lunes, 30 de noviembre de 2020

Deseando amar, cumple 20 años: una película sublime, un rodaje infernal

Hace veinte años, el cineasta de Hong Kong Wong Kar-wai embrujó a Cannes con Deseado amar (Fa yeung nin wa), una historia de amor imposible nacida del dolor y sublimada por actores al borde un ataque de nervios. Esta obra maestra debe ser reestrenada en los cines en una versión restaurada. ¿Antes de una posible secuela?
Extraordinario período para celebrar su 20 aniversario... Rodada durante la entrega de Hong Kong a China, presentada en competición en el Festival de Cine de Cannes en 2000, Deseando amar iba a regresar con pompa a la Croisette en una versión ampliada. Por una vez, Wong Kar-Wai, gran maestro de los relojes retrasados, llegó perfectamente a tiempo. Pero en la primavera de 2020, fue todo el mundo el que se descarriló. El 10 de febrero de 2021 (si los cines han vuelto a abrir sus puertas para entonces), redescubriremos la melancólica obra maestra del autor de Chungking Express (Chung Hing sam lam, 1994), la emoción de los amores imposibles, la locura decorativa, las rimas visuales y sonoras incendiadas por una nueva restauración digital. Entonces podría ser el momento de seguir adelante.
El propio director y guionista avanza en una carta que envía desde Shanghai, a principios de noviembre: “Al final de la película, escribe, están estas pocas palabras: “Recuerda los años pasados/como si estuviera mirando a través de una ventana polvorienta". Cuando volví a ver la película en 2015, sentí exactamente el mismo sentimiento. Dice que redescubrió el alma vaga que era suya cuando Hong Kong flotaba entre dos épocas. Sin duda, miles de preguntas se arremolinaron antes de retomar una obra cuya creación fue larga, indecisa y compleja. El cineasta no ha cambiado su historia, no ha añadido nada de las escenas fantasmagóricas cuyo rumor siempre ha estado rugiendo. La película encontró un nuevo brillo, congelada en la armonía vertiginosa de sus colores revividos: "La ventana ya no está polvorienta", escribe Wong Kar-Wai.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LVIII)

La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the Body Snatchers, 1956), de Don Siegel

Está basada en la novela de Jack Finney The Body Snatchers. La película narra una invasión extraterrestre en la que esporas provenientes del espacio exterior dan origen a vainas, de las que surgen copias idénticas de seres humanos. La intención de estos extraterrestres es reemplazar a toda la raza humana por copias carentes de cualquier tipo de sentimiento. 
La película narra la historia del doctor Miles Bennell, un médico de provincias que regresa al pueblo de Santa Mira tras un congreso médico. Al llegar se encuentra con una situación extraña: algunos de sus pacientes acuden a él asegurando que un pariente cercano (padre, hermano, cónyuge...) no es quien dice ser, que tiene su apariencia y sus recuerdos, pero que carece de sentimientos. Al cabo de uno o dos días ese mismo paciente acude a la consulta asegurando que todo ha vuelto a la normalidad y que no hay nada de qué preocuparse. En mitad de una cena en un restaurante misteriosamente vacío, Bennel recibe la llamada de un amigo que, sin dar detalles, le pide que acuda a su casa. Al llegar, el amigo y su mujer le muestran un extraño cadáver: un cuerpo con la complexión de un adulto, pero sin rasgos definidos, ni tan siquiera huellas dactilares. Con una tensión creciente, se descubre que los habitantes del pequeño pueblo de Santa Mira están siendo sustituidos por réplicas que nacen en unas misteriosas vainas, sin procedencia verificable; una invasión implacable e invisible. La película, considerada de culto, fue incorporada al archivo National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. Forma parte del AFI's 10 Top 10 en la categoría de "Películas de ciencia ficción". Se han realizado tres remakes posteriores: La invasión de los ultracuerpos (Invasion of the Body Snatchers, 1978), versión dirigida por Philip Kaufman; Secuestradores de cuerpos (Body Snatchers, 1993), dirigida por Abel Ferrara y, Invasión (The Invasion, 2007), dirigida por Oliver Hirschbiegel y protagonizada por Nicole Kidman y Daniel Craig.

100 sagas de cine: Winnetou (III)

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9.- El día más largo de Kansas City (Winnetou und das halbblut Apanatschi, 1966), de H. Phillipp

Como regalo de cumpleaños, Apanatschi, la hija de Mac Haller, recibe la mina de oro secreta de su padre. Acuden a ver el regalo el padre y la hija acompañados del hermano pequeño, Happy, y de un amigo de la familia: Winnetou. Durante la fiesta de cumpleaños, llega Jeff Brown acompañado de Pinky y Sloan. Brown es novio de Apanatschi aunque los motivos de la relación, por su parte, van más allá de los románticos. Sus intenciones se descubren cuando Happy le comenta el regalo de su novia, lo cual le conduce a conocer de cualquier manera la ubicación de la mina de oro. Incluso, si es necesario raptar a Apanatschi de su familia.. El día más largo de Kansas City es el noveno wéstern revienta-taquillas protagonizado por Winnetou y su inseparable compañero Old Shatterhand. Esta película fue el debut como protagonista de la joven actriz Uschi Glas, catapultada a la fama tras su papel en una exitosa comedia de bajo presupuesto alemana.

10.- Hombres desesperados (Winnetou und sein Freund Old Firehand, 1966), de A. Vohrer

La brutal banda de Siler está en la lista de sospechosos de Winnetou. Cuatro apaches han sido asesinados recientemente. Nitscho-tschi, gravemente herido, escapó milagrosamente de los asesinos. El legendario Old Firehand le pide ayuda a su amigo Winnetou: el hermano de Siler está encerrado en prisión. Si no lo liberan pronto, Siler amenaza con transformar la pequeña aldea fronteriza en un mar de llamas. Winnetou no duda ni un instante en ayudar a defender Miramonte con su carabina de plata... 
Uno de los numerosos filmes en los que, a mediados de los años 1960, el francés Pierre Brice dio vida a Winnetou, el piel roja aventurero creado por el novelista alemán Karl May. Se trata de un western de aventuras de producción germano-yugoslava, cuyo contenido tiene que ver más con los clásicos americanos del género que con las crudas cintas que Sergio Leone y Clint Eastwood rodaban por aquellos tiempos en el desierto de Almería.

11.- El valle de los héroes (Winnetou und Shatterhand im Tal der Toten, 1968), de H. Reinl

Mabel Kingsley se dirige a un pueblo del oeste para limpiar el nombre de su padre, acusado de robar oro del gobierno. En su búsqueda de la verdad, cuenta con la ayuda de Old Shatterhand, el Mayor Kingsley, un teniente del ejército, un botánico amateur y Winnetou. Pese a las trabas causadas por los bandidos a los que persiguen y por el jefe Sioux, enemigo de Winnetou, el grupo llega al Valle de la Muerte, lugar donde se encuentran las claves sobre el oro perdido que Kingsley ha venido a buscar. Western coproducido en 1963 por Alemania, Yugoslavia e Italia que constituye una nueva adaptación al cine de las populares novelas de Karl May. El austriaco Harald Reinl dirige la película, contando con un elenco de actores habituales en sus trabajos. Lex Barker interpretó "Old Shatterhand" por última vez, reemplazando a "Old Firehand" de la novela original. Por última vez, también se escuchará la conocida música de Martin Böttcher.  La película no tiene nada que ver con la novela El valle de los héroes, es una adaptación libre de los argumentos de la novela de Karl May, Corazones alemanes - Héroes alemanes.

domingo, 29 de noviembre de 2020

Hace 100 años: The Symbol of the Unconquered

El 29 de noviembre de 1920 se estrenó la película estadounidense The Symbol of the Unconquered AKA The Wilderness Trail, dirigida por Oscar Micheaux e interpretada por Iris Hall, Walker Thompson, Lawrence Chenault, Mattie Wilkes, Louis Dean, Leigh Whipper, Jim Burris, E. G. Tatum, James Burrrough, George Catlin, Edward Fraction. Productora: Micheaux Film. Duración: 54 minutos. 
Sinopsis argumental: Eve Mason es una afroamericana de "piel blanca" que hereda una gran cantidad de tierra tras la muerte de su abuelo Dick Mason, un viejo prospector. Deja su ciudad natal de Selma, Alabama, rumbo al noroeste para establecerse en un lugar llamado Oristown. A su llegada decide quedarse en el hotel Driscoll pero su dueño, Jefferson Driscoll, un hombre negro de piel clara que se odia a sí mismo, se hace pasar por blanco y desprecia la compañía de otros afroamericanos. Driscoll obliga a Eve a dormir afuera en su granero, donde es amenazada por otro hombre negro que Driscoll ha enviado a dormir allí. Agotada por su viaje pero demasiado aterrorizada para quedarse en el granero, Eve corre hacia el bosque, y Driscoll se ríe a carcajadas de su angustia. Por la mañana, conoce a un joven y amable buscador llamado Hugh Van Allen, quien resulta ser su nuevo vecino. Van Allen también es afroamericano, pero no se da cuenta de que Eve también lo es. Se hacen amigos rápidamente y Van Allen le ofrece a Eve llevarla a su nueva casa. Cuando llegan allí, Van Allen continúa mostrando amabilidad y ayuda a Eve a instalarse en su pequeña cabaña. Antes de irse, le da a Eve un arma y le dice que la dispare dos veces si alguna vez tiene problemas. De esa manera sabrá que debe venir enseguida...
ComentarioEs el cuarto largometraje de Micheaux y, junto con Within Our Gates, se encuentra entre sus primeros trabajos que se conservan. La película se realizó en Fort Lee, Nueva Jersey. Se conserva una copia de la película en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LVII)

El beso mortal (Kiss Me Deadly, 1955), de Robert Aldrich

Un oscura noche, el duro detective privado Mike Hammer recoge a una muchacha en la autopista, vestida únicamente con una gabardina. Pronto, su coche es sacado de la carretera por otro y, mientras él permanece semi inconsciente, ella es torturada hasta morir. Siguiendo su implacable código de conducta, Hammer decidirá seguir la pista de los asesinos y vengar la muerte de la joven, sin sospechar que tras la misma se oculta un secreto letal. Es tercer largometraje de Robert Aldrich tras su doble incursión en el western con Apache y Veracruz (ambas de 1954), es una película extraña e impensable en el cine contemporáneo: concebida como una de las clásicas producciones de serie B de la década de los cincuenta (un modelo que ofrecería no pocas joyas aprovechando justamente su condición minoritaria y, por tanto, la menor atención recibida por parte de los guardianes del pensamiento políticamente correcto). Un oscuro y violentísimo filme negro, protagonizado por el famoso detective creado por Mickey Spillane, Mike Hammer. De ritmo frenético y con un estilo visual marcado por planos de ángulos inverosímiles, está considerado como uno de los mejores trabajos de su director, Robert Aldrich. Mención a parte merece también la interpretación de Ralph Meeker en la piel de Hammer, un personaje en las antípodas del héroe clásico y que el actor supo retratar con brillante ambivalencia, moviéndose sin problemas entre el arquetipo del individuo sexy y el definitivamente ruín.

100 sagas de cine: Winnetou (II)

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5.- Los buitres (Unter Geiern, 1964), de Alfred Vohrer

La famosa banda de Los Buitres ha atacado y asesinado a un grupo de colonos blancos en Llano Estacado, una zona fronteriza entre Nuevo México y Texas. La culpa de lo sucedido recae en los indios de la tribu Shoshone. El experimentado trampero Old Surehand y el jefe apache Winnetou están dispuestos a desenmascarar a los verdaderos culpables de la masacre y ponerlos entre rejas... Lex Barker fue un actor conocido cinematográficamente por haber cogido las riendas del papel de Tarzán que había dejado el mítico Johnny Weissmuller, aunque en España fue más famoso por su faceta personal. Y es que el actor neoyorquino se convertiría en el primer marido de una Tita Cervera, que se había hecho famosa gracias a ganar, en 1961, el concurso de Miss España. Tras trasladarse en Europa, se convirtió en un asiduo del cine alemán, donde participó en varias adaptaciones a la gran pantalla de novelas de Karl May como Carabina de plata y Furia apache. Los Buitres es la quinta entrega de la larga saga de películas protagonizadas por Winnetou. Al igual que la mayoría de sus aventuras obtuvo un gran éxito de taquilla, con casi dos millones de espectadores en las salas de cine españolas. Cabe destacar la presencia en esta entrega del símbolo sexual de los años 1960, Elke Sommer. También aparece el actor Stewart Granger.

6.- El asalto de los apaches (Der Ölprinz, 1965), de Harald Phillipp

Un empresario sin demasiados escrúpulos pero sí toneladas de ambición tiene un plan, y viaja al Western Arizona Bank con una sustanciosa oferta: unos pozos llenos de petróleo junto al lago Shelley a cambio de una gran suma de dinero. Sólo hay un pequeño problema: dichos pozos no existen y nunca han existido. 
De momento nadie es consciente del engaño y el empresario parece a punto de hacerse de oro, pero cuando un grupo de colonos se dirige al lago con la intención de instalarse allí la situación empieza a complicarse. Basada en una novela de Karl May. Wéstern de producción conjunta entre Alemania y Yugoslavia de mediados de los años 1960. Harald Philipp (El día más largo de Kansas City) dirige y adapta una de las novelas de Karl May. Una nueva historia donde vuelve a aparecer el noble apache Winnetou, interpretado como en otras ocasiones por el actor Pierre Brice, fiel a este personaje. La cinta tuvo gran éxito en España, pues registró cerca del millón y medio de espectadores, una cifra más que aceptable para la época. También cuenta con la presencia del actor Stewart Granger.

7.- Winnetou 3 – Teil (1965), de H. Reinl

Después de la Guerra Civil, los desesperados liderados por un renegado llamado Rollins, que siguen a los colonos que se mueven hacia el oeste, intentan abrir una brecha en la amistad entre los blancos y los indios. El jefe Apache Winnetou y su amigo fronterizo, Old Shatterhand, hacen lo que pueden para mantener la paz. Los secuaces de Rollins intentan mantener a Winnetou alejada del jefe de Jicarillos en guerra, White Buffalo, pero él se abre camino, solo para ser confrontado por Rollins que lleva al hijo del jefe, apuñalado en el pecho con el cuchillo de Winnetou. Winnetou está acusado del asesinato. Depende de Old Shatterhand salvar a su amigo. Algunas partes de la prensa criticaron que Winnetou no muriera como se pretendía en el libro, y los productores persistieron. Especialmente en la revista juvenil Bravo, las cartas al editor exigían que se mantuviera vivo al ídolo juvenil encarnado por Pierre Brice. De lo contrario, no se seguía la novela, a muerte de Winnetou incorporó a otras historias. El guión de la película, en cambio, subordinó todo a una persecución asesina del jefe apache.

8.- El justiciero de Kansas (Old Surehand, 1965), de A. Vohrer 

Un general sin escrúpulos asesina al hijo de un jefe comanche para hacer estallar una guerra entre indios y colonos asesinando al hijo del jefe comanche Maki Moteh, con el único objetivo de obtener beneficio de los disturbios resultantes. Old Surehand y Winnetou se encuentran ante una difícil situación: deben convencer al jefe comanche para que renuncie a la guerra y descubrir al verdadero responsable del asesinato. 
 Western que adapta una de las novelas de Karl May, bajo las órdenes de Alfred Vohrer, un año después de hacer lo propio con el filme "Los buitres". Pierre Brice sigue interpretando al noble de Winnetou, mientras que Stewart Granger repite en el papel de Old Surehand como ya hiciera en "El asalto de los apaches". La cinta fue todo un éxito de recaudación en las salas españolas, sobrepasando el millón y medio de espectadores.
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sábado, 28 de noviembre de 2020

Biografías de cine: Pola Negri (III)

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A la vista de tan admirable trayectoria en Alemania parecía inevitable que, tarde o temprano, Pola Negri fuera reclamada por ese imperio devorador de imágenes en que se estaba convirtiendo Hollywood. En el año 1922, por tanto, la Paramount se dispone a contratarla, y la rutilante estrella europea emprende camino hacia el "paraíso" del cine, como en un viaje nocturno rumbo a lo desconocido. Una vez allí, su primer trabajo tiene lugar en Bella Donna (1923), una desafortunada película dirigida por George Fitzmaurice, que parecía presagiar el futuro de su recién estrenado "sueño" americano. 
Pola Negri en Bella Donna (1923)
Por lo pronto la férrea moral norteamericana impide a la Negri enseñar libremente su insinuante y exótica forma de "asomarse" a la pantalla, con lo cual todo su luminosos encantamiento comienza poco a poco a desvanecerse, sin intención ni remedio. Sólo de entre estas primera tentativas hollywoodenses, su intervención en La bailarina española (The Spanish Dancer, 1923), junto al mítico Rodolfo Valentino, proporcionaría a Pola Negri un efímero éxito, apenas continuado. 
Pola Negri en La bailarina española (The Spanish Dancer, 1923 ), 
con vestuario diseñado por Howard Greer
En general, su experiencia americana se limitaba a figurar en los repartos de películas de escasa o nula trascendencia, con demasiada frecuencia en comedias banales que impedían, al menos demostrar su in mensa capacidad interpretativa. Únicamente, su nuevo, y a la vez último, reencuentro con Lubitsch en La frivolidad de una dama (Forbidden Paradise, 1924), lograría que Pola Negri recuperase momentáneamente para el cine su fascinación perdida. Pero el éxito de esta película no sería sino una excepción fugaz nunca más repetida, pese a que años desùés algún que otro título como Hotel Imperial o Las eternas pasiones (Barbed Wire), ambas de 1927, le hicieran sentir, a la vez, el dulce y amargo sabor de la gloria.
Pola Negri en Las eternas pasiones (1927)
Todo era ya, sin embargo, inútil, Hollywood se había mostrado implacable, y Pola Negri era sólo la imagen oculta de sí misma. Los fracasos, además, se sucedían uno tras otro, hasta que después de La mujer de Moscú (The Woman from Moscow, 1928), toma la decisión de regresar a Europa. A partir de aquí, y una vez en el viejo continente la trayectoria cinematográficas de la Negri se convierte en un continuo e inacabable peregrinaje de un sitio a otro, de un país a otro; de Inglaterra, The Woman He Scorned (1929) a Francia, Fanatismo (Fanatisme, 1932), de Austria, Mazurca (Mazurka, 1935) a Alemania, Moskaw-Shangai, (1936), con un breve inciso, contratada por la R.K.O. para realizar en Estados Unidos la desafortunada La reina Draga (A Woman Commands, 1931).
Pola Negri en La reina Draga (1931)
Curiosamente, sin embargo, sería Estados Unidos el país que diría adiós definitivo a la carrera cinematográfica de Pola Negri; primero con Casados sin casa (Hi Diddle Diddle, 1943), y finalmente con La bahía de las esmeraldas (The Moon Spinners, 1964), su última aparición en pantalla, realizada gracias a la interesada llamada de Walt Disney. Pero, por aquel entonces, la fulgurante estrella de Pola Negri había muerto, aunque con ello, y a un mismo tiempo, para siempre nacía el recuerdo que la haría eternamente vivir. 
Casados sin casa (1943)

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LVI)

Las diabólicas (Les diaboliques, 1955), de H.G. Clouzot

La esposa y la amante del cruel director de un internado francés maquinan la manera de asesinarlo. Optan por ahogarlo en la bañera y arrojan su cadáver a la sucia piscina del colegio. Pero cuando finalmente la vacían, el cadáver no aparece. A partir de entonces, ambas mujeres, especialmente la esposa, se obsesionan con la idea de que él pueda estar vivo. Una obra maestra del cine de suspense, basada en la novela Celle qui n'était plus de Pierre Boileau y Thomas Narcejac (también autores de la novela en la que se basó Alfred Hitchcok para su Vertigo). En el momento de su estreno, la película cosechó un gran éxito de crítica y compartió el premio a la mejor película extranjera de la crítica de Nueva York, junto con Humberto D, de Vittorio de Sica. Irónicamente, Vera Clouzot, esposa en la vida real del director y que interpreta aquí a la frágil esposa del director, delicada del corazón, murió pocos años más tarde de un ataque coronario. La película ha dado pie a tres ‘remakes’: dos telefilmes y la versión cinematográfica protagonizada por Sharon Stone e Isabelle Adjani, titulada Diabólicas.

100 sagas de cine: Winnetou (I)

En los años 1960, el cine alemán decidió llevar al cine las novelas de Karl May. Estas son las películas que hicieron:

1.- El tesoro del lago de la plata (Der Schatz in Silbersee, 1962), de Harald Reinl.

El coronel Brinkley es un criminal que se ha hecho con el mapa de donde está el tesoro del Lago de la Plata. Winnetou y Old Shatterhand acuden una vez más en pro de la bondad, pero por el camino se encontrarán con tribus enemigas que les harán frente. Lex Barker fue un actor conocido cinematográficamente por haber cogido las riendas del papel de Tarzán que había dejado el mítico Johnny Weissmuller, aunque en España fue más famoso por su faceta personal. Y es que el actor neoyorquino se convertiría en el primer marido de una Tita Cervera, que se había hecho famosa gracias a ganar, en 1961, el concurso de Miss España. Tras trasladarse a Europa, se convirtió en un asiduo del cine alemán, donde participó en varias adaptaciones a la gran pantalla de novelas de Karl May como Carabina de plata y Furia apache. La primera de ellas fue El tesoro del Lago de la Plata, un wéstern de aventuras que se convirtió en todo un revienta-taquillas en Alemania. Tanto fue el éxito de la cinta que hasta la canción de los créditos iniciales (Old Shatterhand-Melodie, de Martin Böttcher) fue la canción germana más popular de la década de 1960.

2.- Furia apache (Winnetou 1 – Teil, 1963), de H. Reinl.

La construcción del ferrocarril durante el siglo XIX origina graves conflictos entre los colonos, la compañía ferroviaria y las tribus indias. Santer, el jefe de una banda de delincuentes, desea apoderarse de una mina de oro situada en territorio indio. Con este fin trata de conseguir que se modifique el trazado de la vía de modo que el ferrocarril pase por las tierras de los Apaches. OldShatterhand, descubre sus planes y se pone en contacto con los indios para unirse a ellos y luchar contra la banda de Santer. 
Western coproducido en 1963 por Alemania, Yugoslavia e Italia que constituye la segunda adaptación al cine de las populares novelas de Karl May. La cinta gozó de enorme éxito en Alemania cuando se estrenó, llegando a conseguir grandes resultados de taquilla y excelentes críticas por parte de la prensa especializada. El realizador austriaco Harald Reinl coge las riendas de la dirección del filme y cuenta con un elenco de actores que ya había funcionado en anteriores adaptaciones de la obra de May. Encabeza el casting el alemán Lex Barker  conocido en España por dar vida a Tarzán en la serie homónima y por haber estado casado con Tita Cervera. Lo secunda el no menos aclamado Pierre Brice, perfecto en su papel de noble apache.

3.- La última batalla de los apaches (Old Shaterhand, 1964), de Hugo Fregonese

Un grupo de hombres blancos en compañía de algunos indios comanches, ingresa en la granja de los Baxter con el plan de asesinar a toda la familia. Los padres mueren, pero su hijo menor se esconde y consigue escapar. El plan es hacerle creer al ejército estadounidense que, los apaches, están violando la tregua pactada tras la que se espera firmar un acuerdo de paz. Alguien está interesado en las tierras de los apaches y quiere mantener la guerra a como dé lugar... Winnetou (Pierre Brice), Old Shatterhand (Lex Barker) y sus amigos, tendrán que vérselas con ellos
. Western Dirigida por el argentino, Hugo Fregonese, quien estuviera asentado en Hollywood y en Europa, hasta que decidió pasar los últimos días en su tierra natal y protagonizado por Lex Barker, el mítico marido de Sylvia en La dolce vitaSiguiendo la mejor línea, la ambientación es esplendorosa y el filme fue rodado en Superpanorama 70, un formato que hace honor a lo que promete, porque cada paisaje luce absolutamente paradisíaco. Algunos simpáticos toques de comedia, unos acentuados momentos dramáticos, y una efectiva acción que alcanza su culmen en la escena de la gran batalla, consiguen que la película resulte bastante entretenida, al tiempo que se propone rendir honor a la valerosidad y la dignidad de los indios. Llama la atención el momento en que, Paloma, indaga a Rosemary acerca de Old Shatterhand y ésta, anticipándose al futuro histórico, pero recordando también lo que ahora sabemos, le dice: “El viene de una tierra en la que unos mataban a los otros porque pensaban que habían nacido mejores que los demás”. 

4.- La carabina de plata (Winnetou 2 – Teil, 1964), de H. Reinl

El jefe apache Winnetou y Old Shatterhand organizan una conferencia a la que acuden los jefes de las tribus indias y también políticos y generales para negociar un tratado de paz. Forrester, un temerario hombre de negocios, y sus crueles mercenarios atacan a un grupo de colonos y echan la culpa a los apaches para evitar la firma del tratado con el fin de apropiarse de los pozos petrolíferos que se encuentran en las tierras de los Ponca. Old Shatterhand y Winnetou lucharán juntos para evitar el enfrentamiento entre indios y colonos. Lex Barker fue un actor conocido cinematográficamente por haber cogido las riendas del papel de Tarzán que había dejado el mítico Johnny Weissmuller, aunque en España fue más famoso por su faceta personal. Y es que el actor neoyorquino se convertiría en el primer marido de una Tita Cervera, famosa tras ganar, en 1961, el concurso de Miss España. Tras trasladarse en Europa, se convirtió en un asiduo del cine alemán, donde participó en varias adaptaciones a la gran pantalla de novelas de Karl May como Carabina de plata y Furia apache. La carabina de plata es la tercera de las aventuras del indio Winnetou, y demás una cinta de gran calidad gracias a los bonitos decorados y exteriores utilizados. También se notó el alto presupuesto en el número de extras y eclipsó la presencia de la hermosa Karin Dor (Topaz).
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viernes, 27 de noviembre de 2020

Efemérides de cine: Días de angustia

El 27 de noviembre de 1970 se estreno la película italiana Días de angustia (Le foto proibite di una signora per bene), dirigida por Luciano Ercoli e interpretada por Dagmar Lassander, Pier Paolo Capponi, Simón Andreu, Osvaldo Genazzani, Salvador Huguet, Nieves Navarro. Productora: Coproducción Italia-España; Produzioni Cinematografiche Mediterranee (PCM)/Trébol Films C.C. Duración: 93 minutos. 


Sinopsis argumental: Una mujer es asaltada de noche en la playa por un desconocido, que la amenaza con un cuchillo. Contra lo que teme, no intenta violarla; únicamente quiere decirle que Pierre, su marido, es un asesino. Días después, los periódicos traen la noticia de la muerte de un importante hombre de negocios, al que Pierre debía mucho dinero. Aunque el diagnóstico oficial es muerte por embolia, la mujer descubre como pudo habérsele asesinado. Y esa misma noche, el hombre de la playa la llama por teléfono: quiere una cita o denunciará a Pierre.
ComentarioDías de angustia es, sin ningún género de duda, una pequeña obra maestra. Tan delirante como fascinante, es una muestra perfecta de cine de otra época, de otro mundo que hace mucho desapareció. Extrañamente moderna, esta perversa gema pop rodada en una Barcelona cuidadosamente camuflada para que pase por una ciudad europea cualquiera, relata una historia de dominación. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: The Star Rover

El 27 de noviembre de 1920 se estrenó la película estadounidense The Star Rover, dirigida por Edward Sloman e interpretada por Courtenay Foote, Thelma Percy, Pomeroy Cannon, T.D. Crittenden, Jack Carlyle, Chance Ward, Marcella Daly. Productora: C.E. Shurtleff Inc.
Sinopsis argumentalUn prisionero se las arregla para liberarse de una camisa de fuerza proyectando su mente en el tiempo y el espacio.
Comentario: Basada en la novela homónima del escritor estadounidense Jack London publicada en 1915 (publicada en el Reino Unido como The Jacket). En la actualidad, la película se considera perdida. 

Hace 100 años: La marca del Zorro

El 27 de noviembre de 1920 se estrenó la película estadounidense La marca del Zorro (The Mark of Zorro), dirigida por Fred Niblo e interpretada por Douglas Fairbanks, Marguerite De La Motte, Robert McKim, Noah Beery, Charles Hill Mailes, Claire McDowell, Snitz Edwards, Sidney De Gray, George Periolat, Tote Du Crow. Productora: Douglas Fairbanks. Duración: 90 minutos. 
Sinopsis argumentalEn la California gobernada aún por los españoles, el tiránico gobierno local se ve contrarrestado por el Zorro, un justiciero enmascarado que surge de la nada para burlarse de los opresores y marcarles un Z con su espada. Mientras, la hermosa Lolita Pulido es cortejada por el malvado capitán Juan Ramón, por el rico y melifluo Don Diego Vega, y también por el heroico Zorro... a quien nadie ha visto nunca al mismo tiempo que a Don Diego. Como el Zorro continúa eludiendo a sus hombres, el capitán Ramón decide usar a la bella Lolita como cebo.
ComentarioSe basa en la novela de Johnston McCulley La maldición de CapistranoDouglas Fairbanks asentó su heroica bravuconería con esta historia que luego ha sido llevada en infinidad de ocasiones a la pantalla, aunque bien pocas mejor que aquí. Basada en el serial de Johnston McCulley, “The Curse of Capistrano”, la cinta tiene como coprotagonistas a Marguerite De La Motte (compañera habitual de Fairbanks en muchas de sus aventuras y una de tantas estrellas del cine mudo que no logró dar el salto al sonoro) y a Noah Beery, todo un especialista en papeles de villano, hermano del más famoso Wallace Beery. Fue en esta película donde se introdujo la vestimenta característica del Zorro: traje negro, máscara negra, sombrero redondo y negro. En consecuencia, Johnston McCulley decidió adoptar en sus siguientes escritos sobre el Zorro el mismo traje para su personaje. En 1925 se estrenó una secuela llamada Don Q, el hijo del Zorro, con Fairbanks en los papeles de Don Diego y Don César de la Vega, hijo de Don Diego.

jueves, 26 de noviembre de 2020

Películas de la semana: 27 de noviembre

Érase una vez... 

Título originalCome AwayDirecciónBrenda Chapman. PaísEstados Unidos. Año2020. Duración94 minutos. GéneroFantástico. Aventuras. Amistad. Familia. InterpretaciónAngelina Jolie, David Oyelowo, Michael Caine, Gugu Mbatha-Raw, David Gyasi, Anna Chancellor, Clarke Peters, Jordan A. Nash, Thomas Goodridge, Keira Chansa, Harry Paul Newman, Jordan Nash, Reece Yates, Oliver Frank Newman, Derek Jacobi, Roger Ashton-Griffiths, Damian O'Hare, Andrew Dunkelberger, Jo Wheatley, Marie Hamm. Guion: Marissa Kate Goodhill (Personajes: J M. Barrie, Lewis Carroll). Música: John Debney. Fotografía: Jules O'Loughlin. ProductoraCoproducción Estados Unidos-Reino Unido; Endurance Media/Fred Films/Yoruba Saxon Productions/ACE Pictures Entertainment/Hammerstone Studios/Creasun Entertainment/Lakeview Entertainment/TinRes Entertainment. Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. SinopsisAntes de que Alicia se adentrase en el País de las Maravillas y de que Peter se convirtiese en Pan, ambos eran hermanos. Después de que su hermano mayor fallezca en un trágico accidente, intentan salvar a sus padres de la espiral de desesperación, hasta que finalmente se ven obligados a elegir entre su hogar y su imaginación, creando así la antesala de sus icónicos viajes al País de las Maravillas y al de Nunca Jamás. 

Contagio en alta mar

Título original: Sea Fever. Dirección: Neasa Hardiman. País: Irlanda. Año: 2019. Duración: 94 minutos. Género: Drama. Terror. Intriga. Thriller. Aventuras marinas. Interpretación: Connie Nielsen, Dougray Scott, Hermione Corfield, Olwen Fouere, Jack Hickey, Ardalan Esmaili, Elie Bouakaze, Dag Malmberg. Guion: Neasa Hardiman. Música: Christoffer Franzén. Fotografía: Ruairi O'Brien. Productora: Coproducción Irlanda-Estados Unidos-Reino Unido-Suecia-Bélgica; Bright Moving Pictures/Creativity Capital/Fantastic Films/Frakas Productions/Makar Productions/Flexibon Films. Distribuidora: Eagle Film Production Company. Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. Sinopsis: En mitad del Atlántico, la solitaria estudiante de biología marina Siobhán, va a bordo de un pequeño barco de pesca con una tripulación irlandesa. En un momento dado, la embarcación pierde el rumbo. Pero, todo se complica mucho más cuando las personas que van a bordo corren un gran riesgo por un parásito que se encuentra en el suministro de agua. Mientras todos los miembros de la tripulación comienzan a ser víctimas de una extraña infección, Siobhán tendrá que ganarse su confianza para evitar que todos estén perdidos.

Los papeles de Aspern

Título original: The Aspern Papers. Dirección: Julien Landais. País: Reino Unido. Año: 2018. Duración: 90 minutos. Género: Drama. Drama romántico. Siglo XIX. Interpretación: Jonathan Rhys Meyers, Vanessa Redgrave, Joely Richardson, Lois Robbins, Jon Kortajarena, Poppy Delevingne, Morgane Polanski, Barbara Meier, Alice Aufray, Nicolas Hau. Guion: Jean Pavans, Julien Landais, Hannah Bhuiya (Novela: Henry James). Música: Vincent Carlo. Fotografía: Philippe Guilbert. Productora: Coproducción Reino Unido-Alemania; Summerstorm Entertainment/Princeps Films/Cohen Media Group/Film House Germany/BondIt, Umedia. Distribuidora: Cohen Media Group. Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. Sinopsis: Venecia, Siglo XIX. Un ambicioso editor, obsesionado con el poeta romántico Jeffrey Aspern y su corta y romántica vida, viaja de los Estados Unidos a Venecia decidido a conseguir las cartas que Aspern envió a su amante y musa, una mujer que guarda celosamente sus secretos. La película está dirigida por Julien Landais y está escrita por él, Jean Pavansy y es una adaptación de la novela de Henry James. Este es el primer largometraje de Julien Landais, quien ya había dirigido cortos y fashion films. Como curiosidad Vanessa Redgrave y Joely Richardson son madre e hija en la vida real, pero en la película interpretan a tía y sobrina. Asimismo la película cuenta con el modelo y actor bilbaíno Jon Kortajarena en el papel de Jeffrey Aspern. 

Iré donde tu vayas 

Título original: J'irai où tu iras. Dirección: Géraldine Nakache. País: Francia. Año: 2019. Duración: 100 minutos. Género: Comedia. Familia. Interpretación: Géraldine Nakache, Leïla Bekhti, Patrick Timsit, Pascale Arbillot, Célia Pilastre, Romain Francisco, Johanne Toledano, Vincent Darmuzey, Jean-Gabriel Nordmann. Guion: Yohan Gromb, Rebecca Zlotowski, Géraldine Nakache.
Producción: Stéphane Célérier, Valérie Garcia, Pierre Guyard. Fotografía: Eric Dumont. Montaje: Audrey Simonaud. Productora: Nord-Ouest Films/Mars Films/France 2 Cinema/Canal+/Ciné+/France Télévisions/Films Distribution. Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. Sinopsis: Vali y Mina son dos hermanas completamente opuestas, distanciadas por los avatares de la vida. Una es cantante, soñadora y emotiva. La otra es un terapeuta, distante y racional. Su padre termina encontrando la oportunidad perfecta para reunirlas durante un fin de semana e intentar reconciliarlas: Vali tiene una audición en París y es Mina quien tendrá que llevarla allí, a pesar de su rechazo por la pasión de su hermana.

Lux Æterna

Dirección: Gaspar Noé. País: Francia. Año2019. Duración50 minutos. Género: Drama. Cine dentro del cine. Mediometraje. Interpretación: Béatrice Dalle, Charlotte Gainsbourg, Abbey Lee, Karl Glusman, Félix Maritaud, Paul Hameline, Luka Isaac. Guion: Gaspar Noé. Producción:  Gary Farkas, Lucile Hadzihalilovic, Clément Lepoutre, Olivier Muller, Gaspar Noé, Anthony Vaccarello. Fotografía: Benoît Debie. Montaje: Jerome Pesnel. Productora: Vixens Films. Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. SinopsisEl filme gira en torno a Charlotte Gainsbourg y Béatrice Dalle, dos actrices que cuentan historias sobre brujas en un plató de cine. La intención del rodaje es representar un ambiente que recree los juicios de brujas inspirados en el Día de la Ira de Carl Theodor Dreyer. Para ello, ambas mujeres tiene que estar atadas a unas estacas. El retraso de la grabación, la incompetencia del equipo y la ausencia del rodaje comienzan a enfurecer a Dalle. Lo que ella no sabe es que el productor planea despedirla de una manera bastante poética. Sus planes son quemar a la joven en esa estaca simulando una especie de incineración de brujas moderna. Lux Æterna, dirigida por Gaspar Noé, además de ser un drama metaficcional, es un ensayo sobre el cine, el amor por el cine y la histeria en el escenario.

El estreno

Título original: Hra. Dirección: Alejandro Fernández Almendras. País: República Checa. Año: 2019. Duración: 93 minutos. Género: Comedia. Drama. Romance. Blanco y negro. Interpretación: Jirí Mádl, Marika Soposká, Elizaveta Maximová, Vladimíra Benoni, Sarah Havacova, Sarah Hlavácová, Danica Jurcová, Ondrej Malý, Darina Nicová, Jirí Strébl, Adam Vacula, Jana Zenáhlíková. Guion: Alejandro Fernández Almendras. Música: Pablo Vergara. Fotografía: Inti Briones. Productora: Coproducción República Checa-Chile-Francia-Corea del Sur; Arizona Productions/Arizona Productions/Film & Roll/Jirafa. Distribuidora: Pilot Film [Czech Republic]. Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. Sinopsis: El mundo de un joven director de teatro, en un pequeño pueblo de República Checa, se derrumba después de que decide perseguir su sueño de adaptar la obra Fedra de Eurípides. Durante los ensayos se involucra con una joven actriz, arriesgando su matrimonio. La obra es un fiasco y su mujer lo deja. Desesperado, tratará de conquistarla nuevamente siendo el mejor padre y marido posible, no uno perfecto.

Sin señas particulares

DirecciónFernanda Valadez. PaísMéxico. Año2020. Duración99
minutos. 
GéneroDrama. Inmigración. InterpretaciónMercedes Hernández, David Illescas, Juan Jesús Varela, Ana Laura Rodríguez. Guion: Astrid Rondero, Fernanda Valadez. Música: Clarice Jensen. Fotografía: Claudia Becerril Bulos. Productora: Coproducción México-España; Corpulenta/FOPROCINE/Avanti Pictures/EnAguas Cine/Nephilim Producciones. Premios y nominaciones: Festival de Sundance: Premio del Público - Drama (World Cinema); Festival de San Sebastián: Premio Horizontes (Mejor film latinoamericano); Festival de Morelia: Mejor película, Premio del público y actriz (Hernández); Premios Gotham: Nominada a mejor película internacional. Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. SinopsisMagdalena no ha sabido nada de su hijo en meses, desde que se fue de su pueblo para cruzar la frontera de los Estados Unidos. Las autoridades quieren que firme su certificado de muerte, pero el encuentro con unos padres que perdieron a su hijo hace que se de cuenta de que no puede seguir viviendo sin saber cuál ha sido su suerte. Comienza así su particular odisea a través de México, pasando por zonas repletas de violencia y desolación, persiguiendo cualquier mínima pista pese a haber sido advertida de no preguntar públicamente por estas cuestiones. Por el camino conoce a Miguel, un chico que ha sido deportado recientemente y que, a través de su viaje, asegura haber descubierto un país totalmente cambiado.

Helmut Newton: Perversión y belleza

Título original: Helmut Newton: The Bad and the Beautiful. Dirección: Gero von Boehm. País: Estados Unidos. Año: 2020. Duración: 93 minutos. Género: Documental. Fotografía. Biográfico. Reparto: Documental (intervenciones de: Helmut Newton, Isabella Rossellini, Charlotte Rampling, Catherine Deneuve, Grace Jones, Claudia Schiffer, Marianne Faithfull, Anna Wintour). Producción: Torsten Bönnhoff. Montaje: Tom Weichenhain. Productora: Lupa Film/Monarda Arts. Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. Sinopsis: ¿Mujeres objetos, protagonistas, empoderadas o humilladas? Helmut Newton, fotógrafo de moda y fotógrafo artístico, fue autor de algunas de las imágenes más icónicas de los años 1970, 1980 y 1990. ¿Provocador, revolucionario, misógino? Trabajando con imágenes de archivo que muestran el proceso de trabajo del fotógrafo alemán, hace más de veinte años, y con entrevistas actuales con algunas de sus retratadas, desde Catherine Deneuve hasta Grace Jones, Charlotte Rampling o Isabella Rossellini, Helmut Newton: Perversión y belleza compone un retrato complejo de un hombre, y su obra, que todavía dan mucho que hablar.

2020

Dirección: Hernán Zin. País: España. Año: 2020. Duración: 94 minutos. Género: Documental. Pandemias. Coronavirus (COVID-19). Reparto: Documental. Guion: Hernán Zin. Fotografía: Raúl Peña. Productora: Antiestático, Doc Land Films. Distribuidora: Caramel Films. Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. Sinopsis: Cuatro meses de rodaje, 30 jornadas en ambulancia y 20 jornadas en Ucis le han hecho falta a Hernán Zin para completar '2020', un documental que trata de humanizar las cifras de la pandemia del coronavirus en España contando el drama humano. El reportero de guerra y documentalista argentino se metió en con su cámara en los hospitales de Madrid durante la primera ola, así como en residencias, morgues, funerarias, controles policiales y hospitales de campaña. Zin cree que "ha habido mucho debate político frente a lo poco que se ha hablado de las víctimas y '2020' pretende compensar eso, la humanización de la tragedia". "El documental pretende poner rostro, nombres y apellidos a los 1.000 muertos diarios, una cifra terrible de la que es importante que la gente tome conciencia", añade el director de otros documentales como los galardonados Nacido en Siria (2007) o Nacido en Gaza (2014).

Pa'trás ni pa'tomar impulso

Dirección: Lupe Pérez García. País: España. Año: 2020. Duración: 76 minutos. Género: Documental. Baile. Flamenco. Reparto: Documental (intervenciones de: Alicia Acuña, Carmen Mesa, Manuela Reyes, Rosario Toledo). Guion: Lupe Pérez García. Música: Alicia Acuña, José Torres, Hector Romero. Fotografía: Sergio Caro, Diego Poleri. Productora: Imposible Films. Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. Sinopsis: El baile flamenco es lo que teje el camino hacia el vacío que emprende Carmen (la bailaora cordobesa Carmen Mesa en estado de gracia) cuando cruza el océano para desembarcar en Buenos Aires y tomar rumbo a los Andes. Pero una vida sentimental complicada y el bagaje familiar y de amistades dejado atrás no le pondrán fácil alcanzar su sueño de transmitir su arte. Una inquebrantable persistencia y un camino lleno de aventuras (por momentos road movie) le llevarán a comprender cuál es la esencia de su vida y su mayor fortaleza, en una película que muestra la intensidad del proceso creativo del baile flamenco dirigida por Lupe Pérez García. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LV)

Dementia (1955), de John Parker

Película de terror con tintes surrealistas, donde la historia experimenta un viaje a la atormentada y traumatizada mente de una mujer durante una noche de pesadilla y terror. Sin diálogos, únicamente con la voz en off del narrador supone una obra de culto y un hito en el cine de horror. La película tuvo un estreno problemático, siendo prohibida en 1953 por la Junta de Cine del Estado de Nueva York antes de ser estrenada finalmente en diciembre de 1955. Más tarde fue adquirida por Jack H. Harris, quien la editó e incorporó la narración en off de Ed McMahon antes de volver a publicarla. lanzándolo en 1957 bajo el título alternativo Daughter of Horror
Única obra de su director John Parker, del que poco más se sabe. Son varias las circunstancias que convierten esta pequeña joya en rareza de culto. Para comenzar, Dementia está realizada con el dinero de la madre del director y la mayor parte del reparto son actores aficionados o directamente no actores como es el caso de la protagonista Adrienne Barrett que, al parecer, era la secretaria del propio director y cuya experiencia en el cine se limita a esta película. Tan fascinante e hipnótica como turbadora sus imágenes evocan tanto al cine negro de bajo presupuesto de Edgar G. Ulmer como al expresionismo alemán y al surrealismo de Buñuel y Dalí. 

Scorsese, Altman, Friedkin... 5 perlas olvidadas de los gigantes del cine estadounidense para descubrir en plataformas VOD

Desde el comienzo de la crisis sanitaria, han faltado estrenos de películas, ¡y particularmente estrenos estadounidenses! Para consolarnos un poco de su ausencia, nos adentramos en plataformas de vídeo a la carta, conocido en inglés como vídeo on demand (VOD) en busca de películas estadounidenses no tan conocidas y/o subestimadas. Todos los sábados durante un mes, le ofreceremos una selección de nuestros hallazgos en este blog. Esta semana, el primer episodio con cinco hermosas películas dirigidas por algunos de los grandes nombres del cine del otro lado del Atlántico y, sin embargo, han quedado algo olvidadas.

Anatahan (1953), de Josef von Sternberg

Esteta y soñador frente a lo eterno, Josef von Sternberg no fue solo el pigmalión de Marlene Dietrich, con quien realizó un conjunto de siete películas entre las que se encuentran bastantes obras maestras (Marruecos, El ángel azul, Fatalidad, La Venus rubia, El expreso de Shanghai, Capricho imperial). Como prueba, esta La saga de Anatahan (Anatahan, 1953), una pequeña joya muy original filmada en los estudios de Kyoto con actores japoneses, un anticipo brillante de su final de carrera (volvió a dirigir  por última vez en Amor a reacción (Jet Pilot, 1957)). Con una mente ingeniosa, aficionado al arte y la cultura del Lejano Oriente, Sternberg aquí rinde homenaje a los vencidos de la Segunda Guerra Mundial mientras destila motivos y mitos que le son queridos. La película, basada en una historia real, cuenta como en junio de 1944, siete soldados japoneses naufragan y van a parar a una remota isla del Pacífico (An-ta-han), donde pasan siete años. Los únicos habitantes de la isla son el vigilante de una plantación abandonada y su atractiva mujer. Pronto, la disciplina desparece y se impone la lucha por el poder y por la mujer.
Esta mujer (Akemi Negishi, que reaparecerá más tarde en Naruse y Kurosawa) se eleva aquí al rango de diosa del amor. Es fuente de discordia, de sacrificios pero también de estabilidad. Ella es víctima y salvadora al mismo tiempo. La vemos vestida sin nada (¡un paracaídas, por ejemplo!) O escabullirse con el atuendo de Eva. A través de ella, se desarrolla un drama pasional, teñido de sugerente erotismo. La atmósfera es húmeda y confinada, como dentro de un acuario. Entre las curiosidades de la película, están estos breves diálogos en japonés no traducido, asistidos por una seca y viva voz en off (la del propio Sternberg), que ilumina la historia a la par que medita sobre sus implicaciones, su manantiales enterrados, sus partes no verificables. Reflexión sobre el mal, la obediencia, la lucha entre la bestialidad y la humanidad, La saga de Anatahan no sería nada, finalmente, sin su expresionista blanco y negro, sus vertiginosos juegos de sombras, luces y escondites. Las contraventanas, las redes, los líquenes, las lianas o las palmeras de la selva, el elemento más pequeño sirve de imprimación para contener la vista y multiplicar por diez el deseo.

Los vividores (McCabe and Mrs. Miller, 1971), de Robert Altman

Primero están las inolvidables baladas del álbum debut de Leonard Cohen. Tres temas ingrávidos (The Stranger Song, Winter Lady, Sisters of Mercy) que dialogan abiertamente con la insólita historia de este John McCabe, jinete de la nada, que llega a un pueblo minero al pie de las montañas. Este extranjero, precedido de fama de sicario, jugador y vago hombre de negocios, instala allí un burdel, asociándose con una prostituta de mal genio pero desilusionada, amante del opio, de la que se enamora a pesar de sí mismo. No es realmente un héroe, este vaquero, más bien un tipo torpe, que se desvía y se toma a sí mismo por lo que no es, a riesgo de perderse, su floreciente pequeño negocio atrae mucha envidia, especialmente las de los grandes capitalistas. de la región.
Desde las canciones de Leonard Cohen hasta la actividad socioeconómica del pueblo, desde los decorados hasta las largas discusiones, nada aquí se parece al western tradicional. La insólita galería de retratos (las prostitutas y sus clientes), la sensación de inmersión impactante en el salvaje oeste, la circulación constante de la cámara hacen de esta pintura de época un punto de inflexión en el género. Compuesto por tonos tabaco, grises, crepusculares, la fotografía del gran Vilmos Zsigmond hace maravillas. El barro, la madera de los marcos, el cabello, las pieles, nunca tuvieron estas texturas. Lo mismo ocurre con la nieve, elemento que envuelve la larga y lenta lucha final, en un silencio sobrenatural.

El último testigo (The Parallax View, 1974), de Alan J. Pakula

Quien dice Pakula, dice Todos los hombres del presidente (1976). Pero este digno representante del nuevo Hollywood no se limita a esta película antes mencionada, su obra más conocida. Estrenada dos años antes en un clima nacional de sospecha (el escándalo de Watergate y la guerra de Vietnam a punto de terminar), El último testigo pertenece plenamente a la corriente del thriller de la paranoia política entonces en plena vigencia. La película comienza con la muerte de un senador durante una rueda de prensa organizada alrededor de un buffet, en las alturas de un rascacielos. La acción se inspira directamente, al combinarlos, de dos famosos asesinatos, el de JFK, en 1963, y el de su hermano, Robert, en 1968. Las circunstancias del suceso son turbias, cuestionando la existencia de un segundo tirador y un complot. Pero una comisión de investigación finalmente concluye que se trata de un acto aislado. Tres años después, un marginado periodista de investigación, Joseph Frady, que ha dejado muchas plumas en este asunto hasta el punto de no querer más oír hablar de ello, se ve sacudido por la repentina muerte de un colega.
La película es cautivadora, mientras que está desnuda, casi ordenada. Pocos diálogos, muchas elipses y una música inquietante muy hermosa de Michael Small. El escenario es a veces inverosímil, sin dañar la atmósfera cada vez más inquietante. La interpretación impasible o desilusionada de Warren Beatty contribuye a la opacidad de la historia. ¿Todavía tiene recursos, este ex alcohólico? ¿Puede realmente permitirse frustrar lo que parece ser la vasta conspiración de una sociedad secreta? Cuanto más avanza su investigación, más su papel de infiltrado hace que la película se deslice hacia zonas de oscuridad, hacia la abstracción. En el último tercio, fascinante, Pakula solo filma hilanderías, un ballet de siluetas pasajeras, en pasillos oscuros o inmensos salones desiertos. Conjuntos vacíos. Un mundo de vigilancia deshumanizado.

La edad de la inocencia (The Age of Innocence, 1993), de Martin Scorsese

Una verdadera curiosidad en el trabajo de Scorsese. Una película a menudo olvidada por sus admiradores, como si no fuera suya. Y por una buena razón: aquí no hay masculinidad triunfante (o lastimera), ni amistad viril ni duelos armados. La edad de la inocencia es sin duda su única película "femenina" (con Alice ya no vive aquí). Pero al igual que los créditos sublimes, firmados por Saul Bass, donde vemos un despliegue de fuegos artificiales de flores que se abren detrás de una pantalla de encajes y palabras escritas, la dulzura se casa con la violencia. La pintura, suntuosa en apariencia, esconde muchas crueldades. La película está adaptada de una novelista sutil, Edith Wharton (1862-1937), pionera de un feminismo por nacer, que tenía una mirada llena de ironía implacable sobre las convenciones de la nobleza neoyorquina.
En el centro se encuentra Newland Archer (Daniel Day-Lewis), un valioso abogado y dandy que parece más alerta y valiente que sus compañeros. En verdad, este personaje tiende a una gran cobardía, incapaz de elegir entre la mujer inconformista a la que ama apasionadamente (Michelle Pfeiffer, radiante y febril) y la joven aristócrata prometida por pertenecer a su misma clase social (Wynona Ryder, genio en el falso ingenio). Es una película terrible sobre el encierro, el increíble esplendor de la decoración, las mesas puestas, los dorados, las joyas, los trajes de salón, siendo solo el adorno de una trampa. Puesta en escena de la película virtuoso del teatro vertiginoso de la vida, La edad de la inocencia fusiona belleza y vulgaridad, voluntad y abulia, libertad y camisa de fuerza. El último cuarto de hora, que tiene lugar en París (en el jardín de Luxemburgo y rue de Furstemberg) proyectándonos años después, al inicio de la vejez de Newland, ofrece un gran momento de emoción con acentos proustianos.

Insectos (Bug, 2006), de William Friedkin

Una gran película de terror, en gran medida desconocida, adaptada de un espectáculo de Broadway. Entre los gigantes de los "setenta", William Friedkin (French Connection, El exorcista) experimentó un ligero decaimiento en los "noventa", pero se recuperó mucho después (The Hunted (2003) y Killer Joe (2011) también son muy buenas). El terror se encuentra aquí en el entorno casi único de una habitación de motel perdida, al borde del desierto. Allí se encuentra una camarera (Ashley Judd, muy bien), Agnes, una noche de fiesta improvisada con un amigo, un veterano de la Guerra del Golfo (Michael Shannon, impresionante, cinco años antes de Take Shelter (2011)). Este tipo desprende una cosa, parece inteligente, habla en voz baja y parece tímido, todo lo contrario de su exmarido, un matón que todavía la persigue. El problema es que este exsoldado está convencido de que sirvió como conejillo de indias: le habrían inoculado un virus que contenía insectos microscópicos. ¿Totalmente trastornado o víctima de un complot? La película no se aclara del todo, aunque se inclina más hacia la primera hipótesis.
La ansiedad se vuelve contagiosa y aumenta en un crescendo dramático alucinatorio. Insectos es un thriller pero también es una historia de amor fusional. Amor loco por la aterradora belleza que ve a Agnes, adicta a su hombre, sumergirse en su galopante paranoica para no perderlo. Entre pulgones enclavados en la coca y una bolsa de huevos escondida debajo del diente, el enloquecimiento es tal que bordea lo grotesco. El paso del ex marido (Harry Connick Jr) nos valió unas líneas sabrosas. Al descubrir la habitación invadida por insecticidas y papel matamosca, el visitante soltó: “Si yo fuera una cucaracha, recibiría el mensaje cinco de cada cinco. Friedkin aprovechó la oportunidad para burlarse de la naturaleza nebulosa de la conspiración o las teorías paranormales que contaminan el cine estadounidense y las series fantásticas. La fuerza de la película es mezclar constantemente la burla y la seriedad, a través de la sala reorganizada y en evolución, al mismo tiempo que contiene la última “instalación” plástica, el sarcófago del futuro y la capilla ardiente. Con una pareja animada dentro.