Clásicos de libro: Los desnudos y los muertos

Los desnudos y los muertos

Norman Mailer
Traducción de Patricia Canto
Mundo Actual de Ediciones S. A. 
Barcelona
1981

670 págs

El desembarco no fue más que el principio de la absurda pesadilla que les acechaba en aquella isla del Pacífico. Lo peor de la guerra, ante la que el hombre se encuentra indefenso, no es que humille, no es que provoque dolor, sufrimiento, calamidades, muerte y miedo a la muerte. Lo peor de la guerra es que todo el horror y toda la miseria que produce no sirven para nada. Es algo tan inútil como la sangrienta misión que el delirante general Cummings asigna al comando protagonista. Una empresa que se salda con fracaso mortal. Pero eso da lo mismo, porque, irónicamente, el error y el azar se encargan de que el objetivo se cumpla.

Los miembros supervivientes del comando comprende que su esfuerzo tampoco les hubiera servido para conquistar la gloria que buscaban con su heroísmo estéril. Puede que la guerra ni siquiera sea para los héroes, pero, en realidad, aquí no hay héroes, sino hombres desconcertados anhelantes de sexo, deseosos de sobrevivir a toda costa. Hombres autoritarios, crueles, rebosantes de arbitrariedad. Hombres que odian la guerra, valientes porque el miedo los arrastra a la intrepidez, esforzados porque su propia debilidad les obliga a ello, graciosillos porque lo serio de la situación les induce a la broma, cortina de humo con la que pretenden despistar las tensiones.
Dramáticamente antibelicista, reportaje vigoroso y, sobre todo, obra maestra, este relato constituye "la más importante novela de guerra escrito en el curso del siglo XX. Desde luego, es la mejor que haya salido de la pluma de Norman Mailer (1923-2007), autor de prosa carismática y estilo cargado de agresividad. Un escritor que, desde que en 1948 publicara Los desnudos y los muertos (The Naked and the Dead), nunca dejó de estar en la primera línea de las letras estadounidenses. 
La Modern Library (sección de la editorial Random House) la calificaría como una de las 100 mejores novelas de todos los tiempos.
Fue adaptada al cine:

• Los desnudos y los muertos (The Naked and the Dead, 1958). Estados Unidos. Director: Raoul Walsh. Protagonizada por Aldo Ray, Cliff Robertson, Raymond Massey, Lili St. Cyr, Barbara Nichols, William Campbell, Richard Jaeckel, James Best, Joey Bishop, Jerry Paris. Productora: Paul Gregory Productions/ RKO Radio Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Bélico. Drama. II Guerra Mundial. Color: Technicolor. Duración: 131 minutos. Se estrenó el 6 de agosto de 1958.

Clásicos de libro: Rebeca

Rebecca

Daphne du Maurier
Traducción de Fernando Calleja Gutiérrez
Círculo de lectores
Galaxia Gutenberg
Barcelona
2009
468 págs.

"Anoche soñé que volvía a Manderley". Con esta frase Daphne du Maurier nos introduce en el universo de una mansión en apariencia idílica, con rosaledas y caminos bordeados de rododendros y praderas que termina en una pequeña cala. Es la casa de Maxim de Winter, en la que vivía con su esposa Rebecca hasta que ésta murió ahogada en el mar y a la que ahora regresa con su nueva e inocente mujer.

Ésta pronto descubrirá, sin embargo, que Manderley no es el mundo perfecto que ella cree: allí vive también la inquietante señora Danvers, el ama de llaves, quien no sólo no acepta a la joven, sino que constantemente le recuerda la figura de Rebecca, la única e insustituible señora de Winter: Rebecca la encantadora, inteligente y segura Rebecca, cuyo rastro está presente en todas las habitaciones, en cada jarrrón, en cada cuadro, en los membretes del papel de carta. Rebecca, la criatura más hermosa del mundo.

Rebecca, la presencia que recorre Manderley y el eco de cuya risa resuena aún en los pasillos cerrados de la casa. Una risa que en el fondo, oculto entre los pliegues de su sonido cristalino, esconde el sabor amargo de los secretos inconfesables.

Tras su publicación hace más de setenta años, concretamente en 1938, Rebecca no ha dejado de cautivar a generaciones de lectores fenómeno al que no fue ajeno su magnifica adaptación cinematográfica. Daphne du Maurier logra retratar la psicología de sus atormentados personajes con precisión casi quirúrgica y recrea una inquietante y malsana atmósfera en esta obra maestra, convertida en uno de los más logrados ejemplos de novela gótica del siglo XX.

Como hemos comentado fue adaptada al cine: 

Rebeca (Rebecca). Estados Unidos. Dirección: Alfred Hitchcock. Protagonizada por Laurence Olivier, Joan Fontaine, George Sanders, Judith Anderson, Nigel Bruce, Reginald Denny, C. Aubrey Smith, Gladys Cooper, Florence Bates, Melville Cooper, Leo G. Carroll, Leonard Carey, Lumsden Hare, Edward Fielding, Philip Winter. Productora: Selznick International Pictures. Distribuidora: United Artists. Drama. Intriga. Película de culto. Blanco y negro. Duración: 130 minuto. Premios y nominaciones: 2 Oscar: Mejor película, fotografía. 11 nominaciones. Estrenada el 12 de abril de 1940. (Para ampliar información ver la entrada en este mismo blog, Efemérides de cine: Rebeca).

También ha sido adaptada al medio televisivo: 

Rebecca (1947, TV). Reino Unido. Protagonizada por Frederick Victor, Dorothy Black, Megan Latimer, Desmond Keith, John Roderick, Leonard Trolley, Josephine Gundry, Michael Hordern, Dorothy Gordon, Mackenzie Ward, Eric Messiter, Howard Douglas. Producción y distribución: British Broadcasting Corporation (BBC). Drama Misterio. Película TV. Blanco y negro. Duración: 105 minutos. Estrenada el 19 de enero de 1947.

Rebecca (1969, TV). Italia. Dirección: Eros Macchi. Protagonizada por Amedeo Nazzari, Ileana Ghione, Elena Zareschi, Loredana Savelli, Armando Francioli, Renato Chiantoni, Mario Maranzana, Francesco Vairano, Antonio Battistella, Warner Bentivegna, Leonardo Severini. Productora y distribuidora: RAI Radiotelevisione Italiana (RAI). Drama. Misterio. Película TV. Estrenada el 26 de agosto de 1969.

Rebecca (1979, TV). Reino Unido-Alemania. Dirección: Simon Langton. Protagonizada por Jeremy Brett, Joanna David, Anna Massey, Hugh Morton, Richard Willis, Terrence Hardiman, Vivian Pickles, Leon Sinden, Julian Holloway, William Morgan Sheppard, Elspeth March, Claude Le Saché, Peter Carlisle, Richardson Morgan, Sylvia Coleridge, Robert Flemyng, Virginia Denham, Esmond Knight, Harriet Walter, Ray Callaghan, John Saunders, Ian Collier, Dominic Allan, Reginald Jessup, David Richards, Victor Lucas, Neville Hughes. Productora: British Broadcasting Corporation (BBC). Distribución: Public Broadcasting Service (PBS). Drama. Misterio. Romance. Thriller. Miniserie TV. Color. Duración: 205 minutos. Estrenada en 1979, una temporada.

Rebecca (1997, TV). Reino Unido. Dirección: Jim O'Brien. Protagonizada por Charles Dance, Diana Rigg, Geraldine James, Jean Anderson, Emilia Fox, Faye Dunaway, Jonathan Cake, Tom Chadbon, Denis Lill, John Branwell, Lucy Cohu, John Horsley, Jonathan Stokes, Kelly Reilly, Wendy MacAdam, Carla Mendonça, Timothy West, Ian McDiarmid, Anthony Bate, Patrick Romer, Robin Soans, Zulema Dene, David Webb, Michael Wynne, Frank Doherty. Coproducción Alemania-Reino Unido. Productora: Carlton Television/Portman Productions/Independent Television (ITV)/Tele München Fernseh Produktionsgesellschaft (TMG). Distribución: Public Broadcasting Service (PBS). Drama. Misterio. Romance. Thriller. Película TV. Color. Duración: 192 minutos. Estrenada el 5 de enero 1997.

Rebeca, la primera esposa (Rebecca, la prima moglie, 2008, TV). Italia. Dirección: Riccardo Milani. Protagonizada por Alessio Boni, Cristiana Capotondi, Mariangela Melato, Adalberto Maria Merli, Omero Antonutti, Tomas Arana, Valentina Sperlì, Emanuela Grimalda, Gigio Morra, Roberto De Francesco, Federica De Cola, Flavio Pistilli, Simone Faloppa, Isabella Briganti, Bettina Carniato, Giuseppe De Francesco, Carlo Di Nubila, Franco Korosec, Bruno Majcan, Carla Manzon, Riccardo Maranzana, Chiara Milani, Ariella Reggio, Mariella Terragni, Maurizio Zacchigna, Branko Zavrsan. Producción y distribución: Rai Fiction/Titanus. Drama. Misterio. Remake. Romance Thriller. Miniserie  TV. Color. Duración: 108 minutos. Estrenada el 7 de abril de 2008.

Efemérides de cine: My Fair Lady

El 21 de diciembre de 1964 se estreno la película estadounidense My Fair Lady (Mi bella dama), dirigida por George Cukor. Protagonizada por Audrey Hepburn, Rex Harrison, Stanley Holloway, Wilfrid Hyde-White, Gladys Cooper, Jeremy Brett, Theodore Bikel. Productora y distribuidora: Warner Bros. Pictures.

Sinopsis argumental: En una lluviosa noche de 1912, el excéntrico y snob lingüista Henry Higgins conoce a Eliza Doolittle, una harapienta y ordinaria vendedora de violetas. El vulgar lenguaje de la florista despierta tanto su interés que hace una arriesgada apuesta con su amigo el coronel Pickering: se compromete a enseñarle a hablar correctamente el inglés y a hacerla pasar por una dama de la alta sociedad en un plazo de seis meses.

Nominaciones y premios: 8 Oscar, incluyendo mejor película, director, actor (Harrison) y fotografía. BAFTA: mejor película. 3 Globos de Oro, incluyendo mejor película - comedia o musical. 5 nominaciones. Círculo de críticos de Nueva York: mejor película y actor (Harrison). Premios David di Donatello: mejor actor, actriz y producción extranjeros.

Comentario: Versión cinematográfica del mito de Pigmalión, magistral adaptación de la comedia musical de Lerner y Loewe, a su vez inspirada en la obra teatral homónima del escritor irlandés G.B. Shaw (1856-1950).

Se cumple el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: El signo del Zorro

El 8 de noviembre de 1940 se estrenó la película estadounidense El signo del Zorro (The Mark of Zorro), dirigida por Rouben Mamoulian. Protagonizada por Tyrone Power, Linda Darnell, Basil Rathbone, Gale Sondergaard, Eugene Pallette, J. Edward Bromberg, Montagu Love, Janet Beecher, George Regas. Productora y distribuidora: 20th Century Fox.

Sinopsis argumental: Cuando Don Diego Vega regresa a su hogar, descubre que su padre, el alcalde del pueblo de Los Angeles, ha sido destituido por el capitán Esteban Pasquale. Ocultando su identidad bajo una máscara, se convierte en el abanderado de la justicia social; e intentará que Don Luis Quintero abandone el puesto usurpado. 

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor banda sonora original.

Comentario: Obra maestra que narra las aventuras de El Zorro, el famoso espadachín. Tyrone Power tenía el difícil reto de hacer olvidar a Fairbanks, pero la acertada decisión de acentuar el lado romántico del personaje -en contraposición a su faceta atlética- ayudó a conseguir una versión a la altura de sus predecesoras.

En 2009 fue añadida al National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos para su preservación por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa".

Efemérides de cine: La pasíón de Juana de Arco

El 25 de octubre de 1928 se estrenó la película francesa La pasión de Juana de Arco (La Passion de Jeanne d'Arc), del director y guionista danés Carl Theodor Dreyer. Protagonizada por Maria Falconetti, Eugene Silvain, André Berley, Maurice Schutz, Antonin Artaud, Michel Simon, Jean d'Yd, Louis Ravet, Armand Lurville, Jacques Arnna, Alexandre Mihalesco, Léon Larive. Productora: Societé generale de films. Distribuidora: Gaumont.

Sinopsis argumental: Guerra de los Cien Años (siglos XIV y XV). En 1431, Juana de Arco, después de haber conducido a las tropas francesas a la victoria, es arrestada y acusada de brujería. Ella declara haber recibido de Dios la misión de salvar a Francia, pero es procesada y condenada a morir en la hoguera. 

Comentario: Es ampliamente considerada como un hito del cine, sobre todo por su producción, la dirección de Dreyer y la actuación de Falconetti, que ha sido descrita como una de las mejores de la historia del cine.

Sensacional narración basada principalmente en la fuerza visual de los consecutivos primerísimos planos que sirven para acentuar la capacidad dramática de los actores casi por completo revelada en sus rasgos faciales, con especial mención para una inolvidable Renée Falconetti, en cuya mirada, marcada por unos expresivos ojos, vamos desarrollando una fascinación sensitiva inigualable que solo puede ser apreciable en su esplendor en pantalla grande, espléndido uso del montaje y magistral utilización de la fotografía por parte de un operador que luego seguiría en Hollywood una carrera como director, Rudolph Maté.

La pasión de Juana de Arco representa el triunfo de la imagen sobre la palabra, que ciertamente es donde se sustenta el virtuosismo en el cine y se convierte en una de las más grandes obras maestras del mismo. La mística al servicio del arte.

Cuando se encontró una copia de la obra, largo tiempo perdida, se le asoció un acompañamiento musical de Johann Sebastian Bach, lo que a juicio de muchos es un error ya que el filme debía seguir siendo mudo. El elemento callado tiene un valor místico. Así lo han comprendido B. Amengual, Bazin y Ayfre; este último escribe: "ese silencio (de sonidos, de palabras, de música) nos hace presentir un silencio de distinta profundidad". Y termina diciendo sobre la técnica del filme y su alcance espiritual: "Juana sabe escuchar en el silencio de sus voces las voces del silencio que, antes de ser las del arte, son las de la fe".

Efemérides de cine: La última película

El 22 de octubre de 1971 se estrenó La última película (The Last Picture Show), dirigida por Peter Bogdanovich. Protagonizada por Jeff Bridges, Ben Johnson, Cloris Leachman, Timothy Bottoms, Cybill Shepherd, Ellen Burstyn, Randy Quaid, Sharon Taggart, John Hillerman, Barc Doyle, Jessie Lee Fulton. Productora: BBS Production. Distribuidora: Columbia Pictures.

Sinopsis argumental: En la década de los 50, en una pequeña ciudad de Texas, un grupo de jóvenes afronta el paso de la adolescencia a la madurez dentro de una sociedad represora y cambiante en la que el cine y todo lo que representa muere en manos de la televisión.

Nominaciones y premios: 3 BAFTA: mejor actor secundario (Johnson), mejor actriz secundaria (Leachman), guión. 3 nominaciones. National Board of Review: mejor actor secundario (Johnson), mejor actriz secundaria (Leachman). 2 Oscar: mejor actor secundario (Johnson), mejor actriz secundaria (Leachman). 6 nominaciones. Globo de Oro: mejor actor secundario (Johnson). 5 nominaciones incluyendo drama. Círculo de críticos de Nueva York: mejor guión, mejor actor secundario (Johnson) y mejor actriz secundaria (Burstyn).

Comentario: Adaptación de la novela homónima y semi autobiografía de Larry McMurtry publicada en 1966.

Fue el tercer largometraje de Peter Bogdanovich y su consagración dentro del nuevo Hollywood.

Efemérides de cine: Ben-Hur

El 8 de octubre de 1925 se estrenó la película estadounidense  Ben-Hur (Ben-Hur: A Tale of the Christ), dirigida por Cecil B. DeMille. Protagonizada por Ramon Novarro, May McAvoy, Francis X. Bushman, Betty Bronson, Kathleen Key, Claire McDowell, Janet Gaynor. Productora y distribuidora: Metro-Goldwyn-Mayer.

Sinopsis argumental: La acción se sitúa en el año 26. Los hebreos sufren una violenta represión a manos de Roma. Judah Ben-Hur, un joven judío, conversa con Messala, un antiguo amigo de la infancia que se ha convertido en centurión romano al frente de una de sus guarniciones. Sin embargo, ha pasado mucho tiempo desde entonces. Messala ya no es el mismo y la charla acaba en discusión. 

Comentario: Superproducción realizada por Fred Niblo. Es la segunda adaptación al cine de la novela Ben-Hur (1880) de Lew Wallace. La primera, de 15/20 minutos, es de 1907, dirigida por Sidney Olcott.

Pese a las incidencias de la producción, la obra ofrece una notable y grata fluidez narrativa. El relato se ajusta con mayor fidelidad a la novela que la versión de 1959. Contrapone las ansias de venganza de Ben-Hur con las enseñanzas de Jesús de Nazaret, en esta ocasión conocidas a través de sus propias palabras, que invitan al amor y al perdón. Cumplida la venganza, recupera su fortuna y con ella levanta dos legiones contra los romanos para proclamar rey de Judea a Jesús de Nazaret. Estos propósitos chocan con la opción por la paz de éste, que proclama que su reino no es de este mundo. La película, pese a ser muda, es una obra muy rica en sugerencias, que conmueve y emociona. El personaje de Ben-Hur, a cargo de Novarro, es mucho más simpático, cálido y próximo que el de Heston, hierático y distante. Nueve escenas fueron rodadas en color (2 colores). Son destacables la escena de la batalla naval (muy superior a la de 1959), la de los galeotes en la bodega, la de María el 24 de diciembre, el malicioso intento de seducción de Ben-Hur por la pérfida Iras (Carmel Myers), el beso en el suelo de Miriam (destinado al hijo que no quiere contagiar), la mujer adúltera, el camino de la Cruz, la de madre e hija en prisión, el terremoto y otras. La estética del film es ecléctica: se aproxima al barroco (María y María con el niño), modernismo (Iras en traje de gran gala), romanticismo (montañas del valle de los leprosos) y expresionismo (Miriam y Tirzah en prisión).

La cinta cuenta con varias secuencias, entre otras la del Nacimiento, en color —conseguido mediante un sistema bicromático de Technicolor—, con la que se abre la historia. Los planos culminantes son, sin embargo, los de la carrera de cuadrigas, para la que se rodaron 56.000 metros de celuloide, reducidos por el jefe de montaje, Lloyd Nosler, a unos vertiginosos 210 metros de trepidante ritmo cinematográfico.

Efemérides de cine: Malas calles

El 2 de octubre de 1973 se estrenó la película estadounidense Malas calles (Mean Streets), dirigida por Martin Scorsese. Protagonizada por Robert De Niro, Harvey Keitel, David Proval, Amy Robinson, Richard Romanus, Cesare Danova, Harry Northup, David Carradine, Robert Carradine, Martin Scorsese. Productora y distribuidora: Warner Bros. Pictures.

Sinopsis argumental: Charlie (Harvey Keitel) es un joven italoamericano que está tratando de ascender en la mafia de Nueva York, pero dicho ascenso se ve obstaculizado por su sentimiento de responsabilidad hacia su imprudente amigo, Johnny Boy (Robert De Niro), un jugador de poca monta que debe dinero a muchos prestamistas. Charlie trabaja para su tío Giovanni (Cesare Danova), un caporegime de la mafia, recogiendo principalmente deudas. El también está teniendo un romance secreto con la prima de Johnny Boy, Teresa (Amy Robinson), que tiene epilepsia y está condenada al ostracismo debido a su condición, sobre todo por el tío de Charlie. Charlie se debate entre su devoto catolicismo, la mafia y sus ambiciones. A medida que avanza la película, Johnny se vuelve cada vez más autodestructivo e irrespetuoso de sus acreedores. A falta de recibir la redención en la iglesia, Charlie la busca a través de sacrificarse en nombre de su amigo Johnny. En un bar, un usurero local llamado Michael (Richard Romanus) viene buscando a Johnny para "pagar" sus deudas, pero para su sorpresa, Johnny lo insulta. Michael se lanza a hacia Johnny, y este toma represalias tirando un arma. Después de un tenso enfrentamiento, Michael se aleja, y Charlie y Johnny deciden salir de la ciudad por un breve período con Teresa. Después de una escapada tranquila en coche, el trío finalmente es perseguido por Michael y sus hombres de confianza, en otro coche. Uno de los hombres de confianza efectúa disparos contra el coche de Charlie, hiriendo de muerte a Johnny en el cuello y a Charlie en la mano, haciendo que Charlie bloquee el coche.  La película termina con una ambulancia y la policía llega a la escena, y los paramédicos que quitan y separan a ambos amigos.

Nominaciones y premios: De Niro ganó el premio otorgado por la National Society of Film Critics como mejor actor de reparto por su papel como John "Johnny Boy" Civello.

Comentario: Obra maestra de Scorsese que muestra los bajos fondos y el interior de los estercoleros de una ciudad

En 1997, Mean Streets fue seleccionada para ser preservada en el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser "culturalmente, históricamente o estéticamente significante".

Efemérides de cine: Los tres días del cóndor

El 24 de septiembre de 1975 se estrenó la película estadounidense Los tres días del cóndor (Three Days of the Condor), dirigida por Sydney Pollack. Protagonizada por Robert Redford, Faye Dunaway, Cliff Robertson, Max von Sydow, John Houseman, Addison Powell, Tina Chen, Walter McGinn. Productora y distribuidora: Paramount Pictures.

Sinopsis argumental: Un modesto funcionario de la CIA (Robert Redford) trabaja leyendo libros con el fin de detectar mensajes cifrados que permitan desvelar operaciones secretas susceptibles de perturbar la estabilidad del país. Un día, cuando vuelve al trabajo, encuentra a todos sus compañeros muertos. Consciente de que sólo el azar lo ha salvado de una muerte segura, huye tratando de salvarse, pero también para encontrar una explicación a lo sucedido. En su fuga se verá obligado a secuestrar a una mujer (Faye Dunaway) con la que, además de compartir su aventura, vive una intensa historia de amor. 

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor montaje. Nominada al Globo de Oro: Mejor actriz en drama (Faye Dunaway).

Comentario: Adaptación de la novela de 1974 Six Days of the Condor, de James Grady.

Sydney Pollack dirige a Robert Redford en este thriller de espionaje, cuya acción no pierde interés en ningún momento. Buen guión y puesta en escena, a pesar de que el film acuse una estética muy marcada en los setenta, lo que contribuye a que se vaya desfasando con los años. Por otro lado, destaca la presencia de la enigmática Faye Dunaway y de secundarios de la talla de Max Von Sydow o Cliff Robertson.

Efemérides de cine: Muerte de un ciclista

El 9 de septiembre de 1955 se estrenó la película española Muerte de un ciclista, dirigida por Juan Antonio Bardem. Protagonizada por Lucía Bosé, Alberto Closas, Bruna Corrà, Carlos Casaravilla, Otello Toso, Alicia Romay. Coproducción España-Italia; Guión Films/Trionfalcine.

Sinopsis argumental: Un profesor de universidad y su amante, una mujer casada de la burguesía, atropellan accidentalemente a un ciclista. Temerorosos de que se descubra el adulterio, deciden ocultar el trágico accidente. 

Nominaciones y premios: Festival de Cannes: Premio de la Crítica Internacional (FIPRESCI).

Comentario: Fue calificada como gravemente peligrosa por la censura franquista.

Obra maestra, aún hoy una de las obras capitales del cine español, una película comprometida y combativa, que arremete contra la burguesía de la época y ofrece un desolador retrato de la España franquista.

Efemérides de cine: Furtivos

El 8 de septiembre de 1975 se estrenó la película española Furtivos, dirigida por José Luis Borau. Protagonizada por Lola Gaos, Ovidi Montllor, Alicia Sánchez, Ismael Merlo, José Luis Borau, Felipe Solano, Antonio Gamero. Productora: El Imán. 

Sinopsis argumental: Ángel (Ovidi Montllor) es un cazador furtivo que vive en un bosque con su madre (Lola Gaos), una mujer tiránica y violenta. En uno de sus escasos viajes a la ciudad, conoce a Milagros (Alicia Sánchez), una chica que ha huido de un reformatorio y que es la amante de un delincuente llamado El Cuqui. Ángel la protege y la lleva a su casa. La animosidad de la madre hacia Milagros, así como la atracción que Ángel siente hacia ella desembocarán en un drama. 

Nominaciones y premios:  Festival de San Sebastián: Concha de Oro.

Comentario: Considerada como una obra maestra del cine español, un clásico imperecedero, José Luis Borau nos obsequio con una de las mejores radiografías que se hayan hecho jamás de la España profunda, un desgarrador fresco emparentado con la posterior Los Santos Inocentes, dirigida por Mario Camus.

Efemérides de cine: Dos semanas en otra ciudad

El 17 de agosto de 1962 se estrenó la película estadounidense Dos semanas en otra ciudad (Two Weeks in Another Town), dirigida por Vincente Minnelli. Protagonizada por Kirk Douglas, Edward G. Robinson, Cyd Charisse, Daliah Lavi, George Hamilton, Claire Trevor, Rosanna Schiaffino, George Macready, James Gregory. Productora y distribuidora: Metro-Goldwyn-Mayer.

Sinopsis argumental: Después de haber pasado tres años en un centro psiquiátrico, Jack Andrus, un actor acabado, vuela a Roma invitado por Maurice Kruger, un director amigo suyo que le ofrece un pequeño papel en una película que está rodando en los estudios de Cinecittà. Andrus acepta la oferta con la esperanza de recuperar la fama. Lo malo es que en Roma se encuentra con su ex-mujer, la responsable de su crisis artística y personal. 

Comentario:Vicente Minnelli muestra la cara menos amable del estrellato y la fama en este drama protagonizado por los soberbios Kirk Douglas, Edward G. Robinson y Cyd Charisse, que vuelve a interpretar a una mujer fatal con un magnetismo fuera de lo normal.

Efemérides de cine: Stella Dallas

El 8 de agosto de 1937 se estrenó la película estadounidense Stella Dallas, dirigida por King Vidor. Protagonizada por Barbara Stanwyck, John Boles, Anne Shirley, Alan Hale Sr., Barbara O'Neil, Tim Holt, Marjorie Main. Producción: Samuel Goldwyn. Distribución: United Artists.

Sinopsis argumental: Stella, una chica de familia humilde, se casa con el adinerado Steve. Al poco tiempo, tienen una hija y todo parece ir bien, pero las grandes diferencias de educación harán mella en su matrimonio y finalmente se separan. Pasados unos años, Stella renuncia a su hija en favor de Steve para que la niña se críe en un mejor ambiente. 

Nominaciones y premios: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actriz (Barbara Stanwyck), actriz secundaria (Anne Shirley).

Comentario: Espléndido melodrama en el que se tocan temas como el arribismo, la escalada social y su caída, la felicidad, la soledad y el sacrificio materno. A destacar su impresionante escena final. 

Efemérides de cine: Alien, el octavo pasajero

El 22 de junio de 1979 se estrenó la película estadounidense Alien, el octavo pasajero (Alien), dirigida por Ridley Scott. Protagonizada por Sigourney Weaver, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, John Hurt, Ian Holm y Yaphet Kotto, Harry Dean Stanton. Producción y distribución: Branndywine Productions/20th Century Fox.

Argumento: La nave espacial de transporte comercial U.S.C.S.S. Nostromo regresa a la Tierra proveniente del planeta ficticio Thedus, con un remolque de veinte millones de toneladas de mena. Los siete miembros de su tripulación están en un estado de sueño criogénico. Al recibir una transmisión de origen desconocido, proveniente al parecer de un planetoide cercano, el ordenador central de la nave, "Madre", despierta a la tripulación. En un principio creen que están en las proximidades de la Tierra, hasta que se percatan de que en realidad se hallan en una región fuera del Sistema Solar. El capitán Dallas les comenta que la computadora cambió el rumbo de la nave para acudir a una transmisión de origen desconocido recibida cada doce segundos, y que Madre identifica como una señal de auxilio. Dallas asume la responsabilidad de investigar dicha transmisión y, con la ayuda del oficial científico Ash, persuade al resto del equipo para que colabore. Gracias a cálculos de trayectoria realizados por la nave, descubren que están en el sistema extrasolar Zeta II Reticuli, en los límites conocidos de astronavegación por los humanos y con rumbo desconocido. Finalmente, la Nostromo llega a la luna de un planeta gigante gaseoso, desconocido y anillado. En él, la tripulación desengancha la Nostromo del remolque y desciende al planetoide, de donde proviene la transmisión; en su aterrizaje, la nave sufre algunos daños. El capitán Dallas, el oficial ejecutivo Kane y la navegante Lambert salen a la superficie del planetoide a investigar el origen de la señal, mientras que la suboficial Ellen Ripley, Ash, y los ingenieros Brett y Parker se quedan en la nave para monitorearlos y hacer reparaciones.

Dallas, Kane y Lambert descubren que la señal viene de lo que parece ser una nave espacial alienígena varada desde hace tiempo. Dentro encuentran los restos fosilizados de un gran alienígena sentado en la silla del piloto, con un boquete en su abdomen perforado de adentro hacia afuera. Mientras tanto, Ripley ordena a Madre que realice una minuciosa decodificación binaria de la transmisión, para su correcta reinterpretación y, durante la actividad, se percata de que es una señal de advertencia y no de socorro como les hizo creer la computadora. Dentro de la nave abandonada, Kane descubre una enorme cámara llena de numerosos huevos, uno de los cuales libera una criatura que se adhiere a su casco, rompiendo su visor y dejándolo inconsciente. Dallas y Lambert lo llevan a la Nostromo, donde Ash les permite entrar, a pesar del protocolo de cuarentena propuesto por Ripley. Una vez en el interior de la nave, intentan arrancar a la alimaña del rostro de Kane, pero descubren que su sangre es extremadamente corrosiva. Finalmente, la criatura se desprende por sí sola y cae muerta. Con la nave reparada, la tripulación despega, acopla el remolque y retoma el viaje hacia la Tierra.

Kane despierta aparentemente ileso, pero durante una comida antes de entrar en hipersueño comienza a asfixiarse convulsamente hasta que un ser emerge violentamente de su pecho, matándolo y ocultándose en la nave. Al no tener armas convencionales, la tripulación intenta localizar y capturar al monstruo con sensores de movimiento, armas de electrochoque y lanzallamas. Brett sigue al gato de la tripulación, "Jones", hasta una sala en la que encuentra al engendro ya desarrollado, que lo ataca antes de desaparecer por los conductos de ventilación de la nave. Dallas lo sigue con la intención de forzar al alienígena a entrar en una esclusa donde pueda ser expulsado al espacio, pero el ser le tiende una emboscada y le mata. Lambert implora a la tripulación restante que escapen en una lanzadera, pero Ripley, siguiente al mando, se niega alegando que la lanzadera no podría dar soporte vital a cuatro personas. Tras acceder al ordenador de la nave, Ripley descubre que Ash recibió órdenes de llevar la nave hasta su corporación propietaria con el alienígena dentro, a expensas de lo que le pudiese ocurrir a la tripulación. Ash la ataca, pero Parker interviene y le golpea con un extintor lo que lo decapita y revela a la tripulación que es un androide. Antes de ser incinerado, Ash notifica que los tripulantes restantes no sobrevivirán. Más tarde, éstos idean un plan para activar el sistema de autodestrucción de la Nostromo y escapar en la lanzadera, pero Lambert y Parker son asesinados por la criatura mientras acuden a por los suministros necesarios para la huida.

Ripley inicia la secuencia de autodestrucción y se dirige a la nave con Jones, pero el Alien bloquea su camino. Sin éxito, la suboficial intenta abortar la autodestrucción, y vuelve a la compuerta de la lanzadera. Para su alivio, el ser ya no se halla ahí y ésta logra escapar en la cápsula antes de que la Nostromo explote. Mientras se prepara para entrar en hipersueño, Ripley descubre que el monstruo se encuentra con ella en la lanzadera. Tras ponerse un traje espacial, Ripley despresuriza la nave al abrir la escotilla con la intención de expulsar al ser al espacio. Luego lanza un gancho contra la criatura, mandándolo fuera. El cable del mismo atasca la puerta y el alienígena se mantiene sujeto a él tratando de introducirse en la nave por uno de los motores. Ripley activa el motor y el impulsor envía al alienígena al espacio, con lo que finalmente se deshace del xenomorfo. En las escenas finales se la ve entrando en un hipersueño junto con el gato antes de su retorno a la Tierra.

Nominaciones y premios: Oscar: Mejores efectos visuales. Nominada a Mejor dirección artística. 2 premios BAFTA: Diseño de producción, Sonido. 5 nominaciones. Nominada al Globo de Oro: Mejor banda sonora. Festival de San Sebastián: Mejor fotografía y efectos especiales.

Comentario: El título de la película hace referencia al antagonista: una agresiva criatura alienígena que acecha a la tripulación de una nave espacial.

En principio se pensó que la película sería un fracaso de taquilla y el público la consideraría como "otra cinta de suspense de bajo presupuesto. Su título original era Star Beast —Bestia estelar—. A pesar de ello, Scott persuadió al equipo de producción para que aumentara el presupuesto, al asegurar que la trama tendría un tono más serio. El guionista Dan O'Bannon eligió el nombre definitivo, al optar por uno más simple y pegadizo que el anterior. La banda sonora corrió a cargo de Jerry Goldsmith, cuya composición no agradó en principio a varios de los productores de 20th Century Fox, pero estos preferían su experiencia a la de otros músicos profesionales, en tanto que a Goldsmith no le gustaba la forma en la que el director tomaba las decisiones sobre sus melodías.

El éxito de Alien generó una franquicia de novelas, cómics, videojuegos y juguetes, así como tres secuelas —Aliens, Alien 3 y Alien Resurrection—, dos crossovers —Alien vs. Predator y Aliens vs. Predator: Requiem— y una cinta relacionada con la trama original, Prometheus.

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Crossover (literalmente, cruce) es, como indica su traducción al español, la interrelación de historias o personajes, en nuestro caso, de diferentes películas.

Efemérides de cine: Duelo en la alta sierra

El 20 de junio de 1962 se estrenó la película estadounidense Duelo en la alta sierra (Ride the High Country AKA Guns in the Afternoon), dirigida por Sam Peckinpah. Protagonizada por Randolph Scott, Joel McCrea, Mariette Hartley, Ron Starr, Edgar Buchanan, R.G. Armstrong, Jenie Jackson, James Drury, L.Q. Jones, John Anderson, John Davis Chandler, Warren Oates. Productora y distribuidora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM).

Sinopsis argumental: Dos viejos amigos se asocian para escoltar un cargamento de oro desde las minas de Alta Sierra hasta un banco. Uno de ellos (Joel McCrea) es un hombre honrado que sólo se propone hacer bien su trabajo; el otro (Randolph Scott), en cambio, carece de escrúpulos y proyecta robar la valiosa mercancía.

Nominaciones y premios: BAFTA: Nominada a la mejor actriz revelación (Hartley).

Comentario:La película recoge toda la iconografía del "western", con pistoleros, aventureros, banqueros, prostitutas, mineros, misioneros, comerciantes, cantineros y otros, que sitúa en un contexto temporal y social diferente. El Oeste no es ya el espacio de las correrías de los indios, ni el lugar de asentamiento de pioneros y colonos, ni el escenario de las proezas de héroes como Will Kane, Ethan Edwards, Owen Thursday. El sentido crepuscular de la historia se acentúa con la edad de Judd y Westrum, su participación en los "westerns" de la época dorada y la hora final de sus carreras: última intervención en cine de Randolf Scott y una de las últimas de Joel McCrea. La emergencia de un tiempo nuevo se simboliza en el primitivo modelo de un automóvil, que presagia profundos cambios tecnológicos. Se trata con respeto, nostalgia y lirismo el viejo Oeste y los códigos de conducta de sus protagonistas (amistad, lealtad e independencia personal). La historia es rica en trazos de humor, que culminan en la ceremonia de la boda de Elsa y Billy. Se exalta el sentido de la amistad y responsabilidad de Judd y se condenan la traición al amigo y el fanatismo religioso de Joshua Knudsen (R.G. Armstrong), que suma ciega ortodoxia religiosa y maltrato con abusos de la hija. 

Efemérides de cine; Tormenta mortal

El 14 de junio de 1940 se estreno la película estadounidense Tormenta mortal AKA La tormenta mortal (The Mortal Storm), dirigida por Frank Borzage y protagonizada por Margaret Sullavan, James Stewart, Robert Young, Frank Morgan, Robert Stack, Bonita Granville, Irene Rich, William T. Orr, Maria Ouspenskaya, Gene Reynolds, Russell Hicks, William Edmunds, Esther Dale, Dan Dailey, Granville Bates, Ward Bond. Productora y distribuidora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM).

Sinopsis argumental: Victor Roth es un profesor universitario que vive tranquilamente con su familia en un pequeño pueblo del sur de los Alpes alemanes. Pero, cuando Hitler llega al poder (1933), los Roth, como todas las familias de origen judío, se ven obligados a separarse. Además Roth ve cómo su carrera se arruina y cómo sus hijos varones apoyan el nacionalsocialismo. En cambio, su hija Freya (Sullavan) y su prometido Martin (Stewart) ven con claridad meridiana que la única salida es huir del país. 

Comentario: Como muchos otros profesionales-artesanos de la edad dorada de Hollywood, Raoul Walsh o Michael Curtiz, el infravalorado Frank Borzage fue uno de esos cineastas que otorgaban una gran dimensionalidad a todos sus personajes, a través de historias directas y precisas.

Tormenta mortal es, sin lugar a dudas, la obra maestra de Borzage (una joya que –inexplicablemente- es casi imposible encontrar); donde se cuenta una historia al mismo tiempo tierna y terriblemente desoladora, acerca de una familia rota por la tragedia que supuso la llegada de Hitler al poder, tanto para Alemania, como para el resto de Europa.

Un profesor liberal que no está dispuesto a aceptar las nuevas normas del régimen fascista. Su joven hija que debe decidir entre un novio fanáticamente nazi y otro liberal… 

En definitiva, la historia de una desunión familia, que se establece como una sombría advertencia de los horrores que traería el nazismo.

Una película por la que no parece pasar el tiempo, y que se mantiene fresca y viva después de muchas décadas desde que vio la luz, allá por 1940.

Este título causó la censura de todas las futuras producciones de la Metro en Alemania, por parte de Goebbels. Incluso el embajador de Alemania en EE UU, intentó persuadir a la MGM para que no estrenara el filme. Es de agradecer que Borzage supiera trascender el valor de simple propaganda prebélica que Louis B. Mayer quería adjudicar a la película.

Borzage lleva la historia a su terreno y consigue ensalzar una vez más el valor del amor que se sobrepone a cualquier adversidad, uno de sus temas recurrentes en su filmografía.

Un final inolvidable –por terrible- a la par que lírico y esperanzado. Una puesta en escena brillante, donde la cámara se mueve con suavidad y elegancia en escenas como las de la taberna o la de la cena en casa de la familia Roth; y unas interpretaciones insuperables de todo el elenco (la perfecta pareja que conforman Margaret Sullavan y James Stewart), pero sobre todo la del padre, Frank Morgan (el que fuera el mítico Mago de Oz) y la madre, Maria Ouspenskaya.

Triste y desoladora, Tormenta mortal potencia el valor de la libertad de pensamiento y la individualidad frente a la opresión de cualquier forma de totalitarismo.

Efemérides de cine: Crimen perfecto

Crime perfecto (Dial M for Murder), es una película estadounidense, estrenada el 29 de mayo de 1954, dirigida por Alfred Hitchcock. Protagonizada por Grace Kelly, Ray Milland, Robert Cummings, John Williams, Anthony Dawson, Leo Britt, Patrick Allen, George Leigh. Producción y distribución: Warner Bros.

Sinopsis argumental: Tony Wendice (Ray Milland), un frío y calculador ex tenista profesional, quiere asesinar a su bella y rica esposa Margot (Grace Kelly), porque sospecha que le es infiel, aunque lo que más le interesa es quedarse con su fortuna. Para llevar a cabo su plan, chantajea a un antiguo camarada del ejército para que entre en la casa en su ausencia y estrangule a Margot. 

Nominaciones y premios: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor actriz (Grace Kelly). BAFTA: Nominada a mejor actriz extranjera (Grace Kelly).

Comentario: El guión, del dramaturgo inglés Frederick Knott (1916-2002) y Alfred Hitchcock (no acreditado), adapta la obra de teatro escrita para la televisión Dial M for Murder (1952), del proio Knott. 

La película fue rodada en 1954 utilizando la cámara de "visión natural" de M.L. Gunzberg, poseedora de la misma tecnología que otras películas que iniciaron el boom por el 3-D en 1953, como Los crímenes del museo de la cera (House of Wax), de André De Toth). Inicialmente se planteó estrenarla en 3D y 2D, pero finalmente se optó por estrenarla sólo en este último formato debido a la pérdida de popularidad del 3-D en el momento de su lanzamiento. En 1980, sin embargo, el sistema 3D fue resucitado en el Teatro York de San Francisco, lo que permitió a la Warner Bros. reestrenar la versión 3D de la película en febrero de 1982.

La película suma crimen, misterio, suspense, romance y thriller. Aficionado a la experimentación y a la asunción de retos, Hitchcock decide llevarla al cine. Es una de las tres películas que rueda para la Warner dedicadas a homenajear a los tres medios de representación dramática: el teatro (Pánico en la escena), el cine (Extraños en un tren) y la televisión (Crimen perfecto). La primera comienza alzando un telón, la segunda se inicia con una metáfora del cine (tren en movimiento) y la tercera se parece voluntariamente a una obra de teatro filmada para la TV.

La película  trata una de las grandes obsesiones del realizador, el crimen indescifrable tras el que se oculta una inteligencia superior capaz de sembrar en torno de los hechos el desconcierto, la confusión y la imposibilidad de identificar al autor y probar su responsabilidad. Se dice que el crimen es perfecto porque está tan lúcidamente planificado y rigurosamente ejecutado que no deja huellas y nadie puede descubrir al culpable. Los personajes de Hitchcock tratan el tema en Sospecha, La sombra de una duda, Extraños en un tren, Crimen perfecto, etc.

Efemérides de cine: Samurái rebelión

El 27 de mayo de 1967 se estrenó la película japonesa Samurái rebelión (Jôi-uchi: Hairyô tsuma shimatsu), dirigida por Masaki Kobayashi. Protagonizada por Toshirô Mifune, Yôko Tsukasa, Gô Katô, Tatsuya Nakadai, Etsuko Ichihara, Isao Yamagata, Tatsuyoshi Ehara, Shigeru Kôyama, Tatsuo Matsumura. Productora: Toho Company/Mifune Productions.

Sinopsis argumental: En el Japón de 1725, durante una época de paz, Isaburo, un samurái veterano perteneciente a un clan local lleva una vida apacible con su hijo y su esposa. Pero un día, su honor y sus principios morales entran en abierto conflicto con los de su clan. El enfrentamiento es inevitable y tendrá inesperadas consecuencias. 

Nominaciones y premios: Festival de Venecia: Premio FIPRESCI.

Comentario: Segunda película de Kobayashi, basada en la novela de Yasuhiko Takiguchi.

Efemérides de cine: Dr. Mabuse: El infierno. Parte II

El 26 de mayo de 1922 se estrenó la película alemana Dr. Mabuse: El infierno. Parte II (Dr. Mabuse, Der Spieler: Inferno, Ein Spiel Von Menschen Unserer Zeit), dirigida por Fritz Lang. Protagonizada por Rudolf Klein-Rogge, Bernhard Goetzke,   Alfred Abel, Aud Egede Nissen, Gertrude Welcker, Hans Adalbert Von Schlettow, Georg John, Grete Berger, Julius Falkenstein, Robert Forster-Larrinaga, Charles Puffy, Julius E. Herrmann. Productora: UCO-Film. Distribuidora: UFA.

Sinopsis argumental:  Mabuse, con su organización del crimen, se dedica a convertir en víctimas a los restos de la aristocracia alemana y los especuladores del desastre. Un desastre llamado hiperinflación, crisis social y miseria absoluta. Es sobre ese apocalipsis que somete a un pueblo entero, sobre el que se yerge la figura de un salvador que trata de quitar términos como "moral" y "ética" del diccionario. Para ello maquina un plan maestro de obtener dinero a través de la especulación bursátil, con el que no solo se propone ampliar su bolsillo, sino perjudicar los mercados nacionales. Para entretenerse, Mabuse practica "deporte", ganando fortunas a ricachones a través de partidas de naipes en las que ejerce sus poderes de hipnosis. Porque Mabuse es, ante todo, un galeno, un estudioso de la mente y sus facultades. Sin embargo, llega un momento que pierde el tino. Habiendo provocado el suicidio de la Carozza (Aud Egede Nissen), habiendo provocado el suicidio del Conde Told (Alfred Abel) y manteniendo secuestrada a la esposa de este, la Condesa Told (Gertrude Welcker), a quien intenta convencer de un romance forzado que en ninguna mente, por más resortes archicriminales que tenga, sería viable, Mabuse comienza su descenso de categoría.

Comentario: Después de una primera parte en que se podía albergar algún sentimiento simpático hacia el personaje del Dr. Mabuse (Rudolf Klein-Rogge), en esta segunda parte se nos va diluyendo paulatina pero inexorablemente, toda posible simpatía.

La película tiene tres momentos narrativos de gran interés:  

  - La persecución de un némesis, el Fiscal Wenk (Bernhard Goetzke), quien, a pesar de que se pasa nutrido porcentaje de película deduciendo el nombre de su sospechoso, una vez que se ceba sobre su presa, supera la hipnosis y los atentados hasta lograr su cometido.

  - El ataque de las tropas al reducto de los secuaces de Mabuse, quienes van cayendo uno por uno.

  - La fuga del Doctor y su obnubilación mental, que le lleva a imaginarse un Moloch gigantesco que lo amenaza, muy parecido al que se vería en otra alucinación, la del joven protagonista de Metrópolis (Metropolis, 1926)  

Efemérides de cine: La jungla de asfalto

El 23 de mayo de 1950 se estreno la película estadounidense La jungla de asfalto (The Asphalt Jungle), dirigida por John Huston. Protagonizada por Sterling Hayden, Louis Calhern, Sam Jaffe, Jean Hagen, James Whitmore, John McIntire, Marc Lawrence, Marilyn Monroe, Barry Kelley, Anthony Caruso, Brad Dexter, Dorothy Tree. Producción y distribución: Metro-Goldwin-Mayer (MGM).

Sinopsis argumental: La meticulosa planificación de un atraco a una joyería, por parte de una banda de delincuentes, le sirve a Huston para ofrecer un relato lleno de intensidad, amén de un realista e insuperable estudio de los personajes y sus motivaciones. 

Nominaciones y premios: 4 nominaciones al Oscar: Director, actor sec. (Jaffe), guión, fotografía Blanco y negro. Globos de oro: 3 nominaciones, incluyendo mejor director. Festival de Venecia: Mejor actor (Sam Jaffe). Premios BAFTA: Nominada a mejor película. Círculo de Críticos de Nueva York: 2 Nominaciones.

Comentario: Adapta la novela The Asphalt Jungle (1949), de William R. Burnett. 

Expone con una minuciosidad inusual la preparación y ejecución de un plan de acción a cargo de un grupo de personas que cuentan con tareas distintas y complementarias. La distribución de las mismas y su coordinación se explican con gran riqueza de detalles. Las acción se envuelve en un clima denso de suspense y tensión, pocas veces superado. Se ponen al servicio del mismo una potente visualidad y, en los momentos culminantes, un silencio cerrado e inquietante, que hiela el alma. Con estos y otros medios, Huston construye una secuencia central en la que los movimientos de los actores absorben y tensan la atención, la capacidad de percepción y el ánimo del espectador. El resultado es una secuencia magistral, que ha sido evocada, imitada y homenajeada en films como Rififí (1955), de Jules Dassin, Atraco perfecto (The Killing, 1956), de Stanley Kubricky otros.

Por primera vez, una película de cine negro adopta el punto de vista de los criminales, lo que permite al realizador explicar las particularidades de sus situaciones personales y familiares, sus emociones, debilidades y psicología. Presenta una muy buena construcción de caracteres (el padre de un niño discapacitado que vive apurado económicamente, el que no sabe negar un favor a nadie...). Incorpora una atmósfera admirable de fatalidad y de tragedia, que envuelve a cada uno de los protagonistas y que se asocia a una narración que sabe extraer lirismo y belleza del fracaso y la desesperación. El film tiene, además, un valor documental de interés: muestra los bajos fondos, el submundo del crimen y sus escenarios habituales en una ciudad media americana de los últimos años 40.

La música, de Miklós Rózsa, aporta composiciones orquestales vibrantes, solemnes y emotivas, con un gran tema central y un corte destacado (Main Tittle). La fotografía, de Harold Rosson, hace uso de una estética realista y expresionista, sobre la que se apoya la potente visualidad de la película. Son excelentes las interpretaciones individuales de Hayden, Calhern, Monroe, Jaffe... Es memorable la interpretación colectiva del grupo protagonista.

Sin lugar a dudas, una de los mejores películas del cine negro de todos los tiempos, con el gran Hayden y una seductora y sexy Marilyn Monroe.