lunes, 25 de enero de 2021

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCVII)

El beso del vampiro (The Kiss of the Vampire1963), de Don Sharp

Gerald y Marianne Harcourt viajan en coche cuando éste se avería y se ven obligados a pasar unos pocos días en una aldea pequeña y remota. El doctor Ravna los invita a hospedarse en su castillo, pero en realidad es el líder de una secta vampírica y se ha quedado fascinado por la belleza de Marianne... T
ambién conocida como Kiss of Evil (El beso del malen su emisión por la televisión estadounidense. Originalmente destinada a ser la tercera película de la serie sobre Drácula de la Hammer (que se inició con Drácula y fue seguida por Las novias de Drácula), supuso otro intento por parte de Hammer de hacer una secuela de Drácula sin Christopher Lee. En el guion final, Anthony Hinds no hace ninguna referencia a Drácula y amplía el enfoque utilizado en Las novias de Drácula que muestra el vampirismo como una enfermedad social que aqueja a los decadentes. Es el único papel acreditado en el cine de Jacquie Wallis, quien interpreta a Sabena. El clímax de la película, que involucraba magia negra y enjambres de murciélagos, iba a ser el final de Las novias de Drácula, pero la estrella de la película Peter Cushing se opuso. De hecho, la novelizacion de Las novias de Drácula termina así.

Películas por episodios (VII)

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Héroes superpatriotas
Los valores de los seriales estaban compuestos por una mezcla de patriotismo y de defensa de la "ley y el orden". Esto resultó especialmente evidente durante la II Guerra Mundial cuando los "malos" nazis o japoneses se ocultaban en los medios más insólitos, desde las llanuras de Texas hasta las selvas africanas. El racismo era descarado, sobre todo en las películas de la jungla, y el "peligro amarillo" constituyó una de las fuentes de inspiración de los seriales desde el primer momento, siendo especialmente evidente en The Yellow Menace (1916) y Los tambores de Fumanchu (Drums of Fu-Manchu, 1940).
Durante la Guerra Fría se pusieron de moda los agentes del comunismo aunque en ningún caso fueron tan explícitamente identificados o universales como los malos del Eje durante la guerra. Entre los ejemplos cabe destacar Canadian Mounties vs Atomic Invaders (1953), en la que un grupo de agentes extranjeros utilizaban un circo como fachada tras la que se ocultaba una trama destinada a arruinar el sistema financiero estadounidense, de forma que, tal como decía unos de los "malos": "Todos los países del mundo se vean obligados a comerciar con mi país". 
A pesar del patriotismo y moralismo de los seriales, los burócratas de la ofician Hays y los grupos de censores les prestaron una gran atención, debido sobre todo por estar destinados a un público juvenil, esencialmente "impresionable". Una de las mayores quejas de los censores consistía en que el esquema del serial aseguraba que el "malo" saliese siempre triunfante, salvo al final. No obstante, inexplicables caprichos de la censura permitían la inclusión de escenas de violencia que habrían sido prohibidas en películas normales. Por ejemplo, en el serial de 1939 Zorro's Fighting Legion se permitía al héroe marcar con una Z la frente de su oponente. Un año después, cuando Tyrone Power hizo lo mismo en The Mark of Zorro (1940), la oficina Hays insistió en que esa escena fuese eliminada de la copia final.
A partir de 1956 no se han vuelto a producir seriales. La muerte del serial suele atribuirse no sólo a los cambios económicos que destruyeron la viabilidad de las producciones "en cadena" de Hollywood, sino también a un supuesto refinamiento del público que convertía en anticuados y desfasados eso "pueriles" entretenimientos. Pero, en los últimos años, el serial ha experimentado una sorprendente resurrección, como en uno de esos asombrosos rescates en el último memento que permitían al protagonista escapar del peligro inminente que le amenazaba al final de un episodio. 
Personajes favoritos de todos los tiempos como Superman, Flash-Gordon, Buck Rogers, el Llanero Solitario..., han reaparecido en superproducciones espectaculares que tienen con frecuencia dos o más partes. Y, sobre todo, dos de las películas más taquilleras de la historia del cine, La guerra de las galaxias. Episodio IV: Una nueva esperanza (Star Wars, 1977) y En busca del arca perdida (Indiana Jones: Raiders of the Lost Ark, 1981)-, podía citarse otros ejemplos-, han sido pensadas como episodios de series de larga duración, con la única diferencia que hemos tenido que esperar varios años en lugar de semanas para ver la continuación. Así La guerra de las galaxias. Episodio V: El imperio contraataca (Star Wars. Episode V: The Empire Strikes Back, 1981), es la continuación de La guerra de las galaxias. Episodio IV: Una nueva esperanza -en un principio, era la segunda parte-. Los enormes recursos técnicos, financieros y artísticos del cine actual parecen dedicados a la tentativa de recrear para los directores las emociones que experimentaron contemplando los seriales y películas de aventuras de sus progenitores o de su infancia, en sesiones matinales mientras comían ansiosamente palomitas de maíz. 

El presidente de los Estados Unidos, esa estrella de cine... (II)

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Thomas Jefferson, tercer presidente de los Estados Unidos de América
4. Jefferson en París (Los amores de un presidente) (Jefferson in París, 1994), de James Ivory
Con Nick Nolte en el papel de Thomas Jefferson. Anteriormente titulada Head and Heart. Una semificción que narra las andanzas de Thomas Jefferson cuando era embajador de los Estados Unidos en Francia, antes de su presidencia, y sus andanzas y relaciones con la artista británica María Cosway y su esclava, Sally Hemings.
James Madison, cuarto presidente de los Estados Unidos.
5. La primera dama (Magnificent Doll, 1946), dirigida por Frank Borzage
Con Burgess Meredith en el papel James Madison. Película biografía de Dolly Payne (Ginger Rogers), la esposa de James Madison, el cuarto Presidente de los Estados Unidos. 
John Quincy Adams, sexto presidente de los Estados Unidos y Martin Van Buren, octavo presidente de los Estados Unidos
6. Amistad (1997), de Steven Spielberg
Con Anthony Hopkins en el papel de John Quincy Adams. Basada en la historia real de un grupo de esclavos africanos amotinados en su viaje desde Sierra Leona a Cuba, a bordo de la embarcación La Amistad cerca de Puerto Rico en julio de 1839. La película se extiende desde esa fecha hasta el año de 1841 en que son declarados libres y se les da la opción de quedarse en EE. UU. como ciudadanos libres o volver a su país.
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domingo, 24 de enero de 2021

Cumplió 25 años: Big Night: una gran noche

El 24 de enero de 1996 se estrenó la película Estados Unidos Big Night: una gran noche (Big Nigght), dirigida por Stanley Tucci y Campbell Scott e interpretada por Stanley Tucci, Ian Holm, Tony Shalhoub, Minnie Driver, Isabella Rossellini, Allison Janney, Hope Davis, Campbell Scott, Marc Anthony. Productora: Samuel Goldwyn Company/Rysher Entertainment. Duración: 108 minutos.
Sinopsis argumental: Dos hermanos viajan desde Italia hasta New Jersey con el objetivo de abrirse camino en la vida gracias a un restaurante de auténtica y selecta comida italiana. La suerte no les acompaña, y las deudas les asedian, por lo que deciden contratar a un gran músico de jazz en quien depositan su esperanza de sacar a flote el negocio. La noche se presenta muy bien y todo está preparado para la gran actuación, pero algo inesperado ocurre y el artista no se presenta. 
Nominaciones y premios: Sundance: Mejor guión; Satellite Awards: Nominada a mejor actor comedia (Stanley Tucci); Critics' Choice Awards: Nominada a mejor película; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor ópera prima. 2 nominaciones; Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor guion; Premios Independent Spirit: Mejor guión novel. 4 nominaciones; Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor guión. Asociación de Críticos de Boston: Mejor guion y mejor director novel.
Comentario: Los actores Stanley Tucci y Campbell Scott unieron fuerzas tras la cámara para rodar Big Night: Una gran noche a partir de un guion del propio Tucci (también protagonista) y Joseph Tropiano. A partir de esta sencilla premisa, de un puñado de personajes y de un escenario, los directores construyen una película ágil y emotiva que combina humor y drama mediante el enfrentamiento ante los sucesos de dos hermanos de posiciones vitales bien diferentes. 

Películas por episodios (VI)

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7.- Aventuras de ciencia-ficción, como enFlash Gordon (1936), de Frederick Stephani.
8.- Aventuras directas, como enDaredevils of the Red Circle (1939),de William Witney y John English.
9.- Historias de espionajes, como en: Spy Smasher (!942), dirigida por William Witney
10.- Aventuras bélicas, como en: Don Wislow on the Navy (1941), de  Ford Beebe y Ray Taylor.
Muchos seriales tuvieron como protagonistas a héroes popularizados por otros medios, especialmente el cómic (como Superman), la radio (como de The Lone Ranger (1938)) o novelas baratas, como The Shadow (1941). Los argumentos reflejaban esos orígenes poniendo el acento en la acción rápida y en la lucha entre el Bien y el Mal. El Mal solía ser total y absolutos, encarnado en un ser demoníaco que se proponía dominar o destruir el planeta entero. Tanto el "bueno" como el "malo" solía ocultar sus identidades bajo extraños disfraces y nombres falsos. Este recurso cumplía una doble función: la identidad del "malo" era un misterio, mientra que el "bueno" se veía convertido en un superhombre por encima de los restantes mortales, creándose así el llamado "síndrome Superman", tan del agrado del público juvenil e incluso del maduro.
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El presidente de los Estados Unidos, esa estrella de cine... (I)

En Hollywood, la figura del presidente es un ejercicio impuesto en el cine y las series. ¿Por qué tanta fascinación por el "Comandante en Jefe"? ¿Qué tipo de presidente para qué tipo de película? ¿Y en cuántas películas aparece Abraham Lincoln? Explicaciones.
Ya sea en la pantalla grande o pequeña, el presidente estadounidense es una figura impuesta de la cultura pop. A diferencia de Francia, donde el cine es mucho más cauteloso a la hora de representar al Jefe de Estado, en Hollywood hay una personificación de "POTUS" (el acrónimo en inglés del Presidente de los Estados Unidos) para cada situación, desde el thriller hasta la comedia, desde del espionaje a la parodia, de la acción al inevitable biopic. Son tantas las apariciones del presidente, tanto en los papeles protagónicos como secundarios, que es imposible contarlas todas y, sobre todo, adscribirlas a un género.
Por un lado, los presidentes muy reales son retratados en pantalla por actores en su mejor momento, a veces en su gloria. Por otro lado, los presidentes de ficción vienen en todas las formas, personajes, sexos y colores, a veces para mejor, a veces para peor. En cualquier caso, suelen representar una visión muy americana del cargo supremo: la de la persona providencial, capaz de unificar su nación. Incluso salvar el mundo.
En general, los presidentes de los Estados Unidos han dado mucho juego en la gran pantalla. Hemos querido distinguir entre aquellas películas que retratan a presidentes reales de las que han inventado a uno ficticio. Aunque existen muchos otros títulos, hemos seleccionado los mejores, elegidos por nuestros expertos, que también han tenido en cuenta los mejor valorados por el público general. No hemos ordenado la lista de mayor a menor en función de la calidad de las cintas. El orden es meramente aleatorio.
Presidentes reales
George Washington, primer presidente de los Estados Unidos
1. Los inconquistables (Unconquered, 1947), de Cecil B. DeMille
Richard Gaines en el papel del coronel George Washington. Considerada un pre-western, se basa en la novela de Neil Swanson Unconquered, una novela sobre la rebelión de Pontiac ( El nombre de la guerra viene del jefe nativo más importante del conflicto, Pontiac, líder de los ottawa). 
2. El capitán Jones (John Paul Jones, 1959), de John Farrow
Con John Crawford en el papel de George Washington. Relato sobre la épica historia de John Paul Jones, el primer gran héroe de la marina americana. Tras pasar su juventud en Escocia, consiguió impresionantes victorias frente a la marina británica y acabó siendo destinado a Rusia para dirigir la armada de la zarina Catalina la Grande. 
3. El patriota (The Patriot, 2000), dirigida por Roland Emmerich
Con Terry Layman en el papel del general George Washington. Esta es una adaptación de la película La gran prueba (Friendly Persuasion de 1956), protagonizada por Gary Cooper, Dorothy McGuire y Anthony Perkins.
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sábado, 23 de enero de 2021

Películas por episodios (V)

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Emoción y fantasía
El formato físico de los seriales sonoros era prácticamente igual en todos los casos. Comenzaban con un episodio algo más largo (de 20-30 minutos) introduciendo la situación básica y presentando a la "chica" (el simple nombre Pearl White en el título bastaba para asegurar el interés inicial), a los "malos" y al "chico". Luego venía un número menor o mayor de episodios entre doce y quince minutos de duración, cada uno de los cuales terminaba con una situación apurada o de peligro, y con al menos una secuencia de acción en medio, en la que los personajes se perseguían frenéticamente unos a otros. Finalmente, en el último episodio, se resolvía el misterio y el "malo" de turno se veía sumariamente eliminado. 
En su último serial (1952), Buster Crabbe interpretaba aun piloto 
de las Fuerzas Aéreas de USA convertido en rey de la jungla
Cabe distinguir diez tipos básicos de trama:
1. Científicos locos o malvados como enEl misterioso Dr. Satán (Mysterious Doctor Satan, 1940), dirigido por William Witney and John English. 
2.- Westerns como en: Adventures of Red Ryder (1940).
3.- Historia de la aviación como en: Tailspin Tommy (1934-1935).
4.- Aventuras en la jungla como en: Darkest Africa (1936) o Jungle Jim (1937).
5.- Aventuras policíacas como en: Dick Tracy (1937)
6.- Superhéroes disfrazados como en: Las aventuras del Capitán Maravillas (The Adventures of Captain Marvel, 1941), o en Captain America (1944).
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Efemérides de cine: El seductor

El 23 de enero de 1971 se estrenó la película estadounidense El seductor (The Beguiled), dirigida por Don Siegel e interpretada por Clint Eastwood, Geraldine Page, Elizabeth Hartman, Jo Ann Harris, Darleen Carr, Mae Mercer, Pamelyn Ferdin, Melody Thomas, Peggy Drier. Productora: Malpaso Productions. Duración: 109 minutos.
Sinopsis argumental: Guerra Civil norteamericana (1861-1865) John Mc Burney (Clint Eastwood), un soldado yanki malherido es rescatado por una jovencita de una escuela de señoritas del Sur. Se las arregla para llevarle a la escuela, aunque al principio todas las mujeres están aterrorizadas. Cuando empieza a recuperarse, una a una las irá conquistando a todas, y así el ambiente se irá enrareciendo a causa de los celos. 
Comentario: Adaptación de una novela de Thomas Cullinan, a caballo entre el western y el drama psicológico. Se trata de la tercera y más personal colaboración entre el director Don Siegel y el actor Clint Eastwood, cuya fructífera asociación dio al cine títulos como Dos mulas y una mujer, Fuga de Alcatraz o Harry el sucio. La ocho veces nominada al Oscar, Geraldine Page, interpreta el papel de la directora del colegio quien, a su pesar, tampoco es indiferente a los encantos del manipulador Eastwood. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Hace 100 años: La fruta prohibida

El 23 de enero de 1921 se estrenó la película estadounidense La fruta prohibida (Forbidden Fruit), dirigida por Cecil B. DeMille e interpretada por Agnes Ayres, Clarence Burton, Theodore Roberts, Kathlyn Williams, Forrest Stanley, Theodore Kosloff, Shannon Day, Bertram Johns, Julia Faye. Productora: Paramount Pictures. Duración: 87 minutos. 
Sinopsis argumental: La señora Mallory convence a Mary Maddock, su infelizmente casada costurera, para que ocupe el lugar de una invitada que se ha ausentado a su cena de gala. Magníficamente vestida y muy hermosa, Mary gana el corazón del magnate petrolífero Nelson Rogers, quien le pide que se case con él. De vuelta a casa allí le espera la dura realidad y su abusivo y ocioso marido, Steve Maddock, a quien ella mantiene. A resultas de la enésima vejación de su marido, ella se va a vivir a casa de los Mallory. Esa misma noche Steve se dirige a robar las joyas de la señora Mallory...
ComentarioEs una nueva versión de la película de 1915 The Golden Chance, que también fue dirigida por DeMille. Sobreviven algunas copias de La película en George Eastman House y la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. 

Jean-Pierre Bacri: sus ocho películas (y ocho roles) más memorables (II)

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5.- Para todos los gustos (Le goût des autres, 2000), de Agnès Jaoui

Primera película dirigida por Agnès Jaoui con guion coescrito por su compañero, Jean-Pierre Bacri, su primer gran éxito. En esta comedia ácida y tierna sobre el determinismo social y la compartimentación cultural, Bacri, aquí ataviado con bigote, interpreta a un gerente de negocios gruñón (como debería ser) que de repente se abre a los demás después. haber sido cautivado por una actriz trágica (Anne Alvaro) en una representación de Bérénice, una actriz que se convertirá en su profesora de inglés y de la que se enamorará. Un papel a la vez burlesco (cuando tropieza con la pronunciación de "the" ) y muy conmovedor (cuando es humillado por teatrales de odioso esnobismo).
Jean-Pierre Bacri et Anne Alvaro en Para todos los gustos
6.- Les sentiments (2003), de Noémie Lvovsky
Su personaje de médico a pocos meses de la jubilación es “gordo, viejo, estúpido y feo”, sin embargo redescubrirá la pasión gracias a su joven vecina (Isabelle Carré), quien lo admira por sus gestos “increíblemente agraciados” y su mirada, la más negra que jamás había visto. Y, mientras adora a su esposo, Edith comienza a amar a Jacques también. Jean-Pierre Bacri rara vez se ha mostrado tan conmovedor como en esta película solar, pero también muy inflado: los aires de un coro se utilizan, de hecho, como un coro antiguo para comentar los sentimientos de los personajes con un vocabulario a veces muy crudo. Mientras Bacri redescubre el sentimiento del amor, uno escucha: "J’étais un vieil enfant/Je suis un jeune chien maintenant/Ça fait du bien!/J’ai pas la trouille/Ça fait du bien/Jusqu’au fond des couilles."
Melvil Poupaud, Isabelle Carré, Nathalie Baye y Jean-Pierre Bacri en Les Sentiments

7.- Avant l’aube (2011), de Raphaël Jacoulot 

Simenon podría haber imaginado al héroe de este thriller tan chabroliano. Jean-Pierre Bacri interpreta al jefe de un hotel de lujo en los Pirineos, uno de cuyos clientes fue encontrado al amanecer en un barranco tras ser atropellado por un conductor que huyó. Y el jefe conoce al fugitivo, pero no dice nada. Así lo entiende su nuevo empleado (Vincent Rottiers), que también guarda silencio y, ve como su jefe, miente a los investigadores. El hombre de éxito se reconocía en este joven en reinserción social, y Bacri entrega una de sus interpretaciones más complejas, matizadas y ambiguas, con una inquietante mezcla de duplicidad y sinceridad.
Ludmila Mikaël y Jean-Pierre Bacri en Avant l'aube 

8.- C'est la vie (Le Sens de la fête, 2017), de Olivier Nakache y Éric Toledano

En esta película coral con un reparto de lujo: una boda de lujo en un castillo francés del siglo XVIII se les va de las manos a sus responsables, Jean-Pierre Bacri compone el gruñón más hermoso de su larga carrera actoral. Y monta el espectáculo desde la primera (divertidísima) secuencia: una discusión entre un organizador de fiestas y un par de clientes muy versátiles y muy exigentes, donde el actor encarna maravillosamente la expresión "la calma antes de la tormenta".
 Eye Haidara y Jean-Pierre Bacri en C'est la vie

viernes, 22 de enero de 2021

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCVI)

Fellini, ocho y medio (8½) (8½ (Otto e mezzo) AKA  Fellini 8½, 1963), de Federico Fellini

Considerada como una de las grandes obras maestras de la historia, Fellini, ocho y medio cuenta la crisis artística de un gran director de cine, Guido Anselmi (Marcello Mastroianni), y sus muchos esfuerzos por recuperar la inspiración. Obsesionado con levantar un mastodóntico proyecto, se irá encontrando por el camino a muchas de las mujeres a las que ha amado y echará la vista a todos los momentos más importantes de su vida. Con claros elementos autobiográficos, esta película es por méritos propios uno de los títulos más representativos de la filmografía de Federico Fellini. Es una de las cintas más conocidas del realizador, y según varios críticos cinematográficos es una de las mejores películas que se han hecho jamás. Fue filmada en blanco y negro, y la música fue compuesta por Nino Rota. El tema principal de la película es la crisis creativa de un artista, el problema de confrontarse con las expectativas de todos (productores, periodistas, amigos), y también la crisis existencial de un hombre, que se aferra a los recuerdos y a los sueños para soportar el peso de la vida. Fellini encuentra en el final una solución original e inesperada al problema de la crisis existencial. Este final es el fruto de la genialidad creativa de Fellini. 8 ½, que consiguió un gran éxito internacional y obtuvo el Oscar a la mejor película extranjera, es una película bastante autobiográfica. Este hecho ha sido reconocido y negado, según el humor de que estuviera, por el propio Fellini. La película suponía el número ocho y medio en su filmografía, porque ya había rodado anteriormente siete películas, "y media", considerando sus colaboraciones en las de creación colectiva con otros renombrados directores: Amor en la ciudad (L'amore in città, 1953), en la que el episodio dirigido por Fellini se titula Agencia matrimonial (Agenzia matrimoniale), y Boccaccio 70 (1962), en la que Fellini aporta el episodio titulado Las tentaciones del doctor Antonio (Le tentazioni del dottor Antonio).

Las películas por episodios (IV)

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El esquema de los seriales
El esquema de los seriales estaba ya completamente acabado cuando finalizó la I Guerra Mundial. Desgraciadamente, de los aproximadamente doscientos setenta seriales mudos producidos por Hollywood pocos han logrado llegar hasta nuestros días, y sólo es posible visionar unos veinte, y ni tan siquiera enteros todos ellos. Pero el esquema básico se repetía de uno a otro. Desde el punto de vista de los productores, la razón de ser del serial era conseguir que el público acudiese semana tras semana hasta el final, con lo que se esforzaban sobre todo por crear tensión y curiosidad mediante la combinación de una trama misteriosa y de finales llenos de emoción y peligro. 

Riders of Death Valley es un serial de Universal de 1941, con alto presupuesto y con un elenco de estrellas liderado por Dick Foran y Buck Jones. Ford Beebe y Ray Taylor lo dirigieron. También contó con Lon Chaney Jr. en un papel secundario como un secuaz villano. La trama giraba en torno a un grupo de vigilantes de las minas de Oro de California.

Al menos en la primera época de los seriales, estos finales rara vez se resolvían satisfactoriamente. Era, frecuente que, al final, de un episodio, el héroe quedase atado junto a una bomba de relojería que estaba a punto de explotar y que, al comienzo del siguiente apareciese milagrosamente libre e indemne, sin que se ofreciese explicación alguna. Esas trampas descaradas, basadas en la poca memoria de los espectadores, fueron haciéndose cada vez menos frecuentes según se iba mejorando las técnicas de producción. Pero era también normal rodar dos versiones distintas de un mismo final, en el segundo de los cuales se mostraba cómo, casi milagrosamente, el héroe o la heroína conseguían escapara de la trágica muerte o sufrimiento a que parecía condenarle inexorablemente la primera versión. La versión con que finalizaba un episodio podía mostrar el coche del protagonista despeñándose por un precipicio, mientras que la otra versión rodada desde el otro lado del automóvil, y destinada a abrir el episodio siguiente, mostraba cómo se salvaba, saltando en el último momento posible. 

The Phantom Empire es un serial del oeste estadounidense de 1935, dirigida porOtto Brower y B. Reeves Eason y protagonizada por Gene Autry, Frankie Darro y Betsy King Ross. Constaba de 12 capítulos de Mascot Pictures combina los géneros western, musical y de ciencia-ficción. El primer episodio dura 30 minutos, el resto unos 20 minutos. Trata sobre un vaquero cantante que se topa con una antigua civilización subterránea que vive debajo de su propio rancho y que se corrompe por los especuladores codiciosos sin escrúpulos de la superficie. En 1940, un largometraje de 70 minutos editado a partir de la serie fue estrenado bajo los títulos Radio Ranch o Men with Steel Faces. Este fue el primer papel protagónico de Gene Autry, interpretándose a sí mismo como un vaquero cantante.

Los seriales rara vez se exhibían en las salas de estreno de las grandes ciudades, aunque la situación cambió algo a comienzos del sonoro. En 1930, un vehículo para Tim McCoy, The Indians Are Coming, uno de los primeros seriales con sonido, fue orgullosamente anunciado por la Universal como el "primer serial exhibido en Broadway". No obstante, los seriales ocupaban siempre uno de los últimos puestos en los lotes de distribución de Hollywood. Durante la era del sonoro, la Universal y Columbia fueron los dos únicos estudios importantes que siguieron produciendo seriales (69 y 57, respectivamente). Los demás eran producidos por la Republic, un estudio especializado en este género, que rodó un total de 66, y por las Mascot (una de las compañías independientes que se fundió con otras en 1935 para dar lugar a la Republic), y que rodó un total de 24. Entre diversos productores independienyes se rodaron un total de otros 15 seriales. 
Boris Karlof (a la izquierda) como malo en King of the Wild, serial de 1931
John Wayne fue la única estrella de primera fila que accedió a rodar seriales, pero sus tres intentos, Bajo el terror del águila (Shadow of the Eagle), El expreso de la muerte (Hurricane Express), ambas de 1932, y Los tres mosqueteros del desierto (The Three Musketeers, 1933), fueron modestas producciones de serie B entre su primer papel como protagonista, en La gran jornada (The Big Trail, 1930) y su redescubrimiento en La diligencia (Stagecoach, 1939). Algunos seriales estaban interpretados por actores que hacían también películas normales, como Tom Mix, Buck Jones, Tom Tyler, Bela Lugosi y, por supuesto, Buster Crabbe. Pero, en la mayoría de los casos, sus intérpretes eran actores de segunda fila, como Clayton Moore, Tristasn Coffin o Robert Lowery, que en otra clase de películas solían interpretar personajes secundarios, o que se dedicaban exclusivamente al campo de los seriales, como Kirk Alyn y Charles Quigley. 
The Green Archer es el duodécimo seria producido por Columbia Pictures. 
Se basó en la novela homónima de Edgar Wallace de 1923, que había sido adaptada previamente, 
también como serial mudo del mismo nombre en 1925 por Pathé Exchange
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Jean-Pierre Bacri: sus ocho películas (y ocho roles) más memorables (I)

Fue etiquetado como un gran gruñón, primero fue un gran actor (y autor talentoso). Desde el desagradable pero entrañable Guido de Mes meilleurs copains (1989) hasta el polifacético y gruñón organizador de la boda de C'est la vie (Le sens de la fête, 2017), lo definimos en ocho películas seleccionada de la carrera de un sutil actor, fallecido el lunes 10 de enero de 202, a los 69 años.

1.- Mes meilleurs copains (1989), de Jean-Marie Poiré

Jean-Pierre Bacri es uno de los cinco ex fans de los años sesenta (los otros son Gérard Lanvin, Philippe Khorsand, Christian Clavier y el irresistible Jean-Pierre Darroussin, que se hizo famoso gracias a la película) que, veinte años después de mayo del 68 y muchas decepciones, se reúnen durante un fin de semana en la finca de uno de ellos. Guido, su personaje, soñaba con ser un cineasta erótico-experimental con tendencia gay en la época de los pantalones de patas de elefante, se convirtió en un hijo del pub ya que los años 1980 lamentablemente produjeron mucho. Insoportable, pero también, gracias a la composición de Bacri, muy entrañable cuando se da cuenta de que su juventud definitivamente ha quedado atrás.
 Christian Clavier, Gérard Lanvin, Jean-Pierre Bacri y Jean-Pierre Darroussin en Mes meilleurs copains

2.- Cuisine et dépendances (1993), de Philippe Muyl

La obra de Agnès Jaoui y Jean-Pierre Bacri fue más convincente en el escenario, pero que importa. Perdedor particularmente amargado por el éxito ajeno (y refugiado en la cocina de sus amigos que lo acogen), el actor cuenta con las mejores escenas de la película. En particular aquella en la que pierde los estribos contra el discurso mayoritario con acentos feroces: “La mayoría, ¿cuál exactamente? ¿El que está por la pena de muerte? ¿La que le mete una pluma en el culo porque está de moda? "
Jean-Pierre Bacri y Jean-Pierre Darroussin en Cuisine et dépendances

3.- Didier, mi fiel amigo (Didier, 1997), de Alain Chabat

Jean-Pierre Bacri como agente deportivo, eso es lo que llamamos un papel compositivo, incluso si el personaje está, además, en su registro habitual de fruncir el ceño con buen corazón. Esto no le impide sobresalir ante Alain Chabat como un labrador convertido en humano - y futura estrella de la pelota redonda - en esta película realmente loca ...
Jean-Pierre Bacri y Alain Chabat en Didier, mi fiel amigo

4.- On connaît la chanson (1997), de Alain Resnais

Jean-Pierre Bacri, con Agnès Joui, había adaptado las obras de Alan Ayckbourn Smoking et No Smoking para Alain Resnais en 1992. Cinco años más tarde, el guionista también se convierte en actor del director de Hiroshima mon amour en su película más lúdica. (y su mayor éxito). Porque, en On connaît la chanzon, los actores, en medio de sus diálogos, de repente comienzan a cantar éxitos de la música popular francesa con la voz de su intérprete original. Bacri, interpretando aquí a un conductor hipocondríaco, Tengo el bazo que se dilata, del cómico trooper Ouvrard, fue fundamental. La escena es irresistible.
 Jean-Pierre Bacri y André Dussollier en On connaît la chanson
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jueves, 21 de enero de 2021

Películas de la semana: 22 de enero

El profesor de persa

Título originalPersian Lessons AKA PersischstundenDirección: Vadim Perelman. PaísRusia. Año2020. Duración: 127 minutos. Género: Drama. Drama carcelario. Nazismo. II Guerra Mundial. Holocausto. Años 1940. Interpretación: Nahuel Pérez Biscayart, Lars Eidinger, Leonie Benesch, Jonas Nay, David Schütter, Luisa-Céline Gaffron, Alexander Beyer, Giuseppe Schillaci, Peter Beck, Andreas Hofer, Nico Ehrenteit, Marcus Calvin, Mehdi Rahim-Silvioli, Ingo Hülsmann, Felix von Bredow, Antonin Chalon, Serge Barbagallo, Pascal Elso, Elena Stetsenko, Gennadiy Fomin, Alexander Starchenko, Alexandr Zhdanovich, Anton Zhukov, Svetlana Anikey, Anastasia Gudei, Veronika Buslaeva, Elena Girenok. GuionIlya Tsofin (Novela: Wolfgang Kohlhaase). MúsicaEvgueni Galperine, Sacha Galperine. FotografíaVladislav Opelyants. ProductoraCo-production Rusia-Alemania-Bielorrusia; Hype Film/ONE TWO Films/LM Media/Belarusfilm. Premios y nominacionesFestival de Sevilla: Gran Premio del Público; Festival de Valladolid - Seminci: Mejor montaje. Estreno en España: 22 de enero de 2021. SinopsisFrancia, 1942. Gilles es arrestado por soldados de las SS junto con otros judíos y enviado a un campo de concentración en Alemania. Allí consigue evitar la ejecución al jurar a los guardias que no es judío, sino persa. Gracias a esta artimaña, Gilles consigue mantenerse con vida, pero tendrá que enseñar un idioma que no conoce a uno de los oficiales del campo, interesado en aprenderlo. Al tiempo que la relación entre ellos aumenta, las sospechas de los soldados van en incremento. 

La maldición de Lake Manor

Título original: Il nido AKA The Nest. Dirección: Roberto De Feo. País: Italia.Año: 2019. Duración: 107 minutos. Género: Terror. Casas encantadas. Interpretación: Maurizio Lombardi, Justin Korovkin, Francesca Cavallin, Gabriele Falsetta, Ginevra Francesconi, Massimo Rigo. Guion: Lucio Besana, Margherita Ferri (Historia: Roberto De Feo). Música: Teho Teardo. Fotografía: Emanuele Pasquet. Productora: Colorado Film Production/Vision Distribution/Film Commission Torino-Piemonte/Regione Piemonte. Premios y nominaciones: Nominada al Variety Piazza Grande Award; Sindicato Nacional Italiano de Críticos de Cine: Nominada a mejor director revelación. Estreno en España: 22 de enero de 2021. Sinopsis: Samuel es un joven parapléjico que vive en una siniestra mansión con su madre Elena. La casa se encuentra aislada, en medio del bosque. Elena y el médico de la casa mantienen conversaciones secretas sobre una nueva sociedad, y el papel de Samuel en ella. Pero éste siente una gran curiosidad y deseos de conocer el mundo, a pesar de que su madre le tiene terminantemente prohibido salir de la casa. Cuando Samuel conozca a Denise, una sirvienta que trabaja en la mansión, afrontará las estrictas restricciones de su madre y saldrá al mundo. Elena no le dejará tan facilmente y hará todo lo posible para alejarle de Denise. 

Cazadores de brujas

Título original: Zlogonje. Título internacional: The Witch Hunters. Dirección: Rasko Miljkovic. País: Serbia. Año: 2018. Duración: 90 minutos. Género: Aventuras. Drama. Cine familiar. Amistad. Infancia. Enfermedad. Interpretación: Mihajlo Milavic, Silma Mahmuti, Jelena Djokic, Bojan Zirovic, Dubravka Kovjanic, Jelena Jovanova, Olga Odanovic, Milutin Milosevic, Stela Cetkovic, Milena Predic, Mateja Popovic, Vaja Dujovic. Guion: Milos Kreckovic, Marko Manojlovic, Ivan Stancic (Novela: Jasminka Petrovic). Música: Nevena Glusica. Fotografía: Miksa Andjelic. Productora: Co-production Serbia-Macedonia; Akcija Produkcija/Dream Factory Macedonia/This and That Productions. Estreno en España: 22 de enero de 2021. Sinopsis: El joven de diez años Jovan nació con una parálisis celebral parcial. Tímido, consciente de sí mismo pero con pocos amigos, su lugar preferido para huir es su propia imaginación. Allí imagina ser un superhéroe que no está limitado por su cuerpo. Su vida da un cambio radical cuando una nueva chica llega a su clase: Milica. Desvergonzada y sin nada que ocultar, Jovan no se piensa dos veces la posibilidad de ayudarla a que su padre se libere de su nueva novia. Su nueva amiga está convencida de que la novia de su padre es una bruja que le ha sometido a un hechizo, y además aporta toda clase de pruebas para dar fe de ello. Con el paso del tiempo ambos desarrollan un plan que lleva a Jovan a disfrutar por primera vez de su vida y a superar muchas de las inseguridades que le han perseguido desde que nació.

Hope

Título original: Håp. Dirección: Maria Sødahl. País: Noruega. Año: 2019. Duración: 126 minutos. Género: Drama. Enfermedad. Interpretación: Stellan Skarsgard, Andrea Bræin Hovig, Elli Rhiannon Müller Osbourne, Eirik Hallert, Steinar Klouman Hallert, Johannes Joner, Gjertrud L. Jynge, Alexander Mørk Eidem, Dina Enoksen Elvehaug, Knut Magne Uv, Thomas Tetens Moe, Einar Økland, Ingrid Bugge, Hala Dakhil, Alfred Vatne, Kristin Voss Hestvold, Terje Auli, Daniel Storm Forthun Sandbye, Bente Westad, Maria Vatne. Fotografía: Manuel Alberto Claro.  Montaje: Christian Siebenherz. Productora: Film I Väst/Motlys, Oslo Pictures/Zentropa Productions/Zentropa International Sweden. Premios y nominaciones: Candidata al Oscar por Noruega a mejor película internacional; Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor dirección y actriz (Bræin Hovig). Estreno en España: 22 de enero de 2021. Sinopsis: La relación entre una pareja de artistas es puesta a prueba cuando a ella le descubren que tiene una enfermedad que amenaza con robarle la vida. ¿Qué sucede con el amor cuando a una mujer de mediana edad le pronostican tres meses de vida? Anja (43) y Tomas (59) viven en familia junto a sus hijos biológicos e hijastros pero durante años, la pareja se ha distanciado. Cuando Anja recibe el diagnóstico de cáncer cerebral terminal el día antes de Navidad, su vida se rompe y pone a prueba el amor desatendido

Fellini de los espíritus

Título original: Fellini degli spiriti. Dirección: Selma Dell'Olio. País: Italia. Año: 2020. Duración: 100 minutos. Género: Documental. Documental sobre cine. Reparto: Documental, Gianfranco Angelucci, Filippo Ascione, Leonetta Bentivoglio, Ermanno Cavazzoni, Damien Chazelle, Marina Cicogna, Andrea De Carlo, Gian Luca Farinelli, William Friedkin, Terry Gilliam, Andrea Minuz, Giuditta Miscioscia, Vincenzo Mollica, Antonio Monda, Nicola Piovani, Maurizio Porro, Fiammeta Profili, Gigi Proietti, Aldo Tassone, Serge Toubiana, Sergio Zavoli. Música: Antonio Fresa. Fotografía: Daniele Botteselle. Productora: Mad Entertainment/RAI Cinema/Walking The Dog/Direzione Generale per il Cinema. Estreno en España: 22 de enero de 2021. Sinopsis: Profundamente enamorado de la vida, Fellini vivió la suya mientras buscaba constantemente su significado. Con motivo del centenario de su nacimiento (20 de enero de 1920), este documental investiga en profundidad su pasión por lo que él definió como "misterio" -lo esotérico y el mundo invisible- en su incansable búsqueda de otras posibilidades, otras dimensiones, otros viajes; y de todo lo que alimenta el vuelo del espíritu y la mente. Estos temas, que impregnan su filmografía, fueron objeto de su investigación personal.

Una luz en la oscuridad

Dirección: José María Borrell. País: España. Año: 2020. Duración: 75 minutos. Género: Documental. África. Reparto: Documental, Marta Borrell, Berta Gutiérrez (intervenciones de: Federico Mayor Zaragoza, Richard Gerver, Emilio González Ferrín, Ndaba Mandela, Jaime Saavedra, Ana Revenga). Guion: José María Borrell. Productora: Gondola Films. Estreno en España: 22 de enero de 2021. Sinopsis: Marta, una joven adolescente, a raíz de una charla en su colegio de España y un viaje de fin de curso a las entrañas de Marruecos, decide indagar sobre qué es lo que falla en la educación de los niños y jóvenes de los países en vías de desarrollo. Está muy afectada por la precariedad de la vida en estos países y realmente piensa que la salvación está en una mejora de la educación que reciben los niños que allí habitan. Marta se propone ir más allá y con su amiga Berta emprende un viaje a Mozambique, uno de los países más pobres del mundo. Al norte, en la pequeña isla de Ibo, existe un lugar donde desde hace años se viene aplicando un sistema de educación sostenible basado en la idea de que la limosna o la ayuda gratuita es el peor estimulo para el crecimiento.

Cumplió 25 años: Shine. El resplandor de un genio

El 21 de enero de 1996 se estrenó la película australiana Shine. El resplandor de un genio (Shine), dirigida por Scott Hicks e interpretada por Geoffrey Rush, Armin Mueller-Stahl, John Gielgud, Noah Taylor, Lynn Redgrave, Sonia Todd, Googie Withers, Nicholas Bell, Chris Haywood. Productora: Australian Film Finance Corporation (AFFC)/Film Victoria. Duración: 106 minutos. 
Sinopsis argumentalBasada en la vida de David Helfgott, un niño prodigio, Shine examina su tortuosa vida, desde su infancia dominada por su estricto padre, hasta llegar a sus crisis nerviosas cuando es adulto. Cuando es aceptado en una prestigiosa escuela de música en Londres, la Royal College of Music, David se siente capaz de huir de su padre y arriesgarlo todo por su única pasión, la música. Pero el rechazo de su padre y las presiones de su trabajo, acaban sumiéndole en una enfermedad mental. Sólo el amor de una mujer que le comprende de verdad, puede salvarle y devolverle a la sociedad para que ésta disfrute con su música.
Nominaciones y premios: Premios Oscar: Mejor actor (Rush). 7 Nominaciones; Globo de Oro: Mejor actor drama (Rush). 5 nominaciones; 2 premios BAFTA: Mejor actor (Geoffrey Rush) y sonido. 9 nominaciones; National Board of Review: Mejor película; Satellite Awards: Mejor actor (Rush) y actor de reparto (Mueller-Stahl); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Rush) Festival de Toronto: 2 premios: Metro Media, People's Choice (Scott Hicks); Critics' Choice Awards: Mejor actor (Rush). 2 nominaciones; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actor (Rush). 2 nominaciones; Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión original; Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor (Geoffrey Rush). 3 nominaciones; Asociación de Críticos de Chicago: 2 nominaciones incluido Mejor actor (Rush); Asociación de Críticos de Boston: Mejor actor (Geoffrey Rush). 
Comentario: Shine. El resplandor de un genio fue aclamada por la crítica de todo el mundo, y recibió innumerables premios, incluido el premio Oscar de 1997 al mejor actor para Geoffrey Rush. También fue nominada al Oscar en las categorías mejor actor de reparto, mejor dirección, mejor edición, mejor música, mejor fotografía, mejor guion y mejor película.

Jean-Pierre Bacri, mil sombras del misántropo brusco

Jean-Pierre Bacri falleció el lunes 18 de enero de cáncer, a la edad de 69 años. Fue un actor sincero, una voz familiar, un autor incisivo y sobre todo un hombre libre.
Jean-Pierre Bacri ha muerto y lo perdemos todo al mismo tiempo. Sus ojos estaban perpetuamente en círculos, esa mirada de fatiga existencial. Su humanismo a contrapelo, sin concesiones, sin ilusiones. La atrevida sobriedad de su interpretación, como ninguna otra: opaca y sincera. Atrajo luz y afecto casi desafiante. Sus papeles desarrollaron los mil matices del mismo misántropo brusco, celoso de su misterio y de sus heridas, sin repetirse jamás.
Georges, el amigo en cuclillas, amargado y gruñón de Cuisine et dépendances (1993), de Philippe Muyl.  Henri, el irascible dueño del café de Como en las mejores familias (Un air de famille, 1996), de Cédric Klapich. Jean-Jacques, el emprendedor melancólico y torpemente enamorado de Para todos los gustos (Le goût des autres, 2000 ), de Agnès Jaoui... Hombres constreñidos en sus vidas, en la exasperante banalidad de la vida cotidiana, entrañables a pesar de sí mismos, inolvidables, que revelado al gran público, tras años de papeles secundarios, o en obras poco conocidas, como L'été en pente douce, de Gérard Krawczik en 1987.
Actor delicado e intenso, alérgico a las limitaciones y los conformismos, fue también coautor de varias películas con Agnès Jaoui, como la citada Cuisine et dépendences y Como en las mejores familia