miércoles, 20 de octubre de 2021

Noticias de libro: The James Bond Archives

The James Bond Archives

“No Time To Die” Editions
Paul Duncan
Taschen
2021
648 págs.
Mezclado, no agitado
La crónica más completa de la saga James Bond
“Bond, James Bond.” Desde que James Bond pronunciara aquellas ya míticas palabras en 1962, el agente secreto más galante de la historia del cine no ha dejado de apasionar y conquistar a espectadores de todo el mundo. Creado por el novelista inglés Ian Fleming, el siempre impecable espía británico ha protagonizado 25 películas producidas por EON y su personaje ha sido interpretado por seis actores diferentes a lo largo de cinco décadas.
EON Productions puso a disposición del editor Paul Duncan los archivos de la serie: fotografías, diseños, storyboards, materiales de producción... Duncan pasó dos años examinando más de un millón de imágenes y 100 archivadores repletos de documentación. El resultado de su esfuerzo es la más completa crónica de la serie: se abordan todas las películas de James Bond, desde Agente 007 contra el doctor No (1962) hasta Sin tiempo para morir (2021), sin olvidar la paródica Casino Royale (1967) ni Nunca digas nunca jamás (1983).
Las abundantes fotografías, diseños del plató, storyboards y memorandos de producción inéditos se complementan con una historia oral contada por más de 150 miembros del reparto y del equipo de producción. De productores a dobles, pasando por directores y diseñadores de producción, estos relatos personales cuentan la verdadera historia del rodaje de las películas de James Bond y ofrecen información privilegiada sobre las personalidades y los procesos tras la franquicia más longeva y de mayor éxito de la historia del cine. Este libro constituye un completísimo homenaje a la leyenda de James Bond.
La edición actualizada incluye fotografías exclusivas y nuevas entrevistas a Daniel Craig, al director Cary Fukunaga, a los productores Michael G. Wilson y Barbara Broccoli, y a muchos otros, y cuenta con detalle cómo se rodó la emocionante Sin tiempo para morir.
Elaborado con acceso sin restricciones a los archivos de Bond, este libro en formato XXL relata la historia de James Bond en palabras e imágenes
Entre las 1.100 imágenes figuran fotogramas, fotos en plató, memorandos, documentos, guiones ilustrados, carteles y diseños inéditos, además de conceptos y diseños alternativos que acabaron descartándose
Incluye, además, anécdotas entre bambalinas narradas en primera persona por productores, directores, actores, guionistas, diseñadores de producción, técnicos en efectos especiales y otros miembros del equipo
Repasa todas las películas Bond desde Agente 007 contra el Dr. No hasta Sin tiempo para morir
Pronto también disponible en dos Ediciones de Arte
Sobre el editor
Paul Duncan es un historiador de cine cuyos títulos para TASCHEN incluyen The James Bond Archives, The Charlie Chaplin Archives, The Godfather Family Album, Taxi Driver, Film Noir y Horror Cinema, además de libros sobre directores de cine, géneros cinematográficos, estrellas de la gran pantalla y carteles de películas.

Efemérides de cine: Women in Cages

El 20 de octubre de 1971 se estrenó la película estadounidense Women in Cages, dirigida por Gerardo de Leon con Pam Grier, Roberta Collins, Jennifer Gan, Judith Brown, Bernard Bonnin, Charlie Davao, Johnny Long, Holly Anders. Productora: Coproducción Estados Unidos-Filipinas; Balatbat Productions, New World Pictures. Duración: 78 minutos. 
Sinopsis argumentalUna ingenua mujer norteamericana, engañada por su novio traficante de drogas, deberá permanecer diez años en prisión en las Filipinas. Allí las condiciones son muy duras, sufriendo el sadismo de las guardias y varios atentados contra su vida. Por eso convence a sus compañeras de celda para tratar de escapar a través de la selva.
Comentario :El personaje Alabama en Amor a quemarropa (True Romance, 1993) recibió su nombre del personaje de Pam Grier de esta película. En el guión original, Clarence incluso menciona que el nombre suena como un personaje de Pam Grier.

Hace 100 años: Lady Hamilton

El 20 de octubre de 1921 se estrenó la película alemana Lady Hamilton, dirigida por Richard Oswald e interpretada por Liane Haid, Conrad Veidt, Werner Krauss, Reinhold Schünzel, Else Heims, Anton Pointner, Julia Serda, Georg Alexander, Paul Bildt, Theodor Loos, Hans Heinrich von Twardowski, Gertrude Welcker, Adele Sandrock, Kathe Oswald, Celly de Rheydt, Hugo Döblin, Heinrich George, Friedrich Kühne, Louis Ralph, Ilka Grüning, Claire Krona, Max Adalbert, Max Gülstorff, Hans Stürm, Rudolf Meinhard-Jünger, Carl Geppert, Adolf Klein, Karl Platen, Georg John, Karl Römer, Clementine Plessner. Productora: Richard-Oswald-Produktion. 
Sinopsis argumentalLa dramática historia del ascenso y caída de Lady Hamilton en la sociedad europea durante la década final del siglo XVIII y principios del siglo XIX, incluida la romántica historia de amor con Lord Nelson.
Comentario: Se basó en dos novelas de Heinrich Vollrath Schumacher. Existe una copia de la película en un archivo cinematográfico ruso.

La Femme et le Pantin: cuatro adaptaciones, cuatro formas de manipulación (I)

(cont.)
- La mujer y el pelele (La Femme et le Pantin1929): la versión más fiel (y la más desconocida)
Sin estrella: esta es la primera buena idea de Jacques de Baroncelli, director olvidado hace mucho tiempo. Para interpretar a la heroína, elige a un extraño de 17 años, con un seudónimo exótico (¡Conchita Montenegro!), Pero con una silueta frágil, un rostro risueño e infantil, recuerda el de la actriz quebequense Geneviève Bujold . Segunda buena idea: no ridiculiza a ninguno de los duelistas. Si hoy nos da un poco de vergüenza algunas exageraciones debidas al mudo (se ríe un poco con demasiada frecuencia, echando la cabeza hacia atrás, mirándola demasiado tiempo con una mirada dura y viril), la lucha entre ellos, es equilibrada. Esta mujer y este títere son tan mortíferos como el otro, casi Baudelaire ("Yo soy la herida y el cuchillo/Y la víctima y el verdugo"). Están en pie de igualdad hasta el último episodio que solo consolida su infierno juntos. En esta película, de repente nos acercamos mucho al Bergman de las escenas de la vida matrimonial.
El cine mudo obliga, ella se ríe con demasiada frecuencia, él la mira fijamente durante demasiado tiempo. Pero están en pie de igualdad. La mujer y el pelele (1929) de Jacques de Baroncelli
Ese oscuro objeto del deseo (Cet obscur objet du désir1977: la versión más libre (y la más exitosa ...)
Todo sale mal, como siempre, en Buñuel. Francia y España explotan, en el verdadero sentido del término: ataques a París y Madrid, tramados por movimientos inesperados, como Garej, el “Grupo del ejército revolucionario del Niño Jesús”. Los ratones trotan por los lujosos apartamentos antes de que los homosexuales los agarren. Las moscas se ahogan en cócteles en restaurantes elegantes. El propio héroe (Fernando Rey) parece totalmente fuera de lugar. Él es siempre un juguete de mujer, pero ella está duplicada en su mente y ante nuestros ojos: a veces menuda, morena y risueña, a veces esbelta y gélida, a la Greta Garbo. Cuando una (Ángela Molina) entra a un baño, es la otra (Carole Bouquet) que surge ante él. Una forma para que el cineasta ironice sobre la ilusión que empuja a los hombres a confundir sus pasiones con la imagen que tienen de ellos. De repente, la novela de Pierre Louÿs es bastante eufórica...
En Ese oscuro objeto del deseo (1977), lectura de la novela de Pierre Louÿs de Luis Buñuel, Fernando Rey es el juguete de Carole Bouquet y de Angela Molina

martes, 19 de octubre de 2021

La Femme et le Pantin: cuatro adaptaciones, cuatro formas de manipulación (I)

Duvivier, Buñuel, von Stenberg y de Baroncelli, todos han adaptado la célebre novela de Pierre Louÿs. Cada uno a su manera, más o menos  maquiavélica, más o menos dolorosa. La oportunidad de descubrir estas cuatro películas ... y todos sus entresijos.
Pathé acaba de reeditar en DVD y Blu-ray dos versiones alrededor de La mujer y el pelele (La Femme et le Pantin). La película de Jacques de Baroncelli, de 1928 –por supuesto, muda-. La de Julien Duvivier, rodada en 1958, con Brigitte Bardot. La novela de Pierre Louÿs (1870-1925), cuyo éxito nunca ha disminuido desde su publicación en 1898, cuenta la historia de un hombre que se convierte en el juguete de una mujer particularmente malvada. ¿Cuál de las muchas adaptaciones cinematográficas es la mejor? ¿Y la peor?
El diablo era mujer (The Devil Is a Woman1935): la versión más extravagante (y más fallida)
Se debe, curiosamente, a uno de los más grandes cineastas del mundo, Josef von Sternberg. Encontramos, por supuesto, al principio, su habitual opulencia visual: increíbles secuencias de carnaval, donde juerguistas enmascarados, como salidos de un cuadro de Goya, se mueven, rodeados de racimos de confeti y serpentinas... En ese momento, ¡ay!, el cineasta sufre los mismos tormentos que su héroe: Marlene Dietrich, su musa, su creación, se aleja cada vez más. Ella lo traiciona, lo engaña y él la va a hacer pagar por ello. En lugar de deificarla, como en el Agente X27, Marruecos o La Emperatriz Roja, la hace común, vulgar. Lo pone feo (es difícil, pero lo hace). Incluso los absurdos atuendos con los que siempre la adornó se convierten, aquí, en bufonadass. Y la dirige, a propósito, no es posible de la peor manera. Resultado: Marlene sonríe, pone los ojos en blanco y habla falsamente. Es ridícula... La victoria total de Sternberg, entonces, pero al estilo pírrico: nadie puede creer, ni por un momento, que un hombre, incluso enfermo de amor, esté siendo humillado por una idiota así. La película es un fracaso total.
En El diablo era mujer (1935), de Josef von Sternberg, es imposible cree que Marlene Dietrich puede hechizar a Cesar Romero.

- La femme et le pantin (Femmina) (1959): la versión más neutra (y la más infiel)
Para este remake, Luis Buñuel es contactado por la productora Christine Gouze-Renal. Pero él se niega rotundamente, -¡está equivocado!- a  que actúe Bardot… Lo que un Julien Duvivier acepta de buen grado al final de su carrera (sólo rodará una película realmente válida: Marie-October, el mismo año). Muy feliz de rodar en color por primera vez, el director de La belle équipe (1936) se lo está pasando en grande, jugando hábilmente con el rojo y el oro que, por supuesto, acentúan el cabello de su estrella... Como el sadomasoquismo de los dos héroes no lo interesa realmente, le interesan (ya lo ha tratado, mejor, en Panic, en 1946), le apasionan los papeles secundarios: un novelista (Jacques Mauclair) exiliado en España por su conducta durante la Ocupación (doble de Louis-Ferdinand Céline), un flamenco bailarina de gloria empañada (Lila Kedrova), un jefe de revista machista pero impotente (Dario Moreno)... Bardot está sola. Ciertamente, Marcel Achard le escribió unas lindas líneas: "Puedes irte a la cama sin arrodillarte" o "Sus ojos eran del color de su anillo". - ¿Qué era ese anillo? - ¡Un rubí! »… Pero ella está sola. Sola pero imperial: recta, arqueada, majestuosa, recorre las calles de Sevilla y Cádiz con su andar de bailarina, hasta un desenlace tranquilizador, completamente contrario al espíritu de Pierre Louÿs.
(cont.)

El cine de Cristi Puiu (VII)

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De nuevo, un tiempo inconcreto –la acción transcurre en 2004 pero podría hacerlo en 1984– sirve de marco brumoso a un Puiu más metafórico de lo que a él le gustaría, es probable, pero tan brillante como despiadado en la tarea de retratar un país en descomposición. Se suele apuntar a Kafka y Ionesco como influencias literarias en la escritura del guion, pues el itinerario del pobre señor Lazarescu remite claramente a las convenciones narrativas del absurdo; y, es cierto, Lazarescu parece un personaje de El castillo o Las sillas. El quid de la cuestión, y aquí volvemos al tema de las metáforas visuales, es que tanto Kafka como Ionesco utilizaron el absurdo para denotar algunas problemáticas de su presente histórico, y Puiu les sigue en ese empeño siquiera de manera inconsciente. El fondo es la forma. A través del derrumbe físico y psicológico de su protagonista, La muerte del señor Lazarescu se erige en parábola lacerante sobre el declive de una nación enferma que se resiste a reconocer sus patologías. Se muere Lazarescu, y se muere Rumanía, porque nadie atiende las señales de la enfermedad.
Y son muchas. La más representativa, la ruptura de la solidaridad obrera que se desarrolla a lo largo del metraje. Los vecinos del señor Lazarescu, pese a ser tan miserables como él, habitantes todos de un ruinoso bloque de viviendas estatales, ponen distancia frente al dolor de su amigo. Tomándole por un simple borracho, ironizan acerca de sus dolencias, critican el estado de sus ropas y de su piso, y muestran asco y aborrecimiento ante los signos físicos de su malestar. Solo quieren que llegue la ambulancia y se lo lleve cuanto antes, como si la pobreza fuera algo ajeno a sus vidas. El espectador asiste posteriormente a una ridícula y a la vez lamentable guerra de clases entre el personal médico de los hospitales y la pareja de enfermeros que traslada al señor Lazarescu de centro en centro. Importa más la jerarquía y el estatus en la escala sanitaria que el sentido común, incluso si eso conlleva la desatención a un paciente. Llamadas, papeleo, protocolos… La vida se ahoga en un trámite sin fin.
Al anciano Lazarescu se lo traga ese agujero negro social, administrativo y burocrático que condena a cualquier individuo a ser un número, un código de barras. La única defensa del protagonista frente a esta incomprensión generalizada consiste en repetir incansablemente su nombre completo, Dante Remus Lazarescu, a todo aquel que se lo pregunta. Se trata de una oración por su supervivencia. Por esta razón al final de la película, el señor Lazarescu, incapaz ya de pronunciarlo, se convierte en un ser inerme y desahuciado. Su persona se reduce a un cuerpo desnudo, su alma desaparece, y los gusanos reclaman el botín.
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lunes, 18 de octubre de 2021

Efemérides de cine: Secret Rites

El 17 de octubre de 1971 se estrenó la película británica Secret Rites, dirigida por Derek Ford con Penny Beeching, Shirley Harmer, Lee Peters, Alex Sanders, Jane Spearing, Maxine Sanders. Productora: Meadway International Productions. Duración: 47 minutos.
Sinopsis argumental: Falso documental sobre magia negra. Se trata del estudio de la brujería y la magia negra, con una rara aparición del ocultista de la vida real Alex Sanders. 
Comentario: El "auténtico" aquelarre fue filmado en los estudios Film House, en Wardour Street en Londres. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Yves Montand: las diez películas imprescindibles de un actor destacado (II)

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6.- Delirios de grandeza (La folie des grandeurs, 1971), de Gérard Oury

Disparata comedia de vodevil, ideal para el cómico francés Louis de Funès, ambientada en la España del siglo XVII. El protagonista es un ministro del rey de España que también ejerce como recaudador de impuestos. Cuando es pescado robando de ese dinero cae en desgracia. Pero espera contar con la ayuda de su criado, al que hace pasar por un noble de alta alcurnia, para recuperar el favor del monarca. Además intriga para que la reina sea sorprendida en flagrante adulterio, y que su denuncia previa le sirva en su afán de recuperar la posición de antaño. Se trata de una divertidísima coproducción entre Francia, España, Italia y Alemania, donde Funés se encuentra en su salsa haciendo todo tipo de muecas y juegos de palabras; y su colaboración con Yves Montand resulta muy inspirada. La película cuenta con algunos actores españoles, e incluso nobles como Don Jaime de Mora y Aragón.

7.- Estado de sitio (État de siège, 1972), de Costa-Gavras

Costa Gavras es uno de los directores más internacionales y carismáticos del panorama fílmico europeo. En 1983 obtuvo un Oscar por Desaparecido. Costa Gavras es el responsable del filme que nos ocupa, Estado de sitio, una cinta que critica tanto la lucha armada de los tupamaros como los indecentes métodos del gobierno norteamericano en la represión en América Latina. Gavras vuelve a contar para protagonizar la película con Yves Montand, que coincidieron en Z y El manantial de las colinas, entre otras. Una vez más, Gavras partió de un hecho real; el secuestro y asesinato del agente de la CIA Mitrione el 10 de agosto de 1970. La figura de un periodista independiente y respetado (homenaje a Carlos Quijano) actúa como hilo conductor de la investigación. Una curiosidad, la cinta le costó a Gavras una nueva denuncia por anti-Americanismo.

8.- I... como Ícaro (I... comme Icare, 1979), de Henri Verneuil

Luego del asesinato del presidente de un país ficticio, uno de los miembros del comité investigativo (protagonizado por el actor Ives Montand) se rehúsa a firmar el informe final y, en su condición de fiscal general, decide reabrir el caso. En el curso de su indagación se ve confrontado con el famoso experimento sobre la obediencia a la autoridad, creado por Stanley Milgram.

9.- La decisión de las armas, también conocida como La elección de las armas, (Le choix des armes, 1981), de Alain Corneau

Laa película del director francés Alain Corneau, cuenta con dos de los actores más , quienes ya habían coincidido, un año antes, en la película de François Truffaut El último metro (Le dernier métro, 1980). Yves Montand está soberbio interpretando a un hombre tranquilo que viven en una granja con su esposa. 

10.- El manantial de las colinas (Jean de Florette, 1986), de Claude Berri

Película francesa realizada por Claude Berri, que está basada en la novela, publicada en dos partes, de Marcel Pagnol. La pareja protagonista está interpretada por Gérard Depardieu y Elisabeth Depardieu, que eran matrimonio en aquel entonces. Ambos están bien apoyados por Yves Montand y un Daniel Auteuil, que ganó el César al mejor actor, gracias a su personaje de Ugolin. La versión de Claude Berri tiene una secuela también titulada La venganza de Manon (Manon des sources, 1986), dirigida por el mismo. 

Los primeros papeles de las estrellas en las películas de terror (I)

Brad Pitt en Clase sangrienta (Cutting Class, 1989), dirigida por Rospo Pallenberg. La película fue su primer papel importante.

domingo, 17 de octubre de 2021

Efemérides de cine: Dr. Jekyll y su hermana Hyde

El 17 de octubre de 1971 se estrenó la película británica Dr. Jekyll y su hermana Hyde (Dr. Jekyll and Sister Hyde), dirigida por Roy Ward Baker e interpretada por Ralph Bates, Martine Beswick, Gerald Sim, Lewis Fiander, Dorothy Alison, Susan Brodick, Ivor Dean, Tony Calvin, Paul Whitsun-Jones, Philip Madoc. Productora: Hammer Productions. Duración: 97 minutos. 
Sinopsis argumentalEl Dr. Jekyll experimenta en mujeres recién fallecidas, determinado a descubrir un elixir para la inmortalidad. En sus investigaciones, fabrica un brebaje que le convierte en una hermosa mujer, que se hace pasar por su hermana Hyde, y que se dedica a asesinar mujeres jóvenes para, de ese modo, poder continuar sus investigaciones como Jekyll. Sin embargo, con cada transformación, la hermana Hyde se convierte en la personalidad más dominante, dispuesta a suprimir al Dr. Jekyll para siempre.
Comentario: Basada en la novela El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde por Robert Louis Stevenson.La película es notable por mostrar a Jekyll transformándose en una mujer; también incorpora en su guion aspectos de Jack el Destripador y el caso de los asesinatos de Burke y Hare. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: The French Connection. Contra el imperio de la droga

El 17 de octubre de 1971 se estrenó la película estadounidense The French Connection. Contra el imperio de la droga (The French Connection), dirigida por William Friedkin e interpretada por Gene Hackman, Roy Scheider, Fernando Rey, Tony Lo Bianco, Marcel Bozzuffi, Frédéric de Pasquale, Bill Hickman, Ann Rebbot, Harold Gary, Arlene Farber, Eddie Egan, André Ernotte, Sonny Grosso, Ben Marino. Productora: 20th Century Fox, D'Antoni Productions. Duración: 104 minutos. 
Sinopsis argumentalJimmy Doyle y Buddy Rosso son dos policías neoyorquinos que siguen la pista de una red de traficantes de drogas. El primero, que confía en su olfato, sospecha que una confitería de Brooklyn está implicada y convence a su jefe para intervenir la línea telefónica. Poco después, Doyle y sus hombres siguen al dueño de la confitería, que los conduce hasta Nicoly y Charnier, dos franceses que acaban de llegar a Estados Unidos. 
Nominaciones y premios: 5 Oscar: Película, director, actor (Hackman), guión adaptado y montaje. 8 nominaciones; 3 Globos de Oro, incluyendo mejor película - drama. 4 nominaciones; Premios BAFTA: Mejor actor (Hackman) y montaje. 5 nominaciones; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Hackman). 2 nominaciones; Sindicato de Directores (DGA): Mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión adaptado drama; Premios David di Donatello: Mejor film extranjero.
Comentario: Adaptación de la novela homónima que Robin Moore escribió a raíz del caso ‘Fuega’. En 1961, Nueva York fue el escenario de una de las mayores redadas antidroga de la historia de la ciudad. Gracias a la actuación de dos detectives, el capo mafioso Fuega fue detenido como principal responsable del tráfico ilegal de 50 kilos de heroína, que había introducido en el país gracias a sus contactos con el mundo del hampa en Francia, conocidos popularmente como ‘la conexión francesa’. Dirigida por William Friedkin, la cinta se convirtió rápidamente en un éxito, consiguiendo 5 Oscar en 1972: Mejor película, director, actor (Gene Hackman), guión adaptado y montaje. A destacar también la intervención del actor español Fernando Rey, dando vida a un escurridizo traficante marsellés. La cinta dio pie a una secuela, con Hackman y Rey repitiendo sus personajes. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

El cine de Cristi Puiu (VI)

(cont.)
El director se reserva para el final las dos escenas que representan mejor la intención primordial de su cine: «Si una película no se convierte en una pregunta, está mal planteada porque entonces intenta manipular. Cuando Ovidiu contempla los cuerpos muertos de sus perseguidores comprende a lo que ha estado jugando durante todo el día; es un niño en un mundo de hombres violentos. Este abrupto fin de su inocencia tiene un corolario magistral cuando su madre le sirve para cenar un plato de patatas fritas que han sobrado de la comida. Ovidiu sueña con superar la pobreza de su hogar y llegar a donde no lo hicieron sus padres. Hasta ese momento, que nunca llegará porque el viaje resulta un fracaso, es solo un chaval que come sobras. ¿Es eso a lo que está abocada Rumania?
Puiu ha manifestado en varias ocasiones su rechazo a las metáforas en el cine. «No tiene sentido fabricar metáforas. Los signos y las señales están por todas partes. Todo está ahí, solo tienes que abrir los ojos». Es este un asunto complejo y discutible, porque cuestiona la que quizá sea la característica esencial de las imágenes; su capacidad, aun no premeditada, para sugerir y señalar lo que no se ve, o lo que se ve de manera indirecta. En otras palabras, el realismo no existe. Cualquier imagen es, por su propia naturaleza, poética. Berger (2016) lo describió inmejorablemente cuando afirmó que detrás de cada imagen se esconde el fantasma de otra imagen. Según él, no se trata solo de localizar los referentes icónicos de una imagen, como si fuera un juego, sino de rascar su superficie hasta encontrar la verdad enterrada en ellas. De modo que, lo quiera o no, Puiu fabrica también metáforas, y una de las más potentes en su filmografía es La muerte del señor Lazarescu. Al fin y al cabo, en su tesis doctoral propone precisamente un cruce de caminos entre el realismo y la poesía.
Crónica implacable de un desahucio vital, la película narra el periplo de un hombre mayor (Ion Fiscuteanu) por hasta tres hospitales de Bucarest, durante una noche de perros, que se queja de varios síntomas en la cabeza y el abdomen. Su afición a la bebida provoca que nadie le tome en serio, ni vecinos ni médicos, hasta que los síntomas se agravan y revelan varias enfermedades potencialmente mortales. Solo una enfermera se mantiene a su lado hasta el final, confiando en la palabra de un individuo que se está muriendo sin saberlo. La crudeza y el verismo de las imágenes confieren a la cinta el distintivo tono documental del cine de Puiu. Sin embargo, la historia se presenta desde el principio como una excusa para describir en segundo plano la desintegración del régimen comunista en la Rumanía de finales del siglo XX y principios del XXI. Si Bienes y dinero ofrece una visión de esa época por parte de una juventud desnortada, La muerte del señor Lazarescu decanta la mirada de los padres y abuelos que conocieron el auge y caída de Ceaucescu.
(cont.)

sábado, 16 de octubre de 2021

Las mujeres Bond a través de los años (V)

Maud Adams y Roger Moore en El hombre de la pistola de oro (The Man with the Golden Gun, 1974), de Guy Hamilton

El cine de Cristi Puiu (V)

(cont.)
Hay documentados dos cortometrajes dirigidos por Puiu en su época de estudiante. Uno es Before Breakfast (1995), que fue seleccionado para el Festival de Locarno de ese año, y el otro es 25.12. Bucharest, North Railway Station (Romanian: Gara București Nord, 1996), por el que recibió un diploma de reconocimiento en la Escuela Superior de Artes Visuales de Ginebra. Hoy por desgracia ilocalizables, se puede suponer no obstante que el director ensayó en ambas piezas algunas de las características temáticas y formales que se encuentran en su ópera prima, Bienes y dinero (Marfa si banii, 2001). Puiu dirigió la película sin apenas ayuda del gobierno rumano, ya que por entonces era un autor desconocido que acababa de regresar de Suiza. No le fue mejor con sus compatriotas tras el estreno de la película , dado que la historia retrata un país empobrecido y azotado por las mafias, el mercado negro y la especulación. Planea en las imágenes esa sensación de caos y deriva habituales en el cine producido en los países de Europa del Este después de la caída de los regímenes comunistas.
Bienes y dinero (Marfa si banii, 2001)
La nominación en Cannes a mejor ópera prima cambió para siempre la suerte de la película y la de Puiu, abriendo además la puerta a la nueva ola de cine rumano que se consolidó años más tarde gracias a los éxitos de La muerte del señor Lazarescu (Moartea domnului Lazarescu, 2005), de Cristi Puiu;  12:08 al este de Bucarest (A fost sau n-a fost?, 2006), de Corneliu Porumboiu; Cómo celebré el fin del mundo (Cum mi-am petrecut sfarsitul lumii, 2006), de Catalin Mitulescu); El papel será azul (Hartia va fi albastra, 2006), de Radu Muntean; 4 meses, tres semanas, dos días (4 luni, 3 saptamini si 2 zile, 2007), de Cristian Mungiu y California Dreamin', (2007), de de Cristian Nemescu. El debut de Puiu alumbró por tanto la estancia a oscuras donde se guardaban los deseos y frustraciones de una generación de cineastas que había soportado primero la dictadura de Ceaucescu y luego la depresión económica y social que trajo consigo la entrada descontrolada del capitalismo en Rumanía. De todo ello se hace eco directa o indirectamente Bienes y dinero, relato breve y conciso que acompaña a tres jóvenes (dos chicos y una chica) durante un viaje a Bucarest con el propósito de entregar una bolsa llena de supuestos medicamentos. Ovidiu (Alexandru Papadopol) sueña con abrir su propio negocio, y está convencido de que este sencillo encargo le procurará fácilmente el dinero que necesita para ello.
Bienes y dinero (Marfa si banii, 2001)
El viaje es una excusa –siempre lo es en ficción– para retratar una nación deprimida, anclada en un tiempo inconcreto, en la que conviven los vestigios del comunismo con la falsa ilusión de prosperidad que promete el dinero rápido. Puiu, cineasta que se olvida pronto de los argumentos, se centra en mostrar en cada escena esa tensión, construida modélicamente a partir del contraste entre el paisaje físico y material –todo es feo y viejo– y la ambición inconsciente del trío protagonista. En ese abismo que separa la realidad de la fantasía se mueve como un personaje más la cámara en mano del director, que aquí muestra por primera y última vez en su cine una versión más libre y salvaje de su estilo naturalista. También, y es importante destacarlo, un buen conocimiento de las claves del thriller gansteril lumpen y la aventura de iniciación. Puiu podría haber sido un sólido director de género, no cabe duda, pero su singularidad le condujo felizmente a imbricar la ortodoxia en un lenguaje experimental.
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El destino casi mágico de Nina Wolmark, creadora de dibujos animados de culto

De Ulysses 31 Los mundos sumergidos (Les Mondes Engloutis) (que se volverá a ver en los cines) pasando por la adaptación de Rahan: la animación francesa le debe mucho a esta autora bielorrusa de 80 años, cuya carrera y obra son el tema de un espectáculo en París, de Séverine Coulon La Vie animée de Nina W., creado en 2020, se inspira libremente en su viaje, basándose en su autobiografía Anna or the memory of water.
Fotograma de Ulisses 31
“Nací en el peor lugar, en el peor momento. "Fue en 1941, en Minsk, (Bielorrusia) cuando nació Nina Wolmark. Sus padres, el escultor Nathan Rapoport y la diseñadora de vestuario Sima, abandonaron Polonia, invadida por el ejército alemán del Tercer Reich. La propia Nina dice que cuando nació cayó en la "poción trágica" de la historia. La ruptura del pacto germano-soviético, confirmada por la invasión de la Unión Soviética por parte de la Alemania nazi en junio de 1941, obligó a su familia a huir de tren en tren, aún más al este, hacia Kazajstán. “Mi vida es un viaje. Mamá estaba limpiando mis pañales con el vapor de las locomotoras que pasaban a toda velocidad bajo los bombardeos alemanes. Sus padres se mudan a Novosibirsk, en un apartamento comunitario. La pequeña Nina creció rodeada de artistas inmigrantes. “Fue una infancia feliz, a pesar de todo."
Cartas de todo el mundo
En 1945, al final de la guerra, Nathan regresó a Varsovia. En una ciudad en proceso de reconstrucción, Nina ve a su padre ocupado construyendo un monumento dedicado a la memoria de los insurgentes del gueto en 1943. Fue inaugurado el 19 de abril de 1948, con motivo del quinto aniversario del levantamiento, en presencia de diez mil supervivientes del Holocausto y personalidades de todo el mundo. Luego su familia se estableció en París. 
En 1980 crea junto a Jean Chalopin la serie animada Ulysse 31, para la que firmaron juntos el guion y los diálogos. Luego creó en solitario la serie Les Mondes engoutis (1985-1987), de la que ella y su marido Gilbert Wolmark son productores ejecutivos. Finalmente, en 1987, firmó la primera adaptación animada del cómic Rahan, fils des age savouches.
- Ulises 31 (Uchû densetsu Ulysses 31 AKA Ulysse 31). Serie franco-japonesa de TV (1981-1982) , de 26 episodios. Ulises, al comando de la nave espacial Odiseus, mata al gran Cíclope y rescata a un grupo de niños prisioneros incluyendo a su propio hijo Telémaco, despertando así la ira de los dioses. El dios Zeus lo sentencia a vagar por el universo del Olimpo y congela a su tripulación, que permanece hibernada en la nave hasta que pueda encontrar el reino de Hades, tras lo que le será permitido volver a la Tierra.
Los mundos sumergidos (Les Mondes Engloutis). Serie francesa de TV (1985-1987). 52 episodios. En un futuro lejano, a partir del gran cataclismo en el cual los continentes se han hundido bajo el mar, los arcadianos han vivido en el centro de la Tierra creyendo ser los únicos sobrevivientes del planeta, prosperando bajo la fuerza de su sol artificial Thera. Sin embargo, un día su sol comenzó a declinar. Desesperados los niños de Arcadia, quebrantando la ley entraron a los archivos secretos en busca de una solución y lo que descubrieron les llenó de esperanza: usando sus poderes especiales dieron vida a Arkana, una emisaria que luego enviaron al mundo de arriba en busca de ayuda.
Rahan, fils des ages farouches. Es una serie de televisión de animación francesa en 26 episodios de 26 minutos, creada tras la historieta Rahan, fils des ages farouches. se emitió por primera vez el 29 de noviembre de 1987en Canal + . En Canadá , la serie fue transmitida por Télévision de Radio-Canada. La serie fue producida por France Animation , un estudio de dibujos animados con sede en Montreuil . Una pequeña estructura también estaba trabajando en los episodios en las instalaciones de France Animation: Y Films (el cineasta Michel Gondry fue decorador). Rahan, tras sobrevivir a una erupción volcánica, abandona el mundo en busca de conocimientos y aventuras.

viernes, 15 de octubre de 2021

Yves Montand: las diez películas imprescindibles de un actor destacado (I)

Mientras la teelevisión francesa emitirá el jueves 14 de octubre el bello documental Montand est à nous (que podríamos traducir como Montand está entre nosotros) una mirada retrospectiva a la filmografía ejemplar del cantante convertido en actor, desde El salario del miedo (Le salaire de la peur) hasta El manantial de las colinas (Jean de Florette), de La confesión  (L'Aveu) a Delirios de grandeza (La folie des grandeurs).
Yves Montand en 1961 entre bastidores en el John Golden Theatre de Nueva York, durante su gira  An Evening With Yves Montand.
"Lo que llama la atención de quien fue el peor actor francés es que se ha convertido en el mejor", declaró un día, no sin verdad, Jean-Paul Rappeneau sobre Yves Montand. Con motivo del formidable documental Montand est à nous (que se emite el jueves 14 de octubre por la noche en France 3), diez películas y otros tantos registros que lo demuestran.

1.- El salario del miedo (Le salaire de la peur, 1953), de Henri-Georges Clouzot

Ocho años después de su primera aparición en la pantalla en Étoile sans lumière (1945), de Marcel Blistène, junto a Edith Piaf; siete años después del trauma de un papel protagónico para el que no tenía la talla en Las puertas de la noche (Les Portes de la nuit, 1946), del dúo Carné (director) - Prévert (guionista), Montand debe a las deserciones de Gérard Philipe y Serge Reggiani asumir el papel de transportador de nitroglicerina en El salario del miedo. Frente a Charles Vanel, se mantiene firme y gana una credibilidad que le valió ser aclamado por la crítica internacional, aún cuando su interpretación no está exenta de manierismo.

2.- Les sorcières de Salem (1957), de Raymond Rouleau

Adaptación gala de la célebre obra de Arthur Miller, con guión de Jean-Paul Sartre. Aunque a Miller le gustó el film de Raymond Rouleau, le parecieron inoportunas las “morcillas” marxistas introducidas, en referencia a la revuelta de las capas populares contra las clases dirigentes, que serían las que habrían provocado la histérica caza de brujas en que consiste la trama. En cualquier caso, los temas relevantes de fondo son la histeria colectiva y los engaños utilizados para fines espurios, como el de quitar en medio, en una triste historia de celos, a quien estorba para lograr hacer duradera una pasión amorosa. El ritmo de la película es fantástico, a pesar de su larga duración, y destacan los momentos del juicio, y las muestras de supuesta posesión, sobrecogedoras. Los actores están magníficos, especialmente el trío conformado por Simone Signoret, Yves Montand y Mylène Demongeot.

3.- Z (1969), de Costa-Gavras

Con un guion del español Jorge Semprún basándose en la novela de Vassilis Vassilikos, este thriller político dirigido por el griego Costa-Gavras, cineasta que se mueve como pez en el agua dentro del género de la denuncia y que, además, nunca ha estado tan lúcido como en este filme. Basado en hechos reales, ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa de 1970, gracias a su combinación de intriga y carga emocional de alto voltaje. Todo un clásico dentro de su género. Ives Montand interpreta el papel de Z, diputado y doctor en medicina (en la realidad, el político Grigoris Lambrakis).

4.- La confesión (L'aveu, 1970), de Costa-Gavras

El guion de Jorge Semprún adaptó la biografía de Artur London titulada L'aveu, dans l'engrenage du procès de Prague, que narra en primera persona las purgas estalinistas de las que fueron víctimas los disidentes del Partido Comunista checoslovaco, entre ellos el propio London. Estas purgas tuvieron lugar en el famoso Proceso de Praga de 1952. Este thriller político de Costa-Gavras, que sigue con la tónica planteada un año antes con Z. En esta ocasión, su habitual denuncia política se centró en las purgas estalinistas contra un sector de la izquierda heterodoxa, contando para ello con dos cabezas visibles del cine francés del momento, como Yves Montand y Simone Signoret. 

5.- Círculo rojo (Le cercle rouge, 1970), de Jean-Pierre Melville

Con su penúltima película como director, Jean Pierre Melville mostró al mundo del cine su profundo amor por el cine negro. Este brillante thriller, que sigue las líneas maestras del cine negro americano sin dejar de ser fiel a su pausado y ambiental estilo narrativo. Apoyado en un insuperable cuarteto masculino compuesto por Alain Delon, Yves Montand, Bourvil y Gian Maria Volontè, la películs es un muestrario de la psicología y soledad tanto de los criminales como del policía que les persigue. Técnicamente impecable, mantiene una creciente tensión y secuencias maestras como la planificación del atraco. Fue, además, un tremendo éxito de crítica y también de público, con cuatro millones de espectadores en Francia.
(cont.)

Películas de la semana: 15 de octubre

Venom: Habrá matanza

Título original: Venom: Let There Be Carnage AKA Venom 2. Dirección: Andy Serkis. País: Estados Unidos. Año: 2021. Duración: 97 minutos. Género: Fantástico. Acción. Comedia. Comedia negra. Extraterrestres. Superhéroes. Cómic. Marvel Comics. Secuela. Interpretación: Tom Hardy, Michelle Williams, Woody Harrelson, Naomie Harris, Stephen Graham, Reid Scott, Peggy Lu, Alfredo Tavares, Amber Sienna, Sean Delaney, Jeff Redlick, Laurence Spellman, Ed Kear, Obie Matthew, Otis Winston, William W. Barbour, Michelle Greenidge, Andrew Koponen, Rodrig Andrisan, Cabran E. Chamberlain. Guion: Kelly Marcel. Historia: Tom Hardy, Kelly Marcel. Cómic: Todd McFarlane, David Michelinie. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Robert Richardson. Productora: Sony Pictures Entertainment (SPE), Marvel Entertainment, Pascal Pictures, Tencent Pictures. Distribuidora: Disney+. Estreno en España: 15 de octubre de 2021. Sinopsis: Venom: Habrá Matanza es la esperada secuela del film estrenado en el año 2018 y protagonizado por Tom Hardy. En esta ocasión, el actor vuelve a interpretar a Eddie Brock, un hombre que trabaja como reportero y periodista que aloja en su cuerpo a un simbionte procedente de otro planeta, conocido como Venom, gracias al cual adquiere una serie de poderes y habilidades sobrehumanas, que pueden resultar bastante peligrosas. Ahora, Venom deberá hacer frente a uno de sus enemigos más mortíferos: Matanza, uno de los villanos más despiadados de los cómics de Spider-Man. Este es, al igual que Venom, un simbionte alienígena cruel y sangriento que se aloja en el cuerpo del asesino en serie Cletus Kasady (interpretado por Woody Harrelson). Kasady cumple condena en una prisión, pero gracias a Matanza hará todo lo posible por escapar y acabar con Venom, su archienemigo.

El buen patrón

Dirección: Fernando León de Aranoa. País: España. Año: 2021. Duración: 120 minutos. Género: Comedia. Drama. Trabajo. Empleo. Interpretación: Javier Bardem, Manolo Solo, Almudena Amor, Óscar de la Fuente, Sonia Almarcha, Fernando Albizu, Tarik Rmili, Rafa Castejón, Celso Bugallo, Yaël Belicha, Martín Páez, Daniel Chamorro, María de Nati, Mara Guil. Guion: Fernando León de Aranoa. Música: Zeltia Montes. Fotografía: Pau Esteve Birba. Productora: Reposado Producciones, Mediapro, TVE, TV3, MK2 Films. Distribuidora: TriPictures. Estreno en España: 15 de octubre de 2021. Sinopsis: El buen patrón es una película escrita y dirigida por Fernando León de Aranoa que cuenta la historia de Blanco (interpretado por Javier Bardem), un hombre que es propietario de una empresa llamada 'Básculas Blanco' en una pequeña ciudad española. Esta empresa se dedica a la fabricación de balanzas industriales y podría obtener un importante premio local: el premio a la Excelencia Empresarial. Blanco inicia los preparativos requeridos para acoger la visita de la comisión que decidirá finalmente si les conceden o no este premio, de gran importancia para él. Por ello, intentará que todas las cosas vayan a la perfección antes de la llegada de esta comisión, aunque se topa con que de pronto todo parece estar en su contra. Con muy poco tiempo de antelación, Blanco deberá trabajar a contrarreloj para intentar solucionar de la forma más rápida posible y sin mayores incidencias toso los distintos problemas que están surgiendo entre sus empleados. Esto acabará provocando una situación de caos que trascenderá todas las líneas imaginables, derivando en todo un cúmulo de acontecimientos a cada uno más imprevisible, a los que Blanco deberá hacer frente, haciendo todo cuanto esté en su mano por ganar ese importante premio.

Un segundo

Título original: Yi miao zhong. Dirección: Zhang Yimou. País: China. Año: 2020. Duración: 104 minutos. Género: Drama. Revolución cultural china. Histórico. Interpretación: Yi Zhang, Fan Wei, Li Xiaochuan, Yu Ailei, Yan Li, Liu Yunlong. Guion: Zhang Yimou, Jingzhi Zou. Novela: Yan Geling. Música: Lao Zai. Fotografía: Zhao Xiaoding. Productora: Coproducción China-Hong Kong; Huanxi Media Group. Distribuidora: Vértigo Films. Estreno en España: 15 de octubre de 2021. Sinopsis: Un convicto es enviado a un campo de trabajo en el desolado noroeste de China durante la Revolución Cultural del país. Utilizando su ingenio, y con el único fin de ver a su hija, quien ha sido filmada en una película, logra escapar y huye en dirección al cine de un pueblo cercano. Allí espera encontrar esa cinta de película y hacerse con ella. Sin embargo, en dicho lugar se cruza con una vagabunda desesperada por conseguir el mismo carrete de película y que logra robarlo. Curiosamente, este enigmático objeto, que ambos anhelan por motivos muy distintos, se convertirá en la raíz de una inesperada amistad. Vigésimo tercer largometraje dirigido por Zhang Yimou. Inicialmente, el filme tenía previsto su estreno y debut en la Selección Oficial de la 69ª edición del Festival Internacional de Cine de Berlín, donde iba a competir por el Oso de Oro. Sin embargo, fue retirado poco antes de la proyección y se esgrimió como explicación oficial que la película tuvo "dificultades técnicas", aunque se reveló que, realmente, fue un ejercicio de censura política por parte del régimen comunista de China. Con un nuevo montaje y censurada, la película se estrenó en noviembre de 2020 en su país natal y fue el filme de apertura del 69 Festival Internacional de Cine San Sebastián, además de ser la película de clausura del Festival de Toronto 2021.

Pleasure

Dirección: Ninja Thyberg. País: Suecia. Año: 2020. Duración: 105 minutos. Género: Drama. Sexualidad. Pornografía. Interpretación: Sofia Kappel, Kasia Szarek, Casey Calvert, Evelyn Claire, Maja Kin, Ester Uddén, Benjamin Schnau, Jason Toler, Yoshi Nurijumi, Bidisha Larsson, Dan Worthington, Pryde Pierce, Sean Stearley, Parker Stuart, Anthony Elias Contreras, Mana Afshar. Guion: Ninja Thyberg, Peter Modestij. Música: Karl Frid. Fotografía: Sophie Winqvist. Productora: Coproducción Suecia-Países Bajos (Holanda)-Francia; Plattform Produktion, Film I Väst, Flamboyance Films, Lemming Film, Logical Pictures, Netherlands Film Production Incentive, Svenska Filminstitutet. Distribuidora: Karma Films. Premios y nominaciones: Göteborg Film Festival: Premio FIPRESCI. Estreno en España: 15 de octubre de 2021. Sinopsis: Pleasure es una película que cuenta la historia de la joven Jessica, una adolescente de tan sólo 19 años de nacionalidad sueca. Un día decide abandonar el pequeño pueblo en el que vivía en Suecia y dejar toda su vida atrás con el objetivo de aspirar a convertirse en una gran estrella del porno, adoptando el apodo de Bella Cherry. Para esto, volará a la ciudad de Los Ángeles, en la que se irá poco a poco introduciendo en la industria pornográfica. Jessica comenzará a darse cuenta de que ser una actriz porno es mucho más difícil de lo que ella pensaba en un principio y se encuentra de pronto inmersa en un mundo corrupto en el que será consciente de los sacrificios y las pruebas a las que tendrá que verse sometida para conseguir su tan ansiado sueño.

Tokyo Shaking

Dirección: Olivier Peyon. País: Francia. Año: 2021. Duración: 101 minutos. Género: Drama. Catástrofes. Interpretación: Karin Viard, Stéphane Bak, Yumi Narita, Philippe Uchan, Jean François Cayrey, Charlie Dupont, Emilie Gavois-Kahn, Nola Blossom, Simon Ayache, Kentaro Matsuo, Yoshi Kuremura, Marie-France Padre, Valérie Baurens, Marie Cecile Lucas, Rosemarie Bartolay Avila, Donna Bel, Geneva Alodos, Rosey De Su, Stéphane Szestak, Pauline Pouchin. Guion: Cyril Brody, Olivier Peyon. Fotografía: Alexis Kavyrchine. Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Les Films du Lendemain, Wild Bunch, Scope Pictures, Canal+. Distribuidora: Alfa Pictures. Estreno en España: 15 de octubre de 2021. Sinopsis: Tokyo Shaking es una película basada en hechos reales que recrea los sucesos que tuvieron lugar en Tokyo durante el año 2011, cuando la ciudad experimentó un terremoto que supuso el desencadenante para que se produjese una de las mayores catástrofes de su historia, como es el desastre de Fukushima. El film nos presenta a Alexandra, una mujer procedente de Francia que se traslada a la ciudad de Tokyo con el objetivo de empezar a trabajar en un banco. No obstante, esta mujer se ve inmersa en esta catástrofe natural que asoló el país el 1 de marzo del año 2011, lo que la llevará poco después a tener que hacer frente a una auténtica crisis nuclear que emerge en el país.

Aztarnak

Título original: Aztarnak - Huellas. Dirección: Maru Solores. País: España. Año: 2021. Duración: 85 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental. Guion: Maru Solores. Música: Paula Olaz. Fotografía: Nerea Falagan. Productora: Lumiere Produkzioak. Distribuidora: Barton Films. Estreno en España: 15 de octubre de 2021. Sinopsis: ¿Qué ocurre en nuestros primeros años de vida? ¿Es ahí donde se siembra la semilla de la felicidad que nos marcará el resto de nuestra vida? Los primeros años de nuestra vida, aquellos que no recordamos, nos dejan una profunda huella. Pero, ¿esta huella es para siempre? ¿O acaso evoluciona? Este es un viaje personal a ese lugar olvidado; un viaje desde la madre que soy ahora, hasta el bebé que una vez fui. Estas son algunas de las preguntas que se hace la cineasta Maru Solores en 'Aztarnak - Huellas', un documental que explora la profunda huella que deja en los niños y niñas esa parte de la vida que no podemos recordar. Es un viaje al lugar olvidado de la memoria para descubrir si tanto el sufrimiento como la felicidad están enraizadas en las experiencias infantiles y pueden o no evolucionar con el tiempo.

Dos colegas y la gran bestia

Título original: Knutsen & Ludvigsen 2 - Det store dyret. Dirección: Gunhild Enger, Rune Spaans. País: Noruega. Año: 2020. Duración: 85 minutos. Género: Animación. Comedia. Infantil. Secuela. Reparto: Animación. Guion: Øystein Dolmen. Fotografía: Animación, Rune Spaans. Productora: Headspin, Qvisten Animation, Starcom, Storyline Studios, Tordenfilm AS, Zefyr Media Fund. Distribuidora: Paycom Multimedia. Estreno en España: 15 de octubre de 2021. Sinopsis: La vida en el túnel va bien para Knudsen y Ludvigsen. Allí tienen una vida llena de canciones, tostadas con mermelada y bromas. Pero un día llega allí una conductora de tren, con una carta de desalojo: los túneles son para trenes, no para personas, y todos deben salir de allí inmediatamente. Sin embargo, Knudsen y Ludvigsen tienen una idea: el abuelo del primero seguramente puede salvarlos. El legendario pirata Capitán Knudsen tiene una pierna de palo y una temida reputación ¿Pero dónde está? Los dos colegas se embarcarán en una aventura salvaje para encontrar al marinero y salvar su casa en el túnel. 

España, la primera globalización

Dirección: José Luis López-Linares. País: España. Año: 2021. Duración: 110 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental, intervenciones de: Antonio Valero. Guion: José Luis López-Linares. Productora: López Li Films. Distribuidora: Latido Films. Estreno en España: 15 de octubre de 2021. Sinopsis: España, la primera globalización pone el foco en defender y divulgar hechos ciertos de nuestra compleja y emocionante historia. El documental desmonta las mentiras de una operación de propaganda tan eficaz en el pasado, que ha conseguido que los propios descendientes de aquellos españoles de la península y de América la hayamos interiorizado. Ofrece nuevas lecturas sobre el período histórico iniciado en el reinado de los Reyes Católicos, el descubrimiento de América y el posterior devenir de la historia de España, desmontando la leyenda negra en un momento tan necesario como el actual.

Reestrenos de la semana: 15 de octubre

El día de la bestia

DirecciónÁlex de la Iglesia. PaísEspaña. Año: 1995. Duración: 103 minutos. Género: Comedia. Acción. Fantástico. Terror. Navidad. Comedia de terror. Película de culto. Interpretación: Álex Angulo, Santiago Segura, Armando de Razza, María Grazia Cucinotta, Terele Pávez, Saturnino García, Nathalie Seseña, Jimmy Barnatan, Jaime Blanch, Antonio Dechent, El Gran Wyoming, Manuel Tallafé, Antonio de la Torre, Juan y Medio, Mario Ayuso, Enrique Villén, David Pinilla, Ignacio Carreño, Pololo, David Gil, Aitor Fernández, Javier Manrique, Carlos Lucas, Rosa Campillo, Francisco M. Summers, Ramón Agirre, Def Con Dos, César Strawberry. GuionÁlex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría. MúsicaBattista Lena. FotografíaFlavio Martínez Labiano. ProductoraIberoamericana, Sogetel, Canal+ España. Reestreno en España: 15 de octubre de 2021. SinopsisUn sacerdote cree haber descifrado el mensaje secreto del Apocalipsis según San Juan: el Anticristo nacerá el 25 de diciembre de 1995 en Madrid. Para impedir el nacimiento del hijo de Satanás, el cura se alía con José María, un joven aficionado al death metal. Ambos intentan averiguar en qué parte de Madrid tendrá lugar el apocalíptico acontecimiento. Con la ayuda del profesor Cavan, presentador de un programa de televisión de carácter esotérico y sobrenatural, el cura y José Mari invocan al diablo en una extraña ceremonia.

jueves, 14 de octubre de 2021

Efemérides de cine: Sangre en la tumba de la momia

El 14 de octubre de 1971 se estrenó la película británica Sangre en la tumba de la momia (Blood from the Mummy's Tomb), dirigida por Seth Holt, Michael Carreras e interpretada por Andrew Keir, Valerie Leon, James Villiers, Hugh Burden, George Coulouris, Mark Edwards, Rosalie Crutchley, Aubrey Morris. Productora: Hammer Productions, EMI Films. Duración: 94 minutos.
Sinopsis argumentalMargaret Fuchs (Valerie Leon) recibe como regalo de cumpleaños un anillo por parte de su padre (Andrew Keir), quien formó parte de una expedición que encontró en Egipto la tumba de la reina Tera, una bella mujer muy parecida a su propia hija. Tera (Valerie Leon) es una reina egipcia que es momificada, no sin antes habérsele amputado una mano... 
ComentarioInspirada por la novela La joya de las siete estrellas (Jewel of the Seven Stars), de Bram Stoker, está lleno de lugares comunes y actuaciones afectadas. Sin embargo se narra con suficiente eficacia como para no aburrir demasiado. El director Seth Holt falleció en pleno rodaje. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: Teodora

El 14 de octubre de 1921 se estrenó la película italiana Teodora, dirigida por Leopoldo Carlucci e interpretada por Rita Jolivet, Ferruccio Biancini, René Maupré, Emilia Rosini, Adolfo Trouché, Mariano Bottino, Guido Marciano, Marie Belfiore, Giovanni Motta, Leo Sorinello, G. Rosetti, Luigi Rinaldi, Alfredo, Alfredo Bertoncelli, Giuliano Gardini, François Renard, Pietro Ferrari, Alberto Belfiore. Productora: Ambrosio-Zanotta.
Sinopsis argumental: Teodora, una cortesana romana y ex esclava, se casa con el emperador bizantino Justiniano y asume el trono como emperatriz de Roma. Sin embargo, una historia de amor con un guapo griego conduce a la revolución y al conflicto armado tanto en Bizancio como en Roma. 
Comentario: Es una dramatización de la vida de la emperatriz bizantina Theodora. Para ayudar al equipo de dirección, se realizaron miniaturas de todos los decorados a construir, lo que permitió al personal resolver la agrupación de los miles de extras y los ángulos de cámara y la iluminación de las escenas.