“Shrek”, en Netflix: las múltiples vidas de un ogro que pasó de ser un rechazado de DreamWorks a una criatura increíblemente genial (II)

Pero, Shrek es, además, una franquicia de medios, basada en el libro Shrek! (1990) del estadounidense William Steig, está conformada principalmente de una serie de cuatro películas de animación digital, todas producidas por DreamWorks Animation: Shrek (2001), Shrek 2 (2004), Shrek Tercero (2007) y Shrek Para Siempre (2010). En 2003, se estrenó un cortometraje en 3D, Shrek 4-D, que al principio era una atracción del parque temático Universal Studios Hollywood y, cuatro años después, debutó un especial televisivo navideño titulado Shrek the Halls, al cual le siguió el especial de Halloween Scared Shrekless, en 2010. Al año siguiente, en 2011, se estrenó la película El gato con botas, basada en uno de los personajes principales de la filmografía de Shrek.

Los dos primeros (Shrek y Shrek 2) fueron distribuidas por DreamWorks Pictures, mientras que los otros dos (Shrek tercero y Shrek Forever After) y El gato con botas fueron distribuidas por Paramount Pictures. Actualmente y debido a la compra de DreamWorks Animation por parte de NBCUniversal, Universal Pictures distribuye la franquicia Shrek así como todas las películas anteriores a la adquisición.

Shrek 2 (2004), de Andrew Adamson, Kelly Asbury, Conrad Vernon

La segunda película inicia con el Príncipe Encantador en su búsqueda de la Princesa Fiona de la torre del dragón. Sin embargo, cuando llega descubre que ella no está ahí y en cambio se encuentra con un lobo, reminiscente de «Caperucita Roja». Mientras tanto Shrek, Fiona y Donkey disfrutan la luna de miel del matrimonio de la pareja de ogros. Durante esto les llega a Shrek y Fiona una invitación para que Shrek conozca a los padres de Fiona, los reyes de Muy muy lejano, pero nadie se esperaba que ellos fueran ogros, lo cual no puso muy feliz al rey Harold, el padre de Fiona. El rey Harold contrata al Gato con Botas para que asesine a Shrek, pero cuando lo intenta Shrek está con Donkey y resulta siendo otro integrante del grupo de amigos. Como Fiona está tan triste, Shrek roba una poción para que vivan felices para siempre, él y Fiona. Shrek no sabía que donde robó el encantamiento; era en la fábrica de El hada madrina, la madre del príncipe Encantador, que quiere vengars
e de Shrek ya que de no ser por él, su hijo, el príncipe se hubiera casado con Fiona. Shrek le dice a Donkey que tome la poción, como un conejillo de indias, al ver que no sucede nada Shrek, Donkey y Gato encuentran una granja abandonada y se van a dormir. 

Fiona se queda muy preocupada en el castillo ya que Shrek no ha vuelto, el rey Harold cree que Shrek ya está muerto. A la mañana siguiente, Donkey se levanta y es el corcel más bello de todo el mundo, cuando Shrek se levanta es un guapo y apuesto hombre y Fiona sin saber porqué pasó, es humana de nuevo. Shrek corre al castillo para llegar con Fiona pero encantador se hace pasar por Shrek y Fiona se enamora de él, mientras Shrek está en la cárcel con Donkey y Gato, acusados por un crimen que no cometieron. Al saber esto, Jengibre y Pinocho los ayudan a escapar de la cárcel. En la noche que escapan es precisamente la noche del baile en honor a la princesa Fiona y Shrek, pero Encantador se hace pasar por él para vengarse de Shrek. Shrek logra entrar al castillo y Fiona no duda en que él es el verdadero Shrek y al encontrarlo le da un beso de verdadero amor. Al ver esto el hada madrina por accidente se le cae su varita mágica, lo cual causa la muerte del hada madrina, Encantador llora por el fallecimiento de su madre y se va de la fiesta jurando algún día vengarse por su madre. La poción que Shrek tomó dura 24 Horas si le da un beso de amor verdadero en el segundo que se cumplan las 24 horas, si no lo hace, el hechizo será permanente; entonces Shrek le pregunta a Fiona si quiere que sean humanos por siempre, pero Fiona le dice que ella quiere que sean ogros; entonces se dan un beso y vuelven todos a la normalidad, al igual que Donkey. El rey Harold se disculpa con Shrek por su mal comportamiento, Shrek lo perdona.

"Los Inmortales" tendrá un nuevo remake

La nueva versión de una franquicia cuyo reparto encabezará Henry Cavill con el director de John Wick y en la que sólo hubo una buena películas Los inmortales (Highlander, 1986), dirigida por Russell Mulcahy y participada por Russell Mulcahy.La trama de la película es coetánea a su fecha de estreno, narrando acontecimientos ficticios en el año 1985, en que se desarrolla la acción presente de la historia, si bien se recurre de forma frecuente a la analepsis para narrar principalmente hechos del siglo XVI, relacionados con el protagonista.

Los inmortales fue la primera entrega de una saga seguida por Los inmortales II: El desafío (Highlander II: The Quickening, 1991), Los inmortales III: El hechicero (Highlander III: The Sorcerer, 1994), Highlander: Juego Final (2000) y Los inmortales: El origen (Highlander: The Source, 2007).

La película cuenta la historia de los inmortales, humanos que solo pueden morir mediante la decapitación y que han existido a lo largo de los tiempos. Uno de ellos, el protagonista de la película, es Connor MacLeod, del clan escocés MacLeod, mientras que su enemigo es conocido como El Kurgan; junto a ambos personajes, la película muestra o menciona a otros cuatro inmortales, aunque parece claro que el número de los mismos sería mucho mayor. El destino de los inmortales es combatir entre ellos en duelos para alcanzar el Premio, que obtendrá el vencedor del duelo final. La naturaleza exacta del Premio no queda clara, aunque parece consistir en un poder y sabiduría que permitiría al ganador guiar al mundo a una nueva era ya sea de paz u oscuridad, dependiendo de la naturaleza del vencedor.

Los inmortales, en los que unos defienden el bien, otros, el mal, están sujetos a varias reglas sagradas durante sus duelos y a lo largo de sus vidas:

• No pueden luchar en terreno sagrado (no importa la naturaleza del mismo mientras esté consagrado).
• Los duelos deben ser uno a uno, sin interferencias externas de otros inmortales. El vencedor asume los poderes del derrotado.
• No pueden engendrar hijos (al recibir la inmortalidad se vuelven estériles).
• Los duelos finales se desarrollarían en una lejana tierra entre los últimos inmortales, que es precisamente el momento que narra la película, siendo el marco la ciudad de Nueva York.

La película marcó una época, en la que otras cintas como Terminator, Conan, el bárbaro o Excalibur, estaban de moda, y todos ellos presentaban protagonistas fuertes, valientes y guerreros que luchaban por un objetivo.

“Evil Dead”, la historia de una gran saga sanguinolenta con un éxito diabólico (I)

Cuarenta y tres años después, ¡el clásico del terror de la cultura pop sigue cobrándose víctimas! Una presentación pobre, efectos especiales manipulados: ¿cómo se hizo tan popular la salsa Evil Dead? Receta.

En 1982, Sam Raimi dirigió el primer negocio con un estimado de $350,000 y muchas ganancias en una casa remota en Tennessee

Una cabaña en lo profundo del bosque, un grimorio escrito con sangre, unos posadolescentes tontos poseídos por una fuerza diabólica... Esa es la receta ultraefectiva para una saga que se ha convertido en uno de los marcadores más sangrientos de la cultura pop. Cuarenta y tres años después del estreno de la primera Evil Dead, la carnicería no ha terminado, ya que un spin-off está en el horizonte, dirigido por el director de Vermin, Sébastien Vaniček. Pero, ¿cómo se convirtió esta horrorosa farsa, con una trama tan espesa como las obras completas de un libro de magia (un libro que desata el mal, que se apodera de los personajes y los empuja a matarse entre sí) en un clásico del terror? Una mirada retrospectiva a las razones de su seguimiento de culto.

Posesión infernal (The Evil Dead, 1981), de Sam Raimi

Cinco chicos van a pasar el fin de semana a una cabaña perdida en un espeso bosque en las montañas de Tennessee. Una vez instalados, y cuando se encuentran cenando, la trampilla que da acceso al sótano se abre de golpe. Extrañados, deciden bajar a investigar. Allí encuentran un magnetófono, un extraño cuchillo ritual y un libro antiquísimo.

Considerado un título de culto por Stephen King, Posesión infernal supuso el debut en la dirección de Sam Raimi. Rodada en 16 milímetros y con un paupérrimo presupuesto, sus paranoias y excesos hicieron de ella un enorme éxito de público. En Inglaterra se intentó prohibir su exhibición, lo que naturalmente hizo que de inmediato se convirtiese en un cotizado objeto de deseo para los más jóvenes.

Terroríficamente muertos (Evil Dead II AKA Evil Dead 2: Dead by Dawn, 1987), de Sam Raimi

El bueno de Ash se dispone a pasar un fin de semana en el bosque con su novia. Pero todo se va al traste cuando reproducen una cinta en la que un profesor había grabado varios pasajes del Necronomicon, el Libro de los Muertos. El hechizo convoca a una fuerza demoniaca que convierte a la compañera de Ash en un monstruo ávido de carne. Sin saberlo, él y sus compañeros se disponen a pasar una noche en una cabaña en medio del bosque con un demonio en casa.

Mezcla peculiar de terror y comedia servida por el inclasificable Sam Raimi. Los disparates -la mano poseída es un buen ejemplo- son continuos y salpican la película con un sorprendente humor negro. La película, segunda en la curiosa trilogía comenzada por Posesión infernal y terminada por El ejército de las tinieblas, tiene un aire de serie B que hará las delicias de los aficionados.

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Celebrando la promoción del "99" (XXII)

Star Wars. Episodio I: La amenaza fantasma (Star Wars: Episode I - The Phantom Menace), de George Lukas

Por qué fue importante: La primera película de La guerra de las galaxias de George Lucas desde El regreso del Jedi de 1983 recaudó 194 millones de dólares en todo el mundo durante su estreno inicial y se convirtió en la película más taquillera de 1999. La película también abrió nuevos caminos en los efectos visuales con su incipiente proceso de captura de movimiento y fondos totalmente digitales.

Cómo se mantiene: Las críticas a La amenaza fantasma han sido duras en todo, desde los personajes (como el niño Anakin ("¡Yippee!") y la creación de los gungans ("Meesa llamó a Jar Jar Binks")) hasta toda la trama que gira en torno a un embargo comercial. Pero el tiempo cura todas las heridas, y una nueva generación parece estar abrazando "las precuelas" para las series de aventuras que siempre debieron ser.

Qué ver a continuación: Tiene sentido ver Star Wars. Episodio II: El ataque de los clones (Star Wars. Episode II: Attack of the Clones, 2002), después de La amenaza fantasma, aunque sea solo para escuchar esa gloriosa frase que comienza con "No me gusta la arena..."

La saga “The Fast and the Furious” está en Netflix: centrémonos en cinco entregas notables, para bien… y para mal (V)

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La mejor sin duda: Fast & Furious 7 (Furious 7, 2015), de James Wan

Ha pasado un año desde que el equipo de Dominic Torreto y Brian pudiera regresar finalmente a Estados Unidos, tras ser indultados. Desean adaptarse a una vida en la legalidad, pero el entorno ya no es el mismo. Dom intenta acercarse a Letty, y Brian lucha para acostumbrarse a la vida en una urbanización con Mia y su hijo. Ninguno de ellos imagina que un frío asesino británico, entrenado para realizar operaciones secretas, se cruzará en sus vidas para convertirse en su mayor enemigo.

Paul Walker en Fast & Furious 7 (2015)

A finales de noviembre de 2013, mientras se rodaba el episodio 7, el actor Paul Walker murió en un accidente de tráfico. El drama obliga a James Wan, a regañadientes, a firmar una nueva película de renacidos: algunas escenas están filmadas con los hermanos del difunto. Hay que ver al héroe jugando con el destino (saltando en el último momento de un autobús que se desliza hacia un precipicio) y finalmente “retirándose” para dedicarse a su familia. Un último y desgarrador viaje en coche, donde los caminos de Walker y el resto de la pandilla divergen.

La saga “The Fast and the Furious” está en Netflix: centrémonos en cinco entregas notables, para bien… y para mal (IV)

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La que hay que rehabilitar necesariamente: The Fast and The Furious: A todo gas (The Fast and the Furious, 2001), de Rob Cohen

Una misteriosa banda de delincuentes se dedica a robar camiones en marcha desde vehículos deportivos. La policía decide infiltrar un hombre en el mundo de las carreras ilegales para descubrir posibles sospechosos. El joven y apuesto Brian entra en el mundo del tunning donde conoce a Dominic, rey indiscutible de este mundo y sospechoso número uno, pero todo se complicará cuando se enamore de su hermana.

Paul Walker y Vin Diesel en The Fast and the Furious (A todo gas) (2001)

En este sólido thriller de entramado clásico, dirigido por el ya veterano Rob Cohen, las carreras callejeras ilegales sirven de telón de fondo. Lo que importa es la infiltración de un policía (Paul Walker) entre un grupo de atracadores de camiones. En retrospectiva, este primer ensayo adquiere la apariencia de un documento etnográfico sobre la moda de época (autos tuneados, espectadores con trajes cortos). Secuencias menos machistas de lo que parecen, donde el cineasta no se frota los ojos como sus sucesores – Jordana Brewster, en un baño, arroja su camiseta a la cámara.

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La saga “The Fast and the Furious” está en Netflix: centrémonos en cinco entregas notables, para bien… y para mal (III)

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La más poderosa: Fast & Furious Presents: Hobbs & Shaw (2019), de David Leitch

Desde que se cruzaron los caminos del agente Hobbs (Johnson), un leal miembro de los servicios de Seguridad del Cuerpo Diplomático estadounidense, y del solitario mercenario Shaw (Statham), ex miembro de un cuerpo de élite del ejército británico, los insultos, golpes y burlas no han cesado entre ellos para ver cuál de los dos cae antes. Pero cuando un anarquista mejorado ciber-genéticamente llamado Brixton (Elba) se hace con el control de una peligrosa arma biológica, el mundo se enfrenta a una de sus mayores amenazas. Cuando Shaw se entera de que además Brixton ha derrotado a su hermana, una brillante e intrépida agente secreta del M16 (Kirby), él y Hobbs no tendrán más remedio que dejar su mortal enemistad a un lado para salvar el mundo y derrotar al único hombre capaz de acabar con ellos.

Idris Elba en Fast & Furious Presents: Hobbs & Shaw (2019)

Firmado por el ex doble de riesgo David Leitch, este spin-off único -pendiente de Fast & Furious Presents: Hobbs & Reyes- y noveno largometraje de la franquicia reúne a los dos mejores antagonistas de las películas anteriores (Dwayne Johnson y Jason Statham). Para hacerles enfrentarse a un hombre genéticamente aumentado (Idris Elba), un supervillano que parece salido de un cómic. La acción surrealista –una grúa contra un helicóptero de combate– está, por tanto, al servicio de un “meta” escenario. O cómo la saga de Universal planta cara a las producciones de Disney-Marvel y Warner-DC.

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La saga “The Fast and the Furious” está en Netflix: centrémonos en cinco entregas notables, para bien… y para mal (II)

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La mejor de Justin Lin: Fast & Furious 5 (A todo gas 5) (Fast Five AKA The Fast and the Furious 5, 2011)

Desde que Brian O'Conner (Paul Walker) y Mia Toretto (Jordana Brewster) sacaron a Dom Toretto (Vin Diesel) de la cárcel, se han visto obligados a huir y cruzar muchas fronteras para evitar a la policía. Atrapados en Río de Janeiro, una vez más tienen que darse a la fuga; pero los tres se dan cuenta de que la única forma de poner fin a su huida permanente es enfrentarse de una vez por todas al empresario corrupto que quiere verlos muertos. Pero no es éste el único que les sigue la pista.

Elsa Pataky y Dwayne Johnson en Fast & Furious 5 (A todo gas 5) (2011)

Director de cinco largometrajes sobre once (3, 4, 5, 6 y 9), Justin Lin merece una entrada en este ranking. Con el opus 5, la máquina de Fast & Furious gana poder gracias a la llegada de Dwayne Johnson al reparto. Todo termina en apoteosis, con una de las escenas de acción más memorables de la saga: dos coches que circulan a toda velocidad por Río de Janeiro remolcan una bóveda, que derriba todo a su paso. O una relectura motorizada de la película de atracos, al borde de la caricatura.

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La saga “The Fast and the Furious” está en Netflix: centrémonos en cinco entregas notables, para bien… y para mal (I)

Casi todas las películas de acción y carreras de la franquicia están disponibles en Netflix. La oportunidad de disfrutar de una clasificación pequeña y no exhaustiva. La saga también incluye cortometrajes, una serie de televisión, espectáculos en vivo, videojuegos y atracciones de parques temáticos. Está distribuida por Universal Pictures. Si bien la saga ha tenido una baja muy importante del elenco con la muerte de Paul Walker en 2013, Vin Diesel continuó con las series de películas que le prometió al actor ya fallecido, recalcando que junto con el resto del elenco consideran que aun la saga está muy activa.

Paul Walker y Vin Diesel en Fast & Furious 5

Desde el inicio del curso escolar, Netflix ofrece un Fast & Furious casi completo, sin Fast & Furious 9 (hasta la fecha) ni los cortometrajes (Turbo-Charged Prelude, Los Bandoleros), pero sí con la serie animada. Para intentar aclararlo, he aquí una clasificación de las cinco características más destacables, de peor a mejor, donde no aparece ningún número par, todas mediocres. ¿Deberíamos deducir de esto una regla aritmética?

La peor: A todo gas: Tokyo Race (The Fast and the Furious: Tokyo Drift, 2006), de Justin Lin

Shaun Boswell es un chico que no acaba de encajar en ningún grupo. En el instituto es un solitario, su única conexión con el mundo de indiferencia que le rodea es a través de las carreras ilegales, lo que no le ha convertido en el chico favorito de la policía. Cuando amenazan con encarcelarle, le mandan fuera del país a pasar una temporada con su padre, un militar destinado en Japón, que vive en un diminuto piso en un barrio barato de Tokio. En el país donde nacieron la mayoría de los coches modificados, las simples carreras en la calle principal han sido sustituidas por el último reto automovilístico que desafía la gravedad, las carreras de "drift" (arrastre), una peligrosa mezcla de velocidad en pistas con curvas muy cerradas y en zigzag. En su primera incursión en el salvaje mundo de las carreras de "drift", Shaun acepta ingenuamente conducir un D.K, el Rey del Drift, que pertenece a los Yakuza, la mafia japonesa. Para pagar su deuda, no tiene más remedio que codearse con el hampa de Tokio y jugarse la vida.

Lukas Black en  A todo gas: Tokyo Race (2006)

Episodio menos rentable en taquilla, esta tercera parte podría haber marcado la muerte de la franquicia. Persecuciones ordinarias, romances ingenuos… A falta de los personajes originales –salvo el cameo final de Vin Diesel–, se apoya en el poco carismático Lucas Black, demasiado mayor para su papel de estudiante de secundaria estadounidense exiliado en Tokio. Con sus autos dando vueltas en un espacio pequeño (las rampas de un estacionamiento aéreo), la película casi roza lo absurdo.

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La saga “El planeta de los simios”, en Disney+: los primates de moda de su época (IV)

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La saga se reinició de nuevo en 2011 con El origen del planeta de los simios, que fue seguida por El amanecer del planeta de los simios, en 2014, y La guerra del planeta de los simios, en 2017. 

7. El origen del planeta de los simios (Rise of the Planet of the Apes, 2011), de Rupert Wyatt

Precuela de la mítica cinta protagonizada por Charlton Heston en 1968, que inspiró en su día varias continuaciones. De hecho, una de esas se titulaba La rebelión de los simios y era una precuela que mostraba la relación entre un humano y el simio César. Esta es, sin duda, la base del filme que nos ocupa, un proyecto que, a diferencia de la versión de El planeta de los simios de Tim Burton, contó con la aceptación de la crítica, además de un excelente resultado en taquilla.

Los méritos de la película incluyen un guion disfrutable para quienes no conocen el clásico original, a la vez que numerosos guiños a la cinta de 1968. El director Rupert Wyatt, combina con acierto las interpretaciones de James Franco y el espectacular uso de la tecnología de captura de imagen, que proporcionó al proyecto varios galardones y una nominación al Oscar por sus efectos visuales.

8. El amanecer del planeta de los simios (Dawn of the Planet of the Apes, 2014), de Matt Reeves

Las criaturas creadas por Pierre Boulle en 1963 campan a sus anchas en esta secuela de El origen del planeta de los simios, la cinta que supuso el relanzamiento de la saga original sesentera en 2011. El camaleónico Andy Serkis repite al frente del bando simiesco, mientras que Jason Clarke le da la réplica como líder de los humanos. Cabe destacar que no se encarga de la dirección el mismo realizador de la anterior parte, Rupert Wyatt, sino Matt Reeves, ya que la película debía rodarse en tres meses con el objetivo de fulminar la taquilla veraniega en 2014 y Wyatt lo consideraba demasiado poco tiempo como para ofrecer un producto de calidad, a pesar de contar con un mayor presupuesto que su predecesora. La crítica, sin embargo, aprobó el trabajo de Reeves, nominando la cinta al Oscar y al Bafta a los mejores efectos especiales; un beneplácito al que se sumaron también los espectadores de todo el mundo.

Técnicamente, la película es prodigiosa. Los simios verdaderamente transmiten sentimientos, la recreación digital del trabajo de los actores alcanza niveles asombrosos, no sólo en el líder César, encarnado por Andy Serkis, sino también en el villano de la función, el gorila Koba que cuenta con la interpretación de Toby Kebbell, o el del hijo de César, Ojos Azules, aquí con el trabajo de Nick Thurston. En tal sentido puede uno pensar que por comparación, la actuación de los humanos palidece, Gary Oldman estaría desaprovechado, o la misma Keri Russell no brilla como en The Americans, por citar su contemporáneo y memorable trabajo televisivo.

9. La guerra del planeta de los simios (War for the Planet of the Apes, 2017), de Matt Reeves

Ésta es la segunda vez que el cineasta Matt Reeves se pone al mando de las entregas de una de las mayores sagas del cine de Hollywood: después de El amanecer del planeta de los simios, Reeves continúa su trabajo en La guerra del planeta de los simios, añadiendo dos capítulos más en la historia que se inició en 2001. El elenco de la película está encabezado, por supuesto, por Andy Serkis, quien retoma su papel como César, el líder de las tropas simias, papel por el que ha estado nominado y galardonado con un Premio Saturn por su interpretación como César por la Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Películas de Terror. Y es que Serkis es todo un experto en criaturas casi humanas: sus palabras en la saga El señor de los anillos, "mi tesoro", se han convertido en un clásico de la cultura popular occidental, igual que su personaje, Gollum.

La película, además, termina de explicar por qué Charlton Heston se encontró el panorama desolador de El planeta de los simios (1968). No faltan las referencias un poco frikis, que agradarán a quienes conozcan bien el original, como la presencia de algunos de sus personajes, años atrás. Pero también se alude a alguna película mesiánica, en especial a una de las más conocidas, del actor del clásico de la ciencia ficción, para añadirle relevancia al personaje central, el ya conocido César.

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La saga “El planeta de los simios”, en Disney+: los primates de moda de su época (III)

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Los planes para una nueva versión de la película se estancaron en el "infierno del desarrollo" durante más de diez años antes de que se lanzara El planeta de los simios (Planet of the Apes), de Tim Burton, en 2001.

6. El planeta de los simios (Planet of the Apes, 2001), de Tim Burton

Tim Burton ofrece una nueva visión de la historia de El planeta de los simios. El director, que odia que califiquen su película de remake, ha buscado una mayor fidelidad a la novela original de Pierre Boulle, y trata de no entregar un simple clon de la película original. De modo que destapa el frasco de su genio cinematográfico y logra una gran aventura. Porque ha preferido dejar un poco de lado la visión pesimista acerca de la condición humana, y centrarse en una trama trepidante. De nuevo tenemos a un astronauta (eficaz Mark Wahlberg) que, atrapado en una tormenta magnética, va a parar a un planeta donde los simios son los amos, y los humanos son tratados como poco más que animales. Aunque en la versión de Burton los humanos hablan, por lo que su condición se asemeja más a la de los esclavos negros de hace menos de dos siglos en el continente americano. 

Tim Roth (Thade) y Mark Wahlberg (Leo Davidson) en El planeta de los simios (2001)

El reparto de la película, además de contar con Wahlberg para emular a Charlton Heston, tenemos a Tim Roth como el chimpancé general Thade, a Michael Clarke Duncan dando vida al gorila Attar, y a Paul Giamatti como el orangután Limbo. Entre las féminas, tenemos a Helena Bonham-Carter como la inteligente doctora Ari, y a la modelo de Chanel Estella Warren como la humana Daena. Burton mira con respeto su referencia clásica, y quizá los signos de reconocimiento de su particular y desbordante mundo interior están más ocultos que en otras ocasiones. De todos modos, los experimentos genéticos con monos conectan con su constante revisión de la figura de Frankenstein; y la doctora simia, defensora de los derechos humanos, no está lejos de sus clásicos personajes 'outsiders', patitos feos que no son bien comprendidos por las personas que están a su lado. Y no faltan algunos detalles de su humor delirante, como la niña simia con su mascota humana.

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La saga “El planeta de los simios”, en Disney+: los primates de moda de su época (II)

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4. La rebelión de los simios (Conquest of the Planet of the Apes, 1972), de J. Lee Thompson

La cuarta de la franquicia El planeta de los simios. Ambientada en una distópica sociedad opresora y militarizada gobernada con mano de hierro, esta es la precuela de la saga que empezó con El planeta de los simios (1968), aunque fue realizada en cuarto lugar en 1972. J. Lee Thompson dirigió esta película de aventuras con Roddy McDowall de protagonista, actor que había participado en otras versiones con el personaje de Cornelio. Aunque es bastante original en su planteamiento (el mundo se ha quedado sin perros ni gatos por lo que el hombre ha “adoptado” al simio como mascota) y vuelve a poner su mirada sobre la idea de la dignidad humana y el abuso de poder como verdaderos peligros para la subsistencia del hombre -algo siempre intrincado con las tensiones geopolíticas del momento en plena Guerra Fría- la cinta vuelve a prescindir del futuro postapocalíptico y distópico de la primera y segunda entrega. Con todo, parte de su interés radica en cómo se justifica, en cierto modo, de dónde procede el odio y el terror de estos simios por el ser humano.

Lo mejor de la cinta es, sin duda, las escenas de acción y aventuras que, si bien son algo reiterativas, en la línea de los otros títulos, no se muestra muy optimista con las posibilidades del ser humano. Pese a ello, que es parte de la esencia misma de la saga, lo peor de La rebelión de los simios es su más que evidente ausencia de presupuesto que parece relegarla a la lista de productos de serie B

5. Batalla por el planeta de los simios (Battle For the Planet of the Apes, 1973), de J. Lee Thompson

Quinta y última entrega de la saga de El planeta de los simios que estuvo nominada a la mejor película en el Festival de Sitges de 1974 y que remata a la perfección la historia del futuro de la especie humana en una Tierra dominada por simios inteligentes. Recupera el tono de la primera y la segunda entrega, no sólo porque se desarrolla en el futuro, sino por el maravilloso diseño de producción sucedido en la selva, las cuevas y los desiertos donde los simios entran en batalla con los hombres. Es, después de la primera película de 1968, la más entretenida de todas ellas y la que tiene un guion más completo, complejo y acertado. Por tanto, la hibridación entre la historia, solvente y rematada, y la espectacularidad de las imágenes y dónde se desarrollan las tramas, es total.

J. Lee Thompson repetiría como director después de la cuarta entrega, La rebelión de los simios, consiguiendo cerrar el círculo a esta magnífica historia mostrando que los simios no están exentos de ejercer tiranía y violencia, como le pasa al hombre, y que sólo trabajando juntos se puede lograr una sociedad medianamente armoniosa. John Huston tiene una pequeña presencia como el legislador, mientras que Roddy McDowall vuelve a ser César después de haber dado vida a su padre Cornelius en las primeras películas de la saga.

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La saga “El planeta de los simios”, en Disney+: los primates de moda de su época (I)

Racismo, amenaza nuclear, tensiones generacionales… Estas diez películas, producidas durante cincuenta años y todas disponibles en la plataforma, excepto la última, se hicieron eco de las preocupaciones sociales y políticas de su tiempo.

La saga comienza con Charlton Heston desnudo en la sabana. O casi: El planeta de los simios sigue siendo, sobre todo, una excelente novela del francés Pierre Boulle, adaptada al cine en 1968 (de manera fragmentaria y sin insistir demasiado en la complejidad del libro). Un gran éxito, seguido de nueve películas y dos series que abarcan más de cincuenta años. Hasta El reino del planeta de los simios (Kingdom of the Planet of the Apes, 2024) – cuarta parte de una tercera versión o incluso, al parecer, primera entrega de una cuarta saga –, estrenada el pasado mes de mayo. Aparte de este último largometraje, todos los demás están disponibles en Disney+. Basta pensar en lo que cada encarnación simia dice sobre la época en la que se produjo.

1. El planeta de los simios (The Planet of Apes, 1968), de Franklin J. Schaffner

Cámara subjetiva. Una nave se estrella sobre un planeta desconocido. El espectador cree que él mismo está cayendo. Sin necesidad de los modernos efectos, sin tener que integrar una maqueta del vehículo al escenario, y de forma barata, pero imaginativa, Franklin J. Schaffner iniciaba uno de los mejores filmes de ciencia ficción de todos los tiempos.

Cornelius, la Dra. Zira y Taylor (Roddy McDowall, Kim Hunter y Charlton Heston) en El planeta de los simios (1968)

Es inevitable mencionar uno de los finales más sorprendentes jamás rodados, lo que no debe ser leído por algún lector que no haya disfrutado de la película.Cuando el astronauta George Taylor, interpretado por el mítico Charlton Heston, descubre la estatua de la libertad medio enterrada en la arena, constata algo terrorífico. No están en otro planeta, sino en la Tierra, en un futuro en el que ha ocurrido algo, probablemente una explosión atómica, que ha hecho retroceder en la evolución al ser humano. Este mensaje fue la verdadera clave del éxito de la cinta, en plena era de neurosis nuclear, pues provocó un tremendo impacto e hizo reflexionar a los espectadores sobre los peligros de la carrera armamentística.

El gran éxito de la película anterior no se quedó en un suceso aislado, sino que generó secuelas y un remake. La trama tuvo una inmediata continuación en Regreso al planeta de los simios, donde Heston volvía a intervenir brevemente. Después vendrían Huida del planeta de los simios, La rebelión de los simios y Batalla por el planeta de los simios. En casi todas continuaba actuando Roddy McDowall. También se hicieron dos series televisivas. Mucho después, Tim Burton adaptaría la trama a su particular universo visual en una nueva versión.

2. Regreso al planeta de los simios (Beneath the Planet of the Apes, 1970), de Ted Post

La primera secuela de El planeta de los simios resultó ser exageradamente parecida a su precuela en argumento y estética, aunque cuenta con algunas unas subtramas más desarrolladas como la del resto de humanos que encuentra Brent en su lucha por sobrevivir y por hallar a Taylor. Aunque es menos original e impactante que la anterior, es una película maravillosamente realizada por el director de Harry, el fuerte con un despliegue de medios y de extras muy espectacular. La presencia de Charlton Heston en la cinta es testimonial y da la sensación de que no hubo mucha generosidad en lo relativo al presupuesto. Esta primera secuela de la saga dejó claro sabor a decepción. La trama resulta algo algo cómica, y se repiten sin gracia muchos hallazgos del original: Brent, por ejemplo, es como Taylor, pero en malo.

Linda Harrison (Nova) y James Franciscus (Brent) en Regreso al planeta de los simios (1970)

Con todo, lo más interesante de la película es su evidente defensa, primero, de la existencia del hombre como un ser merecedor de toda dignidad y, segundo, del amor y el respeto por la naturaleza. Sólo unos pocos personajes son capaces de entender esta idea desde el punto de vista moral y, a partir de ahí, reconocer el horror de una serie de actos acometidos en nombre del progreso y sus terribles consecuencias tale como la existencia de una especie de religión pagana "new age" que adora un misil sin explotar.

3. Huida del planeta de los simios (Escape from the Planet of the Apes, 1971), de Don Taylor

Tercera entrega de la saga de El planeta de los simios ostensiblemente por debajo de sus dos predecesoras ya que la historia está exenta de todo elemento post apocalíptico y distópico para suplirlo por un vergonzante tono de comedia que, sólo a veces, es capaz de recuperar la acción de aquéllas. Dicha acción, eje central de la saga, está aquí apenas presente en el amerizaje inicial de los simios o el desenlace de la cinta, pero, con todo, nada de ello satisface las carencias de una película que obvió su propia esencia para seguir alargando el tirón de una película, la primera, que fue perfecta.

 Kim Hunter (Zira) y Roddy McDowall (Cornelius) en Huida del planeta de los simios (1971)

Roddy McDowall y Kim Hunter repiten en los papeles de Cornelius y Zira respectivamente, pero al desarrollarse la historia en el tiempo presente, pese a los viajes en el tiempo, nada tiene demasiado sentido.  Con todo, El planeta de los simios tiene una base moral obvia que esta entrega mantiene y es la de defender la dignidad de la vida del hombre por encima de todas las cosas para evitar las terribles consecuencias que puede haber a causa de las guerras y la carrera armamentística, perfecta metáfora de las tensiones nucleares de la Guerra Fría, momento en que se desarrolló la saga. Ello es lo que hace Huida del planeta de los simios una película, pese a sus carencias y a ser la peor de toda la saga, todavía interesante.

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Cinco películas más de Godzilla que debe ver

Estamos celebrando la última incursión de Godzilla en MonsterVerse en Godzilla y Kong: El nuevo imperio (Godzilla x Kong: The New Empire), así como la reciente victoria en el Oscar en la categoría de efectos especiales conseguida por Godzilla Minus One (Gojira -1.0), con estas películas de Godzilla mejor calificadas que no se puedes perder.

1. Japón bajo el terror del monstruo (Gojira AKA Godzilla, 1954), de Ishirô Honda

La nación japonesa entra en pánico después de que varios barcos hayan sido atacados y hundidos cerca de sus costas. En un primer momento las autoridades niponas piensan que se trata de minas submarinas o de actividad volcánica, pero, una noche, algo sale del agua y destroza decenas de casas en la costa, matando a sus ocupantes. Una expedición liderada por el paleontólogo Kyôhei Yamane, su hija Emiko y un joven marinero llamado Hideto Ogata descubre que lo que ha emergido del océano es un devastador y monstruoso lagarto de más de 50 metros de alto a quien los nativos llaman Godzilla. Ahora el monstruo ha iniciado una carrera de destrucción y terror que amenaza con reducir a cascotes y escombros no sólo Japón sino también el resto del mundo. ¿Cómo destruir a la enorme mole antes de que sea demasiado tarde?. Godzilla es una de las películas de monstruos más famosas de todos los tiempos, pero también es un drama sombrío ambientado en un mundo donde la violencia indescriptible y los avances científicos se habían convertido en uno mismo tras el ataque nuclear de la vida real. Visualmente impresionante y técnicamente impresionante, esta película histórica estableció récords de taquilla en Japón en 1954 y ha generado una franquicia con más de 30 películas, además de cómics, videojuegos, juguetes y más. Setenta años de secuelas no han mancillado la fuerza cinematográfica del Godzilla de Ishirô Honda. Rara vez se ha trasladado la herida de la devastación con tanta crudeza al mundo del celuloide. 

2. Shin Godzilla (Shin Gojira, 2016), de Hideaki Anno y Shinji Higuchi

Gozilla ha regresado, mal que le pese a la bahía de Japón. Pronto se desata el pánico cuando la región comienza a hundirse a cada paso del monstruo. Los habitantes huyen despavoridos, todas las alarmas se disparan y los edificios se derrumban. ¿Hay quién pueda detener al gigantesco lagarto que asola la ciudad? Ante la emergencia de una destrucción masiva, la policía junto al ejército tratará de tenderle una emboscada para minimizar los daños mientras intentan destruirle. Los críticos calificaron esta película de todo, desde un "resurgimiento" hasta "loca", pero la película número 31 de la franquicia Godzilla es también una sátira de la cultura laboral y la política modernas. Mientras la aterradora criatura hace estragos por todas partes, las personas encargadas de contener al monstruo se mueven impotentes de reunión en reunión mientras intentan decidir cuál es la mejor manera de abordar este mortal problema mortal. Shin Godzilla fue la película producida en Japón más taquillera de la franquicia hasta el estreno de Godzilla Minus One en 2023. Primera película de Godzilla realizada en Japón desde Godzilla: Final Wars (2004), de Ryuhei Kitamura. 

3. Godzilla contra los monstruos Aka Godzilla contra Mothra (Mosura tai Gojira, 1964),de Ishirô Honda 

En una playa de Japón unos pescadores descubren un huevo gigantesco. El huevo es vendido a Yamamura, un corrupto hombre de negocios que pretende incubarlo para convertir a la criatura contenida en él en la principal atracción de un parque temático de próxima inauguración. Yamamura no toma en serio a las dos diminutas gemelas protectoras de Mothra, las Aelinas, que lideran una iniciativa popular para que el huevo sea devuelto a su madre, que sólo accederá a enfrentarse con Godzilla cuando ésta amenace la integridad de su criatura. El segundo monstruo más popular de Toho Studios se enfrentó por primera vez a Godzilla en esta estimable entrega de la franquicia. A primera vista, la película trata sobre un lagarto gigante que lucha contra un un monstruo gigante (en Japón denominado kaiju) que se asemeja a una polilla, pero como tantas películas de Godzilla, los temas reales de la película son mucho más profundos. La codicia y el beneficio personal son lo que realmente amenaza a los personajes de esta película, que recaudó 217.000 dólares durante sus primeras tres semanas en los cines (serían 2,1 millones de dólares en la actualidad).

4. Godzilla (2014), de Gareth Edwards

Protagonizada por Bryan Cranston, ganador del Globo de Oro por Breaking Bad, que da vida a Joe Brody un científico que descubre que algo terrible está a punto de suceder cuando una serie de tsunamis comienzan a llegar a las costas, anticipando la llegada de numerosos monstruos de gran tamaño mientras el ejército intenta defenderse en vano. El mítico monstruo japonés vuelve a la gran pantalla en su versión más realista, un épico renacimiento de las emblemáticas películas de la productora japonesa Toho. En ella, el monstruo más famoso del mundo se enfrenta a malvadas criaturas que, animadas por la arrogancia científica de la humanidad, amenazan nuestra propia existencia. La película pretende reiniciar desde cero la franquicia fílmica de Godzilla, al recontar los orígenes del popular monstruo dentro de nuestros tiempos y presentarlo como una "aterradora fuerza de la naturaleza", fiel al estilo de películas elaboradas por Toho. Esta versión del monstruo icónico marcó el inicio de MonsterVerse y fue solo la segunda película de Godzilla producida íntegramente en un estudio de Hollywood; la primera fue la película de 1998. Aunque los ingresos de taquilla fueron inferiores a lo deseado, el reinicio fue bien recibido por la crítica y lanzó con éxito el universo compartido de Legendary Picture, que ha recaudado 1.900 millones de dólares en sus cinco películas y dos series.

5. Godzilla vs. Kong (2021), de Adam Wingard

Este nuevo y épico capítulo del Monsterverse cinematográfico enfrenta a dos de los mayores íconos de la historia del cine: el temible Godzilla y el poderoso King Kong, con la humanidad atrapada en medio. Godzilla y Kong, dos de las fuerzas más poderosas de un planeta habitado por todo tipo de aterradoras criaturas, se enfrentan en un espectacular combate que sacude los cimientos de la humanidad. Kong y sus protectores emprenderán un peligroso viaje para encontrar su verdadero hogar. Con ellos está Jia, una joven huérfana con la que el gigante tiene un vínculo único y poderoso. En el camino se cruzan inesperadamente con el de un Godzilla enfurecido que va causando destrucción a su paso por el mundo. El choque épico entre los dos titanes -provocado por fuerzas invisibles- es solo el comienzo del misterio que se esconde en las profundidades del núcleo de la Tierra. ¿Listo para hacer números? Godzilla vs. Kong es la película número 36 de la franquicia Godzilla. También es la duodécima película de King Kong y el cuarto largometraje de MonsterVerse de Legendary. La revancha enfrenta a estos dos kaiju 59 años después de su primer encuentro en King Kong contra Godzilla (Kingu Kongu tai Gojira) de 1962. Si eso no es suficiente matemática para usted, podemos agregar que la película es la cuarta que se produce íntegramente en un estudio de Hollywood, es una secuela directa de Godzilla: Rey de los monstruos (Godzilla: King of the Monsters) de 2019 y es la primera de las dos películas de Godzilla dirigidas por Adam Wingard, que regresa en 2024 con Godzilla y Kong: El nuevo imperio (Godzilla x Kong: The New Empire).

Todo sobre la trayectoria de Insidious hasta Insidious: La puerta roja

Pase de puntillas por la ventana hacia el Más Allá para una quinta inmersión demoníaca en el espeluznante mundo de la franquicia Insidious antes del estreno de Insidious: La puerta roja (Insidious: The Red Door) el 21 de julio de 2023. 
En 2010, mediante Insidious, conocemos por primera vez a la familia Lambert (Rose Byrne, Patrick Wilson) y su hijo Dalton (Ty Simpkins), quien se convierte en un recipiente para los demonios mientras está en coma. 

Rose Byrne y Patrick Wilson en Insidious (2010)

Insidious: Capítulo 2 (Insidious: Chapter Two) de 2013 revela las habilidades de proyección astral del patriarca Lambert Josh, y cómo lo llevan a su propia posesión demoníaca. 

Rose Byrne, Patrick Wilson, Ty Simpkins y Barbara Hershey en Insidious: Capítulo 2 (2013)

Insidious: Capítulo 3 (Insidious: Chapter Three) de 2015 retrocede tres años antes de la posesión de Lambert a la demonóloga Elise (Lin Shaye) y su primera batalla con la Novia de Negro. 

Dermot Mulroney, Lin Shaye y Stefanie Scott en Insidious: Capítulo 3 (2015)

Insidious: La última llave (Insidious: The Last Key) de 2018 profundiza en el pasado de Elise para revelar que su padre estaba poseído por Key Face, un demonio que se alimenta del miedo. 

Lin Shaye, Angus Sampson y Josh Stewart en Insidious: La última llave (2018)

Y Insidious: la puerta roja (Insidious: The Red Door) de 2023 sigue a Dalton Lambert a la universidad donde los demonios aparecen de nuevo una vez más. Patrick Wilson debuta en la dirección para continuar la historia original en una secuela directa de la segunda película de la saga.

Rose Byrne, Patrick Wilson, Ty Simpkins, Andrew Astor y Juliana Davies en Insidious: La puerta roja (2023)