viernes, 17 de noviembre de 2017

Biografías de cine: Jean-Pierre Melville (III)

(cont.)
Con el éxito obtenido con Leon Morin, sacerdote, Melville pudo realizar cuatro películas consecutivas de policías y ladrones, las más notables fueron:
- El confidente (Le doulos, 1963), adaptación de una novela menor de Pierre Lesou. Belmondo volvió a ser protagonista en El confidente, no como un clérigo, sino como Silien, en su arquetípica encarnación del impávido antihéroe, cuya lealtad a sus viejos compinches de la mafia está en entredicho y lo enreda en una red de intriga y desastre. La película es una oscura, ambigua y compleja fábula sobre la mentira y la traición con sabor a tragedia clásica en su fatalista desenlace. El título original de la película, Le doulos, refuerza precisamente esa ambivalencia del relato, al poder referirse tanto al sombrero que porta el personaje de Silien, un doulos, como a su posible condición de confidente de la policía, puesto que en el argot del gremio policial/criminal, el término doulos también se utiliza para designar al chivato o soplón.
- El silencio de un hombre (Le samouraï, 1967). Durante el rodaje de El silencio de un hombre, una película obsesionantemente minimalista sobre un  hermético y frío asesino a sueldo, el estudio de Melville se incendió y el proyecto se completó en instalaciones alquiladas. Jeff Costello es un perfeccionista que siempre planea cuidadosamente sus asesinatos y al que nunca han atrapado. Sin embargo una noche, tras liquidar al dueño de un club nocturno, queda a la vista de varios testigos. Sus esfuerzos por construir una coartada fallan y poco a poco es acorralado, tanto por la policía como los clientes que le han traicionado. De todos modos, fue un éxito crítico y comercial. La presentación de Alain Delon como el ultramoderno asesino Jef Costello, fue considerada una de las imágenes más meticulosamente elaboradas en la historia del cine. 
Otra producción memorable fue El ejército de las sombras (L'armée des ombres, 1969), traslación de la novela de Joseph Kessel a la gran pantalla, se trata de un austero retrato de la perfidia dentro de las filas de la Resistencia francesa. 

Alain Delon más tarde protagonizaría una segunda obra maestra, Círculo rojo (Le cercle rouge, 1970), que presentaba el último robo de joyas en la pantalla. Su fortaleza a lo Charles Bronson con la sangre fría de Jack Lord sirvió como contrapunto en la obra de Melville al Belmondo más ligero y menos predecible. 
Es trivial decir que un artista en particular "no es para todos". En el caso de Melville, esta afirmación no podría ser más adecuada. A pesar de tener una barriga oronda y una cara poco atractiva, era un mujeriego notorio, y su chovinismo es dolorosamente obvio en sus películas. Son trabajos cínicos impulsados ​​por hombres en los que las mujeres carecen de nobleza, simplemente funcionan como hermosas piezas de ajedrez. Sus hombres también carecen de profundidad espiritual, desempeñando diligentemente sus papeles hacia el enfrentamiento final. Un "momento profundo" inevitablemente ocurre ante un espejo, un cliché por el que muchos críticos no comparten el entusiasmo del creador. Como resultado de estos pecadillos, así como por la falta de historias de fondo y motivaciones de los personajes, la producción posterior de Melville ha sido acusada de rigidez, con su grupo de policías, ladrones y malos en general. Además, a pesar de las tramas bien estructuradas, las películas de Melville se miden metódicamente con una enorme atención prestada al tiempo y al lugar. Los hollywoodienses a menudo las encuentran lentas, con un énfasis excesivo en el tono y el estilo. 
Su última película sería Crónica negra (Un flic, 1972), décimo tercer largometraje, en el que de nuevo contaría con Alain Delon. Fue su última palabra, antes de fallecer, sobre el género negro y sus arquetipos, explorando la ambigüedad moral de los protagonistas y la equivalencia entre los delincuentes y los policías. 
El pasado 20 de octubre se cumplió el primer centenario de su nacimiento. 

Efemérides de cine: Reaching for the Moon

El 17 de noviembre de 1917 se estrenó la película estadounidense Reaching for the Moon, dirigida por John Emerson e interpretada por Douglas Fairbanks, Eileen Percy, Richard Cummings, Millard Webb, Eugene Ormonde, Frank Campeau. Productora: Douglas Fairbanks Pictures. Duración: 69 minutos. 
Sinopsis argumental: Alexis Caesar Napoleon Brown (Fairbanks) descubre que su madre fue una gran princesa de la provincia europea de Vulgaria, pero se convirtió en una marginada porque no se casó con sangre real. Alexis cree que si uno se concentra en una cosa lo suficiente, se hará realidad. Continuamente se concentra en la idea de que algún día será el rey de Vulgaria. Él le cuenta sus ambiciones a la chica de sus sueños (Percy), que es el "oyente paciente". Después de una de sus conferencias con su paciente amorcito, se va a casa y sueña que es el rey de Vulgaria...
Comentario: Fairbanks protagonizó una película de 1930 del mismo nombre que no está relacionada con la película de 1917. Se conmemora el centenario de su estreno. 

jueves, 16 de noviembre de 2017

Películas de la semana: 17 de noviembre

Liga de la Justicia

Título originalJustice League. DirecciónZack Snyder. País: Estados Unidos. Año: 2017. Duración: 121 minutos. Género: Ciencia ficción. Acción. Superhéroes. Cómic. DC Comics. Interpretación: Ben Affleck, Gal Gadot, Ezra Miller, Jason Momoa, Ray Fisher, Henry Cavill, Amber Heard, Amy Adams,  Jesse Eisenberg,  J.K. Simmons, Jeremy Irons, Willem Dafoe, Shalini Peiris, Connie Nielsen, Robin Wright, Diane Lane, Kiersey Clemons, Billy Crudup, Ciarán Hinds, Daniel Stisen, Samantha Jo. GuionChris Terrio, Joss Whedon (Historia: Zack Snyder, Chris Terrio). MúsicaDanny Elfman. FotografíaFabian Wagner. ProductoraDC Comics/DC Entertainment/Dune Entertainment/Lensbern Productions/Warner Bros. Estreno en España: 17 de noviembre de 2017. SinopsisMotivado por la fe que había recuperado en la humanidad e inspirado por la acción altruista de Superman, Bruce Wayne recluta la ayuda de su nueva aliada, Diana Prince, para enfrentarse a un enemigo aún mayor. Juntos, Batman y Wonder Woman se mueven rápidamente para encontrar y reclutar un equipo de metahumanos para combatir esta nueva amenaza. Pero a pesar de la formación de esta liga de héroes sin precedentes – Batman, Wonder Woman, Aquaman, Cyborg y Flash—puede que sea demasiado tarde para salvar el planeta de una amenaza de proporciones catastróficas.

Una razón para vivir

Título originalBreathe. DirecciónAndy Serkis. País: Reino Unido. Año: 2017. Duración: 117 minutos. Género: Biografía. Drama. Enfermedad. Basado en hechos reales. Interpretación: Andrew Garfield, Claire Foy, Tom Hollander, Hugh Bonneville, Diana Rigg, Miranda Raison, Dean-Charles Chapman, Kiera Bell, Camilla Rutherford, Ed Speleers, Ben Lloyd-Hughes, Emily Bevan, Roger Ashton-Griffiths, James Wilby, Amit Shah, Honey Holmes, Lasco Atkins. GuionWilliam Nicholson. ProducciónJonathan Cavendish. MúsicaNitin Sawhney. FotografíaRobert Richardson. MontajeMasahiro Hirakubo. Diseño de producción: James Merifield. Dirección artística: Kirk Doman, Marcus Wookey. VestuarioCharlotte Walter. ProductoraImaginarium Productions.  Premios y nominaciones: British Independent Film Awards (BIFA): Nominada a mejor maquillaje y sonido. Estreno en España: 17 de noviembre de 2017. SinopsisEl aventurero y carismático Robin Cavendish (Andrew Garfield) tiene toda la vida por delante cuando, a los 28 años, contrajo la polio, enfermedad que le provocó una parálisis desde el cuello hasta los pies. Contra toda recomendación médica, su mujer, Diana (Claire Foy), le saca del hospital. El apoyo de su esposa será fundamental para que Robin pueda luchar con optimismo y sin límites ante la enfermedad. La persistencia, ingenio y determinación de esta pareja fue un ejemplo de valentía y ganas de vivir, convirtiéndose además Robin en un pionero portavoz de los derechos de los discapacitados. Basada en una historia real, esta película melodramática es el debut en la dirección del actor especialista en la captura de movimiento Andy Serkis.

El autor

DirecciónManuel Martín Cuenca. País: España. Año: 2017. Duración: 112 minutos. Género: Drama. Literatura. Interpretación: Javier Gutiérrez, María León, Antonio de la Torre, Adriana Paz, Tenoch Huerta, Adelfa Calvo, Rafael Téllez, Craig Stevenson, Miguel Ángel Luque, Carmelo Muñoz Adame, Domi del Postigo. GuionManuel Martín Cuenca, Alejandro Hernández (Novela: Javier Cercas). FotografíaPau Esteve. ProductoraCoproducción España-México; Icónica Producciones/ Lazona/La Loma Blanca PC/Alebrije Cine y Video/Canal Sur Televisión/Junta de Andalucía/Lazona Producciones/Televisión Española/Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales. Estreno en España: 17 de noviembre de 2017. Sinopsis: Álvaro (Javier Gutiérrez) se separa de su mujer, Amanda (María León), una exultante escritora de best‐sellers, y decide afrontar su sueño: escribir una gran novela. Pero es incapaz; no tiene talento ni imaginación... Guiado por su profesor de escritura (Antonio de la Torre), indaga en los pilares de la novela, hasta que un día descubre que la ficción se escribe con la realidad. Álvaro comienza a manipular a sus vecinos y amistades para crear una historia, una historia real que supera a la ficción.... Adaptación de El móvil, primera novela de Javier Cercas, publicada en 1987.

Hacia la luz

Título original: Hikari. DirecciónNaomi Kawase. País: Japón. Año: 2017. Duración: 101 minutos. Género: Romance. Drama romántico. Discapacidad. Cine dentro del cine. Interpretación: Masatoshi Nagase, Ayame Misaki, Tatsuya Fuji, Kazuko Shirakawa, Mantarô Koichi, Noémie Nakai, Chihiro Ohtsuka,  Saori, Nobumitsu Ônishi. Guion: Naomi Kawase. Producción: Naoya Kinoshita, Masa Sawada, Yumiko Takebe. Música: Ibrahim Maalouf. Fotografía: Arata Dodo. MontajeTina Baz. Productora: Kumie/Comme des Cinémas Kino Films MK2 Productions. Premios y nominaciones: Festival de Cine de Cannes: Premio del Jurado Ecuménico y nominada a la Palma de Oro; Estreno en España: 17 de noviembre de 2017. Sinopsis:  la historia de amor entre Misako, una guionista, y Masaya. un fotógrafo. Ella es escritora de audiocomentarios en películas para invidentes. Él está perdiendo la vista. Misayo, más joven que Misako, descubrirá en sus fotografías recuerdos de su pasado. Y todo girará alrededor de la vista y de los visto.. 

El joven Karl Marx

Título originalLe jeune Karl Marx AKA Der Junge Karl MarxDirecciónRaoul Peck. País: Francia. Año: 2017. Duración: 112 minutos. Género: Drama. Biográfico. Siglo XIX. Interpretación: August Diehl, Stefan Konarske, Vicky Krieps, Olivier Gourmet, Hannah Steele, Eric Godon, Rolf Kanies, Stephen Hogan, Niels-Bruno Schmidt, Ulrich Brandhoff, Denis Lyons, Damien Marchal, Aran Bertetto, Wiebke Adam, Annabelle Lewiston. GuionPascal Bonitzer, Pierre Hodgson, Raoul Peck. MúsicaAlexei Aigui. FotografíaKolja Brandt. Productora: Coproducción Alemania-Bélgica-Francia; Agat Films, Cie/Velvet Film/Rohfilm. Premios y nominaciones: Festival de Cine de la Ciudad de Traverse: Founders Grand Prize (Raoul Peck). Estreno en España: 17 de noviembre de 2017. Sinopsis: Un joven Karl Marx conoce a Friedrich Engels en 1844. Defensores del movimiento obrero, Engels termina de dar a Marx la visión necesaria para afianzar su pensamiento. Ambos encabezan la revolución obrera mientras luchan con la censura y la represión de la polícia. En un mundo acostumbrado a la precariedad laboral, Marx y Engels dan una nueva visión del trabajo que no gusta a todos. Un reflejo de la vida de estos dos amigos e intelectuales entre Londres, Bruselas y París.

La isla de los monstruos

Título original: Isla Calaca AKA Monster Island Dirección: Leopoldo Aguilar. País: México. Año: 2016. Duración: 87 minutos. Género: Animación. Monstruos. Reparto: Animación. GuionBilly Frolick. ProducciónFernando de Fuentes, Jose C. Garcia de Letona. MúsicaKevin Smithers. FotografíaAnimación. MontajeLuciana Jauffred Gorostiza, Miguel Orozco Miranda. Dirección artística: Jorge Carrera. ProductoraÁnima Estudios. Estreno en España: 17 de noviembre de 2017. Sinopsis: Lucas es un chico al que las cosas no parecen irle muy bien, sin embargo estará a punto de descubrir un gran secreto que cambiará su vida para siempre. Durante una fiesta de Halloween, Lucas descubrirá que no es un humano normal y corriente, ¡si no que es un monstruo! Esto le llevará a replantearse su vida, huyendo de casa y emprendiendo una aventura hacia la isla de los monstruos para descubrir sus orígenes. Allí, Lucas tendrá que lidiar con gran cantidad de peligros y monstruos, descubriendo que ser un monstruo no es algo realmente extraño, sino una forma de pertenecer a un nuevo tipo de familia.

Con los brazos abiertos

Título original: À bras ouverts. Dirección: Philippe de Chauveron. País: Francia. Año: 2017. Duración: 92 minutos. Género: Comedia. Interpretación: Christian Clavier, Ary Abittan, Elsa Zylberstein, Cyril Lecomte, Nanou Garcia,Oscar Berthe, Mirela Nicolau, Sofiia Manousha  Ioana Visalon. GuionGuy Laurent, Marc de Chauveron, Philippe de Chauveron. Producción: Christian Clavier, Patrice Ledoux. MúsicaCecile Coutelier. FotografíaPhilippe Guilbert. MontajePhilippe Bourgueil. Dirección artística: Adrian Cristea. Productora: Coproducción franco-belga Camera One/Ouille Productions/Pulsar Productions/SND Films/Nexus Factory/Umedia/M6 Films/Canal+/Ciné+/W9/uFund/La Wallonie/Le Tax Shelter du Gouvernement Fédéral de Belgique/Investisseurs Tax Shelter. Estreno en España: 17 de noviembre de 2107. Sinopsis: Jean-Etienne Fougerole es un intelectual humanista casado con una rica heredera desconectado de la realidad. Mientras promociona su libro "À bras ouverts" en un debate de televisión invita a los telespectadores a acoger en su casa a personas necesitadas. El presentador le reta a que aplique lo que preconiza en su libro. 

Medidas extremas

Título originalEiðurinn. DirecciónBaltasar Kormákur. País: Islandia. Año: 2016. Duración: 110 minutos. GéneroDrama. Thriller. Crimen. Drogas. Interpretación: Baltasar Kormákur, Hera Hilmar, Gísli Örn Garðarsson, Margrét Bjarnadóttir, Auður Aradóttir, Guðrún Sesselja Arnardóttir, Þorsteinn Bachmann, Ingvar Eggert Sigurðsson. GuionÓlafur Egilsson, Baltasar Kormákur. ProducciónBaltasar Kormákur, Magnús Viðar Sigurðsson. Música: Hildur Guðnadóttir. FotografíaÓttar Guðnason. MontajeSigvaldi J. Kárason. Diseño de producción: Atli Geir Grétarsson, Páll Hjaltason, Heimir Sverrisson. Dirección artísticaHulda Helgadóttir. Vestuario: Birta Olafsdottir, Steinunn Sigurdardottir. ProductoraRVK Studios. Premios y nominacionesEdda Awards: mejor actriz, mejor actor de reparto, mejor música, mejor sonido, mejores efectos visuales u mejor maquillaje y siete nominaciones. Estreno en España: 17 de noviembre de 2017. SinopsisUn hombre está dispuesto a todo con tal de sacar a su hija del mundo de las drogas y los hurtos, ignorando que el peligro se puede encontrar en lugares totalmente inesperados. 

Jupiter's Moon

Título originalJupiter holdja. DirecciónKornél Mundruczó. País: Hungría. Año: 2017. Duración: 123 minutos. Género: Fantástico. Drama. Inmigración. Interpretación: Zsombor Jéger,  Mónika Balsai,  Merab Ninidze, György Cserhalmi, Majd Asmi,  Zsombor Barna, Szabolcs Bede Fazekas, Ákos Birkás, Mátyás Bodor, Soma Boronkay, András Bálint, Bálint Bán. GuiónKornél Mundruczó, Kata Wéber. ProducciónViola Fügen, Michel Merkt, Viktória Petrányi, Michael Weber. MúsicaJed Kurzel. FotografíaMarcell Rév. MontajeDávid Jancsó, Diseño de producción: Márton Ágh. Dirección artística: Zsófia Tasnádi. VestuarioSabine Greunig. ProductoraCoproducción Alemania-Hungría; KNM/Match Factory Productions/Proton Cinema/Pyramide Films/ZDF/Arte. Premios y nominacionesAustin Fantastic Fest: Mejor realización fantástica; Festival de Cine de Cannes: Nominada a la Palama de Oro; Norwegian International Film Festival: Pemio Andreas;  Festival de Sitges: Mejor película, mejores efectos especiales. Estreno en España: 17 de noviembre de 2017. Sinopsis: Al intentar cruzar ilegalmente la frontera, el joven emigrante Aryan es disparado, y la herida le otorga el poder de levitar. Con la ayuda del doctor Stern, logra escapar de un campo de refugiados. Fascinado por los superpoderes de Aryan, Stern ve la oportunidad de explotar el milagro.

Los nadie

Dirección: Juan Sebastián Mesa. País: Colombia. Año: 2016. Duración: 84 minutos. Género: Drama. Interpretación: Esteban Alcaraz, Maria Camila Castrillón, Maria Angélica Puerta, Alejandro Pérez Ceferino, Luis Felipe Álzate. GuionJuan Sebastián Mesa. ProducciónAlexander Arbelaez, José Manuel Duque. Música: O.D.I.O. FotografíaDavid Correa Franco. MontajeIsabel Otálvaro. Dirección artística: Mary Luz Cardona. Vestuario: Maria Camila Castrillón. Productora: Monociclo Cine. Premios y nominaciones: Black Movie Film Festival: Premio de la audiencia y nominada a mejor película; Festival de Cine Latinoamericana de Toulouse: Mejor película. Estreno en España: 17 de noviembre de 2017. Sinopsis: Amores, odios, promesas rotas y cinco hermanos de calle que se conocen en medio de una ciudad hostil. Los nadie, jóvenes unidos por las ansias de viajar, encuentran en el arte callejero y la música, el lugar donde refugiarse y una oportunidad para escapar. 

The Peppercorns and the Curse of the Black King

Título original: Die Pfefferkörner und der Fluch des schwarzen Königs. Dirección: Christian Theede. País: Alemania. Año: 2017. Duración: 99 minutos. Género: Aventuras. Comedia. Crimen. Cine familiar. Interpretación: Marleen Quentin, Ruben Storck, Emilia Flint, Luke Vogelbein, Leo Gapp, Devid Striesow, Katharina Wackernagel, Suzanne von Borsody, Hannes Wegener, Danny Thomas, Jonas Berg, Altamasch Noor, Lilly Barshy, Thomas Mehlhorn, Ricardo Angelini, Sebastian Baur, Zoran Pingel, Cécile Gujer, Jamie Thompson. GuionDirk Ahner. ProducciónHolger Ellermann,  Michael Lehmann, Kerstin Ramcke. MúsicaCornelius Renz, Mario Schneider. FotografíaThe Chau Ngo. MontajeMartin Rahner. Diseño de producción: Andreas Lupp. Vestuario: Karin Lohr. ProductoraAlbolina Film/Letterbox Filmproduktion/Norddeutscher Rundfunk (NDR)/Senator Film Produktion. Estreno en España: 17 de noviembre de 2017. Sinopsis: Dos amigos junto a su clase y su profesor Martin Schulze inician un viaje escolar lleno de aventuras y misterios. 

Biografías de cine: Jean-Pierre Melville (II)

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Tras unos comienzos difíciles, su valor comenzó a ser reconocido por una legión de seguidores, lo que le lleva a realizar una serie de películas, entre las que destaca Bob el jugador (Bob le flambeur, 1956), protagonizada por Roger Duchesne, un célebre actor durante la década de 1930, pero que había caído en desgracia al haber sido arrestado mientras se escondía en París, el 27 de septiembre de 1944, acusado de haber trabajado para la Gestapo. Primera película de gángsters de Jean-Pierre Melville. La acción dramática tiene lugar en Paris en 1955. Robert Montaigné (Duchesne), más conocido por su apodo “Bob, le flambeur”, tiene unos 45 años, vive en Montmartre (el salón de su casa domina una perspectiva presidida por la fachada principal de la Basílica del Sacré Coeur), peina cabellos blancos, viste con sobria elegancia y es tratado con reconocimiento y respeto por todos los que le conocen. Su reparto incluía también a  Daniel Cauchy, como el adulador Paulo, y a la recién llegada Isabelle Corey como la tentadora Anne. Aunque la película no fue un gran éxito, sin embargo, una de las favoritas de los aficionados que frecuentaban la Cinémathèque Français de Henri Langlois. Entre ellos se encontraban los jóvenes cineasta Jean-Luc Godard y François Truffaut, el último de los cuales utilizó al actor Guy Decomble (El comisario Ledru) de Bob el jugador en sus Los 400 golpes (1959) que marcó el comienzo de la era de la Nouvelle Vague. Unos nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés imponía hasta ese momento y, consecuentemente postularon como máxima aspiración, no sólo la libertad de expresión, sino también libertad técnica en el campo de la producción fílmica. En pocas palabras, Melville se negó a seguir las reglas y ellos lo siguieron. 
En retrospectiva, Bob el jugador parece sencillo: un mafioso reformado convertido en apostador de alto riesgo sale de su retiro para obtener un último trabajo. Su genio radica en su simplicidad. Melville admiraba la cultura estadounidense, como su alias indicaba. Condujo por París en un enorme Cadillac, luciendo un sombrero Stetson y gafas de sol de aviador. Bebió Coca-Cola y escuchó la radio estadounidense. Las obras de los directores estadounidenses John Ford y Howard Hawks le atraían, ya que eran sagas eternas de héroes y villanos. Melville se esforzó por construir su propio panteón mezclando el ethos estadounidense con sus sensibilidades de posguerra. Según lo percibió, fue América la que rescató valientemente a Francia de la ocupación alemana. Aún así, para un joven con raíces alsacianas, la línea que separaba a los buenos y a los malos había sido violada, y uno puede ver esta desilusión a partir de Le silence de la mer (1949). 
Por lo tanto, mientras tomaba prestado de la revolución del cine negro estadounidense contra las creaciones dicotómicas de Hollywood de la década de 1930, el artista estaba forjando su propia marca apócrifa de oscura tragedia. En su paradigma, un delincuente podría ser una especie de héroe dentro de su entorno, siempre y cuando se apegara a su palabra y sus lealtades. Fue su estilo personal y su adhesión al código de honor lo que definió a un "buen tipo"; por el contrario, fue su fe en los demás lo que fue su perdición. Es un universo sin posibilidad de salvación, en el que el amor y la amistad son interludios breves en el juegos del gato y el ratón que conducen a cierta destrucción. En ese sentido, Bob es un eslabón crucial entre Pépé le Moko (1937) de Julien Duvivier y Al final de la escapada (À bout de souffle, 1960) de Jean-Luc Godard, en el que Melville hizo un brillante cameo. 
Jean-Pierre Melville es a menudo considerado como el padrino de la Nouvelle Vague. Sin embargo, vale la pena mencionar que de no haber sido por su pasión por el cine estadounidense antes mencionado, podría habernos mostrado un Bob el jugador muy diferente. Originalmente concebida como una película de duros gángsters, la trama dio paso a la planificación de un robo, Melville se vio obligado a repensar su narrativa después de ver La jungla de asfalto (The Asphalt Jungle, 1950), de John Huston. Fue solo entonces cuando tuvo la idea de convertir a Bob en el  gánster de buenos modales que tanto deleitaba a los cinéfilos de la época. 
Por esta y otras deudas de gratitud, su siguiente película, Dos hombres en Manhattan (Deux hommes dans Manhattan, 1959), fue "una carta de amor a Nueva York" y a la América que veneraba. También fue su tercer fracaso consecutivo en taquilla, y causó que Melville se separara de de la Nouvelle Vague, movimiento que se sentía estaba dirigido a un publico selecto de entendidos de cine. Por ello dijo: "Si ... he consentido en pasar por un tiempo como su padre adoptivo, ya no lo deseo más, y he puesto cierta distancia entre nosotros". 
El primer paso en esta división vino con Léon Morin, sacerdote (Léon Morin, prêtre, 1961), basada en la novela de Béatrix Beck, una película bélica sobre los esfuerzos de un sacerdote para llevar la redención a los habitantes de una pequeña ciudad. Producida por Carlo Ponti, contó con un  gran presupuesto y con las actuaciones protagonistas de Jean-Paul Belmondo y Emmanuelle Riva, ambos nombres muy conocidos por entonces. 
(cont.)

Noticias de libro: La animación

La animación 

Andrew Selby
Blume
2013
224 págs. 
Una introducción a la animación para estudiantes que examina los enfoques y procesos técnicos, desde la escritura de guiones hasta la producción. Con ejemplos visuales de obras y animadores clave para ilustrar cómo pueden crearse emocionantes piezas para distintos tipos de público. Un recurso esencial para cualquier persona que pretenda incorporar la animación a su trayectoria profesional. La animación es una forma de expresión audiovisual muy poderosa y extraordinariamente adaptable que funde con gran eficacia imágenes en movimiento y sonidos para contar historias y explicar ideas. Es un medio que permite explorar teorías e informar a las audiencias, y, gracias a su flexibilidad como forma de construcción artificial, se adapta bien a una amplia gama de aplicaciones de comunicación. Este libro es un resumen introductorio del extraordinario y variado campo de la animación, con un amplio enfoque actualizado que aúna historia, teoría y práctica, y con información sobre la práctica profesional. Presenta ilustraciones de producciones emblemáticas de Walt Disney Studios, Warner Bros., Pixar, Aardman Animation, Touchstone Pictures, Suzie Templeton, entre muchos otros. 

Efemérides de cine: Con el corazón en la garganta

El 16 de noviembre de 1967 se estrenó la película italiana Con el corazón en la garganta (Col cuore in gola), dirigida por Tinto Brass e interpretada por Jean- Louis Trintignant, Ewa Aulin, Roberto Bisacco, Charles Kohler, Luigi Bellini, Monique Scoazec, Enzo Consoli, Vira Silenti. Productora: Coproducción franco-italiana; Les Films Corona/Panda Societa per L'Industria Cinematografica. Duración: 107 minutos.
Sinopsis argumental: En Inglaterra un actor francés conoce a una fascinante joven, aparentemente culpable de un asesinato. Sin embargo, queda prisionero de su belleza, y tratará de demostrar que ella es inocente a toda costa. Mientras intenta descubrir la naturaleza del crimen, será perseguido por la policía, que lo cree culpable, y por la mafia, que buscaba unas fotos robadas de la escena del crimen.
Comentario: Una de las primeras películas del director Tinto Brass, contradictoria y de culto, escandalosa y pionera del erotismo. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

miércoles, 15 de noviembre de 2017

Efemérides de cine: Saqueo en la ciudad

El 15 de septiembre de 2017 se estrenó la película francesa Saqueo en la ciudad (Mise à sac), dirigida por Alain Cavalier e interpretada por Daniel Ivernel, Michel Constantin, Franco Interlenghi, Philippe Moreau, Paul Le Person, Irène Tunc, Julien Verdier, Simone Landry, Philippe Ogouz, Jean Champion, Christiane Lasquin, André Rouyer, Henri Attal, Jean Amos. Productora: Corproducción franco-italiana; Les Films Ariane/Les Productions Artistes Associés/Registi Produttori Associati. Duración: 98 minutos. 
Sinopsis argumentalUna banda planea minuciosamente hacerse con el control de una pequeña ciudad para poder desvalijar la fábrica principal y a su vez el banco, el supermercado y las demás tiendas.
Comentario:  policíaca basada en la novela de Donald E. Westlake, que sigue la tradición de los atracos espectaculares. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine ¿Quién llama a mi puerta?

El 15 de noviembre de 1967 se estrenó la película estadounidense ¿Quién llama a mi puerta? (Who's That Knocking at My Door?), dirigida por Martin Scorsese e interpretada por Harvey Keitel,  Zina Bethune, Ann Collette, Lennard Kuras, Michael Scala, Harry Northup, Tsuai Yu-Lan, Saskia Holleman, Bill Minkin, Catherine Scorsese. Productora: Trimod Films. Duración: 90 minutos. 
Sinopsis argumental: J. R. es un típico joven italo-americano y católico de Nueva York en los años 1960. Pasa los días y las noches deambulando con sus colegas de Little Italy, yendo al cine, haciendo el tonto y siempre detrás de ligarse a alguna muchacha. Cuando conoce a la Chica en el ferry de Staten Island, ella da la vuelta a su mundo al confesarle la admiración que siente por 'Centauros del desierto'. Bella, rubia y delicada, la Chica es mucho más sofisticada que los tarugos con los que suele andar J. R., y se encarga de abrirle los ojos a placeres de la vida que se pueden encontrar más allá del barrio. Afectado por su fuerte educación católica, J. R. encuentra un problema muy importante en que ella no sea virgen, pese a que le dice que es como resultado de una violación. Pero cuando deja de darle vueltas al asunto y decide casarse con ella, la Chica le revela que es posible que ella no haya visto su relación del mismo modo.
Comentario: Primera película de Martin Scorsese y digno y solvente comienzo de un director de su categoría. Protagonizada por uno de sus actores fetiche, Harvey Keitel, el director rueda una película lleno de simbolismo. Destacan los movimientos de la cámara que se recrean en las calles de Nueva York, y la fotografía en blanco y negro. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

martes, 14 de noviembre de 2017

Biografías de cine: Sergei M. Eisenstein (VI)

(cont.)
La fe en su trabajo le permitió recuperarse y contraatacar. En otoño de 1937 dio la primera vuelta de manivela de Alejandro Nevsky (Aleksandr Nevskii, 1938), una epopeya patriótica que recreaba la lucha de los rusos contra los caballeros teutónicos en el siglo XIII y una de las películas de Eisenstein más populares entre los espectadores soviéticos. Su protagonista vuelve a ser una sola persona, no la masa, y desaparece su vigoroso estilo documental para ser sustituido por una delicada reconstrucción de la historia. Durante el rodaje, se asignó un supervisor oficial para vigilar a Eisenstein. En esta película, Eisenstein aplica el método de contrapunto que plantea en el Manifiesto del sonido, que escribió en 1928 junto con Pudovkin y Aleksándrov. Gracias a esta ruptura total con su pasado, Eisenstein recibió los honores que se le habían negado durante tanto tiempo, concediéndosele la Orden de Lenin. 
Escena de Alejandro Nesvky
En 1944 terminó Iván el Terrible (Ivan Grosny), una amplia trilogía sobre la figura del zar Iván Grozni. Plantea el drama del zar como la materialización de las contradicciones de un político creyente fiel y ortodoxo, que se ve obligado a enfrentarse con la Iglesia rusa que no quiere perder sus privilegios feudales. La imagen que presenta Eisenstein de este zar torturado, que se cuestiona si el poder proviene de Dios o del pueblo, disgusta a los dirigentes comunistas soviéticos, y después de recibir el Premio Stalin por su primer capítulo, su segunda y su tercera parte, que pensaba rodar en color, son prohibidas. La película fue compuesta por Sergei Prokofiev. 
Finalmente, en 1946, la noche en que terminó el montaje de La conjura de los boyardos (Ivan Groznyy. Skaz vtoroy: Boyarskiy zagovor) -no se pudo estrenar hasta 1958-, segunda parte de Iván el Terrible, que contaba la venganza de Iván; y había comenzado el rodaje de Iván el Terrible, tercera parte, pero que no se completó debido a la desaprobación del Gobierno soviético, Eisenstein sufrió un grave infarto. Tardó dos años en morir y cuando lo hizo, en febrero de 1948, se encontró sobre su mesa de trabajo un artículo inacabado sobre "El cine estereoscópico". 
En el caso de Sergei M. Eisenstein puede decirse que murió realmente con las botas puestas... Falleció a la edad de 50 años. 

Noticias de libro: 101 Películas que hay que ver antes de morir

101 Películas que hay que ver antes de morir

Steven Jay Schneider
Traducción de Isabel Merino Sámchez, Encarna Quijada Vargas, Ana Quijada Vargas, Teresa Camprodón Alberca
Grijalbo
2017
960 págs. 
La selección presentada en este volumen reúne las mejores películas de todos los tiempos, aquellas que no hay que perderse, tomando en consideración tanto su importancia en la historia del cine como el entusiasmo con que las recibieron público y crítica. Con reseñas amenas e informativas, y trufada de fotografías, esta es la guía de referencia esencial para cualquier amante del séptimo arte.
Aquí está todo cuanto hay que saber sobre las películas que no pueden dejar de verse. Tanto si buscas detalles sobre una película que te sabes de memoria desde el primer fotograma hasta el último, como si simplemente quieres decidir qué cinta vas a ver esta noche, en 1001 películas que hay que ver antes de morir encontrarás la más completa guía cinematográfica, con todo lo que conviene conocer sobre las películas que de verdad cuentan.
Cada obra dispone de una documentada reseña que pone la película en su contexto, valora su contribución a la historia del cine y ofrece toda la información relativa a su argumento, intérpretes y características. Una exhaustiva ficha complementaria detalla, además, todos los datos técnicos (país e idioma de producción, director, guionista, intérpretes, música...), así como los premios y nominaciones a los Oscar y los galardones cosechados en otros festivales internacionales. De cada película se indica también, además de su título original, aquel con el que se estrenó su versión en castellano, así como el año en que fue producida. El volumen se completa con unos útiles índices de las películas, sus directores y las películas clasificadas por géneros.

Noticias de libro: El cine de terror

El cine de terror


Joaquin Vallet Rodrigo
Notorious Ediciones
Madrid
2017
440 págs. 
"El cine de terror" es un estudio pormenorizado y primorosamente ilustrado de las 65 películas más influyentes de uno de los géneros cinematográficos más populares.
Desde los clásicos mudos del expresionismo alemán al cine sangriento de los ochenta, este libro estudia, a través de 65 películas, los puntos álgidos del género de terror. Sus actores, directores, corrientes, estilos...

lunes, 13 de noviembre de 2017

Biografías de cine: Sergei M. Eisenstein (V)

(cont.)
Había conseguido rodar toda la película menos un episodio, el último, cuando, de repente Sinclair mandó para la producción como consecuencia del mal comportamiento de su cuñado. Sinclair se negó a ver a nadie que tuviera relación con la película hasta comprobar que había ocurrido realmente. Dejó de patrocinar a Eisenstein, quien afirmó que podía montar una película con el material ya rodado. Sinclair le dijo a Eisenstein que volviera a Moscú, a donde enviaría luego la película revelada. Pero, no ocurrió así. Durante veinte años, Sinclair lanzó acusaciones contra Eisenstein y las autoridades cinematográficas soviéticas por la catástrofe de ¡Que viva México!
Las imágenes filmadas se utilizaron para la creación de películas como Thunder over Mexico (1933), Eisenstein in Mexico y Death Day (1934) y Time in the Sun (1956). En 1956, Sinclair depositó el material fílmico en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El título ¡Que viva México! propuesto por Eisenstein, fue utilizado para una versión realizada por Grigori Alexandrov, que trató de respetar los cuatro episodios del filme original.​ La obra fue estrenada en 1979, aproximadamente una década después de que el material fuera enviado por el Museo de Arte Moderno a la Unión Soviética. Además, ese mismo año recibió un reconocimiento en el Festival Internacional de Cine de Moscú. El propio Alexandrov y Sergei Bondarchuk ejercieron como narradores, empleando las notas escritas por Eisenstein. 

De vuelta a la URSS

Tras volver a Moscú en 1932, Eisenstein no consiguió sacar adelante ningún otro proyecto de película. El director de la industria cinematográfica soviética Boris Shumyatsky, rechazaba todas las ideas que le sugería. Sin quejarse,  al igual que hiciera Vsévolod Pudovkin (prestigiosos realizador soviético, contemporáneo de Eisenstein), el gran director se dedicó a la enseñanza, escribiendo y planificando una serie de diez libros, y confiando en que sus investigaciones fueran de utilidad en el futuro -teoría sobre el empleo del color y del sonido, que sin embargo no tendrá ocasión de llevar a la práctica-. En enero de 1935 presidió una conferencia de cinco días de duración sobre los problemas creativos y políticos del cine soviético, y todos los participantes le atacaron por el "formalismo" de sus películas y a él personalmente por dedicarse a la investigación y no dirigir. 
Eisenstein -en el rodaje de El prado de Bezhin
Las humillaciones de esos cinco días espolearon a Eisenstein a dirigir otra película, fueran cuales fueran las consecuencias. En mayo de 1935 comenzó el rodaje de El prado de de Bezhin (Brezhin Lug, 1937), tragedia campesina  de un muchacho que organiza la juventud local para proteger la cosecha del colectivo agrícola; pero, al igual ¡Qué viva México! esta película estaba destinada a no ser vista jamás. Eisenstein perdió el hilo de la historia debido a su afán de experimentar y Shumyatsky terminó prohibiendo la película. 
Su triunfo sobre Eisenstein debió parecerle total cuando el director se vio obligado a  escribir una devastadora autocrítica titulada "Los errores de El prado de Bexhin". Pero, incluso después de que Shumyatsky hubiera caído en desgracia la película no fue estrenada y durante algún tiempo se creyó que había sido destruida durante la II Guerra Mundial. Todo lo que queda de ella es una reconstrucción montada después de la muerta de Eisenstein con fragmentos conservados por el mismo, con una duración de 30 minutos. 
(cont.)

Efemérides de cine: The Nude Restaurant

El 13 de noviembre de 1967 se estrenó la película estadounidense The Nude Restaurant, dirigida por Andy Warhol y protagonizada por Brigid Berlin, Julian Burrough, Taylor Mead, Allen Midgette, Ingrid Superstar, Viva, Louis Waldon. Productora: Andy Warhol Films. Duración: 100 minutos.
Sinopsis argumental: En The Mad Hatter, un restaurante de la ciudad de Nueva York ubicado en la esquina de Bleeker Street y Seventh Avenue South y propiedad de los hermanos Rob Pinon y Ron Pinon, los clientes van desnudos sólo cubiertos por un tanga, al igual que la camarera que los atiende...
Comentario: Existen diferentes versiones de la película, una de ellas con un elenco exclusivamente masculino, con todos los actores en tanga. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

domingo, 12 de noviembre de 2017

Biografías de cine: Sergei M. Eisenstein (IV)

(cont.)
Tras realizar amplias investigaciones para Sutter's Gold, la adaptación de la novela de Cendrar, Eisenstein completó un proyecto de guión en sólo tres días. Pero, a pesar de ser genuinamente americano, la Paramount lo rechazó. El estudio estaba asustado ante la tormenta desencadenada por el mayor Frank Pease, un superpatriota profesional, contra la estancia en Estados Unidos de "Eisenstein, ese perro rojo". Pease escribió y puso en circulación un corrosivo documento de 24 páginas titulado Eisenstein: Messenger from Hell (Eisenstein, el mensajero del infierno en Hollywood), atribuyéndole la responsabilidad de todas las atrocidades, reales o imaginarias, cometidas por los bolcheviques.
Sin embargo, Hollywood no había renunciado totalmente a utilizar a Eisenstein. Se le confió un proyecto largo tiempo abandonado la adaptación de la novela de Theodor Dreiser, An American Tragedy (Una tragedia americana, 1925), con su denuncia de las limitaciones de la justicia durante un juicio por asesinato. Escrito a gran velocidad el guion fue recibido con entusiasmo por la Paramount. Pero, en octubre de 1930, el Comité Fish (dirigido por Hamilton Fish, se trataba de un comité especial del Congreso para investigar el comunismo en estados y ciudades de todo el país), antecesor del Comité de Actividades Antiamericanas, se presentó en Hollywood para investigar las actividades comunistas en California y, sobre todo, la idea de llevar a la gran pantalla la obra de Dreiser. 
La combinación de la lucha por la supremacía dentro de la Paramount, la negativa de Eisenstein de subordinarse a los deseos del estudio de que convirtiera la novela de Dreiser en la clásica historia de "chico encuentra a chica" y la campaña de Pease, obligaron finalmente a Lasky a romper su contrato con Eisenstein, que durante los meses que había permanecido en Hollywood no había rodado ni un metro de película. 
Upton Sinclair
Eisenstein que llevaba mucho tiempo fascinado por México, inició entonces un proyecto desastroso, el de dirigir una película mexicana. Mal aconsejado por Ivor Montagu, renunció a buscar fuentes de financiación mexicanas y confió en el novelista americano Upton Sinclair y sus esposa, quienes nombraron al irresponsable hermano de ella Hunter Kimbrough, como jefe de producción con acceso a los fondos. En diciembre de 1930, Eisenstein, Tissé y Alexandrov tomaron un tren desde Los Angeles hasta Ciudad de México. 
Tan pronto como llegaron los tres rusos, un telegrama enviado por Pease al gobierno mexicano hizo que fueran arrestados y encarcelados pero la intervención diplomática de un amigo español de Eisenstein consiguió su liberación y que las autoridades se disculparan declarando que Eisenstein era su "huésped de honor". Al cabo de tres meses de inactividad, Eisenstein, que mientras tanto se había dedicado a empaparse de la atmósfera méxicana comenzó a rodar su !Qué viva México! (1932) y envió a Sinclair un tratamiento cinematográfico y un guión inacabado. 
El tema de la película lo constituía la historia de México y el "círculo eterno" de la muerte y el nacimiento. En el proyecto original se planteó que la película estaría conformada por un prólogo (que marcaría el paralelismo entre el pasado y el presente de México), un epílogo (un retrato del México moderno en contraste con el antiguo) y cuatro episodios: Sandunga (boda indígena en Santo Domingo Tehuantepec), Maguey (desencuentros entre campesinos en una hacienda porfirista), Fiesta (preparación de un torero previo a la corrida) y Soldadera (dedicado a reivindicar a la mujer revolucionaria). Este último episodio, inspirado en los trabajos de José Clemente Orozco. Eisenstein rodó 59.640 metros de película, un material que consideraba el mejor que había filmado nunca, y lo envío a Sinclair a Hollywood, para que fuese revelado. 
(cont.)


Efemérides de cine: The Jackals

El 11 de noviembre de 1967 se estrenó la película sudafricana The Jackals, dirigida por Robert D. Webb e interpretada por Vincent Price, Diana Ivarson, Robert Gunner, Bob Courtney, Patrick Mynhardt, Bill Brewer,  John Whiteley. Productora: Killarney Film Studios/Twentieth Century Fox Film Corporation. Duración: 96 minutos. 
Sinopsis argumental: El prospector minero Oupa Decker y su nieta Wilhemina Adelaide 'Willie' Deckerque viven en Sudáfrica están asediados por un grupo de ladrones de bancos, dirigidos por 'Stretch' Hawkins (Robert Gunner). 
Comentario: La película fue la última dirigida por Robert D. Webb. Es un remake de Yellow Sky (1948), dirigida por William A. Wellman. Esta basada en la novela de W.R. Burnett. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

sábado, 11 de noviembre de 2017

Biografías de cine: Sergei M. Eisenstein (III)

(cont.)
En 1930, Eisenstein y su ayudante Grigori Alexandrov y Tissé fueron enviados a Europa a investigar sobre el sonido (un medio que los soviéticos tardaron bastante en desarrollar). Al mismo tiempo, el amigo inglés de Eisenstein, el cineasta y teórico Ivor Montagu, se encargo de difundir en Hollywood la noticia de que el director de El acorazado Potemkin había salido de la Unión soviética y quería hacer una película sonora. Jessie L. Lassky, de la Paramount, viajó a París y contactó con Eisenstein, que lo sabía todo sobre el arte pero un inexperto corderillo en el terreno de los negocios. Sin embargo, Eisenstein se sorprendió incluso a sí mismo negociando arduamente hasta conseguir firmar un contrato que le permitía llevar a Tissé y Alexandrov a Hollywood, y cobrar 900 dólares a la semana.
Serguei M. Eisenstein y Walt Disney

La aventura americana

Nada más llegar a Nueva York, Eisenstein fue convertido por los fotógrafos publicitarios de la Paramount en una especie de noble genio del mundo moderno que posaba ante "esa Babilonia monumental, el edificio de la Radio City". Pero pronto se dedicó a lo que realmente le interesaba, dando conferencias en las Universidades de Columbia y Harvard. Antes de marchar a la costa oeste, su película más difícil Lo viejo y lo nuevo, se estrenó en un pequeño cine de arte y ensayo de Times Square, Nueva York.
Los encargados de las relaciones públicas de la Paramount se sintieron incómodos cuando vieron aquella exaltación de la colectivización y del comunismo y se apresuraron a proponer a Eisenstein que rodara una película sobre los primeros jesuitas. Eisenstein contraatacó sugiriendo una película basada en la novela del francés, de origen suizo, Blaise Cendrar, El oro (L'Or. La merveilleuse histoire du général Johann August Suter, 1925), que se había llevado consigo. Pero la Paramount no se mostró demasiado entusiasmada con esta historia acerca de la fiebre del oro de 1848. 
Sergei Eisenstein, Marlène Dietrich y Josef von Sternberg
Mientras tanto, la irritación y la mordacidad de Eisenstein iban en aumento. Para entrar en Estados Unidos había jurado respetar la Constitución norteamericana, pero no que fuera a afeitarse o a no ponerse su típica gorra, la que llevaban normalmente los obreros rusos. En un banquete organizado por la Paramount para presentarle a la prensa de Nueva York, apareció con barba de tres días y la gorra puesta. "Creo -dijo- que se imaginan a todos los rusos con barba y no quiero desilusionarles".
Nuevamente, Eisenstein, Tissé y Alexandrov llegaron a Hollywood. Interesado en conocer y estudiar el auténtico pueblo americano para poder rodar una película verdaderamente americana. Eisenstein se mostró frío y distante con las estrellas de Hollywood que le iban presentando. Las dos únicas con las que se sintió a gusto fueron Charles Chaplin, con el que navegó y jugó al tenis, y Colleen Moore, una actriz cinematográfica estadounidense, una de las estrellas más elegantes de la era del cine mudo.
(cont.)