Efemérides de cine: Acosadas por el pánico

El 18 de septiembre de 1971 se estrenó la película británica Acosadas por el pánico (Fright), dirigida por Peter Collinson e interpretada por Susan George, Honor Blackman, Ian Bannen, John Gregson, George Cole,Dennis Waterman. Productora: Fantale Films. Duración: 87 minutos. 

Sinopsis argumental: Una mujer contrata a una joven como babysitter para que cuide de su pequeño hijo. Pero las cosas se distorsionan por completo cuando la chica se ve acosada por el marido, que se ha fugado de un asilo para enfermos mentales y está en busca de su esposa e hijo. 

Comentario: Película de terror británica, en una de las primeras películas en las que se define al personaje del psicópata asesino. Es a finales de los años 1960 y principios de los años 1970 cuando éste comienza a cobrar protagonismo y a provocar que la acción de la película gire a su alrededor. Por la misma época se rodaron El estrangulador de Rillington Place (1971) de Richard Fleischer o  Frenesí (1972) de Alfred Hitchcock. Tres años más tarde, el director de Acosadas por el pánico, Peter Collinson, rodaría su película más famosa, Diez negritos (1974). Para rodar la primera de ellas, Collinson contó con un reparto consistente, compuesto por Honor Blackman, antigua chica Bond en Goldfinge" (1964), Susan George y un Ian Bannen que aparecería años más tarde en películas como Gandhi (1982) o Gorki Park (1983).

Diane Rouxel en “La terre des hommes”, la afirmación de una actriz

A sus 28 años, la actriz despliega una corta filmografía pero sin fallos, marcada por el cine de autor. En la segunda película de Naël Marandin, es impresionante su interpretación de una joven campesina decidida a imponerse en un entorno masculino.

Diane Rouxel en La terre des hommes (2020). "Me encantó que mi personaje no tuviera mucho de qué hablar, pero que todo se reflejaba en la apariencia."

En La terre des hommes, de Naël Marandin, Diane Rouxel impresiona con su juego interiorizado. En su rostro, las oleadas de emociones opuestas de Constance, una joven campesina que avanza en suelo masculino hostil y es agredida sexualmente, se enrojecen y reprimen durante una impresionante secuencia de ocho minutos en la que, casi en silencio, la joven actriz traduce, a su vez, incredulidad, asombro, miedo y vergüenza. Pero Constance, ciertamente una víctima, nunca admitirá la derrota, con su perfil orgulloso elevado hacia el futuro. “Es pequeña, parece frágil y no puedes imaginar su determinación. "Como la actriz de 28 años, que tranquila pero segura se impone en el panorama del cine francés como una de las intérpretes más interesantes, por su impenetrable encanto, pero también por su rechazo a lo fácil.

La terre des hommes (2021)

La lista de cineastas con los que Diane Rouxel ha filmado es explícita. Comienza frente a la cámara de Larry Clark con The Smell of Us, (2014) después de un casting duro y una filmación muy libre, luego continúa con La boca (The Mouth, 2015), de Thomas Aufort interpretando el papel de una experta en "beatbox". Le sigue el papel de una ciega en Fou d'amour (20159, de Philippe Ramos, antes de atraer toda la atención en La cabeza alta (La tête haute, 2015), de Emmanuelle Bercot, como novia de Rod Paradot: “Era la primera vez que me elegían después de tres intentos, entre muchas otras actrices jóvenes. Me tranquilizó: no estaba haciendo películas por casualidad. Le seguiría un papel secundario en Moka (2016), de Frédéric Mermoud. A continuación participaría en el primer largometraje  de Bertrand Mandico, The Wild Boys (Les garçons sauvages, 2017), dando vida a Hubert, pelo corto, pantalones y tirantes, brilla, inquietante vendedor de periódicos en blanco y negro: “Interpretar a una persona del sexo opuesto fue fascinante. Cambia tu voz, ponte el disfraz, comprime tus pechos, transfórmate”. Al año siguiente, en el primer largometraje de Tatiana Margaux Bonhomme en Head Above Water (Marche ou crève, 2018). Ese mismo año interpreta a una joven en búsqueda de sí misma en Volontaire (2018), de Hélène Fillières. Una joven atemporal, en la magnífica Mes provinciales (2018), de Jean-Paul Civeyrac. 

"Lluvia negra" y otras cinco apasionadas películas japonesas

La transmisión en las plataformas de Lluvia negra, de Shohei Imamura, es una oportunidad para explorar hasta qué punto el cine japonés puede causar escándalo. En la tierra de la cortesía excesiva y la desviación extrema, un puñado de cineastas que se apresuran a argumentar han podido aprovechar estos clichés al producir películas ultra provocativas.

1.- El imperio de los sentidos (Ai no korîda, 1978), de Nagisa Oshima

La película narra, de manera sexualmente explícita, un hecho real ocurrido en la década de 1930 en Japón. La película generó una gran controversia internacional en su estreno. En España también generó críticas durante sus pases en festivales cinematográficos o en televisión.​ Aunque la intención de Ōshima fue darle una distribución comercial muy amplia la inclusión de escenas de sexo explícito entre los actores principales (Tatsuya Fuji y Eiko Matsuda) causaron su censura que, al menos en Japón, sigue vigente dado que la película se exhibe con escenas cortadas.

2.- El imperio de la pasión (Ai-No borei, 1978), de Nagisa Oshima

Basada en un hecho real, que inspiró la historia escrita por Itoko Nakamura y el realizador japonés, fue una coproducción entre Oshima Productions y Argos Films. Estrenada en el Festival de Cannes de 1978 Ōshima obtuvo con esta cinta el premio al mejor director6​ entre otros galardones y nominaciones.​ También fue escogida por la Academia del Cine de Japón para representar a su país en los Premios Óscar pero no fue seleccionada.

3.- Lovers Lost AKA Dotonbori River (Dôtonborigawa, 1982), de  Kinji Fukasaku

El título se refiere al área de Dōtonbori, en Osaka, Japón.  Una historia de amor entre una mujer de 29 años, que alguna vez fue prostituta pero ahora es amante de un rico comerciante de joyas, y una estudiante universitaria de 19 años.

4.- House on Fire (Kataku no hito, 1986), de Kinji Fukasaku

Adaptada a partir de la historia autobiográfica de Kazuo Dan que fue publicada pocos meses antes de su muerte, House on Fire narra la historia de un popular escritor que comparte su complicada vida con su familia, sus varias amantes y su trabajo. Fue elegida Mejor Película en la ceremonia de los premios de la Academia de Japón

5.- Lluvia negra (Kuroi ame,1989), de Shôhei Imamura

Al final del Festival de Cine de Cannes de 1989, la única indignación que provocó esta adaptación pacífica de la novela de Masuji Ibuse fue su ausencia en la lista de premios. Sin embargo, recordó lo que convirtió a Shohei Imamura en un asiduo de las polémicas en su país (tras el escándalo provocado por Cerdos y acorazados (Buta to gunkan) en 1961, el estudio con el que estaba contratado le prohibió rodar durante dos años). En Lluvia negra, Imamura se apega a una heroína a la que se le niega toda vida sexual, porque fue irradiada por la bomba atómica de Hiroshima. Una forma de que el cineasta vuelva a centrar su interés en las personas de bajos ingresos, víctimas de la política militarista de Japón, y evoque un mundo de frustraciones y confinamiento, al margen de la historia oficial.

6.- Gohatto, también conocida como Taboo (1999), de Nagisa Oshima

Es un relato de la vida del samurái en una escuela de entrenamiento durante el período Bakumatsu, finalizando la era del samurái a mediados del siglo XIX. Específicamente, se centra en la homosexualidad dentro de la tradición shudō en un ambiente parcialmente cerrado.​ La película mantiene numerosos nombres originales de la historia de Japón concernientes a ese período, así como también de los miembros del Shinsengumi. El guion de la película, escrito por Ōshima, está basado en las novelas cortas Maegamino Sozaburo y Sanjogawara Ranjin de la novela Shinsengumi Keppūroku de Ryōtarō Shiba.

Películas de la semana: 17 de septiembre

Dune

Dirección: Denis Villeneuve. País: Estados Unidos. Año: 2021. Duración: 155 minutos. Género: Ciencia-ficción. Aventuras. Drama. Intriga. Fantástico. Aventura espacial. Interpretación: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Zendaya, Stellan Skarsgård, Javier Bardem, Jason Momoa, Charlotte Rampling, Dave Bautista, Sharon Duncan-Brewster, Chang Chen, David Dastmalchian, Stephen Henderson, Babs Olusanmokun, Gloria Obianyo, Oliver Ryan, Charlie Rawes, Stephen Collins, Richard Carter. Guion: Eric Roth, Denis Villeneuve, Jon Spaihts. Novelas: Frank Herbert. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Greig Fraser. Productora: Legendary Pictures, Villeneuve Films, Warner Bros. Distribuidora: Warner Bros. Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Sinopsis: Arrakis, el planeta del desierto, feudo de la familia Harkonnen desde hace generaciones, queda en manos de la Casa de los Atreides después de que el emperador ceda a la casa la explotación de las reservas de especia, una de las materias primas más valiosas de la galaxia y también una droga capaz de amplificar la conciencia y extender la vida. El duque Leto (Oscar Isaac), la dama Jessica (Rebecca Ferguson) y su hijo Paul Atreides (Timothée Chalamet) llegan a Dune con la esperanza de recuperar el renombre de su casa, pero pronto se verán envueltos en una trama de traiciones y engaños que los llevarán a cuestionar su confianza entre sus más allegados y a valorar a los lugareños de Dune, los Fremen, una estirpe de habitantes del desierto con una estrecha relación con la especia.

El club del paro

Dirección: David Marqués. País: España. Año: 2021. Duración: 83 minutos. Género: Comedia. Trabajo. Empleo. Interpretación: Carlos Areces, Fernando Tejero, Adriá Collado, Eric Francés, Antonio Resines, Javier Botet, María Isasi, Carmen Ruiz, Veki Velilla, Susana Merino. Guion: David Marqués. Música: Juanma Redondo. Tema: Muchachito Bombo Infierno. Fotografía: Guillem Oliver. Productora: Sunrise Pictures Company, Vertice 360, Telespan 2000. Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Sinopsis: Cada mañana, sea el día que sea, Fernando (Carlos Areces), el Negro (Eric Francés), Jesús (Fernando Tejero) y Benavente (Adriá Collado), cuatro amigos se reúnen en un bar a tomar unas cañas y arreglar el mundo a su manera: criticando y despotricando contra todo y contra todos. Tienen algo en común, están en paro, bueno… todos, menos uno. Comedia, escrita y dirigida por David Marqués (guionista de Campeones y Descarrilados). Estamos ante una ácida crítica social. Sexto largometraje de su director David Marqués. Tal vez lo mejor de El club del paro es su capacidad para abordar desde el prisma del humor un tema tan complejo como es estar sin empleo.

Sevillanas de Brooklyn

Dirección: Vicente Villanueva. País: España. Año: 2021. Duración: 97 minutos. Género: Comedia. Interpretación: Carolina Yuste, Sergio Momo, Estefanía de los Santos, Manolo Solo, Canco Rodríguez, María Alfonsa Rosso, Adelfa Calvo, Andrea Haro, Asier Gago, José Ramón Rodriguez, Neizan Fernandez, Clare Durant. Guion: Juan Apolo, Nacho La Casa. Música: Riki Rivera. Fotografía: Luis Ángel Pérez. Productora: Capitán Araña, Pecado Films, 700 Pavos, TVE, Canal Sur Televisión, Movistar+, Crea SGR. Distribuidora: Filmax. Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Sinopsis: Ana (Carolina Yuste) es una joven de Sevilla que está harta de su familia y del problemático barrio en el que vive. Las cosas van a empeorar cuando su madre, en un intento desesperado por no ser desalojada, se le ocurre un plan astuto: engañar a una agencia que se especializa en encontrar alojamiento para estudiantes extranjeros de intercambio, para que la deje ser la madre anfitriona de Ariel Brooklyn (Sergio Momo), un estudiante afroamericano de familia adinerada. El problema es que, en lugar del alojamiento de lujo que le prometieron, Ariel se encuentra en un pequeño apartamento de clase trabajadora. A pesar de sus diferencias obvias y las situaciones absurdas en las que se encuentran como resultado de la estafa, Ana y Ariel se ven obligadas a vivir bajo el mismo techo.

Las consecuencias

Dirección: Claudia Pinto Emperador. País: España. Año: 2021. Duración: 96 minutos. Género: Drama. Thriller. Intriga. Interpretación: Juana Acosta, Alfredo Castro, María Romanillos, Carme Elías, Sonia Almarcha, Christian Checa, Héctor Alterio, Enrique Gimeno. Guion: Claudia Pinto Emperador, Eduardo Sánchez Rugeles. Música: Vincent Barriere. Fotografía: Gabriel Guerra. Productora: Coproducción España-Países Bajos (Holanda)-Bélgica; Sin Rodeos Films C.A, N279 Entertainment, Potemkino, TVE. Premios y nominaciones: Festival de Málaga: Mejor actriz de reparto (Romanillos), Premio de la Crítica. Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Sinopsis: En un viaje a una pequeña isla volcánica Fabiola se convierte en espía de su hogar. No tiene evidencias ni certezas, pero su intuición le dice que no todo es lo que parece. Se debate entre el miedo a lo que puede encontrar y la necesidad de obtener respuestas. ¿Hasta dónde hurgar en la intimidad de los demás? ¿Hasta dónde mentir para proteger a la gente que quieres? Formidable segundo largometraje de la venezolanaClaudia Pinto Emperador. 

Lazos

Título original: Lacci. Dirección: Daniele Luchetti. País: Italia. Año: 2020. Duración: 100 minutos. Género: Drama. Familia. Años 1980. Años 1990. Interpretación: Alba Rohrwacher, Luigi Lo Cascio, Silvio Orlando, Laura Morante, Giovanna Mezzogiorno, Francesca de Sapio, Adriano Giannini, Linda Caridi. Guion: Domenico Starnone, Daniele Luchetti, Francesco Piccolo. Novela: Domenico Starnone. Fotografía: Ivan Casalgrandi. Productora: IBC Movie, RAI Cinema, Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo. Distribuidora: MK2 Films. Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Sinopsis: Nápoles, principios de los años 1980. Aldo y Vanda están a punto de separarse después de que él confiese que tiene una aventura. Sus dos hijos pequeños se debaten entre sus padres sumidos en un torbellino de resentimiento. Pero los lazos que unen a las personas no desaparecen, ni siquiera cuando ya no hay amor. Lazos, la nueva y conmovedora película del director italiano Daniele Luchetti tras el éxito de Mi hermano es hijo único, y encargada de inaugurar la última edición del Festival de Cine de Venecia,

Billy

Dirección: Max Lemcke. País: España. Año: 2020. Duración: 70 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental. Guion: Max Lemcke. Música: Pierre Omer. Fotografía: Javier Palacios. Productora: Brutos Films, Ctxt (Contexto y Acción). Distribuidora: Begin Again Films. Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Sinopsis: Billy nos lleva a la España de finales de los 1960 para retratar a uno de los brazos armados del franquismo: «Billy, el Niño». Antonio González Pacheco, inspector de policía de la Brigada Político Social, falleció sin haber sido juzgado pese a las demandas de algunas de sus víctimas. Con esta película se pretende plantear un viaje al pasado a través de una veintena de testimonios de víctimas y supervivientes que por aquel entonces eran en su mayoría activistas universitarios: Chano Galante, Roser Rius, Lidia Falcón, Josefa Rodríguez «Asturias» o Francisco Rodríguez Veloso, son algunos de ellos. El documental se estrena tras su paso por la Sección Historias Extraordinarias en el Festival de Cine Europeo de Sevilla el pasado noviembre. El documental nace a partir de un titular en prensa: “El 30 de abril de 2014, la Audiencia Nacional rechaza la extradición a Argentina de Antonio González Pacheco, alias “Billy el Niño”, argumentando que los delitos de sus torturas durante la dictadura habían prescrito”. A partir de esta noticia, los promotores de la película han querido plantear un viaje al pasado a partir de una veintena de testimonios de las víctimas y supervivientes de Billy.

Calamity

Título original: Calamity, une enfance de Martha Jane Cannary.  Dirección: Rémi Chayé. País: Francia. Año: 2020. Duración: 82 minutos. Género: Animación. Western. Siglo XIX. Reparto: Animación. Guion: Sandra Tosello, Fabrice de Costil, Rémi Chayé. Música: Camillelvis Théry. Fotografía: Animación. Productora: Maybe Movies, Sacrebleu Productions. Premios y nominaciones: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor film de animación; Premios Annie: Nominada a mejor película independiente, dirección y montaje; Festival de Annecy: Mejor largometraje; Premios César: Nominado a mejor film de animación. Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Sinopsis: En 1863, Martha Janes debe aprender cómo manejar a los caballos de un carruaje para poder así participar en un convoy que transita por el oeste de los Estados Unidos. Un día decide ponerse pantalones y cortarse el pelo, generando así una enorme polémica que sacará a relucir su verdadero carácter ante las innumerables dificultades que se se presentan en un mundo tan grande como salvaje y en el que todo es posible. 

Ninja a cuadros 2: Misión Tailandia

Título original: Ternet Ninja 2. Dirección: Thorbjørn Christoffersen, Anders Matthesen. País: Dinamarca. Año: 2021. Duración: 86 minutos. Género: Animación. Comedia. Secuela. Ninjas. Reparto: Animación. Guion: Anders Matthesen. Fotografía: Animación. Productora: LevelK, A. Film, Danish Film Institute, Nordisk Film Distribution, Nordisk Film, Pop Up Production, Sudoku ApS. Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Sinopsis: Mientras Eppermint logra evadir una sentencia de prisión en Tailandia, Taiko y Alex se unen nuevamente, junto con toda su familia, para detener a Eppermint en Tailandia. La amistad de Alex y Taiko se verá sometida a una intensa presión, mientras se ven envueltos en una peligrosa misión. Ninja A Cuadros 2: Misión Tailandia es la adaptación cinematográfica del libro infantil superventas de Matthesen Checkered Ninja 2 y secuela de Ninja a cuadros (2018)

Reestrenos de la semana: 17 de septiembre

La vida por delante

Dirección: Fernando Fernán Gómez. País: España. Año: 1958. Duración: 90 minutos. Género: Comedia. Blanco y negro. Interpretación: Analía Gadé, Fernando Fernán Gómez, Rafaela Aparicio, José Isbert, Félix de Pomés, Manuel Alexandre, Rafael Bardem, José María Tasso, Xan das Bolas, Julio Sanjuán, Manuel de Juan, María Luisa Ponte, Gracita Morales, Carola Fernán Gómez, Matilde Muñoz Sampedro, Francisco Bernal, Erasmo Pascual, Carlos Díaz de Mendoza, Carmen López Lagar, Alfredo Muñiz. Guion: Fernando Fernán Gómez, Manuel Pilares. Música: Rafael de Andrés. Fotografía: Ricardo Torres. Productora: Estela Films. Reestreno en España: 17 de septiembre de 2021. Sinopsis: Terminados sus estudios de derecho y medicina respectivamente, Antonio (Fernando Fernán-Gómez) y Josefina (Analí­a Gadé), una pareja de recién casados, buscan trabajo para poder comprarse un piso y comenzar una vida juntos, pero tropiezan con enormes dificultades. El éxito comercial de la película propició que se rodara La vida alrededor en 1959, también dirigida por Fernando Ferrnán-Gómez. Es una película llena de humor, en la que Fernando Fernán Gómez comienza a usar el flashback como recurso narrativo,5​ así como el multiperspectivismo, pues rueda una misma escena desde tres puntos de vista diferentes.

Los Palomos

Dirección: Fernando Fernán Gómez. País: España Año: 1964. Duración: 89 minutos. Género: Comedia. Blanco y negro. Interpretación: José Luis López Vázquez, Gracita Morales, Mabel Karr, Fernando Rey, Julia Caba Alba, Manuel Alexandre, Antonio Almorós, Xan das Bolas. Guion: Fernando Fernán Gómez, José María Rodríguez Méndez. Historia: Alfonso Paso. Música: Daniel White. Fotografía: Emilio Foriscot. Productora: Estela Films. Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Sinopsis: Emilio y Virtudes Palomo son invitados por don Alberto, el jefe de Emilio, a una cena en su chalet. Don Alberto, que confunde la sencillez con la estupidez, tiene la intención de presentar al matrimonio Palomo como sospechoso de un crimen que él ha cometido. La película se realizó con el fin de rentabilizar el éxito teatral de la obra de Alfonso Paso, que llegó a las 250 representaciones en el Teatro de la Comedia de Madrid. La película tuvo buena acogida de público, lo que motivó que se le encargara a Fernán Gómez otra adaptación teatral, la de Ninette y un señor de Murcia.

Hace 100 años: As de corazones

El 17 de septiembre de 1921 se estrenó la película estadounidense As de corazones (The Ace of Hearts), dirigida por Wallace Worsley e interpretada por Lon Chaney, Leatrice Joy, John Bowers, Hardee Kirkland, Raymond Hatton, Edwin Wallock. Productora: Goldwyn Pictures Corporation. Duración: 75 minutos. 

Sinopsis argumental: La acción da inicio en una lúgubre habitación donde se hallan reunidos los miembros de una sociedad secreta, todos menos uno de sus miembros, la única fémina, de nombre Lilith. Ella no ha acudido, pero ha dejado dicho que está de acuerdo con la decisión que se tome sobre que hacer con el poderoso hombre al cual tildan como "el que ha vivido demasiado". El líder se pronuncia diciendo que ha sido su hombre de confianza durante tres meses y que su muerte libraría al mundo de una gran amenaza, debida a su gran codicia. Todos votan de manera unánime darle muerte. Aplazan la reunión hasta las nueve y quedan en reunirse de nuevo a las diez para decidir quien es la mano ejecutora.

Comentario: Basada en la novela pulp The Purple Mask de Gouverneur Morris. La película está divida en 10 capítulos. La película se rodó originalmente con un final diferente en el que se muestra a Forrest, Lilith y su bebé viviendo en las montañas, creyendo que han escapado de la muerte con la ayuda de Farallone.

"Dune" de Denis Villeneuve, una ópera espacial condimentada a la perfección

Combinando ciencia ficción con un gran espectáculo y un refinado relato filosófico, el cineasta de Quebec firma una adaptación personal y convincente de la novela mundial de Frank Herbert. La premiere tuvo lugar en el Festival de Cine de Venecia el paso 3 de septiembre de 2021. En España se estrenará el 17 de septiemebre de 2021. 

El héroe Paul Atréides (Timothée Chalamet) con su madre, Jessica (Rebecca Ferguson).

Denis Villeneuve había demostrado con Blade Runner 2049 que podía actualizar un monumento de la ciencia-ficción sin traicionarlo. Pero la lucha contra la duna era una mucho más ambiciosa -y temeraria- apuesta. David Lynch, que había intentado la aventura a principios de los años 1980, puede dar fe de ello: la saga de Frank Herbert, por su exceso de exotismo, su complejidad narrativa que mezcla la ópera espacial, el aprendizaje de la novela, la épica mística y el pensamiento político, puede convertirse en una pesadilla logística y creativa.

El éxito del cineasta quebequense está a la altura del desafío y la expectativa que suscitó: su adaptación logra conciliar los imperativos del éxito de taquilla y la visión del autor, gran espectáculo e introspección, puesta en escena eficaz y esplendor visual. Haber logrado hacer que el mundo de Dune sea inteligible para los legos ya es una pequeña hazaña. Con un uso limitado de diálogos y voces en off (una actuación en torno a la logorrea de los personajes de la novela), los primeros quince minutos logran esclarecer el contexto de la trama y lo que está en juego.

Películas para niños: Pingu, la estrella del témpano de hielo, llega a la gran pantalla

Muy popular entre los espectadores en los años 1990-2000, el pingüino realizado con plastilina escolar está ahora en los cines. “Pingu” recopila ocho episodios de la famosa serie animada suizo-británica. A partir de los 3 años.

Entre 1990 y 2006, el joven pingüino y su familia en el hielo marino antártico deleitaron las caras infantiles. Si los ocho episodios de esta recopilación siguen siendo desiguales, nos permiten apreciar lo que hizo el éxito de la serie creada por Otmar Gutmann: diálogos cercanos al galimatías, ritmo de dibujos animados y animación de plastilina.
La historia en dos palabras: En el transcurso de sus aventuras, Pingu multiplica las actividades artísticas (cerámica, pintura, música), las pruebas deportivas (La escuela de trineos, el repartidor de periódicos) o las bromas (la voz misteriosa, el peluquero). Sin olvidar la concienciación sobre la ecología (papel de embalaje).
El argumento para que les guste: Las incomprensibles réplicas de Pingu, remarcadas por su famoso “¡Nut! ¡Nut! " -su pico se convierte en un claxón- permitiéndole liberarse de los diálogos. Y de apreciar el vigor del entretenimiento, nos fijamos especialmente en La escuela de trineos, donde el pingüino y sus amigos atraviesan el pueblo a toda velocidad.

Desde "Al final de la escapada a "Tal vez...", Belmondo en diez personajes (II)

(cont.)

6.- Louis Mahé en La sirena del Mississipi (La Sirène du Mississipi, 1969), de François Truffaut

Una gran película que no gustó mucho, un thriller disfrazado de venenosa y fatal historia de amor. Donde Belmondo compone un héroe stendhaliano, frágil, víctima consentida en la extraña pareja que forma con Catherine Deneuve, más hitchcockiana que nunca. -Tu belleza es un dolor-, le dice. - Ayer dijiste que era una alegría- contesta ella; -Es una alegría y un dolor- afirma de nuevo él. Truffaut reutilizaría este intercambio once años después en El último metro (Le dernier métro, 1980). 

7.- Serge Alexandre Stavisky en Stavisky (1974), de Alain Resnais

Un fracaso comercial que, lamentablemente, marcó la ruptura definitiva entre Belmondo y el llamado cine de "autor". Un año después, hizo Pánico en la ciudad (Peur sur la ville, 1975), de Henri Verneuil, es decir, una película en las antípodas. Stavisky reconstruye un escandaloso asunto del gran fraude de la Tercera República, en el que a Resnais le preocupa menos diseccionar los hechos que crear una atmósfera de especulación y extraña decadencia. Donde Belmondo es como un pez en el agua, brillante, coqueto, casual, pero también peligroso, para los demás y para él mismo.

8.- Alexandre Dupré en El rey del timo (Le guignolo, 1980), de Georges Lautner

Podríamos haber elegido entre Cómo destruir al más famoso agente secreto del mundo (Le magnifique, 1973), Philippe de Broca; El profesional (Le professionnel, 1981), de Georges Lautner o El marginal (Le marginal, 1983), de Jacques Deray, todas se parecen un poco. Era la época en la que toda Francia todavía iba en masa al cine para ver "el último Belmondo". Convertido en Bébel, es decir, más bien en una caricatura de sí mismo, era entonces el rey de la taquilla pero también del truco, el actor más popular y rentable sin duda alguna que había creado el cine francés. De la película guardamos el vago recuerdo de una aventura vodevilesca, que pasa por Venecia. Curiosamente, fue el cartel lo que quedó: él con sombrero de copa y calzoncillos rojos de lunares.

9.- Sam Lion en El imperio de un león (Itinéraire d’un enfant gâté, 1988), de Claude Lelouch

Una secuencia antológica. En la que Belmondo, como un viejo león que ha visto a otros, un ex artista de circo convertido en empresario, da una conferencia a un joven novicio (Richard Anconina), enseñándole a decir "hola". Manera de decir que todavía puede ser un jefe.

10.- Ako en Tal vez... (Peut-être, 1999), de Cédric Klapisch

Una película de ciencia ficción bastante original, donde París está enlodada. Y donde Belmondo, un patriarca de larga melena plateada, interpreta al hijo mayor de Romain Duris, en un viaje futurista. La película es un homenaje bastante tierno a Belmondo y sobre todo brinda la oportunidad de un agradable encuentro con el joven actor francés, flexible, fino, alegre, uno de los pocos que claramente puede ser visto como su heredero.

Efemérides de cine: Sol rojo

El 15 de septiembre de 1971 se estrenó la película francesa Sol rojo (Soleil rouge AKA Red Sun AKA Sole rosso), dirigida por Terence Young e interpretada por Charles Bronson, Toshirô Mifune, Ursula Andress, Alain Delon, Capucine, Anthony Dawson, Guido Lollobrigida, Barta Barri, Mónica Randall, Gianni Medici, Georges Lycan, Luc Merenda, Tetsu Nakamura, José Nieto, Julio Peña, Hiroshi Tanaka, John B. Vermont. Productora: Coproducción Francia-Italia-España; Les Films Corona, Oceania Produzioni Internazionali Cinematografiche, Producciones Balcázar S.A. Duración: 109 minutos.

Sinopsis argumental: Un embajador japonés, acompañado de dos samuráis, se dirige a Washington en el Transcontinental Express para entregar al Presidente de los Estados Unidos un valioso obsequio del Emperador: una rica espada de samurái. En el mismo tren van Link "el Zurdo" y su banda de forajidos con la intención de asaltar el vagón correo, que tranporta un valioso cargamento. 

Comentario: Una superproducción faraónica coproducida entre Francia, Italia y España. Lejos de ser el típico espagueti wéstern, Sol rojo reunía un brillante elenco de estrellas internacionales de alto nivel. Los mitómanos apreciarán el detalle de ver a Charles Bronson, uno de Los siete Magníficos, y Toshirô Mifune, uno de Los Siete Samurais, juntos por primera (y única) vez en pantalla. Completan el reparto la exchica Bond suiza Ursula Andress y el galán francés Alain Delon, esta vez en el papel de villano. Rodada, como era habitual en los wésterns europeos del momento, en la localidad de Tabernas (Almería), la película fue un enorme éxito comercial, con más de un millón y medio de espectadores en las salas españolas.

Hace 100 años: El pequeño Lord Fauntleroy

El 15 de septiembre de 1921 se estrenó la película estadounidense El pequeño Lord Fauntleroy (Little Lord Fauntleroy), dirigida por Alfred E. Green, Jack Pickford e interpretada por Mary Pickford, Claude Gillingwater, Joseph J. Dowling, James A. Marcus, Kate Price, Fred Malatesta, Rose Dione, Arthur Thalasso, Colin Kenny, Emmett King, Madame De Bodamere, Jackie Condon, Gordon Griffith, Francis Marion, Milton Berle, Joan Marsh, Howard Ralston, Joe Roberts, Mavis Villiers. Productora: Mary Pickford. Duración: 112 minutos. 

Sinopsis argumental: El joven Cedric Errol vive con su madre viuda en la ciudad de Nueva York. El difunto padre de Cedric era hijo del conde de Dorincourt, pero el conde se había opuesto firmemente a la boda de su hijo, y por lo tanto se ha distanciado de Cedric y su madre. Pero cuando el único hijo superviviente del conde muere en un accidente de equitación, Cedric se convierte en Lord Fauntleroy, heredero del conde. Cedric y su madre viajan a Inglaterra, donde tienen que superar los duros sentimientos del conde sobre el pasado, así como algunos obstáculos inesperados. 

Comentario: Adaptación de la célebre novela de Frances Hodgson Burnett, en la que Mary Pickford realizó el esfuerzo interpretativo de encarnar al niño protagonista y a su madre, siendo la primera vez que interpretaba un personaje adulto en su carrera. La también esforzada realización, especialmente de las secuencias en que coincidían ambos personajes, tuvo unos resultados aceptables 

Desde "Al final de la escapada" a “Tal vez...”, Belmondo en diez personajes (I)

“Bébel” acaba de morir de mourir, el pasado lunes, 6 de septiembre de 2021, a los 88 años de edad, en París. En un momento en el que las cadenas televisivas están reorganizando su programación para rendirle homenaje, echamos un vistazo a diez grandes películas de su rica carrera.

1.- Michel Poiccard en Al final de la escapada (À bout de souffle, 1960), de Jean-Luc Godard 

Es el manifiesto de la Nouvelle Vague y la película que reveló a Belmondo al mundo entero. Su nombre es Michel Poiccard. Es un joven anarquista y elegante, con sombrero o gorra, pantalón negro y gafas de sol. Roba un coche, mata a un motociclista, busca en París a un tipo que le debe dinero y, sobre todo, conoce a una joven y bella estadounidense (Jean Seberg). Una pasta revolucionaria que sacude por completo la sintaxis del cine, la película impone para siempre el sello supremo del exalumno del Conservatorio: la relajación.

2.- Silien en El confidente (Le doulos, 1962), de Jean-Pierre Melville

El impermeable abrochado, el sombrero, es Silien. Es el sospechoso de ser un informador, es decir, en la jerga del hampa, un chivato. ¿Tan leal o no, el Silien? Ese es el objetivo de esta gran película fetichista de cine negro, donde policías y delincuentes se reflejan entre sí, donde todo es doble. En su rica carrera, Belmondo desafortunadamente ha jugado más a menudo a policías inequívocos que este tipo de personaje ambiguo.

3.- Adrien Dufourquet en El hombre de Río (L’Homme de Rio, 1964), de Philippe de Broca

Un torbellino, juvenil, divertido, seductor, Belmondo aporta un brío y un tono excepcionales a esta joya de película de aventuras. El viaje nos lleva desde París a la selva amazónica a través de Río y la Brasilia modernista. Con Françoise Dorléac, el actor forma una pareja de ensueño. Modelo de entretenimiento vivo e inteligente, la película fue un gran éxito. Si Tintín hubiera tenido libido, Belmondo habría sido el mejor candidato para interpretarlo.

4.- Ferdinand Griffon, llamado Pierrot, en Pierrot el loco (Pierrot le fou, 1965), de Jean-Luc Godard 

En una isla, se pinta la cara de azul Yves Klein y hace estallar la caja con dinamita. Ésta es la imagen final, de burlona desesperación -el descuidado lamenta su gesto in extremis pero demasiado tarde- de una película tan legendaria, sin duda la más bella de Godard con El desprecio (Le Mépris, 1963). Donde su loca amante Anna Karina ofrece una secuencia inolvidable de lectura de los escritos de Elie Faure, en su bañera, al son de la música inquietante de Antoine Duhamel.

5.- Georges Randal en El ladrón de París (Le voleur, 1967), de Louis Malle

De las películas en las que Belmondo es un solitario, más inclinado al silencio que a la locuacidad, no hay muchas. El actor interpreta aquí a un magnífico ladrón, un desilusionado, un lejano anarquista, en el contexto de la Belle Époque. ¿Un artista del robo? Eso seguiría dando demasiada importancia al arte, especialmente al dinero. No es Lupin. Más bien un sinvergüenza nihilista, con un desapego muy melancólico.

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Cumplió 25 años: El último hombre

El 14 de septiembre de 1996 se estrenó la película estadounidense El último hombre (Last Man Standing), dirigida por Walter Hill con Bruce Willis, Christopher Walken, Bruce Dern, William Sanderson, Alexandra Powers, David Patrick Kelly, R.D. Call, Karina Lombard, Ned Eisenberg, Leslie Mann, Michael Imperioli, Ken Jenkins, Ted Markland, Patrick Kilpatrick, Luis Contreras, Raynor Scheine, Tiny Ron, John Paxton, Michael Cavalieri, Michael Strasser, Matt O'Toole, Lin Shaye, Larry Holt, Allan Graf, Randy Hall, Jimmy Ortega, Thomas Rosales Jr., Christopher Doyle, Jim Wilkey, Andrew Alden Miller, Cassandra Gaviola, Arnie Alpert, Ken Medlock. Productora: New Line Cinema, Lone Wolf. Duración: 101 minutos. 

Sinopsis argumental: Año 1931. Hasta Jericó, Texas, un pueblo del Oeste medio fantasma solo llegan los gángsters de Chicago. Hasta que un día llega un misterioso desconocido, que busca un sitio para pasar la noche y se hace llamar Smith (Bruce Willis). Enseguida, se creará una peligrosa reputación y se verá envuelto en una lucha entre dos bandas rivales, quedando a merced de ambas. 

Comentario: Revisión de Yojimbo, el mercenario (Yojimbo 1961) y Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964) que ambienta la trama en la década de 1930. En un principio, el director Walter Hill quería adaptar la novela de Dashiell Hammett Cosecha propia, cuyo argumento giraba en torno a un hombre que aniquila a dos bandas mafiosas, pero finalmente decidió revisar los clásicos de Akira Kurosawa y Sergio Leone, añadiéndoles algunas pinceladas de la novela. Bruce Willis estuvo impecable en el personaje que antes interpretaron Toshiro Mifune y Clint Eastwood y ela película está plagada de espectaculares tiroteos. Sin embargo, esta vez la historia no logró cautivar al público y la cinta no consiguió, ni de lejos, recuperar los 54 millones de euros invertidos en ella.

Cumplió 25 años: The Wonders

El 14 de septiembre de 1996 se estrenó la película estadounidense The Wonders (That Thing You Do!), dirigida por Tom Hanks e interpretada por Tom Everett Scott, Liv Tyler, Johnathon Schaech, Steve Zahn, Ethan Embry, Tom Hanks, Rita Wilson, Charlize Theron, Chris Isaak, Holmes Osborne, Bryan Cranston. Productora: 20th Century Fox. Duración: 108 minutos. 

Sinopsis argumental: Guy Patterson trabaja en la tienda de electrodomésticos de su padre, pero su sueño es tocar la batería. Por casualidad se presenta a un concurso cuando un grupo de su barrio se queda sin batería. Guy imprime un nuevo ritmo a las canciones que les hace triunfar y subir a los primeros puestos de ventas con "Los Wonders".

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor canción original; Nominada al Globo de Oro: Mejor canción original; Satellite Awards: Nominada a mejor canción; Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor banda sonora. 

Comentario: Debut tras la cámara del dos veces oscarizado Tom Hanks, quien, además, escribió el guión, se reservó un papel secundario y compuso algunas de las canciones de la banda sonora, al más puro estilo de los Beatles. Hanks contó como productor con su amigo, el director Jonathan Demme, con quien ya había trabajado en Philadelphia. Y por lo que respecta al reparto, se valió de una serie de jóvenes promesas que, aún no siendo músicos profesionales, ensayaron durante ocho semanas hasta poder tocar como una banda de verdad. Irónicamente, los que más han triunfado posteriormente no han sido los miembros del grupo, sino dos jóvenes actrices que dieron vida a sus novias: Liv Tyler y Charlize Theron.

Las mejores películas de Steven Spielberg (XI)

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Y para los próximos años dos proyectos:

Un drama que se desarrolla a mitad del siglo XIX, basado en la novela homónima de David I. Kertzer, The Kidnapping of Edgardo Mortara, cuyo estreno se espera para 2022. En 1858, un niño judío en Bolonia (Italia), que ha sido bautizado en secreto, es apartado a la fuerza de su familia para ser educado como un cristiano. La lucha de sus padres por recuperar a su hijo formará parte de una batalla política que enfrentará al Papa con importantes personalidades que luchan por la unificación italiana. 

Y, también para 2022, un drama semiautobiográfico sobre la infancia del propio Spielber, The Fabelmans.

The Fabelmans (2022)

Cumplió 25 años: Al límite del riesgo

El 13 de septiembre de 1996 se estrenó la película estadounidense Al límite del riesgo (Maximun Risk), dirigida por Ringo Lam e interpretada por Jean-Claude Van Damme, Natasha Henstridge, Jean-Hugues Anglade, Zach Grenier,Stéphane Audran, David Hemblen, Paul Ben-Victor, Frank Senger. Productora: Columbia Pictures. Duración: 101 minutos. 

Sinopsis argumental: Un policía francés descubre que ha tenido un gemelo cuando éste aparece asesinado en Niza. A partir de ahí, decide viajar a los Estados Unidos para descubrir más cosas sobre las actividades de su hermano. Con esta intención, decide suplantarle, viéndose involucrado en una trama que le obligará a enfrentarse al FBI y a las mafias rusas.

Comentario :Jean-Claude Van Damme fue uno de los grandes padrinos del cine 'made in Hong Kong' en Hollywood. Algunos de los maestros del cine de acción de ese país se introdujeron en la industria estadounidense de su mano, como John Woo, Tsui Hark o Ringo Lam, con la película que nos ocupa. Se trata de un trepidante thriller en el que el actor volvió a interpretar a dos hermanos gemelos, como ya hiciera en Doble impacto. El belga tuvo como compañeros de reparto a la canadiense Natasha Henstridge y al francés Jean-Hugues Anglade  y quedó tan contento con el trabajo del director que repitió con él en dos ocasiones más: Replicant y The Monk. Stéphane Audran, ganadora del premio a la mejor actriz en Berlín por su papel en Las ciervas, interpretó un papel secundario como madre de Van Damme.

Ryusuke Hamaguchi, director de "Drive My Car": "Para esta película, la referencia fue el propio Haruki Murakami"

Premio al guión en Cannes en julio, la nueva película del director japonés, un espléndido fresco romántico adaptado de un cuento de Murakami, se estrenará este miércoles. 

Ryusuke Hamaguchi

Drive My Car (Doraibu mai kâ, 2021), se presentó en el 74º Festival de Cine de Cannes el pasado mes de julio obteniendo el premio al guión. Poco consuelo, para su autor, Ryusuke Hamaguchi, ya que esta gran película romántica, con su elegante escritura y puesta en escena, merecía la Palma de Oro. Mientras su productor le ofrecía adaptar una vieja historia de Haruki Murakami, el cineasta puso su mirada en otra historia corta del escritor japonés, incluida en la colección Hombres sin mujeres (Belfond, 2014), cuyos temas llama la atención de inmediato .

Hamaguchi, que provenía del cine independiente, se benefició de medios más sustanciales de lo habitual: “duplicamos con creces el presupuesto de Asako I & II (2018), que en sí mismo fue de cinco a diez veces mayor que el de mis primeros logros”, incluso si, nos asegura que la estimación de Drive My Car se mantiene en una escala "mucho más baja"al de las películas seleccionadas en los principales festivales internacionales. El rodaje, que comenzó en marzo de 2020 en Japón, tuvo que interrumpirse debido a problemas de salud. Mientras que los rodajes continuarían en Pusan, Corea del Sur, la epidemia de Covid obligó a la producción a buscar otro escenario: Hamaguchi retomó su guión para que la historia finalmente se desarrolla en un centro cultural en Hiroshima, donde el personaje principal, Kafuku, se encuentra a escenificando una producción muy particular del tío Vanya, de Chéjov.

Las mejores películas de Steven Spielberg (X)

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Los archivos del Pentágono (The Post, 2017), por su parte, fue una extraordinaria película que ensalza la libertad de expresión y de prensa, a través de un hecho real acontecido en 1971, cuando un grupo de periodistas de The Washington Post y The New York se arriesgó a publicar esos documentos del Pentágono que delataban la ocultación de información sobre la guerra de Vietnam, por parte del gobierno de Estados Unidos. Tom Hanks y, sobre todo, Meryl Streep, estuvieron superlativos como los periodistas y editores Ben Bradlee y Katherine Graham, respectivamente, y la película recuperaba el mejor pulso del género periodístico de los años 1970, ese que estaba presente en títulos tan fundamentales como Todos los hombres del presidente (All the President's Men, 1976) de Alan J. Pakula o Un mundo implacable (Network, 1976), de Sidney Lumet. 

Los archivos del pentágono (2017)

El último estreno de Spielberg en cines ha sido Ready Player One (2018), espectacular puesta en imágenes de una novela homónima de Ernest Cline, ambientada en una sociedad futura de 2045 en la que la mayoría de sus ciudadanos se evadía de la desesperanzadora realidad a través de un universo virtual conocido como Oasis. La locura colectiva se extendería cuando su creador, antes de morir, depositaba su fortuna y su empresa en las manos de aquel que ganara una peligrosa búsqueda del tesoro oculto en lo más profundo de su creación. El joven Tye Sheridan encarna con contagiosa energía a un héroe que parece salido del cine de aventuras de los años 1980 y es que la película es un nostálgico regalo para los amantes de la cultura pop de los años 1970, 1980 y 1990, repleto de guiños, homenajes y referencias visuales a iconos del cine, la televisión, la música, los cómics o los videojuegos de esas generaciones. Los efectos especiales, al servicio de la historia, son formidables, capaces de regalarnos secuencias tan logradas como las que acontecen en un Hotel Overlook de El resplandor (The Shining, 1980), de Stanley Kubrick, recreado al detalle. Una sobresaliente película que generó casi 583 millones de dólares en taquilla.

Ready Player One (2018)

En diciembre de este año está programado el estreno de la próxima película de Steven Spielberg, West Side Story, un musical romántico. En un primer momento se iba a poder ver la película el 18 de diciembre de 2020, pero debido a la pandemia generada por el COVI-19, su estreno se ha previsto para el 10 de diciembre de 2021. La película está protagonizada por Ansel Elgort y Rachel Zegler y es una adaptación del musical de Broadway del mismo nombre de Leonard Bernstein y Stephen Sondheim. También servirá como una nueva versión de la adaptación cinematográfica de 1961 dirigida por Robert Wise y Jerome Robbins.

West Side Story (2021)

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Cumplió 25 años: Dos días en el valle

El 12 de septiembre de 1996 se estrenó la película estadounidennse Dos días en el valle (Two Days in the Valley), dirigida por John Herzfeld e interpretada por Danny Aiello, Jeff Daniels, James Spader, Eric Stoltz, Charlize Theron, Paul Mazursky, Teri Hatcher, Peter Horton, Marsha Mason, Louise Fletcher, Gregg Cruttwell, Glenne Headly, Keith Carradine. Productora: Rysher Entertainment, Redemption Productions. Duración: 100 minutos.

Sinopsis argumental: Dos asesinos a sueldo están involucrados en una estafa a una compañía de seguros de Los Ángeles. Un director fracasado y con tendencias suicidas que vive con su perro, un comerciante de arte que vive con su querida asistenta, un policía perturbado con un novato como compañero y dos bellas y celosas mujeres forman parte de una trama criminal.

Nominaciones y premios: Nominada a los Premios Razzie: Peor actriz secundaria (Teri Hatcher).

Comentario :Un thriller no exento de humor y que desarrolla muy bien su variopinto grupo de personajes. Aunque en el momento de su estreno pasó bastante desapercibido en los cines, su posterior exhibición en vídeo y TV le valió el convertirse en un pequeño título de culto en Estados Unidos. Entre su excelente reparto hay que destacar a una Charlize Theron que debutó con esta película, emprendiendo una fulgurante ascensión al estrellato. Como curiosidad, su papel iba a ir a una también desconocida Daphne Deckers, pero no pudo rodar sus escenas porque coincidían con otro proyecto, la película de James Bond El mañana nunca muere. También fue noticia la banda sonora, pues Jerry Goldsmith compuso un hilo musical que no se incluyó en el metraje. El encargado final de crear las partituras fue Anthony Marinelli.

Hace 100 años: Die Geierwally

El 12 de septiembre de 1921 se estrenó la película alemana Die Geierwally, dirigida por Ewald André Dupont e interpretada por Albert Steinrück, Henny Porten, William Dieterle, Eugen Klöpfer, Elise Zachow-Vallentin, Marie Grimm-Einödshofer, Julius Brandt, Wilhelm Diegelmann, Gerd Fricke, Grete Diercks. Productora: Gloria-Film GmbH, Henny Porten. Duración: 117 minutos. 

Sinopsis argumental: Wally es la única hija de un rico granjero que la ha educado en una estricta disciplina. Cuando éste le impone un matrimonio de conveniencia, la joven se rebela. 

Comentario: Es la primera adaptación cinematográfica alemana de la novela homónima de Wilhelmine von Hillern.

Timothée Chalamet, joven prodigio de Hollywood y príncipe de "Dune"

Con su belleza angular y su gracia infantil, el actor franco-estadounidense Timothée Chalamet se ha convertido en el icono de su generación. Algo para meterse en la piel del héroe de Dune, de Denis Villeneuve, la película más esperada de la temporada.

Timothée Chalamet interpreta a Paul Atréides, el héroe de  Dune, de Denis Villeneuve

Inmediatamente advierte: "A veces lucho un poco en francés. Entonces… si tengo dolor, hablaré inglés." Precaución inútil: aparte de algunas barbaridades encantadoras, Timothée Chalamet domina maravillosamente el francés. La voz es clara, precisa, amigable, con ese toque de broma neoyorquina que agrega un je ne sais quoi de alegría juvenil a sus palabras. El acento es masticable, pero es por su silueta esbelta por lo que todo el planeta se está enamorando. Su belleza angulosa, intensa, atípica. Rizos oscuros, grandes ojos verdes, rasgos cincelados. El actor franco-estadounidense, de 25 años, parece nacido bajo la experta pluma de un diseñador de mangas obsesionado con el joven Werther.

Figura pop y romántica, todo en uno. Todavía poco conocido hace solo cinco años, Timothée Chalamet se ha vuelto casi tan difícil de alcanzar como el Papa Francisco. Una estrella entre las estrellas.

Cumplió 25 años: Kamasutra, una historia de amor

El 11 de septiembre de 1998 se estrenó la película Kamasutra, una historia de amor (Kama Sutra: A Tale of Love), dirigida por Mira Nair e interpretada por Indira Varma, Sarita Choudhury, Naveen Andrews, Ramon Tikaram, Rekha,Khalid Tyabji, Arundhati Rao, Pearl Padamsee, Ranjit Chowdhry, Harish Patel, Achala Sachdev, Siddharth Anand Kumar, Avijit Dutt, Rahul Vohra. Productora: Coproducción India-Reino Unido; NDF International, Trimark Pictures, Pony Canyon, Pandora Film, Mirabai Films. Duración: 115 minutos. 

Sinopsis argumental: India, siglo XVI. En la víspera de la boda de la princesa Tara (Sarita Choudhury) con el rey Raj Singh (Naveen Andrews), Maya (Indira Varma), una sirvienta que ha sufrido largamente por culpa de la impulsiva Tara, y que ha sido criada junto a ella, descubre la forma de realizar su venganza. Maya se cuela en la alcoba del rey y utiliza sus seductoras artes para tentarle. Hipnotizado, Raj Singh se deja atrapar por la irresistible sensualidad de Maya. Pero, cuando la traición de Maya es descubierta, es desterrada para siempre del palacio. Tara luce finas sedas y joyas y aprende las reglas del Kama Sutra, el libro hindú del amor, gracias a la afamada maestra Rosa Devi (Rekha). Más tarde, cuando Tara y Raj Singh consuman su matrimonio, él solo puede pensar en Maya. Vagabundeando por el reino, Maya atrae la atención de Jai Kumar (Ramon Tikaram), el escultor de la corte. Jai la ayuda a encontrar un lugar donde vivir, y sin darse cuenta, reúne a Maya con Rosa Devi, quién le confía también a ella las antiguas enseñanzas del Kama Sutra. Inspirado por la belleza y personalidad de Maya, Jai comienza a esculpir su figura en piedra, logrando lo que será su obra maestra del erotismo, ”La Mujer del Loto”. Cuando Raj Singh ve la escultura inacabada, inmediatamente reconoce a Maya y decide encontrarla otra vez. Así, Maya se convierte en la cortesana más adorada por el rey, obteniendo la posición más privilegiada de su harén. Es la única que amenaza la seguridad de la reina Tara...

Comentario: La película gira en torno a los juegos del amor y de la sexualidad, aunque la misma directora, Mira Nair, se ha encargado de dejar claro que su pretensión no era hacer un tratado sobre el Kamasutra. De hecho, la película destaca más por su forma que por su fondo, es decir, su punto fuerte es la cuidada estética visual y la seductora imagen a cargo del director de fotografía Declan Quinn. Nair tuvo muchos problemas para rodar en la India. Para empezar tuvo que inventar otro título, Tara and Maya, para que le dieran permiso para grabar. Más tarde, los oficiales gubernamentales aparecían de repente en el plató y los actores debían improvisar escenas que eludían la sexualidad. De hecho, finalmente, la película fue prohibido en India y Pakistán.

Hace 100 años: La dama de las camelias

El 11 de septiembre de 1921 se estrenó la película estadounidense La dama de las camelias (Camille), dirigida por Ray C. Smallwood e interpretada por Rudolph Valentino, Alla Nazimova, Rex Cherryman, Arthur Hoyt, Zeffie Tilbury, Patsy Ruth Miller, Elinor Oliver, William Orlamond, Consuelo Flowerton. Productora: Nazimova Productions. Duración: 70 minutos. 

Sinopsis argumental: Camille es una cortesana de París que cae profundamente enamorada de un joven, Armand Duval. Cuando el padre de Armand le pide a Camille que no arruine el prometedor futuro de su hijo casándose con él, ésta acepta y abandona a su amante...
Comentario: Basada en la novela de Alejandro Dumas (hijo) del mismo título, desarrolla la pasión de una cortesana de París que se retira a vivir su relación amorosa en el campo. Con una ambientación entre futurista y art déco, la actualización del drama es interpretado por la actriz rusa-estadounidense Nazimova

Las mejores películas de Steven Spielberg (IX)

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Una crítica que sí quedó encantada con su versión animada de Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio (The Adventures of Tintin, 2011), una idea a la que Spielberg llevaba dándole vueltas desde 1981. Los avances en animación en 3D, trabajando sobre actores de carne y hueso (Jamie Bell, Andy Serkins, Daniel Craig, Simon Pegg o Nick Frost), hicieron que se pudiera sacar adelante esta asombrosa cinta de aventuras protagonizada por los héroes de los cómics de Hergé, que recupera el mejor pulso para la acción de Spielberg —ese que faltó en la última entrega de Indiana Jones—, con escenas tan redondas como la persecución a través de unas callejuelas junto al río, en plano secuencia. Toda la película es una montaña rusa repleta de misterio, peligros, humor, exotismo, destilando amor y respeto hacia la obra de Hergé en cada fotograma. Por desgracia, su recaudación de 372 millones de dólares se antojó insuficiente como para que el director se arriesgue con otra entrega de Tintín.

Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio (2011)

2012 sería otro año decisivo para el cineasta, un punto de inflexión en el que emprendería una de sus obras más solemnes y unánimemente aclamadas por la crítica, Lincoln, drama histórico parcialmente basado en la biografía Team of Rivals: The Political Genius of Abraham Lincoln, escrito por Doris Kearns Goodwin, que cubre los últimos cuatro meses de la vida de aquel presidente de los Estados Unidos y cómo este luchó para conseguir abolir la esclavitud en el país, a través de la aprobación de la Decimotercera Enmienda a la Constitución de los Estados Unidos en la Cámara de Representantes. Spielberg dirige con maestría una de esas películas que huelen a clásico instantáneo, eludiendo ese sentimentalismo que lastró algún proyecto anterior para realizar un acto de emoción contenida, elegante clasicismo y un pleno dominio, tanto de la narración, como de un puñado de espléndidos intérpretes —Sally Field (maravillosa en su composición de Mary Todd Lincoln), Tommy Lee Jones, David Strathairn, Joseph Gordon-Levitt, James Spader, Hal Holbrook—, capitaneados por un Daniel Day Lewis espectacular, ganador de su tercer Oscar a mejor actor tras los obtenidos por Mi pie izquierdo (My Left Foot: The Story of Christy Brown, 1989), de Jim Sheridan, y Pozos de ambición (There Will Be Blood, 2007), de Paul Thomas Anderson, 2007). 

Lincoln (2012)

Tres años después, Spielberg continuó con su buena racha en el cine “serio” con un magnífico thriller ambientado en la Guerra Fría, El puente de los espías (Bridge of Spies, 2015), que contó la historia real de un abogado (Tom Hanks, confirmando su calidad de actor fetiche del director) encargado de defender al espía ruso Rudolf Abel, en 1957, mientras era coaccionado por la CIA para que viole la confidencialidad que, como defensor, le debía a su cliente. Una apasionante cinta de espionaje, dotada de un guion de hierro escrito por los hermanos Ethan y Joel Coen en estrecha colaboración con Matt Charman y rodada con ese clasicismo que caracteriza al cine histórico de Spielberg. Amy Ryan y Alan Alda acompañan a Tom Hanks en esta cinta en la que Mark Rylance, en el papel de Abel, se llevó todos los aplausos y un buen puñado de premios, entre ellos el Oscar y el BAFTA como mejor actor secundario.

El puente de los espías (2015)

Después de unos trabajos tan alejados de su sentido de la maravilla, Spielberg volvería a sus fueros de cine familiar con Mi amigo el gigante (The BFG, 2016), una fantasía infantil escrita por Melinda Mathison —con la que tuvo excelentes resultados en E.T., el extraterrestre— y que adaptaba una novela de Roald Dahl, El gran gigante bonachón. Mark Rylance repite con el director en el papel del gigante del título, conocido como BFG, unido a una valerosa niña (Ruby Barnhill) y a la mismísima Reina de Inglaterra para combatir a unos gigantes malvados que pretenden comerse a todos los niños del país. La magia, el valor de la amistad, grandes efectos especiales, este es el tipo de cine de entretenimiento que los seguidores del Spielberg más lúdico esperan y que no ofrecía desde Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio, aunque su generoso presupuesto de 140 millones de dólares no fuese amortizado con los 183 que únicamente consiguió recaudar. Aun así, se trataba de una cinta muy tierna, encantadora e ideal para niños y adultos. 

Mi amigo el gigante (2016)

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