Hace 100 años: El tumbón

El 6 de noviembre de 1925 se estrenó la película El tumbón (Lazybones), dirigida por Frank Borzage e interpretada Buck Jones, Madge Bellamy, Virginia Marshall, Edythe Chapman, Leslie Fenton, Jane Novak, Emily Fitzroy, Zasu Pitts, William Bailey. Productora: Fox Film Corporation. Duración: 85 minutos. 

Sinopsis argumental: En un pequeño pueblo, alrededor de 1900, Agnes Fanning y Lazybones, un personaje adorable pero holgazán, son novios. Su hermana Ruth regresa de la escuela con una niña (Kit) y la historia de su matrimonio con un marinero que se ahogó. Lazybones salva a Ruth del suicidio y adopta a Kit. Ruth se casa con Elmer Ballister. Agnes repudia a Lazybones cuando este se niega a entregar a la niña. Ruth muere tras confesárselo a su madre. Pasan los años. Lazybones parte a Francia durante la Primera Guerra Mundial. A su regreso, planea casarse con Kit, ya adulta, pero la encuentra enamorada de Dick Ritchie. Kit se casa con Dick, y se rumorea que Lazybones y Agnes podrían casarse.

Comentario: La película combina un refinado sentido del humor con un sentimiento de melancolía, en el cual la naturaleza y los paisajes son también muy relevantes, convirtiéndose en sutiles personajes con protagonismo propio. No se puede afirmar que Lazybones se encuentra entre las mejores películas de Borzage, pero, al igual que sus otras obras, es excepcionalmente entretenida y gratificante desde un punto de vista artístico.

Hace 100 años: La eterna cuestión

El 22 de septiembre de 1925 se estrenó la película estadounidense La eterna cuestión (The Circle), dirigida por Frank Borzage e interpretada por Eleanor Boardman, Malcolm McGregor, Alec B. Francis, Eugenie Besserer, George Fawcett, Creighton Hale, Otto Hoffman, Eulalie Jensen, Buddy Smith, Joan Crawford, Derek Glynne, Frank Braidwood. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 70 minutos. 

Sinopsis argumental: En la década de 1890, la joven Lady Catherine (Joan Crawford) decide abandonar a su esposo, Lord Clive Cheney (Derek Glynne), y a su hijo Arnold por su amante, "Hughie" Porteous (Frank Braidwood). Treinta años después, la joven Elizabeth Cheney (Eleanor Boardman) se enfrenta a la misma disyuntiva entre su esposo, el ya maduro Arnold (Creighton Hale), y su amante, Teddy Luton (Malcolm McGregor). Sin embargo, antes de irse con Teddy, Elizabeth quiere saber cómo ha ido el matrimonio entre Catherine y Hughie, así que los invita a su casa mientras el ya anciano padre de Arnold, Lord Clive (Alec B. Francis), está de caza. Se intercalan escenas de Catherine y Hughie conduciendo hacia la casa, con solo la nuca visible...

Comentario: Drama de salón que adapta la obra teatral homónima de Somerset Maugham. Una joven Joan Crawford (cuyo nombre Lucille LeSueur se cambió ese año gracias a un concurso organizado por el estudio) aparece en la escena inicial de la película y posteriormente en una fotografía que ven otros personajes. La obra fue filmada nuevamente por MGM como un lanzamiento sonoro temprano (también lanzado en una versión muda) en 1930 con el título Strictly Unconventional, dirigida por David Burton. 

Hace 100 años: Una gran señora

El 26 de enero de 1925 se estrenó la película estadounidense Una gran señora (The Lady), dirigida por Frank Borzage e interpretada por Norma Talmadge, Wallace MacDonald, Brandon Hurst, Alfred J. Goulding, Doris Lloyd, Johnny Fox, Paulette Duval, Emily Fitzroy, Margaret Seddon, Miles McCarthy, Marc McDermott, George Hackathorne, Walter Long, John Herdman, Ed Hubbell, Bird Shea, Justine Valse. Productora: Norma Talmadge Film Corporation. Duración: 86 minutos. 

Sinopsis argumental: Una joven se casa con el hijo derrochador de un aristócrata británico. Su marido, que ha sido desheredado por su padre, pierde el poco dinero que le queda jugando en los casinos y luego muere, dejándola sin dinero y con un hijo pequeño. Cuando su ex suegro intenta conseguir la custodia del niño, ella lo deja con una familia de confianza, pero cuando más tarde va a reclamar a su hijo, no puede encontrar a las personas con las que lo dejó.

Comentario: Uno de los mayores éxitos de Norma, con suficientes dosis de emoción como para satisfacer al cinéfilo más exigente. La Biblioteca del Congreso de Washington, D.C., ha conservado una copia casi completa de esta película. Algunas escenas de la mitad de la película se han perdido o están muy dañadas debido a la descomposición del nitrato; la versión de la Biblioteca del Congreso utiliza títulos explicativos e imágenes fijas para completar el metraje que falta.

Hace 100 años: The Age of Desire

En septiembre de 1923 se estrenó la película estadounidense The Age of Desire, dirigida por Frank Borzage e interpretada por Josef Swickard, William Collier Jr., Frederick Truesdell, Bruce Guerin, Frankie Lee, J. Farrell MacDonald, Mary Jane Irving, Myrtle Stedman, Aggie Herring, Mary Philbin, Edith Yorke. Productora: Arthur H. Jacobs Corporation. Duración: 60 minutos. 

Sinopsis argumental: Janet Loring es una joven viuda con un hijo pequeño. Se casa con el millonario Malcolm Trask, pero no le cuenta nada sobre su matrimonio anterior ni sobre su hijo Ranny. Abandonado en las calles por Janet, Ranny finalmente se va a vivir con un librero y su nieta Margy. Con el paso de los años, Janet se arrepiente de haber abandonado a su hijo y pone anuncios buscándolo. Marcio, un chantajista despiadado, envía a Ranny con Janet haciéndose pasar por su hijo, sin saber que el joven en realidad es su hijo. Sobrevienen las complicaciones.

Comentario: No se tienen noticias de que se hayan conservado copias de la película en ningún archivo cinematográfico. 

Hace 100 años: Children of Dust

El 4 de junio de 1923 se estrenó la película estadounidense Children of Dust, dirigida por Frank Borzage e interpretada por Johnnie Walker, Pauline Garon,  Lloyd Hughes, Bert Woodruff, George Nichols, Mary Carr, Frankie Lee, Josephine Adair, Newton Hall. Productora: Arthur H. Jacobs Corporation. Duración: 70 minutos. 

Sinopsis argumental: El viejo Archer, cuidador de Gramercy Park en Nueva York, es visto por Terwilliger, un huérfano, como padre adoptivo, luego de que el anciano es arrestado por golpear al niño por recoger una flor para su madre muerta. Al crecer, Terwilliger se enamora de Helen Raymond, una linda chica del barrio, pero tiene un rival en la persona de Harvey Livermore. Cuando estalla la Primera Guerra Mundial, ambos niños se alistan en el ejército y son enviados al frente. Surgen complicaciones. Pero, al final Terwilliger salva la vida de Harvey.

Comentario: Fue una de las más populares películas de la época que trataba de infancia desgraciada. Basada en el relato homónimo de Tristram Tupper.

Biografías de cine: Biografías de cine: Frank Borzage (VI)

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Una vez superada la década de 1930, comenzó a declinar la reputación de Borzage dentro de Hollywood. La delicadeza y patetismo de us emocionantes descripciones del poder del amor no encajaban ya con el cine, mucho más agresivo y realista, surgido de la II Guerra Mundial. No obstante, sus posteriores películas no deben hacer olvidar sus vigorosas expresiones de romanticismo en unos momentos en los que la pobreza y la opresión eran la norma. 

Spencer Tracy y Joan Crawford en Maniquí (1937)

Pero, aún así, llevará a la estrella de Joan Crawford al punto de incandescencia en un conjunto de tres melodramas: la citada Maniquí (Mannequin, 1937), en la que Crawford interpreta a Jessie, una joven de clase trabajadora que busca mejorar su vida casándose con su novio, solo para descubrir que él no es mejor que lo que ella dejó atrás. Conoce a un millonario hecho a sí mismo del que se enamora a pesar de sus problemas económicos; La hora radiante (The Shining Hour) (1938), un drama romántico, que también reflexiona sobre la enorme importancia de los lazos familiares, obtuvo un gran éxito de público a pesar de que no se trata ni de lejos de uno de los mejores trabajos de su director; y Extraño cargamento (Strange Cargo) (1940), última película para la pareja protagonista Joan Crawford y Clark Gable. Después de haber trabajado juntos en ocho títulos, Extraño cargamento supuso su último trabajo como pareja profesional. Durante la década de 1940 se evidenciará el desfase entre Borzage y el cine contemporáneo, al que había contribuido tan extensamente. 

Clark Gable y Joan Crawford en Extraño cargamento (1940)

Sus problemas personales lo apartarán progresivamente de los grandes estudios, por lo que terminó realizando películas de serie B, La gran pasión (Te he querido siempre) (I've Always Loved You, 1946), historia de amor entre un tiránico director de orquesta y una pianista, que es alumna suya, con colores oníricos, se inscribe en la tonalidad sentimental que Borzage privilegió siempre. Moonrise (1948) asociará esta sensibilidad con el universo criminal y opresivo del cine negro.

A finales de los años 1950, Frank Borzage puso el broche a su carrera con dos películas: Muñeca de porcelana (China Doll, 1958), inusual propuesta del siempre imaginativo Frank Borzage, que mezcla comedia con elementos de melodrama; y El gran pescador (1959), que recreaba brillantemente un episodio bíblico.

Victor Mature, Danny Chang y Li Hua Li en Muñeca de porcelana (1958)

En 1962 falleció en Hollywood debido a un cáncer; está enterrado en el Forest Lawn Memorial Park Cemetery de Glendale (California).

Biografías de cine: Biografías de cine: Frank Borzage (V)

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¿Y ahora qué? (1934) es un ejemplo perfecto de lo que hemos dicho anteriormente. Ambientada en la empobrecida Alemania de los años 1920, tiene como centro al personaje interpretada por Margaret Sullavan, cuyo bello y sonriente rostro, visto en primeros planos, su deslumbrante reflejo en los espejos y su aire frágil y romántico constituyen la tabla de salvación para su marido Hans (Douglass Montgomery). Debido a las enormes dificultades con las que se enfrenta para encontrar y conservar un empleo y un techo para su mujer embarazada. Hans está en todo momento a punto de ceder a la más negra desesperación. Pero, aunque llega a negar a su mujer y al hijo que ésta lleva en las entrañas en un desesperado intento por conservar su trabajo, se ve salvado por el amor activo y abnegado de ella. 

Margaret Sullavan y Douglass Montgomery en ¿Y ahora qué? (1934)

Mientras que ¿Y ahora qué? es esencialmente pasiva en su exaltación del poder del amor, la película anterior de Borzage, Fueros humanos (1933), ambientada en plena Gran Depresión de 1929, tiene como protagonistas a una pareja de enamorados activos y dinámicos. Spencer Tracy es Bill, un vagabundo que llega a la ciudad de tiendas de campaña que rodea a Nueva York y que, contra todas las previsiones, logra encontrar toda una serie de trabajos distintos. Conoce y se enamora de Trina (Loretta Young), pero se niega a dejarse domesticar por ella. La película oscila entre el deseo de huir, simbolizado por el silbido del tren, y sus mágicas y ensoñadoras declaraciones de amor a Trina. En una escena, aparece de repente al otro lado de la ventana de la casa de ella. situada en un segundo piso; va montado sobre unos zancos, pues ha encontrado trabajo como hombre anuncio. Finalmente, el amor que les une fructifica en el embarazo de Trina, y abandonan Nueva York en un tren camino del oeste. En esta secuencia, y en un momento de logrado surrealismo poético, Borzage eleva la cámara mediante una gigantesca grúa y muestra el vago en el que van, que de repente se parece a una casa, flotando en el espacio como si estuviese separada del mundo. 

Spencer Tracy y Loretta Young en Fueros humanos (1933)

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Biografías de cine: Biografías de cine: Frank Borzage (IV)

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Sin embargo, en Tres camaradas (1938), Borzage se acerca a la noción de generalizada de "espiritualidad" que caracteriza a todos sus personajes. Una historia de amor centrada en las vidas de tres soldados alemanes en los años que siguen a la I Guerra Mundial. Su estrecha relación se vera marcada por su amor por la misma mujer, mortalmente enferma de tuberculosis. la película le reportó a su protagonista femenina su única nominación al Oscar.

Posteriormente realizaría Vidas heroicas (Disputed Passage, 1939), con Dorothy Lamour, Akim Tamiroff, John Howard, Judith Barrett, que cuenta la historia de dos médicos que tienen concepciones diversas de su profesión. Desde una visión de la medicina abnegada y entregada, hasta la más materialista. Uno de ellos se enamora de una joven china. La puesta en escena y las interpretaciones son impecables. Y, El gran pescador (The Big Fisherman, 1959), con Howard Keel, Susan Kohner, John Saxon, Martha Hyer, que narra como antes de la muerte de su madre, Fara, una príncesa de linaje árabe y judío, se entera de que su padre es el temible Herodes. Llena de ira y rabia, abandona Palestina y lo busca para matarlo. Durante el viaje, las inclemencias del tiempo la obligan a buscar cobijo en una cabaña, cerca del mar de Galilea, donde vive Juan el Bautista, que la acoge con grandes muestras de hospitalidad. Para no levantar sospechas, durante su estancia, se disfraza de hombre. Recibió tres nominaciones al Oscar: fotografía color, dirección artística color, vestuario color.

Basadas ambas en obras del clérigo luterano Lloyd C. Douglas, resultan excesivamente ingenuas y sentimentales. No obstante, en sus primeras películas sobre enamorados inocentes enfrentados al mundo, la total identificación de Borzage con sus personajes y sus momentos felices y desgraciados no deja el menor espacio al sentimentalismo que cabría esperar encontrar en los melodramas de los años 1930. 

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Biografías de cine: Frank Borzage (III)

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Al igual que El séptimo cielo revela el poder milagroso del amor no supeditado a consideraciones materiales y sociales, en las espléndidas imágenes de Moonrise (Noche sin luna), Borzage muestra el poder que tales fuerzas tienen sobre su personaje que renuncia de entrada al amor. En el melodramático mundo de este director el amor redime al hombre de sí mismo. La paradoja esencial de los melodramas "socialmente conscientes" y "realistas" realizados por Borzage durante los años 1930 radica en que, en sus intentos por organizar un mundo mejor , en sus luchas por crear una vida mejor, sus personajes pierden la capacidad de amar y, por tanto, su individualidad. Se convierten en simples unidades, en miembros de las amenazadoras multitudes que pueblan las películas de Borzage. Para ésto sólo hay una posibilidad de salvación, la que reflejan las palabras del rótulo con que comienza ¿Y ahora qué? "Todos nosotros somos pequeños , pero podemos ser grandes a los ojos de una mujer."

Ahora convertido el mismo en un asesino, Danny (Dane Clark) sucumbe ante la culpa y la paranoia   Moonrise (Noche sin luna) (1948)

Esto no quiere decir que las películas de Borzage sean simplistas o esquemáticas. Deseo (Desire, 1936), una ingeniosa y sofisticada historia de amor entre Gary Cooper y Marlene Dietrich, tiene más que ver con su productor Ernst Lubitsch que con el propio Borzage. Madeleine hurta un collar de perlas en París y utiliza a Tom, un ingeniero americano que va a pasar sus vacaciones en España, para que saque el collar fuera de Francia. Sin embargo, él se da cuenta de que se ha enamorado perdidamente de ella. Una de las películas más famosas de Frank Borzage, sobre todo por la química existente entre su pareja protagonista, Madeleine (Marlene Dietrich) y Tom (Gary Cooper). Adaptación de la obra teatral Die Schonen Tage von Aranjuez de Robet A. Stemmle y Hans Székely, Borzage supo dar a la historia un toque propio, tiñendo la comedia planteada con algunas dosis del melodrama del que tanto gustaba. Deseo, que tuvo en todo momento la supervisión del cineasta Ernst Lubitsch se sitúa junto antes de que Borzage entrara en la nómina de la Metro, donde conseguiría sus films más personales. De todos modos, con "Deseo", el cineasta americano empezó a apuntar su capacidad para adaptar su mundo personal a la mecánica de las grandes productoras. Aquí en España, la película parece que se estrenó en mitad de la Guerra Civil, pero fue reestrenada comercialmente en los cines en 1991, lo que demuestra su carácter de pequeño clásico.

Marlene Dietrich y Gary Cooper en Deseo (1936)

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Biografías de cine: Biografías de cine: Frank Borzage (II)

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Moonrise (Noche sin luna) (1948) parece al principio muy alejada del mundo dramático de Borzage; en lugar del idealismo romántico de sus primeras películas se encuentra en ella el sombrío romanticismo del cine negro. El protagonista, Danny Hawkins (Dane Clark), es el hijo de un asesino con cuya ejecución comienza la película. Atormentado por esta herencia, Danny llega a creer que está también condenado a convertirse en un criminal. La propia puesta en escena de Borzage parece confirmar el irracional sentimiento de Danny; pasa por ejemplo de la sombra de su padre ahorcado a otra que se balancea de manera parecida, a la de un muñeco. De hecho, lo que la película pretende demostrar es la no existencia de esas fuerzas determinantes. Danny cree ser un asesino en potencia y termina dando accidentalmente muerte a uno de sus compañeros que le atormenta una y otra vez recordándole su pasado.

Dane Clark y Gail Russell en Moonrise (Noche sin luna) (1948)

Pero se ve salvado gracias al amor, comienza a trabajar y a llevar una vida independiente y se convierte en un personaje decidido y dinámico en lugar de en el ser pasivo y débil de las secuencias iniciales. Tras una visita a la tumba de su padre (para reconciliarse con el pasado), decide entregarse a la policía y, en una secuencia final muy parecida a la que cierra El séptimo cielo, Borzage monta en paralelo planos de Danny y de su novia Gilly (Gail Russell) avanzando el uno hacia el otro y hacia la libertad definitiva, una vez superado las fuerzas que hasta entonces habían determinado las acciones de Danny. 

Fotograma de Moonrise (Noche sin luna) (1948)

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Biografías de cine: Frank Borzage (I)

Frank Borzage

Había trabajado como actor de teatro y cine  antes de dirigir su primera película en
1916. Llegó a convertirse en uno de los directores de mayor éxito de finales del cine mudo y comienzos del sonoro. Aunque sus películas de este período son esencialmente melodramas románticos que rara vez muestran respeto por los límites de la realidad, frecuentemente revelan una profunda comprensión de los esfuerzos del ser humano por sobrevivir en un mundo materialista. 

El núcleo de las películas de Frank Borzage (1893-1962) suele estar constituido por una pareja de amantes, bañados en luz, superando las adversidades de su tiempo y salvados por la inocencia de un amor puro. Desde esta perspectiva no resulta sorprendente que las mejores películas de Borzage fuesen realizadas en los años 1930, en los que sus enamorados se veían amenazados o bien por la Gran Depresión del 1929, Fueros humanos (Man's Castle, 1933), Mannequin (19379, o bien el crecimiento del fascismo en Europa, ¿Y ahora qué? (Little Man, What Now, 1934), Tres camaradas (Three Comrades, 1938) o, ya a comienzos de los años 1940, The Moral Storn (1940). Pero, aunque éstas son sus películas más logradas, otras dos pertenecientes a décadas distintas son fundamentales para descubrir y comprender su genio: El séptimo cielo (The Seventh Heaven, 1927) y Moonrise (1948). 

El séptimo cielo le valió uno de los primeros Oscar a la mejor dirección. La película se basa en la obra de 1922 Seventh Heaven, de Austin Strong. Se trata de un melodrama mudo, que resume a la perfección dicho género. Sus protagonistas, Chico (Charles Farrell) y Diane (Janet Gaynor) son seres de una solo dimensión, pues su existencia se basa únicamente en el amor que siente el uno por el otro. En cuanto se encuentran y enamoran, Borzage los saca del abismo (Chico trabaja en las alcantarillas y Diane es una vagabunda) y los eleva a las alturas mediante un impresionante plano rodado con grúa que termina en la pequeña buhardilla de Chico, situada encima de un bloque de viviendas parisino. Esa buhardilla, con el cielo de lleno de estrellas como techo, es el "séptimo cielo" para la pareja. Obligados a separarse por la I Guerra Mundial, se sienten físicamente unidos cuando piensan el uno en el otro en un determinado momento del día. Pero Chico cae herido y muere en brazos de un sacerdote. Diane recibe la noticia de su muerte el mismo día en que se firma el armisticio. Se desmaya de la impresión y, justo en ese momento, Borzage pasa a un plano de Chico milagrosamente vivo que avanza con esfuerzo entre la multitud para reunirse con ella. Por fin llega junto a Diane y se abrazan. Borzage, sin ofrecer ninguna explicación, deja a los personajes unidos por el amor, renunciando así a toda lógica narrativa (se ha visto a Chico morir) en favor de la imagen de un amor trascendente que sobrevive a la propia muerte.

Fueros humanos es una adaptación de la obra de Lawrence Hazard dirigida por el maestro Frank Borzage en apenas 75 minutos de metraje. La película tuvo problemas con la censura, ya que se estrenó justo cuando entraba en vigor el código Hayes, que impedía mostrar un embarazo fuera del matrimonio, con lo que algunas partes de su argumento tuvieron que ser notablemente modificadas, notándose en exceso en su resultado final.

Spencer Tracy y Loretta Young en Fueros humanos (1933)

Tres camaradas es una delicia de película, situada en la Alemania de entreguerras, que sigue a tres amigos, camaradas del alma, encandilados por la misma mujer, que acabará siendo la prometida de uno y amiga del resto. La crispación del ambiente político, las dificultades laborales y una enfermedad fatal afectarán a sus vidas. Frank Borzage, el cineasta romántico por excelencia, contó con el único guión acreditado de otro romántico, el novelista Francis Scott Fitzgerald, que adaptó la novela de Erich Maria Remarque. El resultado transmite emoción por todos sus poros, en un feliz logro por conjugar reflexión, comedia, tragedia, y todo ello bañado por el amor. Nunca estuvo más encantadora Margaret Sullavan, y los tres amigos del título, Robert Taylor, Franchot Tone y Robert Young componen a las mil maravillas los rasgos de sus personajes.

Robert Taylor, Robert Young y Franchot Tone en Tres camaradas (1938)

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Hace 100 años: Back Pay

El 8 de enero de 1922 se estrenó la película estadounidense Back Pay, dirigida por Frank Borzage e interpretada por Seena Owen, Matt Moore, J. Barney Sherry, Ethel Duray, Charles Craig, Jerry Sinclair. Productora: Cosmopolitan Production. Duración: 70 minutos.

Sinopsis argumental: Hester vive en un pequeño pueblo donde se aburre y no puede cumplir sus sueños de lujo y mundanalidad. Jerry la ama, pero es incapaz de llenar las aspiraciones de la joven. Ella se irá por fin a Nueva York y allí tendrá que luchar para conseguir esos sueños que perseguía, aunque a cambio se deba vender a sí misma para lograrlo. Cinco años después se reencuentra con Jerry, que sigue amándola, pero tampoco es capaz de privarse de los lujos materiales que ha cosechado. Entonces llega la guerra y lo cambia todo.

Comentario: Se basa en una historia corta del mismo nombre de Fannie Hurst. Tuvo un remake en 1930 con el mismo título y protagonizado por Corinne Griffith. Se conserva en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. 

Por el estreno de de Druk (Another Round)... (II)

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7.- Callejón sin salida (Kagirinaki hodo, 1934), de Mikio Naruse

Llegamos al final de la época muda en la larga y fecunda carrera de Mikio Naruse con Callejón sin salida, realizada en un año insólitamente poco prolífico en su filmografía, el de 1934, en el que solo tenemos noticia de esta película, frente a las diez que se reparten simétricamente entre 1933 y 1935. El progresivo giro hacia una narración más calmada y hacia la atenuación de los sobresaltos de cámara se confirma en este nuevo largometraje, en el que también hay una cierta moderación argumental y desaparecen la prostitución y los peligros de muerte en los que se había recreado en las cuatro películas antecedentes de este ciclo. Cuenta la vida de una camarera, Sugiko, cuya vida toma un brusco giro tras ser atropellada por un rico hombre de negocios.

8.- Smilin' Through (1941), de Frank Borzage

Basada en la obra de 1919 del mismo nombre de Jane Cowl y Jane Murfin, la película fue un remake de una versión anterior de 1932 de Metro-Goldwin-Mayer (MGM) y fue la tercera y última versión cinematográfica de la obra. Protagonizada por Jeanette MacDonald, Brian Aherne, Gene Raymond e Ian Hunter. Fue filmado en Technicolor y fue rehecho como un musical para MacDonald con varias canciones antiguas interpoladas en la historia. La trama se mantuvo esencialmente igual que en la obra de teatro y las versiones cinematográficas anteriores. John Carteret ha estado deprimido y solitario durante mucho tiempo porque en su boda su prometida, Moonyean, fue asesinada. Acepta en su casa a Kathleen, la sobrina huérfana de 5 años de Moonyean, y rápidamente crece para parecerse a su tía. Kathleen conoce y se enamora de un misterioso desconocido de América, Kenneth Wayne. Cuando John se entera de esto se enfurece, y nos enteramos de que fue el padre de Kenneth, Jeremy, quien había matado a Moonyean años antes. John lleva su rencor contra Jeremy a la nueva generación, y amenaza con arruinar la felicidad de su sobrina.

9.- Días sin huella (The Lost Weekend, 1945), de Billy Wilder

Don Birnam es un fracasado escritor que intenta solapar su frustración con una arriesgada huída a través del alcohol, cayendo en una peligrosa y húmeda espiral que lo conducirá incluso a pensar en el suicidio como forma de liberación. Una de las películas más notables de la etapa 'negra' de Billy Wilder y quinto trabajo de su filmografía. Días sin huella presenta una durísima historia escrita por el propio Wilder y su habitual colaborador en esta primera etapa de su carrera americana, Charles Brackett (también productor del filme), basada en una novela de Charles R. Jackson. Las consecuencias del alcoholismo son diseccionadas con total crudeza en un relato escalofriante, enfatizado por la abrumadora música de Miklos Rozsa, por una impresionante puesta en escena y una magnífica utilización de flashbacks y elipsis. Ray Milland, un espléndido y versátil actor, ofrece una lección de interpretación en el papel de Don, que le llevaría a ganar el Oscar; la misma recompensa que obtendría la película y su director, el genial Wilder.

10.- El asesino está entre nosotros (Die Mörder sind unter uns, 1946), de Wolfgang Staudte

Un hombre y una mujer regresan a un Berlín en ruinas. Susanne Wallner ha sobrevivido a un campo de concentración y, a pesar de los horrores sufridos, desea reiniciar su vida. Al llegar a su apartamento, encuentra que el doctor Hans Mertens está viviendo ahí. El médico vive atormentado por el recuerdo de la guerra y bebe demasiado. El encuentro abre nuevos horizontes para ambos, pero no el pasado salya a su encuentro constantemente. Ha pasado a la historia como la primera película rodada en Alemania tras la guerra; de hecho, se considere la primera de la RDA, pese a que este Estado no nacerá oficialmente hasta 1949, porque el rodaje se realizó en la zona soviética de un Berlín en ruinas (EE UU, Francia y el Reino Unido se negaron a conceder el permiso) y la distribución corrió a cargo de una firma germano-rusa. La dureza del contexto, la fuerza de los exteriores y, sobre todo, la pertinencia de su mensaje y el hecho de estar rodada por y para alemanes, hacen que la obra se eleve por encima de sus defectos -cierta tosquedad narrativa, el efectismo de una estética expresionista (sombras, angulaciones, encuadres) ya anticuada y unas interpretaciones demasiado tópicas- y que aguante con dignidad la confrontación con la similar pero mejor, aunque también más tardía y extranjera, Alemania, año 0.

11.- Ángel negro (Black Angel, 1946), de Roy William Neill

Angel Negro es una película de cine B negro que puede situarse entre las mejores de su categoría (cine comercial, de bajo presupuesto y sin demasiadas pretensiones artísticas). La historia está basada en la novela de 1943 de Cornell Woolrich The Dark Angel, que a su vez está basada en su relato breve de 1935, Murder in Wax. La película, excepto por el giro final, no sigue de cerca a la novela. Se dice que, el propio Woolrich, no quedó satisfecho con el resultado. Además, la película fue realzada con gran destreza por el director británico Roy William Neill, en la que sería su última película, y cuenta con el apoyo de una excelente fotografía de Paul Ivano y una buena actuación de Dan Duryea.

12.- Whisky a go-go (Whisky Galore, 1949), de Alexander Mackendrick

Haciendo uso de su paso por el Ministerio de Información británico como realizador de películas propagandísticas, además de asistir en la dirección del maestro del neorrealismo italiano Roberto Rossellinni, Roma, ciudad abierta, el escocés Alexander Mackendrick inicia aquí su faceta más creativa, dirigiendo su primer largometraje de ficción. El cineasta quiso satirizar esos tiempos austeros en los que, tras el conflicto, escaseaba ese líquido tan preciado. El resultado fue una comedia de sutil humor inglés, nominada en los premios BAFTA a la mejor película británica del año.

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Hace 100 años: Humoresque

El 30 de mayo de 1920 se estrenó la película estadounidense Humoresque,  dirigida por Frank Borzage e interpretada por Gaston Glass, Vera Gordon, Alma Rubens, Dore Davidson, Bobby Connelly, Helen Connelly, Ann Wallack, Sidney Carlyle, Joseph Cooper, Maurice Levigne, Maurice Peckre, Ruth Sabin. Productora: Cosmopolitan Production. Duración: 71 minutos.

Sinopsis argumental: Leon Kantor, nacido en el "Ghetto" de la ciudad de Nueva York , exhibe una habilidad musical exquisita e inherente que culmina en que se convierta en un famoso violinista. Nació en una familia judía con muchos hermanos, una madre amorosa (Sarah Kantor) y un padre tacaño (Abrahm Kantor). Las primeras escenas de la película muestran las malas condiciones de vida de su familia, así como la infancia de Leon en la miseria de Nueva York, incluidas las interacciones con compañeros de juego y su amiga, Gina Ginsberg, quien más tarde se convierte en su interés romántico...

Comentario: Melodrama que trata la influencia de la Primera Guerra Mundial en ciudadanos anónimos que se alistaron con todo el entusiasmo y la convicción de estar a las puertas de la gloria, y volvieron con casi todas sus esperanzas y proyectos rotos.  Su éxito condujo al estreno de varias películas sobre la vida de guetos por otros estudios, a menudo con un personaje de "madre sufriente", que incluía Cheated Love (1921), The Barricade (1921), The Good Provider (1922), Hungry Hearts (1922), Little Miss Smiles (1922), Solomon in Society (1922), Salome of the Tenements (1925), Souls in Exile (1926), Jake the Plumber (1927) y East Side Sadie (1929). 

El rincón del cinéfilo: Adiós a las armas

Adiós a las armas (A Farewell to Arms), basada en la novela homónima de Ernest Hemingway, es una magnífica película dramática que sorprende con su libertad. El amor es más fuerte que la guerra: este es el mensaje de esta película dirigida por Frank Borzage en 1932 y reestrenada en cines en una versión restaurada. Gary Cooper está espléndido.

En primer lugar, esta película romántica situada en la Primera Guerra Mundial, en el frente italiano, fue una de las primeras víctimas de la aplicación del famoso código Hays, promulgado en 1930. Y, sin dar razón a los censores de la época, los entendemos. Pues el primer contacto entre el paramédico estadounidense encarnado por Gary Cooper y la enfermera (Helen Hayes) que se enamorará locamente no puede ser más tórrido. Debido a una alerta aérea, se encuentran uno contra el otro, en un sótano, en la oscuridad. Nunca se vieron, pero el hombre, muy borracho, agarra la pierna y el pie desnudo de esta chica en camisón, porque la confunde con otra...

Un final impactante

Al día siguiente, todo se aclara: ella es una enfermera soltera. Él la lleva bajo un árbol, y la abraza, la besa. Ella se deja hacer. Debajo de este árbol que Borzage filma como un jardín del Edén, el hombre del uniforme declama este discurso directamente: "Puede que mañana esté muerto, así que no esperemos y hagamos el amor de inmediato. Ella está de acuerdo..." Incluso hoy, la emoción es grande ante la libertad y la fiebre de sus abrazos.

Luego, Gary Cooper está espléndido, y sin embargo, no es él a quien Borzage quería. Para su trágica historia de amor, soñó con Claudette Colbert y Fredric March. Pero estaban comprometidos en otros trabajos, así que fue Cooper, que  hasta entonces, sólo había rodado películas del Oeste y que, además, estaba muy intimidado por su compañera Helen Hayes, más bien actriz de teatro (lo que se ve un poco). Él, por otra parte, muestra una sensibilidad y naturalidad desarmantes en el papel de este hombre repentinamente arrebatado por una pasión que lo barre todo y lo empuja a desertar.

Y destacar: un final de los más impactante de las tristes historias románticas del cine. En una cama de hospital, un hombre y una mujer se prometen que NADA podrá separarlos, en ese momento, lo envuelve todo la música de Tristán e Isolda de Wagner y tocan demasiado tarde las campanas del armisticio. Para Borzage, el amor es un milagro, y su puesta en escena exalta esa belleza celestial, religiosa. del sentimiento amoroso. La enfermera (vestida de blanco como una eterna recién casada) es un ángel con su uniforme inmaculado. Y reflejándose en esta puesta de escena lírica, la guerra se filma de una manera expresionista: repentinos arrebatos de violencia desde el cielo o una multitud compacta de sombras que se aprieta. La guerra es absurda, no identificada. ¿No es ella de este mundo? ¿O este amor absoluto de un camillero y una enfermera? 

Efemérides de cine: Society for Sale

El 21 de abril de 1918 se estrenó la película estadounidense Society for Sale, dirigida por Frank Borzage e interpretada por William Desmond, Gloria Swanson, Herbert Prior, Charles Dorian, Lillian West, Lillian Langdon. Productora: Triangle Film Corporation. Duración: 5 carretes. 

Sinopsis argumental: La exitosa modelo, Phyllis Clyne, convence a un noble sin escrúpulos, Billy, para que la presente en como poseedora de un pequeña título de nobleza. Pero al final se enamoran y cuando resulta que ella se entera que su difunto padre era realmente un señor, deciden que ahora pueden casarse.

Comentario: No se sabe si la película sobrevive en la actualidad, lo que sugiere que es una película perdida. Se cumple el centenario de su estreno. 

Efemérides de cine: A Mormon Maid

El 22 de abril de 1917 se estrenó la película estadounidense A Mormon Maid, dirigida por Robert Z. Leonard e interpretada por Mae Murray, Frank Borzage, Hobart Bosworth, Edythe Chapman, Noah Beery Sr. y Richard Henry Cummings. Productora: Jesse L. Lasky Feature Play Company. Duración: 68 minutos. 

Sinopsis argumental: Dora (Mae Murray) y su familia son atacados por nativos americanos, pero ella y su madre logran ser rescatados por una comunidad mormona que se dirigen a Utah, razón por la cual se unen a la caravana. Posteriormente es pretendida por un joven y un anciano de la comunidad, lo cual no puede tolerar su madre y decide suicidarse. Ante esto, Dora tiene que tomar una decisión que afecta su futuro.

Comentario: Basada en la emigración de los mormones en 1848. Como muchas de las películas estadounidenses de su época, A Mormon Maid fue objeto de censura cinematográfica por parte de las salas cinematigráficas de Estados Unidos, por lo cual tuvo que ser montada de nuevo para poder ser proyectada. Se conmemora el centenario de su estreno. 

Efemérides de cine: La hermanita del mayodormo

El 26 de noviembre de 1943 se estrenó la película estadounidense La hermanita del mayodormo (His Butler's Sister), dirigida por Frank Borzage. Protagonizada por Deanna Durbin, Franchot Tone, Pat O'Brien, Akim Tamiroff, Alan Mowbray, Walter Catlett,  Elsa Janssen, Evelyn Ankers, Frank Jenks, Sig Arno. Productora y distribuidora: Universal Pictures.

Sinopsis argumental: Convencida de que su hermanastro Martin es millonario, Ann Carter va a Nueva York con la esperanza de que la ayude a triunfar como cantante. Pero, cuando llega, descubre que Martin no es más que el mayordomo de un hombre de teatro multimillonario. Por su parte, Martin, para no perder su puesto de trabajo, hace creer a los demás que Ann es una sirvienta a quien ha contratado para que le ayude. 

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar al mejor sonido.

Comentario: La pareja de guionistas Samuel Hoffenstein-Elizabeth Reinhardt entregan una trama ágil, que sabe llevar a buen puerto Frank Borzage. Especial gracia tiene la relación de Ann con las personas del servicio de su edificio, un grupo de mayordomos y criados que se disputan su amor. Entre ellos destaca Popoff (Akim Tamiroff), de origen ruso, que propicia que el magnífico chorro de voz de Deanna Durbin cante en su idioma. También resulta sobresaliente el clímax de la película, en que interpreta en inglés el aria Nessun Dorma de Puccin

Efemérides de cine: Vidas heróicas

El 27 de octubre de 1939 se estrenó la película estadounidense Vidas heroicas (Disputed Passage), dirigida por Frank Borzage. Protagonizada por Dorothy Lamour, Akim Tamiroff, John Howard, Judith Barrett, William Collier Sr., Victor Varconi, Gordon Jones, Keye Luke, Elisabeth Risdon, Steve Pendleton, Billy Cook, William Pawley, Renie Riano, Z.T. Nyi, Philip Ahn. Productora y distribuidora: Paramount Pictures.

Sinopsis argumental: Cuenta la historia de dos médicos que tienen concepciones diversas de su profesión. Desde una visión de la medicina abnegada y entregada, hasta la más materialista. Uno de ellos se enamora de una joven china.

Comentario: A Frank Borzage se le daba bastante bien contar historias románticas, pero esta no fue de las mejores. La puesta en escena y las interpretaciones son impecables.

Basada en la novela homónima de Lloyd Cassel Douglas, publicada en 1933.

Efemérides de cine: Fueros humanos

El 27 de octubre de 1933 se estrenó la película estadounidense Fueros humanos (Man's Castle), dirigida por Frank Borzage. Protagonizada por Spencer Tracy, Loretta Young, Marjorie Rambeau, Glenda Farrell, Walter Connolly. Productora y distribuidora: Columbia Pictures.

Sinopsis argumental: Bill (Spencer Tracy) conoce a Trina (Loretta Young), una muchacha desesperada por conseguir algo de comida. A pesar de que se trata de un hombre rudo, Bill acepta que la joven le acompañe en su devenir diario y, cuando quiere darse cuenta, ella se queda embarazada. Con el fin de conseguirle dinero a Trina para que le deje tranquilo y pueda marcharse a su casa, Bill participa en un robo con nefastas consecuencias.

Comentario: Melodrama basado en un obra de Lawrence Hazard, ambientado en Estados Unidos en la época de la Gran Depresión.

La película tuvo problemas con la censura, ya que se estrenó justo cuando entraba en vigor el código Hayes, que impedía mostrar un embarazo fuera del matrimonio, con lo que algunas partes de su argumento tuvieron que ser notablemente modificadas, notándose en exceso en su resultado final.