Hace 100 años: Serpent

El 20 de noviembre de 1925 se estrenó la película japonesa Serpent (Orochi), dirigida por Buntaro Futagawa e interpretada por Tsumasaburō Bandō, Misao Seki, Utako Tamaki, Kensaku Haruji, Momotarô Yamamura, Kotonosuke Nakamura, Shigeyo Arashi, Kichimatsu Nakamura, Zen'ichirô Yasuda, Shizuko Mori. Productora: Bando Production. Duración: 74 minutos. 

Sinopsis argumental: Heisaburo Kuritomi (Tsumasaburo) es a un joven e impetuoso samurái que se enamora de dos mujeres a la vez (Misao Seki y Utako Tamaki), pero es incapaz de hacer ver a ninguna de ellas que es un buen hombre. Poco después, se convierte en un asesino tratando de rescatar a una de ellas de un criminal. 

Comentario: Es la película más popular y querida de Tsumasaburō Bandō, en la que el actor se encuentra en la cima de su fama. Las dinámicas escenas de lucha con espada, magistralmente interpretadas por Bandō, resultaron novedosas en una época donde predominaban las películas de estilo kabuki, pausadas y solemnes. Este estilo influyó en las modernas películas de chambara.

Cuatro nuevas películas de la obra del japonés Kenji Misumi, maestro del cine de espadas

Kenji Misumi, un director de gran producción  (hasta seis películas al año), revolucionó el chambara, el cine japonés de samuráis. Cuatro de sus películas, para volver a ver.

"No hay técnica, solo hay una verdad: desenvainar, matar, envainar". La frase podría haber salido de una película de Sergio Leone. De hecho, es una frase clave de La espada del diablo, una de las películas más importantes de Kenji Misumi (1921-1975), quien, en la década de 1960, sometió a la chambara (la película japonesa de samuráis) a un tratamiento equivalente al que el cineasta italiano estaba sometiendo al mismo tiempo al western estadounidense: un fuerte gusto por la innovación, una relectura radical de los códigos narrativos y estéticos del género, una primacía de lo visual sobre el guion. Cuatro películas del prolífico director japonés (podía rodar hasta seis largometrajes al año) que recomendamos ver.

1. La historia de Zatoichi (Zatôichi monogatari, 1962)

Zatoichi, el masajista-espadachín ciego, es uno de los personajes más populares del cine japonés. Sus aventuras han sido el tema de veintisiete películas, seis de las cuales —las mejores— fueron dirigidas por Misumi, comenzando por el episodio inicial, rodado en blanco y negro. Las escenas de acción se reducen aquí, y las expectativas del espectador a menudo se ven frustradas, lo que conduce a un final bastante sangriento, como no podía ser de otra manera. Una película muy disfrutable, también recomendada por una magnífica secuencia de pesca que, inesperadamente, recuerda a la de Había un padre  (Chichi ariki, 1942) de Yasujirō Ozu.

2. Destiny's Son (Kiru, 1962)

Tras la ejecución de su madre por asesinato, Shingo es confiado a un samurái que le oculta sus orígenes y lo cría como a su propio hijo. Convertido él mismo en un formidable guerrero, el huérfano se verá envuelto en su pasado... Si solo hubiera que ver una película de esta retrospectiva, sería esta. Por sus increíbles elipses narrativos (Destiny's Son alcanza apenas setenta minutos, mientras que la riqueza de su trama podría haber merecido el doble). Y por su sucesión de impactos visuales: el sorprendente inicio, donde una persecución entre dos mujeres se convierte en una confrontación sexual; la ejecución de la asesina por su propio amante; Shingo abriendo frenéticamente las paredes corredizas de un palacio convertido en laberinto; y una increíble lucha a la luz de la luna donde, de un solo golpe de espada, un oponente es cortado en dos longitudinalmente.

3. La espada (Ken, 1964)

Esta es la película más elocuente... y la menos impresionante de las cuatro. Esta crónica de una rivalidad entre miembros de un club de kendo es una adaptación de una novela de Mishima, que rezuma las obsesiones del escritor nacionalista (aunque el propio director sea más crítico con el código de honor samurái): la idea de la juventud pura, la autorrealización a través de la actividad física hasta el dolor y el agotamiento, el conflicto entre la espiritualidad tradicional y el materialismo moderno, por no mencionar la fascinación por el cuerpo masculino. A las a veces torpes incursiones filosóficas de los personajes, preferimos la belleza del blanco y negro y la fuerza de las secuencias de combate con bastones, donde Misumi expresa la esencia de un arte marcial tradicional con los efectos del cine pop de los años 1960.

3. Sword Devil (Ken Ki, 1965)

Sin embargo, no hay diálogos innecesarios en esta historia de un jardinero que se convierte en un experto espadachín... y en un secuaz asesino. En Sword Devil, Musumi entusiasma con su uso del color, pero también con una curiosa mezcla de atmósfera fantástica, breves salidas burlescas y romanticismo oscuro. Un clásico emblemático de la chambara, el polo opuesto de las películas de capa y espada de Hollywood o Francia: aquí no hay largos duelos con espadachines, sino luchas salvajes donde el asalto, que rara vez dura más de dos segundos, importa menos que la anticipación y la tensión que lo preceden.

"Ran", el "Apocalipsis nô" de Kurosawa, celebra su 40.º aniversario

Estrenada en cines en 1985, Ran, de Kurosawa, inspirada en "El Rey Lear", se reedita. En el Japón medieval, el poderoso señor Hidetora decide abdicar y repartir sus dominios entre sus tres hijos. El menor considera que la idea es absurda y sólo servirá para causar problemas. Su padre, enfurecido, lo deshereda. Muy pronto descubrirá su error: la ambición hará que sus hijos mayores se enfrenten por el poder en una cruenta guerra.

En el otoño de 1985, Akira Kurosawa cumplió un sueño de toda la vida: trasladar El Rey Lear de Shakespeare al Japón medieval. Para celebrar el cuadragésimo aniversario del estreno en cines de la película, se lanza una lujosa caja en Blu-ray. Esta es una oportunidad para admirar, en imágenes magníficamente restauradas, este "Apocalipsis nô (teatro japonés)", donde las laderas del Monte Fuji se convierten en el escenario de un teatro de ruido y furia, donde las pasiones humanas conducen inexorablemente a la desolación. Kurosawa organiza este caos (ran, en japonés) como un pintor del claroscuro y el rojo sangre que conoce a Caravaggio y a Paolo Uccello como la palma de su mano. Y el espectáculo del horror se convierte en una obra de arte.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCLV)

El asesino del Shogun (Shogun Assassin, 1980), de Robert Houston

Viendo en él un enemigo potencial, el paranoico Shogun ordena a sus ninjas ejecutar a su verdugo y mejor samurai. Estos sólo consiguen matar a su esposa. El samurai jura vengarse y, conocido desde entonces como Lobo solitario, recorre el Japón con su hijo pequeño y su carrito lleno de armas, trabajando como mercenario y acosado en todo momento por los ninjas del Shogun. La película que desató la fiebre por el cine de samuráis en Occidente, por encima incluso de las películas de Kurosawa, fue este salvaje remontaje, adaptado a los gustos occidentales (es decir, menos contemplación, más acción), de las dos primeras películas de un total de seis de la saga El lobo solitario y su cahorro, inspiradas en el mítico manga de Kazuo Koike y Goseki Kojima. Es decir, 'El lobo solitario y su cahorro:  Niño y maestría en alquiler (Kozure Ôkami: Kowokashi udekashi tsukamatsuru) y, sobre todo, Lone Wolf and Cub: Baby Cart at the River Styx (Kozure Ôkami: Sanzu no kawa no ubaguruma), ambas de 1972. Este es el inicio de la historia de un asesino al servicio de un señor feudal que cae en desgracia por falsas acusaciones de traición. Convertido en un asesino sin dueño, busca venganza acompañado de su hijo de tres años, a quien lleva en un carrito. Las dos películas fueron remontadas por Robert Houston y David Weisman, que compraron los derechos de las películas originales a la Toho. Fueron distribuidas por Roger Corman en el circuito grindhouse y, más tarde, en formato doméstico por Universal, que se encontró innumerables obstáculos por culpa de su notoria violencia. Lo que sin duda le ayudó a alcanzar su categoría de culto: paradójicamente, el resultado es -pese a su condición de obra bastarda-, perfecto para iniciarse en el cine de samuráis de los años 1970.

Efemérides de cine: Lone Wolf and Cub: Baby Cart in Peril

El 30 de diciembre de 1972 se estrenó la película japonesa Lone Wolf and Cub: Baby Cart in Peril (Kozure Ôkami: Oya no kokoro ko no kokoro), dirigida por Buichi Saito e interpretada por Tomisaburô Wakayama, Yoichi Hayashi, Michie Azuma, Akihiro Tomikawa, Asao Koike, Tatsuo Endô. Productora: Toho. Duración: 81 minutos. 

Sinopsis argumental: Narra las aventuras de un ronin que deambula por el Japón del shogunato Tokugawa acompañado de un niño. En esta ocasión Ogami es contratado para acabar con una asesina tatuada, mientras Gunbei Yagyu, un antiguo enemigo que ha encontrado a Daigoro por casualidad, le desafía en duelo.

Comentario: Cuarta entrega de la serie de adaptaciones al cine de imagen real del famoso manga escrito por Kazuo Koike y dibujado por Goseki Kojima. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Lone Wolf and Cub: Baby Cart to Hades

El 2 de septiembre de 1972 se estrenó la película japonesa Lone Wolf and Cub: Baby Cart to Hades (Kozure Ôkami: Shinikazeni mukau ubaguruma), dirigida por Kenji Misumi e interpretada por Tomisaburô Wakayama, Go Kato, Yuko Hamada, Isao Yamagata, Michitaro Mizushima, Akihiro Tomikawa, Ichirô Nakatani, Sayoko Katô, Jun Hamamura, Daigo Kusano, Shun'ya Wazaki, Hiroshi Nawa, Sakai Umezu, Saburo Date, Hatsuo Yamatani, Toru Abe. Productora: Katsu Production, Toho. Duración: 89 minutos. 

Sinopsis argumental:  Narra las aventuras de un Samurai que trabaja con su hijo siempre acompañándole en sus viajes. Ogami Itto acepta ser torturado por la Yakuza para salvar la vida de una prostituta, y estos alquilan sus servicios. Su objetivo es el malvado chamberlán. 

Comentario: Tercera entrega de la serie de adaptaciones al cine de imagen real del famoso manga escrito por Kazuo Koike y dibujado por Goseki Kojima. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

“Rashômon”, joya de Kurosawa, película de referencia de varios maestros del cine

Bergman, Tarantino… Todos meditaron la lección de Kurosawa, maestro de la historia a muchas voces. La película del maestro japonés se estrena en los cines en versión restaurada.

En la lista de “películas que debes haber visto”, Rashômon (1950) ocupa un lugar especial. El de una obra que a veces conocemos sin siquiera haberla visto, porque se ha convertido en una matriz –leemos así de la pluma de los críticos que un largometraje funciona “a la Rashômon”–, como una piedra angular que no deja de cimentar a otros. ¿Un ejemplo reciente? El último duelo (The Last Duel), de Ridley Scott, estrenada en 2021 y construida sobre el principio narrativo inaugurado siete décadas antes por Akira Kurosawa: un crimen, un juicio y testigos cuyas verdades irreconciliables, entregadas en flashbacks, reorganizan las cartas en una historia explotada.
(Re)descubrir Rashômon, citada por Ingmar Bergman o Quentin Tarantino entre sus películas favoritas, es pues volver a una fuente viva del cine pero también es bañarse en la luz que las habitaciones oscuras saben ofrecer. Sin embargo, la historia comienza bajo una lluvia torrencial, que reúne a un leñador, un monje y un campesino en un templo en ruinas en el Japón medieval. Al revés, los dos primeros le cuentan al tercero el caso que les valió declarar ante un tribunal: el asesinato de un samurái y la violación de su esposa por parte del bandido Tajômaru.

Efemérides de cine: El lobo solitario y su cachorro: Niño y maestría en alquiler (Kozure Ôkami: Ko wo kashi ude kashi tsukamatsuru)

El 15 de enero de 1972 se estrenó la película japonesa El lobo solitario y su cachorro: Niño y maestría en alquiler (Kozure Ôkami: Ko wo kashi ude kashi tsukamatsuru), dirigida por Kenji Misumi e interpretada por Tomisaburô Wakayama, Fumio Watanabe, Tomoko Mayama, Shigeru Tsuyuguchi, Asao Uchida, Taketoshi Naitô, Yoshi Kato, Reiko Kasahara, Akihiro Tomikawa, Go Kato, Yuko Hamada, Keiko Fujita, Isao Yamagata, Ichirô Nakae, Michitaro Mizushima, Saburo Date. Productora: Toho, Katsu Production. Duración: 83 minutos. 

Sinopsis argumental:  Ambientada en Japón durante un año no especificado del período Edo, la historia es protagonizada por Ogami Ittō, un antiguo verdugo (o Kogi Kaishakunin) del shogunato que recorre diversos pueblos acompañado de su hijo Daigoro, de tres años de edad, a quien lleva en un coche de niño. El hombre lleva consigo un cartel donde ofrece en arrendamiento sus habilidades para la espada. Mientras camina cerca de una aldea, el hombre es sorprendido por una mujer que saca a Daigoro del coche e intenta darle de amamantar. El niño se niega, pero tras ver que su padre lo permite, comienza a beber la leche. La madre de la mujer le explica a Ittō que perdió a su hijo y desde entonces ha sufrido problemas mentales que le impiden diferenciarlo de otros niños. Cuando la madre de la mujer le intenta pagar por las molestias, el ronin se niega y le dice que de todas maneras su hijo estaba hambriento...

Comentario: Primera de una serie de adaptaciones al cine en imagen real del famoso manga escrito por Kazuo Koike y dibujado por Goseki Kojima. Esta película narra los orígenes del personaje y también es conocida por su título literal: Lone Wolf and Cub: Child and Expertise for Rent. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CIV)

Onibaba (1964),  dirigida por Kaneto Shindô

Dos mujeres, una madre (Nobuko Otowa) y una esposa (Jitusko Yoshimura) tratan de salir adelante mientras aguardan el regreso de su hijo (y esposo) del campo de batalla. Para ello y, en medio de la escasez de alimentos, sobreviven despojando a los cadáveres de los soldados muertos o asesinando a estos guerreros solitarios o perdidos para poder vender sus armas y armaduras a cambio de alimentos. Un día regresa Hachi (Kei Sato), un amigo y compañero de batalla del hijo (y marido) de las mujeres. Él les cuenta que su amigo ha muerto y no regresará. Al poco tiempo, Hachi empezará a poner los ojos sobre la esposa de su amigo muerto y se creará una situación tensa con la madre, ya que esta siente que su nuera la abandone y la deje sola. Así que intentará evitar esa relación  disfrazándose con la máscara robada a un guerrero asesinado días atrás. Se le aparecerá a su nuera por las noches en medio de los campos de juncos para asustarla y evitar sus encuentros con Hachi. La historia que nos cuenta Onibaba no es otra que una historia de supervivencia en medio de las guerras feudales que azotan Japón.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCIV)

Harakiri (Seppuku) (Seppuku (Harakiri) (1962), de Masaki Kobayashi

En 1630, después de un largo periodo de paz posterior a la guerra de los clanes, miles de samurais han quedado sin amos en Japón y tienen que vivir en la pobreza absoluta. El ronin Hanshiro Tsugumo, antiguo samurai de Lord Geishu, llega a la casa de Lord Lyi pidiendo un lugar para poder cometer hara-kiri, un ritual de suicidio honorable. Es recibido por Umenosube Kawabe, que le cuenta la historia de otro samurai que llegó hace un tiempo a la casa pidiendo lo mismo sólo para obtener unas monedas que le permitieran seguir con vida. Para que su caso sirviera de ejemplo a futuros visitantes, el dueño de la casa le obligó a cometer realmente hara-kiri utilizando una espada de bambú. Tsugumo descubre que se trataba de su cuñado, que se vio forzado a dicha situación cuando buscaba dinero para su mujer enferma y su bebé, y decide vengar su memoria. Gano el Premio Especial del Jurado (ex-aqueo con Az prijde kocour) en el Festival Internacional de Cine de Cannes. Basada en la novela Ibun rônin-ki de Yasuhiko Takiguchi. La película plasma la situación de pobreza y desamparo en que se vieron abocados miles de samuráis tras el establecimiento del Shogunato Tokugawa en 1603. El Shogunato, que se mantuvo en el poder hasta la Restauración Meiji de 1868, se caracterizó por una férrea centralización e inauguró un periodo de paz, en el que muchos samuráis, especialmente los que servían a señores de la guerra derrotados por los Tokugawa, quedaron sin amo, creándose así la figura del rōnin o samurái sin amo. La película critica también la hipocresía del código de honor de los Daimyo o señores feudales, sólo preocupados en mantener las apariencias y la reputación de su Clan, aunque tuviesen que ocultar la verdad para ello.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (LII)

Los siete samuráis (Shichinin no Samurai, 1954), de Akira Kurosawa

En el Japón medieval, un pequeño pueblo de agricultores se ve constantemente atacado por una banda de bandidos. Un día, tras el enésimo ataque, los aldeanos piden consejo al más anciano del lugar, que les dice que contraten a samurais que hayan caído en desgracia para que los defiendan. Una delegación de ellos contacta con un samurai que ha perdido a su señor y que acepta reclutar a varios hombres más para el trabajo. Conseguirá la ayuda de cinco contrastados guerreros y otro, un joven, que parece serlo mucho menos, aunque asegura lo contrario. Juntos plantarán cara a los bandidos. Unánimemente considerada como una de las obras maestras de la historia del cine, Los siete samurais ha inspirado innumerables películas (algunos, fabulosos, como Los siete magníficos), pero no ha sido nunca superada en términos de capacidad para generar emociones, energía visual y desarrollo de los personajes. Una advertencia: la versión original de la cinta dura 203 minutos, pero aprovechen hasta el último de ellos. Obtuvo el León de Plata en la Mostra de Venecia y dos candidaturas al Óscar. Los siete samuráis es considerada como una de las películas más grandes e influyentes de la historia,4​ y es una de las pocas películas japonesas que ganó fama y popularidad en el Occidente durante muchos años. Ha sido aclamada tanto por la crítica como por el público; en 1982 fue elegida en la lista de Sight & Sound de las diez películas más grandes de todos los tiempos, y entre las diez películas preferidas de los directores en las votaciones de 1992 y el 2002.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XXXVII)

Rashômon (1950), dirigida por Akira Kurosawa

Un samurai es asesinado en un bosque y su esposa violada. Pero, ¿qué es lo que sucedió realmente? Existen cuatro versiones diferentes de la historia: la de un leñador, la de un bandido, la de la mujer y la del fantasma de su esposo. Pero ¿cuál de ellas es verdad? Su técnica narrativa, fragmentada y basada en el uso del flashback, denominada efecto Rashōmon ha ejercido amplia influencia en directores posteriores. Rashomon supuso todo un acontecimiento en el mundo del celuloide. No sólo catapultó a su director, Akira Kurosawa, al reconocimiento internacional sino que, por extensión, también lo hizo con todo el cine nipón, desconocido hasta ese momento. La película se convirtió en la primera japonesa en ganar un Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Y es que Rashomon es una obra maestra, no sólo por su original tratamiento del punto de vista (al contar una misma historia desde cuatro personajes diferentes), sino también por la impecable realización y puesta en escena, que la convierten en una pieza de orfebrería. La intención de Kurosawa fue realizar una reflexión filosófica sobre el relativismo de la verdad y por este motivo no trata de explicar un hecho sino que deja al espectador que decida qué debe creer y qué no. El guión está inspirado en los cuentos cortos En el bosqu”, de Ryunosuke Akutagawa.

Yuki, una maravillosa animación japonesa entre Kurosawa y Miyazaki

Realizada en 1981 por Tadashi Imai, un fresco feudal fantástico, en el que una diosa apoya una revuelta campesina. Grandioso. Recomendado a partir de los 8 años.

Bastante desconocido, Tadashi Imai (1912-1991) ha dirigido alrededor de cuarenta películas de acción real, tales como Jun'ai monogatari (1957), Oso de Plata al mejor director en el 8º Festival Internacional de Cine de Berlin, o Bushidô zankoku monogatari, Oso de Oro en Berlín en 1963; y un sólo largometraje animado, Yuki. A medio camino entre Los siete samuráis (Shichinin no samurai, 1954), de Akira Kurosawa, y La princesa Mononoke (Mononoke-hime, 19979, de Hayao Miyazaki, la historia transcurre en Japón durante la época feudal. El cineasta, marxista y humanista, describe de manera concisa los engranajes de esta sociedad desigual, asumiendo la causa de los más débiles.

La historia:  En el cielo, los abuelos de Yuki deciden que, habiendo cumplido trece años, debe ir a la Tierra a una aldea que está destrozada por bandidos e intervenir para salvar a su gente. Sin embargo, si no tiene éxito en un año, se volverá tan insustancial como el viento. En el pueblo, Yuki se hace amigo de un grupo de huérfanos cuyos padres han sido asesinados por los bandidos y que ahora subsisten mendigando. Yuki los sorprende domando al caballo salvaje Blizzard. Ella es fundamental para lograr que los huérfanos y los granjeros se enfrenten primero a los bandidos y luego a Goemon, el codicioso señor que domina la región. Pero Yuki debe enfrentarse a su mayor desafío cuando el Dios Demonio disgustado que vive en el volcán emerge para destruir a los que viven debajo.

Efemérides de cine: El placer de la tortura

El 28 de septiembre de 2018 se estrenó la película japonesa El placer de la tortura (Tokugawa onna keibatsu-shi), dirigida por Teruo Ishii e interpretada por Yuki Kagawa, Asao Koike, Reiko Mikasa, Miki Obana, Masumi Tachibana, Fumio Watanabe, Teruo Yoshida. Productora: Toei Company. Duración: 96 minutos. 

Sinopsis argumental: Ambientada en el Japón del Período Edo, la película es una antología que se compone de tres historias distintas que se cruzan: el primer segmento trata sobre Shinza que se lastimó mientras trabajaba cuando un tronco lo golpeó en la cabeza, y ahora la hermana Mitsu se ve obligada a entregarse a ella. el jefe del hermano, el Sr. Mino, para ayudar a pagar los gastos médicos de Shinza. El segundo segmento trata de la llegada de la madre Reiho y su sirviente Rintoku al monasterio de Jukuin. El monasterio está ubicado cerca de un templo habitado por sacerdotes y un día, cuando uno de ellos llamado Shunkei corre por Reiho, despierta algo dentro de ella. El segmento final trata de un artista del tatuaje llamado Horicho que acaba de darle a Kimicho su mejor tatuaje hasta la fecha. Mientras muestra su trabajo a un grupo de personas, un hombre llamado Lord Nambera camina burlándose del tatuaje y su falta de realismo.
Comentario: Se la considera precursora de las aventuras de Toei en el estilo "violencia rosa" (El subgénero se encuentra delimitado por una serie de normas y características fundamentales, entre ellas: siempre están protagonizadas por mujeres jóvenes, las tramas están relacionadas con guerrillas o bandas callejeras, se muestran asesinatos y/o cualquier otro tema en el que se recurra a la violencia), a principios de los años setenta. Fue seguida por el Shogun's Sadism en 1976. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Kill!

El 22 de junio de 1968 se estrenó la película japonesa Kill! (Kiru), dirigida por Kihachi Okamoto e interpretada por Tatsuya Nakadai, Etsushi Takahashi, Shigeru Kôyama, Akira Kubo, Seishiro Kuno, Nami Tamura, Tadao Nakamaru, Eijirô Tono, Isao Hashimoto, Yoshio Tsushiya, Yuriko Hoshi, Shin Kishida, Atsuo Nakamura, Hideyo Amamoto, Akira Hamada, Takeo Chii, Ben Hiura, Susumu Kurobe, Masao Imafuku, Hiroshi Hasegawa, Yutaka Nakayama, Ryôsuke Kagawa. Productora: Toho Company. Duración: 109 minutos. 

Sinopsis argumental: Genta, un ronin con un misterioso pasado, y Hanjiro, un antiguo campesino obsesionado por convertirse en samurái, se encuentran en una desolada aldea. Pronto se ven implicados en un conflicto interno del clan local de los samuráis, y cada uno se alinea en una de las dos facciones. Sin embargo, eso no impedirá que entre ellos se vaya forjando una peculiar amistad.

Comentario: Basada  en la historia Torideyama no jushichinichi, que aparece en la novela de Shugoro Yamamoto, Yamamoto Shugoro zenshu (1964). Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: Rebelión

El 27 de mayo de 1967 se estrenó la película japonesa Rebelión AKA Rebelión samurai (Jôi-uchi: Hairyô tsuma shimatsu), dirigida por Masaki Kobayashi e interpretada por Toshirô Mifune, Yôko Tsukasa, Gô Katô, Tatsuya Nakadai, Etsuko Ichihara, Isao Yamagata, Tatsuyoshi Ehara, Shigeru Kôyama, Tatsuo Matsumura. Productora: Toho Company/Mifune Productions

Sinopsis argumental: En el Japón de 1725, durante una época de paz, Isaburo, un samurái veterano, miembro de un clan local, lleva una vida apacible con su hijo y su esposa. Pero un día, su honor y sus principios morales entran en abierto conflicto con los de su clan. El enfrentamiento es inevitable y tendrá inesperadas consecuencias. 

Nominaciones y premios: Festival de Venecia: Premio FIPRESCI. Premio Kinema: mejor película, mejor director y mejor guión. Mainiche Film Concours: mejor película. 

Comentario: Obra maestra del cine japonés sobre el tema de los samurais, basada en una novela de Yasuhiko Takiguchi. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: La espada del mal

El 25 de febrero de 1966 se estrenó la película japonesa La espada del mal (Dai-bosatsu tôge), dirigida por Kihachi Okamoto. Protagonizada por Tatsuya Nakadai, Yuzo Kayama, Michiyo Aratama, Toshirô Mifune, Toranosuke Shimada, Yôko Naito, Tadao Nakamaru, Ichirô Nakaya. Productora: Takarazuka Eiga Company Ltd./Toho Company. Duración: 119 min. 

Sinopsis argumental: El samurái Ryonosuke siente una insana fascinación por el poder mortal de su katana y va por la vida acumulando cadáveres, con o sin motivo. Eventualmente lo contratan como mercenario, pero incluso cuando está sin trabajo, no tiene inconveniente alguno en matar por puro placer.

Comentario: Película del genero jidaigeki basada en la novela de Kaizan Nakazato. SE cumple el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: Zatôichi abare tako

El 11 de julio de 1964 se estreno la película japonesa Zatôichi abare tako (Zatoichi's Flashing Sword), dirigida por Kazuo Ikehiro. Protagonizada por Shintarô Katsu, Tatsuo Endô, Takashi Etajima, Ryûtarô Gomi, Bokuzen Hidari, Jun Katsumura, Naoko Kubo, Ikuko Môri, Mayumi Nagisa, Yutaka Nakamura, Koh Sugita, Teruko Ômi. Productora: Daiei Motion Picture Company/Daiei Studios. Distribuidora: Daiei International Films. Duración: 82 minutos. 

Sinopsis argumental:Zatoichi es herido por un disparo en la espalda. La casualidad hace que la hermana de quién le disparó le atienda para curarle sus heridas. Nuevamente Zatoichi se verá envuelto en otra disputa entre bandas.

Comentario: Séptima de las veintiséis películas basadas en el personaje de Zatoichi interpretado por Shintarô Katsu.

Basada en el cuento de Kan Shimosawa. 

Efemérides de cine: Samurai Assassin

El 3 de enero de 1965 se estrenó la película japonesa Samurai Assassin (Samurai), dirigida por Kihachi Okamoto. Protagonizada por Toshirô Mifune, Keiju Kobayashi, Michiyo Aratama, Yûnosuke Itô, Eijirô Tôno, Tatsuyoshi Ehara, Tadao Nakamaru, Kaoru Yachigusa, Haruko Sugimura, Nami Tamura, Shirô Ôtsuji. Productora: Mifune Productions Co. Ltd./Toho Company. Duración: 123 minutos.

Sinopsis argumental: Un grupo de asesinos espera en la Puerta de Sakurada para matar al Lord de la casa Li. El rumor de que hay un traidor entre sus filas se extiende, y las principales sospechan recaen en Niiro y Kurihara. 

Comentario: Ambientada en 1860, inmediatamente después de la restauración Meiji, que cambió para siempre la sociedad japonesa, suprimiendo las castas y y limitando la posición de la clase de los samuráis. 

Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Quincuagésimo aniversario de... Onibaba

El 21 de noviembre de 1964 se estrenó la película japonesa Onibaba, escrita y dirigida por Kaneto Shindô. Protagonizada por Nobuko Otowa, Jitsuko Yoshimura, Kei Sato, Jukichi Uno, Taiji Tonoyama. Producción y distribución: Kindai Eiga Kyokai/Tokyo Eiga Co Ltd.

Sinopsis argumental: En el Japón medieval del siglo XVI, la esposa (Jitusko Yoshimura) y madre (Nobuko Otowa) de un hombre que ha partido a la guerra se ganan la vida asesinando a los soldados que se aventuran en el lugar y vendiendo sus armaduras y espadas. Uno de los supervivientes de la batalla, llamado Hachi (Kei Sato), les comunica que aquel a quien esperan ha perecido en el frente. Hachi intentará seducir a toda costa a la joven muchacha ante el disgusto de su suegra, que teme quedarse sola. La madre del soldado muerto, para evitar que su nuera se encuentre con Hachi, oculta su cara tras una máscara terrorífica de un samurai al que había asesinado previamente, asustando así a la joven muchacha cada noche.

Comentario: Un título extraordinario. Por su asfixiante visualidad, que emplea la simbología natural y el cuento sobrenatural como concurrentes de una enrarecida situación pasional y una mesmérica descripción interpersonal, resaltada por una ecléctica banda sonora de inspiración tribal, una brillante fotografía claroscura y una tonalidad misteriosa. 

El relente escenario, dominado por juncos azotados por el viento, es el contexto para una alegoría sobre la destrucción, la muerte y sobre todo, la necesidad humana de supervivencia y compañía, especialmente de connotaciones sexuales.