Fallece la actriz francesa Nathalie Baye

Nathalie Baye (Mainneville, Eure, 6 de julio de 1948 – París, 17 de abril de 2026) fue una actriz francesa de cine, teatro y televisión. A lo largo de su carrera actuó en más de ochenta películas, convirtiéndose en una de las actrices más prolíficas y versátiles del cine francés. 
Obtuvo cuatro trofeos en los Premios César de un total de diez candidaturas. En 1999 obtuvo la Copa Volpi a la mejor actriz por Una relación privada (Une liaison pornographique) en el Festival de Cine de Venecia. Posteriormente, en 2006 obtuvo la Concha de Plata a la mejor actriz por Mi hijo (Mon fils à moi) en el Festival de Cine de San Sebastián. Asimismo, en 2009 recibió la condecoración de la Legión de Honor francesa, en el grado de Dama. En octubre de 2011, fue presidenta del jurado del 22.º Festival de Cine Británico de Dinard.
Había trabajado con Truffaut (gracias a quien se dio a conocer en La noche americana), Godard, Chabrol, Dolan, Spielberg… Nathalie Baye, una gran actriz y figura clave del cine francés, falleció en París la noche del viernes 17 de abril de 2026, participó en cerca de un centenar de películas. 

Élodie Bouchez, protagonista de “The Party's Over!”

Madre conmovedora de una adolescente en Enzo (2025), dirigida por Robin Campillo, Élodie Bouchez se muestra sutilmente divertida en The Party's Over! (Classe moyenne, 2025), de Antony Cordier, confirmando el repunte de su filmografía marcada por la empatía y la sinceridad.

The Party's Over (2025)

Para muchos cinéfilos, Élodie Bouchez será recordada para siempre como la estudiante de instituto en Los juncos salvajes (Les roseaux sauvages, 1994), de André Téchiné, y la mochilera en La vida soñada de los ángeles (La vie rêvee des anges, 1998), de Érick Zonca. Pero ha recorrido un largo camino desde entonces, especialmente en Hollywood (papeles recurrentes en las series Alias (2001) ​​y The L Word) (2004) y en el teatro, uniéndose a la compañía del Théâtre de la Ville en 2010; su última producción, Sueño de una noche de verano de Shakespeare, de Emmanuel Demarcy-Mota, estará disponible en 2024. Y en los últimos años, se ha hecho un hueco en el cine de autor, como en Enzo, con guión de Laurent Cantet y Robin Campillo.

The Party's Over es una comedia negra que se centra en los conflictos cada vez más violentos entre los millonarios dueños de una finca de verano y la familia que cuida el lugar. Comedia áspera, negra, misantrópica, de la escuela de los argentinos Cohn-Duprat y de tantos otras películas que enfrentan a patrones y a empleados que conviven circunstancialmente en un mismo lugar.

Retrospectiva de Marcel Pagnol en el cine: sus películas para admirar (III)

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Tempestad de almas (La fille du puisatier, 1940)

Patricia es la mayor de seis hermanas, hijas de un pocero. Un día conoce a Jacques, un joven aviador, ocho años mayor que ella, e hijo de un rico tendero del pueblo. De Patricia está enamorado Felipe, un pocero que trabaja con su padre, el cual estaría encantado de que ambos se casaran. Pero ella se enamora de Felipe con quien engendrará un niño el mismo día en el que él se va al frente... En 2011 se hizo un remake, dirigido y protagonizado por Daniel Auteuil. 

Topaze (1951)

Albert Topaze es un abnegado profesor de escuela que trabaja para la escuela privada de M. Muche. Topaze se ha enamorado de la hija de Muche, Ernestine, pero ésta lo sabe y se aprovechará de ello.

Manon del manantial (Manon des sources, 1952)

Película ambientada en los años 1920 en un pueblo cerca de Aubagne (Provenza), un lugar bastante seco y duro. La escasez de agua es el factor principal entorno al cual gira este largometraje. El suicidio del padre de Manon (Jacqueline Pagnol) y una relación amor-odio entre ella y Ugolin (Rellys) sirven de argumentos principales de esta película.

Cartas desde mi molino (Les lettres de mon moulin, 1954)

Se trata de cuatro relatos de Alphonse Daudet que Marcel Pagnol lleva al cine. El orden de aparición de los cuatro mediometrajes es el siguiente: El secreto del maese Cornille, El elixir del reverendo padre Gaucher, Las tres misas rezadas y El cura de Cucugnan.

Retrospectiva de Marcel Pagnol en el cine: sus películas para admirar (II)

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César (1936)

Han pasado ya varios años desde el matrimonio de Fanny y Panisse. Tras la muerte de Panisse, Fanny cuenta a su hijo Césariot que su verdadero padre es Marius, que abandonó Marsella 20 años atrás para viajar por el mundo, y que ahora vive en una ciudad cercana. César, el propietario del café, tratará de reunir a Fanny, a Marius y a su hijo... Último film de la reconocida "trilogía marsellesa" -Marius (1931), Fanny (1932) y César (1936)- escrita por Marcel Pagnol, "César" fue la única película que se hizo para el cine antes de representarse en los escenarios teatrales, y también la única dirigida por el propio Pagnol.

Regain (1937)

Uno a uno, los habitantes de una pequeña población francesa han partido, hasta que sólo queda el cazador furtivo Panturle. Éste sueña con encontrar una mujer y que el pueblo vuelva a recobrar vida. Un día, a la villa llega Gédémus, un afilador de cuchillos, y una joven, Arsule, a la que Gédémus trata como una esclava. Panturle entonces piensa que quizá su sueño se haga realidad..

El pan y el perdón (La femme du boulanger, 1938)

El panadero Aimable Castenet acaba de instalarse en el pequeño poblado provenzal de Sainte Cécile, donde los habitantes,desde hace generaciones, mantienen enconos tan mezquinos como estúpidos. Desde la primera horneada, Aimable conquista a todos. Nunca habían comido un pan tan bueno. Aurélie, su mujer, se ocupa de la caja, silenciosa, con los ojos modestamente bajos. Pero una noche, Aurélie se fuga con Dominique, el pastor del marqués de Monelles. A partir de ese momento, Aimable, desesperado, no piensa en otra cosa que en emborracharse, pierde la cabeza y llega a pensar en colgarse. Nadie puede convencerlo de que se ponga nuevamente al frente de su horno. 

Le schpountz  (1938)

Casimir Fabre (Jean Castan) e Irénée Fabre (Fernandel) trabajan con su tío en una tienda en la región de la Provenza. Mientras que Casimir se centra en su trabajo, Irénée sólo sueña con convertirse en una estrella del cine. Cuando una productora de cine llega a la zona, Irénée ve la oportunidad de su vida, y pide trabajo como actor. Los miembros de la productora ven en él a un ingenuo que quiere triunfar en el cine, un "schpountz", y le ofrecen un falso contrato en París. Y él, creyendo que el estrellato le aguarda, prepara su marcha a París.

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Retrospectiva de Marcel Pagnol en el cine: sus películas para admirar (I)

Historias de amor conmovedoras, odas a la naturaleza provenzal o farsas cáusticas: doce magníficas películas restauradas de Marcel Pagnol se redescubrirán en los cines, incluida la obra maestra El pan y el perdón. Un año después del (re)descubrimiento de una primera serie de largometrajes, la retrospectiva de Marcel Pagnol mantiene su impulso en las salas con seis nuevas películas que exploran los temas del amor, la culpa, la preservación de la naturaleza y la buena mesa. En esta salva de pequeñas joyas, la mayoría poco conocidas, nos maravilla el díptico Manon del manantial (1952), que gira en torno a la emancipación de una joven montañera que se rebela contra la estupidez de los aldeanos (en concreto, de los hombres) cortándoles el acceso al agua potable. En el centro de la historia, Pagnol sitúa también largas conversaciones en cafés.

Le gendre de Monsieur Poirier (1933)

La primera película dirigida por Marcel Pagnol, basada en la obra homónima de Jules Sandeau y Émile Augier.  yerno del señor Poirier es un aristócrata, amante de las frivolidades. Él decide cambiar su vida para dedicarse a su mujer y al trabajo.

Jofroi (Ways of love) (Jofroi, 1933)

La película está basada en el relato corto Jofroi de la Maussan de Jean Giono, que apareció en la colección de relatos The Solitude of Compassion. Jofroi es un campesino entrado en años que decide vender su huerto de Maussan y sus correspondientes árboles a Fonse. Esto termina creando una disputa entre ambos porque Fonse quiere cortar los árboles y Jofroi les tiene estima. La disputa alcanza tales niveles que incluso el párroco del pueblo y el alcalde tienen que intervenir para mediar en el conflicto.

Angèle (1934)

Angèle, hija del granjero Clarius, es una joven muchacha de un pequeño pueblo de la Provenza. Se enamora perdidamente de Louis, un atractivo chico que está pasando unas vacaciones en la zona. La convence para que se muden a Marsella y juntos emprenden un viaje nada fácil. Ella se queda embarazada y él resulta ser un proxeneta sin corazón que la obliga a prostituirse en la ciudad. Un año después, un conocido la encuentra en la calle en unas condiciones lamentables e intentará que regrese a la granja con su pequeño y alejarla de esa peligrosa forma de vida. Basada en la novela de 1929 Un de Baumugnes de Jean Giono.

Merlusse (1935)

Un cuento de Navidad. Merlusse, un profesor con la cara deformada (al final nos enteramos de que es una herida de guerra) es el terror de los alumnos. Éstos le gastan terribles bromas. En vísperas de las vacaciones de Navidad, todos los profesores se marchan con sus familias; los únicos que quedan en el internado son Merlusse y los niños sin familia, horrorizados ante la idea de pasar las vacaciones con el monstruo. Sin embargo, el monstruo utiliza sus ahorros para hacerles a escondidas unos pequeños regalos, y los niños se dan cuenta de que es un hombre de buen corazón, y le entregan a cambio regalos de irrisorio valor material como prueba de su amistad.

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Con “Enzo”, Robin Campillo da vida a la película que Laurent Cantet no tuvo tiempo de rodar

Al hacerse cargo del último proyecto cinematográfico de su amigo, fallecido en abril de 2024, Robin Campillo extiende su fértil complicidad más allá de la muerte. Encuentro lleno de emociones, para la cuarta parte de nuestra serie sobre los bastidores del cine francés en 2025. Sigue a un chico de 16 años que desafía las expectativas de su familia burguesa al comenzar un aprendizaje de albañilería, donde conoce a un carismático colega ucraniano que revoluciona su mundo.

Rodada en La Ciotat, Enzo cuenta la historia de un chico de buena familia que quiere ser albañil (con Eloy Pohu). 

Entra en la pequeña sala de montaje donde Robin Campillo está solo frente a una imagen fija de Enzo, su próxima película, y este fotograma de jóvenes trabajadores sentados bajo un sol brillante recuerda inmediatamente tomas de El taller de escritura (L'Atelier, 2017), de Laurent Cantet, también filmadas en La Ciotat, pero siete años antes. Esta analogía resulta inmediatamente abrumadora, ya que Enzo nació de la rara y necesariamente conmovedora historia de una colaboración entre dos cineastas más allá de la muerte.

El 25 de abril falleció Laurent Cantet, a la edad de 63 años. Acababa de completar un guión que podría haber quedado en letra muerta. Era contar sin amistad, y con el cine como aliento definitivo. 

Muerte de Pierre Vernier, gran creyente de la banda de Bébel (Jean-Paul Belmondo)

Lo vimos con su amigo Jean-Paul Belmondo en El imperio del león (Itinéraire d'un enfant gâté, 1968), pero también en la serie Rocambole (1964-1965). El prolífico actor que apareció en más de sesenta películas falleció el miércoles, 9 de octubre de 2024, a la edad de 93 años.

El actor Pierre Vernier, miembro de la banda del Conservatorio (Bande du Conservatoire) en los años 1950 junto con Jean-Paul Belmondo, Jean-Pierre Marielle y Jean Rochefort. Actor prolífico, había intervino en unas sesenta películas, entre ellas varios éxitos populares junto a su amigo Bébel, como Le Guignolo (1979), El profesional (Le Professionnel, 1981), ambas dirigidas por Georges Lautner; El marginal (Le Marginal, 1983), de Jacques Dearay e El imperio del león (Itinéraire d'un enfant gâté, 1988), en el papel de sacerdote. “¡Cuidado, yo también existo sin él! » se divertía diciendo en 2001 sobre el hombre que consideraba “la conciencia profesional encarnada”.

Pierre Vernier en el rodaje de la película Mamá, hay un hombre blanco en tu cama (Romuald et Juliette), en Paris, en septiembre de 1988

Pierre Vernier era uno de esos actores cuyo nombre no es necesariamente conocido por el público en general, pero cuyo rostro y apariencia (alta estatura caballerosa, rostro soñador y mechón marrón en la frente) le resultan familiares. Con Françoise Fabian, fue uno de los últimos miembros supervivientes de la “Conservatoire Band”, formada esencialmente por estudiantes del Conservatorio Nacional de Arte Dramático de París a principios de los años 1950. En torno a Belmondo, su núcleo, incluía en particular a Jean Rochefort y Claude. Rich, Jean-Pierre Marielle, Bruno Cremer y Annie Girardot.

Pierre Vernier, nacido Pierre Louis Rayer en Saint-Jean d'Angely en Charente, había trabajado con grandes directores de cine, entre ellos Joseph Losey (en Monsieur Klein, con Alain Delon, 1976) o Henri Verneuil (en I... como Ícaro (I... comme Icare), 1979). Más recientemente, le vimos en Bajo la arena (Sous le sable, 2000) de François Ozon y ante la cámara de Valérie Lemercier, que le ofreció sus últimos papeles en Voy a ser mamá (100% Cachemire, 2013) y Los 50 son los nuevos 30 (Marie-Francine, 2017).

Amante de los caballos, como Jean Rochefort, Pierre Vernier estuvo muy activo en televisión. En particular, en 2008 interpretó el papel del general De Gaulle en Adieu de Gaulle, adieu, por el que recibió el premio a la interpretación masculina en el Festival de creaciones televisivas de Luchon en 2009 y la Ninfa de Oro al mejor actor en la Televisión de Montecarlo. Festival en 2010. Fue la pantalla chica la que le dio su primer papel importante (de justiciero) en 1964 en la telenovela Rocambole.

Hombre de teatro, Pierre Vernier había actuado bajo la dirección de Raymond Rouleau, Georges Wilson, Jean-Louis Barrault, Roger Planchon y Robert Hossein en 1987, durante su gran regreso a los escenarios, después de veintiocho años de abstinencia. siempre él: Jean-Paul Belmondo en Kean de Jean-Paul Sartre según Alexandre Dumas.

Descubra La Prisonnière de Bordeaux con Isabelle Huppert y Hafsia Herzi

La nueva película de Patricia Mazuy, que estuvo en competición esta primavera en Cannes en la Quincena de cineastas. En exhibición, un dúo electrizante de actrices.
Alma (Isabelle Huppert), en una gran mansión de la ciudad, y Mina (Hafsia Herzi),una joven madre de un distante suburbio, han organizado su existencia en torno a la ausencia de sus maridos, recluidos en el mismo centro penitenciario. La primera es la rica esposa de un cirujano de Burdeos, la segunda es lavandera de Narbona. Durante una de las visitas a la prisión se conocerán y, contra todo pronóstico, se harán amigas hasta el punto de vivir juntas...

Veinticinco años después de Saint-Cyr (2000), una magnífica película histórica sobre la figura de Madame de Maintenon, Patricia Mazuy se reúne con Isabelle Huppert para una gran película femenina, enérgica y conmovedora. Frente a la estrella, una vez más impresionante en un papel muy chabroliano de mujer de clase alta, Hafsia Herzi confirma, después de Le Ravissement (2023) del año pasado y más recientemente de Borgo (2023), que es una de las actrices más cautivadoras del momento.

Muerte del cineasta Laurent Cantet, testigo comprometido de los errores humanos (II)

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“Una palma a la humanidad”

Con La clase (Entre les murs, 2008), consiguió el reconocimiento mundial. François es un joven profesor de lengua francesa en un instituto conflictivo, situado en un barrio marginal. Sus alumnos tienen entre 14 y 15 años, y no duda en enfrentarse a ellos en estimulantes batallas verbales; pero el aprendizaje de la democracia puede implicar auténticos riesgos. Al comenzar el curso, los profesores, llenos de buenas intenciones, deseosos de dar la mejor educación a sus alumnos, se arman contra el desaliento. Pero la abismal diferencia cultural y de actitud chocan violentamente en las aulas, que no son más que un microcosmos de la Francia contemporánea. Por muy divertidos que sean a veces los alumnos, sus comportamientos pueden cortar de raíz el entusiasmo de un profesor. La tremenda franqueza de François sorprende a sus alumnos, pero su estricto sentido de la ética se tambalea cuando los jóvenes empiezan a no aceptar sus métodos. Se basa en Entre les murs, un libro donde François Bégadeau, un profesor auténtico, recogía algunas de sus experiencias profesionales. Rodada con un tono realista, que recoge anécdotas reales recogidas en ese libro, el propio Bégadeau es coguionista, además de interpretar al profesor protagonista.

François Bégadeau en La clase (2008)

Y es con esto, una clase, precisamente, que este cineasta comprometido y curioso por el vértigo de la juventud ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes , en 2008. Con el día a día de una clase de cuarto de secundaria en un establecimiento “difícil” de París y su joven profesor de francés. “Solo” eso: estudiantes de secundaria filmados con pasión y respeto. Cuando Sean Penn, presidente del jurado, anunció el premio supremo por La clase, se mostró conmovido y asombrado: “una palma para la humanidad, una película extraordinaria”. Y Cantet subió al escenario con François Bégaudeau, su actor principal y autor de la novela original, pero también con todo su elenco de jóvenes estudiantes. Apenas parecía avergonzado de hablar por ellos. Porque, para el discreto pero vibrante Cantet, lo que contaba era la opinión, la vida de los demás.

Marina Foïs, Matthieu Lucci y Julien Souve en El taller de escritura (2017)

¿El amor? Este hombre modesto dejó esto en manos de los demás cineastas y sólo mostró, en la pantalla, el equilibrio de poder. Como en El taller de escritura (L'Atelier, 2017), donde Marina Foïs, que interpreta a una conocida novelista, dirige un taller de escritura para jóvenes en un programa de integración social en La Ciotat y cae bajo la fascinación de un joven fascista. De un lado, la bohemia parisina, del otro, una bello adolescente como la discordia que sacude sus convicciones... Para Cantet, era vano juzgar, era noble comprender. Cuando la profesora y su alumno terminan solos en un acantilado, de noche, bajo la luna, El taller de escritura adquiere magníficos reflejos negros, como si Billy Wilder estuviera filmando la lucha de clases.

"Los amos del tiempo", un tesoro ochentero de la animación francesa

Cuarenta años después de su gran estreno, esta ópera espacial poética y ochentera sigue brillando. Con dirección René Laloux y diseño gráfico Mœbius.

La trama de esta epopeya aún supera a la de muchos dibujos animados contemporáneos... 

René Laloux, un artista inspirado que murió en 2004 a la edad de 85 años, fue un cineasta poco común: sólo tres largometrajes de animación en su carrera, todos ellos dedicados a la ciencia ficción. Mucho después de su obra maestra, El planeta salvaje (La planète sauvage, 1973), en colaboración con Roland Topor, y antes de Gandahar, los años luz (Gandahar, les années lumière, 1987), regresó, en 1982, a las galaxias lejanas con Los amos del tiempo (Les Maîtres du temps), adaptación de una novela de Stefan Wul, L'Orphelin de Perdide (1958). En el momento de su estreno, esta ambiciosa ópera espacial era un acontecimiento: un OVNI, en un panorama cinematográfico en el que la animación francesa estaba entonces casi ausente, y un tesoro para todos los amantes.

La historia comienza cuando una nave cae en el extraño e inhóspito planeta Perdide. Tal impacto ha eliminado a casi toda la tripulación menos al hijo de una pareja: Piel. Este chico y su única esperanza representada por un micrófono que apoda Mike, serán uno de los varios protagonistas. Este pequeño artefacto, al que el niño atribuye vida propia, es un mecanismo de comunicación que puede soslayar las distancias estelares y encontrar algún receptor. Un grupo de colonos recibe la señal de auxilio y se embarca en el rescate del huérfano. Además, los peligros aumentan, ya que ese planeta ha sido seleccionado para su colonización por una avanzadísima raza de seres.

Muerte del cineasta Laurent Cantet, testigo comprometido de los errores humanos (I) 5/5

Del vértigo de la juventud a la soledad del mundo laboral, Laurent Cantet, Palma de Oro en 2008 por La clase (Entre les Murs, 2008), filmó con pasión los matices y los tumultos de la sociedad moderna. Murió el 25 de abril a la edad de 63 años.

Tenía la tierna sonrisa de un niño pero la mirada tupida de un adulto que todavía está perturbado por la complejidad del mundo. Sus películas tenían esta doble imagen: volcada hacia la juventud y sus esperanzas, también hacia la oscuridad y las desilusiones de una sociedad cada vez más violenta... El cine pierde uno de los testigos más preocupados de los trastornos sociales de nuestro tiempo, de su soledad moderna.

Recursos humanos (Ressources humaines), en 1999, su primer largometraje, escrito con Gilles Marchand, otro antiguo alumno de Idhec ( (Institut des hautes études cinématographiques, Instituto de Altos Estudios Cinematográficos), lo consagró, desde el principio, como el mejor cineasta que representaba la trágica realidad social. A un joven universitario lo contratan como pasante en el departamento de Recursos Humanos de una fábrica situada en la campiña francesa. Lleno de ilusión e ingenuidad, está convencido de que sus esfuerzos servirán para que los sindicatos y la dirección alcancen un acuerdo sobre la jornada laboral. Sin embargo, pronto se da cuenta de que su trabajo está, en realidad, al servicio de una reorganización de la empresa, que implica una reducción de la plantilla. ¿Ken Loach? No, porque en Cantet, aunque el sueño del colectivo existe, cada uno lucha con su propio callejón sin salida y sus propios problemas y decisiones- no hemos olvidado la secuencia en la que el hijo escupe en la cara de su padre "la vergüenza" que éste le ha comunicado. , “la vergüenza de ser hijo de trabajador, y la vergüenza de avergonzarse de ser hijo de trabajador”. 

Jean-Claude Vallod y Jalil Lespert en Recursos humanos (1999)

Con su siguiente película, escrita esta vez junto a su amigo de toda la vida y futuro compañero Robin Campillo, fue aún más lejos en el análisis de lo que representa el trabajo para un hombre, y sobre todo, como dijo en su momento, “la idea de que la sacralización del trabajo no es inevitable”. El empleo del tiempo (L'Emploi du temps, 2001), inspirada en el caso Jean-Claude Romand, profundiza en la psique de un ejecutivo que, tras un despido, construye una vida profesional, toda una existencia, sobre la base de mentiras. Una película escalofriante sobre la impostura pero también sobre la soledad, y sin asesinatos al final para deshacerse del aspecto monstruoso de Romand y quedarse sólo con “lo común, lo banal” de esta historia.

Aurélien Recoing en El empleo del tiempo (2001)

Ésta era la ambición de Cantet: nunca entregarse a la facilidad del romance para iluminar los defectos humanos con matices. Lo real, siempre lo real. E incluso cuando filmó a la estrella Charlotte Rampling bajo el sol caribeño en Hacia el Sur (Vers le sud, 2005). Principios de los años 1980. Haití vive bajo el férreo gobierno de Baby Doc, lo cual no impide que sea un destino turístico muy solicitado. En el hotel "La petite anse", un auténtico edén tropical situado en una playa de las afueras de Puerto Príncipe, se alojan dos americanas de unos cincuenta años que buscan sexo y un poco de cariño. La devastadora pasión que despierta en ellas Legba, un jovencito bello como un dios, trastornará sus vidas, en una compleja relación Norte-Sur entre el deseo y la explotación y la miseria.

Charlotte Rampling y Ménothy Cesar en Hacia el sur (2005)

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Pas de vagues, un drama sobre el acoso sexual

La película francesa Pas de vagues (2024), del director Teddy Lussi-Modeste, protagonizada por François Civil y Shaïn Boumedine, es una historia inspirada en hechos reales, estrena en cines el pasado 27 de marzo de 2024. 
En este drama, Teddy Lussi-Modeste sumerge al espectador en el corazón de un delicado caso de un joven profesor acusado injustamente de acoso por una de sus alumnas. La película, protagonizada por François Civil, se inspira en un episodio personal del director. La película promete cautivar y provocar la reflexión sobre las dinámicas de poder y la injusticia en la educación.
Julien, interpretado por François Civil, es un profesor entregado y muy querido por sus alumnos. Su vida da un giro inesperado cuando uno de ellos le acusa de acoso, lo que desencadena una serie de acontecimientos que aíslan a Julien no sólo de sus alumnos, sino también de sus colegas. A pesar de su inocencia, la situación se descontrola rápidamente y le enfrenta a un complejo dilema moral y profesional.

François Civil, conocido por sus papeles en Deux moi (2019) y Le Chant du Loup (2019) y, más recientemente, Los tres mosqueteros: D'Artagnan (Les Trois Mousquetaires, 2023), demuestra una vez más su talento para retratar personajes complejos impregnados de humanidad. Shaïn Boumedine, que se dio a conocer en Mektoub, My Love: Canto uno (2017), aporta profundidad e intensidad a la película, mientras que Mallory Wanecque y Agnès Hurstel completan el reparto con interpretaciones igualmente notables.

Muerte de Laurent Achard, el director que sólo filmó seres frágiles

Laurent Achard en el Festival
de Cine de Locarno, 2011

Premio Jean-Vigo 2006 por Demented (El último de los locos), Laurent Achard fue
un cineasta de mesura y también de extremo. Su corazón dejó de latir el lunes 25 de marzo de 2024, con apenas 59 años.

Habría celebrado su 60 cumpleaños en abril: el lunes 25 de marzo, el corazón de Laurent Achard se detuvo. Un final abrupto para el hombre que parecía haber seguido siendo el joven director que había sido a principios de los años 1990. Pero también era, en un fotograma menos feliz, su carrera que seguía pareciéndose a la de un cineasta al comienzo de la década de 1990. su carrera, con sólo tres largometrajes en su haber y numerosos cortometrajes.

Sin embargo, la madurez no fue en absoluto ajena al autor de:

- Plus qu'hier, moins que demain (1998). Después de una sesión bastante larga, Sonia regresó inesperadamente con su familia con su bebé y su esposo. Decidida a contar una aburrida y nueva historia del pasado y conocer a su amiga de la familia, Sonia recibirá penas que todos prefieren morir.

- Demented (El último de los locos) (Le dernier des fous, 2006). Bajo el sol del verano y en medio de un paisaje bucólico, la granja de la familia de Martin está derrumbándose por dentro. La abuela domina a un padre sin presencia ni opinión ni mando, la madre vive encerrada noche y día en una habitación, el hermano mayor, bebe porque no puede escribir Martin está desatendido y sin amor y su único refugio son su gato y la asistenta. A sus once años, posee la ingenuidad de los dispuestos a cambiar el estado de las cosas, a mover a los suyos, a la fuerza si es preciso. Protagonizada por un niño de carne y hueso pero que parece de realidad virtual.

- Dernière séance (Last Screening) (2011). No hay pasión más peligrosa que la cinefilia. Si no, fíjense en Sylvain, un joven taquillero de una vieja sala de arte y ensayo a punto de cerrar, que dedica su tiempo libre a saldar sus deudas con las mujeres asesinando silenciosamente y a golpe de puñaladas. Pocas veces el plástico y colorista póster de Playtime de Tati ha parecido tan sombrío. El director Laurent Achard traslada los referentes cinéfilos al universo frío y aterrador de un asesino en serie. Una imagen medida, una estética marcadamente retro y un dominio rotundo de los tiempos aderezan esta cinta de celuloide ensangrentado.

Ella estaba incluso en el centro de sus películas impregnada de gravedad, si no a veces de desesperación, cortada en pedazos.

La Cinémathèque française desprograma dos películas de Benoît Jacquot

Benoît Jacquot

Mientras se abre una investigación contra el cineasta tras acusaciones de acoso y
violación por parte de Judith Godrèche, la institución parisina cancela la proyección de la película Las alas de la paloma (Les Ailes de la colombe, 1981) y la de Suzanna Andler (2021).
El mensaje del responsable de prensa es lacónico, pero los diques ceden: "La Cinémathèque cancela la proyección de la película Las alas de la paloma de Benoît Jacquot el miércoles 13 de marzo a las 14 h. Caroline Champetier presentará Tout une nuit (1982), de Chantal Akerman, el sábado 16 de marzo a las 16.30 horas." También ha sido cancelada otra de las películas del cineasta, Suzanna Andler (2021), que debía presentarse el 27 de mayo como parte de un ciclo “Duras Adaptadas”.
Hasta este lunes por la mañana, el ilustre director de fotografía de Claude Lanzmann, Jean-Luc Godard y Leos Carax debía presentar la película en el marco de la proyección anual del Festival de la institución de la rue de Bercy, en París. La presión de la sociedad civil ha sido sin duda la más fuerte, o quizás la empatía.
Desde hace un mes, el asunto sacude a la gran familia disfuncional del cine francés: Judith Godrèche, ya entre las noventa y tres acusadoras de Harvey Weinstein por actos de agresión sexual, ha decidido denunciar su relación bajo influencia con el cineasta Benoît Jacquot en los años 1980 – en ese momento ella tenía 14 años, él 39. En el proceso, presentó dos denuncias: primero contra el director de Villa

Amalia (2009), luego contra Jacques Doillon, por violación de una adolescente de 15 años, durante el rodaje de La chica de 15 años (La fille de 15 ans, 1989) -de título profético-. La fiscalía de París abrió una investigación.
¿Toma de conciencia? La ceguera, incluso la complicidad, de los profesionales y de la prensa provocó una ola de introspección, pero hasta entonces la Cinémathèque –que había mantenido el ciclo de Polanski en 2017, bajo la dirección de Frédéric Bonnaud–, comparando éste con la oposición movimiento ante el “shock totalitario” de la “gente medio loca”- todavía hizo oídos sordos. La institución reaccionó esta vez, sin entrar en los motivos de su decisión. Esperamos ver esto como un signo de concienciación y de una programación futura más apegada a escuchar a las víctimas que a celebrar a los artistas todopoderosos.

Hemos clasificados los 49 César a la mejor película, de la menos convincente a la más magistral (VII)

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43. Un profeta (Un prophète, 2009), de Jacques Audiard

El joven Malik El Djebena (Tahar Rahim), un francés de origen árabe, ingresa en prisión para cumplir una pena de seis años. Aunque al principio la vida en la cárcel le resulta muy dura porque está completamente solo, se adapta rápidamente y, gracias a su carisma, se gana poco a poco la simpatía de los miembros de la mafia corsa, que tienen sobornados a los guardias y controlan todo lo que pasa en prisión. El director dibuja en la pelçicula una trayectoria, la de Malik, verdadero descenso a los infiernos, y lo hace con realismo desnudo donde domina una seca y repulsiva violencia, sin juzgar su conducta ni la de los que le rodean. Estamos en un mundo inmoral, donde sólo parece contar la supervivencia y la cuota de poder. Fue ganadora del Gran Premio del Jurado en Cannes en 2009 y candidata a los Oscar a la mejor película en lengua extranjera en 2010, perdiendo ante la cinta argentina El secreto de sus ojos. Y obtuvo en los César nueve premios: mejor película, mejor dirección (Jacques Audiard), mejor actor principal (Tahar Rahim), mejor actor secundario (Niels Arestrup), mejor actor revelación (Tahar Rahim), mejor guion original (Jacques Audiard, Thomas Bidegain, Abdel Raouf Dafri, Nicolas Peufaillit), mejor fotografía (Stéphane Fontaine), mejor montaje (Juliette Welfling) y mejor diseño de producción (Michel Barthélémy), sobre  trece nominaciones. 

44. The Artist (2011), de  Michel Hazanavicius

Hollywood, 1927. George Valentin es una gran estrella del cine mudo, sus películas son garantía de entretenimiento y una máquina de ganar dinero. Lo que no impide que viva en un matrimonio infeliz. Conocerá a Peppy Miller, una joven con deseos de triunfar en la pantalla, y a la que echa un pequeño cable. La llegada del sonido para las películas supondrá el declive de Valentin, mientras que Miller alcanza la cumbre del éxito. Aunque ella trata de ayudar al otro, existe una dificultad difícil de salvar, su orgullo, que le hace despreciar el cine hablado y cualquier gesto de compasión de los otros. Asombrosa y genial film de Michel Hazanavicius, cuya carrera hasta la fecha no era especialmente brillante, lo más destacado era la saga de espías OSS 117. Aquí ha tomado la opción radical de entregar una película muda a la antigua usanza, lo que incluye formato de pantalla 4:3, rótulos como los de antaño, acompañamiento de orquesta, gesticulación exagerada de los actores para remarcar su estado anímico... También el recurso al montaje paralelo o los ángulos al más puro estilo expresionista. Dujardin ganó como mejor actor en el Festival de Cannes 2011, donde la película fue estrenada. La película fue nominada para seis Globos de Oro, siendo más nominada que cualquier película de 2011, y finalmente, ganó en la categoría como mejor comedia o musical, Globo de Oro a la mejor banda sonora, y mejor actor de comedia o musical para Dujardin. También, la película fue nominada para doce BAFTAs así mismo  fue ahí la más nominada del 2011, y consiguió ganar siete, con más premios en la noche que ninguna otra película, incluyendo como mejor película, mejor director y mejor guion original para Hazanavicius, y mejor actor para Dujardin.​ Fue nominada para diez premios Óscar y ganó cinco, incluyendo mejor película, mejor director para Hazanavicius, y mejor actor para Dujardin.​ Es la primera película muda en ganar como mejor película desde Alas (1927) —el primer receptor de la primera edición de los premios Óscar, en 1927—, la primera película presentada en formato de aspecto de 4:3 en ganar desde Marty (1955) —la primera película en blanco negro desde La lista de Schindler (1993)—, y la primera película sin clasificación R en ganar desde Million Dollar Baby (2004). En Francia, fue nominada para diez Premios César, ganando seis, incluyendo mejor película, mejor director para Hazanavicius, y mejor actriz para Bejo.​ Participó también en el Festival Internacional de Cine de Toronto y en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde ganó el premio del público.​ El artista se convirtió en la película francesa más premiada en la historia. 

45. Amor (Amour AKA Love, 2012), de Michael Haneke

Georges y Anne, dos ancianos de ochenta años, son profesores de música clásica jubilados que viven en París. Su hija, que también se dedica a la música, vive en Londres con su marido. Cuando, un día, Anne sufre un infarto que le paraliza un costado, el amor que ha unido a la pareja durante tantos años se verá puesto a prueba. Impactante película de Michael Haneke, realizada con 70 años a sus espaldas, sobre la ancianidad y sus achaques, la enfermedad y el sufrimiento, el modo en cómo se encaran. La cinta obtuvo 108 nominaciones y 84 galardones​ entre los que destaca la Palma de Oro en el Festival de Cannes,​ siendo la segunda película de Haneke en obtenerla tras La cinta blanca (2009). También ganó además un premio Óscar en la categoría de mejor película extranjera,​ siendo nominada a otras cuatro categorías: mejor película, mejor director, mejor guion original y mejor actriz (Emmanuelle Riva); de esta manera, fue la cuarta película en lograr una nominación simultánea al Oscar en las categorías de Mejor película y Mejor película extranjera, siendo la anterior El Tigre y el Dragón dirigida por Ang Lee en 2000. Obtuvo también cinco premios César incluyendo mejor película, mejor director, mejor actor principal (Jean-Louis Trintignant), Mejor actriz principal (Emmanuelle Riva) y mejor guión original, sobre diez nominaciones. 

46. Adiós, muchachos (Au revoir les enfants, 1987), de Louis Malle

Invierno de 1943. Durante la ocupación alemana de Francia, en un internado católico para chicos, Julián, un muchacho de trece años, queda impresionado por la personalidad de Bonnet, un nuevo compañero que ingresa en el colegio después de iniciado el curso. Basada en las experiencias de vida del cineasta, que fue alumno de un internado católico situado en las cercanías de Fontainebleau, el filme refleja la vida de un internado carmelita en Francia durante la Segunda Guerra Mundial, donde un grupo de preadolescentes empieza a conocer la realidad en todos sus aspectos, en los positivos destacando el valor de la amistad o la fidelidad a los suyos, y en los negativos, conociendo la traición. La película fue aclamada por la crítica especializada y ganó varios galardones, entre ellos el León de Oro en la edición de 1987 del Festival Internacional de Cine de Venecia. Nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Y, en cuanto a los Cesar ganó los correspondientes a: mejor película, mejor director, mejor guion original o adaptación, mejor fotografía (Renato Berta), mejor decorado, mejor montaje y mejor sonido, sobre nueve nominaciones. 

47. El odio (La haine, 1995), de Mathieu Kassovitz

Tras una noche de disturbios en un barrio marginal de las afueras de París, tres amigos adolescentes, Vinz, Saïd y Hubert (un judío, un árabe inmigrante y un boxeador amateur negro, respectivamente), son testigos de un hecho, en el que su amigo Abdel resulta herido por la policía. El deambular por la ciudad, la violencia entre bandas y los conflictos con la policía son las constantes en las 24 horas siguientes de la vida de estos jóvenes. La película, rodada en blanco y negro, es un estudio sociológico que muestra la cruda realidad de los suburbios de París, en los que sus habitantes se enfrentan al racismo, a la discriminación y al paro, con ira pero también con cierto escepticismo como el caso de Saïd. El film reflexiona sobre la situación política, social y económica en la que viven los jóvenes marginados de los suburbios.  A pesar de ser una película de hace más de veinticinco años, su mensaje sigue perdurando y pudiendo ser aplicado a la actualidad. La situación de estas zonas no solo no ha mejorado si no que ha empeorado, estos problemas sociales ya no solo se encuentran zonas "conflictivas", las ciudades se ven cada vez más afectadas por estos como observamos con las agresiones homófobas, machistas, racistas etc. Es por esto que Kassovitz afirmó en una entrevista que pretende hacer una secuela de esta película para poder denunciar los abusos producidos en pleno siglo XXI. Entre otras distinciones, El odio obtuvo múltiples nominaciones al Premio César, en concreto diez,, de las cuales ganó la de mejor montaje (con Kassovitz y Scott Stevenson), mejor productor (Christophe Rossignon) y mejor película (Mathieu Kassovitz). Asimismo, Kassovitz fue galardonado como mejor director en el Festival Internacional de Cine de Cannes.

48. Amélie (Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain, 2001), de Jean-Pierre Jeunet

Amelie no es una chica como las demás. Ha visto a su pez de colores deslizarse hacia las alcantarillas municipales, a su madre morir en la plaza de Nôtre-Dame y a su padre dedicar todo su afecto a un gnomo de jardín. De repente, a los veintidós años, descubre su objetivo en la vida: arreglar la vida de los demás. A partir de entonces, inventa toda clase de estrategias para intervenir en los asuntos de los demás: su portera, que se pasa los días bebiendo vino de Oporto; Georgette, una estanquera hipocondríaca, o "el hombre de cristal", un vecino que sólo ve el mundo a través de la reproducción de un cuadro de Renoir. Gran parte del mérito de esta película lo tiene una chica llamada Audrey Tautou, la actriz francesa que da vida a la protagonista. Jean-Pierre Jeunet ha filmado sin duda su película más amable y sensorial, un auténtico virtuosismo de colores, movimientos de cámara, sonido y ritmo. Amélie obtuvo el premio a mejor película y mejor director tanto en los Premios del Cine Europeo así como como en los Premios César, además  de mejor música y diseño de producción, sobre trece nominaciones. Destacar también otros premios y nominaciones: cinco nominaciones a los Premios Oscar,; nominada a mejor película de habla no inglesa en los Globos de Oro; dos premios BAFTA: Mejor guion original y diseño de producción; Festival de Toronto: Mejor película (Premio del Público)...

49. El pianista (The Pianist AKA Le Pianiste, 2002), de Roman Polanski

Wladyslaw Szpilman, un brillante pianista polaco de origen judío, vive con su familia en el ghetto de Varsovia. Cuando, en 1939, los alemanes invaden Polonia, consigue evitar la deportación gracias a la ayuda de algunos amigos. Pero tendrá que vivir escondido y completamente aislado durante mucho tiempo, y para sobrevivir tendrá que afrontar constantes peligros. Una narración clásica, que funciona, basada en rigurosos hechos reales, narrados por Wladyslaw Szpilman en sus memorias. Roman Polanski hace una aportación original. Curiosamente, lo que da su enorme personalidad al film es el desapasionamiento, el esfuerzo por ofrecer el punto de vista de Szpilman sin aspavientos innecesarios, confiando en la fuerza de su tragedia, del horror de que es involuntario testigo y protagonista. Recibió la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cannes. Fue ganadora con tres Premios Oscar: al mejor director, al mejor actor principal y al mejor guion adaptado, de un total de 7 candidaturas; siete Premios César del cine francés: a la mejor película, al mejor director, al mejor actor principal, a la mejor banda sonora, a la mejor fotografía, al mejor decorado y al mejor sonido; dos Premios BAFTA: mejor película y edición, mejor fotografía en los Premios del Cine Europeo y cuatro nominaciones, dos nominaciones a los Globos de Oro...

Hemos clasificados los 49 César a la mejor película, de la menos convincente a la más magistral (VI)

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36. La vida soñada de los ángeles (La vie revée des anges, 1998), de Érick Zonca 

Isa y Marie se conocen. Isa, sola, abnegada y alegre mientras que Marie es rebelde y agresiva. La vida no trata bien a ninguna de las dos. Isa indaga en el porqué de la vida de Marie y descubre que vive cuidando la casa de familiares fallecidos en un accidente, Sandrine, una menor, única sobreviviente está en coma e Isa la visita frecuentemente. Marie se involucra con un rico de la zona céntrica quien la engaña, pero a quien no puede dejar. El conflicto entre Isa y Marie se incrementa conforme se conocen a fondo. Isa sufrirá dolor por su amiga y por la mala fortuna, además de que la vida de Sandrie, con quien se ha encariñado, pende de un hilo. Marie, por su parte, sufrirá el desprecio del hombre que ama y a quien no puede dejar de ver. Isa reclama a Marie por su egoísmo y el conflicto las llevará a un desenlace trágico para una y feliz para otra.. Doble premio de interpretación en el Festival de Cine de Cannes para Natacha Régnier y Elodie Bouchez. En los premios César obtuvo galardón como mejor película y mejor actrices (Natacha Régnier, Elodie Bouchez) y siete nominaciones. Actrices que también recibieron el Premio del Cine Europeo a la mejor interpretación femenina. 

37. Custodia compartida (Jusqu'à la garde, 2017), de Xavier Legrand 

Describe con gran intensidad, y sabiendo cambiar el tono cuando es necesario con enorme soltura, las vicisitudes de una familia tras la ruptura matrimonial. Miriam y Antoine Besson se disputan la custodia del hijo menor, Julien, la hija Joséphine es mayor de edad y puede decidir por sí misma, y la elección estar con la madre. También Julien querría lo mismo, pero la jueza dictamina una custodia compartida. Los fines de semana que le toca estar con su padre, son para Julien un infierno, pues él es el instrumento que el otro quiere usar para llegar hasta la madre, con la que querría volver, cayendo en algo muy próximo al acoso. Vigoroso debut en el largometraje del antes ocasional actor Xavier Legrand, que siendo un chaval hizo Adiós, muchachos a las órdenes de Louis Malle, y tras ser nominado al Oscar por su mediometraje Antes de perderlo todo, ha continuado la idea argumental en esta película.  Consiguió cuatro premios César: mejor película, mejor actriz principal (Léa Drucker), mejor guion original (Xavier Legrand) y mejor montaje (Yorgos Lamprinos), sobre 10 nominaciones. Así mismo el León de Oro  como mejor película en e Festival de Cine de Venecia y fue Premio del Público como mejor film europeo en el Festival de Cine de San Sebastián. 

38. Los miserables (Les Misérables, 2019), de Ladj Ly 

Euforia patriótica en Francia, con despliegue de banderas tricolores por todo París, la selección nacional de fútbol acaba de ganar el Mundial de Rusia. Pero la cohesión social está lejos de ser una realidad, como va a comprobar enseguida Stéphane, recién incorporado a la Brigada AntiCrimen que opera en el conflictivo distrito de Montfermeil. Sus resabiados compañeros de patrulla, Chris y Gwada, le ponen a prueba a la hora de resolver un caso que podría ser dinamita, el robo de un cachorro de león a un circo llevado por gitanos, perpetrado por Issa, un adolescente subsahariano. Una respuesta violenta desproporcionada y un dron registrando los hechos disparan las alarmas entre la policía y las bandas de influencia que controlan, es un decir, la zona. El título de lla película de Ladj Ly, Los miserables, no es casual, se quiere evocar en efecto la obra de Victor Hugo, y de hecho se cita explícitamente al autor, que la escribió justo, se nos recuerda, en Montfermeil. La película fue nominada para competir por el Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes. Además, fue seleccionada para competir en los Premios Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa, y representó a Francia en la entrega de los Premios Oscar del 2020. Ganó cuatro premios César: mejor  película, mejor actor revelación (Alexis Manenti), mejor montaje (Flora Volpelière) y el Premio del Público, con doce nominaciones. 

39. Cyrano de Bergerac (1990), de Jean-Paul Rappeneau

Cyrano es un brillante poeta y un hábil espadachín que expresa su amor por la bella Roxane a través de Christian, el apuesto soldado a quien ella ama. Cyrano es jactancioso y fanfarrón, de genio vivo pero a la vez ingenioso e irónico, noble y orgulloso. Pero esconde una herida secreta que le atormenta: su agudo sentido del ridículo, su fealdad y su susceptibilidad le han impedido ser amado por Roxane. Sin embargo, ya que su amada ama a otro, él ayudará a su rival escribiendo en su nombre apasionadas cartas de amor. Se inspira directamente en la obra de teatro del mismo nombre de Edmond Rostand, y aunque respeta el texto, este se halla recortado. Los derechos de esta obra publicada en 1897 habían pasado al dominio público, por lo que el productor pudo invertir el dinero en los cuarenta decorados que había, tanto en Francia como en Hungría. Jean-Claude Carrière tuvo que reescribir unos cien alejandrinos al modo de Rostand. La película es la primera versión cinematográfica de la obra original en color de Rostand y la segunda versión cinematográfica de la obra en el original francés. También es considerablemente más fastuosa y más fiel al original que las versiones cinematográficas anteriores de la obra. Fue ganadora de diez Premios César (incluyendo mejor Película), siendo una de las dos únicas películas que ha recibido el premio César de Césars, junto con El viejo fusil. También obtuvo cinco candidaturas en los Premios Oscar (incluyendo el de mejor actor). Otros galardones incluyen la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el Premio de mejor interpretación masculina en dicho festival para Depardieu.

40. Todas las mañanas del mundo (Tous les matins du monde, 1991), de Alain Corneau

Narra la historia de la relación entre Monsieur de Sainte-Colombe, sumido en una profunda melancolía por la muerte de su mujer, y Marin Marais, decidido a ser su discípulo para perfeccionar el uso de la viola da gamba, y que a su vez mantiene una relación con su hija. Rita Kempley en The Washington Post describió la película como la “oda a un cellista barroco” que “también llora el mundo de los sonidos perdido ante el estruendo de la civilización” y “su voz es oscura, el timbre bajo, fúnebre incluso en el regocijo. Si algo celebra, es la inspiración del dolor.”. Cuenta con las actuaciones de Gérard Depardieu y su hijo Guillaume Depardieu como el músico Marin Marais (de adulto y de joven, respectivamente). La banda sonora original de la cinta es obra de Jordi Savall, e incluye una selección de piezas de Marin Marais, Sainte-Colombe, François Couperin y Jean-Baptiste Lully. Ganó siete Premios César a la mejor película, mejor director, mejor actriz secundaria (Anne Brochet), mejor fotografía (Yves Angelo), mejor vestuario (Corinne Jorry), mejor música escrita para una película (Jordi Savall) y mejor sonido ((Anne Le Campion, Pierre Gamet, Gérard Lamps y Pierre Verany), contando con once nominaciones. 

41. Los juncos salvajes (Les roseaux sauvages, 1994), de André Téchiné

Provenza, 1962. Con la guerra de Independencia de Argelia como telón de fondo, la trama se basa en las relaciones de un grupo de estudiantes de un internado. François (Gaël Morel), un chico de dieciocho años, descubre que es gay y que está enamorado de Serge (Stephane Rideau), su compañero de cuarto. Éste al principio parece corresponderle, y una noche se acuestan juntos. Pero, a continuación, Serge no quiere saber nada de François y se interesa por Maité (Elodie Bouchez), una joven militante comunista, hija de una de las profesoras.  Con la guerra de Argelia de fondo, la película retrata el despertar a la sexualidad, a los afectos y al compromiso social por parte de unos adolescentes, y su entrada en el mundo adulto. También destaca por el tratamiento de la toma de conciencia de su homosexualidad en la figura del protagonista, interpretado por Gaël Morel (sosias del director de la cinta). Obtuvo los premios César a la mejor película, al mejor director y  mejor guion original o adaptado, así como el Premio Louis-Delluc y  el premio a la mejor película extranjera en Los Ángeles Film Critics Association Awards.  

42. Las invasiones bárbaras (Les Invasions barbares, 2003), de Denys Arcand

Un hombre con un cáncer avanzado tiene dificultades para aceptar la realidad de su inminente muerte y encontrar un momento de paz antes del final, especialmente porque tiene razones para lamentarse de ciertos aspectos de su pasado. Su hijo -del que se había distanciado-, su ex-mujer, sus ex-amantes y sus viejos amigos irán a reunirse con él para compartir sus últimos momentos. El cineasta canadiense Denys Arcand retoma a los personajes de su película El declive del imperio americano (Le déclin de l'empire américain), de 1986. Los actores, así, repiten, aunque peinando canas, como es natural. El director hace un terrible diagnóstico de la sociedad actual: confirma el declive social de los herederos de mayo del 1968, a la vez que anuncia “las invasiones bárbaras”, el empuje de unos jóvenes pragmáticos en un mundo globalizado que venían dominando los americanos. Ganó el Oscar a la mejor película internacional; una nominación en los Globos de Oro como mejor película de habla no inglesa y la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes como mejor película y en este mismo Festival ganó los premios a mejor actriz (Marie-Josée Croze) y mejor guión (Denys Arcand). Obtuvo tres premios César: Mejor película, mejor dirección (Denys Arcand) y mejor guión (Denys Arcand), contando con cuatro nominaciones. 

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