Cumplió 25 años: Una historia verdadera

El 21 de mayo de 1999 se estrenó la película estadounidense Una historia verdadera (The Straight Story), dirigida por David Lynch e interpretada por Richard Farnsworth, Sissy Spacek, Harry Dean Stanton, Jane Galloway Heitz, Joseph A. Carpenter, Donald Wiegert, Jennifer Edwards-Hughes, Everett McGill. Productora: Coproducción Estados Unidos-Francia; Studiocanal, Les Films Alain Sarde, The Picture Factory, Film4 Productions, Asymetrical Production, Ciby 2000. Duración: 111 minutos. 

Sinopsis argumental: Alvin Straight (Richard Farnsworth) es un achacoso anciano que vive en Iowa con una hija discapacitada (Sissy Spacek). Además de sufrir un enfisema y pérdida de visión, tiene graves problemas de cadera que casi le impiden permanecer de pie. Cuando recibe la noticia de que su hermano Lyle (Stanton), con el que está enemistado desde hace diez años, ha sufrido un infarto, a pesar de su precario estado de salud, decide ir a verlo a Wisconsin. Para ello tendrá que recorrer unos 500 kilómetros, y lo hace en el único medio de transporte del que dispone: una máquina cortacésped. 

Nominaciones y premios: Oscar: Nominada a mejor actor (Richard Farnsworth); Globo de Oro: 2 nominaciones a mejor actor, banda sonora original; Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Farnsworth) y mejor fotografía 4 nominaciones; Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor actor (Farnsworth); Premios Independent Spirit: Mejor actor (Farnsworth). 4 nominaciones.

Comentario: La historia de Alvin Straight, basada en hechos reales, es un canto a la tenacidad y sabiduría que uno puede lograr en la senectud, tras la experiencia de los años vividos. Lynch dibuja bien los tipos humanos de la película, en primer lugar a Alvin. Éste viaja en una cortadora por las limitaciones físicas de su edad. Y esa lentitud con que se mueve, se convierte en metáfora de las necesidades de una sociedad que corre demasiado y no se detiene a pensar. En su largo caminar, Alvin se topa con variopintos personajes, y en cada uno derrama la ciencia que tiene. Fotografía de Freddie Francis y música de Angelo Badalamenti ayudan a conjugar el tono casi-épico con el intimista. Participamos así en un viaje de aprendizaje donde, curiosamente, el que aprende no es el viajero, sino los que se encuentran con él.

Cumplió 25 años: Dogma

El 21 de mayo de 1999 se estrenó la película estadounidense Dogma (21-5-1999), dirigida por Kevin Smith e interpretada por Ben Affleck, Matt Damon, Linda Fiorentino, Jason Mewes, Chris Rock, Alan Rickman, Jason Lee, Salma Hayek, Kevin Smith, Janeane Garofalo, Alanis Morissette. Productora: View Askew Productions, STK. Duración: 130 minutos. 

Sinopsis argumental: La batalla final en la eterna guerra entre el Bien y el Mal tendrá lugar en Nueva Jersey, cuando dos ángeles caídos intenten destruir el universo entero, a menos que alguien logre detenerlos. Estos dos ángeles, Loki y Bartleby, tratan de hallar un modo de acabar con su exilio perpetuo en Wisconsin, cuando se topan con el plan perfecto para regresar al paraíso: la posibilidad de eludir el dogma que les permitirá retornar al Cielo, si pasan bajo el bendito arco de la catedral de Nueva Jersey, eliminando a la vez toda existencia humana. Pero tendrán que enfrentarse a un problema; una persona ha sido elegida para impedírselo... y no tendrá que hacerlo sola. 
Nominaciones y premios: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor guión; Premios Razzie: Nominada a peor actriz secundaria (Hayek); Satellite Awards: Nominada a mejor actor de reparto-comedia (Rickman) y canción. 
Comentario: Si uno busca teología en este film de un Kevin Smith que se dice “católico practicante”, quizá deba consultar otras fuentes. Su película es una comedia que se mueve en el terreno del disparate, y que se aleja de títulos como Clerks o Persiguiendo a Amy. Seguramente Smith no pretende herir sensibilidades, perola película toca cuestiones delicadas, y... no llueve, desde luego, a gusto de todos. El reparto está plagado de rostros muy populares, entre ellos los de Ben Affleck y Matt Damon.

Festival de Cannes 2024: Hemos clasificado todas las películas de Francis Ford Coppola (III)

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16. Cotton Club (The Cotton Club, 1984)

América, años veinte. El Cotton Club es el night club de jazz más famoso de Harlem, Nueva York. Su historia es la historia de la gente que frecuenta el local: Dixie Dwyer (Richard Gere), un atractivo trompetista que busca el éxito y cuya suerte cambia radicalmente cuando salva la vida del gángster Dutch Schultz; Sandman Williams (Gregory Hines), un brillante bailarín negro que sueña con convertirse en estrella, o Vera Cicero (Diane Lane), la novia de Dutch Schultz, una joven bella y ambiciosa cuya vida corre peligro debido a la pasión prohibida que siente por Dixie. Francis Ford Coppola retorna con esta película al cine de gángsters que tan buenos resultados le había dado en la saga de El padrino. De hecho, hay una escena de montaje paralelo, un baile de claqué al que acompañan varios crímenes, que sigue la pauta de la célebre secuencia del bautismo en la película de la familia Corleone. Además, la película es casi un musical, con célebres temas de jazz, números de claqué, bailarinas fantásticas y ese ambiente de ensueño en el Harlem del mítico club nocturno Cotton Club.

15. El hombre sin edad (Youth Without Youth, 2007)

En vísperas de la Segunda Guerra Mundial, la vida de Dominic Matei (Tim Roth), un anciano profesor, sufre una extraña transformación: tras ser alcanzado por un rayo, no sólo sigue vivo, sino que rejuvenece. Este hecho despierta el interés de los nazis, que pretenden servirse de él para sus investigaciones y experimentos. Dominic se ve entonces obligado a huir y a adoptar una nueva identidad. Convertido en un fugitivo, vagará por diversos países y conocerá a Verónica (Alexandra Maria Lara), una mujer idéntica a Laura, el gran amor de su vida. Tras diez años alejado de la silla de director, Francis Ford Coppola volvió a la gran pantalla con este drama fantástico, basado en la novela de Mircea Eliade, que reflexiona sobre el tiempo y la conciencia. Financiada parcialmente con los beneficios de los viñedos que el cineasta tenía en California, la cinta contó con el protagonismo de Tim Roth quien estuvo acompañado por dos de los actores principales de El hundimiento, Bruno Ganz y Alexandra Maria Lara. Además, cuenta con el 'cameo' de Matt Damon, quien ya había colaborado con Ford Coppola en su último trabajo, Legítima defensa, de John Grisham. Como curiosidad, tras pasar por posproducción, la película se quedó en tres horas de duración. Para reducirla a las dos horas ideadas desde un inicio, Ford Coppola tuvo que eliminar una subtrama que incluía a unos estudiantes radicales y la policía secreta.

14. Rebeldes (The Outsiders AKA The Outsiders: The Complete Novel, 1983)

Dos bandas de adolescentes rivales. Algunos todavía van al colegio asidos a un futuro con esperanza. Otros son jóvenes marginados (o desplazados: "outsiders") acicalados de gomina. Casi todos a la búsqueda de un sitio en una sociedad en la que no se ven reflejados, y en la que el camino más recto conlleva una fácil tentación por la violencia... Apenas unos meses antes, el propio Coppola había estrenado otra historia de pandillas juveniles con La ley de la calle (Rumble Fish, 1983), un hipnótico relato poco convencional en su formato que incluía incluso toques oníricos. Aquí el director repite tema pero cambia de estilo en este interesante drama con un reparto repleto de jóvenes promesas del cine americano de los años 1980. En su época, en Estados Unidos, crítica y público la ignoraron por completo. Ella misma fue una "outsider" de cine independiente firmada por un tipo que tenía varios Oscar en su casa.

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Cumplió 25 años: Summer of Sam (Nadie está a salvo de Sam)

El 20 de mayo de 1999 se estrenó la película estadounidense Summer of Sam (Nadie está a salvo de Sam) (Summer of Sam), dirigida por Spike Lee e interpretada porJohn Leguizamo, Mira Sorvino, Adrien Brody, Jennifer Esposito, Michael Rispoli, Mike Starr, Anthony LaPaglia, Ben Gazzara, John Savage, Michael Badalucco, Michael Imperioli, Spike Lee. Productora: 40 Acres & A Mule Filmworks, Touchstone Pictures, Hostage Productions. Duración: 136 minutos.

Sinopsis argumental: La ciudad de Nueva York se ve invadida por una gran ola de calor, mientras se ve sacudida por los crímenes de un asesino en serie al que la prensa amarilla ha bautizado como "El hijo de Sam". Cuando un jefe mafioso ofrece una recompensa por su captura, unos vecinos del Bronx que están convencidos de que el asesino es de su barrio, hacen una lista de los sospechosos.

Comentario: La película aprovecha un hecho real, las actuaciones de un loco asesino, para contar las vicisitudes de unos tipos que llevan una vida de perros en uno de los barrios modestos de Nueva York. Vinny (John Leguizamo) tiene una esposa preciosa, Dionna (Mira Sorvino), pero es un mujeriego compulsivo, y la engaña constantemente. Ritchie, su mejor amigo, está mostrando algunas raras manías, por lo que a los ojos de la gente del barrio se convierte en principal sospechoso de los asesinatos. El cineasta Spike Lee cuenta con oficio no exento de crudeza esta historia de muertes y amores inconstantes.

Efemérides de cine: Las mil y una noches

El 20 de mayo de 1974 se estrenó la película italiana Las mil y una noches (Il fiore delle Mille e una notte), dirigida por Pier Paolo Pasolini e interpretada por Ninetto Davoli, Franco Citti, Franco Merli, Tessa Bouché, Ines Pellegrini, Margareth Clementi, Luigina Rocchi,Alberto Argentino, Francesco Paolo Governale, Salvatore Sapienza, Zeudi Biasolo, Barbara Grandi, Elisabetta Genovese, Gioacchino Castellini, Abadit Ghide, Christian Aligny, Salvatore Verdetti, Jocelyne Munchenbach, Luigi Antonio Guerra, Jeanne Gauffin Mathieu, Francelise Noel, Franca Sciutto. Productora: Coproducción Italia-Francia; Produzioni Europee Associati (PEA), Les Productions Artistes Associes. Duración: 129 minutos

Sinopsis argumental: Los cuentos son narrados unos dentro de otros. La mayoría de ellos poseen matices eróticos y tienen un carácter fantástico. El principal relato sobre el que gira la película es el cuento de Nur-ed-Din y Zumurrud (Ines Pellegrini). Nur-ed-Din (Franco Merli) es un joven que pertenece a una poderosa familia y que compra una esclava. La bella muchacha se llama Zumurrud (Ines Pellegrini) y sus maravillosos encantos hacen que su amo se enamore de ella. La esclava también le corresponde por lo que comienzan una apasionada relación. Todo marcha bien hasta que Zumurrud es secuestrada por un hombre llamado Jaguan el Kurdo, que es el líder de una banda de cuarenta ladrones. Nur-ed-Din hará lo imposible por encontrar a su amada. Mientras, ésta, tendrá que vivir numerosas aventuras en un territorio lleno de extraños personajes que pondrán en peligro su vida.

Nominaciones y premios: Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado.

Comentario: Tercera y última parte de la Trilogía de la vida (El Decamerón y Los cuentos de Canterbury) que consta de una decena de historias basadas en un clásico de la literatura árabe que exalta un sexo inocente, alegre, y alejado del sentimiento de pecado. Causó polémica por los desnudos frontales y escenas sexuales explícitas que presenta. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Festival de Cannes 2024: Hemos clasificado todas las películas de Francis Ford Coppola (II)

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19. Ya eres un gran chico (You're a Big Boy Now, 1966)

Bernard Chanticleer es un muchacho que ya ha cumplido los veinte años, pero su madre sigue tratándolo como si fuera un niño. Dispuesto a acabar con esta situación, el padre decide que su hijo se independice. Con este fin, lo obliga a abandonar la casa paterna y a trasladarse a una pensión; además, para que se gane la vida, lo contrata como empleado de la biblioteca de la que es director. Es la segunda película de Coppola, quien a sus 28 años parecía especialmente ansioso por ser tomado en serio haciendo una comedia bien elaborada. Paradójicamente, pone así su saber hacer al servicio del retrato de un inútil simpático y fantasioso, y al final el resultado no carece de carácter.

18. Peggy Sue se casó (Peggy Sue Got Married, 1986)

Peggy Sue (Kathleen Turner) es una mujer de mediana edad que está deprimida por la reciente separación de su marido (Nicolas Cage). En la fiesta del veinticinco aniversario de su graduación escolar se reúne con sus viejos compañeros de estudios que cuentan cómo les ha ido la vida. Cuando recibe el premio de reina de la fiesta, Peggy sufre un desmayo y misteriosamente despierta en el mismo lugar pero 25 años antes. Sirviéndose de la experiencia adquirida con el tiempo, intentará cambiar los errores cometidos. La puesta en escena es más que discreta, los momentos de emoción fugaces y el ritmo se parece más a la balada de Buddy Holly, Un poco de rock salvaje de Bill Haley. En definitiva, nos hubiera gustado una nostalgia menos sabia por esta sencilla fábula sobre el desencanto.

17. El valle del arco iris (Finian's Rainbow, 1968)

Un misterioso irlandés, Finian McLonergan (Fred Astaire), y su hija Sharon (Petula Clark) llegan al Valle del Arco Iris, que vive del cultivo de tabaco y está dominado por el malvado juez Rawkins. Finian y Sharon llevan consigo un lingote de oro que han robado al duende Ogg. Piensan que, si lo entierran en el valle, crecerá y se transformará en un gran tesoro. Pero Ogg se presenta en el pueblo con la intención de recobrar su lingote. Mientras tanto, Sharon se enamora de uno de los campesinos. Magníficos paisajes y canciones como en Broadway, en esta comedia musical coreografiada por el joven Coppola. Un cuento travieso que mezcla leyendas celtas y encantos de Hollywood, la gran clase clásica de Fred Astaire y el encanto pop del espectáculo de Petula Clark, para recomponer una pequeña pero agradable historia de América. Ciertamente, el escenario es particularmente ingenuo, pero las canciones han envejecido bastante bien.

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Cumplió 25 años: Las vírgenes suicidas

El 19 de mayo de 1999 se estrenó la película estadounidense Las vírgenes suicidas (The Virgin Suicides), dirigida por Sofia Coppola e interpretada por Kirsten Dunst, Josh Hartnett, James Woods, Kathleen Turner, A.J. Cook, Leslie Hayman, Michael Paré, Scott Glenn, Danny DeVito, Hanna Hall, Chelse Swain, Hayden Christensen. Productora: American Zoetrope, Muse Productions, Eternity Pictures. Duración: 97 minutos. 

Sinopsis argumental: A mediados de los años 1970, en un barrio residencial de una ciudad americana vive en perfecta armonía la familia Lisbon. Todos los chicos suspiran por las cinco hermosas hermanas Lisbon. Sin embargo, ese paraíso se desmorona cuando Cecilia, la menor, se suicida a los doce años. ¿Cómo puede convivir la belleza más pura con una macabra historia adolescente? Ésta es la pregunta que persigue a uno de aquellos adolescentes que, ya en su madurez, aún no ha podido olvidar los sucesos ocurridos veinte años antes.

Nominaciones y premios: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor banda sonora.

Comentario: Las vírgenes suicidas representó el debut detrás de las cámaras de Sofia Coppola, hija del realizador Francis Ford Coppola y actriz en varias de sus películas, de entre las que destaca El padrino III. La realizadora decidió adaptar la novela homónima de Jeffrey Eugenides, una de las más aclamadas de los últimos tiempos en Estados Unidos. La película que fue rodada con un presupuesto bastante modesto, cuenta con la presencia de destacados actores como Kirsten Dunst, Kathleen Turner y James Woods, que decidieron participar en él cobrando un sueldo bastante inferior a su caché habitual.

Cumplió 25 años: Ghost Dog, el camino del samurái

El 19 de mayo de 1999 se estrenó la película estadounidense  Ghost Dog, el camino del samurái (Ghost Dog: The Way of the Samurai), dirigida por Jim Jarmusch e interpretada por  John Tormey, Cliff Gorman, Forest Whitaker, Henry Silva, Tricia Vessey, Dennis Liu, Victor Argo, Isaach De Bankolé. Productora: Plywood Productions. Duración: 115 minutos.

Sinopsis argumental: Rodeado de pájaros, en una cabaña situada en la azotea de un edificio abandonado, Ghost Dog estudia un antiguo texto samurái. Ghost Dog es un asesino profesional que se funde en la noche y se desliza por la ciudad. Cuando su código moral es traicionado por las disfunciones de una familia mafiosa que lo contrata de vez en cuando, Ghost Dog reacciona estrictamente según el código samurái.

Nominaciones y premios: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película): Premios Cesar: Nominada a la mejor película extranjera; Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película. 

Comentario: Cuatro años después de Dead Man, Jim Jarmusch regresó al largometraje de ficción con esta película sobre un asesino a sueldo afroamericano que se guía según el Hagakure, la guía práctica y espiritual del samurái, escrita por Yamamoto Tsunetomo a principios del siglo XVIII. El largometraje es un homenaje a la película El silencio de un hombre (título original, Le samourai), de 1967, dirigida por Jean-Pierre Melville e interpretada por Alain Delon.

Las películas de Roger Corman mejor valoradas (II)

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6. Un cubo de sangre (A Bucket of Blood, 1959)

Singular película del rey de la serie B Roger Corman. Un claro precedente de La tienda de los horrores, en el que Corman suplió la escasez de presupuesto con una considerable dosis de imaginación. Narra una historia de horror planteada desde la perspectiva del humor negro con perfiles algo gruesos. Su aparente simplicidad encierra un juego que resulta tan sutil como eficaz, proporcionando notables dosis de regocijo. Sigue la pista a Walter, un aspirante a artista que malvive sirviendo como camarero en un garito bohemio, donde acuden presuntos creadores a exponer con pedantería su visión del arte. Un día, accidentalmente, Walter mata al gato de su casera, y tiene la ocurrencia de, cubriéndolo de arcilla, hacer una 'magnífica escultura'. Ello le catapulta a la fama, al menos en el garito donde servía, pero claro, tiene que seguir entregando esculturas, y para ello empieza a perpetrar crímenes. Corman se toma a broma la historia, pero ello no impide que cree escenas de genuino terror sacando el máximo rendimiento al escaso presupuesto, y a su esfuerzo por rodar el film en apenas seis días. Protagoniza la película Dick Miller, toda una leyenda en la serie B, que sabe dotar a su personaje de la fragilidad psíquica que requiere. Se hizo una nueva versión, para televisión, de la película en 1995 (para la red Showtime).

7. El palacio de los espíritus (The Haunted Palace, 1963) 

En 1875, Charles Dexter Ward (Vincent Price) viaja con su esposa, Ann (Debra Paget), para inspeccionar un caserón que ha heredado en Arkham, Massachusetts. Este había sido propiedad de su bisabuelo Joseph Curwen, un discípulo del diablo que a finales del siglo xviii maldijo a los pobladores locales antes de que lo ataran a un árbol y lo quemaran vivo. Todo el mundo es hostil a Ward, culpándolo de la maldición que provoca un alto número de mutantes en el pueblo. De hecho, la llegada de Mr. Ward permite que su bisabuelo tome posesión de su cuerpo y vuelva a las andadas para vengarse de los descendientes de aquellos que lo asesinaron. Aunque se comercializó como The Haunted Palace of Edgar Allan Poe, la película en realidad se basa en El caso de Charles Dexter Ward de H. P. Lovecraft. El título se deriva de un breve poema de Poe de 1839, del que Price recita unas líneas en dos momentos. Fue la primera película del director en emplear las nuevas lentes zoom, lo que supuso un problema pues obligaba a usar más luz de lo normal en el set de rodaje. Francis Ford Coppola proporcionó diálogos adicionales para la película.

8. El hombre con rayos X en los ojos (X: The Man with the X-Ray Eyes, 1963)

El doctor James Xavier es un científico brillante pero de métodos poco ortodoxos. En su último experimento para explorar los límites de la visión humana ha encontrado un químico que aumenta extraordinariamente el rango de lo visible al ojo. Desoyendo las advertencias de sus dos colegas, la doctora Diane Fairfax y el doctor Sam Brant, Xavier prueba el experimento sobre sí mismo. Obtiene el poder de ver el interior del cuerpo humano, lo que le permite salvar a un hombre durante una operación quirúrgica pero también le gana la enemistad de un reputado cirujano. Cuando el científico sigue profundizando en sus investigaciones, Brant intenta detenerlo pero muere accidentalmente. Xavier tiene que huir y empieza a vivir como un fugitivo; uno cuya capacidad de visión aumenta exponencialmente cada día que pasa. Un clásico del cine fantástico, dirigido por el gran maestro del género como el mítico Roger Corman. La película comienza como un drama, sigue como una historia fantástica y acaba en el terror más absoluto. Gran parte de su éxito está en la interpretación de Ray Milland, que potencia la interpretación hasta tal punto que no se echan de menos unos efectos especiales más consistentes.

9. La matanza del día de San Valentín (The St. Valentine's Day Massacre, 1967)

Durante el 14 de febrero de 1924, día emblemático para los enamorados, Al Capone fue proclamado jefe supremo de la mafia de Chicago. El poder de este hampón había llegado a límites insospechados y ostentados por muchos, uno de ellos: Bugs Moran. Este personaje interpretado por Ralph Meeker quería arrebatarle a la banda de Capone su prestigio y convertirse en el referente de la mafia chicagüense. Para ello contará con su mano derecha, el matón Pete Gusenberg. Ante la imposibilidad de llegar a un acuerdo pactado sin violencia, las dos bandas, la de Capone y Bugs, se enfrentan y representan batallas de lo más sangrientas. Después de una matanza donde muere la mayoría de integrantes de la banda de Moran, se reconoce el éxito del mafioso italiano y es nombrado máxima autoridad. Crónica minuciosa de la matanza perpetrada en Chicago el día de san Valentín de 1929, capítulo climático de la guerra entre bandas de Al Capone y Bugs Moran. Una voz en off presenta a los diversos gangsters, que actúan en su vida cotidiana con una completa falta de moral. Con una violencia seca y cortante, donde los tiros casi no dejan de oírse durante todo el metraje, el rey de la serie B Roger Corman pinta a unos tipos que actúan como animales salvajes en la jungla urbana. Destaca la interpretación de Jason Robards como Capone, quien compone de modo memorable sus estallidos violentos. Terrible es la larga escena en que uno de los gángsters maltrata a su amante por haberse permitido el capricho de un abrigo de visón de 3.000 dólares. Y en la línea esquizofrénica del estilo de vida gangsteril, llama la atención el momento en que a un personaje le encargan un `trabajito´ (liquidar a alguien) mientras tiene entre sus brazos a su bebé. La escena de la masacre en el garaje, clímax del film, se concibió tomando como modelo las fotos auténticas publicadas en la presa al día siguiente de los hechos.

10. El cuervo (The Raven, 1963)

Es el siglo XV, un tiempo dominado por la magia, el miedo y la superstición. Un hechicero, el doctor Erasmus Craven (Vincent Price), permanece inactivo desde la muerte de su esposa Leonore (Hazel Court), a la que todavía llora. Una noche se presenta ante él un cuervo que tiene la facultad de hablar y que asegura que es un mago, el doctor Bedlo (Peter Lorre), que ha sido transformado por un sortilegio del gran maestro Scarabus (Boris Karloff). Cuando Bedlo recobra la forma humana, le cuenta a Craven que en el castillo de Scarabus ha visto una mujer idéntica a Leonore. Antológica comedia negra que reunía tres de los nombres más aclamados en el cine de terror como Boris Karloff, Peter Lorre y Vincent Price, motivo más que suficiente para que esta pequeña producción se convirtiese en un auténtico clásico. Pero es que además están acompañados de un joven y ya histriónico Jack Nicholson, y de las bellezas Hazel Court y Olive Sturgess. Una personal adaptación de un poema que Poe escribió en 1842 tras un encuentro con Charles Dickens. 

Festival de Cannes 2024: Hemos clasificado todas las películas de Francis Ford Coppola (I)

Con motivo del regreso del cineasta a Cannes con la faraónica Megalópolis, repasamos la filmografía de Coppola e intentamos clasificar todos sus largometrajes. Entonces, ¿qué película ocupa la primera posición?

A sus 85 años, Francis Ford Coppola es el veterano de la 77ª edición del Festival de Cannes, candidato a una tercera Palma de Oro con Megalopolis, un ambicioso fresco valorado en más de 100 millones de dólares que financió con sus propios fondos y que la descubrimos en competición el jueves 16 de mayo. La oportunidad de volver a una filmografía compuesta de altibajos artísticos y comerciales, de superproducciones espectaculares e historias íntimas, de películas por encargo (a menudo aceptadas para saldar deudas) y obras muy personales, de experiencias visionarias radicales y de neoclasicismo. Sin perder nunca de vista su ambición de revolucionar el sistema de estudios de Hollywood ni dejarlo indiferente. Descubra nuestro ranking.

22. Jack (1996)

Jack es un niño atrapado en un cuerpo de adulto: sufre una extraña enfermedad que hace que su crecimiento físico se cuadriplique mientras que su cerebro, que se desarrolla con normalidad, es el de un niño de diez años. No es fácil adaptarse a una vida que va a ser muy corta y esto se refleja en las relaciones con su familia y con los amigos del colegio.A unque Robin Williams había dicho que no quería volver a interpretar el papel de un niño-crecido, que ya había hecho en filmes anteriores como Toys, Hook y Jumanji, aceptó el papel cuando supo que trabajaría bajo la dirección de Francis Ford Coppola, el mismo que ha brindado al cine obras tan fundamentales como Apocalypse Now y la trilogía de El padrino. Acompañan a Williams dos actrices del calibre de Diane Lane, en el papel de madre protectora, y Jennifer López, interpretando a la maestra comprensiva. Coppola realizó la película a la memoria de su hijo, Gio, que falleció víctima de un accidente náutico.

21. Demencia 13 (Dementia 13, 1963)

Cuando John Halloran muere de un infarto, su esposa teme no cobrar la herencia. Escribe entonces una carta al resto de la familia anunciando que John ha tenido que viajar a Nueva York por negocios. Cuando se traslada a la casa familiar buscando un modo de quedarse con el dinero, descubre que la familia celebra un morboso ritual... Primer largometraje de Coppola.Debut oficial en la dirección de Francis Ford Coppola, que rodó una película de terror de serie B en la ‘escuela-factoría’ de Roger Corman.

20.Twixt (2011)

Twixt es la nueva incursión de Coppola en el cine de terror que contará como un escritor de novelas de terror llega a un pueblo que vive amedrentado por la presencia de un extraño asesino en serie. Una vez allí, los límites de la inspiración y la obsesión se confunden a medida que se involucra en los hechos que ocurren en el pueblo.

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Las películas de Roger Corman mejor valoradas (I)

Roger Corman era conocido como el "Rey de las películas de serie B" y su filmografía está llena de clásicos de culto. Aquí están las 10 películas mejor calificadas que dirigió.

1. El intruso (The Intruder, 1962)

Un hombre con un traje blanco reluciente llega a un pequeño pueblo del sur en vísperas de la integración. Su nombre es Adam Cramer. Se llama a sí mismo un reformador social. Pero su objetivo es incitar a la gente a que no permita que los niños negros entren en la escuela blanca del pueblo. Pronto tiene a los ciudadanos blancos de la ciudad alterados. Cree que los está guiando, pero lo que hace es provocar problemas, que pronto descubre que no puede controlar. Adaptación de una novela de Charles Beaumont financiada por el propio Roger Corman junto a su hermano Gene, reuniendo los 700.000 dólares necesarios para costear su filmación que tuvo lugar en Sikeston (Missouri), donde hacía tan sólo un año que se había instaurado la política de integración racial en las escuelas. Probablemente, El intruso sea el título más prestigioso de la filmografía de Roger Corman. Avalado por una cálida acogida en el Festival de Venecia de 1962, aunque al mismo tiempo sufrió un notorio fracaso comercial, algo por otro lado inusual en la andadura siempre fenicia de su director. Jamás estrenado en las pantallas españolas –la edición digital supone en este sentido una valiosa apuesta-, el propio Corman destacó el riesgo comercial así como los riesgos asumidos en el rodaje de la película, en pleno territorio sureño, llegando a utilizar a sus habitantes en sentido opuesto a los que ellos creían –la secuencia de la soflama del protagonista ante una multitud enardecida resultó paradigmática a este respecto-.

2. El péndulo de la muerte (The Pit and the Pendulum, 1961)

España, siglo XVI. Francis Barnard (John Kerr) llega a un lúgubre castillo en busca de su hermana muerta, con la intención de regresar a Londres con el cadáver de ésta. Nicholas Medina (Vincent Price), viudo de la difunta e hijo del mayor torturador de la Inquisición Española, es un hombre amable y hospitalario, pero parece esconder un terrible secreto. Medina le comunica a Barnard que su hermana ha fallecido debido a una enfermedad de la sangre. A éste le cuesta creer esta versión de los hechos, así que decide hacer algunas investigaciones por su cuenta tras las que descubre el trágico y espantoso final que pudo haber corrido su hermana, ¡Elizabeth pudo haber sido enterrada viva! A continuación, Francis comienza a notar que suceden cosas extrañas en el castillo de Medina ...l. El guion de la película fue escrito por Richard Matheson, quien se basó muy libremente en el cuento El pozo y el péndulo de Edgar Allan Poe. El péndulo de la muerte fue el segundo título de la serie de películas basadas en relatos de Poe y producidas por American International Pictures. La primera fue La caída de la casa Usher, dirigida por Corman y estrenada el año anterior. El éxito de la película convenció a AIP (American International Pictures) y Corman para continuar la serie con otras seis cintas, cinco de las cuales fueron protagonizadas por Price. La última película, La tumba de Ligeia, se estrenó en 1965.

3. La caída de la casa Usher (House of Usher AKA The Fall of the House of Usher, 1960)

Tras un largo viaje, Philip al fin llega a la mansión Usher en busca de su amada Madeleine. Una vez allí, descubre que la joven y su hermano, Roderick Usher, han enfermado de una misteriosa afección: los síntomas que manifiesta Roderick le han agudizado los sentidos de manera sobrenatural mientras que Madeleine se ha quedado sumergida en un estado catatónico. Esa misma noche, Roderick le confiesa a Philip la antigua maldición que azota a su familia: cualquier descendiente de la familia Usher que tenga más de un hijo, el resto de sus hermanos se vuelven locos y mueren en terribles circunstancias. Con esta información y, a medida que transcurren los días, Philip es testigo del desgaste de la maldita maldición en los dos hermanos. El guion, escrito por Richard Matheson, está basado en el cuento homónimo de Edgar Allan Poe publicado en 1839. Con esta película, Corman inició una saga de films con la que se inauguró una nueva manera de entender el cine fantástico y de terror, contando para ello con el actor Vincent Price y el escritor y guionista Richard Matheson. Un terror de tintes góticos que mostraba la enorme capacidad de Corman para crear atmósferas terroríficas con muy pocos elementos, además de contar con la imponente presencia de un Vincent Price pletórico.

4. La máscara de la muerte roja (The Masque of the Red Death, 1964) 

La historia se basa en un relato homónimo de Edgar Allan Poe, aunque también incorpora elementos de otro de sus relatos, Hop-Frog. En la Italia de la Edad Media, un pequeño pueblo comienza a sufrir los estragos de una extraña epidemia a la que los lugareños llaman "la Muerte Roja". Contagiosa y mortal, la enfermedad comienza a cobrarse demasiadas vidas. Por ello, el Príncipe Próspero (Vincent Price) decide encerrarse en su castillo junto a varios invitados y tratar de sobrevivir a la enfermedad. Encerrados en el castillo, Próspero comenzará a celebrar ostentosos banquetes y grandes fiestas para que sus invitados se diviertan. Lo que ninguno sospecha es que el misterioso príncipe es un adorador de Satán, y que en una de esas fiestas comenzará a poner terribles y sangrientas pruebas a sus convidados que desatarán el horror. Penúltima película de la serie que rodaron el director Roger Corman y el actor Vincent Price basándose en los relatos de Edgar Allan Poe. La máscara de la muerte roja está considerada uno de sus películas más conseguidas, no ya de su trabajo conjunto, sino entre todo el cine fantástico de los años 1960. La historia presenta una reflexión sobre la belleza del Mal, que recoge influencias tan dispares como El séptimo sello y la producción terrorífica italiana de la época. En 1989, Larry Brand realizó un 'remake' de la misma, que llevaba el mismo título, con Roger Corman como productor.

5. Historias de terror (Tales of Terror, 1962)

Tres historias de terror basadas en tres relatos de Edgar Allan Poe (1809-1849). Vincent Price es el protagonista de los tres episodios. En Morella interpreta a un hombre obsesionado por la idea de que su hija es la responsable de la muerte de su esposa. En El Gato Negro, una pareja de amantes adúlteros son enterrados vivos por un esposo celoso. Y en El Caso del señor Valdemar, a un brujo que condena a un inocente a sufrir un auténtico infierno en vida, le sale el tiro por la culata. Uno de las películas que el productor y director Roger Corman realizó a finales de los años 50 y principios de los años 1960, partiendo de la imaginería creada por el escritor Edgar Allan Poe. Teniendo en cuenta que Poe casi siempre escribió relatos cortos, Historias de terror es para muchos la mejor adaptación del mundo propio del literato americano. Con un presupuesto modesto, Corman planteó tres historias en la que fue primordial la colaboración el actor Vincent Price y del escritor y guionista Richard Matheson. El primero, por su capacidad de crear tres personajes diferentes en cada uno de los relatos. El segundo, por ser capaz de mantener el pulso narrativo, especialmente en el segundo corto, en el que se mezclan los relatos El gato negro y El tonel de amontillado.

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Metro-Goldwin-Mayer cumple 100 años (VIII)

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• La buena tierra (The Good Earth, 1937), de Sidney Franklin y Victor Fleming. Una de las últimas y mejores películas de Sidney Franklin, prolífico cineasta que inició su andadura en el cine en los días de las películas mudas. Se trata de un sólido drama, que fue nominado para cinco Oscars en la edición de 1937, ganando dos de ellos: mejor actriz principal y fotografía. Louise Rainer se convirtió así en la primera persona que ganaba dos estatuillas de forma consecutiva, pues el año anterior ya se había alzado con el premio por su trabajo en El gran Zigfield. Curiosamente, la inconformista actriz, que estaba enfrentada con la Metro, fue obligada por su capitoste, Louis B. Mayer, a recoger el premio. Varios empleados del estudio se plantaron en su casa la misma noche de la entrega y, prácticamente, la forzaron a acudir.

• Piloto de pruebas (Test Pilot, 1938), de Victor Fleming. Con un reparto impecable (Gable, Loy y Tracy, entre otros), Victor Fleming firma este drama que estuvo nominado a los Oscar.

• Forja de hombres (Boys Town, 1938), dirigida por Norman Taurog. Ganó dos Óscar: al mejor actor principal (Spencer Tracy, como el padre Flanagan), y al mejor argumento (Eleanore Griffin y Dore Schary); y obtuvo otras tres nominaciones: a la mejor película, al mejor director, y al mejor guion. La película está basada en la historia real del padre Edward J. Flanagan, y su gran éxito llevó a la Metro-Goldwyn-Mayer a producir una secuela, de título La ciudad de los muchachos.

• María Antonieta (Marie Antoinette, 1938), de W. S. Van Dyke. Fastuoso biopic de la malhadada reina de Francia, a partir del libro de Stefan Zweig. La Metro tiró la casa por la ventana con esta película, de magníficos decorados y ambientación, con exquisita fotografía en blanco y negro, y un reparto de aúpa. Norma Shearer saca todo su jugo al apetitoso papel protagonista, pero todos los demás actores le arropan de modo excelente: desde Robert Morley como el tímido marido a Tyrone Power como el galán amante, pasando por el rey agonizante, un gran John Barrymore. La película tuvo 4 nominaciones a los Oscar y la Shearer fue considerada la mejor actriz en el Festival de Venecia.

• Everybody Sing (1938), de Edwin L. Marin. Simpática comedia familiar, con mucho amor, alegría y música, que supuso una de las primeras apariciones en el cine de la gran Judy Garland. la película contiene una de las últimas apariciones de la cantante y actriz Fanny Brice, quien muchos años después sería retratada en el cine por Barbra Streisand en Funny Girl.

• La ciudadela (The Citadel, 1938), de King Vidor. Drama sobre los dilemas personales y profesionales a los que se enfrenta un médico, basado en el ‘best-seller’ homónimo de A. J. Cronin y dirigido por el prestigioso King Vidor. La película obtuvo grandes elogios y numerosas nominaciones a los Oscar, incluyendo la de mejor película, director y actor (Robert Donat, que ganó la estatuilla un año después por Goodbye Mr. Chips), aunque no logró hacerse con ninguno de los premios. La película, cuyo rodaje tuvo lugar en los estudios británicos de la Metro para conseguir mayor realismo, cuenta con un reparto en el que destacan Rosalind Russell, Ralph Richardson  y Rex Harrison.

• Los hijos de la farándula (Babes in Arms, 1939), de Busby Berkeley. Musical para mayor gloria de la joven pareja formada por Mickey Rooney y Judy Garland, niños prodigio de Hollywood de aquellos años. La película es una historia amable sobre dos jóvenes con talento que aprovechan la ausencia de sus padres para probar en sus propias carnes las mieles del éxito. Con música y letra de Richard Rodgers y Lorenz Hart, la cinta destaca por sus temas como Babes in Arms, Where or When, o The Lady Is a Tramp. La película tiene partes de humor, a cargo sobre todo de Rooney, que fue nominado a los Oscar ese año. Por su parte, Judy Garland no optó a ningún premio, pero la pareja funcionó tan bien en la pantalla que volvieron a trabajar juntos en Andrés Harvey, tenorio o Armonías de juventud.

• Lo que el viento se llevó (Gone With the Wind, 1939), de Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood.  Esta adaptación cinematográfica de la novela de Margaret Mitchell recibió ocho Oscars más uno honorífico por su uso del color en la película. Mientras estaba clarísimo que el papel de Rhett Buttler iba a ser interpretado por Clark Gable, para encontrar a la intérprete de Escarlata O'Hara se emprendió una búsqueda por los Estados Unidos que culminó con el descubrimiento de una joven y entonces desconocida actriz británica: Vivien Leigh. La decisión del director también fue confusa y fueron varios los que pasaron por este cargo. Aunque Victor Fleming es el único que figura en los créditos, George Cukor, William Cameron Menzies y el propio productor, David O.Selznick, rodaron buena parte del metraje de la misma que, aún hoy, permanece como el más mítico y taquillero de toda la historia del cine.

• El mago de Oz (The Wizard of Oz, 1939), de Victor Fleming. La película está basada asimismo en la novela infantil El maravilloso mago de Oz, de L. Frank Baum. Notable por su uso del Technicolor, la narración fantástica, su partitura musical y los personajes inusuales, con los años se ha convertido en un ícono de la cultura popular estadounidense. Fue nominada a seis premios Óscar en la 12.ª entrega, incluyendo mejor película. Ganó en otras dos categorías, incluyendo mejor canción original, por Over the Rainbow y mejor banda sonora, por Herbert Stothart. En la actualidad, es considerada una película de culto, a pesar de su proyecto inicial como fábula cinematográfica infantil.

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Películas de la semana: 17 de mayo (II)

Manolo Kabezabolo (Si todavía te kedan dientes es ke no estuviste ahí)

Dirección: J. Alberto Andrés Lacasta. País: España. Año: 2023. Duración: 92 minutos. Género: Documental. Biográfico. Música. Documental sobre música. Reparto: Documental, Intervenciones de: Manolo Kabezabolo. Guion: J. Alberto Andrés Lacasta. Producción: J. Alberto Andrés Lacasta. Música: Manolo Kabezabolo, Naiel Ibarrola, Marina Barredo. Fotografía: Jorge Yetano. Productora: Du Cardelin Studio. Distribuidora: Syldavia Cinema. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Narra la vida de Manuel Méndez Lozano, más conocido como Manolo Kabezabolo (Zaragoza, 1966), es un artista punk que de manera un tanto inverosímil parece haber trascendido tiempo, lugar y tendencias, sin abandonar su esencia y principios, para convertirse en un icono anti-cultural. Manolo Kabezabolo, el último músico punk que ha traspasado espacio y tiempo convirtiéndose en un fenómeno contracultural con más de 40 años de carrera artística, y personaje referente del undeground. Su difícil e hilarante juventud le hizo dar el salto a la filosofía okupa, la insumisión, la calle, el modo de vida punk… y también las drogas, la enfermedad mental y los hospitales psiquiátricos, pero siempre amarrado al mástil de su vieja guitarra.

Mars Express

Dirección: Jérémie Périn. País: Francia. Año: 2023. Duración: 85 minutos. Género: Animación. Ciencia ficción. Drama. Aventura espacial. Inteligencia artificial. Reparto: Animación. Guion: Laurent Sarfati, Jérémie Périn. Música: Fred Avril, Philippe Monthaye. Fotografía: Animación. Productora: Everybody on the Deck, Je Suis Bien Content. Distribuidora: Provzglyad, MK2 Films. Premios y nominaciones: Premios César (Francia): Nominada a mejor film de animación; Festival de Sitges: Nominada a mejor largometraje de animación; Festival de Annecy: Nominada a Cristal al mejor largometraje. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Aline Ruby es una detective privada muy testaruda, y su compañero Carlos Rivera lleva muerto cinco años, pero se ha 'reencarnado' en el cuerpo de un robot. Ambos se encuentran en una carrera contrarreloj hacia Marte. Su misión inicial es encontrar a Jun Chow, una estudiante de cibernética a la fuga, antes de que los asesinos que le pisan los talones puedan atraparla. Sin embargo, lo que los investigadores descubren por el camino es más grande de lo que ninguno de los dos podía esperar. 

Películas de la semana: 17 de mayo (I)

Amigos imaginarios

Título original: IF AKA Imaginary Friends. Dirección: John Krasinski. País: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 104 minutos. Género: Comedia. Fantástico. Drama. Amistad. Infancia. Cine familiar. Interpretación: John Krasinski, Ryan Reynolds, Cailey Fleming, Fiona Shaw, Luis Gosset Jr., Bobby Moynihan, 

Alan Kim. Voces: Steve Carell, Phoebe Waller-Bridge Blossom, Matt Damon, Emily Blunt, Maya Rudolph, Vince Vaughn, Sam Rockwell, Sebastian Maniscalco, Christopher Meloni, Awkwafina, Jon Stewart, Richard Jenkins. Guion: John Krasinski. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Janusz Kaminski. Productora: Paramount Pictures, Sunday Night, Maximum Effort, Platinum Dunes. Distribuidora: Paramount Pictures. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Una niña de 12 años, la cual está pasando por un momento preocupante, descubre que puede ver amigos imaginarios, no de ella, sino que a todos los amigos imaginarios de otras personas que han crecido y por lo tanto, han olvidado a estos amigos. Mientras lo que le preocupa se resuelve, Bea ayuda a estos amigos imaginarios a tener nuevos amigos humanos, siendo la que, junto a su vecino Cal, -quien también es capaz de verlos-, tienen una agencia de asignación para estas criaturas.

Disco, Ibiza, Locomía

Dirección: Kike Maíllo. País: España. Año: 2024. Duración: 104 minutos. Género: Drama. Música. Biográfico. Años 1980. Años 1990. Interpretación: Jaime Lorente, Alberto Ammann, Alejandro Speitzer, Iván Pellicer, Pol Granch, Javier Morgade, Albert Baró, Gonzalo Ramírez, Eva Llorach, Blanca Suárez, Mireia Rey. Guion: Marta Libertad, Kike Maíllo. Música: Camilla Uboldi. Fotografía: Marc Miró. Productora: Nadie es perfecto, La Chica de la Curva, SDB Films, Atresmedia Televisión, Netflix, TV3. Distribuidora: DeAPlaneta. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Estamos en la España de mediados de los años 1980. Un grupo de amigos capitaneados por Xavi Font (Jaime Lorente), acaban de llegar a Ibiza persiguiendo su sueño de dedicarse a la moda. Allí les descubre el productor José Luís Gil (Alberto Ammann), un magnate de la industria musical que busca nuevos talentos para lanzar un grupo. Sin tener ni idea de cantar, el grupo inicia una carrera que les lleva de vivir como hippies en Ibiza, a llenar estadios en Latinoamérica y revolucionar de paso las discotecas de medio mundo. Crearon un nuevo estilo, fueron perseguidos por fans y ganaron millones... Aunque para ello tuvieron que sacrificar su libertad. Película inspirada en la historia del grupo de dance electro-pop Locomía, que llamaba la atención sobre todo por sus atuendos barrocos con zapatos en punta y sus característicos abanicos, que propiciaban unas vistosas coreografías que contaron con la admiración del mismísimo Freddie Mercury.

Caída libre

Dirección: Laura Jou. País: España. Año: 2024. Duración: 90 minutos. Género: Thriller. Drama. Deporte. Gimnasia. Interpretación: Belén Rueda, Ilay Kurelovic, Maria Netavrovana, Irene Escolar, Manuela Vellés, Brays Efe. Guion: Bernat Vilaplana. Producción: J.A. Bayona. Música. Clara Peya. Fotografía: Marc Gómez del Moral. Productora: Ejercicios de Equilibrio, Corte y Confección de Películas, Suspense Entertainment, Marrowbone. Distribuidora: Universal Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Marisol es una mujer que roza los 60 años. Es una icónica entrenadora de gimnasia rítmica de élite, la mejor. Es metódica, controladora, autoritaria, dominante, fácilmente irritable y carente de la menor capacidad de autocrítica. Ha construido un mundo a su medida, que se resquebraja el día en que Octavio, su marido, le confiesa que se marcha de casa para rehacer su vida al lado de una mujer más joven a la que ha dejado embarazada. Y emprende una excéntrica carrera para recuperar a su marido. Su fracaso repercute en su relación con las gimnastas. Es cada vez más dura e intransigente, llegando a abusar de su poder y posición. Marisol se enfrenta a una catarsis que la lleva a replantearse su vida.

Lo que sucede después

Título original: What Happens Later. Dirección: Meg Ryan. País: Estados Unidos. Año: 2023. Duración: 105 minutos. Género: Comedia. Romance. Comedia romántica. Interpretación: Meg Ryan, David Duchovny. Guion: Steven Dietz, Kirk Lynn, Meg Ryan. Argumento: Steven Dietz (obra de teatro Shooting Star). Música: David Boman. Fotografía: Bartosz Nalazek. Productora: Ten Acre Films, Rockhill Studios, Das Films, Prowess Pictures. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis:El destino parece tener algo planeado para Bill (David Duchovny) y Willa (Meg Ryan): una pareja que se enamoró hace décadas, quedan atrapados en un aeropuerto durante la noche. Sus dulces días en la universidad parece volver inmediatamente. A medida que pasan las horas, los dos se enfrentan a recuerdos cada vez más dolorosos y a la pregunta de cómo serían sus vidas ahora si las cosas hubieran sido muy diferentes entonces. Y en algún momento, Willa y Bill llegan a preguntarse si este encuentro no es pura coincidencia, sino un giro del destino. Segunda película como directora tras la inédita en España, salvo error, Ithaca, de la antaño reina de la comedia romántica Meg Ryan, que es también la protagonista junto a David Duchovny, además de coautora del guión. Está dedicada a la memoria de Nora Ephron, algo que se entiende perfectamente, pues Ryan entrega un film que se quiere cortado por el mismo patrón de los que protagonizó con ella, los memorables Algo para recordar y Tienes un e-mail.

Los buenos profesores

Título original: Un métier sérieux. Dirección: Thomas Lilti. País: Francia. Año: 2023. Duración: 101 minutos. Género: Drama. Comedia Enseñanza. Colegios. Institutos. Interpretación: Vincent Lacoste, François Cluzet, Adèle Exarchopoulos, William Lebghil, Louise Bourgoin, Lucie Zhang, Bouli Lanners, Léo Chalié, Mustapha Abourachid, Théo Navarro-Mussy, Hubert Myon, Sylvie Lachat, Michaël Perez, Valérie Crouzet, Christophe Ntakabanyura, Bilel Souidi, Laurence Huby, Enzo Nim. Guión: Thomas Lilti. Música: Jonathan Morali. Fotografía: Antoine Héberlé. Productora: Les Films du Parc, 31 Juin Films, France 2 Cinema, Les Films de Benjamin. Distribuidora: Filmax. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Empieza un nuevo curso escolar. Benjamin es un estudiante de doctorado sin beca. Ante la falta de perspectivas de futuro, acepta un trabajo como profesor en un instituto de París. Sin formación ni experiencia descubre lo duro que puede ser la profesión de maestro en un sistema educativo afectado por una falta de recursos crónica. Con el apoyo y el compromiso del resto de docentes, y un poco de suerte, se replanteará su vocación.Estupenda película francesa ambientada en el mundo educativo. Detrás de la cámaras Thomas Lilti ofrece una lección de realismo cotidiano a la hora de adentrarse en el subgénero de “cine de instituto”, pero lo hace con un importante sesgo poco habitual: no se centra en los alumnos, aquí bastante colaterales, sino en los profesores y su relación entre ellos y con el trabajo. Como es habitual en el cine de Lilti, interesado siempre en pequeñas historias humanas. La película apuesta por el realismo y pone el énfasis en las pequeñas tesituras de personas normales, que tienen problemas, anhelos, dudas y luchan cada día por hacer su trabajo lo mejor posible. 

Víctima imperfecta

Título original: Quitter la nuit. Dirección: Delphine Girard. País: Bélgica. Año: 2023. Duración: 108 minutos. Género: Drama. Abusos sexuales. Interpretación: Selma Alaoui, Veerle Baetens, Guillaume Duhesme, Anne Dorval, Adèle Wismes, Gringe, Florence Janas, Astrid Whettnall. Guión: Delphine Girard. Argumento: Delphine Girard (corto Une soeur). Música: Ben Shemie Fotografía: Juliette Van Dormael. Productora: Coproducción Bélgica-Francia-Canadá; Versus Production, Colonelle Films, Haut et Court. Distribuidora: Festival Films. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: La fiesta se tuerce: Dary agrede a Aly. Cuando Aly llama a la policía, es Anna quien responde y consigue evitar que la agresión vaya a más. Al día siguiente, Aly intenta seguir con su vida como si nada y relativiza los efectos de la agresión. Dary trata de autoconvencerse de una versión de los hechos que no le quita el sueño. Anna hace por seguir involucrada en el asunto. Comienza el juicio. ¿Qué consigue la justicia? ¿Qué se puede reparar? Acendrado drama que toca uno de los temas desgraciadamente actuales en la sociedad, el de la agresión sexual. 

Calladita

Dirección: Miguel Faus. País: España. Año: 2023. Duración: 92 minutos. Género: Drama. Sátira. Trabajo. Empleo. Racismo. Interpretación: Paula Grimaldo, Ariadna Gil, Luis Bermejo, Pol Hermoso, Violeta Rodríguez, Nany Tovar, Victor Rebull, Eduard Torres, Álvaro Maisons, Miguel Fernandez (II), Alejo De Soler, Ayoub El Hilali. Guion: Miguel Faus. Argumento: Miguel Faus (cortometraje homónimo). Música: Paula Olaz. Fotografía: Antonio Galisteo. Productora: Calladita Films, Potenza Producciones, Decentralized Pictures. Distribuidora: Karma Films. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Ana, recién llegada de Colombia, es empleada doméstica en una lujosa mansión donde veranea una adinerada familia de marchantes de arte. La joven trabaja de sol a sol, sin contrato, bajo la promesa de conseguir condiciones dignas al final del verano, siempre y cuando sea discreta y calladita. Pero a través de Gisela, la empleada de la casa vecina, Ana descubrirá que las cosas no funcionan exactamente como le han contado, y aprenderá a divertirse un poco más durante su verano en la Costa Brava. Miguel Faus adapta su propio cortometraje, rodado tres años antes con la misma actriz protagonista, la colombiana Paulina Grimaldo, que hace una convincente interpretación.

3 días máximo

Título original: 3 jours max. Dirección: Tarek Boudali. País: Francia. Año: 2023. Duración: 90 minutos. Género: Comedia. Acción. Secuela. Interpretación: Tarek Boudali, Philippe Lacheau, Julien Arruti, Vanessa Guide, José Garcia, Marie-Anne Chazel, Reem Kherici, Rossy de Palma, Elodie Fontan, Chantal Ladesou, Jean-Luc Couchard, Michèle Laroque, Franck Gastambide. Guion: Tarek Boudali. Música: Maxime Desprez, Michaël Tordjman. Fotografía: Vincent Richard. Productora: Axel Films, Studiocanal, M6 Films, Ciné+, W9, Ondamax Films, Canal+. Distribuidora: Youplanet. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Rayane (Tarek Boudali), un torpe pero bienintencionado policía, descubre que su abuela, una aspirante a estrella de reality show, ha sido secuestrada. El cartel de narcotráfico responsable del secuestro le da solo tres días para entregar un rescate imposible. Con su leal equipo a su lado, el improbable héroe emprenderá una misión alucinante alrededor del mundo, viajando por Francia, Abu Dhabi y México para salvarla. Secuela de 30 días (30 jours max, 2020). 

Un sol radiant

Dirección: Mònica Cambra, Ariadna Fortuny. País: España. Año: 2023. Duración: 79 minutos. Género: Drama. Fin del mundo. Interpretación: Laia Artigas, Núria Prims, Núria Sales, Jaume Villalta. Guion: Ariadna Fortuny, Clàudia Garcia de Dios. Música: Guillermo Martorell. Fotografía: Àssia J. La-Roca. Productora: Atiende Films. Distribuidora: Begin Again Films. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Mila (Laia Artigas), su hermana mayor (Nunu Sales) y su madre (Núria Prims), pasan unos días en una casa de campo, aisladas del mundanal ruido. Sin embargo, se respira en el ambiente una calma cada vez más tensa, y los nervios están a flor de piel. Las incómodas miradas, los silencios y las ausencias revelan la inminencia de un hecho irreversible, y para exorcizar todo eso Mila decide organizar una fiesta que se irá convirtiendo, a medida que se acerca, en mucho más que una simple celebración. Esta ópera prima, proyecto ganador del D’A Film Lab 2022, se convierte en un reverso sereno, luminoso y eminentemente femenino de la Melancolía de Lars von Trier o el 4:44 de Abel Ferrara, mirando a los ojos al apocalipsis con el inconformismo esperanzado de un alma joven que se niega a desaparecer.

La caja de cristal

Título original: Black Box. Dirección: Asli Özge. País: Alemania. Año: 2023. Duración: 120 minutos. Género: Thriller. Drama. Drama social. Interpretación:  Luise Heyer, Felix Kramer, Christian Berkel, Manal Issa, Timur Magomedgadzhiev, Hanns Zischler, André Szymanski, Sascha Alexander Gersak, Anne Ratte-Polle, Jonathan Berlin, Inka Friedrich, Anna Brüggemann. Guion: Asli Özge. Fotografía: Emre Erkmen. Productora: Coproducción Alemania-Bélgica; Gilles Mann Filmproduktion, Les Films du Fleuve, Port au Prince Film & Kultur Produktion, Zeitsprung Pictures. Distribuidora: Barlovento, Pirámide Films. Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Sinopsis: Los inquilinos de un céntrico edificio berlinés, ya sometidos a una gran tensión por los manejos de la inmobiliaria que posee el edificio, se encuentran una mañana, sin explicación ninguna, encerrados y rodeados por la policía. Nadie puede entrar ni salir. Sin información, los residentes empiezan a especular. Primero, suponen que puede haber una bomba colocada en la puerta de entrada. Luego se difunde el rumor de que un criminal se esconde en el patio. El miedo se convierte en inseguridad y a su vez en agresión. Los prejuicios provocan la polarización. Viejos conflictos vuelven a salir a la luz y los residentes empiezan a denunciarse unos a otros. En esta situación de peligro existencial, pierden su máscara de decencia humana. Empiezan a mostrar sus verdaderas caras y cada uno persigue sus propios intereses en este juego de poder y capitalismo.