martes, 16 de agosto de 2022

Cumplió 25 años: Horizonte final

El 15 de agosto de 1997 se estrenó la película británica Horizonte final (Event Horizon), dirigida por Paul W.S. Anderson e interpretada por Laurence Fishburne, Sam Neill, Kathleen Quinlan, Joely Richardson, Jason Isaacs, Peter Marinker, Jack Noseworthy, Richard T. Jones, Sean Pertwee, Holley Chant, Noah Huntley, Emily Booth, Robert Jezek, Barclay Wright. Productora: Paramount Pictures. Duración: 96 minutos.
Sinopsis argumentalEn el año 2047, la nave de rescate "Lewis and Clark" es enviada a investigar la misteriosa reaparición en la órbita de Neptuno de una nave experimental, la "Horizonte Final", desaparecida años antes con toda su tripulación. En el año 2040, la nave "Horizonte Final" fue lanzada al espacio para explorar los confines del universo, pero desapareció sin dejar rastro. Mientras la misión de rescate intenta averiguar cuál ha sido el destino de los desaparecidos, a bordo de la nave tienen lugar extraños sucesos.
ComentarioLa película toma prestados elementos del género de la ciencia ficción y el terror presentes en otras películas, como Solaris de Stanislaw Lem, 2001: Una odisea espacial, Alien: el octavo pasajero, Aliens: El regreso, El abismo negro, Amenaza en la sombra, El resplandor, Línea mortal, y Hellraiser. Por ejemplo, el interior de la nave Lewis & Clark está inspirado en la nave Nostromo de Alien. Temáticamente es similar a La mansión encantada y El resplandor, a la que homenajea en una escena en la que aparece una ola gigante de sangre.

Mujeres de cine: Kira Nicolaevna

El 16 de agosto de 2017 muere en Moscú, Kira Nikolaevna Golovkó (había nacido el 11 de marzo de 1919 en Yessentuk, actriz de teatro y cine soviética y rusa, profesora de arte dramático, ganadora del Premio Stalin (1947) y Artista del Pueblo de la RSFSR (1957).
En 1937, Kira Golovko ingresó en la Facultad de Literatura Rusa del Instituto de Filosofía, Letras y Arte en Moscú.Golovko hizo su debut en el escenario como «Leche» en la fábula el pájaro azul de Maurice Maeterlinck. En 1938, sin una educación profesional, aprobó un concurso y fue admitida en la compañía auxiliar del Teatro de Arte de Moscú Máximo Gorki (MKHAT) la única de 637 solicitantes. En la audición leyó la fábula de Iván Krylov Zorro. Los conocidos artistas Vasili Sakhnovski y Vasili Toporkov estuvieron presentes en la audición.
A partir de entonces, Kira Golovko fue miembro permanente de la compañía del Teatro de Arte de Moscú (MKhAT). En el escenario del teatro, la actriz interpretó papeles en docenas de obras de teatro, entre ellasː Los últimos días (Natalie Pushkina), Tsar Fyodor Ioannovich (Princesa Mstislavskaya), Tres hermanas (Olga), Anna Karenina ( Dolly), «Maria Stuart» (Maria Stuart), Bosque (Aksyusha), Los bajos fondos (Natasha), Enemigos (Polina), Profesora de Literatura (Kokovkina; basada en la novela El diablillo) de Fiódor Sologub, y otras muchas. Su último trabajo en el teatro fue la obra Gatos y Ratones (2004) del dramaturgo húngaro István Örkény donde interpretó el papel de Adelaide Bruckner.
Kira Golovkó debutó en el cine en 1946 como Anna Kern en la película Glinka, por la que recibió el Premio Stalin. La actriz también protagonizó las películasː Alumno de primer grado (1948), El Director (1964), Sophia Perovskaya (1967), Guerra y Paz (1965-1967), Flores tardías (1969), Y fue la tarde y la mañana... (1970), Día a día (1971-1972), Por el resto de mi vida (1975), Boris Godunov (1986) y otros. Su último trabajo cinematográfico fue la película El Artista (2007) del famoso director soviético Stanislav Govorujin.
En 1950 dejó el Teatro de Arte de Moscú, y en 1954 ella y su esposo se mudaron a Baltisk, en el óblast de Kaliningrado, donde su esposo, el almirante Arseni Golovkó, estaba destinado, allí se convirtió en la actriz principal del Teatro dramático regional de Kaliningrado. Su marido se esforzó mucho en la reconstrucción del edificio del teatro, completamente destruido tras los bombarderos de la Segunda Guerra Mundial, gracias a su mecenazgo, el teatro adquirió enormes columnatas y una amplia escalinata. En 1957 regresó al Teatro de Arte de Moscú, donde trabajó hasta 1985.
Desde 1958, trabajó como profesora asociada, en la Escuela del Teatro de Arte de Moscú​ Entre sus alumnos se encuentran los conocidos artistas soviéticoː Evgeny Kindinov, Boris Nevzorov, Nikolái Karáchentsov, Natalia Egorova, Marina Golub (1957-2012), Alexey Guskov, Igor Zolotovitsky, Mijaíl Yefrémov. entre otros muchos.3​ En 2012, se publicó el libro de memorias de la actriz titulado «Адмиральша» (Almirante).
Murió a los 99 años el 16 de agosto de 2017, en Moscú, y fue enterrada en el cementerio Troyekurovskoye.

Con “Mi iubita, mon amour”, Noémie Merlant hace una película que “se sale del marco”

Es un primer largometraje casi improvisado, respondiendo a un impulso común, que Noémie Merlant rodó en Rumanía con un puñado de amigos y su amante gitano, el actor Gimi Covaci, que se estrenó recientemente. Tenía que hacerse “ese verano, con esa energía”.
Esta armonía, entre lo que dice una película y la forma en que se produjo, no corre por los cines. Mi iubita, mon amour, el primer largometraje de Noémie Merlant, tiene aires de cine de truhanes. Después de haber dirigido dos cortometrajes, la actriz, admirada en particular en Retrato de una mujer en llamas (Portrait de la jeune fille en feu2019) y París, distrito 13 (Les Olimpiades, 2021), zarpó hacia Rumanía y el mundo al revés en el mismo impulso. Envuelta en una aventura.

Agosto de 1962, muere Marilyn Monroe (I)

Hace sesenta años, el 4 de agosto de 1962 precisamente, la actriz estadounidense fue encontrada muerta. Todo el mundo quedó conmocionado. Y se vio en Marilyn Monroe a una víctima de Hollywood. Una sucinta retrospectiva, a través de tres artículos publicados en  Télérama n° 657 del 19 de agosto de 1962.

Marilyn está muerta

Un domingo de agosto, una actriz murió en Hollywood. En todo el mundo, el asombro da paso a la lástima. Lejos de juzgarla; para condenarla, la compadecemos. Y si nos preguntamos: “¿De quién es la culpa? Es porque a los ojos de todos, Marilyn Monroe es ante todo una víctima.
Una víctima. Esta es una palabra que debería tener una profunda resonancia en la sensibilidad cristiana. Porque, si se nos permitiera descifrar nuestros destinos con los ojos de Dios, tal vez veríamos que no hay treinta y seis formas de vivir la vida. Quizá sólo haya dos razas de seres después de todo: los que dan y los que toman. Quizá nuestras existencias, oscuras o brillantes, estarían mejor compartidas a la luz del Calvario: en el mundo sólo hay víctimas y verdugos.
"Marilyn es una víctima inútil, su sacrificio es absurdo" dirán los sabios, los ahorrativos y los tibios. Pero sabemos que no hay sacrificio innecesario. Sabemos que amamos a Marilyn porque ella le había dado todo a su trabajo, a su arte, al espectáculo. Vocación ambigua entre todos: uno puede ser un espectáculo o montar un espectáculo. Están las estrellas que prestan su piel o que la venden. Y los que lo dan. A menudo, empezamos vendiéndonos y descubrimos, demasiado tarde, que ya no nos pertenecemos a nosotros mismos. Es característico de los niños, poetas y artesanos jugar con un fuego implacable. No se equivoca el público que respeta y teme este fuego: este fuego es sagrado. El ámbito del arte y el entretenimiento es quizás el último refugio de lo sagrado, para un mundo que cree haber matado a Dios.
Marilyn, mujer-niña, víctima de un arte que devora cuerpos y almas, unirás a nuestra memoria y nuestra compasión a estos otros niños perdidos a los que amamos: Lola Montes y la pequeña Mouchette de Bernanos. “Que Dios os reciba en su dulce misericordia”.
Jean Collet

lunes, 15 de agosto de 2022

Mujeres de cine: Jennifer Lawrence

El 15 de agosto de 1990 nació en Indian Hills, Kentucky, Jennifer Shrader Lawrence, conocida artísticamente como Jennifer Lawrence, actriz estadounidense. También ha incursionado en la producción cinematográfica. Su carrera comenzó con trabajos ocasionales en televisión, hasta que consiguió uno de los papeles principales en la serie The Bill Engvall Show. Sin embargo, su trabajo en películas del cine independiente, entre las que destacan Lejos de la tierra quemada (The Burning Plain, 2008), de Guillermo Arriaga, y Winter's Bone (2010), de Debra Granik, se encargaron de impulsar su carrera como actriz.​ Su actuación protagónica en Winter's Bone le dio el reconocimiento de la crítica especializada, recibiendo múltiples galardones cinematográficos y una nominación a los premios Oscar, Globo de Oro y del Sindicato de Actores.
Con veinte años, fue la tercera actriz más joven en ser nominada para el premio de la Academia a la mejor actriz, el cual consiguió dos años después por su actuación como Tiffany Maxwell en El lado bueno de las cosas (Silver Linings Playbook, 2012), de David O. Russell, en la 85.ª edición de los premios, convirtiéndose en la segunda actriz más joven en recibirlo. Por esta actuación también ganó un Globo de Oro y un premio del Sindicato de Actores. Al año siguiente recibió la aclamación de la crítica, ganó el Globo de Oro, el BAFTA y volvió a ser nominada al Oscar como mejor actriz de reparto por su papel secundario en La gran estafa americana (American Hustle, 2013), de David O. Russell, convirtiéndose en la actriz más joven en lograr tres nominaciones.
Logró reconocimiento internacional en junio de 2011 cuando interpretó el papel de Mystique en la película X-Men: primera generación (X-Men: First Class), de Matthew Vaughn, y en 2012 cuando encarnó a la heroína Katniss Everdeen en Los juegos del hambre (The Hunger Games), adaptación de la novela homónima de la escritora Suzanne Collins, por la cual también recibió elogios de la crítica.
Los trabajos de Lawrence hasta el momento la han llevado a ser definida por la revista Rolling Stone como «la actriz juvenil más talentosa de Estados Unidos».​ En abril de 2013 la revista Time la incluyó en la lista de «Las 100 personas más influyentes del mundo»

“One Piece Film Red”: la nueva adaptación del manga de culto

Adaptada de la obra de Eiichiro Oda, la película de Gorō Taniguchi, actualmente en los cines, lamentablemente solo está dirigida a un público de aficionados, conquistado de antemano.
Usted que entra aquí, neófito, abandona toda esperanza: One Piece Film Red, dirigida por Goro Taniguchi, solo está destinada a un público culto y conquistado. Para principiantes, una actualización es fundamental... siempre que tengas ganas y tiempo: el manga de Eiichiro Oda celebra su 25 aniversario, con más de cien volúmenes publicados y una adaptación al anime que ha superado los mil episodios. Y aunque este enésimo largometraje cuenta una historia independiente de la odisea imaginada por su inagotable creador, parece que dejar a los turistas en la puerta es una cuestión de honor, pero qué idea, también, para empezar una epopeya al final. En fin, para que quede todo claro, de eso estamos hablando: de tontos, de momias, de críticos al borde de la locura.
Un viaje involuntario de LSD
Bienvenido (no) a la "edad de oro de la piratería", en un planeta de océanos infinitos salpicados de maravillosas islas. El joven Luffy y su tripulación, los héroes de One Piece, asisten, entre una enorme y colorida multitud, a un evento histórico: el primer concierto en vivo del ícono del pop Uta. Inevitablemente, canta (mucho) (demasiado), pero, sobre todo, la estrella trama un plan secreto, entre sueño y realidad, para devolver la armonía a los pueblos... ¿Paz y amor? Es complicado. Digamos que hay hongos mágicos, como en Woodstock. Y que como bautizo, One Piece Film Red resulta un poco rígido, en esa especie de viaje involuntario de LSD del que no se puede decir si era perfectamente feo o horriblemente hermoso.

Marilyn Monroe: una película, un documental y un podcast para encontrar todas las facetas de la cautivadora “Rubia”

El 4 de agosto de 1962, Norma Jeane Mortenson, mejor conocida como Marilyn Monroe, fue encontrada muerta en su casa. Sesenta años después de su muerte, el ícono de Hollywood sigue fascinando y las preguntas sobre su desaparición permanecen. Seleccionamos de tres creaciones, cada una de las cuales revela una parte del misterio de Marilyn.
Sesenta años después de su muerte, Marilyn Monroe sigue fascinando y dando lugar a nuevas investigaciones y nuevas interpretaciones. La producción más esperada del año, Blonde, dirigida por Andrew Dominik, adaptación de la novela de Joyce Carol Oates, llegará a Netflix el 28 de septiembre de 2022. Presentada en competición oficial en el festival de Venecia, donde fue nominada a mejor película. Este biopic de Andrew Dominik debería ser una relectura feminista de la trayectoria de la actriz.
A la espera del estreno de la película, les ofrecemos, con motivo del aniversario de la muerte de Marilyn Monroe, una película, un documental y un podcast ya disponibles.

Una película: Con faldas y a lo loco (Some Like It Hot, 1959), de Billy Wilder

Para la protagonista femenina, Sugar, el ukelelista Billy Wilder estaba considerando a Mitzi Gaynor, que disfrutaba de cierto éxito en ese momento. ¡Afortunadamente, Marilyn Monroe reclama el papel! Pero Wilder ya la había dirigido -a duras penas- en La tentación vive arriba (The Seven Year Itch, 1955) y había jurado no volver a trabajar nunca más con esta actriz demasiado caprichosa... Estaba pensando entonces en Elizabeth Taylor, Audrey Hepburn... Pero los productores, los hermanos Mirisch, estaban ansiosos por la elección de Marilyn. A pesar de un rodaje muy "caótico" , el director reconocerá:“Cuando logramos que viniera al estudio y tenía un buen día, fue genial. Tenía una cualidad que nadie más que Greta Garbo había tenido en la pantalla. Era una especie de imagen real, más allá de la mera fotografía. En la pantalla, daba la impresión de que podías tocarla con el dedo. La estrella será recompensada al año siguiente con el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia.

Un documental: El misterio de Marilyn Monroe: Las cintas inéditas (The Mystery of Marilyn Monroe: The Unheard Tapes, 2022) de Emma Cooper

El documental de Emma Cooper El misterio de Marilyn Monroe: Las cintas inéditas explora las áreas grises que rodean la muerte de la actriz. Una investigación proporcionada, sin primicias reales pero respaldada por archivos inéditos. El conmovedor retrato de una estrella instrumentalizado por hombres influyentes.

Un podcast: Marilyn, dernières séances, de Juliette Heymann

En 2012, la directora Juliette Heymann adaptó la novela de Michel Schneider Últimas sesiones con Marilyn para Le feuilleton. Una fascinante historia en torno a la relación entre Marilyn Monroe, "una intelectual que se protegía del sufrimiento de pensar con voz de niña y una falsa estupidez desplegada", y el psicoanalista Ralph Greenson, "una estrella del inconsciente freudiano", que había tratado anteriormente a Vivien Leigh, Tony Curtis o Frank Sinatra. En agosto de 1962, fue el último en verla con vida, y el primero en verla muerta... La última sesión de la escurridiza rubia.

domingo, 14 de agosto de 2022

Mujeres de cine: Alma Reville

El 14 de agosto de 1899 nació en Nottingham, Reino Unido, Alma Reville, actriz, asistente de dirección y la esposa del director cinematográfico Alfred Hitchcock, a quien conoció mientras trabajaban juntos en su primer trabajo como realizador.
Alma y Hitchcock se conocieron mientras ambos trabajaban para la empresa Famous Players-Lasky Studio de la compañía Paramount en Londres, en los primeros años de la década de 1920, y contrajeron matrimonio el 2 de diciembre de 1926. A partir de entonces, Alma Reville se convirtió en la mano derecha del director británico colaborando con él en la escritura de guiones, editando, haciendo doblaje de voces y comprobando la continuidad de la historia y los decorados.
Alma se dedicó a trabajar como editora en películas de otros directores como Berthold Viertel y Maurice Elvey, si bien la gran mayoría de sus trabajos fueron junto a su esposo. Se especializó en revisar los diálogos y descubrir ciertas incongruencias de los guiones y argumentos que fastidiaban a Hitchcock.
El matrimonio Hitchcock tuvo una hija, Patricia Hitchcock, quien hizo algunas películas y capítulos de TV. Ésta se casó con Joseph O'Connell en 1952, con quien tuvo tres hijos.
Alma Reville falleció de causas naturales a los 82 años, tras sobrevivir a un cáncer de mama.

Cumplió 25 años: La deuda

El 14 de agosto de 1997 se estrenó la película colombiana La deuda (La deuda. O la insólita muerte y no menos asombrosa resurrección y segunda muerte de Alí Ibrahim María de los Altos Pozo), dirigida por Nicolás Buenaventura, Manuel José Álvarez con Humberto Dorado, Alejandra Borrero, Vicky Hernández, Jairo Camargo,  Guillermo Restrepo Echeverri, Álvaro Bayona, Enrique Buenaventura, Fausto Cabrera, Marcela Valencia, Manuel Busquets, Vladimir Cruz. Productora: Coproducción Colombia-Cuba-Francia; Abcine Nuevos Proyectos, Grupo Colombia, JB Publicidad, Tomas Zapata Producciones, ICAIC, Les Films du Requin. Duración: 90 minutos. 
Sinopsis argumentalUn usurero apodado El Turco es asesinado. No se sabe quién lo mató, pero de una u otra manera, todos tuvieron algo que ver. Lo entierran en una improvisada tumba, sin lápida al lado del cementerio. La gente del pueblo se prepara para seguir con su cotidianidad. Sin embargo, la culpa comienza a dividirlos. Begonia, que tuvo una relación sentimental con el difunto, roba el cadáver. En cada familia, la culpa comienza a engendrar fantasmas. Se sienten perseguidos por el Turco, que, según ellos, ha regresado a cobrar lo que se le debe. Como si se tratara de un castigo divino, se desata un verdadero diluvio, y arrepentidos deciden hacer una procesión. Aparece un nuevo agonizante, se trata de Nicanor, que envenenado, muere. Lo entierran en el cementerio, pero en la lápida, en lugar de su nombre, aparece el del Turco. 
Comentario: La película fue seleccionada como la representante colombiana a la mejor película extranjera en la edición núm. 70 de los Premios de la Academia (Oscar), pero no fue aceptada como nominada.

De "El incorruptible” à “Serie negra”, Patrick Dewaere en diez grandes papeles (II)

(cont.)

5. F comme Fairbanks (1976), de Maurice Dugowson

Esta película no es solo un tributo a la industria del cine mudo estadounidense, sino también el ejemplo perfecto de las habilidades del fantástico Patrick Dewaere. Ofrece aquí una de sus mejores interpretaciones. Su personaje no podría haber sido interpretado por nadie más que él. Incluso parece que la película se hizo solo para él. Y solo él.

4. La mejor manera de andar (La meilleure façon de marcher, 1976), de Claude Miller

La primera película de Claude Miller, La mejor manera de andar (1976) resulta muy interesante justamente porque somete a tensión cualquier voluntad que busque categorizar a los personajes. El título de la película proviene de la marcha (con evidentes reminiscencias militares) que Marc (Patrick Dewaere) efectúa con el grupo de niños que tiene asignado. Mientras que él se encarga de actividades exclusivamente deportivas, Philippe (Patrick Bouchitey) —que además es el hijo del director— se ocupa con los suyos de montar una obra de teatro. 

3.- Ajuste de cuentas (Le juge Fayard dit Le Shériff, 1977), de Yves Boisset

Inspirada en el asesinato del juez François Renaud ocurrido el 3 de julio de 1975. Se dijo que en la película, Patrick Dewaere no interpreta el papel del juez, sino que lo encarna "no estaba interpretando sino que lo estaba viviendo". 

2. Una mujer sola (La clé sur la porte, 1978), de Yves Boisset

Basada en la novela de Marie Cardinal. La película se estrenó con una gran expectación mediática: "un gran director, dos grandes actores, una gran escritora"; en general, no tuvo una acogida favorable por parte de la crítica, incluso por parte de los de izquierda, pero le dio a Yves Boisset su mayor éxito comercial, mientras que sus obras anteriores, demasiado políticas y demasiado rebeldes, sólo pudieron provocar la censura. 

1.- Serie negra (Série noire, 1979), de Alain Corneau

Se trata de un drama policial que originalmente se llamaría Moonlight Fiesta. El guion es una adaptación de Georges Perec de la novela Una mujer endemoniada (1954), del escritor estadounidense Jim Thompson. Dicho guion, nominado al Premio César,​ fue publicado poco después del estreno en la revista L'Avant-Scène Cinéma.

sábado, 13 de agosto de 2022

Mujeres de cine: Gracia Querejeta

El13 de agosto de 1962 nació en Madrid, Gracia Querejeta, cineasta española.
En 1992 dirige su primera película en solitario, Una estación de paso, premio especial del Jurado en la Semana Internacional de Cine de Valladolid. A su ópera prima siguieron El último viaje de Robert Rylands (1996) y Cuando vuelvas a mi lado (1999) una película que cuenta la historia de tres hermanas que vuelven a reunirse después de fallecer su madre. En esta película participaron las actrices Mercedes Sampietro, Julieta Serrano y Adriana Ozores.
En 2004 dirigió Héctor, que fue galardonada con el premio a la mejor película en el Festival de Málaga de Cine Español en mayo de 2004. Siete mesas de billar francés del 2007 le supuso diversas nominaciones al premio Goya como mejor dirección y adaptación de un guion.
En 2008 recibió el premio 'Ciudad de Cuenca' del Festival internacional de cine de Mujeres en Dirección en reconocimiento a su trayectoria.
En 2013 dirige 15 años y un día, Biznaga de Oro a la mejor película y otros 3 premios en el Festival de Cine Español de Málaga.
En 2015 dirige Felices 140 y en 2018 la comedia negra Ola de crímenes. Su última película hasta ahora es Invisibles de 2020. 

Cumplió 25 años: Brácula: Condemor II

El 13 de agosto de 1997 se estrenó la película española Brácula: Condemor II, dirigida por Álvaro Sáenz de Heredia e interpretada por Chiquito de la Calzada, Bigote Arrocet, Nadiuska, Javivi, Carla Hidalgo, Héctor Cantolla, Rubén Gálvez, Aramis Ney. Productora: Producciones A.S.H. Films. Duración: 88 minutos.
Sinopsis argumentalCondemor y Lucas abandonan el Oeste e intentan llegar a Europa en barco, pero en el trayecto se produce un misterioso asesinato: la víctima ha sido mordida en el cuello por un vampiro. Una terrible tormenta hace zozobrar al bergantín. Condemor y Lucas luchan con los tiburones consiguiendo alcanzar la costa de una isla misteriosa sometida al terror del Señor de Valpurgis, un vampiro sanguinario que confunde a Condemor con el Conde Drácula, rey de las tinieblas, y que pretende desposarle con la doncella virgen Lucía. Condemor y Lucas intentarán escapar, pero el Mago Negro sospecha que es un impostor y le obligará a volar como un vampiro.
Comentario :Es la continuación de la película Aquí llega Condemor, protagonizada por los mismos personajes que la primera.

De "El incorruptible” à “Serie negra”, Patrick Dewaere en diez grandes papeles (I)

Patrick Dewaere se suicidó el 16 de julio de 1982, hizo este mes cuarenta años. Desapareció demasiado pronto, este joven treintañero con rostro angelical tuvo tiempo, sin embargo, de desempeñar una serie de papeles importantes y dejar huella en la historia del cine. Nuestra lista de sus 10 mejores interpretaciones.

10. El incorruptible (Adieu, poulet, 1975), de Pierre Granier-Deferre

Dewaere a menudo trabaja en pareja. Aquí, en este caso, es con Lino Ventura. Los dos policías, que investigan la muerte de un colega y de una pegada de carteles, descubren que un importante político (Victor Lanoux) no es tan respetable como aparenta. Uno, desilusionado, ya se ha rebajado demasiado; el otro, joven y fogoso, todavía tiene esperanza: el tándem Ventura-Dewaere está chispeante, con diálogos de un Francis Veber muy inspirado.
Lino Ventura y Patrick Dewaere en El incorruptible (1975)

9. Tú me hiciste mujer (Beau-père, 1981), de Bertrand Blier

Nuevo duo, pero como solo podemos ver con Bertrand Blier: tras la muerte de su mujer, el personaje interpretado por Dewaere se hace cargo de su hijastra (Ariel Besse, 16 años)… que quiere sobre todo dormir con él. Película ambigua (y un poco blanda) para reseñar posiblemente por la actuación todo en matices de Dewaere y lo mismo de Ariel Besse, desaparecida el pasado 29 mes de mayo de 2022.
Ariel Besse y Patrick Dewaere en Tú me hiciste mujer (1981)

8. El cabezazo (Coup de tête, 1979), de Jean-Jacques Annaud

Una sátira de Jean-Jacques Annaud empleando el mundo del fútbol como base de su historia. A pesar de su talento innato para el fútbol, François Perrin tiene un temperamento que le causa numerosos problemas fuera del campo. Después de la enésima juerga, la directiva del club con el que tiene contrato en vigor decide castigarlo obligándolo a entrenarse y a jugar con el equipo filial. Una pelea con una de las figuras del primer equipo supone la despedida virtual de François del club donde ha militado las últimas temporadas. Pero después de ingresar en prisión acusado de haber violado a una chica a la que confundió con su amante, el club decide repescarlo ya que el primer equipo se ha quedado diezmado debido a un accidente de autobús.

7. La alcoba del obispo (La stanza del vescovo, 1977), de Dino Risi

Dino Risi retrata a la burguesía italiana, en esta adaptación de una novela de Piero Chiara. Se trata de una película de intriga, que concede una gran importancia a la subtrama romántica. Patrick Dewaere interpreta a un aventurero y solitario navegante que va donde el viento lo lleva. 

6. Catherine et Cie (1975), de Michel Boisronds

Basada en la novela de 1967, Catherine et Cie, de Edouard de Segonzac. Una farsa sexual, algo descuidada y muy familiar. Se ha calificado a esta película como porno suave o crítica social sobre la prostitución y el feminismo. 
(cont.)

viernes, 12 de agosto de 2022

Películas de la semana: 12 de agosto

Voy a pasármelo bien

Dirección: David Serrano. País: España. Año: 2022. Duración: 108 minutos. Género: Comedia. Musical. Romance. Interpretación: Raúl Arévalo, Karla Souza, Izan Fernández, Renata Hermida Richards, Dani Rovira, Raúl Jiménez, Jorge Usón, Michel Herráiz. Guion: David Serrano, Luz Cipriota. Fotografía: Kiko de la Rica. Productora: El Estudio, Les Parapluies Rochefort, Paraíso Torres, RTVE. Estreno en España: 12 de agosto de 2022. Sinopsis: Valladolid, septiembre de 1989. David y Layla acaban de empezar Octavo de E.G.B. y les gusta mucho “Hombres G”. También se gustan mucho entre ellos, pero como a David le aconsejan tan mal sus amigos, todas las cosas que hace para conquistarla terminan siempre siendo un fracaso. A pesar de todo, los dos se hacen inseparables y se meten en líos cada vez más grandes, e incluso a veces, cuando están juntos, el impulso de cantar y de bailar las canciones de su grupo favorito es tan fuerte que se ponen a hacerlo en mitad de la calle. Y eso es porque se lo están pasando bien. Muy bien. Valladolid. Poco más de treinta años después. David y Layla no se han vuelto a ver desde finales de los ochenta, pero nunca se han olvidado el uno del otro. A Layla las cosas, al menos en lo profesional, no le han podido ir mejor: es directora de cine y ha ganado un Oscar. La vida de David, en cambio, ha sido más normal y ni es famoso ni ha ganado ningún premio. Layla vuelve a la ciudad para recibir un homenaje y los dos pasarán juntos una semana. Durante esos días ya no cantarán y bailarán por la calle, pero se darán cuenta de que los niños que fueron no han desaparecido del todo.

La bestia

Título original: Beast. Dirección: Baltasar Kormákur. País: Estados Unidos. Año: 2022. Duración: 93 minutos. Género: Thriller. Supervivencia. África. Animales. Interpretación: Idris Elba, Sharlto Copley, Iyana Halley, Leah Jeffries, Mel Jarnson, Billy Gallagher, Dorian Hedgewood, Kate Grisley, Travis Lemrick, Robby MacIsaac, Damon Burtley, Hudson Anne-Black. Guion: Ryan Engle. Historia: Jaime Primak Sullivan. Música: Steven Price. Productora: RVK Studios, Universal Pictures, Will Packer Productions. Distribuidora: Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures. Estreno en España: 12 de agosto de 2022. Sinopsis: Tras quedarse viudo, el Dr. Nate Daniels (Idris Elba) decide realizar un viaje a Sudáfrica, país donde conoció a su esposa, para reconectar con sus dos hijas adolescentes, Meredith de 18 años y Norah ( Iyana Halley) de 13 Norah (Leah Jeffries). La familia visita una reserva de caza gestionada por Martin Battles (Sharlto Copley), biólogo experto en fauna salvaje y amigo de la familia. Lo que pretendía ser un viaje de sanación para las heridas de la familia, termina por convertirse en un infierno. Un imponente león solitario, que ve como enemigos a todos los humanos tras escapar de unos violentos cazadores furtivos, comienza a acecharlos. 

Por los pelos

Dirección: Nacho G. Velilla. País: España. Año: 2022. Duración: 106 minutos. Género: Comedia. Interpretación: Carlos Librado, Antonio Pagudo, Tomy Aguilera, Amaia Salamanca, Eva Ugarte, Alba Planas, María Hervás, Leo Harlem, Jesús Vidal, Laura Quirós, Iván Armesto, Mario Ermito, Ángela Arellano, Israel Frías, Pablo Posada Ávalos, Alicia Rodríguez. Guion: Nacho G. Velilla, Oriol Capel, David S. Olivas, Antonio Sánchez. Música: Juanjo Javierre. Fotografía: David Omedes. Productora: Atresmedia Cine, Producciones Aparte, Buendía Estudios, Movistar Plus+, Crea SGR, Felicitas Media, Microinjerto Producciones. Distribuidora: Atresmedia Cine. Estreno en España: 12 de agosto de 2022. Sinopsis: Quedarse calvo sigue siendo un trauma para muchos hombres. Juanjo, Sebas y Rayco son tres ejemplos, entre millones, de cómo la alopecia conlleva también la caída de la autoestima. Rayco es cantante de reggaetón y tiene más entradas que el Corte Inglés. En el paraíso del postureo, su problema capilar puede traducirse en menos seguidores y en menos conciertos. Juanjo es un pusilánime cuarentón que lucía con dignidad el descampado de su cabeza hasta que se casó con Inma, una mujer aficionada a los retoques estéticos y que piensa que estar casada con un calvo la envejece más que unas patas de gallo. Sebas lleva encerrado en "el armario" de los calvos desde que descubrió el peluquín de pelo natural. Una prótesis capilar que tiene que competir con el "pelazo" de la nueva pareja de su exmujer, un adonis al que sus hijas están empezando a llamar "papá". Si bien la alopecia no diferencia ni entiende de estratos sociales, su solución, sí. Y es que, lo que hasta ahora era prohibitivo para muchos, Turquía lo ha hecho accesible para todos con su turismo capilar low cost, convirtiéndose así en el nuevo maná de los calvos. Juanjo, Sebas y Rayco se embarcarán en una aventura en la que descubrirán que su problema no está tanto encima de su cabeza, sino dentro.

Con canas y a lo loco

Título original: Mack & Rita. Dirección: Katie Aselton. País: Estados Unidos. Año: 2022. Duración: 95 minutos. Género: Comedia. Fantástico. Interpretación: Elizabeth Lail, Wendie Malick, Diane Keaton, Aimee Carrero, Dustin Milligan, Simon Rex, Taylour Paige, Lois Smith, Loretta Devine, Patti Harrison, Amy Hill, Nicole Byer, Catherine Carlen, Annie Hamilton, Janice Blue, Mark Kelly, Paige Locke. Guion: Madeline Walter, Paul Welsh. Música: Leo Birenberg. Fotografía: Sean McElwee. Productora: CaliWood Pictures, Hercules Film Fund, Hungry Bull Productions, Page Fifty-Four Pictures, Rhea Films. Distribuidora: DeAPlaneta. Estreno en España: 12 de agosto de 2022. Sinopsis: A sus 30 años, Mackenzie (Elizabeth Lail) está agotada de las responsabilidades y de estar al día como una chica treintañera. Todo lo que desea es cumplir 60 años para poder relajarse, descansar y ponerse algo de ropa cómoda. Tras un suceso extraño en una cabina de rayos UVA, su sueño se cumple y se despierta en el cuerpo de Rita (Diane Keaton), una mujer de 65 años. Con un cuerpo nuevo, Mack se dará cuenta de que la vejez no es como ella había imaginado.

Laal Singh Chaddha

Dirección: Advait Chandan. País: India. Año: 2022. Duración: 159 minutos. Género: Comedia. Drama. Remake. Autismo. Asperger. Interpretación: Aamir Khan, Kareena Kapoor, Naga Chaitanya Akkineni, Mona Singh, Manav Vij, Rofique Khan, Teetu Verma. Guion: Atul Kulkarni. Música: Pritam Chakraborty. Fotografía: Setu. Productora: Aamir Khan Productions, Viacom18 Motion Pictures. Distribuidora: Paramount Pictures. Estreno en España: 12 de agosto de 2022. Sinopsis: Laal Singh Chaddha es un hombre indio que, a pesar de ser autista, entiende muy bien las emociones humanas. A través de su historia particular se irá contando la historia completa de la India, pero desde una perspectiva personal: la de Laal Singh Chaddh. Se trata de un remake de la premiada película Forrest Gump, dirigida por Robert Zemeckis, protagonizada por Tom Hanks y estrenada en 1994. Como le ocurría al personaje de Forrest Gump, Laal Singh Chaddha también llevará aparatos y prótesis en las piernas durante su niñez. Como su versión americana, Laal Singh Chaddha se enrolará en el ejército, se graduará, y aprenderá de la vida mientras su país vive una turbulenta época de cambio, igual que él. Los temas centrales de esta película son el autismo y el asperger, discapacidades que se han llevado al cine y se han adaptado para la gran y pequeña pantalla en multitud de ocasiones.

Caribe, todo incluído

Dirección: Miguel Ángel García de la Calera. País: España. Año: 2020. Duración: 84 minutos. Género: Comedia. Interpretación: Hiba Abouk, Cristina Castaño, Marc Clotet, Alejo Sauras, Terele Pávez, Vicente Santos, Melymel, Gerald Ogando, Isaac Saviñón, Jalsen Santana, Josel Hernández, Ritchie Paul Gutierrez. Guion: Eduardo Matres. Idea: Miguel Ángel García de la Calera. Música: Óscar Araujo. Fotografía: Paco Sánchez Polo. Productora: Coproducción España-Rep. Dominicana-Andorra; Imakonos, Double Helix Films, Imminent Produccions. Estreno en España: 12 de agosto de 2022. Sinopsis: Alicia (Hiba Abouk) es engañada por su novio de toda la vida (Alejo Sauras), y acaba en Punta Cana invitada por su mejor amiga (Cristina Castaño) para olvidarse de su ex. Por otro lado, el socio de su ex-novio (Marc Clotet) acaba también en Punta Cana, buscando una piedra de alto valor robada por su socio. Allí, se encontraran con unos personajes de los más variopintos, desde sabrosos trabajadores del hotel, policías sin escrúpulos, niños mudos, y una viuda buscando satisfacciones carnales.

Muerte de Olivia Newton-John: vuelta al fenómeno “Grease”, a redescubrir en Netflix

A pesar de sus 100 millones de discos vendidos, y de su éxito “Physical”, recordaremos especialmente a la cantante y actriz británico-australiana fallecida el 8 de agosto, por su icónico papel en Grease, en 1978. Vuelta a un fenómeno cinematográfico, disponible en Netflix.
1978 fue el maremoto de “Greasemania”. Los grandes almacenes rebosaban de chaquetas negras de skai y chapas (¡muy grandes!) con la efigie del engominado John Travolta y la deliciosa Olivia Newton-John. Los chavales, de entre 10 y 15 años, con las piernas separadas y el dedo apuntando hacia delante, imitaban en casa los bailes de la película, gritando sus hits y su famoso “¡Whoo! hoo! hoo!" agudo. La pregunta, para estos adolescentes en pantalones cortos, ya no era si habían visto la película sino cuántas veces la habían visto.
Un año antes, Saturday Night Fever, de John Badham, había preparado el terreno al revelar a Travolta. Un actor de físico espléndido que ya era protagonista de una telenovela. Con esta película, se convierte en un ídolo: las colegialas sucumben a su encanto lascivo y aman sus impresionantes números de baile. La película marca el advenimiento de la discoteca, los colores fluorescentes y los cuellos de pala, todos arrancan su banda sonora inventada por fantasmas, los Bee Gees.
Impulsado por este éxito, el productor Robert Stigwood, figura influyente en la industria discográfica y musical (Tommy, Jesucristo Superstar, etc.), decide en compañía de Allan Carr, otra "máquina de dinero" del mundo del espectáculo, repetir el operación. Al lanzar un producto aún más rentable en el proceso: una adaptación cinematográfica de Grease, un espectáculo de Broadway que se ha fortalecido desde 1972...
Un toque retro
Dirigida por Randal Kleiser, Grease ha recaudado más de 340 millones de dólares y su banda sonora ha vendido más de 20 millones de copias. ¿Cómo explicar semejante triunfo? Por mucho que busquemos una razón sociológica (¿juventud en busca de ídolos? ¿el comienzo de la crisis?), finalmente volvemos a la formidable eficacia de una pura operación comercial. Primero está el toque retro de finales de la década de 1950, una época bendecida de imprudencia y rock naciente, una vena popular desde American Graffiti y la serie Happy Days... Segunda ventaja: la música. Una mezcla improbable pero efectiva de rhythm'n'blues, disco y boogie-woogie, a la que no le importa la autenticidad histórica. Y luego está, por supuesto, el sex-appeal de Travolta como clon de Elvis y la cara bonita de Olivia Newton-John, que interpreta a la colegiala modelo, con sus calcetines blancos y su cola de caballo adornada con cintas. No olvides las pequeñas notas lascivas para excitar al adolescente pubescente ("¡sacude al chico" para hablar de onanismo!), y listo.
En su momento, la crítica se cebó en la película a la que acusó de robar ideas a diestra y siniestra, desde Rebelde sin causa hasta West Side Story… “Guion estúpido… Ballets sin invención… Nada que salvar…” Al volver a verla hoy hoy, podemos disfrutar del placer de segundo grado. Más allá de las dos o tres secuencias editadas como videos promocionales, saboreamos la cinta exprés de Travolta, que se balancea como si estuviera constantemente sobre resortes, sin que podamos determinar si se trata de una autoparoda o no. Entre otras secuencias ridículas: el “chaqueta negra” que prueba suerte en el deporte y el número, claramente paródico este, de Stockard Channing (que hace de la mala en la historia) burlándose de las asépticas comedias de la década anterior…
Hoy, Grease se recomienda para aquellos que quieren darse un capricho con un poco de nostalgia. Es probable que otros se sorprendan del colosal éxito de esta película en su época. En retrospectiva, puede verse como el último suspiro de un tipo de espectáculo más o menos moribundo: el musical de Broadway. La secuela, Grease 2, sin Travolta, con una casi novata llamada Michelle Pfeiffer, fue un fracaso. Esto no desanimó a Stigwood, que siguió apostando por el género (Staying Alive, Evita) sin alcanzar nunca el éxito esperado.

Diez películas protagonizadas por Marsella (II)

Vénus et Fleur (2004), de Emmanuel Mouret 

Cuando una reservada joven parisina y una guapa rusa que no se parece en nada a ella se encuentran, al azar, durante sus vagabundeos, un verano... Aquí, Mouret filma una Marsella que respira la libertad de las vacaciones, la frescura de la natación, el aburrimiento del primer amor, como él ya lo había hecho en su primera y anterior película, Laissons Lucie faire! (2000). La puesta en escena de esta fábula sobre el deseo aprovecha hábilmente el azul del mar, la aridez de la vegetación y las escarpadas colinas bañadas por una luz blanca cegadora.
Vénus et Fleur (2004), de Emmanuel Mouret

Chercher le garçon (2012), de Dorothée Sebbagh

En las montañas, en la costa, en las terrazas de los cafés, Émilie deambula en busca del hombre perfecto. Una comedia ligera y sensible, soleada y chispeante, de ínfimo presupuesto y exigua puntuación en taquilla, pero que merece la pena verla por su humor y su frescura, que la joven comunica a la ciudad que la rodea (o ¿podría ser al revés?). Marsella se convierte entonces en una ciudad romántica, agradable, encantadora y propicia al encuentro.
Chercher le garçon (2012), de Dorothée Sebbagh

Shéhérazade (2018), de Jean-Bernard Marlin

El director sabe de lo que habla: la violencia social de Marsella, su dureza, Jean-Bernard Marlin la ha experimentado, al igual que los actores, jóvenes marselleses no profesionales. Interfiere con precisión en la vida cotidiana de los habitantes de los barrios difíciles de la ciudad y entrega una conmovedora e incandescente historia de amor. Una película sobre Marsella, una película sobre su juventud.
Shéhérazade (2018), de Jean-Bernard Marlin

BAC Nord: Brigada de Investigación Criminal (BAC Nord, 2021), de Cédric Jimenez 

Se ha hablado mucho de este thriller , que adopta el punto de vista de un equipo bajo la presión del BAC (Brigade anticriminalité) en los distritos del norte de Marsella. Jiménez escenifica un auténtico western urbano, entre las urbanizaciones de los patrones y el puerto de contenedores, con el mar todavía de fondo. La crítica se divide al respecto, pocas veces la ciudad ha sido filmada con tanto virtuosismo.
Bac Nord: Brigada de investigación criminal (2021), de Cédric Jimenez

Cuestión de sangre (Stillwater,2021), de Tom McCarthy 

La historia de un estadounidense (Matt Damon) que llega a Marsella para liberar a su hija, condenada por asesinato y encarcelada en Les Baumettes, y que recorre la ciudad guiado por una actriz (Camille Cottin). Una investigación fascinante, llevada a cabo en el soleado laberinto de calles del casco antiguo, en los distritos del norte y en las escarpadas rocas del Mediterráneo: un choque de culturas, lejos de los clichés, que lamentablemente no atrajo al público francés. Matt Damon, ¿la estrella de la película? No, Marsella, definitivamente.
Cuestión de sangre (2021), de Tom McCarthy

jueves, 11 de agosto de 2022

Two Lovers: cinco referencias a Hitchcock, inesperadas en una melodrama

Después de tres thrillers, James Gray hizo una película romántica en 2008. Pero, no podemos olvidarlo, el cineasta estadounidense lo rodó como un gran thriller, bajo la sombra de Alfred Hitchcock. La demostración en cinco puntos.
La rubia y la morena
Un hombre duda entre una rubia y una morena: la trama de Two Lovers es muy simple, tan antiguo como el cine. Si el color del cabello, en la historia del séptimo arte, no siempre ha tenido la misma connotación. James Grey se sitúa menos del lado de Murnau (en L'Aurore, la rubia encarna la seguridad y la morena del peligro), que del de Hitchcock. La rubia Michelle (Gwyneth Paltrow) es una escurridiza "vecina" que no envía las mismas promesas que la morena Sandra (Vinessa Shaw), cariñosa y atenta desde el primer beso.
Vértigo en el tejado
Como James Stewart en Vértigo (De entre los muertos), en España, Leonard (Joaquin Phoenix) no ve a Michelle como es, la proyecta como una fantasía. James Gray mostró la obra maestra de Hitchcock a sus actores. Cuando en la azotea del edificio Gwyneth Paltrow mira a cámara, es un homenaje a Kim Novak en dicha película.
El ojo vecino de La ventana indiscreta
Desde la ventana de su dormitorio, Leonard puede ver la de Michelle. A diferencia de La ventana indiscreta, esta vez no hay ningún asesinato que ver, y apenas se habla de voyeurismo: los dos personajes se miran y se comunican. Pero como Jeff (James Stewart) en la obra de Hitchcock, Leonard es un fotógrafo aprisionado en un apartamento. Por encima de todo, Two Lovers es también una película sobre la mirada. Leonard es espiado por su madre, escudriñado por su futuro padrastro, obsesionado por el retrato de la mujer que lo dejó (volvemos a Vértigo…).
Un halo de misterio
Es un lugar común llamar a Hitchcock "el maestro del suspense"; podría llegar a ser así designar a James Gray de esta manera. Es raro que una drama sea tan fascinante. Joaquin Phoenix tiene algo que ver, dándole a su personaje un poco de emocionante misterio. La fotografía tenebrosa de Joaquín Baca-Asay ayuda, encajando a la perfección con los otros thrillers de James Grey (ya se había ocupado el director de fotografía de La noche es nuestra (We Own the Night., 2007). Y luego está la forma en que el cineasta orquesta la bipolaridad de Leonard, delicadamente con la presión que pesa sobre sus hombros. El desarrollo de su futuro suegro, justo antes del compromiso, se parece mucho al de un líder de pandilla (ciertamente más cercano a un mafioso de New Hollywood que a un gángster hitchcockiano).
Un corte revelador
James Gray le gusta el siglo XIX:  siempre hay ópera aquí y allá, adapta un cuento de Dostoievski (Noches  blancas) en Two Lovers, y concluye su película con un préstamo de La education sentimental, de Flaubert. Pero este desenlace está cortado de una forma que a Hitchcock le hubiera gustado, con dos primeros planos de objetos caídos al suelo que cuentan, mejor que cualquier diálogo, lo que pasa por la cabeza del personaje. O cómo adentrarse en el alma de los hombres con una cámara.

Diez películas protagonizadas por Marsella (I)

Desde los antaño paisajes pagnolescooss de Marius (1931) hasta la aglomeración globalizada de Stillwater (2021), mucho más que un escenario, la ciudad de Marsella se erige como protagonista por derecho propio.
¿Películas rodadas en Marsella? Evidentemente, primero pensamos en los coches (las persecuciones de coches en Taxi Express (Taxi, 1998) y la prisión (la de Les Baumettes en Un profeta (Un prophète, 2009)). Pero esto es injustamente descuidar la diversidad de paisajes que ofrece la ciudad de Marsella, desde el Puerto Viejo hasta los barrios del norte, pasando por los arroyos, las islas Frioul y el barrio medieval de Le Panier... He aquí diez películas, de thrillers a la comedia, presentada en orden cronológico, que honran a una Marsella plural, moderna y auténtica, urbana y salvaje, hechizante y violenta, a menudo estimulante y bañada por el sol, a veces inquietante.

La trilogia marsellesa, de Pagnol (1931-1936)

Por supuesto, están Marius (1931), Fanny (1932) y César (1936). Pero sobre todo está Marsella, protagonista de la obra del escritor nacido en Aubagne. No hace falta resumir la historia ya que las tres películas (y, antes que ellas, los tres libros) se han convertido en clásicos. Si la primera, Marius, se rodó principalmente en el estudio, las otras dos obras revelan una Marsella desaparecida: el Café de la Marine de los años 1930, el puente transportador, las tiendas antiguas... A través de estas películas, la ciudad de Marsella se vuelve accesible todos, con sus lugares míticos, su población, su acento sureño. Un verdadero patrimonio.
Fanny (1932), de Marc Allegret

El ejército de las sombras (L’Armée des ombres, 1969), de Jean-Pierre Melville 

Basada en la novela homónima de Joseph Kessel, El ejército de las sombras de Melville es la película esencial para comprender la Resistencia, incluida su crueldad. La historia de Philippe Gerbier (Lino Ventura), al frente de una red de resistencia con base en... Marsella, la rebelde, por supuesto. Sin embargo, vemos relativamente poco de la ciudad: París y Lyon tienen un papel más importante, es cierto. Pero una cosa es también verdad: después de la película de Melville, ya no podemos mirar al palacio de justicia de Marsella de la misma manera.
El ejército de las sombras (1969), de Jean-Pierre Melville

The French Connection. Contra el imperio de la droga (The French Connection, 1971), de William Friedkin

Marsella, centro del narcotráfico. Violencia, drogas y persecuciones de coches: The French Connection es uno de esos thrillers imprescindibles y espectaculares (todavía hoy), que ganó nada menos que cinco premios Oscar (incluidos los de mejor película, mejor actor y mejor director). Entre Le Panier, el Vallon des Auffes, el Puerto Viejo y el Castillo de If, ​​la película muestra una ciudad criminal, siniestra... y nos deja en la mente una Marsella convulsa.
The French Connection. Contra el imperio de la droga (1971), de William Friedkin

Un, deux, trois, soleil (1993), de Bertrand Blier

Anouk Grinberg, Marcello Mastroianni, Myriam Boyer, Jean-Pierre Marielle y Claude Brasseur en una historia de familia, amor y aprendizaje en una ciudad. Blier pinta un impactante retrato de los suburbios de Marsella, en toda su dureza, sin ideas preconcebidas. La luz dura y aplastante, el sofocante calor del sur, los largos bloques de apartamentos blancos que se elevan desde al pie de las montañas rocosas e incluso el sonido de los grillos contribuyen a la atmósfera sofocante de la película. Uno, dos, tres... Marsella, sin folklore.
Un, deux, trois, soleil (1993), de Bertrand Blier

Marius y Jeannette (Un amor en Marsella) (Marius et Jeannette, 1997), de Robert Guédiguian

La historia de un encuentro entre dos seres maltrados, pero que poco a poco encontrarán la felicidad. Una crónica realista, anclada en el barrio de L'Estaque, antiguo pueblo de pescadores y artesanos, como suele ocurrir en las películas de Guédiguian –podríamos haber incluido Las nieves del Kilimanjaro (Les neiges du Kilimanjaro, 2011) o La casa junto al mar (La villa, 2017). En 1997, sin embargo, eran principalmente trabajadores los que habitaban el distrito: Marius vivía en una fábrica de cemento en ruinas. La historia de un encuentro, sí; la historia de Marsella, también.
Marius y Jeannette (Un amor en Marsella) (1997), de Robert Guédiguian