Noticias de libro: Los Archivos de Walt Disney

Los Archivos de Walt Disney

Sus películas de animación 1921–1968

40th Anniversary Edition

Daniel Kothenschulte

Taschen

2021

512 págs. 

El mago de los dibujos animados

Un viaje espectacular por las obras de animación de Walt Disney

Walt Disney, una de las mentes más creativas del siglo XX, creó un universo imaginario único e incomparable. Como muy pocos otros clásicos del cine, su asombrosa colección de dibujos animados revolucionó el modo de narrar historias en la gran pantalla y ha conseguido seducir a generaciones enteras de todos los lugares del mundo hasta el día de hoy.

Este volumen, una de las publicaciones ilustradas más completas que se le han dedicado a Walt Disney, presenta cientos de imágenes así como ensayos de reconocidos expertos sobre Disney y nos lleva al corazón del estudio durante la “edad de oro de la animación”. Repasamos toda la trayectoria de Disney desde los tiempos del cine mudo, pasando por su primer largometraje, Blancanieves y los siete enanitos (1937) y Fantasía (1940), hasta sus últimas obras maestras: Winnie the Pooh y el árbol de la miel (1966) y El libro de la selva (1967).

Tras un exhaustivo trabajo de documentación en el que se ha tenido acceso a las colecciones históricas de The Walt Disney Company, así como a colecciones privadas, el editor Daniel Kothenschulte ha seleccionado algunas de las pinturas de concepto y guiones gráficos más destacados para mostrar cómo lograron cobrar vida estas obras maestras de la animación. Con magistrales y minuciosas ilustraciones sobre celuloide sacadas de escenas de las películas más famosas y imágenes poco conocidas tomadas por los fotógrafos de Disney, el libro ofrece información privilegiada sobre el proceso creativo que se vivía en el estudio.

Se dedica un capítulo a cada una de las principales películas de dibujos animados que se hicieron durante la vida de Walt Disney, entre las que se incluyen Pinocho, Fantasía, Dumbo, Bambi, Cenicienta, Peter Pan, La dama y el vagabundo y 101 Dálmatas, sin olvidar joyas menos populares como los cortos experimentales de la serie Silly Symphonies y películas musicales por segmentos subestimadas como Música maestro y Tiempo de melodía.

Conscientes de que el estilo Disney fue un proyecto colectivo que debió tanto al maestro como al trabajo en equipo, Los archivos de Walt Disney quiere mostrar su reconocimiento a los extraordinarios animadores y diseñadores que influyeron en el trabajo del estudio, como Albert Hurter, Gustaf Tenggren, Kay Nielsen, Mary Blair, Sylvia Holland, Tyrus Wong, Ken Anderson, Eyvind Earle y Walt Peregoy.

Sobre el editor y autor

Daniel Kothenschulte es escritor, comisario artístico y profesor de Historia del Arte y del Cine y amante de la animación desde que viera por primera vez El libro de la selva a los tres años. Como periodista es responsable de la sección cinematográfica del diario nacional alemán Frankfurter Rundschau y colaborador habitual de la cadena de televisión WDR. Ha sido profesor en varias universidades, entre ellas, la Städelschule de Frankfurt, la de Artes y Ciencias Aplicadas de Dortmund y la de Cine y Televisión de Múnich. Es autor de Hollywood en los años 30 y de The Art of Pop Video (El arte del vídeo pop), así como de libros sobre el actor Robert Redford, la película Metrópolis de Fritz Lang y el artista Mike Kelley. Kothenschulte, además, interpreta música de acompañamiento al piano para películas mudas.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXL)

The Student Nurses (1970), de Stephanie Rothman

Cuatro mujeres jóvenes comparten una casa juntas mientras estudian para ser enfermeras. Phred se enamora de un médico sexy, Jim, a pesar de acostarse accidentalmente con la compañera de cuarto de Jim. Priscilla, de espíritu libre, que no usa sostén, tiene una aventura con un motociclista que vende drogas y la deja embarazada y la abandona, lo que la obliga a abortar. Sharon entabla una relación con un paciente terminal. Lynn abre una clínica gratuita con un revolucionario hispano, Victor Charlie. La solicitud de Priscilla de abortar es rechazada por el hospital, por lo que se realiza uno ilegal de Jim, con la ayuda de Lynn y Sharon, a pesar de la vehemente oposición de Phred. El amante/paciente de Sharon muere y ella decide unirse al Cuerpo de Enfermeras del Ejército y servir en Vietnam. Victor Charlie está involucrado en un tiroteo con la policía y se da a la fuga; Lynn decide ir con ella. Phred rompe con Jim, pero Priscilla y ella aceptan seguir siendo amigas. Los cuatro amigas se gradúan juntos. Fue la segunda película de New World Pictures y la primera del popular ciclo de películas de explotación "enfermeras". Desde entonces se ha convertido en una película de culto.

Efemérides de cine: El abominable Dr. Phibes

El 18 de mayo de 1971 se estrenó la película británica El abominable Dr. Phibes (The Abominable Dr. Phibes), dirigida por Robert Fuest con Vincent Price, Joseph Cotten, Virginia North, Terry-Thomas, Susan Travers, Sean Bury, David Hutcheson, Edward Burnham, Alex Scott, Peter Gilmore, Maurice Kaufmann, Peter Jeffrey, Caroline Munro, Hugh Griffith. Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; American International Productions. Duración: 94 minutos. 

Sinopsis argumental: Después de que un equipo de cirujanos acabara con la vida de su esposa en una chapucera intervención quirúrgica, el doctor Phibes (Vincent Price), un diabólico personaje, asesina a algunos de ellos utilizando terribles métodos extraídos de textos antiguos. Un detective de Scotland Yard (Peter Jeffrey) le sigue la pista con la ayuda del doctor Vesalius (Joseph Cotten), el jefe del equipo médico que operó a la mujer de Phibes. 

Nominaciones y premios: Festival de Cine Fantástico de Sitges: Mejor actor (Vincent Price).

Comentario: El pintor y director artístico Robert Fuest llevó a cabo esta extraña película de terror, de estética decadente y cercana a los filmes producidos por Roger Corman. El abominable doctor Phibes cuenta en el reparto con el inefable Vincent Price, que da rienda suelta a sus capacidades para crear un personaje siniestro. El éxito de la película provocó una secuela titulada La venganza del doctor Phibes, de nuevo protagonizada por Price.

Montgomery Clift, la cara de ángel caído de Hollywood (II)

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"Él es el único ser que está aún más confundido que yo". Marilyn Monroe

Su carrera lo demuestra. Mientras Brando -no muy claro, tampoco él- se va volando, Clift se estanca: cada vez se rueda menos, lo juzgamos, no sin razón, ingobernable .. John Huston incluso amenaza con despedirlo en el plató de Vidas rebeldes (The Misfits, 1961), una obra maestra oscura sobre tres inadaptados en busca de la ilusión perdida. Sobre Clift, Marilyn Monroe, lúcida y tierna, declarará: "Él es el único ser que está aún más perdido que yo"... Está soberbio en la película, y John Huston lo admitirá, hasta el punto de contratarlo, de nuevo para Freud, pasión secreta (Freud, 1962) - una nueva pesadilla sin fin... Magnífico, también será en los doce minutos que aparece en Los juicios de Núremberg (Judgement at Nuremberg, 1961), de Stanley Kramer, 1962), que le valió su cuarta nominación al Oscar que nunca conseguirá...

Moriría de un infarto a los 45 años. Cuando Elizabeth Taylor, su amiga de toda la vida, pelea como una leona, hasta el punto de renunciar a su (asombroso) salario, para convencer a los productores de que la conviertan en su compañera en Reflejos en un ojo dorado (Reflections in a Golden Eye, 1967), que estaba preparando John Huston. El destino decidirá lo contrario: es Brando, su eterno rival, quien lo sustituirá en la adaptación de la novela de Carson McCullers. 

El actor con Marilyn Monroe y Clark Gable en Vidas rebeldes (1961) de John Huston.

“Mitificamos a James Dean”, dice el editor François Guérif, “y no a Montgomery Clift, quien es, sin embargo, un Dean a la potencia de diez. ¿Por qué? Porque su dolor es tal que quienes lo miran les cuesta soportarlo: es vergonzoso. Tal angustia es única en la historia del cine... "

Si fuera absolutamente necesario convencernos  de su talento, se podría ver - para el su segundo período, el que sigue a su accidente - De repente el último verano, de Joseph L. Mankiewicz, donde interpreta a un neurocirujano. Una especie de vigía cuyas miradas buscan en el alma de Elizabeth Taylor para llevarla, paulatinamente, a la conciencia de los actos sufridos o perpetrados.

Y para el primer período, el de su belleza triunfante, elegir Un lugar al sol (1951), de George Stevens. Para notar mil detalles: su forma de moverse ligeramente encorvada, por ejemplo, acorde con la torpeza del personaje, incómodo con los ricos. O el cambio imperceptible en sus rasgos justo antes de su ejecución, cuando de repente se siente abrumado por la conciencia de su responsabilidad, su culpa, por un asesinato que no cometió, pero que deseaba.

Elizabeth Taylor, Montgomery Clift y Katharine Hepburn en De repente, el último verano (1959), de Joseph L. Mankiewicz 

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Montgomery Clift, la cara de ángel caído de Hollywood (I)

Pudo haber conocido un destino al estilo Brando. Por el contrario, el atormentado actor, que se puede ver en la recientemente reeditada La heredera (The Heiress, 1949), tuvo un largo descenso a los infiernos. Su carrera, pendular, sufrió como resultado. Pero no por ello es menos emocionante.

A Montgomery Clift (1920-1966) no le gustaba demasiado La heredera. Lo que no significa nada: no le gustó casi nada de lo que Hollywood le ofreció, hasta el punto de rechazar proyectos atractivos (El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard, 1950) de Billy Wilder, Al este del Eden (East of Eden, 1955), de Elia Kazan). Queriendo reescribir, en ocasiones, los papeles que aceptaba, también los de sus compañeras, como el de Olivia de Havilland en la película de William Wyler, que no cedía… Era exigente y brillante, el más talentoso, sin duda, de esa generación de actores que emerge, a través del Actor's Studio, en el teatro americano y el cine de los años 1950. Más frágil y más matizado que Marlon Brando. Más varonil y más confiado que James Dean. Más torturado que los dos juntos.

Montgomery Clift al lado de Olivia de Havilland en La heredera (1949) de William Wyler 

Si La heredera, un gran éxito, además, es representativa de la carrera de "Monty", es porque encarna a un falso cándido dispuesto a hacer cualquier cosa para triunfar, incluso simular un sentimiento. Un doble ser... Lo que habrá sido toda su vida, de hecho: obligado a esconderse definitivamente. Como el nuevo rostro que luce tras el terrible accidente automovilístico de 1956 que lo dejó desfigurado. Los cirujanos lo operan lo mejor que pueden. Hacen milagros. De todos modos, antes era guapo, el actor más hermoso de Hollywood. Después de eso, solo será una cara molesta que abruma. Un fantasma de sí mismo cuyos ojos parecen clamar constantemente por ayuda, tanto a sus compañeras (Elizabeth Taylor en De repente, el último verano (Suddenly Last Summer, 1959); Lee Remick en Río salvaje (The Wild River, 1960) como al público.

La hipocresía del cine

Otra máscara: era gay, lo que, en Estados Unidos en ese momento, no se se decía, se vivía en la clandestinidad, con todos los riesgos y peligros que ello conllevaba. Reina el "Lavender scare" (la persecución contra los homosexuales): abundan los chantajistas si el secreto está bien guardado, los estudios se desentienden si eras descubierto: era una vergüenza, entonces, y por tanto, oprobio, y destierro... En Plegarias atendidas ( ), de Truman Capote, su novela inconclusa "proustiana", describe, con un humor feroz, una cena alucinante (y probablemente verdadera) que reunió a tres alcohólicos notorios: Montgomery Clift, la actriz Tallulah Bankhead y la novelista Dorothy Parker. La cual, bien borracha al final de la velada, acaricia la frente, los pómulos, los labios del actor, no muy fresco tampoco él. "Es tan guapo", susurró la señorita Parker. Sensible, muy bien hecho. El joven más hermoso que he visto en mi vida. Entonces, todavía según Truman Capote, se oye la frase: "Qué lástima que sea un chupapollas"... Estar avergonzado de quien se es. Tener que aguantar la hipocresía y la mediocridad de Hollywood. Tener que aguantarse a sí mismo y no tener éxito nunca... Para protegerse de la ansiedad, bebe, se droga, flirtea. Mucho. Bastante, según uno de sus biógrafos, Sébastien Monod, que en L'Enfer du décor lo describe repetidamente recogido por sus amigos, de madrugada, frente a clubs gay, sucio, devastado, inconsciente...

Montgomery Clift y Elizabeth Taylor en Un lugar en el sol (1951) de George Stevens

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Cumplió 25 años: Crash

El 17 de mayo de 1996 se estrenó la película canadiense Crash, dirigida por David Cronenberg e interpretada por James Spader, Holly Hunter, Elias Koteas, Deborah Kara Unger, Rosanna Arquette, Peter MacNeill, Yolande Julian, Cheryl Swarts, Judah Katz, Nicky Guadagni, Ronn Sarosiak, Boyd Banks, Markus Parilo, Alice Poon, John Stoneham Jr. Productora: Coproducción Canadá-Reino Unido; Alliance Communications Corporation/Recorded Picture Company (RPC)/The Movie Network (TMN)/Téléfilm Canada. Duración: 100 minutos. 

Sinopsis argumental: Una noche, James Ballard estrella su coche contra el de Helen y ambos son ingresados en un hospital. Lo sorprendente es que inmediatamente después del choque los dos experimentaron una extraña atracción mutua. A partir de entonces, la vida de James se precipitará hacia un mundo oscuro y prohibido, dominado por el peligro, el sexo y la muerte.

Nominaciones y premios: Festival de Cannes: Premio especial del jurado; Genie Awards: 6 premios. 8 nominaciones, incluyendo mejor película. 

Comentario: El director David Cronenberg, especialista en crear universos perturbadores e inquietantes, adaptó aquí una polémica novela de JG Ballard, un autor de culto de la ciencia ficción y responsable de obras como El imperio del sol (trasladada al cine por Steven Spielberg). Cronenberg, que se sintió atraído por la retorcida trama del libro, terminó por convertirlo en una inquietante metáfora de la deshumanización de la sociedad. James Spader, Holly Hunter, Deborah Unger y Rosanna Arquette son los protagonistas de este descenso a los infiernos de la mente humana que fascina o repugna, pero que, en todo caso, no deja a nadie indiferente. En todo caso, fue considerada como mejor película del año por la prestigiosa revista "Cahiers du Cinéma".

Cumplió 25 años: Flipper

El 17 de mayo de 1996 se estrenó la película estadounidense Flipper, dirigida por Alan Shapiro e interpretada por Paul Hogan, Elijah Wood, Chelsea Field, Isaac Hayes, Jessica Wesson, Jason Fuchs, Jonathan Banks, Robert Deacon, Ann Carey, Mark Casella, Luke Halpin, Bill Kelley, Lindsay Treco. Productora: Universal Pictures/American Films/The Bubble Factory. Duración: 96 minutos. 

Sinopsis argumental: Sandy Ricks (Elijah Wood), es enviado a pasar el verano con su tío Porter (Paul Hogan), en la ciudad costera de Coral Key en los Cayos de Florida. Sandy no está para nada entusiasmado, debido a que él va a perderse un concierto para el cual ya compró entradas. A pesar de que él espera tener un verano aburrido, se encuentra con un delfín huérfano al que llama Flipper, y con el que entabla amistad. Vivirá cosas que el nunca hubiera imaginado.

Comentario: Remake del filme que dirigió James B. Clark en 1963 en el que aparecía por primera vez el personaje de Flipper, creado por Ricou Browning e inspirado en la perra televisiva Lassie. La película tuvo mucho éxito y, además de esta nueva versión, originó una serie de televisión que se mantuvo en antena más de cinco años. El compañero infantil de Flipper, que en el original fue interpretado por Luke Halpin, corrió a cargo de Elijah Wood, antes de convertirse en el popular Frodo de la saga de El señor de los anillos.

Efemérides de cine: Walkabout

El 16 de mayo de 1971 se estrenó la película australiana Walkabout, dirigida por Nicolas Roeg e interpretada por Jenny Agutter, Lucien John, David Gulpilil, John Meillon, Robert McDarra, Barry Donnelly, Noeline Brown. Productora: Coproducción Australia-Reino Unido; 20th Century Fox. Duración: 100 minutos.

Sinopsis argumental: Ambientada en el interior de Australia , se centra en dos escolares blancos que se quedan solos en el interior de Australia y que se encuentran con un niño aborigen que les ayuda a sobrevivir 

Premios y nominaciones: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película).

Comentario: Se basa libremente en la novela homónima de 1959 de James Vance Marshall. Fue segundo largometraje de Roeg y estrenado internacionalmente por 20th Century Fox y fue una de las primeras películas del movimiento cinematográfico australiano New Wave. Junto a Wake in Fright (1971) (estrenada internacionalmente como Outback), fue una de las dos películas australianas que compitieron en el Grand Prix du Festival del Festival de Cine de Cannes de 1971. En 2005, el British Film Institute lo incluyó en su lista de las "50 películas que debería ver a los 14 años". Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

“Jungle Beat: la película” en Netflix: una alegre comedia de animación a golpe de tambor

Un extraterrestre perdido en la jungla intenta llegar a casa, con la ayuda de cuatro divertidos animales… Adaptadas de una serie sudafricana, estas aventuras hablan con humor de amistad y solidaridad. A partir de 6 años.

Jungle Beat: la película (Jungle Beat: The Movie, 2020), película de animación de Brent Dawes, reune a un alegre equipo compuesto por un mono, alienígena, un elefante, un puercoespín gruñon y un rinoceronte

"Te dije que te ibas atemorizar": al ver a este extraño personaje morado con puntos luminosos y la textura de malvavisco, Munki, un mono travieso que acaba de descubrir que puede hablar, y Trunk, una rosa elefante cuya trompa huele como el de un perrito, correteando como conejos. No durante tiempo. Rápidamente vuelven sobre sus pasos para intentar enviar a Fneep, este alienígena solitario perdido en la selva, de regreso a su galaxia. Pero la trompa del elefante no sopla lo suficiente y el extraterrestre continúa chocando contra la tierra. Luego, para el feliz equipo, también formado por un puercoespín gruñón y un rinoceronte llamado Rocky, comienza una aventura de ayuda mutua y amistad.

Con su colorido eleco, esta buena comedia de animación, adaptada de la serie sudafricana Jungle Beat, cuenta una historia poco probable que adquiere proporciones épicas. El regreso del extraterrestre a su mundo estrellado y tecnológico es un pretexto para un divertido paseo por una jungla exuberante e imaginaria. Más que el guion, más bien ligero, los niños apreciarán el humor y la comicidad de determinadas situaciones, como la persecución detrás de los huevos de avestruz, el excéntrico cruce de un barranco por el rinoceronte o la divertida serenata cantada por el ñu en El león muere esta noche.

"La vida de Adèle": amor en lágrimas

La historia de amor de una joven, filmada lo más cerca posible de rostros y cuerpos. Ya visible en Netflix y Amazon Prime, la Palma de Oro 2013, compartida entre Kechiche y sus dos actrices.

Es un rostro que nos atrapa, tanto más intensamente cuanto que la cámara no deja de escudriñarlo: el de Adele, sus mejillas buenas, su boca como un horno que devora la vida con bulimia, absorbe todo lo que pasa, espaguetis a la boloñesa o los labios de su amante. Esa boca que deja entreabierta por la noche, cuando se entrega al sueño, cuerpo aplastado en la sábana, bebé grande agotado por la dificultad de crecer… Esta cara, Abdellatif Kechiche la muestra en todos los estados, alegría y dolor, alivio devorado por las olas cuando las emociones se derriten en él: lágrimas, mocos, saliva inundan la epidermis según las experiencias - y algunas serán maremotos.

Lo que nos cuenta La vida de Adèle (La Vie d'Adèle, 2013), la historia de amor de una joven del norte de Francia, su camino hacia la edad adulta, no es sorprendentemente nuevo. Pero la forma en que el cineasta trabaja sobre la duración es única: tres horas (la película podría haber durado seis y pediríamos más), buena parte de las cuales tan fijadas en el rostro de su heroína que nos hace descubrir su condición. de espíritu. La duración permite esa precisión en los detalles, que enriquece locamente la empatía con el personaje, incluso la impresión de conocer a la persona. Un ejemplo: la forma recurrente de Adèle de subirse los pantalones, un gesto banal que tal vez dibuja una actitud hacia el mundo, como arremangarse...

Sonata de otoño: el reencuentro eléctrico entre Ingmar e Ingrid Bergman

Sólo hubo una colaboración entre los dos monstruos sagrados del cine sueco, Ingmar e Ingrid Bergman: Sonata de otoño (Höstsonaten), rodada en 1977, el último gran papel de la actriz. De vuelta en un tenso reencuentro...

Ingmar Bergman e Ingrid Bergman en el set de Sonata de otoño. El último papel importante de la actriz sueca.

Tienen la misma nacionalidad, el mismo apellido (ciertamente bastante común en Suecia) y son dos leyendas del cine. Sin embargo, Ingmar e Ingrid Bergman casi nunca hicieron la más mínima película juntos. El encuentro tuvo lugar en el último minuto y solo hubo uno, en Noruega, en el otoño de 1977, en el plató de una película tan dura y áspera como el invierno, aunque se llamara Sonata de otoño.
En ese momento, Ingmar estaba casado con otra Ingrid von Rosen, el último y más grande amor de su vida, que no debe confundirse con la estrella de Hollywood que finalmente quiso rodar, Ingrid Bergman. Ni con Liv Ullmann, de hecho, la otra actriz de la Sonata de Otoño, con quien tuvo una hija, Linn, en 1966. ¿Es complicado? Sí, y tenso. Cuando dos monumentos se unen, se superponen o crean chispas. Para situar: Ingmar, de 59 años, ya ha sido galardonado en tres ocasiones en Cannes y dos en los Oscar. Ingrid, de 62 años, tiene tres estatuillas...

Ingrid Bergman y Liv Ullmann en Sonata de otoño

Tiene por argumento la relación entre una famosa pianista y sus hijas, Eva y Helena, a las que dejó de lado por desarrollar su carrera profesional internacional. La película fue galardonada con el Globo de Oro a la mejor película extranjera. Fue también candidata a dos premios Oscar, en la categoría de mejor actriz protagonista (Bergman) y al mejor guion original, aunque finalmente no obtuvo ninguno. La película fue el último proyecto cinematográfico en el que Ingrid Bergman estuvo involucrada (su última cinta, A Woman Called Golda, fue hecha para la televisión) antes de morir de cáncer de mama el 29 de agosto de 1982 (dicho cáncer le fue diagnosticado durante el rodaje de esta película).

"El grupo”, “Georgia”, “Reencuentro”: tres películas en las que la amistad se codea con los caprichos de la vida (III)

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Reencuentro (The Big Chill, 1983), de Lawrence Kasdan (1983)

Se perdieron de vista. La culpa del amor, la familia, la profesión. A la vida, en definitiva. Y luego esta inesperada pero predecible llamada, que temían sin querer admitirse. Uno de ellos se suicidó. Repentinamente. Brutalmente. Sin una palabra y sin despedida… Este es el punto de partida de Reencuentro, de Lawrence Kasdan (1983). Título casi amable, pero que, en la versión original, es mucho más serio: The Big Chill (El gran escalofrío).

Esto es lo que sienten los amigos del fallecido, durante el período de un fin de semana que deciden pasar juntos. Ningún ajuste de cuentas virulento por parte del guionista, como lo concebirá, años más tarde, Thomas Vintenberg en Celebración (Festen, 1998). Toda una serie de escenas cortas, como flashes, a menudo cáusticas sobre aquellos que se han convertido en caricaturas (la estrella de una exitosa serie de televisión), pero emocionantes por lo que han ido dejando atrás (el tipo que regresó impotente de Vietnam). Lo más interesante sigue siendo, sin embargo, la jovencita novia de la muerta, a quien los demás miran con desconsolada condescendencia. Con sus reacciones incongruentes, es ella la que tiene razón, la que está a punto de vivir su vida frente a quienes temen haberla perdido ya...
Una pequeña y divertida anécdota: el hombre muerto, cuyo cuerpo vemos al principio, durante una escena sorprendente, es interpretado por una (futura) estrella, Kevin Costner. Estuvo involucrado en muchos flashbacks, todos eliminados durante la edición. Para ser perdonado, Lawrence Kasdan le ofreció al actor, dos años después, uno de los papeles principales de su Silverado (1985)...

Efemérides de cine: Johnny cogió su fusil

El 14 de mayo de 1971 se estrenó la película estadounidense  Johnny cogió su fusil (Dalton Trumbo's Johnny Got His Gun ), dirigida por Dalton Trumbo con Timothy Bottoms, Jason Robards, Donald Sutherland, Marsha Hunt, Diane Varsi, Kathy Fields, Charles McGraw. Productora: World Entertainment. Duración: 111 minutos. 

Sinopsis argumental: Un joven combatiente de la Primera Guerra Mundial despierta totalmente confuso en un hospital, confinado de por vida, ciego, sordo y mudo y con las piernas y los brazos amputados a causa de una explosión sucedida durante un bombardeo. Al principio no es consciente de lo que le ha sucedido y en qué condiciones está, pero poco a poco comienza a darse cuenta...

Nominaciones y premios:  Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado, premio FIPRESCI;  Globos de Oro: Nominada nueva promesa masculina (Timothy Bottoms); Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión adaptado drama.

Comentario: Basada en la novela Johnny got his gun del propio Dalton Trumbo. El filme muestra una posición claramente antibelicista y podría ser interpretado como una apología a la práctica médica conocida como eutanasia. Se conemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: Látigo

El 14 de mayo de 1971 se estrenó la película estadounidense Látigo (Support Your Local Gunfighter), dirigida por Burt Kennedy e interpretada por James Garner, Suzanne Pleshette, Jack Elam, Joan Blondell, Harry Morgan, Marie Windsor, John Dehner, Henry Jones, Chuck Connors, Dub Taylor. Productora: Cherokee-Brigade Productions. Duración: 92 minutos.

Sinopsis argumental: Látigo Smith (Garner), una mezcla de gigoló y timador, baja del tren en un pueblo llamado Purgatorio para huir de un matrimonio no deseado y, además, con el propósito de borrar un tatuaje que lleva en el pecho. Mientras espera al médico, oye hablar del enfrentamiento entre los dos magnates mineros del pueblo, ambos empeñados en contratar al turbio y mítico pistolero Swifty Morgan para que defienda sus intereses. Viéndose, involuntariamente, involucrado en el asunto, Látigo se quedará en Purgatorio y resolverá el conflicto. Con lo que no contaba era con enamorarse de Patience (Pleshette), la hija de uno de los caciques, una señorita de armas tomar.

Comentario: Wéstern de tono cómico, continuación de También un sheriff necesita ayuda (1969), donde se recupera el personaje de Latigo Smith interpretado por James Garner. Su director, Burt Kennedy, se especializó en este tipo de productos, rodando El regreso de los Siete Magníficos (1966) y algún que otro espagueti wéstern como La spina dorsale del diavolo (1971). A partir de mediados de los años 1970 se centró en la producción televisiva, rodando algunos capítulos de series como Magnum o Simon & Simon. Sin embargo, uno de sus últimos trabajos en el cine fue la adaptación de la novela de Peter Viertel Cazador blanco, corazón negro, que sería llevada al cine por Clint Eastwood. Por otra parte, en 1994, James Garner recuperó un papel muy similar al de Latigo Smith con la película Maverick, dirigida por Richard Donner e interpretada también por Mel Gibson y Jodie Foster. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: A Connecticut Yankee in King Arthur's Court

El 14 de mayo de 1921 se estrenó la película estadounidense A Connecticut Yankee in King Arthur's Court, dirigida por Emmett J. Flynn e interpretada por Harry Myers, Pauline Starke, Rosemary Theby, Charles Clary, William V. Mong, George Siegmann, Charles Gordon, Karl Formes, Herbert Fortier, Adele Farrington, Wilfred McDonald. Productora: Fox Film Corporation. Duración: 80 minutos. 

Sinopsis argumental: En 1921 un joven, después de haber leído la novela clásica de Mark Twain con el mismo título, sueña que él mismo se desplaza a la corte del rey Arturo y allí vive aventuras similares burlándose de sus enemigos por medio de inventos muy modernos, como las motocicletas y la nitroglicerina.

Comentario: Primera adaptación cinematográfica de la conocida novela de Twain y segunda que trata el tema de los viajes en el tiempo.  

Películas de la semana: 14 de mayo

Este cuerpo me sienta de muerte

Título original: Freaky. Dirección: Christopher Landon. País: Estados Unidos. Año: 2020. Duración: 101 minutos. Género: Terror. Thriller. Fantástico. Comedia de terror. Adolescencia. Colegios. Universidad. Interpretación: Vince Vaughn, Kathryn Newton, Alan Ruck, Uriah Shelton, Katie Finneran, Dustin Lewis, Dana Drori, Mitchell Hoog, Charles Green, Deja Dee, Kelly Lamor Wilson, Melissa Collazo, Celeste O'Connor, Catherine Joyce Agan, Jennifer Pierce Mathus, Nick Arapoglou, Carter Glade, Misha Osherovich, Celeste Cid, Sarafina King, Dane Davenport, Bennett Tarr, Hannah Russell, Zack Shires, Tim Johnson, Nicholas Stargel, Magnus Diehl, Ezra Sexton, Athena Akers, Emily Holder, Dora Woodrum, Morgan Monroe, Dwayne Dyke Jr., Ashley Stepanek, Juleyka Roche, Shaudry. Guion: Michael T. Kennedy, Christopher Landon. Música: Bear McCreary. Fotografía: Laurie Rose. Productora: Blumhouse Productions/Divide/Conquer. Distribuidora: Universal Pictures. Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Sinopsis: Tras intercambiar su cuerpo con un asesino en serie (Vince Vaughn), una joven estudiante (Kathryn Newton) descubre que tiene menos de 24 horas antes de que el cambio sea permanente. Del director de Feliz día de tu muerte (Happy Death Day 2U, 2019). 

Todas las lunas

Título original: Ilargi Guztiak. Dirección: Igor Legarreta. País: España. Año: 2021. Duración: 102 minutos. Género: Terror. Siglo XIX. Vampiros. Interpretación: Itziar Ituño, Zorion Eguileor, Josean Bengoetxea, Haizea Carneros, Lier Quesada, Elena Uriz. Guion: Igor Legarreta, Jon Sagalá. Música: Pascal Gaigne. Fotografía: Imanol Nabea. Productora: Coproducción España-Francia; Arcadia Motion Pictures/Kowalski Films/Noodles Production/Pris & Batty Films/ETB/TVE/Vodafone. Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Sinopsis: Durante los estertores de la última guerra carlista, una niña es rescatada de un orfanato por una misteriosa mujer que habita en lo profundo del bosque. Malherida, y sintiendo estar al borde de la muerte, la pequeña creerá ver en ella a un ángel que ha venido a buscarla para llevársela al Cielo. No tardará en descubrir, al amanecer del nuevo día, que este extraño ser le ha donado la vida eterna a cambio de su compañía. Bajo su nueva condición, tendrá que ‘vivir’ el doloroso paso del tiempo encerrada en su niñez, y contar infinidad de lunas hasta conocer a Cándido, un hombre humilde que le acogerá en su casa como si de su propia hija se tratase, y con el que comenzará su viaje en contra de su nueva naturaleza y el sueño de recuperar su vida arrebatada.

Ejército de los muertos

Título original: Army of the Dead. Dirección: Zack Snyder. País: Estados Unidos. Año: 2021. Duración: 148 minutos. Género: Acción. Terror. Zombis. Robos. Atracos. Interpretación: Dave Bautista, Ella Purnell, Ana de la Reguera, Theo Rossi, Huma Qureshi, Omari Hardwick, Hiroyuki Sanada, Garret Dillahunt, Raúl Castillo, Nora Arnezeder, Matthias Schweighöfer, Samantha Jo, Richard Cetrone,  Lora Martinez, Chelsea Edmundson, Michael Reid MacKay, Jordyn Aurora, Tig Notaro, Michael Cassidy, Sarah Minnich, Lyon Beckwith, Ryan Watson. Guion: Zack Snyder, Shay Hatten, Joby Harold. Historia: Zack Snyder. Producción: Deborah Snyder. Música: Junkie XL. Fotografía: Zack Snyder. Productora: The Stone Quarry.  Distribuidora: Netflix. Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Sinopsis: Un grupo de mercenarios decide llevar a cabo el mayor atraco que jamás se haya realizado en la ciudad de Las Vegas justo después de que se produzca una epidemia de muertos vivientes. Para ello tendrán que adentrarse en una zona de cuarentena, con los riesgos que ello conlleva. 

Borrar el historial

Título original: Effacer l'historique. Dirección: Benoît Delépine, Gustave Kervern. País: Francia. Año: 2020. Duración: 110 minutos. Género: Comedia. Internet. Informática. Interpretación: Blanche Gardin, Corinne Masiero, Denis Podalydès, Denis O'Hare, Benoît Poelvoorde, Yolande Moreau, Bouli Lanners, Michel Houellebecq, Avant Strangel, Jackie Berroyer, Jean-Louis Barcelona, Jean Dujardin, Lucas Mondher, Miss Ming. Guion: Benoît Delépine, Gustave Kervern. Producción: Benoît Delépine, Gustave Kervern, Sylvie Pialat, Benoît Quainon. Fotografía: Hugues Poulain. Productora: Canal+/Ciné +/Cofinova/France 3 Cinéma/Identical Pictures/Les Films du Worso/No Money Productions/Pictanovo/Scope Pictures/Cinécap. Distribuidora: Wild Bunch. Premios y nominaciones: Festival de Berlín: Oso de Plata; Premios César: Nominada a mejor guion original. Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Sinopsis: Tres vecinos de un suburbio se ven superados por sus problemas con la tecnología y las redes sociales. Con la ayuda de un pirata informático, deciden declarar la guerra a los poderosos gigantes tecnológicos. Tal vez su batalla esté perdida desde el principio, pero nunca se sabe.

Vivir sin nosotros

Título original: Are We Lost Forever. Dirección: David Färdmar. País: Suecia. Año: 2020. Duración: 104 minutos. Género: Drama. Romance. Homosexualidad. Interpretación: Björn Elgerd, Jonathan Andersson, Micki Stoltt, Nemanja Stojanovic, Victor Iván, Melker Wernberg, Shirin Golchin, Michaela Thorsén, Lisbeth Johansson, Maria Hedborg, William-Patrik Molvén. Guion: David Färdmar. Música: Per-Henrik Mäenpää. Fotografía: Robert Lipic, Johannes Stenson, Camilla Topuntoli. Productora: Färdmars Film/Embem Entertainment. Distribuidora: TLA releasing. Premios y nominaciones: Göteborg Film Festival: Nominada al premios Angelo; Iris Prize Festival: Nominada a la mejor realización; Nordic Film Days Lubeck: Nominada a la mejor realización; Roze Filmdagen Amsterdam (Pink Filmdays Amsterdam) LGBT Film Festival: Nominada a la mejor película. Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Sinopsis: Una pareja joven afronta su ruptura. Una mañana se acabó. Para Hampus es un alivio romper con su destructiva relación, mientras que Adrian está devastado. ¿Podrá sobrevivir sin el amor de su vida o hay alguna forma de recuperarlo?

Hijos del Sol

Título original: Khorshid. Dirección: Majid Majidi. País: Irán. Año: 2020. Duración: 99 minutos. Género: Drama. Infancia. Pobreza. Drama social. Interpretación: Shamila Shirzad, Ali Nassirian, Mohammad Javad Ezzati, Tannaz Tabatabayi, Safar Mohammadi, Ali Ghabeshi, Roohollah Zamani, Abolfazl Shirzad, Mohammad Mahdi Mousavifar, Mani Ghafouri. Guion: Nima Javidi, Majid Majidi. Música: Ramin Kousha. Fotografía: Houman Behmanesh. Productora: Majid Majidi Film Production. Premios y nominaciones: Festival de Venecia: Mejor actor emergente (Roohollah Zamani).  Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Sinopsis: Alí, un niño de 12 años, y sus tres amigos trabajan para sobrevivir y ayudar a sus familias haciendo pequeños trabajos en un garaje y cometiendo pequeños delitos para conseguir dinero rápido. En un milagroso giro de los acontecimientos, Alí recibe el encargo de encontrar un tesoro oculto bajo tierra. Para ello recluta a sus amigos pero, antes de empezar la misión, deben unirse a la Escuela del Sol, una institución caritativa que intenta educar a niños sin hogar y que está ubicada cerca de donde supuestamente se halla el tesoro. 

Valhalla Rising

Dirección: Nicolas Winding Refn. País: Dinamarca. Año: 2009.

Duración: 100 minutos. Género: Aventuras. Drama. Vikingos. Siglo X. Edad Media. Cine experimental. Interpretación: Mads Mikkelsen, Gary Lewis, Maarten Stevenson, Jamie Sives, Ewan Stewart, Alexander Morton, Callum Mitchell, Douglas Russell. Guion: Roy Jacobsen, Nicolas Winding Refn. Música: Peter Kyed, Peter Peter. Fotografía: Morten Søborg. Productora: Coproducción Dinamarca-Reino Unido; La Belle Allee Productions/NWR Film Productions/Nimbus Film Productions/One Eye Production/Savalas Audio Post-Production/BBC Films. Premios y nominaciones: Danish Film Awards (Robert): Mejor maquillaje y 8 nominaciones; Fantasporto: Premio a la mejor película fantástica internacional (Mención especial) y Premio Especial del Jurado a la mejor película fantástica. Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Sinopsis: Plena Edad Media, en el siglo X. One-Eye (Mads Mikkelsen), un enigmático guerrero con una fuerza sobrehumana, que ha permanecido esclavizado durante años, mata a su amo y logra escapar con la ayuda de un niño al que lleva consigo. Tras enrolarse en un barco vikingo, emprenden un viaje que los lleva a una tierra desconocida, donde reinan el dolor y la sangre.

Ghost

Título original: Hayaletler. Dirección: Azra Deniz Okyay. País: Turquía. Año: 2020. Duración: 90 minutos. Género: Drama. Interpretación: Dilayda Günes, Beril Kayar, Nalan Kuruçim, Emrah Ozdemir, Ahmet Turan, Baran Çakmak, Ihsan Ozgen, Selin Menek, Ekin Aribas, Asude Seyma Öztürk, Mehmet Emin Önal, Aslican, Efe Tuncer, Kont. Guion: Azra Deniz Okyay. Música: Ekin Uzeltuzenci. Fotografía: Baris Ozbicer. Productora: Heimatlos Films/MPM Film. Premios y nominaciones: Antalya Golden Orange Film Festival: Mejor película, mejor director, mejor actriz de reparto (Nezaket Erden, Nalan Kuruçim), Mejor actor de reparto (Emrah Ozdemir) y mejor montaje y 1 nominación; Festival Internacional de Cine de Sevilla: Nominada a mejor película; Festival de Cine de Estocolmo: Nominada a mejor película; Festival de Cine de Venecia: Premio de la Semana de la Crítica Internacional. Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Sinopsis: Una mirada a la transformación urbana de Estambul que se centra en cuatro diferentes personajes durante el transcurso de un día. 

Good Bye, Dragon Inn

Título original: Bu san. Dirección: Tsai Ming-liang. País: Taiwán. Año: 2003. Duración: 82 minutos. Género: Drama. Interpretación: Lee Kang-sheng, Chen Shiang-chyi, Kiyonobu Mitamura, Jerry Chan, Yang Kuei-mei. Guion: Tsai Ming-liang, Sung Hsi. Fotografía: Liao Pen-jung. Productora: Homegreen Films. Premios y nominaciones: Festival de Venecia: FIPRESCI. Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Sinopsis: En una sala de cine que ha perdido la gloria del pasado se proyecta por última vez Dragon Inn, el film de culto de King Hu. Un extranjero solitario llega a tiempo para la última proyección en un recinto prácticamente vacío donde transitan sombras y fantasmas que se encuentran detrás del proyector. ¿Dónde están los espectadores que antes llenaban este cine? Aprovechando la presentación de Rizi en la edición de este año, recuperamos el clásico de Tsai Ming-Liang, restaurado y presentado en el Festival de Venecia. La película se ha filmado casi sin movimiento de la cámara, la mayoría de las tomas duran más de 30 segundos. Solo hay una docena de líneas de diálogo.

Herencia

Dirección: Ana Hurtado. País: España. Año: 2019. Duración: 60 minutos. Género: Documental. Mediometraje. Reparto: Documental. Guion: Ana Hurtado, Pere Marzo. Producción: Ana Hurtado, Paco Poch, José Luís Lobato. Música: Yoruba Andabo. Fotografía: Camilo Widmaier. Montaje: Pere Marzo. Diseño de producción: Silvia Alonso. Productora: Mallerich Films Paco Poch. Distribuidora: Begin Again Films. Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Sinopsis: La Habana sigue viva. Su gente está en las calles, en las plazas, en las iglesias, en los parques, en las salas de baile, en las escuelas. Y continúa transmitiendo una herencia hecha de risas antiguas, de ritmos africanos, de tintes fuertes. Herencia es una historia de emociones en la que la imagen habla por sí sola saltándose el orden tradicional del tiempo. Todo entra por los ojos, para transgredir lo normal, lo ordinario. El viaje no sigue un camino. El océano ya ha sido atravesado hace cientos de años. Y Herencia muestra lo que esto ha significado. A través de conversaciones con artistas de casi todas las disciplinas muestra la gran influencia que África ejerce sobre la cultura cubana. Tampoco olvida la huella española sobre los aspectos sociológicos y su vida cotidiana

Subterranean

Dirección: Gabriel Velázquez, Manuel Matanza. País: España. Año: 2020. Duración: 70 minutos. Género: Documental. Drama. Documental sobre música. Reparto: Documental. Guion: Manuel Matanza, Carlos Unamuno. Premios y nominaciones: Festival Internacional de Cine de Gijón: Nominada a mejor película. Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Sinopsis: Pablo y Marieta vivían en Madrid y tenían trabajo fijo en empresas de alto standing. Con 45 años cumplidos decidieron dejarlo todo para intentar el sueño americano. Ahora sobreviven en Los Ángeles entre las casas de sus amigos y su furgoneta. Todo por un sueño: Ser estrellas del rock. Resisten en los clubes de una gran urbe junto a músicos llegados de todo el mundo. No quieren dejar de ser jóvenes y se agarran a su sueño con uñas y dientes. Viven y sufren la ilusión de ser músicos y quizás triunfar algún día. En 1982, Fernando Trueba estrenó Mientras el cuerpo aguante, un documental centrado en la figura inigualable e irrepetible del cantautor y filósofo Chicho Sánchez Ferlosio, al tiempo que hacía una radiografía a la realidad coyuntural de la España postfranquista. Casi cuarenta años después, Gabriel Velázquez y Manuel Matanza utilizan parecida fórmula para retratar (ahora con cámaras digitales y manejables) a dos personajes que también son ejemplos del momento que nos toca vivir: Pablo Crespo y Marieta V. Salvi, protagonistas de Subterranean. 

Barbie y Chelsea, el cumpleaños perdido

Título original: Barbie & Chelsea the Lost Birthday. Dirección: Cassi Simonds. País: Estados Unidos. Año: 2021. Duración: 60 minutos. Género: Animación. Infantil. Mediometraje. Reparto: Animación. Guion: Ann Austen, Nate Federman. Historia: Charlotte Fullerton. Fotografía: Animación. Montaje: Colin Adams, Emir Gidel, Bruno Kohler, Marc-Andre Monten, Gonda-Bastian Sinagowitz. Diseño de producción: Maisha Moore. Dirección artística: Jesse Burch, Rosemary Travale. Productora: Mattel Television. Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Sinopsis: La familia Roberts se embarca en un crucero de aventuras por el séptimo cumpleaños de Chelsea. Margaret tiene mucho trabajo por hacer, pero le promete a Chelsea que el día siguiente estará dedicado a ella. Chelsea con sus peluches y hermanas, Barbie, Skipper y Stacie, buscan el lugar perfecto en el barco para celebrar el cumpleaños.

Cumplió 25 años: Tromeo y Julieta

El 13 de mayo de 1996 se estrenó la película estadounidense Tromeo y Julieta (Tromeo and Juliet), dirigida por Lloyd Kaufman e interpretada por Jane Jensen, Will Kennan, Valentine Miele, William Beckwith, Sean Gunn, Debbie Rochon, Stephen Blackehart, Flip Brown, Ron Jeremy, Steve Gibbons, Lemmy, Tiffany Shepis, James Gunn, Lloyd Kaufman. Productora: Troma Films. Duración: 107 minutos.

Sinopsis argumental: Los Capulet y los Que son dos familias que se odian una a la otra y se pelean siempre que se encuentran. Tromeo Que (Keenan) y Juliet Capulet (Jensen) se enamoran en una fiesta de disfraces (en las que también están Sgt. Kabukiman y Toxie- ambos ídolos de la Troma) sin saber las identidades de cada uno. Al darse cuenta ven que su amor es prohibido y deben enfrentarse a este destino... 

Comentario: La historia de Shakesperare esta llevada (y deformada) a fines de los años 1990. Pero aunque la historia es bastante fiel a la obra, lo que tiene de diferente son, como diría Jules en Pulp Fiction "las pequeñas diferencias": Juliet es virgen y angelical, pero al mismo tiempo tiene un romance lésbico con la ama de llaves (la "scream queen" Debbie Rochon). Además, duerme con un consolador y cuando tiene sueños eróticos, su padre aparece en su cama para castigarla sexualmente. Tromeo es fanático de los CD-ROM porno y se masturba mientras desde la pantalla una mujer le dice "cásate conmigo, eres mi verdadero amor".

Cumplió 25 años: Rompiendo las olas

El 13 de mayo de 1996 se estrenó la película danesa Rompiendo las olas (Breaking the Waves), dirigida por Lars von Trier e interpretada por Emily Watson, Stellan Skarsgard, Katrin Cartlidge, Jean-Marc Barr, Udo Kier, Adrian Rawlins, Mikkel Gaup, Jonathan Hackett, Sandra Voe, Roef Ragas, Phil McCall, Robert Robertson, Desmond Reilly, Sarah Gudgeon, Finlay Welsh, David Gallagher. Productora: Trust Film Svenka/Liberator Production. Duración: 159 minutos. 

Sinopsis argumental: A principios de los años 1970, Bess (Watson), una ingenua joven de un pueblo costero de Escocia, se enamora de Jan (Stellan Skarsgård), un hombre mundano que trabaja en una plataforma petrolífera. A pesar de la oposición de la rígida comunidad puritana a la que pertenece, Bess y Jan se casan. Tras la boda, él vuelve a su trabajo, y ella cuenta los días esperando su vuelta. Bess, una creyente devota, cree que su amor está bendecido por el cielo; pero un día sucede un terrible accidente. 

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor actriz (Emily Watson); Globo de Oro: 2 nominaciones: mejor película drama y actriz drama (Watson); Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado (Lars Von Trier); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actriz (Watson), director y fotografía. 4 nominaciones; Nominada Premios BAFTA: Mejor actriz (Emily Watson); Premios Cesar: Mejor película extranjera; Premios Goya: Nominada a la mejor película europea; Satellite Awards: Mejor película de habla no inglesa. 4 nominaciones; Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera; Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película extranjera; 3 Premios del Cine Europeo: Película, actriz (Emily Watson), Premio FIPRESCI; Asociación de Críticos de Los Angeles: Premio Nueva generación; Asociación de Críticos de Chicago: 3 nominaciones, incluyendo mejor director; Asociación de Críticos de Boston: 3 nominaciones, incluyendo mejor director.

Comentario: Primera película de la trilogía "Corazón dorado" de Lars Von Trier,  de la que forman parte Los idiotas (Idioterne, 1998) y Bailar en la oscuridad (Dancer in the Dark, 2000). 

Reestrenos de la semana: 14 de mayo

El señor de los anillos: el retorno del rey

Título original: The Lord of the Rings: The Return of the King. Dirección: Peter Jackson. País: Nueva Zelanda. Año: 2003. Duración: 201 minutos. Género: Fantástico. Aventuras. Acción. Fantasía medieval. Espada y brujería. Cine épico. Secuela. Película de culto. Interpretación: Elijah Wood, Viggo Mortensen, Ian McKellen, Sean Astin, Andy Serkis, John Rhys-Davies, Orlando Bloom, John Noble, Miranda Otto, David Wenham, Bernard Hill, Billy Boyd, Dominic Monaghan, Liv Tyler, Karl Urban, Christopher Lee, Brad Dourif, Ian Holm, Hugo Weaving, Cate Blanchett, Lawrence Makoare, Marton Csokas, Sean Bean. Guion: Peter Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens. Novela: J.R.R. Tolkien. Música: Howard Shore. Fotografía: Andrew Lesnie. Productora: Coproducción Nueva Zelanda-Estados Unidos; Wingnut Films. Distribuidora: New Line Cinema. Premios y nominaciones: 11 premios Oscar, incluyendo mejor película y director. 11 nominaciones; 4 Globos de Oro: Mejor película dramática, director, bso y canción; 4 premios BAFTA, incluyendo mejor película y guion adaptado. 12 nominaciones. National Board of Review: Mejor reparto; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película. 2 nominaciones: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor director y diseño de producción; Festival de Toronto: Mejor director (Peter Jackson); American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año; 4 Critics' Choice Awards: Mejor película, director, reparto y compositor; Asociación de Críticos de Chicago: Mejor película, director y banda sonora. 7 nominaciones; Asociación de Críticos de Boston: Nominada a mejor director; Sindicato de Productores (PGA): Mejor película; Sindicato de Directores (DGA): Mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guion adaptado Sindicato de Actores (SAG): Mejor reparto (Largometraje). Reestreno en cines España (remasterizada en 4K): 14 de mayo de 2021. Sinopsis: Las fuerzas de Saruman han sido destruidas, y su fortaleza sitiada. Ha llegado el momento de decidir el destino de la Tierra Media, y, por primera vez, parece que hay una pequeña esperanza. El interés del señor oscuro Sauron se centra ahora en Gondor, el último reducto de los hombres, cuyo trono será reclamado por Aragorn. Sauron se dispone a lanzar un ataque decisivo contra Gondor. Mientras tanto, Frodo y Sam continuan su camino hacia Mordor, con la esperanza de llegar al Monte del Destino. 

Efemérides de cine: Despertar en el infierno

El 12 de mayo de 1971 se estrenó la película australiana Despertar en el infierno (Wake in Fright AKA Outback), dirigida por Ted Kotcheff e interpretada por Gary Bond, Donald Pleasence, Chips Rafferty, Jack Thompson, Sylvia Kay, Al Thomas, Peter Whittle, John Meillon, Al Thomas, John Armstrong. Productora: Coproducción Australia-Estados Unidos; Group W/NLT. Duración: 114 minutos. 

Sinopsis argumental: John Grant, un excelente profesor que llega a una ciudad de mineros situada en un inhóspito desierto, decide pasar allí la noche antes de coger un avión para Sydney. Pero pasan cinco noches y parece que Grant se está acercando poco a poco a la autodestrucción. Cuando los efectos del alcohol empiezan a distorsionar su percepción de las cosas, surgirá un aspecto de su personalidad muy poco agradable, que se traduce en un gran desprecio por sí mismo.

Nominaciones y premios: Cannes: Nominada a la Palma de Oro a la mejor película.

Comentario: Está basado en la novela de 1961 de Kenneth Cook del mismo nombre. Durante muchos años, Despertar en el infierno no estuvo disponible ni en VHS ni en DVD, además de que nunca fue emitida en televisión. Sin embargo, a mediados de 2009, fue reestrenada en cines australianos y recibió el aplauso popular; además, a finales de año fue puesta a la venta en DVD y Blu-ray. Actualmente, Despertar en el infierno es reconocida como una de las películas más importantes de la Nueva Ola Australiana.1 Nick Cave, músico y guionista australiano, llamó a la película «la mejor y más terrorífica película sobre Australia». Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

"El grupo”, “Georgia”, “Reencuentro”: tres películas en las que la amistad se codea con los caprichos de la vida (II)

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Georgia (1981), de Arthur Penn 

Estuvimos y nos quedamos con los burgueses en Reencuentro. Los héroes de Georgia son hijos de trabajadores (como Steve Tesich, el guionista). Pero las palabras de Arthur Penn son similares a las de Lawrence Kasdan: para describir, a lo largo de una década, la evolución de Estados Unidos en la década de 1960. Debido a que proviene de una nación privada de libertad, Yugoslavia, el héroe persiste en ver en su país de adopción un Tierra prometida. Y el talento del cineasta consiste en hacer constantemente generosa y cálida la lenta desilusión de sus tres jóvenes, enamorados de una chica bastante excéntrica que se casará con uno, tendrá un hijo con el segundo y se irá, en definitiva, a vivir con el tercero, que ella nunca dejaré de amar...

Toda la película, una joya que no ha envejecido nada, es estimulante. Si este no es el episodio brutal, admirablemente escenificado, donde un hombre de negocios, odioso e incestuoso, masacra a su hija durante la recepción que sigue al matrimonio de esta última... Con humor, Arthur Penn confía el papel de bastardo a James Leo Herlihy, Figura de la contracultura, amigo de Tennessee Williams, militante contra la guerra de Vietnam y autor de la novela Cowboy de medianoche (Midnight Cowboy)  y, adaptada al cine por John Schlesinger en 1969. Impresionante.

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"Django desencadenado”: cinco anacronismos… ¡que hacen que la película sea aún mejor! (II)

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La música: "Para Elisa", desconocida

Pero al fin y al cabo, el caso Nefertiti es medio error porque la escultura ya se había realizado en 1858, aunque nadie la había visto todavía. Tal vez incluso hubo un pintor abstracto aquí y allá que no lo había logrado. Es un poco lo mismo con Para Elisa, que se toca con el arpa en un salón: Beethoven la escribió en 1810, pero no se publicó hasta 1867 (bueno, como la dinamita). ¿Hay un mensaje de Tarantino en estas cosas que podría haberse conocido pero no fue del todo? Es difícil imaginar que estos fueron simples errores, especialmente porque el director aprecia Para Elisa por haberlo hecho sonar en Malditos bastardos. Cuando usas música dos veces en dos películas diferentes, sabes la fecha de nacimiento. Sobre todo porque aquí se destaca especialmente: es la única melodía intradiegética (que escuchan los personajes) de Django desencadenado… Por lo demás, la banda sonora es decididamente contemporánea.

El idioma: "hijo de puta" no estaba en el diccionario

El principal escollo de las películas históricas es el lenguaje, especialmente cuando se desarrollan en un momento en el que no existen grabaciones sonoras. Entonces hay directores escrupulosos que van a buscar en los libros las palabras que usamos. Y luego está Tarantino, que usa el hijo de puta todo el tiempo. Samuel L. Jackson, en la piel del mayordomo malvado, pronuncia el insulto cuatro veces. Sin embargo, el muy serio diccionario de Oxford data de su primer uso en 1918. ¿Pero te imaginas una película de Tarantino sin un hijo de puta dentro?

Otro detalle: cuando Calvin Candie compara a un esclavo con un oso de peluche, tiene una ventaja. Se dice que el oso de peluche es del presidente Theodore Roosevelt, y 1858 es simplemente... su año de nacimiento. ¿Casualidad? ¿Coincidencia?

Moda: las gafas no protegen del sol.

Este es posiblemente el más obvio de todos los arreglos de la historia: las gafas de sol súper elegantes de nuestro amigo Django. No fue hasta el siglo XX que se inventó este accesorio, pero hay que reconocer que va muy bien con un potro, un sombrero de vaquero y por qué no con una boquilla (¿eso, eso?) Es más bien de 1890). Con esta gran mezcla de épocas al estilo de Django y las demás, Tarantino finalmente logra lo esencial: crear personajes que no pertenecen a la Historia sino al cine y a sí mismo, personajes perfectamente tarantinescos.

"El grupo”, “Georgia”, “Reencuentro”: tres películas en las que la amistad se codea con los caprichos de la vida (I)

¿Qué puede ser más elocuente que el destino de un montón de amigos de mediana edad para analizar los cambios de una época y contar su progresivo desencanto? Al realizar estas tres películas, los cineastas estadounidenses Lawrence Kasdan, Arthur Penn y Sidney Lumet, en cualquier caso, han abordado brillantemente el tema.

El grupo (The Group, 1966), de Sidney Lumet (1966)

El más cruel de los tres es Sidney Lumet en El grupo. La acción tiene lugar a principios de la década de 1930, cuando Estados Unidos se recupera de la larga crisis que siguió a la Gran Depresión. Entre las entusiastas que creen en un futuro mejor, ocho mujeres -todas jóvenes, licenciadas y ambiciosas- se enfrentarán a obstáculos obstinadamente imaginados por la novelista Mary McCarthy (gran éxito editorial a principios de la década de 1960) y que Sidney Lumet alineará con una especie de silenciosa desesperación. Así, la provinciana (Joan Hackett, formidable), humillada por un escritor dandy, acaba alcohólica con un hombre mayor que ella. La feminista demócrata (Elizabeth Hartman) se encuentra esclavizada por un marido testarudo y republicano, en nombre de su maternidad. Y la aparentemente obsesionada (Joanna Pettet) se extraña que su marido la encierre en la locura: ¡otra atracción!

Uno podría temer una película anticuada y retrógrada. Pero sus palabras podrían adaptarse de muchas maneras a los desafíos actuales. Al igual que Arthur Penn en Georgia y Lawrence Kasdan en Reencuentro, Lumet, de hecho, observa un desencanto progresivo: ¿inevitable? - de cada generación enfrentada a los caprichos de la vida. El tiempo que tarda una utopía en nacer, expandirse, extinguirse. Y reaparecer, aún más bella, siempre más deseable.

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"Django desencadenado”: cinco anacronismos… ¡que hacen que la película sea aún mejor! (I)

El impresionante western de Quentin Tarantino tiene  lugar en 1858, pero todavía hay algunos descubrimientos que están muy por delante de su tiempo. Con motivo de su emisión por la televisión, echemos un vistazo a las pequeñas libertades tomadas por el cineasta en el siglo XIX.
Esta es una película ambientada en 1858, "dos años antes de la Guerra Civil", como se indica al comienzo de la misma. Cualquier historiador que se respete a sí mismo te dirá: nunca debes razonar en términos de lo que sucede "después" de un evento porque los protagonistas no saben nada al respecto. Y luego, um, la guerra civil comenzó en 1861... tres años después, ¿verdad?

O Quentin Tarantino cree que la secesión de los Estados del Sur, en 1860, marca el inicio real del conflicto, o especifica con esta aproximación que no es un historiador, no, sino un cineasta, decididamente. Y eso es mucho mejor porque el cine puede vengar la historia, o al menos hacer lo que quiera. En el cine podemos (¡cuidado con los spoilers!) Asesinar a Hitler (Malditos bastardos) y hacer que Sharon Tate (Érase una vez... en Hollywood) sobreviva, por ejemplo. También puedes devastar la propiedad de un esclavista con dinamita, aunque este explosivo no se inventaría hasta después de la Guerra Civil. Es cierto que Tarantino sabe cómo comportarse, no saca el kalashnikov para derribar a los confederados, pero con gusto hace pequeños arreglos con los hechos siempre que puedan alimentar su arte de hacer películas. Aquí hay algunos.

Las armas: la dinamita aún no existía

Tenemos el gatillo fácil en Django, también tenemos un arma que no es del todo de 1858. En este caso, Tarantino no es fiel a la Historia sino al spaghetti western, un género que no habría tenido tanto éxito si hubiera utilizado pistolas vintage. La mayor parte del arsenal de la película se inventará después de la década de 1850.

Así que Tarantino no obtendrá el Nobel por precisión histórica, y le importa un bledo que este Nobel no exista. Al igual que la dinamita, en 1858. Alfred (Nobel, por tanto) la inventará en 1867. Pero, como el resto, la dinamita es demasiado tarantinesca para permitir que un desafortunado desfase de nueve cortos años estropee la diversión, un poco como el Ku Klux Klan, cuyo aparición oficial data de 1865: era demasiado tentador darles una lección también. Y luego volar una plantación por un proceso imposible, es santificar el poder del cine, gran mago vengador de las injusticias de la historia.

Las artes: Nefertiti estaba bajo tierra

El lamento fue que había el busto de Nefertiti en la casa. Antes de volarlo, Django todavía habría podido evacuar esta obra de arte que nadie conocía, en 1858, desde que fue descubierta en 1912. Este patán de Django… Estamos hablando de la escultura más bella de la historia de los hombres, sí, sí. y si es escéptico, obtenga una entrada a Berlín lo antes posible, luego al Neues Museum, donde Nefertiti tiene una habitación para ella sola.

Y como estamos en las artes, mencionemos también la comparación que Calvin Candie (Leonardo DiCaprio) hizo entre la espalda azotada de Broomhilda y una "pintura abstracta", un comentario muy atrevido para el siglo XIX, en general bastante desconocido para Broomhilda.

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