes cerebrales para controlar el movimiento corporal de otras personas, obligándolas a cometer asesinatos que benefician a toda clase de peces gordos del mundo corporativo. Por Cronenberg Jr., un thriller seductor, clínico y sangriento, Gran Premio del Jurado en el festival Gérardmer el pasado mes de enero.
La manzana nunca cae lejos del manzano, dicen los ingleses. Pero, ¿es la metáfora vegetal la más adecuada para señalar la evidencia de filiación en la obra oscura y mutante de los Cronenberg, padre e hijo? Good Blood Couldn't Lie parece el título más apropiado, dada la cantidad de carne martirizada y hemoglobina que inunda la pantalla. Brandon tenía apenas 14 años cuando ya participaba en el desarrollo de los efectos especiales muy orgánicos de eXistenZ (1999), en el que Jennifer Jason Leigh se escapó a un mundo virtual conectando una consola gelatinosa a su sistema nervioso., A través de un orificio en la parte baja de la espalda… Un trauma sin duda fundador para el adolescente de la época, que hoy dirige la misma actriz en su segundo largometraje, radicalmente al estilo Cronenberg.
La asesina (Andrea Riseborough, impresionante),  toma posesión de un hombre bueno (Christopher Abbott)… y lo convierte en un monstruo
Aquí está al frente de una sociedad secreta que ha desarrollado una tecnología para apoderarse de las personas incrustándose en sus cuerpos, y así cometer asesinatos con impunidad. Como en su película anterior, Antiviral (2012), donde los fans fueron infectadoscon las enfermedades de sus ídolos, Cronenberg ignora la psicología. Casi nada se sabrá de los motivos y patrocinadores de los dos asesinatos, que son la esencia de la acción. Algodonosa y salpicada de salpicaduras de sangre, la película despliega una paleta abstracta y psicodélica, que sumerge al espectador en el interior de los personajes, cuya convulsa vida cotidiana comparte.

jueves, 8 de abril de 2021

Películas de la semana: 9 de abril

Otra ronda

Título original: Druk. Dirección: Thomas Vinterberg. País: Dinamarca. Año: 2020. Duración: 116 minutos. Género: Drama. Alcoholismo. Colegios. Institutos. Interpretación: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang, Lars Ranthe, Susse Wold, Maria Bonnevie, Diêm Camille G., Palmi Gudmundsson, Dorte Højsted, Helene Reingaard Neumann, Martin Greis. Guion: Tobias Lindholm, Thomas Vinterberg. Fotografía: Sturla Brandth Grøvlen. Productora: Co-production Dinamarca-Suecia-Países Bajos (Holanda); Zentropa Productions, Topkapi Films. Premios y nominaciones: Premios Oscar: Nominada a mejor director y mejor película internacional; Globos de Oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa; Premios BAFTA: 4 nominaciones, incluyendo mejor director y actor (Mikkelsen); 4 Premios del Cine Europeo: Mejor película, dirección, actor (Mikkelsen), guion; Festival de San Sebastián: Mejor actor y Premio Feroz de la crítica; Critics Choice Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa; Premios César: Mejor película extranjera; Asociación de Críticos de Chicago: Mejor película extranjera; Satellite Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa; BFI London Film Festival: Mejor película; Göteborg Film Festival: Premio del público a la mejor película nórdica. Estreno en España: 9 de abril de 2021. Sinopsis: Cuatro profesores de instituto se embarcan en un experimento sociológico en el que cada uno de ellos deberá mantener la tasa de alcohol en su cuerpo al mismo nivel, durante su vida diaria, intentando demostrar de esa manera que pueden mejorar en todos los aspectos de su vida.

I Care a Lot

Dirección: J Blakeson. País: Reino Unido. Año: 2020. Duración: 118 minutos. Género: Thriller. Drama. Comedia negra. Interpretación: Rosamund Pike, Peter Dinklage, Eiza González, Dianne Wiest, Chris Messina, Isiah Whitlock Jr., Macon Blair, Damian Young, Arthur Hiou, Jamie Ghazarian, Kayla Caulfield, Georgia Lyman, Leah Procito, Jose Guns Alves, Kevin McCormick, Adam Desautels, Cassidy Neal, Scott Sederquist, Ava Gaudet, Lin Hultgren, Elaine Victoria Grey, Nicholas Logan, Celeste Oliva, Daniel Washington, Michael Malvesti, Jeff Bouffard, Marinko Radakovic, Alicia Witt, Janelle Feigley, Heidi Garrow, Rob Lévesque. Guion: J Blakeson. Música: Marc Canham. Fotografía: Doug Emmett, Mike Valentine. Productora: Black Bear Pictures/Crimple Beck. Distribuidora: Netflix/GEM Entertainment). Estreno en España: 9 de abril de 2021. Sinopsis: Marla Grayson (Rosamund Pike) no tiene escrúpulos a la hora de beneficiarse de los demás. Después de haberse aprovechado de docenas de jubilados como tutora legal, ella y su compañera Fran (Eiza González) ven a Jennifer Peterson (Dianne Wiest) como la nueva víctima: una gallina de los huevos de oro a la que pueden desplumar fácilmente. Pero mientras intentan llevar a cabo su plan, Marla y Fran descubren que la señora Peterson no es lo que creían, y que sus actos han entorpecido la labor de un importante criminal (Peter Dinklage).

Cuñados

Dirección: Toño López. País: España. Año: 2021. Duración: 95 minutos. Género: Comedia. Interpretación: Xosé A. Touriñán, Miguel de Lira, Federico Pérez, Eva Fernández, Iolanda Muíños, María Vázquez, Mela Casal, Brais Yanek, Patricia Torres. Guion: Araceli Gonda. Música: Santi Jul. Fotografía: Jaime Pérez Fernández. Productora: Portocabo/TVE/Televisión de Galicia (TVG). Distribuidora: Filmax. Estreno en España: 9 de abril de 2021. Sinopsis: Eduardo (Miguel de Lira) y su cuñado Sabonis (Xosé A. Touriñán) acaban de meter la pata en uno de sus negocios y necesitan dinero. Mucho dinero. Será Sabonis quien encuentre la solución al problema secuestrando a Modesto (Federico Pérez Rey), cuñado de Alicia Zamora, la empresaria que los engañó y dejó tirados. Solo hay un pequeño problema: Alicia no piensa pagar ni un euro por su cuñado. Sin embargo, es el propio Modesto quien urde un nuevo plan con el que Eduardo y Sabonis podrán salvar la bodega familiar. Estos tres cuñados lo tienen todo para fracasar pero, como diría Sabonis, malo será.

La nube

Título original: La nuée. Dirección: Just Philippot. País: Francia. Año: 2020. Duración: 100 minutos. Género: Fantástico. Terror. Drama. Insectos. Interpretación: Suliane Brahim, Nathalie Boyer, Marie Narbonne, Victor Bonnel, Sofian Khammes, Raphael Romand. Guion: Jérôme Genevray, Franck Victor. Música: Vincent Cahay. Fotografía: Romain Carcanade. Productora: arte France Cinéma/Capricci Films/The Jokers Films. Distribuidora: Capricci. Premios y nominaciones: Festival de Sitges: Premio Especial del Jurado y Mejor actriz (Suliane Brahim). Estreno en España: 9 de abril de 2021. Sinopsis: A Virginie le resulta difícil conciliar su vida de agricultora con la de madre soltera. Para sacar a su familia adelante y evitar la quiebra de su granja, se entrega en cuerpo y alma a la cría de saltamontes comestibles. La vida es dura: las preocupaciones económicas y los problemas prácticos se amontonan, las tensiones con sus hijos y vecinos aumentan. Poco a poco, Virginie empieza a desarrollar un extraño vínculo obsesivo con sus saltamontes: ni sus hijos son capaces ya de reconocerla. Opera prima de Just Philippot, quien se dio a conocer en Francia como director de cortometrajes, entre ellos Ses Souffles y Acide, ambos preseleccionados a los premios César, los Goya franceses. 

Uno cero uno, el límite de lo imposible

Título original: Odin vdokh. Dirección: Elena Hazanov. País: Rusia. Año: 2020. Duración: 97 minutos. Género: Drama. Biográfico. Deporte. Interpretación: Viktoriya Isakova, Christopher Dingli, Filipp Ershov, Artyom Tkachenko, Kirsty Bartolo, Vladimir Yaglych, William Erazo Fernández, Cheslav Golovinets, Anastasiya Karaulova, Elizaveta Khmelevskaya, Kristian Kiehling, Veronika Kornienko, Olga Lerman, Aleksey Matoshin, Stasya Miloslavskaya, Darya Petrova, Sergey Sosnovskiy, Maksim Sukhanov, Vladislav Vetrov. Guion: Alena Alova, Andrey Ivanov. Música: Serguey Petukhov, Ilia Zelitchonok. Fotografía: Ilya Ovsenev. Productora: Public Opiion. Distribuidora: Premiun Cine. Estreno en España: 9 de abril de 2021. Sinopsis: La vida de la campeona mundial de buceo libre y apnea, Natalia Molchanova, llega a los cines con Uno cero uno, el límite de lo imposible. Molchanova es la única mujer que ha conseguido superar los 100 metros de profundidad en buceo libre. Tiene en su palmarés 22 campeonatos del mundo, 12 medallas de oro individuales y 40 récords mundiales. En la película veremos cómo Marina Gordeeva (Viktoriya Isakova), una mujer de 40 años, sigue criando de sus hijos después de su divorcio. Un día conoce a Ignat (Vladimir Yaglych), un hombre que le introduce en el buceo libre. La vida de Marina cambia para siempre, y empieza a entrenar de manera profesional para superarse día a día. Metro a metro, récord a récord, se irá forjando una carrera en el deporte que pasaría a la historia.

Guerra de mentiras

Título original: Curveball. Dirección: Johannes Naber. País: Alemania. Año: 2020. Duración: 108 minutos. Género: Thriller. Crimen. Interpretación: Virginia Kull, Dar Salim, Thorsten Merten, Sebastian Blomberg, Michael Wittenborn, Marcus Calvin. Guion: Oliver Keidel, Johannes Naber. Música: Johannes Naber. Fotografía: Sten Mende. Productora: ARRI Media Productions/Bon Voyage Films. Distribuidora: Cinemaran. Estreno en España: 9 de abril de 2021. Sinopsis: Aunque ya ha buscando sin éxito armas de destrucción masiva en Irak como miembro de una misión especial de las Naciones Unidas, el experto en armas bioquímicas Arndt Wolf sigue estando obsesionado con la idea de que Saddam Hussein esconde algo. Ninguna de las personas que le rodean muestra el menor interés en esta cuestión, circunstancia que cambia de la noche a la mañana cuando un refugiado político del gobierno iraquí asegura haber estado involucrado en la creación de este tipo de armas. El Servicio de Inteligencia Federal alemán convoca a Wolf para que evalúe si la información del informante, a quien se le ha otorgado el sobrenombre de "Curveball", es o no cierta. 

Vivo

Dirección: Jorge Pareja. País: España. Año: 2021. Duración: 98 minutos. Género: Documental. Religión. Reparto: Documental, (intervenciones de: Andrea Argiles, Antonio de Santiago, Sonsoles Montero, Carlos Giménez, Jaime Barón). Guion: Jaime Pineda. Fotografía: Jorge Pareja. Productora: Hakuna Films. Distribuidora: Bosco Films. Estreno en España: 9 de abril de 2021. Sinopsis: Dirigida por Jorge Pareja, Vivo es un documental que nos acerca a la historia de una conquista a través del relato de cuatro personas muy diferentes. Cuando la vida parece que nos va a devorar ¿Qué pasaría si ese golpe del destino tuviese un sentido que no esperaba y cambiase para siempre tanto tu mirada como el enfoque de tu vida? Jaime, Carlos, Andrea, Antonio y Sonsoles se encontraron cara a cara con esa persona que muchos no logran ver y aseguran que además de estar vivo, les ha devuelto la vida: "Si escuchas Le podrás oír y, si miras, Le podrás ver, porque, aunque cueste creerlo: Ahí hay vida"