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martes, 24 de febrero de 2026

Hace 100 años: Vida bohemia

El 24 de febrero de 1926 se estrenó la película estadounidense Vida bohemia (La bohème), dirigida por King Vidor e interpretada por Lillian Gish, John Gilbert, Renée Adorée, George Hassell, Roy D'Arcy, Edward Everett Horton, Karl Dane, Mathilde Comont, Gino Corrado. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 95 minutos. 
Sinopsis argumental: Un grupo de bohemios (pintores, escritores, músicos) sobreviven en las calles como pueden, acosados por el alquiler y el hambre. El dramaturgo pobre Rodolphe intenta sacar adelante su obra de teatro. Mimi, su novia, acude a un vizconde para poner en marcha la producción... siendo malinterpretadas por ambos hombres las intenciones de Mimi.
Comentario: Romance inspirado en la ópera de Giacomo Puccini, situado en el París de 1830. King Vidor sufrió en el rodaje por los diferentes puntos de vista de Gish en lo relativo a las escenas amorosas, aunque en sus memorias habla con rendida admiración de la actriz. No deja de ser curioso que Vidor se fijara en la ópera para hacer una película muda, pero el director explicaba que "el asunto básico, a la vez romántico y trágico, es completamente cinematográfico".

miércoles, 5 de noviembre de 2025

Hace 100 años: El gran desfile

El 5 de noviembre de 1925 se estrenó la película estadounidense El gran desfile (The Big Parade), de King Vidor e interpretada por John Gilbert, Renée Adorée, Claire Adams, Karl Dane, Robert Ober, Tom O'Brien, Rosita Marstini, Harry Crocker, Julanne Johnston, Kathleen Key, Carl Voss, George Beranger, Frank Currier. Productora: Metro-Goldwin-Mayer (MGM). Duración: 151 minutos. 
Sinopsis argumental: Jim es un niño rico que nunca ha trabajado. Cuando estalla la Primera Guerra Mundial, Jim, presionado por su novia, se alista junto a otros dos jóvenes, Bull y Slim. Cuando llegan a Francia se dan cuenta de que la guerra no es lo que esperaban. 
Comentario: La película rompe con cualquier intento de glorificación de la guerra sino que se centra en el coste humano, sus víctimas. El gran desfile fue un éxito en la década de 1920 e influyó en posteriores realizaciones, como por ejemplo en Sin novedad en el frente (1930) y cuya estética la convirtió enseguida en todo un clásico del séptimo arte. En 1992, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.​

domingo, 27 de abril de 2025

Hace 100 años: Orgullo de hidalgo

El 27 de abril de 1925 se estrenó la película estadounidense Orgullo de hidalgo (Proud Flesh), dirigida por King Vidor e interpretada por Eleanor Boardman, Pat O'Malley, Harrison Ford, Trixie Friganza, William J. Kelly, Rosita Marstini, Sôjin Kamiyama, Evelyn Sherman, George Nichols, Margaret Seddon, Margaret Seddon, Lillian Elliott, Priscilla Bonner, Joan Crawford. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 62 minutos. 
Sinopsis argumental: Fernanda nace huérfana a la sombra de un árbol durante el terremoto de San Francisco y los Borel de España deciden adoptarla "sin haber merecido semejante castigo". En Barcelona, Fernanda crecerá como una mujer muy hermosa, vanidosa y fascinada con el agua, siendo entonces pretendida por don Diego a quien ella no da mayores esperanzas. Pero enamorado de ella, cuando la chica amenaza con irse de nuevo a San Francisco, don Diego decide seguirla… y está dispuesto a ofrecerle tantas bañeras como ninguna mujer ha tenido jamás. 
Comentario: Una copia de esta película sobrevive en los Archivos de Cine y Televisión de la UCLA.

sábado, 20 de enero de 2024

Hace 100 años: Una flor del camino

El 20 de enero de 1924 se estrenó la película estadounidense Una flor del camino, también conocida como Naranjas salvajes (Wild Oranges), dirigida por King Vidor e interpretada por Nigel De Brulier, Frank Mayo, Virginia Valli, Fod Sterling, Charles A. Post. Productora: Goldwyn Pictures Corporation. Duración: 88 minutos. 
Sinopsis argumental: Millie vive con su abuelo en una remota isla de Florida, a la que su abuelo se vio obligado a ir por motivos políticos. Pero no están solos. Un prisionero fugado de la cárcel, llamado Nicholas, los está acosando debido a su interés por Millie. Por otro lado, un marinero llamado John Woolfolk, quien ha perdido a su esposa recientemente, navega con su yate para desquitarse de sus penas, y es así como llega a la isla para interceder involuntariamente en esa situación.
Comentario: Adaptación de una historia de Joseph Hergesheimer. El 12 de enero de 2010, la película tuvo su primer lanzamiento en video casero, en la serie de DVD Warner Archive.

sábado, 22 de julio de 2023

Hace 100 años: Tres solterones discretos

El 22 de julio de 2023 se estrenó la película estadounidense Tres solterones discretos (Three wise fools), dirigida por King Vidor e interpretada por Claude Gillingwater, Eleanor Boardman, William H. Crane, Alec B. Francis, John St. Polis, William Haines, Lucien Littlefield, ZaSu Pitts, Martha Mattox, Creighton Hale, Raymond Hatton. Productora: Goldwyn Pictures Corporation. Duración: 70 minutos. 
Sinopsis argumental: Tres ancianos, todos solteros empedernidos, reciben la visita inesperada de una joven que se anuncia a sí misma como la hija de la dama de la que los tres hombres habían estado enamorados. Cuando se sospecha falsamente que la niña está involucrada en un robo, los ancianos acuden en su ayuda y finalmente se detiene al verdadero culpable.
Comentario: Basada en la obra teatral homónima escrita por los dramaturgos Austin Strong y Winchell Smith. Durante el rodaje de esta película King Vidor ideó el concepto de música muda. Una copia de esta película se encuentra en la Cinematheque Royale de Bélgica. Se realizó un remake en 1946. 

sábado, 8 de julio de 2023

Clásicos de cine: Pasión bajo la niebla.

Pasión bajo la niebla (Ruby Gentry, 1952), de King Vidor

En un pueblo de Carolina del Norte, Ruby Corey es una joven chica pobre que, a pesar de las diferencias sociales, siempre ha sido amiga de Boake Tackman, un millonario del pueblo. 
Pese a que la amistad se ha transformado en amor con la edad, Boake decide casarse con Tracy McAuliffe, también millonaria, lo cual supone el enfado de Ruby. Como consecuencia, ella decide casarse con Jim Gentry, un reciente viudo. Sin embargo, este casamiento no es del agrado de nadie del pueblo.
Melodrama filmado en un excelente blanco y negro. Jennifer Jones demuestra una vez más que era bastante mejor actriz de lo que algunos listillos se creen, encarna con estilo a una suerte de mujer fatal, mientras que Charlton Heston también elude los papeles con los que fácilmente se le identifica, al dar vida a un personaje complejo, que se deja llevar por la debilidad de su carácter.
Una de las mejores películas rodadas por King Vidor. Los 'oscarizados' Charlton Heston y Jennifer Jones se aman y se odian en las brumosas tierras sureñas en este drama pasional que habla de lucha de clases y recuerda, en el argumento, al famoso western del mismo director Duelo al sol.

miércoles, 28 de junio de 2023

Clásicos de cine: Duelo al sol

Duelo al sol (Duel in the Sun, 1946), de King Vidor

Pearl Chavez (Jennifer Jones), una joven mestiza, es enviada a vivir a Texas, al rancho del estricto senador McCandless (Lionel Barrymore). La joven llama la atención de los hijos del senador: el siempre educado y cortés Jesse (Joseph Cotten) y el impetuoso e impulsivo Lewton (Gregory Peck). Pronto los dos hermanos rivalizan por el amor de la atractiva muchacha. 
Una de las películas más famosas de la historia del cine, con todas las connotaciones grandilocuentes y excesivas que adornaban la figura de su productor –y esta vez también guionista– David O. Selznick. 
Western de bajas pasiones, dominado por una cegadora fotografía en color y la música de Dimitri Tiomkin. Los hermanos Lewt (Gregory Peck en su rol de canalla simpático) y Jess McCanles (Joseph Cotten en plan tierno) se enfrentaban por el amor de la exótica belleza Perla Chávez, encarnada por una Jennifer Jones sensual y sugerente. El presupuesto final, campaña de publicidad incluida, se elevó hasta los ocho millones de dólares, una salvajada en ese tiempo. Todo ello por los lujosos decorados en interiores y los gastos ocasionados por Selznick. Entre ellos el de despedir a King Vidor cuando éste se negó a filmar la romántica y sangrienta secuencia final. Narrada por Orson Welles.

domingo, 5 de marzo de 2023

Clásicos de cine: El manantial

El manantial (The Fountainhead, 1949) sigue fielmente la trama argumental básica de la novela homónima, aunque dejando fuera muchas subtramas del libro. Fue dirigida por King Vidor y el reparto estuvo compuesto, entre otros actores, por Gary Cooper (Howard Roark), Patricia Neal (Dominique Francon), Raymond Massey (Gail Wynand) y Kent Smith (Peter Keating). El guion fue escrito por la propia Ayn Rand, autora de la novela, y controlado minuciosamente por ella misma de una forma completamente desacostumbrada en Hollywood, donde los estudios se toman todo tipo de libertades con los guiones originales. En varias ocasiones durante el rodaje, Ayn amenazó con suspender todo el proyecto si el guion sufría la más leve modificación.
La película trata de Howard Roark (Gary Cooper) es un arquitecto vanguardista, ávido de romper con todo lo hecho hasta ahora en los terrenos de la arquitectura. Dominique Francon (Patricia Neal) es una columnista del periódico The Banner de New York que también ama la individualidad y todo lo que libere al hombre de la esclavitud de las ideas. Juntos, pero "separados", iniciarán una guerra contra el mundo de lo convencional. 
Ayn Rand quería que los diseños arquitectónicos que aparecen en la película fuesen hechos por Frank Lloyd Wright, el arquitecto real que inspira parcialmente al arquitecto de ficción, Howard Roark. Lloyd Wright pedía tanto dinero por sus diseños que los estudios vetaron esta posibilidad.
Ni Gary Cooper ni Ayn Rand quedaron satisfechos con la película. Gary Cooper, quizás ya demasiado mayor para un papel que en el libro corresponde a un hombre joven, pronunció el famoso discurso final sin entenderlo realmente, cosa que se nota en la entonación y en el énfasis. Incluso se disculpó ante Ayn Rand y le ofreció volver a rodar la escena, oferta que Ayn rechazó. Ayn Rand tuvo que luchar mucho para mantener la integridad del guion, y aun así tampoco quedó satisfecha con la película, llegando a afirmar que lo único bueno que tenía era que conseguiría nuevos lectores para la novela. No obstante, la película es muy apreciada hoy en día en círculos objetivistas.

martes, 20 de diciembre de 2022

Hace 100 años: Tin-Tin de mi corazón

El 18 de diciembre de 1922 se estrenó la película estadounidense Tin-Tin de mi corazón (Peg o' My Heart), dirigida por King Vidor e interpretada por Laurette Taylor, Mahlon Hamilton, Russell Simpson, Ethel Grey Terry, Nigel Barrie, Lionel Belmore, Vera Lewis, Beth Ivins, D.R.T. Hatswell, Eileen O’Malley, Fred Huntley. Productora: Metro Pictures Corporation. Duración: 80 minutos. 
Sinopsis argumental: La historia comienza en el corazón de la vieja Irlanda, donde Jim O’Connell, un patriota irlandés, se queda solo para cuidar de su hija Margaret, a quien cariñosamente llama “Peg o’ My Heart”, tras la muerte de su amada esposa. Pasan los años. Margaret, ahora una joven ayudando a su padre en la granja, es enviada a Inglaterra para vivir con sus ricos parientes, sin saber que se trata de un plan trazado por su padre y un abogado con el fin de cobrar una herencia.
Comentario: Excelente adaptación de la obra teatral de J. Hartley Manners -ya llevada al cine por William C. de Mille en 1919 y que Robert Z. Leonard convertiría en vehículo para Marion Davies en 1933- que consigue combinar el registro sentimental con el de comedia con notable pericia.

lunes, 5 de septiembre de 2022

Volver a ver “Real Adventure” de King Vidor, una huida feminista de los años 1920

En 1922, King Vidor abogó por la liberación de un ama de casa en una película olvidada y ahora restaurada. 
Una bobina perdida, una única copia existente, un título en francés y una trama de emancipación femenina decididamente progresista para la época: la historia de Real Adventure tiene algo para fantasear. Estrenada en los cines de Estados Unidos en 1922 (dos años después en Francia), la desaparecida película de King Vidor, un prolífico director estadounidense que logró convertir brillantemente al cine sonoro (¡Aleluya!, 1929), había desaparecido del radar cinematográfico durante casi ochenta años Solo resurgió en la década de 2000, a unos miles de kilómetros de distancia, en el suroeste de Francia, desenterrada del gran fondo de la cinemateca de Toulouse.
"Esta copia fue una de las más antiguas conservadas por la cinemateca", explica hoy Christophe Gauthier, su antiguo comisario. Él relata gustosamente este redescubrimiento, un evento raro y particularmente emocionante para todos los Indiana Jones del cine perdido. Los cuatro diablos (1928), de F. W. Murnau, o la adaptación de Thérèse Raquin (1928), de Jacques Feyder, que datan de la década de 1920, son los cilindros de las filmotecas, que todo el mundo busca desde hace setenta años Real Adventure no es tan legendaria, pero considerando todas las cosas, es un poco como encontrar a Hitchcock."

domingo, 28 de agosto de 2022

Hace 100 años: Dusk to Dawn

El 27 de agosto de 1922 se estrenó la película estadounidense Dusk to Dawn, dirigida por King Vidor e interpretada por Florence Vidor, Jack Mulhall, Truman Van Dyke, James Neill, Lydia Knott, Herbert Fortier, Norris Johnson, Nellie Anderson, Sidney Franklin, Peter Burke. Duración: 60 minutos. 
Sinopsis argumental: Una criada india y una chica estadounidense (ambas interpretadas por Florence Vidor) comparten una sola alma que cambia entre ellas cada día cuando están despiertas. 
Comentario: Dusk to Dawn marcaría la colaboración profesional final entre King Vidor y Florence Vidor. A principios de la década de 1920, Florence Vidor se había convertido en una importante estrella de cine por derecho propio y deseaba seguir su carrera independientemente de su cónyuge. Se desconoce si sobrevive alguna copia de la película; por lo que puede considerarse una película perdida. 

sábado, 28 de mayo de 2022

Hace 100 años: Real Adventure

El 28 de mayo de 1922 se estrenó la película estadounidense Real Adventure, dirigida por King Vidor e interpretada por Florence Vidor, Clyde Fillmore, Nellie Peck Saunders, Lilyan McCarthy, Philip Ryder. Productora: Florence Vidor Productions, Cameo Pictures. Duración; 50 minutos.
Sinopsis argumental: Rose Stanton conoce al pudiente abogado Rodney Aldrich en el tranvía de Chicago. Poco después, los dos son una pareja felizmente casada. Sin embargo, la joven quiere algo más que tener que cuidar todo el día de su marido: lo que desea realmente es ser reconocida mucho su igual. Tras ver cómo sus planes de entrar en la escuela de derecho fracasan, coge sus maletas y se marcha a Nueva York. Ahí trabaja como música hasta que tiene la oportunidad de diseñar los vestidos del espectáculo. Cuando la compañía pasa por Chicago se encuentra nuevamente con Rodney, que no es precisamente un aficionado del trabajo de su mujer.
Comentario: Basada en la novela best-seller de Henry Kitchell Webster que se serializó en 1915 y se publicó como libro en 1916. Una copia de la película se conserva en la Cinémathèque de Toulouse. En febrero de 2020, la película se exhibió en el 70 Festival Internacional de Cine de Berlín, como parte de la retrospectiva dedocada a la carrera de King Vidor. 

domingo, 14 de noviembre de 2021

Hace 100 años: El amor nunca muere

El 14 de noviembre de 1921 se estrenó la película estadounidense El amor nunca muere (Love Never Dies), dirigida por King Vidor e interpretadas por Lloyd Hughes, Madge Bellamy, Joseph Bennett, Lillian Leighton, Fred Gamble, Julia Brown, Frank Brownlee, Winifred Greenwood. Productora: King Vidor. Duración: 60 minutos. 
Sinopsis argumental: El matrimonio de John y Tilly parece que se va a venir abajo cuando el padre de Tilly hace averiguaciones acerca del escandaloso pasado de la madre de John. Después de mantener una conversación con su suegro, John cree que ha sido abandonado por Tilly, por lo que se marcha de la ciudad. Por su parte, el padre de Tilly le hace creer a su hija que John ha sufrido un accidente mortal y la convencerá para que se case con algún otro lugareño.
Comentario: La espectacular estampida de ganado de Vidor en su anterior película Sky Pilot (1921) fue admirada por la crítica. Con la esperanza de sacar provecho de ese éxito, Vidor diseñó y construyó una réplica de un modelo elaborado de un tren y un bastidor y lo utilizó para escenificar un descarrilamiento dramático. Impresionado por esta demostración de efectos especiales, Thomas H. Ince acordó financiar la finalización de El amor nunca muere. Copias de la película sobreviven en varias filmotecas.

lunes, 19 de octubre de 2020

Por el estreno de de Druk (Another Round)... (I)

... Algunas películas en las que el alcohol es un personaje por derecho propio, para verlas sin moderación. 
En Druk (Another Round), Thomas Vinterberg cuestiona lo "bueno" y lo malo del alcohol. Otros cineastas han capturado las borracheras alegres o el alcoholismo más trágico. 
Con motivo del estreno en cines este miércoles 14 de octubre de Druk, de Thomas Vinterberg, cuatro profesores se embarcan en un experimento sociológico en el que cada uno de ellos deberá mantener la tasa de alcohol en su cuerpo al mismo nivel durante su vida diaria, intentando demostrar que de esa manera pueden mejorar en todos los aspectos de su vida. Pero las consecuencias del experimento les cambiarán para siempre. Realizamos una pequeña lista no exhaustiva de películas basadas en licores y intoxicación festiva o enfermiza, para consumir sin moderación.
A continuación, algunos ejemplos más o menos asombrosos.

1.- Charlot noctámbulo (One A.M., 1916), de Charles Chaplin

Fue la primera película, en este caso cortomeraje, en que actuaba solo, salvo una breve escena en que aparece Albert Austin en el papel de taxista. Charlot llega en taxi a su casa después de una noche de juerga. Borracho como una cuba, no encuentra en sus bolsillos la llave de la puerta de entrada, por lo que se cuela por la ventana, pero nada más entrar, encuentra al fin la llave, por lo que vuelve a salir por la ventana para entrar por la puerta. El corto trecho que separa el umbral de esta de su dormitorio se convierte en una odisea: tendrá que mantener el equilibrio sobre alfombras deslizantes, luchar con salvajes animales disecados, vérselas con una mesa de tablero giratorio que le impide coger la botella que hay encima, escalar las empinadas escaleras y recibir la agresión del desmesurado péndulo de un reloj. Pero una vez alcanzado su destino, aún tendrá que batallar con su moderna cama, cuyo mecanismo hace que parezca tener vida propia. Finalmente, acabará durmiendo la mona en la bañera.

2.- Charlot en el balneario (The Cure, 1917), de Charles Chaplin

Narra otra de las andadas del personaje creado por Charles Chaplin, Charlot, que en esta ocasión (y respetando el formato de mediometraje de 30 minutos al que se había acomodado el británico), nos traslada a un Balneario con conocidas propiedades curativas, al que asisten viajantes adinerados y diversas personalidades de la alta sociedad americana.  Unos de los mejores mediometrajes de Charlot.

3.- El infierno de los pobres o el viaje a la felicidad de madre Krause (Mutter Krausens Fahrt ins Glück, 1929), de Phil Jutzi

La película  narra la historia de madre Krause. Vive con dos hijos adultos, Erna y Paul, que está en el paro, madre Krause se gana la vida repartiendo periódicos. Su única habitación la alquiló a un realquilado y a su querida, que hace la calle para él. Cuando Paul se gasta en borracheras el dinero de los periódicos de su madre, y trata de reponerlo con un atraco, se derrumba este orden que se mantenía con tanto esfuerzo. La madre Krause abre la espita del gas por su desesperada situación, sólo Erna y su nuevo novio, Max encuentran una salida: se unen a los comunistas, que desfilan por Berlín. La película está inspirada en el estilo del cine soviético de la época y se inspira en dibujos y narraciones de Heinrich Zille, fallecido en el verano de 1929. En el rodaje colaboró Käthe Kollwitz junto al director Phil Jutzi, que con esta película realizó un precedente de Kuhle Wampe (1932). La película de Phil Jutzi ha podido ser restaurada basándose en el guión original conservado en la Deutsche Kinemathek por el Filmmuseum de Munich. 

4.- The Last Flight (1931), de William Dieterle

Dirigida por el cineasta alemán William Dieterle en su debut como director de cine en inglés. Las fuentes modernas consideran The Last Flight como uno de los pocos tratamientos cinematográficos de "La generación perdida", los jóvenes veteranos con traumas de la Primera Guerra Mundial. Cinco pilotos, veteranos de la Primera Guerra Mundial, se muestran temorosos a afrontar su devenir diario tras el término del conflicto. Todos los horrores que han vivido les hacen adoptar un nihilista estilo de vida y esconderse en la ciudad de París bebiendo sin parar.

5.- La lucha (The Struggle, 1931), de D.W. Griffith

Basada en la novela de 1877 L'Assommoir de Émile Zola. Fue la única otra película de sonido completo de Griffith además de Abraham Lincoln (1930). Después de que varias películas dirigidas por Griffith fracasaran en taquilla, The Struggle fue su última película. La historia comienza en 1911 y se extiende hasta la era de la Prohibición . Jimmie adquirió el hábito de beber (licor de contrabando) en parte debido a la ley de prohibición. Cuando se enamora y le propone matrimonio a Florrie, hace un voto de "no tomar otro trago". La joven pareja se casa, tiene una hija y disfruta de una feliz vida familiar hasta que Jimmie comienza a beber nuevamente debido a las circunstancias. A medida que Jimmie desciende al alcoholismo, su familia cae en el caos. Su hermana Nan se ve obligada a romper su compromiso con Johnny debido al mal comportamiento de Jimmie alimentado por el alcohol. Finalmente, Florrie logra salvar a la familia y ayuda a Jimmie a ponerse de pie. Nan y Johnny se reencuentran.

6.- El campeón (The Champ, 1931), de King Vidor

Historia de boxeo y de superación personal que se convirtió en el mayor éxito de la Metro en 1931. Un ex campeón de boxeo, hundido en la desidia y con tendencia a la bebida, regresa a los rings, pero se da cuenta de que los años no han pasado en balde. En esta aventura cuenta con la presencia y apoyo constantes de su hijo, que encarna todo lo que él hubiera querido ser. Hay dos versiones más de esta película: la de Robert Z. Leonard (1953), titulada The Clown, y la de Franco Zeffirelli (1979), con Faye Dunaway, Jon Voight y Rick Schroeder, también titulada The Champ.
(cont.)

miércoles, 8 de julio de 2020

Una crisis ayer... ¿y después? Cinco películas sobre futuros desilusionantes

El pan nuestro de cada día de King Vidor, Las uvas de la ira de John Ford, Danzad, danzad, malditos de Sydney Pollack, Luna de papel de Peter Bogdanovich y El luchador de Walter Hill. Cuando el peligro (económico, social, de salud ...) amenaza, los cineastas se apresuran a pensar.
Los riesgos para la salud ya no están en la agenda por el momento. Pero la crisis económica es amenazadora, que según los nuevos profetas será parecida, desde el otoño, a la Gran Depresión, producida a finales de la década de 1920. En general, los cineastas estadounidenses no tienen parangón para reflejar  al instante el espíritu de los tiempos. Pero los grandes estudios de la época estaban bajo el control de magnates de la prensa y moralistas que actuaban en las ligas de la virtud: no se trataba de angustiar a las multitudes, incluso al revelarles lo que ya sabían. Pronto, sin embargo, los cineastas se divertirían y sus películas sobre unos Estados Unidos angustiados abundaran a lo largo de los años... Aquí hay algunos ejemplos de lo que todavía nos negamos a aceptar como nuestro futuro cercano.

1.- El pan nuestro de cada día (Our Daily Bread , 1934), de King Vidor

Es uno de los primeros cineastas en desafiar la censura. Con un lirismo que sus detractores a menudo le reprocharán, el King Vidor milita por las cooperativas agrícolas que, en el campo, acogen a los habitantes de las ciudades, víctimas del desempleo masivo. La película molesta, despertando la furia de los poderosos: "Una película comunista", ladrará Randolph Hearst, gran jefe de prensa que caricaturizó, unos años más tarde, Orson Welles en Ciudadano Kane...
Karen Morley y Tom Keene en El pan nuestro de cada día (1934)

2.- Las uvas de la ira (The Grapes of Wrath, 1940), de John Ford

Cuando hablamos de crisis, pensamos en John Steinbeck. Y en la película de John Ford, la triste odisea de una familia de aparceros que abandonan su región hacia California, una falsa tierra prometida donde solo encuentran indiferencia, injusticia y explotación... El cineasta se demora tanto en los grandes espacios desérticos como en el vacío que se infiltra en estos supernumerarios, condenados a morir en un mundo indiferente. Y hace de Henry Fonda una figura de crística: "Estaré en todas partes en la oscuridad. Estaré donde sea que mires. Donde haya una pelea para que la gente coma, yo estaré allí. Cuando un policía golpea a un hombre, allí estaré..."
Henry Fonda en Las uvas de la ira (1940)

3.- Danzad, danzad, malditos (They Shoot Horses, Don't They?, 1969), de Sydney Pollack

Después del padre, la hija. Gracias a Roger Vadim, su entonces esposo, quien le revela, comentó ella dice, la importancia de la novela de Horace McCoy, Jane Fonda acepta la propuesta de un joven y talentoso cineasta. Ella encarna, lejos de la sofisticación de sus comienzos, una boca hambrienta, furiosa y dolorida, que termina pidiendo la muerte como una liberación. Con Danzad, danzad, malditos, Sidney Pollack tiene éxito en una puerta cerrada, al mismo tiempo espectacular y aterradora, en estos maratones de baile donde las madres pobres se gastaron unos pocos dólares y dos comidas al día...
Jane Fonda y Michael Sarrazin en Danzad, danzad, malditos (1969)

4.- Luna de papel (Paper Moon, 1973), de Peter Bogdanovich

Los estafadores pululan cuando todo va mal. El de Luna de papel no es muy inteligente, pero una niña, que lo elige como padre, lo ayudará en los trucos de su oficio... Una comedia viva y deliciosamente amoral de un cineasta primero sobrevalorada, luego injustamente despreciada. Para esta película en blanco y negro, es Orson Welles quien aconseja a Peter Bogdanovich, su angustiado admirador, que coloque un filtro rojo frente a la lente para oscurecer los cielos e iluminar las caras.
Ryan y Tatum O'Neal en Luna de papel (1969)

5.- El luchador (Hard Times AKA The Streetfighter, 1975), de Walter Hill 

Hacemos cualquier cosa para sobrevivir en tiempos de crisis, incluso peleamos a puñetazo limpio  en luchas ilícitas... Primera película -refinada, ambiciosa, original- de Walter Hill, especialista en cine de acción efectivo (La presa, Límite: 48 horas, Johnny el guapo). Y la mejor interpretación de Charles Bronson en su desigual carrera: su personaje parece viajar por el país como un mensajero que revelara a quienes conocen la verdad sobre sí mismos...
Charles Bronson en El luchador (1975)

domingo, 15 de marzo de 2020

Hace 100 años: The Family Honor

El 15 de marzo de 1920 se estrenó la película El honor de la familia (The Family Honor), dirigida por King Vidor e interpretada por Florence Vidor,  Roscoe Karns,  Ben Alexander,  Charles Meredith,  George Nichols, J. P. Lockney,  Willis Marks,  Harold Goodwin. Productora: King W. Vidor Productions. Duración: 73 minutos. 
Sinopsis argumental: Los hermanos Tucker, descendientes de una de las familias señoriales de Pleasanton, están en la ruina. Margaret ha puesto todas sus esperanzas en Albert, sacrificándose para que curse estudios universitarios fuera. Sin embargo, cuando Albert vuelve a casa, resulta ser un vivales y opta por trabajar de croupier en el casino Felix, local que arrastra una pésima reputación en la pequeña ciudad. Paul Curran, hijo del alcalde, ama a Margaret, pero ésta no se considera digna de él debido a la mala vida que lleva su hermano.
Comentario: Una copia de la película esta en la Cinémathèque française.

jueves, 7 de febrero de 2019

Cine para niños: Primera lección de política en tres películas

Si, a fuerza de admirar a las princesas de Disney o de esperar El retorno del rey, su hijo comienza a desarrollar extrañas tendencias monárquicas, puede ser el momento de mostrarle que hay otros sistemas. mejores o peores ¿Una primera lección de política gracias al cine? Yes we can!

1.- El pan nuestro de cada día (Our Daily Bread, 1934), de King Vidor

La historia en dos palabras: La acción tiene lugar en el corazón de una cooperativa agrícola en la América de la Gran Depresión (1929-1934). Los trabajadores y los campesinos se reúnen allí para cultivar trigo en un área afectada por la sequía y se ven obligados a cavar un canal de riego.
Ideas para que les guste el argumento: En la obra 50 ans de cinéma américain (1991), Jean-Pierre Coursodon y Bertrand Tavernier recuerdan que King Vidor, desde sus inicios, se oponía al axioma que prevalecía en Hollywood: "Si quieres mandar un mensaje, utiliza Western Union". "El cineasta tejano, un prosélito cristiano, nunca ha apreciado la neutralidad ideológica, sino todo lo contrario. "Siempre quise usar la pantalla cinematográfica para expresar esperanza y fe", escribió en su autobiografía (A Tree Is a Tree, 1953). Todo eso para decir que los niños siempre se enfrentan a las películas con mensajes. Algunos explícitos, otros ocultos, pero todas las películas son políticas. El pan nuestro de cada día es un himno a la fraternidad y la tierra nutritiva, ¿no es este un argumento contundente?
Lo que aprenderán: Libertad para ver una señal divina en el agua providencial que acaba irrigando los campos. También está permitido detectar, en una América liberal en crisis, una paradójica propaganda comunista paradójica. Al final de la película, que fue un fracaso, la prensa de la derecha no dejó de denunciar a "Vidor el rojo", mientras que él solo estaba exaltando, con un poco de antelación y un poco más de ardor lo mismo que Frank Capra en ¡Qué bello es vivir! (It's a Wonderful Life, 1946), el New Deal, la política colectivista que Roosevelt acababa de poner en práctica.
El momento que más les gustará: Toda la película es amable, sobre todo porque es corta (74 minutos). Pero es la escena final llamada el canal de irrigación (rodada a un ritmo en crescendo, con la ayuda de un metrónomo) que perturbará a sus hijos con su lirismo que recuerda al cine soviético. No es imposible derramar una pequeña lágrima por el éxito colectivo.

2.- Caballero sin espada (Mr. Smith Goes to Washington, 1939), de Frank Capra

La historia en dos palabras: ¿Quién es este señor Smith? Un joven idealista e ingenuo, elegido por políticos corruptos para convertirse en senador y servir a sus intereses sin su conocimiento. Pero una vez en Washington, el recién llegado se rebela. Él es desesperadamente honesto y terco. Peor aún: este alborotador, llamado Jefferson, en honor a uno de los padres fundadores de los Estados Unidos, cree firmemente en los valores de la democracia...
Ideas para que les guste: Es cierto que el caso es blanco y negro, con un montón de adultos habladores en trajes de tres piezas. Pero también hay niños, el único pero constante apoyo popular del Sr. Smith y la película parece un cuento por diversos aspectos: no solo Jefferson (el irresistible James Stewart) tiene la inocencia y la fiereza de un verdadero paladín, que busca derrotar a un "dragón" que todavía es tan temible en nuestro mundo actual: el poder del dinero, los intereses privados y la corrupción, en contra del bien común. ¿Demasiadas palabras para tan pequeños espectadores? Para nada, la película permanece constantemente accesible, divertida, brillante y límpida. Una excelente introducción a la democracia (versión estadounidense, pero no solo) que también se prohibió en su lanzamiento, en 1940, en todas las dictaduras del planeta, comenzando por la Alemania nazi.
Lo que aprenderán: Una palabra graciosa: "Obstruccionismo". Una técnica, heredada de las instituciones de la Antigua Roma, permite a un estadounidense elegido disponer de tiempo con todos los medios legales disponibles. Incluyendo hablar frente al Senado durante casi 24 horas, como hace Jefferson Smith para oponerse a sus oponentes y una ley indigna. Un verdadero maratón, la gran pieza de valor de la película, o cómo mostrar a sus hijos un superpoder desconocido para los Vengadores, pero muy útil en cualquier vida colectiva: la de la palabra.
El momento que más les gustará: Todo está bien, en Frank Capra, gran maestro de las comedias chispeantes y humanístas de antaño - El secreto de vivir (Mr. Deeds Goes to Town, 1936) o la citada ¡Qué bello es vivir!, entre otras): el ritmo, la pasión, la ternura, la vivacidad de los personajes. y sus intérpretes, incluido Jean Arthur, perfecta como secretaria con un fuerte carácter: una verdadera y bella heroína feminista.

3.- Rebelión en la granja (Animal Farm, 1954), de John Halas y Joy Batchelor

La historia en dos palabras: Basada en la novela homónima de George Orwell de 1945. Es la revolución en una granja. Los oprimidos de todos los pelos, plumas y pezuñas se unen para expulsar al tirano humano, y tratan de construir una nueva sociedad basada en la igualdad y la colaboración. Sin embargo, muy rápidamente, los cerdos toman el poder y los privilegios para su beneficio, secundados por los perros...
Ideas para que les guste: "¡Oh, mira, una caricatura de búho con muchas bestias de todos los colores!" No es necesario que les explique de inmediato que estos animales son mucho menos amigables y atrevidos que los que aparecen de ordinario en las obras de Disney. Ni embarcarse desde el principio en un resumen detallado de la Revolución bolchevique y su trágica deriva estalinista, el tema "real" de la famosa fábula política de George Orwell, inspiradora en esta película británica.
Lo que aprenderán: Eso que, a veces... "algunos son más iguales que otros", obviamente, como dice la famosa frase de Orwell. Que las mejores intenciones, las utopías más bellas, a veces pueden conducir a las peores. Una gran oportunidad para el debate, ya que la película analiza con precisión los pasos que conducen a la dictadura... Manipulación, terror, culto a la personalidad: un niño advertido vale lo que dos ciudadanos adultos.
El momento que más les gustará: Esta adaptación suaviza los aspectos más oscuros de la fábula original, deslizándo aquí y allá lindos patitos y cabras divertidas en el paisaje. La secuencia en la que los animales investigan y descubren la casa del granjero, multiplicando los equívocos y las situaciones divertidas,  ofrecerá un bienvenido respiro cómico.

viernes, 29 de agosto de 2014

Efemérides de cine: Milicias de paz

El 28 de agosto de 1936 se estrenó la película estadounidense Milicias de paz (The Texas Rangers), dirigida por King Vidor. Protagonizada por Fred MacMurray, Jack Oakie, Jean Parker, Lloyd Nolan. Producción y distribución: Paramount Pictures.
Sinopsis argumental:  Jim Hawkins y Wahoo Jones son dos asaltadores de diligencias que se dirigen a Texas para buscar a Sam McGee, su compañero. Una vez allí, sin fondos en los bolsillos, se unen a los Rangers de Tejas. 
Comentario: Película sobre la consolidación de la colonización a través del establecimiento de un cuerpo para mantener la ley, los Rangers.

martes, 12 de agosto de 2014

Efemérides de cine: Ave del paraíso

El 12 de agosto de 1932 se estrenó la película estadounidense Ave del paraíso (Bird of Paradise), dirigida por King Vidor. Protagonizada por Joel McCrea, Dolores del Río, John Halliday, Richard Gallagher, Bert Roach, Lon Chaney jr. Producción y distribución: RKO Radio Pictures.
Sinopsis argumental: Johnny, un aventurero americano, llega a unas islas exóticas de la Polinesia, en el Pacífico Sur y se enamora perdidamente de Luana, la bellísima hija del jefe de una tribu local. Pero el amor de los dos jóvenes es visto con malos ojos por la gente de Luana, quienes tienen a la joven un destino muy distinto.
Comentario: La película causó escándalo en el Hollywood de la época por las escenas, sutiles pero explícitas, en las que los protagonistas nadan desnudos en el mar, aunque logró salvarse de la censura antes de que se empezase a aplicar en Hollywood el Código Hays. Las escenas no son totalmente claras, pues la alta intensidad de las luces inhibe los detalles de las imágenes.
Fue la primera película sonora con música completamente sinfónica, la cual también fue la primera en comercializarse en formato de disco.

miércoles, 6 de agosto de 2014

Efemérides de cine: Stella Dallas

El 8 de agosto de 1937 se estrenó la película estadounidense Stella Dallas, dirigida por King Vidor. Protagonizada por Barbara Stanwyck, John Boles, Anne Shirley, Alan Hale Sr., Barbara O'Neil, Tim Holt, Marjorie Main. Producción: Samuel Goldwyn. Distribución: United Artists.
Sinopsis argumental: Stella, una chica de familia humilde, se casa con el adinerado Steve. Al poco tiempo, tienen una hija y todo parece ir bien, pero las grandes diferencias de educación harán mella en su matrimonio y finalmente se separan. Pasados unos años, Stella renuncia a su hija en favor de Steve para que la niña se críe en un mejor ambiente. 
Nominaciones y premios: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actriz (Barbara Stanwyck), actriz secundaria (Anne Shirley).
Comentario: Espléndido melodrama en el que se tocan temas como el arribismo, la escalada social y su caída, la felicidad, la soledad y el sacrificio materno. A destacar su impresionante escena final.