Efemérides de cine: El águila de la montaña

El 27 de mayo de 1926 se estrenó la película británica El águila de la montaña (The Mountain Eagle), dirigida por Alfred Hitchcock e interpretada por Nita Naldi, Malcolm Keen, John F. Hamilton, Bernhard Goetzke, Ferdinand Martini. Productora: Coproducción Reino Unido-Alemania; Gainsborough Pictures, Bavaria Filmkunst GmbH (München-Geiselgasteig), Münchner Lichtspielkunst AG (Emelka). Duración: 60 minutos. 

Sinopsis argumental: En las colinas de Kentucky, un encargado de la tienda intenta ganar el amor de una profesora inocente. Ella huye y busca refugio con un ermitaño. 

Comentario: Segunda película rodada por Hitchcock, tras El jardín de la alegría (The Pleasure Garden, 1925). Es la única película del realizador británico de la que no se conserva ni siquiera una copia. El mismo Hitchcock la consideraba "un simple melodrama mundano que sería mejor olvidar", frente a la natural curiosidad de los fanáticos de la obra del británico. Casi todo lo que sabe de la película se debe a François Truffaut cuando entrevistó a Hitchcock décadas después

Efemérides de cine: La trama

El 21 de marzo de 1976 se estrenó la película estadounidense La trama (Family Plot), dirigida porAlfred Hitchcock e interpretada por Karen Black, Bruce Dern, Barbara Harris, William Devane, Ed Lauter, Cathleen Nesbitt, Katherine Helmond, Marge Redmond, Warren J. Kemmerling, Edith Atwater, William Prince, Nicholas Colasanto. Productora: Universal Pictures. Duración: 120 minutos.

Sinopsis argumental: La señora Julia Rainbird (Cathleen Nesbit) guarda fuertes sentimientos de culpa porque, hace 40 años, hizo que una hermana -que quedó embarazada estando soltera- abandonara a su hijo al momento de nacer, y fallecida ella, ahora quiere encontrarlo para convertirlo en heredero. Por tal motivo, ha buscado la ayuda de la "psíquica", Blanche Tyler (Barbara Harris), quien al oír que le ofrecen ¡diez mil dólares! por encontrar al dichoso heredero, se aliará con su amigo George Lumley (Bruce Dern), para procurar hacer el milagro. 

Nominaciones y premios: Globos de Oro: Nominada mejor actriz musical/comedia (Barbara Harris); Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion adaptado comedia; Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Nominada a mejores 10 películas del año.

Comentario: Última película del maestro del suspense, Alfred Hitchcock, quien volvió a realizar una de sus entretenidas intrigas con un punto de humor. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: El jardín de la alegría

El 3 de noviembre de 1925 se estrenó la película británica El jardín de la alegría (The Pleasure Garden), dirigida por Alfred Hitchcock e interpretada por Virginia Valli, Carmelita Geraghty, Miles Mander, John Stuart, Ferdinand Martini, Florence Helminger, Georg H. Schnell, Karl Falkenberg, Louis Brody, Elizabeth Pappritz. Productora: Coproducción Reino Unido-Alemania; Gainsborough Pictures, Bavaria Film. Duración: 75 minutos. 

Sinopsis argumental: Patsy es una corista que trabaja para la compañía de teatro "The Pleasure Garden" (El jardín de la alegría). Un día conoce a una joven recién llegada a la ciudad, Jill, que desea hacerse un hueco en la compañía. Patsy se hace amiga de ella y le consigue una audición, convirtiéndose inmediatamente en la estrella del show. Jill está prometida a Hugh, un joven militar que deberá separarse pronto de ella para emprender viaje hacia el Trópico, donde debe unirse a la colonia inglesa. Mientras Hugh está en su destino y Patsy entabla relaciones con Levett, un compañero de Hugh, Jill subirá como la espuma y comenzará a buscar la compañía de otros hombres.

Comentario: Es la primera película dirigida por Alfred Hitchcock en su carrera como realizador cinematográfico, y la primera que estrenó completa. Está basada en una novela de Oliver Sandys.

Las 50 mejores películas de terror de la historia del cine (X)

(cont.)

5 -  Tiburón (Jaws, 1975), de Steven Spielberg

Tiburón llegó a recaudar en todo el mundo 350 millones de euros y aún ocupa un lugar en las 50 películas más taquilleras de la historia del cine. Gracias a ella, Steven Spielberg se consagró como cineasta de éxito mundial y cambió el concepto de cine comercial imperante en Hollywood. Su estreno simultáneo en más de 200 salas estadounidenses, el tremendo impacto emocional que tuvo en el público, la publicidad televisiva pionera en su género, el 'merchandising' organizado alrededor de la cinta y la apoteósica ascensión de la novela a las listas de los más vendidos, son las mismas tácticas que hoy en día utilizan los magnates de Hollywood para promocionar sus filmes. A destacar también la oscarizada banda sonora, obra de John Williams. Se trata de la primera colaboración del compositor con Spielberg, una alianza que continuó en otros títulos como Encuentros en la tercera fase, ET, el extraterrestre, la saga de Indiana Jones, Salvar al soldado Ryan o Parque jurásico, entre muchas otras.

Tiburón (1975)

4 - Yo anduve con un zombie (I Walked with a Zombie, 1943), de Jacques Tourneur

Tras el éxito de La mujer pantera, el productor Val Lewton volvió a contratar al director Jacques Tourneur, para otra cinta de horror, con un romanticismo influido por los clásicos literarios Jane Eyre y Cumbres borrascosas, de las hermanas Bronte. Tourneur crea una atmósfera sugerente y secuencias sobrecogedoras, como el encuentro con el zombie guardián.

Yo anduve con un zombie (1943)

3 - Psicosis (Psycho, 1960), de Alfred Hitchcock

Una de las obras maestras del cine de Alfred Hitchcock y, sin duda, la más terrorífica. Psicosis contiene la famosa escena del asesinato de la ducha, que resulta sobrecogedora por su rápido montaje, su excelente fotografía en blanco y negro y por los acordes de violín de la música del maestro Bernard Herrmann. El resto del film mantiene estas características con varios momentos memorables llenos de tensión. Todo el conjunto es una lección técnica de cómo narrar una historia en la pantalla, desde la meticulosa planificación, con inteligentes movimientos de cámara como el de la toma cenital en la escalera, hasta el uso de la elipsis, pasando por la utilización del croma o la profundidad de campo. Y por supuesto, estamos quizá ante unos de los mejores ejemplos de Macguffin dentro de la filmografía de Hitchcock.

Psicosis (1960)

2 - El exorcista (The Exorcist, 1973), de William Friedkin

La fuerza de esta impactante película dirigido por William Friedkin en 1973 reside en mostrar con verosimilitud un caso de posesión diabólica y los ritos católicos de exorcismo para lograr su expulsión. El buscado realismo penetra hasta los tuétanos del espectador, provocándole escalofríos. Las nuevas escenas recuperadas (11 minutos) ni añaden ni quitan nada destacable a una película que ya es un clásico por derecho propio; pero la copia es sin duda excelente, con un magnífico sonido. La llegada del padre Merrin, un veterano luchador contra el demonio (magnífico Max Von Sydow), hace que la cinta crezca en el sorprendente desenlace.

El exorcista (1973)

1 - La cosa (el enigma de otro mundo) (The Thing, 1982), de John Carpenter

Original actualización de la clásica película de terror El enigma de otro mundo (The Thing from Another World, 1951), dirigido por Howard Hawks. John Carpenter aprovechó las modernas técnicas de efectos especiales de los años 1980, por lo que consiguió una película terrorífica. Está protagonizado por su actor fetiche, Kurt Russell, protagonista de sus películas: 1997: Rescate en Nueva York y Golpe en la pequeña China.

La cosa (1982)

Las 50 mejores películas de terror de la historia del cine (IV)

(cont.)

35 - Rojo oscuro (Profondo rosso, 1975), de Dario Argento

Seguramente la mejor película del especialista de terror Dario Argento. A partir de la sesión de una médium en un teatro, el italiano despliega su gran capacidad para crear atmósferas (inolvidable la música de Goblin). La médium morirá asesinada brutalmente y su vecino, pianista profesional, comienza a investigar quién puede estar detrás del crimen. Aunque sangriento como toda la filmografía de Argento, el film lo es menos que su producción posterior. Protagoniza David Hemmings, que está acompañado por una joven y enigmática Daria Nicolodi, desde entonces pareja sentimental del director.

Rojo oscuro (1975)

34 - [•REC] (2007), de Jaume Balagueró y Paco Plaza

En un año particularmente nefasto para el cine español, en el que funcionaron demasiado bien en taquilla algunas cintas interesantes como Mataharis, ha salvado la temporada El orfanato, una clásica cinta de terror. Mucho antes se había estrenado 28 semanas después, coproducción hispano-británica dirigida por un español. La película que nos ocupa confirma definitivamente que ese género es el único que vive un buen momento en España. Jaume Balagueró y Paco Plaza rodaron conjuntamente hace años el documental OT: La película. En esta ocasión, codirigen juntos una película de terror, que al fin y al cabo es su especialidad, y que ha ganado el premio al mejor director y a la mejor actriz en el Festival de Sitges.

Manuela Velasco en [•REC] (2007),

33 - Pesadilla en Elm Street  (A Nightmare on Elm Street, 1984), de Wes Craven

Primera -y sin duda la mejor- entrega de las sangrientas aventuras de Freddy Krueger, el siniestro personaje que atormenta los sueños de un grupo de jóvenes carne de cuchillo. Heredera de La matanza de Texas (The Texas Chainsaw Massacre, 1974), sus frases promocionales ("Si Nancy no se despierta gritando, es que no despertará jamás" o "Hagas lo que hagas, nunca te duermas") fueron pioneras en un marketing de cine de terror que aún hoy tributa sangre adolescente, y sus historias cotidianas, salpicadas de gore, captaron una legión de seguidores. Impactantes escenas y una historia original la convirtieron en mito entre los fanáticos del género, lo que propició una serie interminable de nefastas secuelas.

Robert Englund, como Freddy Krueger, en Pesadilla en Elm Street (1984)

32 - Los pájaros (The Birds, 1963), de Alfred Hitchcock 

Tras Psicosis, Alfred Hitchcock firma otra de las cumbres del cine de terror y consigue dar miedo a través de unos animales tan cotidianos y entrañables como los pájaros, con unas escenas estremecedoras. El maestro del suspense partió de una novela corta de Daphne Du Maurier, cuyas obras ya habían dado lugar a sus cintas Rebeca y Posada Jamaica. Pero el cineasta británico también se inspiró en un suceso real ocurrido en 1961 cerca de la casa del realizador en California, cuando miles de pájaros alterados por una sustancia producida por algas, acabaron irrumpiendo en domicilios de la zona sin causar víctimas.

Rod Taylor y Tippi Hedren en Los pájaros (1963)

31 - La noche de Halloween (Halloween, 1978), de John Carpenter

Clásico de terror de los años 1970, que dio vida a uno de los asesinos en serie más famosos del cine, Michael Myers. A pesar de su bajo presupuesto, John Carpenter supo manejar de forma modélica la tensión, creando una atmósfera terrorífica, y tomando como modelo Psicosis, de Alfred Hitchcock. De hecho, la hija de Janet Leigh, la intérprete de la escena de la ducha de la citada película, Jamie Lee Curtis, debutaba como protagonista.

Jamie Lee Curtis en La noche de Halloween (1978)

(cont.)

Halloween: “Psicosis”, “E.T. el extraterrestre” o “Los Ángeles de Charlie”… 14 escenas que nos han traumatizados (II)

(cont.)

7. El ojo de cristal del asesino en Pánico en la ciudad (Peur sur la ville, 1975), de Henri Verneuil

Uno de los más contundentes thrillers de acción de la historia del cine francés, con Belmondo protagonizando toda clase de escenas arriesgadas sin necesidad de especialistas (lo que sería una de sus señas de identidad a lo largo de toda la carrera) siendo especialmente recordadas la persecución de coches, la del metro y cuando se cuelga de un helicóptero y recorre la ciudad. La película fue todo un éxito de público con cerca de cuatro millones de espectadores. Dirigida por el maestro Henri Verneuil, su trama se desarrolla en París, donde un psicópata amenaza con matar a todas las mujeres de vida alegre de la ciudad. El inspector Jean Letellier está sobre su pista. Además de emociones fuertes y acción sin límite, contiene una de las obras maestras de Ennio Morricone con su inolvidable melodía 'Sospiri da una radio lontana'.

 Adalberto Maria Merli en Pánico en la ciudad (1975)

6. La sonrisa de Satanás en El triángulo del diablo (Devil's Triangle,  2021), de Sutton Role

Dos pilotos de la Guardia Costera (uno de ellos es el gran Doug McClure) investigan un yate que se encuentra flotando en la siniestra área llamada el Triángulo del Diablo o de las Bermudas. Todos a bordo están muertos, a excepción de una mujer joven y bella, (Kim Novak) y ella relata la historia de lo sucedido, en un flashback espeluznante. Recordemos que, en los años 1970, la misteriosa desaparición de aviones y barcos, en ese fatídico triángulo, originó centenares de películas, documentales y libros sobre el tema. Esta película para TV, dirigida por Sutton Roley, es una de las mejores películas sobre el Triángulo de las Bermudas que se filmaron hasta hoy. Lo tiene todo: un yate a la deriva en medio del océano, tormentas eléctricas, un pulso narrativo lleno de tensión y suspenso, una serie de extraños y macabros “accidentes”, una rubia seductora y un sacerdote que guarda más de un malévolo secreto.

Michael Conrad y Alejandro rey en El triángulo del diablo (1975)

5. Willem Dafoe en Spider-Man (2002), de Sam Raimi

Nueva York. Peter Parker es un chaval normal y corriente que vive con sus tíos en el barrio de Queens. Es aficionado a la fotografía y colabora en el periódico de su instituto. Además está secretamente enamorado de Mary Jane, una compañera de clase a la que él ve inaccesible, pese a que también es su vecina y la conoce desde hace tiempo. Su vida, por tanto, no se diferencia en nada de la de cualquier joven de su edad: clases, estudio, algún trabajo esporádico y vida familiar… Pero su rutina va a cambiar cuando accidentalmente reciba el picotazo de una araña modificada genéticamente. Peter adquirirá poderes arácnidos fabulosos: facilidad para trepar por paredes y techos, agudeza sensorial extraordinaria, rapidez de movimientos, fortaleza física y, cómo no, capacidad para tejer su propia tela de araña. Al principio verá en esas características un medio formidable de hacer dinero, pero un triste suceso le convencerá de que debe utilizar sus nuevos poderes para combatir el mal. En el otro platillo de la balanza hará contrapeso un megalómano de los negocios llamado Norman Osborn, que además es el padre de Harry, el mejor amigo de Peter en el instituto. Osborn realiza experimentos científicos para el gobierno, pero tras la negativa para poner en marcha su último proyecto decidirá experimentarlo consigo mismo. Como resultado, verá aumentada su inteligencia y su fortaleza, pero también se convertirá en un demente que pondrá en jaque a la ciudad de Nueva York. Nace así el Duende Verde, el mayor enemigo de Spider-Man.

Willen Dafoe en Spider-Man (2002)

4. La ducha de Psicosis (Psycho, 1960), de Alfred Hitchcock

En Psicosis, una joven (Janet Leigh) llamada Marion Crane roba una considerable suma de dinero de su trabajo –40.000 dólares– y emprende la huida por la carretera. Ya alejada de Phoenix, debido a la lluvia y el cansancio se refugia para pasar la noche en un lúgubre motel de carretera atendido por un joven encantador llamado Norman Bates (Anthony Perkins). De repente, es asesinada. Un detective emprende su búsqueda, alertado por los dueños del dinero que robó. Una de las obras maestras del cine de Alfred Hitchcock y, sin duda, la más terrorífica. Psicosis contiene la famosa escena del asesinato de la ducha, que resulta sobrecogedora por su rápido montaje, su excelente fotografía en blanco y negro y por los acordes de violín de la música del maestro Bernard Herrmann. El resto de la película mantiene estas características con varios momentos memorables llenos de tensión. Todo el conjunto es una lección técnica de cómo narrar una historia en la pantalla, desde la meticulosa planificación, con inteligentes movimientos de cámara como el de la toma cenital en la escalera, hasta el uso de la elipsis, pasando por la utilización del croma o la profundidad de campo. Y por supuesto, estamos quizá ante unos de los mejores ejemplos de Macguffin dentro de la filmografía de Hitchcock.

Janet Leigh en Psicosis (1960)

3. Los sótanos de la central eléctrica de Chernobyl (2019), de Johan Renck

Impactante miniserie de HBO y Sky, que recreó con inusitado realismo el terrible accidente nuclear de Chernobyl, acontecido en la Unión Soviética en 1986. Es encuadrable en el género catastrofista, pero con el detalle no pequeño de que esta tragedia ocurrió de verdad. Se trata de una inesperada creación de Craig Mazin, conocido sobre todo por comedias secuelas de las sagas Resacón en Las Vegas y Scary Movie; dirige los cinco episodios Johan Renck, que ha intervenido en series como Breaking Bad y Vikingos. Destaca el enorme esfuerzo de producción, de modo que parece que nos teletransportemos a la época, y resulta muy creíble el paisaje apocalíptico que rodea a la central, con los daños físicos de los afectados debido a la elevada radioactividad. Con acierto se ha evitado que el espectador se distraiga reconociendo actores, hasta los que más pueden sonar, como Jared Harris, pueden pasar inadvertidos.

Sam Troughton  y Robert Emms en Chernobyl (2019)

2. El esqueleto que mata a su mujer en Los Ángeles de Charlie (Charlie's Angels, 1980)

Mediados de los años 1980. Debía tener 7 u 8 años. En este episodio, durante una fiesta de disfraces, un marido, vestido de esqueleto, intenta empujar a su mujer en silla de ruedas escaleras abajo. Un feminicidio atroz, evitado por poco. Algunos espectadores sufrieron pesadillas al respecto varias noches seguidas. No poder entender cómo un hombre puede querer matar a su esposa discapacitada. 

Los Ángeles de Charlie (1980)

1. Un envejecimiento acelerado en MacGyver (1988)

Un satélite que contiene un experimento genético cae a la Tierra y MacGyver es enviado a recuperarlo. Allí descubrirá que el virus ha mutado y hace que todo envejezca rápidamente. Deberá destruirlo antes de que continúe extendiéndose por el planeta. Esta serie, interpretada por Richard Dean Anderson, es mejor recordada por la habilidad del héroe para improvisar cualquier artilugio con elementos simples y de lo más variado: chicles, clips, mecheros, neumáticos, etc, además de su inseparable navaja suiza multiusos y su Jeep descapotable, siendo capaz de fabricar una bomba con un walkman, dos baterías, tres pinzas para la ropa y un rollo de cinta adhesiva. Lo que nos hemos olvidado son los episodios del género fantástico imaginados a partir de la tercera temporada. Esta “experiencia definitiva”, título del episodio, es genética y acelera la degeneración de las células. Tras un mal trato, una científica y su perro envejecen visiblemente y mueren, como el villano del final de Indiana Jones y la última cruzada. Primer malestar existencial: vida que pasa en un abrir y cerrar de ojos. Nuestra finitud anecdótica perdida en el abismo sin fondo del universo. Ansiedad total...

Judith Chapman en McGyver, episodio Zona mortal, temporada 3 (1988)

Como "Extraños en un tren", de Alfred Hitchcock, trece películas que tienen una ventana a una pista (I)

Recordando el thriller tenístico de Alfred Hitchcock, repasamos de algunas escenas de culto sobre tierra, hierba o cemento...

Los aficionados al tenis están invitados a dejar temporalmente su raqueta para volver a ver, Extraños en un tren (Strangers on a Train, 1951), un clásico de Hitchcock donde un partido crea suspense. Guy (Farley Granger) debe ganar su final lo más rápido posible para evitar quedar atrapado por un chantajista. La parte (ficticia) incluye imágenes muy reales de un partido de Copa Davis filmadas por Alfred Hitchcock en el mítico estadio de Forest Hills.

Las películas en las que damos golpes a la bolita amarilla son más raras que las dedicadas al boxeo o incluso al golf. Y preocupan más a los jugadores aficionados que a los profesionales. El tenis, escriben Julien y Gérard Camy en su libro-resumen Sport & cinema, “requiere una técnica difícil de comprender por los actores si no son excelentes jugadores, al mismo tiempo que juegan al golf. La brevedad de las tomas hace que sea más fácil hacer trampa, utilizando ángulos de cámara y edición. Descubra aquí nuestro gran slam de películas sobre pistas de tenis, en orden cronológico de aparición en pantalla.

Las vacaciones del señor Hulot (Les vacances de Monsieur Hulot, 1953)

“El tenis, juego de habilidad, fuerza y ​​técnica, tiene […] un poder burlesco”, según Julien y Gérard Camy. Hulot el patoso (Jacques Tati) lo demuestra con su servicio en un estilo poco ortodoxo pero efectivo. Irresistible.

El apartamento (The Apartment, 1960)

Ninguna cancha de tenis, y mucho menos un partido de dos o tres sets en la obra maestra de Billy Wilder. Pero un uso inteligente de la raqueta, por decir lo mínimo, se transformó aquí en… un escurridor de espaguetis.

Blow-Up (Deseo de una mañana de verano) (Blow-up, 1966)

La película pop de Michelangelo Antonioni termina con un partido de tenis... sin raquetas ni pelotas. Pero cuando uno de los mimos finge golpear demasiado fuerte, la cámara sigue la pelota imaginaria mientras se aleja volando y luego rueda hacia la hierba. La magia del cine...

Dentro de cien años todos calvos (Nous irons tous au paradis, 1977)

El partido de dobles entre amigos que se va de las manos es un clásico del tenis en pantalla. Tras haber sido engañados por un agente inmobiliario, los héroes de la película de Yves Robert se convierten en propietarios de una casa con pista de tenis... ¡una prolongación de las pistas de Roissy! Para soportar el ruido de los aviones, los cuatro amigos tienen que jugar con protectores en las orejas. Obviamente, es molesto...

(cont.)

Clásicos de cine: Rebeca

Rebeca (Rebecca) fue estrenada en cines tal dia como hoy de 1940, con éxito de crítica y comercial.  Fue el primer proyecto estadounidense de Hitchcock, y su primera película bajo contrato con el productor David O. Selznick. El guión y la adaptación se basaron en la novela del mismo nombre de 1938 de Daphne du Maurier. Protagonizada por Laurence Olivier como el viudo melancólico y aristocrático Maxim de Winter y Joan Fontaine como la joven que se convierte en su segunda esposa, con Judith Anderson, George Sanders y Gladys Cooper en papeles secundarios.

La película es un cuento gótico en blanco y negro. La primera esposa de Maxim de Winter, Rebecca, que murió antes de los acontecimientos de la película, nunca se ve. La reputación y recuerdos de ella, sin embargo, son una presencia constante en las vidas de Maxim, su nueva esposa y la ama de llaves, la Sra. Danvers. 

Recibió once nominaciones en los 13 Premios de la Academia, más que cualquier otra película ese año. Ganó dos premios: Mejor Película y Mejor Fotografia en Blanco y Negro 

En 2018, la película fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso como "cultural, histórica o estéticamente significativa.

Los Oscar y Alfred Hitchcock

¿Cuántos Oscar crees que ganó Alfred Hitchcock durante su carrera? ¿Uno, diez,
veintinuo? Te diremos que fue nominado cinco veces a mejor director y… acabó llevándose…; te lo contamos al final de esta entrada.

Un año más, la alfombra roja volvió a ser desplegada. Lo fue en la madrugada del domingo al lunes 13 de marzo; Jimmy Kimmel presentó la gala de la 95ª edición de los Premios Oscar, que comenzó a las 2h (hora española) y tuvo lugar en el Dolby Theatre de Los Ángeles.

Nos cuenta François Truffaut en su libro El cine según Hitchcock. Ok Hitchcock «se hace mundialmente célebre en tanto que produce y dirige la serie de emisiones televisivas Suspenso (Suspicion, 1957), después “Hitchcock presenta», hacia la mitad de los años cincuenta. Este éxito y esa popularidad, la crítica americana y europea iba a hacérselo pagar examinando su trabajo con condescendencia, denigrando una película tras otra”. 

Y es que, aunque ahora parezca extraño, en su momento, la filmografía de Hitchcock no era reconocida y admirada como sucedería después, como ahora, que es estimada por todos los cinéfilos.
No sería sino hasta 1968 cuando los críticos americanos comenzaron a prestar más atención al trabajo de Hitchcock, sobre todo gracias a Psicosis, que se la considera ya un clásico. Cuenta Truffaut una anécdota en su libro y es que, habiendo ido a promocionar su película Jules y Jim (Jules et Jim) a Nueva York, en 1962, le preguntaban en todas sus entrevistas que cómo era posible que se tomara a Hitchcock en serio, si «sus películas carecen de sustancia».

Para Edward White, sin embargo, Hitchcock «era un intérprete de los moderno y lo urbano que subrayaba continuamente la importancia de la técnica y el proceso, utilizando la cámara, el plató del estudio y la sala de edición para jugar con el movimiento, la velocidad y el tiempo», nos cuenta en Las doce vidas de Alfred Hitchcock.

El cineasta era así «un paseante y un forjador de mitos». Su importancia, de hecho, va más allá del cine. Tuvo gran influencia gracias a la pluralidad de géneros que trabajó en sus filmes, tocando en ellos temas esenciales de la cultura occidental, desde los locos años veinte a los liberados sesenta.

Los cineastas Claude Chabrol y Eric Rohmer fueron en esto pioneros y, a finales de los años 1950, ya ensalzaron la autoría de Hitchcok, más allá de su dominio de la técnica; según ellos, Hitchcock era «uno de los más grandes inventores de formas de toda la historia del cine».

Nominado cinco veces a mejor director, como decíamos al principio, Alfred Hitchcock no ganó ninguna de esas cinco veces. Sí ganó, sin embargo, la estatuilla a mejor película con Rebeca (Rebecca, 1940). No obstante, en 1967 y como premio de consolación, la Academia le concedió el Premio en Memoria de Irving Thalberg. 

Rebeca (1940)

Al recibir el premio, el director no dijo más que dos palabras: «gracias» (Thank you, en inglés). 

Efemérides de cine: Frenesí

El 19 de mayo de 1972 se estrenó la película británica Frenesí (Frenzy), dirigida por Alfred Hitchcock e interpretada por Jon Finch, Barry Foster, Alec McCowen, Anna Massey, Barbara Leigh-Hunt, Billie Whitelaw, Bernard Cribbins, Vivien Merchant, Jean Marsh, Michael Bates, Clive Swift. Productora: Universal Pictures. Duración: 116 minutos. 

Sinopsis argumental: Londres. En las aguas del Támesis aparece el cadáver de una mujer desnuda y estrangulada con una corbata a rayas. La mujer presenta, además, síntomas de violación y otras señales que hacen sospechar que el asesino es un maníaco sexual.
Nominaciones y premios: 4 nominaciones al Globo de Oro: Mejor drama, director, guión y música.

Comentario: Al final de su vida, Hitchcock regresó a Gran Bretaña, donde había desarrollado la primera parte de su carrera. Allí rodó esta inteligente intriga, su penúltimo trabajo, sobre un psicópata que estrangula a sus víctimas con corbatas. Basada en la novela Goodbye Piccadilly, Farewell Leicester Square de Arthur La Bern. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

“Madeleine Collins”, “El adversario”... Las dobles vidas van en aumento en el cine (II)

(cont.)

El adversario (L'adversaire, 2022), de Nicole García

Basada en una historia real, narra la historia de Jean-Marc Faure, aparentemente un marido ideal, amante perfecto, padre ejemplar e insospechado asesino.Adaptación de la novela de Emmanuel Carrère basada en la vida de Jean-Claude Romand quien asesinó a su esposa, a sus hijos y a sus padres e intentó, sin éxito, suicidarse. El 9 de enero de 1993, Jean-Claude Romand asesinó a su esposa, a sus hijos y a sus padres e intentó, sin éxito, suicidarse. Las investigaciones demostraron que el intachable y respetable Romand nunca había sido médico, como sostuvo durante 18 años, y lo que es aún más difícil de creer, no era ninguna otra cosa. Su vida entera fue una imponente construcción de fantasía y engaño, una demente fachada, que finalmente se derrumba en una explosión de violencia y desesperación cuando su descubrimiento se hace inevitable y su creador no puede mantenerlo por más tiempo. Ante la perspectiva de ser descubierto, prefirió deshacerse de todos aquellos cuya opinión era más importante para él. 

Marnie la ladrona (Marnie, 1964), de Alfred Hitchcock

Por supuesto, huye, de ciudad en ciudad, de los jefes a los que ha estafado, de las arcas que ha roto, de los cheques que ha cobrado indebidamente. El peligro acecha todo el tiempo. La prisión la está mirando todo el tiempo. Pero no puedes evitar pensar que Marnie (Tippie Hedren) está disfrutando al máximo de la vida que ha elegido. Obviamente, le gusta (Hitchcock enfatiza la sensualidad de este momento) verse rubia en el espejo frente a ella, ¡pura de nuevo! - después de haber diluido cuidadosamente su identidad pasada en agua oscura. Y es un placer que elija, entre sus muchos papeles, su nuevo nombre y apellido para la próxima estafa. A ella le gusta convertirse en esta otra, en todas estas otras. Sus muchas vidas lo atraen ... demasiadas otras... François Truffaut dijo que Marnie la ladrona es una gran película enfermiza. Es, sobre todo, una gran película dolorosa. El sexo no es placer ni satisfacción, sino dominación y violencia. El final feliz (Marnie entregó gracias a su inconsciente liberado) es un señuelo. Queda ese florecimiento de la heroína en su sucesivo yo, los miedos y los placeres que allí encuentra, a riesgo de perderse. Eso sigue siendo fascinante...

Hace 100 años: Número 13

En 1922 se realizó la película británica Número 13 (Number 13,  tambíen conocida como Mrs. Peabody), dirigida por Alfred Hitchcock e interpretada por Clare Greet, Ernest Thesiger. Productora: Gainsborough Pictures.

Sinopsis argumental: La historia trataba sobre los residentes de bajos ingresos de un edificio, financiado por The Peabody Trust, fundado por el banquero y filántropo estadounidense George Foster Peabody, para ofrecer viviendas asequibles a los londinenses necesitados.

Comentario: Una película que no llegó a estrenarse. Se cree que el material de esta película se perdió o fue destruido por los productores, ya que no se conserva ni siquiera una copia de la misma, de la que sólo se llegaron a rodar dos rollos completos. Las tomas se hicieron en el estudio que la productora tenía en el barrio londinense de Islington.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCIX)

Los pájaros (Alfred Hitchcock's The Birds, 1963), de  Alfred Hitchcock

Melanie, una joven rica y snob de la alta sociedad de San Francisco, conoce casualmente en una pajarería al abogado Mitch Brenner. Él, que conoce por la prensa la alocada vida de Melanie, la trata con indiferencia y se va de la tienda dejándola bastante irritada. Ella, que no está acostumbrada a que la traten así, encarga unos periquitos y se presenta en la casa de la madre de Mitch, en Bodega Bay. En cuanto llega, los pájaros, enloquecidos, empiezan a atacar salvajemente a los habitantes del lugar. La situación se agrava a medida que avanzan las horas. Esta fue la segunda vez (tras Rebeca) que Hitchcock escogió una novela de Daphne du Maurier como base de una de sus películas. Uno de los evidentes aciertos de la cinta es hacer creíble su inverosímil historia, debido, en parte, a la sólida actuación de la debutante Tippi Hedren, con quien Hitchcock repetiría al año siguiente en Marnie, la ladrona. Y es que, a diferencia de otros de sus películas, donde el peso de la acción recae sobre un valiente varón y las mujeres quedan reducidas a meros elementos decorativos, aquí el director cargó las tintas en la heroína, que esconde un carácter mucho más complejo que de costumbre. El resto del mérito, claro, fue del irrepetible Hitch, quien, cuando se le preguntó cómo lograba que los pájaros que aparecen en la película hicieran lo que él quería, se limitó a asegurar: "les pagábamos bien".

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LXXXI)

Psicosis (Psycho, 1960), de Alfred Hitchcock

Marion Crane, una joven secretaria, tras cometer el robo de un dinero en su empresa, huye de la ciudad y, después de conducir durante horas, decide descansar en un pequeño y apartado motel de carretera regentado por un tímido joven llamado Norman Bates, que vive en la casa de al lado con su madre. Menospreciada en su momento, hoy en día está considerada una obra maestra del terror y un modelo de realización y planificación, sobre todo por la famosa escena de la ducha. Además, con esta película, Hitchcock inventó el cine de terror sin elementos sobrenaturales, introduciendo la figura del psicópata. Esto fue ampliamente imitado en producciones posteriores y aún hoy se nota su influencia en directores como Brian de Palma o John Carpenter. El ejemplo más extremista es el de Psycho"(1998) de Gus Van Sant, que repitió plano a plano la película de Hitchcock. La película lanzó a la fama a Anthony Perkins quien, años más tarde, dirigió, escribió y protagonizó tres secuelas de Psicosis. Hitchcock también contó con las actrices Janet Leigh y Vera Miles y con la espeluznante e inolvidable música de Bernard Herrmann.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LXXV)

Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959), de Alfred Hitchcock

Roger O. Thornhill (Cary Grant) es un ejecutivo publicitario de Nueva York al que unos espías confunden con un agente del gobierno, George Kaplan, por lo que quieren matarlo. Consigue escapar por los pelos, pero lo siguen de cerca y el gobierno no puede sacarle de la situación, porque tienen a uno de sus agentes encubiertos infiltrado entre ellos, el cual sería descubierto y asesinado por esos espías si hiciesen algo al respecto. En esta situación Thornhill conoce a una atractiva mujer, Eve Kendall (Eva Marie Saint), que le ayuda. Uno de los grandes clásicos del cine, donde se dieron cita la mayoría de los recursos que definen el cine de Alfred Hitchcock: el falso culpable, el 'mcguffin' (excusa argumental sin relevancia), la intriga, la comedia, el humor y el amor. Todo ello narrado con ese ejemplar dominio de la técnica cinematográfica que poseía el mago del suspense. Fue su proyecto más caro (costó más de cuatro millones de dólares), sobre todo porque tuvieron que reproducir el monte Rushmore en un estudio al serles negado el permiso de rodar allí. A pesar de todo, el filme fue más que rentable para el estudio, gracias a su éxito de taquilla. Cary Grant protagoniza la cinta en la que sería su cuarta y última colaboración con Hitchcock. A su lado, un buen número de brillantes actores, entre los que destacan James Mason, Martin Landau y Eva Marie Saint.  Algunas de las secuencias se recuerdan especialmente por el impacto de sus imágenes: Thornhill en un sembrado perseguido por una avioneta de fumigación, la rodada de incógnito en la sede de la ONU en Nueva York y la persecución en el Monte Rushmore.

Las mejores películas de culto de la historia del cine: (LXIX)

Vértigo (De entre los muertos) (Vertigo, 1958), de Alfred Hitchcock

Scottie Fergusson (James Stewart) es un detective de la policía de San Francisco que padece de vértigo. Cuando un compañero cae al vacío desde una cornisa mientras persiguen a un delincuente, Scottie decide retirarse. Gavin Elster (Tom Helmore), un viejo amigo del colegio, lo contrata para un caso aparentemente muy simple: que vigile a su esposa Madeleine (Kim Novak), una bella mujer que está obsesionada con su pasado. Vértigo es una obra maestra del cine, que incluye uno de los descubrimientos técnicos más importantes y más imitados en la historia del cine: el travelling compensado (dolly zoom). Esta práctica consiste en alejar o acercar la cámara mientras se aumenta o disminuye el zoom para que el sujeto permanezca del mismo tamaño, provocando una distorsión visual que emula los mareos del protagonista. La famosa escena de las escaleras, donde se utiliza esta técnica, costó 19.000 dólares por tan sólo unos segundos de metraje.  Encabezan el reparto James Stewart y Kim Novak, en un papel que inicialmente debía corresponder a Vera Miles. Esta, sin embargo, al quedar embarazada, renunció. En 2012 fue declarada la mejor película de la historia. Sin embargo, en 1959 sólo estuvo nominada a dos premios Oscar, mejor dirección artística y mejor sonido.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XLVIII)

Crimen perfecto (Dial M for Murder, 1954), de Alfred Hitchcock

Tony Wendice (Ray Milland), un frío y calculador tenista retirado, planea asesinar a su bella y rica esposa (Grace Kelly) porque sospecha que le es infiel, pero sobre todo porque desea heredar su gran fortuna. Para llevar a cabo su plan, chantajea a un antiguo compañero de universidad y lo convence para que, en su ausencia, entre en la casa y mate a su mujer. Una de las películas más famosas de Alfred Hitchcock, basada en una obra de teatro de Frederick Knott. En esta ocasión, el mago del suspense utilizó una estructura de un espacio casi único, de manera parecida a la usada en La soga o en Náufragos. En Crimen perfecto aparecen, además, muchos de los temas recurrentes de Hitchcock. Uno de ellos (quizás el más importante) es el del falso culpable, que el director plantea en la mayor parte de su filmografía, como Los 39 escalones, Yo confieso, Extraños en un tren o Con la muerte en los talones. También fue la primera película en la que Hitchcock contó con Grace Kelly, la rubia más famosa de su filmografía. Tras esta película, el cineasta volvería a utilizarla en La ventana indiscreta y Atrapa a un ladrón.  

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XXXVIII)

Extraños en un tren (Strangers on a Train, 1951), de Alfred Hitchcock

El desquiciado Bruno Anthony conoce a un famoso tenista, Guy Haines, en un vagón de tren. Guy quiere casarse con la hija de un senador, pero no puede porque espera que su esposa le conceda el divorcio. Bruno quiere matar a su madre, pero sabe que si lo hace será atrapado por la policía porque tiene un motivo para hacerlo. Entonces, urde un escabroso plan por medio del cual ambos intercambian asesinatos. Guy cree que todo es un juego, pero Bruno lo toma en serio y se propone llevar a cabo sus planes. Adaptada de una famosa novela de Patricia Highsmith, Extraños en un tren es uno de las clásicas películas de suspense de Hitchcock, que forma parte de su etapa estadounidense. Un período en el que se creó el mito del director como el mago del suspense. La cinta trata un tema recurrente de algunos de sus trabajos: el del hombre perseguido por una falsa acusación, que aparece en Falso culpable, Con la muerte en los talones o El hombre que sabía demasiado. La película fue premiada con un Oscar a la mejor fotografía en blanco y negro, en 1952, así como el Sindicato de Directores (DGA) la nominó  a mejor director y el National Board of Review la incluyo en el Top de las 10 mejores películas de ese año. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XXII)

Rebeca (Rebecca, 1940), de Alfred Hitchcock

Fiel adaptación de la novela homónima de Daphne du Maurier -publicada solo un par de años antes-, en 1938, que conserva la tenebrosidad y el dramatismo del libro en el que se basa. Hitchcock le agrega su importante cuota característica de suspense. Fue la primera producción estadounidense de Alfred Hitchcock, que la dirigió con asombroso aplomo y con una comprensión excepcional del tono esencial de la novela, sin dejar por ello de imprimir su huella personal a la hora de regalar dosis de suspense.

Seguramente sea una de las películas que menos definan a Hitchcock como director. Destacan las impresionantes interpretaciones de Laurence Olivier, Joan Fontaine y Judith Anderson -como la retorcida ama de llaves-, todos ellos candidatos al Oscar. La película obtuvo las estatuillas a la mejor película y mejor fotografía en blanco y negro. Además, tuvo otras nueve nominaciones.

Una curiosidad: A partir del éxito de la película, en España comenzó a denominarse Rebeca al estilo de chaqueta que utiliza la actriz Joan Fontaine a lo largo de la película –aunque en realidad Rebeca es la primera esposa, y Joan Fontaine encarna a la segunda–. De hecho, más adelante el término sería incluido en el Diccionario de la Real Academia Española. 

Efeméride de cine: Topaz

El 17 de diciembre de 1969 se estrenó la película estadounidense Topaz,  dirigida por Alfred Hitchcock e interpretada por Frederick Stafford, John Forsythe, Dany Robin, John Vernon, Karin Dor, Michel Piccoli, Philippe Noiret, Claude Jade, Michel Subor, Per-Axel Arosenius, Roscoe Lee Browne, Edmon Ryan, Sonja Kolthoff, Tina Hedström, John Van Dreelen, Donald Randolph. Productora: Universal Pictures. Duración: 127 minutos. 

Sinopsis argumental: Mientras se encuentran de "viaje turístico" en Copenhague, Boris Kusenov, su esposa e hija, de origen ruso, deciden buscar ayuda de la embajada estadounidense para exiliarse en este país. Sabido que Kusenov es un alto oficial ruso, los servicios de inteligencia le cobrarán, luego, el favor haciéndole confesar todo lo que sabe acerca de unos supuestos misiles de la Unión Soviética en Cuba y sobre el significado de la palabra Topaz en esta situación. Para aclarar el embrollo, se tendrá que contratar al agente francés, André Devereaux (Frederick Stafford) quien tiene relaciones muy cercanas en Cuba.

Nominaciones y premios: National Board of Review: Mejor director. 

Comentario: La película está basada en la novela homónima escrita por Leon Uris y publicada en 1967 por McGraw-Hill. Cuando se estrenó, la película no fue un éxito. Su anticomunismo fue juzgado de demasiado corto alcance y además Fidel Castro era en los años 1960 ídolo para muchos en Occidente. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.