Efemérides de cine: Taxi Driver

El 8 de febrero de 1976 se estrenó la película estadounidense Taxi Driver, dirigida por Martin Scorsese e interpretada por Robert De Niro, Jodie Foster, Harvey Keitel, Cybill Shepherd, Peter Boyle, Frank Adu, Albert Brooks, Leonard Harris, Norman Matlock. Productora:  Columbia Pictures. Duración: 113 minutos. 

Sinopsis argumental: Travis Bickle, ex marine que ha regresado de la guerra de Vietnam, es un tipo marginal y desarraigado, que sufre graves problemas de insomnio. Acaba ejerciendo el turno de noche en una compañía de taxis. En su taxi atraviesa las peores zonas de la ciudad, y recoge a yonquis, prostitutas, personajes deprimidos, que le hacen darse cuenta de que vive en una sociedad amoral y putrefacta. Un día lleva en su taxi a una atractiva mujer, Betsy, de la que se enamora. Betsy trabaja en la campaña electoral de un destacado político. Aunque consigue que ella acepte una cita, ambos son tan incompatibles que Betsy acaba huyendo de él. Bickle también se encuentra con Iris, una prostituta adolescente tiranizada por su chulo. Aunque ella asegura que no quiere cambiar de vida, Bickle llega a la conclusión de que encontrará su propia redención si libera a la muchacha.

Nominaciones y premios: Premios Oscar: nominada mejor película, actor (De Niro), secundaria (Foster) y música; Festival de Cannes: Palma de Oro - mejor película; Globos de Oro: nominada a actor en drama (De Niro) y guión; remios BAFTA: Mejor actriz secundaria. (Foster), actriz revelación (Foster) y música. 7 nominaciones:; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (De Niro). 4 nominaciones; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actor, banda sonora y Premio Nueva generación. 

Comentario: Una de las grandes películas de los años 1970, y la mejor tarjeta de presentación del cineasta Martin Scorsese, que en su cuarto trabajo partió de un guión de Paul Schrader. Al parecer, éste pasaba por uno de los peores momentos de su vida, al estar divorciándose de su mujer, por lo que algunos de los problemas de soledad del protagonista están sacados de su propia experiencia personal. Schrader asegura que escribió el guión de un tirón, en pocos días y que apenas hubo que realizar cambios finales. En uno de sus trabajos más estudiados en las escuelas de cine, Scorsese supo retratar la soledad del hombre moderno en las gigantescas urbes que sirven de germen a todo tipo de corrupciones. Recorre temas que están presentes en toda su filmografía, como la génesis de la violencia, los prejuicios y el rechazo social. El cineasta se luce con una utilización modélica de la voz en off del protagonista, unas dinámicas secuencias de éste recorriendo las calles, y sobrecogedores planos que muestran una violencia descarnada y terrible. Además, supo aprovechar la excelente partitura de Bernard Herrmann, habitual compositor de Hitchcock, que murió antes de poder ver el resultado de su trabajo. Robert De Niro se consagró definitivamente con esta película. Pero su interpretación de Travis Bickle le supuso mucho trabajo. Al parecer, llegó a ejercer de taxista para preparar el papel, y se documentó exhaustivamente sobre psicopatías y distintas enfermedades mentales, para saber cuáles podrían afectar a sus personaje. Harvey Keitel, que por entonces era el gran rival de De Niro se juntó con grupos de chulos neoyorquinos, para preparar su papel. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides. de cine: Alicia ya no vive aquí

El 9 de diciembre de 1974 se estrenó la película estadounidense Alicia ya no vive aquí (Alice Doesn't Live Here Anymore), dirigida por Martin Scorsese e interpretada por Ellen Burstyn, Alfred Lutter III, Kris Kristofferson, Diane Ladd, Harvey Keitel, Billy Green Bush, Lelia Goldoni, Jodie Foster, Lane Bradbury. Productora: Warner Bros. Duración: 113 minutos. 

Sinopsis argumental: Alice Hyatt, casada con un repartidor y madre de un rebelde hijo de once años, lleva una vida mediocre en Socorro (Nuevo México). Un día, conversando con su confidente y vecina, recibe la noticia de que su marido ha fallecido en un accidente de tráfico. A partir de ese instante se plantea cambiar totalmente de vida y, tras vender sus escasas pertenencias, ella y su hijo se dirigen a Monterrey (California), su ciudad natal y el único lugar donde Alice cree que podrá hacer realidad el sueño de su vida: cantar. 

Nominaciones y premios: Oscar: Mejor actriz (Burstyn). Nominada a actriz secundaria (Ladd) y guion original; 2 nominaciones al Globo de Oro: Actriz (Burstyn), actriz secundaria (Ladd); Premios BAFTA: Mejor película, actriz (Burstyn), guion y actriz secundaria (Ladd). 7 nominaciones; Círculo de Críticos de Nueva York: 2 nominaciones, incluida mejor actriz (Burstyn); Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion original drama; Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película). 

Comentario: Primer trabajo de cierta entidad en Hollywood de Martin Scorsese, alejado de los ambientes barriobajeros y gangsteriles que el cineasta conoció de primera mano, pero al mismo tiempo pegado a esos mismos tipos humanos populares, pues pinta bien el ambiente de carretera, los moteles y cafeterías, el mundo de camareras desbordadas. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Cumplió 25 años: Al límite

El 22 de octubre de 1999 se estrenó la película estadounidense Al límite (Bringing Out the Dead), dirigida por Martin Scorsese e interpretada por Nicolas Cage, Patricia Arquette, John Goodman, Ving Rhames, Tom Sizemore, Marc Anthony, Mary Beth Hurt, Cliff Curtis, Aida Turturro, Phyllis Somerville, Arthur J. Nascarella, Bronson Dudley, Michael Kenneth Williams, Queen Latifah, Martin Scorsese. Productora: Touchstone Pictures. Duración: 121 minutos.

Sinopsis argumental: Frank Pierce (Nicolas Cage), un empleado del servicio nocturno de ambulancias de Nueva York, está quemado por el estrés, la soledad y la dureza de su trabajo, pues se pasa las noches recogiendo todo tipo de enfermos, accidentados y moribundos. Como consecuencia de ello empieza a sufrir alucinaciones en las que se le aparecen las personas a las que no pudo salvar. Intentando redimirse, Frank se obsesiona con la idea de salvar aunque sólo sea una vida. 

Nominaciones y premios: Satellite Awards: Nominada a mejor actor de reparto - Comedia o Musical (Ving Rhames). 

Comentario: El valor técnico de las imágenes nocturnas de la Gran Manzana, tomadas desde la ambulancia con distintas cámaras y velocidades, es sin duda grande, y quizá se haya abierto brecha para futuras películas donde los vehículos de cuatro ruedas sean protagonistas. 

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26. Casino (1995)

Las Vegas, 1973. Sam "Ace" Rothstein, un profesional de las apuestas, es el eficaz director de un importante casino que pertenece a un grupo de mafiosos. Su misión es controlar el funcionamiento del negocio y garantizar que la corriente de dinero que va a parar a manos de sus jefes siga fluyendo. Las Vegas es un lugar ideal para millonarios y políticos, pero es también lugar de paso de tahúres, prestamistas, traficantes de drogas y matones. Un día el violento Nicky Santoro, al que sus jefes han encargado que cuide de Sam, llega a Las Vegas con la intención de quedarse. Una película de gánsteres dirigido por Martin Scorsese, con guion coescrito por el propio director y por Nicholas Pileggi (que ya ganó un Óscar por el guion de Uno de los nuestros). El interés de la película reside, sobre todo, en la deslumbrante técnica cinematográfica que pone en práctica Scorsese a la hora de contar la historia. Sharon Stone, que convenció al director para que le diera a ella y no a Madonna el papel de novia de De Niro, logró candidatura por su interpretación de mujer ambiciosa y decadente. Por su parte, De Niro (cuyo personaje está inspirado en la vida del jefe de casinos Frank Lefty Rosenthal) y Pesci ofrecen interpretaciones tremendamente sólidas, aunque el personaje de este último recuerde excesivamente al que ya interpretara en Uno de los nuestros.

27. Uno de los nuestros (Goodfellas, 1990)

Implacable cuadro del tortuoso e inmoral mundo de la mafia, pasado por el tamiz cínico de Ray Liotta, un inolvidable narrador. “Que yo recuerde, siempre quise ser un gángster”. Ésta es la frase evocadora con que arranca la crónica de Henry Hill, que expone con voz en off su fascinación por el mundo gangsteril, desde su adolescencia, en que es un espectador pasivo, hasta que se involucra en dudosas actividades. Martin Scorsese nunca logró dibujar mejor el mundo de la mafia, aprovechando el toque cínico del protagonista, que no duda en venderse para asegurar su supervivencia. La película se basa en el libro de Nicholas Pileggi, que él mismo convirtió en guión, y que cuenta el caso real de Henry Hill (quien, por cierto, acompaña a Scorsese en el audiocomentario del DVD). Joe Pesci se llevó un Oscar por su personaje de sádico asesino, que marcó su carrera posterior. El virtuosismo de Scorsese puede verse en el largo travelling del restaurante.

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21. El lobo de Wall Street (The Wolf of Wall Street, 2013)

La trayectoria real del corredor de bolsa Jordan Belfort, desde sus inicios como principiante en Wall Street, cuando está casado con una sencilla peluquera, hasta el momento en que alcanza la cúspide del poder, la riqueza y el placer, al precio de una vida desquiciada y sin principios, y del acoso del FBI. Enseguida su entrada en el mundo profesional supone una inmersión en la depravación moral, a partir de las lecciones que le imparten sus superiores sobre su trabajo y los -a su entender-, necesarios hábitos sexuales y de consumo de drogas para no perder el paso en la vertiginosa actividad de compraventa de acciones. Lo que parece un bache en su andadura laboral se convertirá en la construcción de un imperio gracias a la venta de activos de muy dudoso valor, primero a incautos paletos, luego a gente adinerada que puede permitirse el lujo de perder dinero. Martin Scorsese adapta las memorias de Belfort, convertidas en guión por Terence Winter, uno de los responsables de la gangsteril serie televisiva Los Soprano, que colaboró luego con el italoamericano en Boardwalk Empire, también centrada en el mundo criminal y de los políticos corruptos.

22. El último vals (The Last Waltz, 1978) 

El último vals es un film documental dirigido por Martín Scorsese durante el concierto de despedida de The Band. Scorsese en ese momento ya era un director de prestigio, venía de haber dirigido 6 films (entre ellos Taxi Driver en 1976) que lo habían convertido en uno de los directores más interesantes y prometedores del momento. Y como no podía ser menos, en un film documental sobre algo que amaba y conocía, su talento vuelve a brillar. Scorsese no quería realizar un simple documental sobre una de las bandas más influyentes del panorama rock americano de los 70 sino, como buen cineasta, pretendía algo más. Si lo que pretendía era testimoniar una época, un estilo de hacer música, transmitirnos su amor hacia ese forma de “vida” y hacernos partícipes de ello, creo que lo consigue. A través El último vals se nos trasmite buen rollo, se nos transite diversión, se nos transmite amor por el rock y se nos muestra a nuestros “héroes” rockeros como seres sencillos y humanos, que disfrutan haciendo su música y que saben cuando ha llegado el momento de bajarse del autocar. El rockero no es en este caso un ser superior al que hay que mostrar con planos picados para aumentar sus “dimensiones”, aquí el “artista” se nos muestra en primer plano, y el espectador es el que decide que le transmiten esos primeros planos. Interesa el artista, pero interesa la persona, interesa ver la sonrisa de Robbie Robertson, interesa ver los gestos de Bod Dylan cuando en el pasaje final del show se incorpora al escenario y sin grandes aspavientos sonríe a sus excompañeros y comienza a rockear, interesa ver a Neil Young, con la armónica bajo sus greñas, acústica en mano, agradecer a la banda el poder tocar con ellos esa noche. En definitiva, a través de los gestos, interesa ver si son “auténticos” o no, si disfrutan en un escenario, si sienten la música o no. Y difícilmente la respuesta del espectador puede ser otra que un rotundo sí.

23. Infiltrados (The Departed, 2006) 

Cuatro años después de que Wai Keung Lau y Siu Fai Mak sorprendieran con el magnífico thriller hongkonita Juego sucio (2002), Martin Scorsese entrega un brillante remake. Ciertamente la historia le viene al pelo, como le hizo ver un avispado Leonardo DiCaprio, transformado en actor fetiche del cineasta –antes hicieron juntos Gangs of New York y El aviador–, heredero del Robert De Niro de antaño, y quien además le puso sobre la pista de la película. El guión de William Monahan sigue con fidelidad el original, aunque se aprovecha la coyuntura para introducir algunos nuevos elementos –el triángulo amoroso de los dos topos con la misma mujer, una psiquiatra, o alguna otra vuelta de tuerca en el desenlace– y enriquecer los diálogos. Se mantiene el tema de fondo de la esquizofrenia que supone mantener una doble vida presidida por la mentira y, por supuesto, el director ‘scorsesiza’ la película, lo que significa una inaudita violencia, un lenguaje altamente procaz, y algunos elementos irreverentes hacia el catolicismo completamente innecesarios. La película conserva un ritmo endiablado, Scorsese vuelve a demostrar que es un director de increíble fuerza visual. Acierta además con un reparto de primera, en el que nadie desentona. Leonardo DiCaprio se convierte en un serio candidato al Oscar, y en que actores como el otras veces inexpresivo Mark Wahlberg, el ‘presidente’ Martin Sheen, o la desconocida Vera Farmiga brillan con luz propia.

24. Taxi Driver (1976)

Una de las grandes películas de los años 1970, y la mejor tarjeta de presentación del cineasta Martin Scorsese, que en su cuarto trabajo partió de un guión de Paul Schrader. Al parecer, éste pasaba por uno de los peores momentos de su vida, al estar divorciándose de su mujer, por lo que algunos de los problemas de soledad del protagonista están sacados de su propia experiencia personal. Schrader asegura que escribió el guión de un tirón, en pocos días y que apenas hubo que realizar cambios finales. En uno de sus trabajos más estudiados en las escuelas de cine, Scorsese supo retratar la soledad del hombre moderno en las gigantescas urbes que sirven de germen a todo tipo de corrupciones. Recorre temas que están presentes en toda su filmografía, como la génesis de la violencia, los prejuicios y el rechazo social. El cineasta se luce con una utilización modélica de la voz en off del protagonista, unas dinámicas secuencias de éste recorriendo las calles, y sobrecogedores planos que muestran una violencia descarnada y terrible. Además, supo aprovechar la excelente partitura de Bernard Herrmann, habitual compositor de Hitchcock, que murió antes de poder ver el resultado de su trabajo. 

25. Toro salvaje (Raging Bull, 1980)

Robert De Niro se enfunda los guantes de boxeo en una película dura y sobrecogedora. La biografía del boxeador Jake La Motta da argumento para una de las películas más intensas del tándem Scorsese-De Niro.Más allá de una  historia sobre un púgil, Toro salvaje es un descarnado retrato de un ser angustiado por sus complejos, de los que, sólo subido a un ring, puede liberarse. Es también una historia de redención, de amor y odio y del duro camino hacia el éxito y el fracaso. Todo envuelto en escenas de gran realismo y en una evocadora atmósfera en blanco y negro. La portentosa interpretación de Robert De Niro le valió su segundo Oscar. Toro salvaje es considerada uno de las mejores películas de la historia del cine estadounidense​ y ha sido elegida en varias listas, como, por ejemplo, en la de las 100 mejores películas por el American Film Institute, donde ocupó el número 24 en la selección original de 1998 realizada por 1500 cineastas con ocasión del centenario del cine,​ el 4 en la actualizada diez años después (2007)​ y el primero entre las de deportes. En 1990, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry. 

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11. La invención de Hugo (Hugo Cabret, 2011)

París, tras la Primera Guerra Mundial. El pequeño Hugo Cabret, que ha heredado de su padre el gusto por los inventos, se ha quedado huérfano. Y tras desaparecer su viejo tío borrachín, que se ocupaba del mantenimiento del reloj de la estación de tren, vive solo en la torre, junto a la complicada maquinaria que ayuda a marcar las horas, sin que nadie lo sepa. Toda su ilusión es poner en marcha un autómata que andaba reparando su padre, y que cree que le ayudará a dar un sentido a su vida. Le ayudará Isabelle, que siempre ha deseado vivir una ventura, y se encuentra bajo la tutela de sus padrinos Georges y Jeanne. El viejo Georges regenta una tienda de juguetes mecánicos, de la que de vez en cuando Hugo birla piezas, y está amargado por algún suceso indeterminado del pasado.  Imaginativa adaptación de un libro infantil de Brian Selznick -pariente del mítico productor David O. Selznick-, con guión de John Logan, que ya había colaborado con Martin Scorsese en El aviador. Scorsese asume con La invención de Hugo el reto de rodar una película en 3D, y lo hace con brillantez, sacando todo el partido al formato, de modo que la deslumbrante imaginería. 

12. El color del dinero (The Color of Money, 1986)

Eddie fue en otro tiempo un campeón de billar pero ahora está retirado de todo eso y se dedica a negociar con licores. Un día conoce a Vincent, un joven jugador que busca un oponente para otra de sus partidas en las que suele apostar. Secuela de El buscavidas (The Hustler, 1961), con la dirección de Robert Rosen, también protagonizada por Paul Newman. La película de Scorsese cuenta con un buen guión, una buena puesta en escena y el elenco apropiado donde, aparte de Newman, aparece un joven Tom Cruise que empezaba a despuntar en el panorama cinematográfico tras Top Gun. Ídolos del aire. Tras siete candidaturas infructuosas, Paul Newman ganó por fin el Oscar al mejor actor gracias a su trabajo en la película que nos ocupa. Dicen las malas lenguas que la academia estadounidense se lo entregó, justo un año después de que el eterno galán de los ojos azules hubiera recibido un galardón honorífico, llevados por el sentimiento de culpa de que uno de los grandes de la historia de Hollywood hubiera sido obviado en tantas ocasiones. Y tres nominaciones en las categorías de mejor actriz secundaria (Mastrantonio), mejor ambientación y mejor guión (Richard Price). Cuando su precuela se estrenó en 1961 las ventas de billares se multiplicaros y esta mesa se convirtió en uno de los pasatiempos favoritos de los estadounindenses. Curiosamente, algo similar pasó en 1986, tras pasar por cartelera El color del dinero. Magnífica e imprescindible.

13. La edad de la inocencia (The Age of Innocence, 1993)

La escritora Edith Wharton llevó a cabo en su novela La edad de la inocencia una notable radiografía de la alta sociedad de la Nueva York de principios de siglo, que Scorsese trasladó a la pantalla. El cineasta –que coescribe el guión con Jay Cocks– fue exquisitamente fiel al espíritu de la novela. Del italoamericano podía haberse esperado otra vuelta de tuerca a sus demonios personales, aprovechando una historia que habla de sentimientos reprimidos. En cambio se pone al servicio de la misma con esmero, convirtiendo una mirada, un silencio, un gesto, unas palabras sin aparente contenido, en momentos harto expresivos de un Acierto pleno hay en la dirección artística de Dante Ferreti, en la fotografía de Michael Ballhaus, en la música de Elmer Bernstein, que dan el perfecto empaque visual y de ambientación a la historia. En éste Scorsese reconoce la influencia de Wyler (La heredera), Ophüls (Madame de...) y Visconti (El gatopardo). Luego están los actores –Day-Lewis, Pfeiffer, Ryder–, que se han metido de lleno en sus personajes, convirtiendo algunos de los momentos de la película en memorables. La última conversación entre Newland y May es sencillamente de quitarse el sombrero. social a veces hipócrita, defensor a ultranza de unos valores y unas apariencias. 

14. La última tentación de Cristo (The Last Temptation of Christ, 1988)

Este largometraje de Martin Scorsese, una narración de la vida de Jesús muy particular, teología-ficción podríamos llamarla, resultó altamente polémico, y logró molestar a creyentes cristianos de todo el mundo, debido a que se trata de una versión que no se corresponde con los hechos históricos narrados en los Evangelios; algo que el director se vio obligado a reconocer expresamente en un "disclaimer" al principio de la película. El director italoamericano adapta una novela de Nikos Kazantzakis que presenta a un Cristo con dudas, poca cosa, incapaz de asumir que Él es Dios. Ideas como la de que Jesús fabrica en su taller de carpintero las cruces que usan los romanos en sus crucifixiones resultan, como mínimo, grotescas. Mientras que la "última tentación" a que alude al título, la de llevar una vida "normal", casado, con varias mujeres e hijos, renunciando a su misión, suena a juego malabar, fallido intento de cortas miras que quiere mostrar cómo puede ser un hombre que no se atreve a asumir que es Dios. Y se entiende que las imágenes que sugieren una relación carnal molesten. Por otra parte, el director quiere ser "original" inventando una curiosa iconografía de la crucifixión y la corona de espinas bastante chocante y repulsiva.

15. El rey de la comedia (The King of Comedy, 1982)

Rupert Pumpkin, un cómico desconocido, insiste con pesadez a Jerry Langford, un famoso showman televisivo, para que le deje un espacio en su programa donde realizar su número de humor. Tras sacarle de un apuro en un momento de acoso de sus fanas, Langford acepta echar un vistazo al número, pero luego comienza a darle largas, escudándose en la muralla de secretarias y colaboradores. Pero Rupert no se dará por vencido en su camino por conseguir llegar a ser el rey de la comedia, tomando una medida drástica con efectos inesperados. Contundente y agridulce sátira sobre lo que se esconde tras las bambalinas de los programas de humor, que incluye dardos hacia las masas acríticas, que aúpan a la popularidad a las estrellas, o las condenan al ostracismo, con frecuencia caprichosamente. Jerry Lewis, que parecía hacer de sí mismo, es el paciente productor y Robert De Niro, que tan bien se le da el drama como la comedia, el aspirante a cómico. Dirige el maestro Martin Scorsese., que introduce escenas del protagonista Pumpkin fantaseando, en que resulta difícil distinguir de la realidad, opción arriesgada, pero que sirve para incidir en las alienaciones que conforman nuestra vida real. Aunque irregular rítmicamente, contiene algunos momentos memorables, especialmente en el último tramo del número televisado, muy divertido, también por las dosis de realidad que contienen las bromas.

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¿Cuál es la mejor película de Martin Scorsese? Nuestro ranking completo, de peor a mejor (IV)

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16. Jo, ¡qué noche! (After Hours, 1985)

Paul, un empleado de una compañía informática, conoce a Marcy en una cafetería. Al finalizar la jornada, recibe una llamada de ella en la que le invita a ir a su casa. A partir de ese momento, Paul se verá envuelto en una serie de extrañas circunstancias que le llevarán a los peores barrios de Nueva York. Comedia sofisticada, de ritmo trepidante y llena de humor negro con la que Martin Scorsese ganó el premio al mejor director en el festival de Cannes. El cineasta quiso ironizar sobre las grandes obsesiones de la sociedad estadounidense. Para ello, se basó en un guion de Joseph Minion, un estudiante de la Universidad de Columbia que escribió la trama para un trabajo de clase. Planteada como una obra menor por su autor, Martin Scorsese, lo cierto es que se trata de un divertido homenaje a la "screwball comedy" de los años 1930, con numerosas situaciones kafkianas y momentos cómicos. Desde luego es un film muy singular dentro de la filmografía del director neoyorquino. El actor Griffin Dunne estuvo espectacular en su papel de hombre solitario, desbordado por una cadena de situaciones peligrosas e imprevisibles. Cuentan que el director le prohibió el sexo y el dormir bien para acrecentar aun más el sentimiento de ansiedad del personaje.

17. El irlandés (The Irishman, 2019)

Frank Sheeran (Robert De Niro), más conocido como El irlandés, es un asesino a sueldo de la mafia al que se le atribuyen más de 25 asesinatos relacionados con el hampa. Al final de su vida, Sheeran afirmó haber estado involucrado en el asesinato de Jimmy Hoffa (Al Pacino), el poderoso jefe del sindicato de camioneros. Hoffa desapareció el 30 de julio 1975 y no fue declarado legalmente muerto hasta el 30 de julio de 1982. Su asesinato aún sigue siendo una incógnita y es uno de los misterios sin resolver más famosos en la historia de EE.UU. La historia del gangsterismo alrededor del IBT, el sindicato de transportes más importante en Estados Unidos, contada desde el punto de vista de Frank Sheeran con amplio lienzo. Este personaje de origen irlandés, reconoció poco antes de morir en 2003 a Charles Brandt –autor del libro Heard You Paint Houses, en que se basa la película– haber asesinado al misteriosamente desaparecido desde 1975 Jimmy Hoffa, presidente del IBT. Martin Scorsese demuestra encontrarse en plena forma creativa, y se nos presenta como auténtico “superhéroe” del cine de personajes y tramas de entidad, dotado de unos “poderes” en la línea de sus dos mejores películas gangsteriles, Uno de los nuestros (1990) y Casino (1995), pero quizá más sabio por más experimentado, los años cuentan. Su película, producida por Netflix, pero con otros pesos pesados como el propio Robert De Niro y el veterano Irwin Winkler, conocerá un estreno limitado en salas de cine, concesión a los cinéfilos y al propio director, pero, los tiempos mandan, su difusión masiva toca en la plataforma de streaming. Esta película biográfica en torno a la mafia basado en hechos reales.

18. El cabo del miedo (Cape Fear, 1991)

Sam Bowden (Nick Nolte) y su mujer Leigh (Jessica Lange) son un matrimonio feliz. Tienen una hija maravillosa de 15 años llamada Danielle y acaban de trasladarse a una bonita casa en una ciudad tranquila. Sam es un abogado de prestigio mientras que su mujer se dedica al diseño gráfico. Pero sus vidas tranquilas van a verse azotadas inesperadamente por Max Cady (Robert De Niro), quien acaba de salir de la cárcel, donde ha permanecido 14 años acusado de apalear y violar a una niña. Durante su tiempo de prisión ha estudiado leyes y ha llegado a la conclusión de que la culpa de su condena la tuvo el abogado, que era Sam Bowden. Max está decidido a hacerle pagar su error y va a dedicar cada minuto de su libertad a aterrorizar a los Bowden y convertir su vida en un infierno. Revisión de la película homónima rodada por J. Lee Thompson en 1962. A diferencia de la versión original, en este largometraje Martin Scorsese se empeña en dar más relevancia a los perfiles psicológicos de los personajes. También añade un componente sexual, ausente en la cinta de Thompson, entre el psicópata y la hija del abogado, interpretada por Juliette Lewis. Entre lo mejor de la película está la estupenda caracterización del personaje que interpreta De Niro con el cuerpo tatuado y una dentadura prominente. Además, su trabajó le reportó una candidatura para los premios Oscar, igual que a Juliette Lewis, que fue propuesta para la estatuilla a la mejor actriz secundaria. Merecen especial atención también los 'cameos' de los protagonistas de la primera versión: Robert Mitchum, Gregory Peck y Martin Balsam.

19. Los asesinos de la luna (Killers of the Flower Moon, 2023)

Un golpe de fortuna hace ricos a los nativos americanos de la nación Osage, trasladados a una reserva india en Oklahoma. Sus tierras encierran en el subsuelo oro negro, y les ha convertido en millonarios de la noche a la mañana. Aunque comienzan a sucederse con sospechosa frecuencia la muerte de algunos de estos nativos, sin que las autoridades se esfuercen en investigar demasiado. El joven algo garrulo Ernest Burkhart vuelve a Estados Unidos tras combatir en Europa en la Primera Guerra Mundial, dispuesto a trabajar a las órdenes de su tío William Hale, dueño de un rancho y amo del lugar. Como no es precisamente un intelectual, le procura empleo como chófer taxista, y comienza a llevar con frecuencia a la hermosa india rica Molly; se sentirá atraído por ella, y su tío no verá con malos ojos que la relación prospere incluso en matrimonio, pues atraería para la familia sus tierras con petróleo. Adaptación del libro de no ficción de David Grann, sobre la misteriosa “epidemia” de muertes entre los nativos a lo largo de dos décadas, poniendo el acento en cómo afecta la situación a cuatro hermanas y su madre, en la relación laboral y de parentesco entre Ernest y William, y el matrimonio del primero, del que nacen varios niños. Tiene menos peso el agente del recién nacido FBI Tom White, que acaba investigando los hechos tras ser requerido el mismísimo presidente de Estados Unidos en Washington.

20. Shutter Island (2010)

Inteligente adaptación de la novela de Dennis Lehane a cargo de Martin Scorsese,  que maneja un buen guión de Laeta Kalogridis. El título de la filmografía de Marty que más se parece al que nos ocupa tal vez sea El cabo del miedo, pero por fortuna Shutter Island es muy superior. El director italoamericano sabe crear desde el primer momento un ambiente opresivo muy adecuado, a lo que ayudan mucho esos cielos encapotados que anuncian tormenta y los sonidos de la partitura musical. De modo que se desarrollan bien, dentro de una atmósfera gótica con elementos de terror y cine negro, las dudas de dónde radican los límites de locura y cordura que proporcionan nuestros traumas y construcciones mentales, del alcance que puede tener una conspiración de proporciones colosales, del tratamiento que necesita una mente enferma. Hay sorpresas narrativas que no es cuestión de desvelar, preparadas sin trampa ni cartón, y los personajes son sólidos, no hay villanos de opereta ni héroes sin fisuras. Aunque puedan venir a la cabeza enseguida títulos inolvidables de manicomios, como Alguien voló sobre el nido del cuco, el cinéfilo Scorsese menciona otras referencias clásicas que le han guiado en su notable película: El gabinete del doctor Caligari, Laura, Retorno al pasado, El proceso... Sin duda que son influencias que están ahí, aunque también se podrían mencionar títulos de Alfred Hitchcock como Recuerda y De entre los muertos (Vértigo). Se trata de la cuarta ocasión en que trabajan juntos Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio. 

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¿Cuál es la mejor película de Martin Scorsese? Nuestro ranking completo, de peor a mejor (II)

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6. Silencio (Silence, 2016)

Inspirada adaptación de la novela de Shusaku Endo a cargo de Martin Scorsese, quien firma el guión con su habitual colaborador Jay Cocks, algo poco habitual, no asumía este rol en un largometraje desde 1995 con Casino. Más allá de trastear aquí en la polémica despertada por ese film, resulta obligado señalar que en Silencio encontramos una visión más trabajada y honda del cristianismo, Scorsese ha interiorizado los temas propuestos por una novela difícil y oscura, pero también esperanzada, que aborda la idea de predicar el evangelio y no ser entendidos por personas de distinto bagaje cultural, con esquemas mentales muy diversos, esa “ciénaga de Japón”, donde las raíces de lo plantado se pudren. Y en su nueva madurez, 74 primaveras cuenta el cineasta, parece haberse visto retratado en los misioneros que a veces no logran hacerse entender, algo que a él también le habría ocurrido con su modo de abordar la figura de Cristo hace casi 30 años. Sorprende la fidelidad de Scorsese a Endo, que pinta con acierto la sencillez de los campesinos y su fe elemental y recia, que les lleva a confiarse a los “padres”. También el tremendo dilema de rechazar la fe por las torturas con que amenazan los perseguidores, que afecta tanto a los nativos como a los misioneros. En el caso de los segundos la tentación es más cruel y con muchas capas, pues la amenaza de matar a los fieles, independietemente de que abjuren o no, pesa sobre los jesuitas, que salvarían sus vidas si lo hicieran ellos; y el silencio de Dios hace la prueba aún más difícil...

7. Alicia ya no vive aquí (Alice Doesn't Live Here Anymore, 1974) 

Primer trabajo de cierta entidad en Hollywood de Martin Scorsese, alejado de los ambientes barriobajeros y gangsteriles que el cineasta conoció de primera mano, pero al mismo tiempo pegado a esos mismos tipos humanos populares, pues pinta bien el ambiente de carretera, los moteles y cafeterías, el mundo de camareras desbordadas. Ya da pruebas de su dominio de la puesta en escena, con la escena de arranque que simboliza la felicidad de la infancia, casi un guiño a El mago de Oz, y cuando la protagonista canta y toca el piano; incluso la conversación íntima en la cafetería delante de todo el mundo, que podría ser sonrojante y dulzona, se saca adelante con brío. Sorprende la sensibilidad para atrapar un universo femenino, donde toca conciliar la recuperación de cierta independencia, con la necesidad de cuidar a un chaval bastante bocazas y poco disciplinado; no deja de estar presente la típica violencia de Scorsese, en las reacciones de su primera nueva relación sentimental, y trata con realismo las dificultades de crear nuevos vínculos afectivos cuando ya se tiene cierta edad y eres una madre soltera. Ellen Burstyn está sensacional en su papel, y por ello ganó el Oscar a la mejor actriz. Destacan también las interpretaciones de Kris Kristofferson y de Harvey Keitel, los dos intereses románticos de la protagonista, pero también Diane Ladd, como la camarera basta, que acaba mostrando su lado sensible y amistoso. Entre los niños están Alfred Lutter III, el hijo, de corta carrera fílmica, y Jodie Foster, que repetiría con Scorsese en Taxi Driver.

8. Gangs of New York (2002)

En la trama de la película se pueden observar claramente dos niveles. Por un lado está el trasfondo histórico, que Scorsese interpreta en clave ideológica con su tesis “América está construida sobre la violencia”, en una línea muy a lo Hobbes y su célebre aforismo “El hombre es un lobo para el hombre”. Y, en un esfuerzo por abarcarlo todo, se suceden hechos como la llegada masiva de inmigrantes irlandeses, los disturbios en Five Points, el estallido de la guerra de secesión con el consiguiente reclutamiento forzoso de soldados. Lo que convierte las calles de Nueva York en una enorme olla a presión a punto de explotar. A todos estos elementos se suman los enfrentamientos étnicos (donde el origen y la religión se convierten en señas de identidad), sociales (los pobres no tienen más remedio que alistarse, los ricos pueden evitarlo pagando una alta suma de dinero) y políticos (va a haber elecciones en la ciudad). El esfuerzo de Scorsese por ofrecer un fresco del Nueva York del siglo XIX necesita, obviamente, de una historia con unos personajes. Y Scorsese y su equipo de guionistas han imaginado una que pivota alrededor de Amsterdan y sus planes de venganza. El joven, un tipo habilidoso, se las apaña para entrar en el círculo más próximo de Bill “el carnicero” (Daniel Day-Lewis). Pero no puede prever que entre ambos va a surgir una curiosa relación paternofilial, donde Bill ve en Amsterdam algo más que un secuaz competente. Esto conduce a conductas muy, muy inesperadas, por parte de Amsterdam.

9. Malas calles (Mean Streets, 1973)

Tras rodar la interesante Who's that Knocking at my Door? y trabajar para el rey del cine independiente, Roger Corman, en Boxcar Bertha, Scorsese saltó a la primera línea del panorama cinematográfico gracias a esta película que mezcla dos de sus obsesiones más fructíferas: la vida en las calles marginales de Nueva York y las relaciones entre los miembros de la mafia. Malas calles significó también el debut cinematográfico del actor Harvey Keitel, así como la primera colaboración entre Robert De Niro y el director, que volverían a formar pareja en títulos inolvidables como Taxi Driver, Toro salvaje o Uno de los nuestros. El tema principal viene dado por las relaciones entre sexo y pecado, pecado y perdón, trasgresión y culpa, religión y conducta humana. El protagonista, abrumado por los escrúpulos, desarrolla comportamientos ansiosos que le llevan a jugar con el fuego que purifica, la abstinencia sexual y la generosidad que cree que le aporta méritos para descargar las culpas. Adicionalmente explora cuestiones relativas a la violencia de los adolescentes, al espíritu destructivo de los jóvenes, a la redención y al perdón, a las relaciones entre insatisfacción y violencia, etc. Presta especial atención a los personajes que protagonizan la historia, por lo que algunos atribuyen al film la condición de obra de personajes. La historia incorpora trazos autobiográficos, que Scorsese explica con fervor y una calidez que trasmiten al discurso proximidad y verosimilitud. La narración se desarrolla a partir del recuerdo nostálgico de una experiencia vital entrañable, exenta de sentimentalismos y de complacencia. Presenta el barrio de infancia y juventud con exhuberancia y humor. Retrata una comunidad que se siente singular y cultiva sus costumbres, fiestas y celebraciones, como la de San Gennaro. Las calles de la zona se muestran depositarias de sonidos, ruidos, rumores, voces y armonías, que identifican al colectivo que las habita.

10. New York, New York (1977)

La historia de un amor desgraciado, él un saxofonista, ella una cantante, en los años que siguen a la Segunda Guerra Mundial. Es bien sabido la pasión de Martin Scorsese por la música: basta ver las selecciones de temas musicales de sus filmes, o su asociación con grandes nombres de las bandas sonoras. En este película también da pruebas de ello al abordar el género musical. Lo hace con una trama romántica que, fiel a sí mismo, no puede concluir felizmente. En cualquier caso, el italoamericano mira con nostalgia a toda una época, y arriesga con la media hora final de la película, completamente musical, pero que dice mucho de los personajes y su drama. Destacan, claro está, las composiciones de la pareja protagonista. Robert De Niro encarna con aplomo al tipo que sacrifica todo a su ambición con el saxo. Mientras que Liza Minnelli, que ya había sobresalido en Cabaret, canta a las mil maravillas. Su interpretación del tema principal, New Yok, New York, ha quedado para la historia. Obra magna del cine de todos los tiempos, producida por Irwin Winkler y dirigida por Martin Scorsese, en la que rinde homenaje a los musicales clásicos de los años 1940 y 1950 (Cantando bajo la lluvia, Melodías de Broadway 1955, Cita en San Luís, etc.), al hilo de una historia que narra las peripecias de las bandas de música de la época, la difícil historia de amor entre los protagonistas y el triunfo de ambos tras la ruptura. También constituye un homenaje a su ciudad natal, que dibuja con cariño y pasión. Es, además, un homenaje a la música, a los músicos y a las bandas de música que, con fatigas, transportaron a lo largo y ancho de Estados Unidos motivos de baile y alegría en los años que para ellas fueron los de mayor esplendor.

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¿Cuál es la mejor película de Martin Scorsese? Nuestro ranking completo, de peor a mejor (I)

Scorsese regresa a los cines con Los asesinos de la luna (Killers of the Flower Moon, 2023). Hemos clasificado todos sus largometrajes, desde Quién llama a mi puerta (1967). Y fue duro.

1. El tren de Bertha (Boxcar Bertha, 1972)

La película cuenta la historia de "Boxcar" Bertha Thompson y "Big" Bill Shelly, una pareja de ladrones de trenes y amantes que se ven envueltos en las luchas sindicales de trabajadores del ferrocarril en el Sur de Estados Unidos. Cuando Bertha se ve implicada en el asesinato de un rico apostador, los dos se convierten en fugitivos. Parte de los personajes de The Sister Of The Road (1937), autobiografía de Bertha Thompson, escrita por Ben L. Reitman, según relato oral de la misma. Fue la segunda película dirigida por Scorsese, después de ¿Quién llama a mi puerta (Who's That Knocking at My Door?), de 1967. La película auna drama, crimen, análisis social y crónica histórica. La película desarrolla un relato de robos y asaltos con intimidación a personas relacionadas con la empresa y a las instalaciones de ésta. El fruto se destina a los trabajadores necesitados, parados, enfermos, etc. El cuadro de miseria, paro y desesperación, de la Depresión queda esbozado con trazos ácidos y secos. La preocupación social del film, reflejo de las preferencias de Corman, incluye indicaciones sobre las malas condiciones del trabajo asalariado, su precariedad, su dependencia del capricho de los ejecutivos y la insuficiencia de los salarios, etc.

2. Kundun (1997)

Se basa en la vida y las escrituras de Tenzin Gyatso, el decimocuarto dalái lama, el líder político y espiritual en el exilio del Tíbet. Tenzin Thuthob Tsarong, un sobrino nieto del dalái lama, interpreta al dalái Lama adulto, mientras que Tencho Gyalpo, una sobrina del dalái lama, aparece como la madre del dalái lama. Año 1937: un niño tibetano de dos años es elegido para convertirse en el nuevo Dalai Lama. Arrebatado a su familia, el pequeño es llevado al Palacio de Potala, donde da inicio una educación muy dura que lo marcará para siempre, pero que también endurecerá su carácter hasta transformarlo en un gran líder, tanto político como espiritual, que sea respetado por sus súbditos. Años más tarde, sin embargo, el Dalai Lama tendrá que abandonar su país natal cuando comience la invasión de la China comunista, y no tenga más remedio que exiliarse con su séquito en India hasta que el peligro haya pasado y pueda volver. Sin embargo, mientras el protagonista se mantiene a salvo, sabe que su pueblo está muriendo ahí fuera, lo que le atormenta profundamente. Kundun, en tibetano, significa «la presencia», es el título que se le da al dalái lama. La película, según Roger Ebert, estaba «hecha de episodios, no de una trama». 

¿Quién llama a mi puerta? (Who's That Knocking at My Door?, 1967)

Originalmente titulada I Call First. Fue el debut como director de largometrajes de Scorsese y el debut de Keitel como actor. Explorando temas de la culpa católica similares a los de su película posterior Malas calles (Mean Streets, 1973),  la historia sigue JR (Harvey Keitel) es un joven italoamericano sin trabajo, a pesar de lo cual está satisfecho de la vida que lleva con sus compañeros en el barrio neoyorquino de la “Pequeña Italia”. Pero, cuando se enamora de una mujer con estudios (Zina Bethune), se verá obligado a replantearse la vida. La película se filmó a lo largo de varios años, sufriendo muchos cambios, nuevas direcciones y diferentes nombres en el camino. La película comenzó en 1965 como un cortometraje de estudiantes sobre J.R. y sus amigos que no hacían nada, llamado Bring on the Dancing Girls. En 1967, la trama romántica con Zina Bethune se introdujo y se unió con la película anterior, y el título se cambió a I Call First. Se tituló Who's That Knocking at My Door, llamada así por la canción de 1959 de The Genies, que cierra la película. Aquí, el director rueda una película llena de simbolismo. Destacan los movimientos de la cámara que se recrean en las calles de Nueva York, y la fotografía en blanco y negro de Richard H. Coll y Michael Wadleigh.

4. Al límite (Bringing Out the Dead, 1999)

En esta desquiciante historia, Scorsese indaga una vez más en los sórdidos recodos de Nueva York. La noche neoyorquina. Principios de los 90. Entre los vehículos que pueblan las calles destacan las ambulancias, que con sus luces y sirenas van a toda velocidad allí donde surge una emergencia. Frank Pierce, en plena crisis espiritual, trabaja en una de ellas. Hasta el momento ha tratado de hacer su trabajo, salvar vidas, lo mejor posible. Pero el estímulo que supone resucitar a veces a un moribundo tiene su contrapeso en las muertes inevitables, en la contemplación de tanta degradación humana, en los refugios buscados por sus compañeros de trabajo (resignación, cinismo, iluminación, agresividad...) para soportar la tensión, y que a veces rayan la locura. Cuando Frank salva a uno de sus pacientes, se fija en su hija Mary que, quizá, pueda suponer un rayo de luz en sus horas más bajas. Resulta agobiante la composición que Nicolas Cage hace de Frank: una ‘buena persona’ que no encuentra sentido a su vida. Cerrado a la trascendencia, es incapaz de aceptar que el dolor o la muerte de una persona, con el sufrimiento de sus seres queridos, pueda revestir algún aspecto positivo. El valor técnico de las imágenes nocturnas de la Gran Manzana, tomadas desde la ambulancia con distintas cámaras y velocidades, es sin duda grande, y quizá se haya abierto brecha para futuras películas donde los vehículos de cuatro ruedas sean protagonistas. El Círculo de Críticos de Cine de Florida galardonó la fotografía de Robert Richardson y el Sindicato de Cineastas Italianos valoró los diseños de producción de Dante Ferretti.

5. El aviador (The Aviator, 2004)

Aunque el periplo del peso pesado del Séptimo Arte Martin Scorsese ha estado lleno de altibajos en los últimos años, el cineasta remonta el vuelo con esta biografía del fascinante y controvertido Howard Hughes. Playboy, millonario, inversor inmobiliario, productor y director cinematográfico, también fue empresario aeronáutico y gran aficionado a la aviación. El guión del consagrado John Logan sigue los pasos del personaje durante dos décadas, arrancando a finales de los años 1920, cuando ronda los 25 años de edad. Heredero de la empresa paterna, decide invertir una desorbitada suma de dinero en Ángeles del infierno. Se trata de una película de aventuras aéreas para la que contrata numerosos pilotos que propician asombrosas secuencias de aviones filmadas sin efectos especiales. La película describe minuciosamente su romance con la mítica Katharine Hepburn, una actriz de fuerte personalidad, y también su aventura en la potente compañía aérea TWA. Como empresario aeronáutico, Hughes prueba sus prototipos de sofisticados aparatos, y realiza un fuerte desembolso para llevar a buen puerto la construcción del Hércules, un aparato. Pero Hughes se estrella con uno de sus aviones, y también empieza a sufrir una enfermedad degenerativa, que le lleva a convertirse en un fanático de la higiene y a recluirse sin apenas contacto con el exterior.  Scorsese ha conectado con DiCaprio, actor tan italoamericano como él, con el que repite por segunda vez consecutiva, y que fue el promotor del proyecto. La película se llevó cinco de once nominaciones a los Oscar, convirtiéndose en la más premiada del año. La estatuilla más merecida quizás fue la que se llevó Cate Blanchett, estupenda como la irrepetible Hepburn.

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Adaptaciones nuevas y próximas de libros a la pantalla (II)

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6. Aristotle and Dante Discover the Secrets of the Universe (2022), de Aitch Alberto

Un drama romántico sobre la mayoría de edad de 2023 escrita y dirigida por Aitch Alberto. Es una adaptación de la novela homónima de 2012 de Benjamín Alire Sáenz. En El Paso de 1987, Aristóteles "Ari" Mendoza es un adolescente hosco frustrado por la negativa de sus padres a contarle sobre su hermano encarcelado Bernardo. En una piscina pública, Ari conoce a su poco convencional compatriota mexicano-estadounidense Dante Quintana, quien le enseña a nadar. Los dos chicos rápidamente se hacen amigos a pesar de sus diferencias. Los padres adinerados de Dante invitan a Ari a un viaje de campamento, donde tanto él como Dante aprecian la inmensidad del cielo nocturno. Durante una tarde lluviosa cerca del final del verano, Dante le dice a Ari que los Quintana se mudarán a Chicago para el siguiente año escolar debido al trabajo de profesor de su padre. Dante se distrae con un pajarito y casi lo atropella un coche; Ari se lastima empujándolo fuera del camino. Se estrenó en el 47 ° Festival Internacional de Cine de Toronto el 9 de septiembre de 2022 y en los cines de Estados Unidos el 8 de septiembre de 2023 por Blue Fox Entertainment. Está protagonizada por los actores Max Pelayo y Reese Gonzales como los personajes principales. Verónica Falcón, Kevin Alejandro, Eva Longoria y Eugenio Derbez completan el reparto. 

7. Golpe a Wall Street (Dumb Money, 2023), de Craig Gillespie 

Basada en la loca historia real donde un grupo de gente corriente protagonizó su propio "David contra Goliat" frente a la gente de Wall Street. En un sorprendente giro de guion, la tienda de videojuegos GameStop, con casi ningún valor en bolsa, se convierte en una de las empresas más revalorizadas del mundo. Detrás de todo este fenómeno está Keith Gill (Paul Dano), que decide invertir todos los ahorros de su vida en acciones de la compañía y empieza a hablar sobre ello en Internet. Cuando las redes sociales se hacen eco de sus acciones, su vida y la de la gente a su alrededor cambia para siempre. Invertir en GameStop se convierte en un movimiento con muchas personas involucradas, y los multimillonarios se ven obligados a contraatacar al desvelarse las fracturas de su sistema. Ambos bandos verán sus vidas volviéndose del revés. Adaptación del libros de Ben Mezrich. Paul Dano, Pete Davidson y Sebastian Stan encabezan el reparto, de esta película del director de Yo, Tonya o  Cruella. Golpe a Wall Street logra algo muy sorprendente: revivir unos hechos que ocurrieron hace apenas dos años y darles una capa de barniz para que no nos suene necesariamente a algo que acabamos de ver en Reddit. 

8. Los asesinos de la luna (Killers of the Flower Moon, 2023), de Martin Scorsese

Un golpe de fortuna hace ricos a los nativos americanos de la nación Osage, trasladados a una reserva india en Oklahoma. Sus tierras encierran en el subsuelo oro negro, y les ha convertido en millonarios de la noche a la mañana. Aunque comienzan a sucederse con sospechosa frecuencia la muerte de algunos de estos nativos, sin que las autoridades se esfuercen en investigar demasiado. El joven algo garrulo Ernest Burkhart vuelve a Estados Unidos tras combatir en Europa en la Primera Guerra Mundial, dispuesto a trabajar a las órdenes de su tío William Hale, dueño de un rancho y amo del lugar. Como no es precisamente un intelectual, le procura empleo como chófer taxista, y comienza a llevar con frecuencia a la hermosa india rica Molly; se sentirá atraído por ella, y su tío no verá con malos ojos que la relación prospere incluso en matrimonio, pues atraería para la familia sus tierras con petróleo. Adaptación del libro de no ficción de David Grann, sobre la misteriosa “epidemia” de muertes entre los nativos a lo largo de dos décadas, poniendo el acento en cómo afecta la situación a cuatro hermanas y su madre, en la relación laboral y de parentesco entre Ernest y William, y el matrimonio del primero, del que nacen varios niños. 

9. El negocio del dolor (Pain Hustlers, 2023), de David Yates

Liza Drake (Emily Blunt) es madre soltera, se acaba de quedar en el paro y está con el agua al cuello. Hasta que conoce a Pete Brenner (Chris Evans), representante comercial de una farmacéutica, y empieza una buena racha económica. Pero también emprende un camino éticamente cuestionable y acaba implicada en una peligrosa trama criminal. Ante un jefe (Andy García) cada vez más desquiciado, los problemas de salud de su hija (Chloe Coleman) y la certeza del daño que está haciendo su empresa, Liza empieza a buscar alternativas. La película que llega a Netflix en octubre está basada en una investigación real sobre el negocio de opioides. El avance advierte el severo contraste entre un mundo de lujo, jugosas ganancias y reconocimiento social, versus la paranoia, la ambición y la violencia. Realizada a partir de un guion de Wells Tower, basada en un artículo de la revista The New York Times de 2018, The Pain Hustlers, de Evan Hughes​ y su novela posterior The Hard Sell lanzada en 2022. Se espera su estreno en España el 27 de octubre de 2023. 

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Efemérides de cine: Malas calles

El 2 de octubre de 1973 se estrenó la película estadounidense Malas calles (Mean Streets), dirigida por Martin Scorsese e interpretada por Robert De Niro, Harvey Keitel, David Proval, Amy Robinson, Richard Romanus, David Carradine, Robert Carradine. Productora: Warner Bros. Duración: 110 minutos.

Sinopsis argumental: Nueva York, 1972. Charlie (Harvey Keitel) es un joven italoamericano de 27 años que trata de ascender en la mafia de Nueva York, pero dicho ascenso se ve obstaculizado por su sentimiento de responsabilidad hacia su imprudente amigo, Johnny Boy (Robert De Niro). 

Nominaciones y premios: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion original drama.

Comentario: Temprana película de Martin Scorsese, considerada una de sus obras maestras, situada en el barrio neoyorquino de Little Italy. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Los más esperados estrenos para el otoño (II)

Los asesinos de la luna (Killers of the Flower Moon, 2023), de Martin Scorsese

Un drama estadounidense basado en nhechos reales con un reparto estelar Leonardo DiCaprio, Jesse Plemons, Robert De Niro, Lily Gladstone, Tantoo Cardinal, John Lithgow, Barry Corbin, Brendan Fraser, Louis Cancelmi, Pat Healy, Gary Basaraba, Nathaniel Arcand, Cara Jade Myers, JaNae Collins, Jillian Dion, William Belleau, Tatanka Means, Michael Abbot Jr., Scott Shepard, Jason Isbell, Sturgill Simpson, que se estrenará el 20 de octubre de 2023. A principios del siglo XX, el petróleo le dio una gran fortuna a la nación Osage, que se convirtió en uno de los pueblos más ricos del mundo de la noche a la mañana. La riqueza de estos nativos americanos atrajo inmediatamente a intrusos blancos que manipularon, extorsionaron y robaron tanto dinero Osage como pudieron antes de recurrir al asesinato.

The Marvels (2023), de Nia DaCosta

Reparto: Brie Larson, Teyonah Parris, Iman Vellani, Samuel L. Jackson, Zawe Ashton, Park Seo-joon. Fecha de estreno en España en cines: 09-11-2023. Carol Danvers, también conocida como Capitana Marvel, ha reclamado su identidad al tiránico Kree y se ha vengado de la Inteligencia Suprema. Pero hay consecuencias no deseadas hacen y Carol carga con el peso de un universo desestabilizado. Cuando sus deberes la envían a un agujero de gusano anómalo vinculado a un Kree revolucionario, sus poderes se enredan con los de la superfan de Jersey City, Kamala Khan, también conocida como Ms. Marvel, y con los de la sobrina separada de Carol, la capitana Monica Rambeau. Juntos, este trío improbable debe formar un equipo y aprender a trabajar armónicamente para salvar el universo como "The Marvels".

Dune: Parte Dos (Dune: Part Two, 2023), de Denis Villeneuve

Es la próxima película épica de ciencia ficción estadounidense que sirve como secuela directa de la película de 2021. Es la segunda de una adaptación en dos partes de la novela homónima de 1965 de Frank Herbert, cubriendo la segunda mitad del libro. El reparto principal lo componen Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Zendaya, Javier Bardem, Austin Butler, Josh Brolin, Florence Pugh, Dave Bautista, Léa Seydoux, Stellan Skarsgård, Christopher Walken, Charlotte Rampling. Paul Atreides se une a la tribu de los Fremen y comienza un viaje espiritual y marcial para convertirse en mesías, mientras intenta evitar el horrible pero inevitable futuro que ha presenciado: una Guerra Santa en su nombre, que se extiende por todo el universo conocido. Se estrenará el 1 de noviembre de 2023. 

Hypnotic (2023)

El nuevo 'thriller' protagonizado por Ben Affleck y dirigido por Robert Rodriguez. La hija del detective Danny Rourke, Minnie, desaparece, lo que provoca que su matrimonio se desmorone. Mientras investiga un atraco a un banco, Rourke se encuentra con un hombre misterioso llamado Lev Dellrayne que posee el poder de controlar las mentes. Rourke encuentra una pista relacionada con su hija durante el atraco, lo que lo lleva hasta una adivina llamada Diana Cruz. Se revela que tanto Rourke como Cruz son poderosos hipnotizadores entrenados por una división secreta del gobierno. Rourke descubre que Dellrayne, otra persona disfrazada, está buscando un arma poderosa conocida como "Domino" que fue robada de la división. Rourke y Cruz escapan a México, donde aprenden más sobre el arma y la verdad sobre sus propias habilidades. A medida que Rourke descubre más sobre el pasado de su hija y la conexión con la división, decide encontrarla. La trama toma varios giros y vueltas mientras Rourke y Cruz evaden la captura, descubren identidades ocultas y encuentran aliados y enemigos en el camino. Descubren la verdadera naturaleza de su hija. La historia culmina en una confrontación culminante entre la familia de Rourke y la división, donde sus vidas y su libertad están en juego. Próximo estreno el 11 de octubre de 2023. 

Napoleón (Napoleon, 2023), de Ridley Scott

Un drama biográfico e histórico interpretado por Joaquin Phoenix, Vanessa Kirby, Ludivine Sagnier, Ben Miles, Tahar Rahim, Ian McNeice, Catherine Walker, Youssef Kerkour, Paul Rhys, Matthew Needham, John Hollingworth. Una mirada personal a los orígenes del líder militar francés y su rápido y despiadado ascenso a emperador. La historia se ve a través de la lente de la relación adictiva y volátil de Napoleón Bonaparte con su esposa y único amor verdadero, Josefina. Se estrenará el 24 de noviembre de 2023. 

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