"A Samurai in Time", una original película de samuráis

A Samurai in Time (Samurai taimusurippa, 2023), de Junichi Yasuda con Norimasa Fuke, Yoshiharu Fukuda, Hajime Inoue, Ichiko Kurenai, Rantaro Mine, Yuno Sakura, Ken Shônozaki, Yuji Takadera, Tsutomu Tamura, Makiya Yamaguchi. 

Sinopsis: Al final del período Edo en Kioto, durante una noche de tormenta, un samurái se prepara para luchar contra un ronin, cuando llega un destello de luz y se despierta para encontrarse en un momento diferente. Ha viajado en el tiempo hasta nuestros días y el lugar en el que estaba a punto de batirse en duelo es ahora un plató para series de televisión y películas sobre jidaigeki (drama de época). Todavía vestido de samurái, lo confunden con un extra e inmediatamente se sumerge en el mundo de las producciones de jidaigeki. Gracias a su aspecto y discurso tan «auténticos», comienza a trabajar en muchas producciones y acaba interpretando el papel de un «kirareyaku», un espadachín cuyo trabajo consiste en morir de forma espectacular en una película.

Una comedia encantadora que también rinde un precioso homenaje al cine. Es algo así como una versión japonesa de Los visitantes (Les visiteurs, 1993), con un orgulloso samurái en lugar de Jacquouille la Fripouille. Con un gran éxito en Japón, juega ingeniosamente con el anacronismo de su personaje principal (interpretado magistralmente por Makiya Yamaguchi) en una sociedad contemporánea que ha perdido todo interés por la tradición. La película establece un paralelismo fascinante entre la vida pasada del samurái y su nueva carrera como actor.

Las 30 mejores películas de la historia del cine ambientadas en la Edad Media y dónde verlas (II)

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6. El príncipe valiente (Prince Valiant, 1954)

Director: Henry Hathaway. Reparto: Robert Wagner, Janet Leigh, James Mason. Valiente, un joven vikingo exiliado, llega a la corte del rey Arturo decidido a convertirse en caballero. Aventuras, romance y enemigos se cruzan en su camino mientras aprende el significado del honor y la lealtad en un mundo dominado por la guerra.

Robert Wagner en El príncipe valiente (1954)

Curiosidades: Para dar credibilidad al héroe, Robert Wagner se sometió a una preparación física intensiva que incluyó equitación, esgrima y manejo de armas, en un intento de convertirlo en una nueva figura del cine de aventuras. El esfuerzo respondía al deseo del estudio de presentar un protagonista joven y atlético acorde al espectáculo épico. Inspirado en el doble éxito que la MGM había obtenido con Ivanhoe (1952) y Los caballeros del rey Arturo (1953) se decidió hacer esta la obra cinematográfica, basada en un cómic. Para hacerla se contrató al dibujante Hal Foster, creador del cómic. 

7. El séptimo sello (Det sjunde inseglet, 1957)

Director: Ingmar Bergman. Reparto: Max von Sydow, Gunnar Björnstrand, Bengt Ekerot. 

Suecia, mediados del siglo XIV. La Peste Negra asola Europa. Tras diez años de inútiles combates en las Cruzadas, el caballero sueco Antonius Blovk y su leal escudero regresan de Tierra Santa. Blovk es un hombre atormentado y lleno de dudas. En el camino se encuentra con la Muerte que lo reclama. Entonces él le propone jugar una partida de ajedrez, con la esperanza de obtener de Ella respuestas a las grandes cuestiones de la vida: la muerte y la existencia de Dios.

Bengt Ekerot y Max von Sydow en El séptimo sello (1957)

Curiosidades: La célebre partida de ajedrez entre el caballero y la Muerte nació como una solución narrativa y visual para condensar el conflicto espiritual del film sin recurrir a grandes recursos. Bergman encontró en ese duelo simbólico una imagen clara y poderosa con la que articular sus reflexiones sobre la fe, la duda y el sentido de la existencia.

8. Trono de sangre (Kumonosu-jô, 1957)

Director: Akira Kurosawa. Reparto: Toshirô Mifune, Isuzu Yamada, Takashi Shimura

Japón feudal, siglo XVI. Adaptación del "Macbeth" de William Shakespeare. Cuando los generales Taketori Washizu y Yoshaki Miki regresan de una victoriosa batalla, se encuentran en el camino con una extraña anciana, que profetiza que Washizu llegará a ser el señor del Castillo del Norte. A partir de ese momento, su esposa lo instigará hasta convencerlo de que debe cumplir su destino. La película retrata la corrupción del poder, la traición y la paranoia que nacen cuando la ambición supera a la moral.

Toshirô Mifune en Trono de sangre (1957)

Curiosidades: La secuencia final es tan impactante porque el peligro fue real: Kurosawa hizo que los arqueros dispararan flechas auténticas alrededor de Toshiro Mifune, cuidadosamente coreografiadas mediante marcas en el decorado. El pánico que transmite el actor no es interpretación, sino la reacción a una situación de tensión extrema llevada al límite.

9. La fortaleza escondida (Kakushi Toride no San-Akunin, 1958)

Director: Akira Kurosawa. Reparto: Toshirô Mifune, Misa Uehara, Minoru Chiaki. 

Matashichi (Kamatari Fujiwara) y Tahei (Minoru Chiaki) son dos soldados huidos del conflicto bélico, que buscan el enriquecimiento. Cuando encuentran oro, se dan cuenta de que son vigilados por un silencioso y misterioso hombre, que finalmente resulta ser el célebre general Rokurota Makabe (Toshiro Mifune), quien utilizará a los dos soldados, ignorantes de la identidad de sus acompañantes, para transportar una gran cantidad de oro y liberar a la princesa Yukihime (Misa Uehara). Mezclando aventura, humor y épica, la película ofrece una visión más ligera del Japón feudal sin renunciar al espectáculo.

Misa Uehara, Toshirô Mifune y Kamatari Fujiwara en La fortaleza escondida (1958)

Curiosidades: Esta película influyó en Star Wars, algo que reconoció el propio George Lucas, que tomó su estructura narrativa y el punto de vista de los dos campesinos como referencia directa para crear a C-3PO y R2-D2. Kurosawa demostraba así cómo un relato épico podía construirse desde personajes secundarios sin perder fuerza ni claridad.

10. Los vikingos (The Vikings, 1958)

Director: Richard Fleischer. Reparto: Kirk Douglas, Tony Curtis, Janet Leigh, Ernest Borgnine. 

En la Alta Edad Media, los vikingos o normandos (hombres del Norte) adoraban a Odin, el dios pagano de la guerra, que los guiaba a través de los mares cada vez que emprendían sus habituales incursiones de saqueo. Einar y Eric, hijos ambos del rey vikingo Ragnar -aunque ignoraban su parentesco-, se odiaban profundamente, pero se vieron obligados a luchar juntos para rescatar a la princesa Morgana, de la que ambos estaban enamorados, de las garras del rey de Inglaterra. La película combina épica, aventuras y tragedia para retratar el brutal choque entre ambición personal y códigos guerreros.

Ernest Borgnine, Janet Leigh y Kirk Douglas en Los vikingos (1958)

Curiosidades: Buena parte del rodaje se hizo en localizaciones reales de Noruega y Bretaña, una elección que sometió al equipo a condiciones climatológicas duras y repetidos retrasos. Fleischer asumió esas dificultades para ganar autenticidad visual, aprovechando fiordos, costas y castillos reales que reforzaban el tono físico y salvaje del relato.

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Las 30 mejores películas de la historia del cine ambientadas en la Edad Media y dónde verlas (I)

Un recorrido por las obras maestras que retrataron la época feudal en el cine y que consolidaron a Kurosawa como uno de los grandes directores de la historia.

La grandeza del cine ambientado en la Edad Media no puede entenderse sin la figura de Akira Kurosawa, un director cuya mirada humanista y su dominio absoluto de la puesta en escena transformaron para siempre la manera de representar la épica, el honor y el choque entre poder y destino. Películas como Los siete samuráis, Trono de sangre, La fortaleza escondida, o Ran (todas presentes en esta entrada) demuestran cómo Kurosawa convirtió el Japón feudal en un laboratorio visual y narrativo que influiría en cineastas de todos los géneros y épocas, desde el western clásico hasta el blockbuster moderno, elevando el periodo medieval a un territorio universal donde se entremezclan tragedia, aventura, violencia e historia.

1. La pasión de Juana de Arco (La Passion de Jeanne d'Arc, 1928)

Director: Carl Theodor Dreyer. Reparto: Renée Jeanne Falconetti, Eugène Silvain, André Berley.

Guerra de los Cien Años,  siglos XIV y XV. En 1431, Juana de Arco afronta su juicio final acusada de herejía. La película se centra en su sufrimiento psicológico, la crueldad del proceso inquisitorial y la fe inquebrantable de una joven que se enfrenta sola a un sistema implacable que ya ha decidido su destino.

Maria Falconetti en La pasión de Juana de Arco (1928)

Curiosidades:  Durante décadas se dio por perdida la versión original tras un incendio en los laboratorios de la UFA en Berlín. La situación cambió en 1981, cuando apareció una copia prácticamente íntegra en un hospital psiquiátrico de Oslo, olvidada en un armario, permitiendo recuperar el montaje concebido por Dreyer. Disponible en Rakuten TV.

2. Robin de los bosques (The Adventures of Robin Hood, 1938)

Director: Michael Curtiz, William Keighley. Reparto: Errol Flynn, Olivia de Havilland, Basil Rathbone. 

Robin de Locksley regresa a Inglaterra tras combatir contra los infieles en las Cruzadas.Mientras tanto Juan sin Tierra, el hermano del Rey Ricardo I, ha usurpado el trono y gobierna despóticamente, por lo que el noble sajón decide refugiarse en el bosque de Sherwood y luchar contra él para devolverle la corona a Ricardo.

Errol Flynn en Robin de los bosques (1938)

Curiosidades: Aunque Errol Flynn quedó inmortalizado como un consumado espadachín, su destreza real era limitada y muchas coreografías se adaptaron a su físico, además de emplear dobles en las más complicadas. La película tuvo una ambiciosa puesta en escena en Technicolor a tres bandas, una apuesta costosa que reforzó su impacto visual y su condición de clásico. Disponible en Amazon Prime Video, Netflix y Apple TV.

3. El halcón y la flecha (The Flame and the Arrow, 1950)

Director: Jacques Tourneur. Reparto: Burt Lancaster, Virginia Mayo, Nick Cravat. 

El Duque Urbis, alias "El Halcón", ha secuestrado a la mujer y al hijo de Dardo (Burt Lancaster). Este noble ejerce, en nombre del emperador, una auténtica tiranía sobre los habitantes de los pueblos de Lombardía. Para vengarse de él, Dardo secuestra a su sobrina. Un acróbata convertido en rebelde lidera la resistencia popular contra un cruel señor feudal. Con espectaculares escenas de acción y espíritu aventurero, la película retrata la lucha de los campesinos por la libertad en una Italia medieval dominada por la opresión.

Burt Lancaster en El halcón y la flecha (1950)

Curiosidades: La historia se apoyó en el físico de Burt Lancaster, antiguo acróbata de circo, que asumió personalmente la mayoría de las escenas de acción, aportando una energía poco habitual en el género. El rodaje en localizaciones italianas permitió abaratar costes y dotar a la película de escenarios medievales más creíbles. Disponible en Amazon Prime Video, Gogle Play Películas y Apple TV.

4. Ivanhoe (1952)

Director: Richard Thorpe. Reparto: Robert Taylor, Elizabeth Taylor, Joan Fontaine, George Sanders.

A su vuelta de las Cruzadas, el Rey Ricardo Corazón de León es apresado en Austria. Su hermano Juan se niega a pagar la elevada suma de dinero que exigen a cambio de su libertad, ya que así puede seguir usurpando el trono de Inglaterra. El caballero Ivanhoe, uno de los partidarios de Ricardo, intentará por todos los medios conseguir el dinero del rescate. En su camino se cruzan torneos, rivalidades, romances imposibles y conflictos entre normandos y sajones en la Inglaterra medieval.

Elizabeth Taylor y Robert Taylor en Ivanhoe (1952)

Curiosidades: Con solo 20 años, Elizabeth Taylor afrontó el papel de Rebecca en un momento clave de su carrera, aportando una presencia que trascendía su rol secundario. El éxito de la película reforzó su proyección internacional y contribuyó de forma decisiva a consolidarla como una de las grandes estrellas de Hollywood. Disponible en Amazon Prime Video y Apple TV.

5. Los siete samuráis (1954)

Director: Akira Kurosawa. Reparto: Toshirô Mifune, Takashi Shimura, Keiko Tsushima

Japón, Siglo XVI. Una aldea de campesinos indefensos es repetidamente atacada y saqueada por una banda de forajidos. Aconsejados por el anciano de la aldea, unos aldeanos acuden a la ciudad con el objetivo de contratar a un grupo de samuráis para protegerlos. A pesar de que el único salario es comida y techo, varios samuráis se van incorporando uno a uno al singular grupo que finalmente se dirige a la aldea. A través del sacrificio, la estrategia y la convivencia, la película muestra el honor, la desigualdad social y la dureza de la vida en el Japón feudal.

Los siete samuráis (1954)

Curiosidades: Para las escenas clave bajo la lluvia, Kurosawa recurrió a aguaceros artificiales generados con camiones de bomberos, una decisión técnica pensada para reforzar el dramatismo del clímax final. El director llegó incluso a añadir tinta al agua para que la lluvia fuese más visible en blanco y negro. Disponible en Amazon Prime Video, Rakuten  y Apple TV.

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Hace 100 años: Serpent

El 20 de noviembre de 1925 se estrenó la película japonesa Serpent (Orochi), dirigida por Buntaro Futagawa e interpretada por Tsumasaburō Bandō, Misao Seki, Utako Tamaki, Kensaku Haruji, Momotarô Yamamura, Kotonosuke Nakamura, Shigeyo Arashi, Kichimatsu Nakamura, Zen'ichirô Yasuda, Shizuko Mori. Productora: Bando Production. Duración: 74 minutos. 

Sinopsis argumental: Heisaburo Kuritomi (Tsumasaburo) es a un joven e impetuoso samurái que se enamora de dos mujeres a la vez (Misao Seki y Utako Tamaki), pero es incapaz de hacer ver a ninguna de ellas que es un buen hombre. Poco después, se convierte en un asesino tratando de rescatar a una de ellas de un criminal. 

Comentario: Es la película más popular y querida de Tsumasaburō Bandō, en la que el actor se encuentra en la cima de su fama. Las dinámicas escenas de lucha con espada, magistralmente interpretadas por Bandō, resultaron novedosas en una época donde predominaban las películas de estilo kabuki, pausadas y solemnes. Este estilo influyó en las modernas películas de chambara.

Cuatro nuevas películas de la obra del japonés Kenji Misumi, maestro del cine de espadas

Kenji Misumi, un director de gran producción  (hasta seis películas al año), revolucionó el chambara, el cine japonés de samuráis. Cuatro de sus películas, para volver a ver.

"No hay técnica, solo hay una verdad: desenvainar, matar, envainar". La frase podría haber salido de una película de Sergio Leone. De hecho, es una frase clave de La espada del diablo, una de las películas más importantes de Kenji Misumi (1921-1975), quien, en la década de 1960, sometió a la chambara (la película japonesa de samuráis) a un tratamiento equivalente al que el cineasta italiano estaba sometiendo al mismo tiempo al western estadounidense: un fuerte gusto por la innovación, una relectura radical de los códigos narrativos y estéticos del género, una primacía de lo visual sobre el guion. Cuatro películas del prolífico director japonés (podía rodar hasta seis largometrajes al año) que recomendamos ver.

1. La historia de Zatoichi (Zatôichi monogatari, 1962)

Zatoichi, el masajista-espadachín ciego, es uno de los personajes más populares del cine japonés. Sus aventuras han sido el tema de veintisiete películas, seis de las cuales —las mejores— fueron dirigidas por Misumi, comenzando por el episodio inicial, rodado en blanco y negro. Las escenas de acción se reducen aquí, y las expectativas del espectador a menudo se ven frustradas, lo que conduce a un final bastante sangriento, como no podía ser de otra manera. Una película muy disfrutable, también recomendada por una magnífica secuencia de pesca que, inesperadamente, recuerda a la de Había un padre  (Chichi ariki, 1942) de Yasujirō Ozu.

2. Destiny's Son (Kiru, 1962)

Tras la ejecución de su madre por asesinato, Shingo es confiado a un samurái que le oculta sus orígenes y lo cría como a su propio hijo. Convertido él mismo en un formidable guerrero, el huérfano se verá envuelto en su pasado... Si solo hubiera que ver una película de esta retrospectiva, sería esta. Por sus increíbles elipses narrativos (Destiny's Son alcanza apenas setenta minutos, mientras que la riqueza de su trama podría haber merecido el doble). Y por su sucesión de impactos visuales: el sorprendente inicio, donde una persecución entre dos mujeres se convierte en una confrontación sexual; la ejecución de la asesina por su propio amante; Shingo abriendo frenéticamente las paredes corredizas de un palacio convertido en laberinto; y una increíble lucha a la luz de la luna donde, de un solo golpe de espada, un oponente es cortado en dos longitudinalmente.

3. La espada (Ken, 1964)

Esta es la película más elocuente... y la menos impresionante de las cuatro. Esta crónica de una rivalidad entre miembros de un club de kendo es una adaptación de una novela de Mishima, que rezuma las obsesiones del escritor nacionalista (aunque el propio director sea más crítico con el código de honor samurái): la idea de la juventud pura, la autorrealización a través de la actividad física hasta el dolor y el agotamiento, el conflicto entre la espiritualidad tradicional y el materialismo moderno, por no mencionar la fascinación por el cuerpo masculino. A las a veces torpes incursiones filosóficas de los personajes, preferimos la belleza del blanco y negro y la fuerza de las secuencias de combate con bastones, donde Misumi expresa la esencia de un arte marcial tradicional con los efectos del cine pop de los años 1960.

3. Sword Devil (Ken Ki, 1965)

Sin embargo, no hay diálogos innecesarios en esta historia de un jardinero que se convierte en un experto espadachín... y en un secuaz asesino. En Sword Devil, Musumi entusiasma con su uso del color, pero también con una curiosa mezcla de atmósfera fantástica, breves salidas burlescas y romanticismo oscuro. Un clásico emblemático de la chambara, el polo opuesto de las películas de capa y espada de Hollywood o Francia: aquí no hay largos duelos con espadachines, sino luchas salvajes donde el asalto, que rara vez dura más de dos segundos, importa menos que la anticipación y la tensión que lo preceden.

Cumplió 25 años: Ghost Dog, el camino del samurái

El 19 de mayo de 1999 se estrenó la película estadounidense  Ghost Dog, el camino del samurái (Ghost Dog: The Way of the Samurai), dirigida por Jim Jarmusch e interpretada por  John Tormey, Cliff Gorman, Forest Whitaker, Henry Silva, Tricia Vessey, Dennis Liu, Victor Argo, Isaach De Bankolé. Productora: Plywood Productions. Duración: 115 minutos.

Sinopsis argumental: Rodeado de pájaros, en una cabaña situada en la azotea de un edificio abandonado, Ghost Dog estudia un antiguo texto samurái. Ghost Dog es un asesino profesional que se funde en la noche y se desliza por la ciudad. Cuando su código moral es traicionado por las disfunciones de una familia mafiosa que lo contrata de vez en cuando, Ghost Dog reacciona estrictamente según el código samurái.

Nominaciones y premios: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película): Premios Cesar: Nominada a la mejor película extranjera; Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película. 

Comentario: Cuatro años después de Dead Man, Jim Jarmusch regresó al largometraje de ficción con esta película sobre un asesino a sueldo afroamericano que se guía según el Hagakure, la guía práctica y espiritual del samurái, escrita por Yamamoto Tsunetomo a principios del siglo XVIII. El largometraje es un homenaje a la película El silencio de un hombre (título original, Le samourai), de 1967, dirigida por Jean-Pierre Melville e interpretada por Alain Delon.

Efemérides de cine: Lady Snowblood

El 1 de diciembre de 1973 se estrenó la película japonesa Lady Snowblood (Shurayukihime), dirigida por Toshiya Fujita e interpretada por Meiko Kaji, Ko Nishimura, Toshio Kurosawa, Masaaki Daimon, Miyoko Akaza, Eiji Okada, Yutaka Matsushige, Takeo Chii, Hitoshi Takagi, Akemi Negishi. Productora: Tōhō. Duración: 97 minutos. 

Sinopsis argumental:  Una banda de ladrones desalmados irrumpe en la casa de una familia del campo, y después de robar sus pertenencias, asesinan al esposo y violan a su mujer, luego de golpearla brutalmente. Cuando la vengativa esposa encuentra a uno de los ladrones y lo ataca, es arrestada por la policía; habiendo quedado embarazada por la violación, dio a luz meses después, muriendo al poco tiempo del alumbramiento. Su hija Yuki (Meiko Kaji) es criada por un monje que le enseña cómo utilizar una espada y a no mostrar piedad por aquellos hombres que acabaron con su familia. Cuando cumple 20 años, Yuki comienza su venganza, luciendo hermosa y tranquila por fuera pero poseída por una poderosa sed de venganza contra aquellos que se involucraron con ella y su madre.

Comentario: Está basada en el manga homónimo escrito por Kazuo Koike e ilustrado por Kazuo Kamimura y narra la historia de la asesina del título Lady Snowblood y su venganza contra los bandidos que violaron a su madre y mataron a su padrastro. Su secuela fue producida al año siguiente, y se hizo un remake de la cinta original en el 2001: también fue una gran fuente de inspiración para Quentin Tarantino y su película Kill Bill, sobre todo en el desarrollo del personaje interpretado por Lucy Liu (O-Ren Ishii), quien también agregó a su cinta la canción The Flower of Carnage (interpretada por Meiko Kaji) al final de ésta. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Cumplió 25 años: Holocausto samurái

El 15 de septiembre de 1998 se estrenó la película estadounidense Holocausto samurái (Six-String Samurai), dirigida por Lance Mungia e interpretada por Jeffrey Falcon, Justin McGuire, Stephane Gauger, Clifford Hugo, Oleg Bernov, Igor Yuzov, Zhenya Kolykhanov, Avi Sills, Kareem, Zuma Jay. Productora: Palm Pictures. Duración: 91 minutos. 

Sinopsis argumental: Buddy es el nuevo héroe, un tipo misterioso y fuerte que resulta tan hábil con la guitarra como con su espada de samurai. Tras una espectacular pelea, Buddy salva la vida de un chico: Ahora los dos tratan de escapar de sus enemigos y llegar a “Lost Vegas”, la capital del rock`n´roll en este mundo del futuro.

Nominaciones y premios: Festival de Cine de Sitges: Nominada a mejor película.
Conmemoraciones: La película retrofuturista retrata un mundo postapocalíptico donde la URSS ha ganado y abandonado a los Estados Unidos. La película es una mezcla de ciencia-ficción, western, fantasía samurai y rock'n'roll, y está escrita y protagonizada por Jeffrey Falcon, un artista de las artes marciales que empezó su carrera cinematográfica en Hong-Kong. Para los amantes de la música, el largometraje está ambientado con las notas del guitarrista Brian Tyler y los The Red Elvises. Holocausto samurai se rodó con pocos medios y no tuvo demasiado éxito en taquillas, pero sí que recibió alabanzas en festivales de cine fantástico.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCLV)

El asesino del Shogun (Shogun Assassin, 1980), de Robert Houston

Viendo en él un enemigo potencial, el paranoico Shogun ordena a sus ninjas ejecutar a su verdugo y mejor samurai. Estos sólo consiguen matar a su esposa. El samurai jura vengarse y, conocido desde entonces como Lobo solitario, recorre el Japón con su hijo pequeño y su carrito lleno de armas, trabajando como mercenario y acosado en todo momento por los ninjas del Shogun. La película que desató la fiebre por el cine de samuráis en Occidente, por encima incluso de las películas de Kurosawa, fue este salvaje remontaje, adaptado a los gustos occidentales (es decir, menos contemplación, más acción), de las dos primeras películas de un total de seis de la saga El lobo solitario y su cahorro, inspiradas en el mítico manga de Kazuo Koike y Goseki Kojima. Es decir, 'El lobo solitario y su cahorro:  Niño y maestría en alquiler (Kozure Ôkami: Kowokashi udekashi tsukamatsuru) y, sobre todo, Lone Wolf and Cub: Baby Cart at the River Styx (Kozure Ôkami: Sanzu no kawa no ubaguruma), ambas de 1972. Este es el inicio de la historia de un asesino al servicio de un señor feudal que cae en desgracia por falsas acusaciones de traición. Convertido en un asesino sin dueño, busca venganza acompañado de su hijo de tres años, a quien lleva en un carrito. Las dos películas fueron remontadas por Robert Houston y David Weisman, que compraron los derechos de las películas originales a la Toho. Fueron distribuidas por Roger Corman en el circuito grindhouse y, más tarde, en formato doméstico por Universal, que se encontró innumerables obstáculos por culpa de su notoria violencia. Lo que sin duda le ayudó a alcanzar su categoría de culto: paradójicamente, el resultado es -pese a su condición de obra bastarda-, perfecto para iniciarse en el cine de samuráis de los años 1970.

Efemérides de cine: Lone Wolf and Cub: Baby Cart in Peril

El 30 de diciembre de 1972 se estrenó la película japonesa Lone Wolf and Cub: Baby Cart in Peril (Kozure Ôkami: Oya no kokoro ko no kokoro), dirigida por Buichi Saito e interpretada por Tomisaburô Wakayama, Yoichi Hayashi, Michie Azuma, Akihiro Tomikawa, Asao Koike, Tatsuo Endô. Productora: Toho. Duración: 81 minutos. 

Sinopsis argumental: Narra las aventuras de un ronin que deambula por el Japón del shogunato Tokugawa acompañado de un niño. En esta ocasión Ogami es contratado para acabar con una asesina tatuada, mientras Gunbei Yagyu, un antiguo enemigo que ha encontrado a Daigoro por casualidad, le desafía en duelo.

Comentario: Cuarta entrega de la serie de adaptaciones al cine de imagen real del famoso manga escrito por Kazuo Koike y dibujado por Goseki Kojima. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Lone Wolf and Cub: Baby Cart to Hades

El 2 de septiembre de 1972 se estrenó la película japonesa Lone Wolf and Cub: Baby Cart to Hades (Kozure Ôkami: Shinikazeni mukau ubaguruma), dirigida por Kenji Misumi e interpretada por Tomisaburô Wakayama, Go Kato, Yuko Hamada, Isao Yamagata, Michitaro Mizushima, Akihiro Tomikawa, Ichirô Nakatani, Sayoko Katô, Jun Hamamura, Daigo Kusano, Shun'ya Wazaki, Hiroshi Nawa, Sakai Umezu, Saburo Date, Hatsuo Yamatani, Toru Abe. Productora: Katsu Production, Toho. Duración: 89 minutos. 

Sinopsis argumental:  Narra las aventuras de un Samurai que trabaja con su hijo siempre acompañándole en sus viajes. Ogami Itto acepta ser torturado por la Yakuza para salvar la vida de una prostituta, y estos alquilan sus servicios. Su objetivo es el malvado chamberlán. 

Comentario: Tercera entrega de la serie de adaptaciones al cine de imagen real del famoso manga escrito por Kazuo Koike y dibujado por Goseki Kojima. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

“Rashômon”, joya de Kurosawa, película de referencia de varios maestros del cine

Bergman, Tarantino… Todos meditaron la lección de Kurosawa, maestro de la historia a muchas voces. La película del maestro japonés se estrena en los cines en versión restaurada.

En la lista de “películas que debes haber visto”, Rashômon (1950) ocupa un lugar especial. El de una obra que a veces conocemos sin siquiera haberla visto, porque se ha convertido en una matriz –leemos así de la pluma de los críticos que un largometraje funciona “a la Rashômon”–, como una piedra angular que no deja de cimentar a otros. ¿Un ejemplo reciente? El último duelo (The Last Duel), de Ridley Scott, estrenada en 2021 y construida sobre el principio narrativo inaugurado siete décadas antes por Akira Kurosawa: un crimen, un juicio y testigos cuyas verdades irreconciliables, entregadas en flashbacks, reorganizan las cartas en una historia explotada.
(Re)descubrir Rashômon, citada por Ingmar Bergman o Quentin Tarantino entre sus películas favoritas, es pues volver a una fuente viva del cine pero también es bañarse en la luz que las habitaciones oscuras saben ofrecer. Sin embargo, la historia comienza bajo una lluvia torrencial, que reúne a un leñador, un monje y un campesino en un templo en ruinas en el Japón medieval. Al revés, los dos primeros le cuentan al tercero el caso que les valió declarar ante un tribunal: el asesinato de un samurái y la violación de su esposa por parte del bandido Tajômaru.

Efemérides de cine: El lobo solitario y su cachorro: Niño y maestría en alquiler (Kozure Ôkami: Ko wo kashi ude kashi tsukamatsuru)

El 15 de enero de 1972 se estrenó la película japonesa El lobo solitario y su cachorro: Niño y maestría en alquiler (Kozure Ôkami: Ko wo kashi ude kashi tsukamatsuru), dirigida por Kenji Misumi e interpretada por Tomisaburô Wakayama, Fumio Watanabe, Tomoko Mayama, Shigeru Tsuyuguchi, Asao Uchida, Taketoshi Naitô, Yoshi Kato, Reiko Kasahara, Akihiro Tomikawa, Go Kato, Yuko Hamada, Keiko Fujita, Isao Yamagata, Ichirô Nakae, Michitaro Mizushima, Saburo Date. Productora: Toho, Katsu Production. Duración: 83 minutos. 

Sinopsis argumental:  Ambientada en Japón durante un año no especificado del período Edo, la historia es protagonizada por Ogami Ittō, un antiguo verdugo (o Kogi Kaishakunin) del shogunato que recorre diversos pueblos acompañado de su hijo Daigoro, de tres años de edad, a quien lleva en un coche de niño. El hombre lleva consigo un cartel donde ofrece en arrendamiento sus habilidades para la espada. Mientras camina cerca de una aldea, el hombre es sorprendido por una mujer que saca a Daigoro del coche e intenta darle de amamantar. El niño se niega, pero tras ver que su padre lo permite, comienza a beber la leche. La madre de la mujer le explica a Ittō que perdió a su hijo y desde entonces ha sufrido problemas mentales que le impiden diferenciarlo de otros niños. Cuando la madre de la mujer le intenta pagar por las molestias, el ronin se niega y le dice que de todas maneras su hijo estaba hambriento...

Comentario: Primera de una serie de adaptaciones al cine en imagen real del famoso manga escrito por Kazuo Koike y dibujado por Goseki Kojima. Esta película narra los orígenes del personaje y también es conocida por su título literal: Lone Wolf and Cub: Child and Expertise for Rent. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CLXXIII)

Lady Snowblood (Shurayukihime, 1973), de Toshiya Fujita

Una joven llamada Yuki Kashima, nació en la cárcel en una fría noche como instrumento de una venganza, ya que su padre, fue brutalmente asesinado al ser confundido con un asesino del gobierno Meiji, suerte que también compartió su pequeño hermano. Su madre logró vengarse de uno de los asesinos, pero por ese asesinato fue condenada a cadena perpetua y para continuar su venganza, se dedicó a acostarse con todos los presos y carceleros que pudo, hasta conseguir quedar embarazada para que su hijo (que resultó ser hija) terminase la venganza por ella. Saya murió al dar a luz a la pequeña Yuki, que fue educada y brutalmente entrenada por el monje Dokai. Está basada en el manga homónimo escrito por Kazuo Koike e ilustrado por Kazuo Kamimura. Su secuela fue producida al año siguiente, y se hizo un remake de la cinta original en el 2001: también fue gran fuente de inspiración para Quentin Tarantino y su película Kill Bill, sobre todo en el desarrollo del personaje interpretado por Lucy Liu (O-Ren Ishii), quien también agregó a su cinta la canción The Flower of Carnage (interpretada por Meiko Kaji) al final de ésta.

Efemérides de cine: Sol rojo

El 15 de septiembre de 1971 se estrenó la película francesa Sol rojo (Soleil rouge AKA Red Sun AKA Sole rosso), dirigida por Terence Young e interpretada por Charles Bronson, Toshirô Mifune, Ursula Andress, Alain Delon, Capucine, Anthony Dawson, Guido Lollobrigida, Barta Barri, Mónica Randall, Gianni Medici, Georges Lycan, Luc Merenda, Tetsu Nakamura, José Nieto, Julio Peña, Hiroshi Tanaka, John B. Vermont. Productora: Coproducción Francia-Italia-España; Les Films Corona, Oceania Produzioni Internazionali Cinematografiche, Producciones Balcázar S.A. Duración: 109 minutos.

Sinopsis argumental: Un embajador japonés, acompañado de dos samuráis, se dirige a Washington en el Transcontinental Express para entregar al Presidente de los Estados Unidos un valioso obsequio del Emperador: una rica espada de samurái. En el mismo tren van Link "el Zurdo" y su banda de forajidos con la intención de asaltar el vagón correo, que tranporta un valioso cargamento. 

Comentario: Una superproducción faraónica coproducida entre Francia, Italia y España. Lejos de ser el típico espagueti wéstern, Sol rojo reunía un brillante elenco de estrellas internacionales de alto nivel. Los mitómanos apreciarán el detalle de ver a Charles Bronson, uno de Los siete Magníficos, y Toshirô Mifune, uno de Los Siete Samurais, juntos por primera (y única) vez en pantalla. Completan el reparto la exchica Bond suiza Ursula Andress y el galán francés Alain Delon, esta vez en el papel de villano. Rodada, como era habitual en los wésterns europeos del momento, en la localidad de Tabernas (Almería), la película fue un enorme éxito comercial, con más de un millón y medio de espectadores en las salas españolas.

Efemérides de cine: Pandemonium (Shura)

El 13 de febrero de 1971 se estrenó la película japonesa Pandemonium (Shura), dirigida por Toshio Matsumoto e interpretada por Katsuo Nakamura, Yasuko Sanjo, Juro Kara, Masao Imafuku, Kappei Matsumoto, Tamotsu Tamura, Hideo Kanze, Shinji Amano, Hatsuo Yamaya, Yusuke Minami, Takashi Ebata, Atsuko Kawaguchi. Productora: Art Theatre Guild/Matsumoto Production Company. Duración: 135 minutso.

Sinopsis argumental: Un samurai ronin solo vive para poder consumar su sed de venganza contra aquellos que le despojaron de cuanto le rodeaba. Un estudio acerca de cómo la manipulación y los sentimientos interesados pueden llevar a un hombre a perder todo ideal. 

Comentario: Un inusual chambara (cine de samuráis), cercano al cine experimental, firmado por uno de los nombres claves de la Nueva Ola Japonesa. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCIV)

Harakiri (Seppuku) (Seppuku (Harakiri) (1962), de Masaki Kobayashi

En 1630, después de un largo periodo de paz posterior a la guerra de los clanes, miles de samurais han quedado sin amos en Japón y tienen que vivir en la pobreza absoluta. El ronin Hanshiro Tsugumo, antiguo samurai de Lord Geishu, llega a la casa de Lord Lyi pidiendo un lugar para poder cometer hara-kiri, un ritual de suicidio honorable. Es recibido por Umenosube Kawabe, que le cuenta la historia de otro samurai que llegó hace un tiempo a la casa pidiendo lo mismo sólo para obtener unas monedas que le permitieran seguir con vida. Para que su caso sirviera de ejemplo a futuros visitantes, el dueño de la casa le obligó a cometer realmente hara-kiri utilizando una espada de bambú. Tsugumo descubre que se trataba de su cuñado, que se vio forzado a dicha situación cuando buscaba dinero para su mujer enferma y su bebé, y decide vengar su memoria. Gano el Premio Especial del Jurado (ex-aqueo con Az prijde kocour) en el Festival Internacional de Cine de Cannes. Basada en la novela Ibun rônin-ki de Yasuhiko Takiguchi. La película plasma la situación de pobreza y desamparo en que se vieron abocados miles de samuráis tras el establecimiento del Shogunato Tokugawa en 1603. El Shogunato, que se mantuvo en el poder hasta la Restauración Meiji de 1868, se caracterizó por una férrea centralización e inauguró un periodo de paz, en el que muchos samuráis, especialmente los que servían a señores de la guerra derrotados por los Tokugawa, quedaron sin amo, creándose así la figura del rōnin o samurái sin amo. La película critica también la hipocresía del código de honor de los Daimyo o señores feudales, sólo preocupados en mantener las apariencias y la reputación de su Clan, aunque tuviesen que ocultar la verdad para ello.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LII)

Los siete samuráis (Shichinin no Samurai, 1954), de Akira Kurosawa

En el Japón medieval, un pequeño pueblo de agricultores se ve constantemente atacado por una banda de bandidos. Un día, tras el enésimo ataque, los aldeanos piden consejo al más anciano del lugar, que les dice que contraten a samurais que hayan caído en desgracia para que los defiendan. Una delegación de ellos contacta con un samurai que ha perdido a su señor y que acepta reclutar a varios hombres más para el trabajo. Conseguirá la ayuda de cinco contrastados guerreros y otro, un joven, que parece serlo mucho menos, aunque asegura lo contrario. Juntos plantarán cara a los bandidos. Unánimemente considerada como una de las obras maestras de la historia del cine, Los siete samurais ha inspirado innumerables películas (algunos, fabulosos, como Los siete magníficos), pero no ha sido nunca superada en términos de capacidad para generar emociones, energía visual y desarrollo de los personajes. Una advertencia: la versión original de la cinta dura 203 minutos, pero aprovechen hasta el último de ellos. Obtuvo el León de Plata en la Mostra de Venecia y dos candidaturas al Óscar. Los siete samuráis es considerada como una de las películas más grandes e influyentes de la historia,4​ y es una de las pocas películas japonesas que ganó fama y popularidad en el Occidente durante muchos años. Ha sido aclamada tanto por la crítica como por el público; en 1982 fue elegida en la lista de Sight & Sound de las diez películas más grandes de todos los tiempos, y entre las diez películas preferidas de los directores en las votaciones de 1992 y el 2002.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XXXVII)

Rashômon (1950), dirigida por Akira Kurosawa

Un samurai es asesinado en un bosque y su esposa violada. Pero, ¿qué es lo que sucedió realmente? Existen cuatro versiones diferentes de la historia: la de un leñador, la de un bandido, la de la mujer y la del fantasma de su esposo. Pero ¿cuál de ellas es verdad? Su técnica narrativa, fragmentada y basada en el uso del flashback, denominada efecto Rashōmon ha ejercido amplia influencia en directores posteriores. Rashomon supuso todo un acontecimiento en el mundo del celuloide. No sólo catapultó a su director, Akira Kurosawa, al reconocimiento internacional sino que, por extensión, también lo hizo con todo el cine nipón, desconocido hasta ese momento. La película se convirtió en la primera japonesa en ganar un Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Y es que Rashomon es una obra maestra, no sólo por su original tratamiento del punto de vista (al contar una misma historia desde cuatro personajes diferentes), sino también por la impecable realización y puesta en escena, que la convierten en una pieza de orfebrería. La intención de Kurosawa fue realizar una reflexión filosófica sobre el relativismo de la verdad y por este motivo no trata de explicar un hecho sino que deja al espectador que decida qué debe creer y qué no. El guión está inspirado en los cuentos cortos En el bosqu”, de Ryunosuke Akutagawa.

Efemérides de cine: Kill!

El 22 de junio de 1968 se estrenó la película japonesa Kill! (Kiru), dirigida por Kihachi Okamoto e interpretada por Tatsuya Nakadai, Etsushi Takahashi, Shigeru Kôyama, Akira Kubo, Seishiro Kuno, Nami Tamura, Tadao Nakamaru, Eijirô Tono, Isao Hashimoto, Yoshio Tsushiya, Yuriko Hoshi, Shin Kishida, Atsuo Nakamura, Hideyo Amamoto, Akira Hamada, Takeo Chii, Ben Hiura, Susumu Kurobe, Masao Imafuku, Hiroshi Hasegawa, Yutaka Nakayama, Ryôsuke Kagawa. Productora: Toho Company. Duración: 109 minutos. 

Sinopsis argumental: Genta, un ronin con un misterioso pasado, y Hanjiro, un antiguo campesino obsesionado por convertirse en samurái, se encuentran en una desolada aldea. Pronto se ven implicados en un conflicto interno del clan local de los samuráis, y cada uno se alinea en una de las dos facciones. Sin embargo, eso no impedirá que entre ellos se vaya forjando una peculiar amistad.

Comentario: Basada  en la historia Torideyama no jushichinichi, que aparece en la novela de Shugoro Yamamoto, Yamamoto Shugoro zenshu (1964). Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.