Cine histórico: Trilogía de la toma de conciencia

La "Trilogía de la toma de conciencia" (o Trilogía da concienciación) es el nombre con que se conoce a una de las consideradas grandes obras maestras del cine mudo soviético, dirigda por el reconocido cineasta Vsevolod Pudovkin.

Esta trilogía se articula alrededor del despertar político y la conciencia revolucionaria de las clases oprimidas ante diferentes contextos de in justicia. Las tres películas que la componen son:

1. La madre (Mat, 1926): Basada en la famosa novela de Maxim Gorki, muestra cómo una madre de clase trabajadora se une a la causa revolucionaria de su hijo y la abraza tras sufrir la represión zarista.

2. El fin de San Petersburgo (Konets Sankt-Peterburga, 1927): Realizada para conmemorar el décimo aniversario de la Revolución de Octubre de 1917, narra los acontecimientos ocurridos en San Petersburgo, desde entonces Leningrado, a través de las vicisitudes de un joven campesino sin formación política que emigra a la ciudad y que, a través del trabajo duro y las experiencias de la guerra, termina personificando la fuerza y ​​el despertar de las masas trabajadoras.

3. Tempestad sobre Asia (Potomok Chingis-Khana, 1928): La acción se desarrolla en Siberia y el Tíbet durante la ocupación inglesa de esas tierras a comienzos de los años 1920. Narra la historia de un cazador local al que confunden con un descendiente del legendario Genghis Khan. Entonces los invasores deciden usarlo como títere político, sin saber que el cazador tiene sus propias ideas al respecto y lidera una rebelión por su pueblo.

Pudovkin empleó un montaje muy cuidadoso y psicológico para que el espectador experimentara, junto con los personajes, ese proceso interno de "concienciación".

Retrospectiva: “Taxi Driver”… Travis Bickle, la versión beta del peligroso masculinista solitario

El 28 de mayo de 1976, la magistral Palma de Oro de Martin Scorsese conmocionó a la Croisette. Cincuenta años después, Robert De Niro fue visto como la primera representación de un incel (involuntary celibate), mucho antes de que existiera el término para designar a un machista violento. 

La trama: Para sobrellevar el insomnio crónico que sufre desde su regreso de Vietnam, Travis Bickle (Robert De Niro) trabaja como taxista nocturno en Nueva York. Es un hombre insociable que apenas tiene contacto con los demás, se pasa los días en el cine y vive prendado de Betsy (Cybill Shepherd), una atractiva rubia que trabaja como voluntaria en una campaña política. Pero lo que realmente obsesiona a Travis es comprobar cómo la violencia, la sordidez y la desolación dominan la ciudad. Y un día decide pasar a la acción.

Una “historia de un habitante de la ciudad llevado a la locura por las tensiones urbanas”. Después de su proyección en Cannes en 1976, los críticos oscilaron entre la admiración y el disgusto, llegando incluso a acusar a la película de Martin Scorsese de “glorificar el terrorismo individual”. Verla hoy, mientras celebramos el 50 aniversario de su Palma de Oro el 28 de mayo, sigue siendo deslumbrante. Los bucles musicales de Bernard Herrmann, las luces y sombras de las noches neoyorquinas, el poético e inquietante flujo de conciencia de Travis Bickle, el monólogo de Robert De Niro...

Una de las grandes películas de los años 1970, y la mejor tarjeta de presentación del cineasta Martin Scorsese, que en su cuarto trabajo partió de un guión de Paul Schrader. Recorre temas que están presentes en toda su filmografía, como la génesis de la violencia, los prejuicios y el rechazo social. El cineasta se luce con una utilización modélica de la voz en off del protagonista, unas dinámicas secuencias de éste recorriendo las calles, y sobrecogedores planos que muestran una violencia descarnada y terrible.

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20. Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn, 2011)

Reparto: Animación. 

La trama: Tintín, un joven periodista dotado de una curiosidad insaciable, y su leal perro Milú descubren que la maqueta de un barco contiene un enigmático y secular secreto que deben investigar. A partir de ese momento, Tintín se verá acosado por Ivan Ivanovitch Sakharine, un diabólico villano que cree que el joven ha robado un valioso tesoro vinculado a un cruel pirata llamado Rackham el Rojo. Pero, con la ayuda de Milú, del cascarrabias capitán Haddock y de los torpes detectives Hernández y Fernández, viajará por medio mundo, sirviéndose de su proverbial astucia para burlar a sus perseguidores y encontrar antes que ellos El Unicornio, un navío hundido que puede proporcionar la clave de una fabulosa fortuna y de una antigua maldición. La aventura lo lleva por mares, desiertos y ciudades peligrosas en un viaje vibrante que mezcla humor, intriga y energía visual.

Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio (2011)

Curiosidades: El plan inicial apuntaba a la imagen real, con Milú generado por ordenador, pero Peter Jackson le hizo ver a Spielberg que ese enfoque se quedaba a medio camino: el mundo de Hergé pedía otra lógica. De ahí el giro hacia la captura de movimiento, manteniendo al perro como animación, para preservar el espíritu del cómic sin traicionarlo. Traslación a la pantalla de las aventuras de Tintín, el genial personaje de cómic creado por el artista belga Hergé, seguramente la obra maestra indiscutible del llamado Noveno Arte. No faltan a la cita personajes como Hernández y Fernández, el mayordomo Néstor o el capitán Allan. La base argumental la proporciona el álbum El secreto del Unicornio. Disponible en Filmin.

21. War Horse (Caballo de batalla) (War Horse, 2011)

Reparto: Jeremy Irvine, Emily Watson, David Thewlis, Benedict Cumberbatch, Peter Mullan, Niels Arestrup, Tom Hiddleston, Toby Kebbell, Celine Buckens, Patrick Kennedy, David Kross, Matt Milne, Leonard Carow, Eddie Marsan, Nicolas Bro, Robert Emms, Rainer Bock, Hinnerk Schönemann. 

La trama: En un pueblo inglés, Albert, el hijo de un granjero, ve nacer un potrillo. Poco después, su padre lo adquiere en una subasta, y el chico le pone de nombre Joey. Pero la familia se arruina y no tiene más remedio que vender el caballo justo cuando estalla la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Ése es el punto de partida de un viaje en el que tanto Albert como Joey lucharán por sobrevivir a la contienda y volver a estar juntos. Su espíritu resistente inspira a quienes lo encuentran, mostrando cómo la lealtad y la esperanza pueden sobrevivir incluso en los tiempos más oscuros.

Jeremy Irvine en War Horse (Caballo de Guerra) (2011)

Curiosidades: Spielberg defendía que el realismo mandaba: los únicos efectos digitales fueron tres planos brevísimos, apenas tres segundos, aplicados por seguridad. Incluso la escena del alambre se resolvió con trucos físicos (goma en lugar de espino real y, cuando tocaba, un animatrónico) para no poner al caballo en riesgo. Notable adaptación de la novela de Michael Morpurgo, que estaba narrada con talento desde el punto de vista del caballo del título. Disponible en HBO Max, Movistar+ Ficción Total, Tivify.

22. Lincoln (2012)

Reparto: Daniel Day-Lewis, Joseph Gordon-Levitt, Tommy Lee Jones, Jared Harris, David Strathairn, Sally Field, James Spader, John Hawkes, Hal Holbrook, Tim Blake Nelson, Jackie Earle Haley, Lee Pace, David Costabile, Jeremy Strong, Bruce McGill, Julie White, Gloria Reuben, Michael Stuhlbarg, Bill Camp, Elizabeth Marvel, Walton Goggins, Peter McRobbie, David Oyelowo, Gulliver McGrath.

La trama: En 1865, mientras la Guerra Civil Americana se acerca a su fin, el presidente Abraham Lincoln propone una enmienda que prohíba la esclavitud en los Estados Unidos. Sin embargo esto plantea un gran dilema: si la paz llega antes de que se apruebe la enmienda, el Sur tendrá poder para rechazarla y mantener la esclavitud; si la paz llega después, decenas de miles de personas seguirán muriendo en el frente. En una carrera contrarreloj para conseguir los votos necesarios, Lincoln se enfrenta a la mayor crisis de conciencia de su vida.

Daniel Day-Lewis en Lincoln (2012)

Curiosidades: Cuando Liam Neeson se bajó del proyecto, Spielberg volvió a su primera opción, Daniel Day‑Lewis, que dudó por el peso casi mítico del personaje. El giro llegó por una vía inesperada: Leonardo DiCaprio intervino para convencerlo de que aceptara. Steven Spielberg dirige al actor ganador de dos premios de la Academia Daniel Day-Lewis en Lincoln,  un revelador drama que se centra en los tumultuosos últimos meses en ejercicio del decimosexto presidente norteamericano. Disponible en Google Play, Apple TV, Prime Video, Rakuten TV. 

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Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (VII)

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17. Atrápame si puedes (Catch Me If You Can, 2002)

Reparto: Leonardo DiCaprio, Tom Hanks, Christopher Walken, Martin Sheen, Nathalie Baye, Amy Adams, James Brolin, Brian Howe, Frank John Hughes, Jennifer Garner, Ellen Pompeo, Elizabeth Banks.

La trama: Basada en una historia real. En los años sesenta, Frank W. Abagnale (Leonardo DiCaprio) era un joven y escurridizo delincuente que adoptaba diversas identidades (médico, abogado o copiloto de líneas aéreas). Carl Hanratty (Tom Hanks), un agente del FBI, tenía la misión de seguir su pista y capturarlo para llevarlo ante la justicia, pero Frank siempre iba un paso por delante de él. La relación entre ambos evoluciona hacia un juego emocional que combina humor, melancolía y una sorprendente humanidad.

Leonardo DiCaprio en Atrápame si puedes (2002)

Curiosidades: Spielberg dudó antes de llamar a Tom Hanks: daba por hecho que, como a esas alturas era una estrella consagrada, no aceptaría un rol de secundario. El actor le mostró su gran profesionalidad con una respuesta contundente: “Un buen papel es un buen papel, tenga el tamaño que tenga”. Disponible en Netflix, Prime Video, SkyShowtime, Movistar+ Ficción Total, HBO Max.

18. La terminal (The Terminal, 2004)

Reparto: Tom Hanks, Catherine Zeta-Jones, Diego Luna, Chi McBride, Zoe Saldaña, Barry Shabaka Henley, Kumar Pallana, Eddie Jones, Jude Ciccolella, Michael Nouri, Stanley Tucci, Rini Bell.

La trama: Victor Navorski, un ciudadano de un pequeño país del Este europeo, se ve involuntariamente exiliado en la terminal internacional del aeropuerto JFK de Nueva York cuando estalla una guerra civil en su tierra de origen. A raíz del conflicto, el pasaporte de Victor queda anulado y se ve obligado a quedarse en la terminal, ya que no puede pisar suelo estadounidense ni subir a ningún avión. Durante su estancia, hará de todo para sobrevivir y entablará relación con el personal que trabaja en el aeropuerto, especialmente con una bella azafata y con el estricto responsable de seguridad de la instalación. Película inspirada en el caso real de un exiliado iraní que estuvo viviendo 18 años en la terminal internacional del aeropuerto Charles De Gaulle de París. 

Diego Luna, Tom Hanks, Kumar Pallana y Chi McBride en La terminal (2004)

Curiosidades: Como rodar en un aeropuerto real era inviable, se levantó una terminal completa dentro de un hangar, con varios niveles y escaleras mecánicas operativas, además de un diseño inspirado en el de Düsseldorf. Para rematar el espejismo, se recrearon tiendas y restaurantes de cadenas reales y con equipamiento funcional, aunque el montaje final no garantizaba que todas esas marcas llegaran a verse muchas se ofrecieron para el proyecto. Disponible en HBO Max, SkyShowtime, Movistar+ Ficción Total.

19. Múnich (Munich, 2005)

Reparto: Eric Bana, Daniel Craig, Mathieu Kassovitz, Ciarán Hinds, Ayelet Zurer, Geoffrey Rush, Hanns Zischler, Marie-Josée Croze, Hiam Abbass, Guri Weinberg, Moritz Bleibtreu, Michael Lonsdale, Valeria Bruni Tedeschi, Mathieu Amalric, Yvan Attal, Lynn Cohen.

La trama: Basada en hechos reales. Tras el asesinato de varios atletas israelíes por el grupo terrorista palestino "Septiembre Negro" durante los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972, un agente especial del Mossad tuvo que ejecutar una misión altamente secreta: asesinar a los responsables. La historia muestra cómo la violencia deja cicatrices que transforman incluso a quienes creen controlar su destino.

Eric Baña en Múnich (2005)

Curiosidades: Guri Weinberg se puso en la piel de su propio padre, Moshe, uno de los israelíes asesinados en la masacre de 1972 cuando él apenas tenía un mes. Y Mathieu Kassovitz, que había decidido no aceptar papeles para centrarse en dirigir, se saltó su propia norma solo por trabajar con Spielberg. Una película vibrante, de cámara nerviosa y estudiada frialdad, que no deja momentos de respiro. El espectador comparte el desasosiego de los personajes, su tensión es la nuestra. Y la violencia, terrible –nunca habíamos visto tanta brutalidad en un film de Spielberg–, recuerda que quitar la vida a un semejante pasa inmediata factura a ambas partes. Disponible en Alquiler en Google Play, Apple TV, Prime Video, Rakuten TV. 

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Efemérides de cine: Todos los hombres del presidente

El 4 de abril de 1976 se estrenó la película estadounidense Todos los hombres del presidente (All the President's Men), dirigida por Alan J. Pakula e interpretada por Robert Redford, Dustin Hoffman, Jack Warden, Jason Robards, Martin Balsam, Hal Holbrook, Jane Alexander, Neva Patterson, Stephen Collins, Robert Walden, Ned Beatty, Meredith Baxter, Penny Fuller, John McMartin, Frank Wills, Richard Venture, James Karen, Dominic Chianese, Gene Dynarski, Richard Herd, David Arkin, F. Murray Abraham. Productora: Wildwood Enterprises, Warner Bros. Duración: 136 minutos. 

Sinopsis argumental: En 1972, dos jóvenes periodistas del diario The Washington Post, Bob Woodward (Robert Redford) y Carl Bernstein (Dustin Hoffman), comienzan a investigar lo que parece ser un simple allanamiento del cuartel general del Partido Demócrata en Washington. Sus descubrimientos desencadenan el llamado 'caso Watergate', que provocó la dimisión del presidente Richard Nixon. 

Nominaciones y premios: 4 Oscar: Secundario (Robards), guion ad., dir. artística, sonido. 8 nominaciones; Globo de Oro: 4 nominaciones a drama, director, actor secundario, guion; Premios BAFTA: 10 nominaciones incluyendo película, director y actor (Hoffman); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película, director y actor sec. (Robards); National Board of Review: Película, director, secundario (Robards), Top 10; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director. 

Comentario: El especialista en thrillers políticos Alan J. Pakula adapta el libro homónimo, en el que los propios Bernstein y Woodward exponen su investigación. Se trataba de un film muy difícil, porque Pakula corría el riesgo de que el espectador se perdiera en un mar de datos, pero el cineasta filma con fuerza, aprovecha el carisma de sus protagonistas y secundarios, y exprime el inteligente guión de William Goldman, que resume con maestría el asunto. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Para ver: "La Guerre des prix”, de Anthony Déchaux, un thriller de intriga y lucro

La guerre des prix (2026), de Anthony Déchaux con Ana Girardot, Jonas Bloquet, Yannick Choirat, Camille Moutawakil, Yves Heck, Julien Frison, Aurélia Petit, Olivier Gourmet, Catherine Vinatier, Grégoire Oestermann, Chad Chenouga, Julien Buchy. Un apasionante thriller social sobre los despiadados mecanismos de las negociaciones comerciales y las leyes del mercado. 

La trama: Audrey, hija de agricultores y jefa de departamento en un hipermercado provincial, asume el cargo de gerente de compras en la sede de su empresa para promover los productos locales y ecológicos. Junto con un negociador implacable, Audrey tendrá que luchar para que sus convicciones sean escuchadas en un sistema despiadado.

En su debut como director, el actor Anthony Déchaux logra un equilibrio magistral: plasmar en pantalla el despiadado mundo del yogur. Una inmersión exitosa en el cínico funcionamiento del comercio minorista de masas, donde las intrigas casi mafiosas se imponen sobre las aspiraciones idealistas.

“Ella McCay”, en Disney+: la nueva tragicomedia de James L. Brooks le hará mucho bien

Ella McCay creció en una familia desestructurada, le marcó la infidelidad del padre Eddie y que su madre Claire tragara con la situación, y el posterior fallecimiento de ella, lo que le hizo estrechar lazos con su tía Helen y su hermano pequeño Casey. Chica inteligente y trabajadora, llena de ideales que la condujeron a la carrera política, ha llegado a vicegobernadora de su estado. Y ahora que su jefe y amigo el gobernador Bill ha sido promocionado para un puesto superior, ella le va a suceder como gobernadora. Debería, pues, estar contenta, pero la reaparición en su vida de papá Eddie, la actitud agorofóbica de su hermano Casey, y el modo desconsiderado con que la trata su marido Ryan, pueden sumar presión a una situación ya de por sí estresante. Cancelada en cines tras un fracaso de taquilla en Estados Unidos, la esperadísima nueva película de la cineasta resulta, sin embargo, notablemente reveladora.

Está protagonizada por  Emma Mackey, Woody Harrelson, Kumail Nanjiani, Spike Fearn, Ayo Edebiri, Jack Lowden, Rebecca Hall, Julie Kavner, Becky Ann Baker, Joey Brooks, Albert Brooks, Jamie Lee Curtis. 

"¿Qué más puedo hacer?", pregunta el padre (Woody Harrelson), quien ha arruinado la vida de su familia con sus aventuras sexuales, pero exige un indulto rápido. "¡Que te castren!", replica su hermana (Jamie Lee Curtis). Nadie se anda con rodeos en esta brillante tragicomedia de una leyenda viva, discreta y atípica de Hollywood, James L. Brooks. Ya octogenario, el director de La fuerza del cariño (ganadora del Óscar a la mejor película en 1984), quien también codirigió Los Simpson para televisión, sigue dando en el clavo, dieciséis años después de su anterior película.

“Melania”: la polémica superproducción de Amazon al servicio del clan Trump

Rechazado por la crítica y salpicado de controversia, el documental Melania pretendía revelar a la Primera Dama. En cambio, expone un sistema donde las plataformas, el poder político y los intereses privados se entrelazan en detrimento tanto del cine como de la ética.

Melania Trump en el documental Melania , producido por Amazon.

¿El veredicto de la crítica? Como era de esperar: es horrible. Estrenada el 30 de enero en Estados Unidos y otros 26 países, Melania ha provocado un consenso desalentador entre nuestros colegas anglosajones: «Desalentadora, mortal y hueca» , según The Guardian; «una vergüenza», según The Atlantic; «un retrato servil de la actual administración estadounidense, disfrazado con la ostentación de un vulgar reality show», según Empire. A la altura de las películas verdaderamente terribles, una obra maestra.

Sin embargo, este era el momento de Melania Trump, coproductora y protagonista de Melania: 20 días para la historia, habitualmente discreta, incluso ausente. El tráiler prometía a los espectadores una mirada íntima.

“El mago del Kremlin”: una película demasiado política para algunos

¿Dónde rodar? ¿En ruso o en inglés? Y con un presupuesto reducido, el casting apresurado y la muerte… Nominada al León de Oro como mejor película en el Festival de Cine de Venecia. 

La adaptación de Olivier Assayas de El mago del Kremlin, la novela superventas de Giuliano da Empoli, fue una aventura donde los problemas se arremolinaron. Antes de ver en El mago del Kremlin (Le mage du Kremlin, 2025), un guion potencialmente formidable, Olivier Assayas lo reconoció inicialmente como una “fuente de problemas” igualmente formidable. Y los problemas, especialmente cuando están vinculados a las complejidades de la geopolítica, son algo que el director de Carlos (Carlos, le film, 2010), Viaje a Sils Maria (2014)  y La red Avispa (Wasp Network, 2019) vio venir desde lejos. Temas controvertidos, proyectos extensos, producción caótica, financiación errática... "Ya había estado allí, ya lo había hecho", recuerda.

El doblemente nominado al Oscar Jude Law da vida a Vladimir Putin en esta fascinante película que expone los secretos mejor guardados del Kremlin. El actor nominado al BAFTA Paul Dano protagoniza la película encarnando al asesor ficticio Vadim Baranov, el cerebro detrás del ascenso de Putin al poder y de su implacable régimen político.

La trama: En el turbulento contexto postsoviético de los años 1990, un joven artista y productor de televisión comienza a ascender gracias a su talento y habilidad para conectar con las élites. Su ingenio le abre las puertas al círculo más cercano de un agente del KGB con gran ambición política, lo que le convierte en testigo privilegiado del nacimiento de una nueva Rusia. Desde dentro del poder, ambos moldean el futuro del país, en un juego donde los límites entre la verdad y la mentira se desdibujan peligrosamente.

Efemérides de cine: La respuesta

En 1976 se estrenó la película española La respuesta, dirigida por Josep Maria Forn e interpretada por Francesc Viader, Marta May, Jordi Torras, Carme Fortuny, Teresa Cunillé, Carmen Pradillo, Josep Castillo Escalona, Víctor Petit, Jaume Picas, Adrià Gual. Productora: P.C. Teide, Estela Films, José María Forn Costa. Duración: 82 minutos.

Sinopsis argumental: Tras el impacto del Mayo francés de 1968, en la Barcelona de ese año, Aleix Farràs (F. Viader), un universitario de actitud contestataria y muy interesado por los movimientos revolucionarios recientes, mantiene una relación con Renata (Marta May), una camarera de un club de copas. Cuando Renata comienza a alternar con el señor Molina Costa, un político franquista, Aleix decide aprovechar esta circunstancia y planea su asesinato como respuesta a la represión del régimen. Consumada 'la contestación', el cadáver es descubierto, pero la policía no tiene ninguna pista. Un hallazgo del padre de Aleix, el doctor Farràs (Jordi Torras), hace que empiece a sospechar de su hijo, con el que no comparte valores ni ideas y al que ve capaz de cualquier barbaridad.

Comentario: Título original en catalán: M'enterro en els fonaments, (Me entierro en los cimientos). Está basada en el libro homónimo de Manuel de Pedrolo, publicado en 1967. Si bien su rodaje se completó en 1969, la película fue prohibida por la censura y no se pudo estrenar hasta siete años después en 1976. En 1985 fue doblada al catalán y reestrenada con algunos cambios de montaje. Se conmemora el quincuagésimo aniversario. 

Muerte de Udo Kier, impresionante villano y audaz metamorfo del cine

Interpretó varias veces a Hitler y a muchísimos vampiros, pasó del cine de arte y ensayo al cine de serie B, trabajó con Fassbinder, Lars von Trier y Madonna… El actor alemán que no le tenía miedo a nada falleció el 23 de noviembre a los 81 años.

Ejerció su oficio como actor y doble de acción, asumiendo todo lo que podía, a veces incluso cualquier cosa, durante más de cincuenta años. El fenomenal Udo Kier Ha fallecido dejando tras de sí una filmografía única que abarca desde papeles secundarios hasta papeles principales con una gran sensación de libertad. Reflexionando sobre esta maratoniana carrera de papeles secundarios, declaró a Variety en 2024: "Hay 100 películas malas, 50 que puedes ver con una copa de vino y 50 buenas".

Con un rostro modesto pero una mirada inquietantemente felina y un carácter temperamental y caótico, este actor alemán, nacido en Colonia en 1944, interpretó a menudo personajes amenazantes, villanos o incluso sádicos, aceptando con gusto el papel de Hitler en varias ocasiones, sobre todo en la serie Hunters . También fue capaz de transformarse, como en Swan Song (2021), de Todd Stephens: Pat Pitsenbarger es un excéntrico peluquero gay ya retirado que se escapa del asilo en el que está ingresado para cumplir con un último encargo: peinar y maquillar a una antigua celebridad, amiga y clienta que ha fallecido, para que esté perfecta en su velatorio.

Marginalidad y cine de género

Estrella por derecho propio, Udo Kier convirtió su excentricidad en una fortaleza, una forma de afirmarse no solo como gay, sino como completamente atípico. Su audacia fue recompensada desde el principio: cuando se unió al director Paul Morrissey en la barroca aventura de sus películas de terror producidas por Andy Warhol, Carne para Frankenstein (Flesh for Frankenstein, 1973) y Sangre para Drácula (Dracula cerca sangue di vergine... e morì di sete!!!, 1974), se convirtió en una figura de culto. Compañero de viaje de la modernidad artística, de los márgenes y del cine de género, desde películas de serie B hasta películas comerciales -como Blade (1998),  de Stephen Norrington, su aura era considerable. Incluso impresionó a la propia Madonna, quien, a principios de los años 1990, lo llamó para Sex, su libro de fotografías publicado con el álbum Erotica, y lo invitó a aparecer en el videoclip de la canción Deeper and Deeper.

Udo Kier y Dalila Di Lazzaro en Carne para Frankenstein (1973)

Una energía creativa une esta carrera a veces oscura pero abierta, marcada por películas sumamente originales, a menudo rebosantes de ideas. Por ejemplo, La sombra del vampiro (Shadow of the Vampire, 2000), de E. Elias Merhige , recreó el rodaje de Nosferatu (Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens, 1922) de F. W. Murnau, dándole a Udo Kier el papel de Albert Grau, el famoso escenógrafo y productor de esta obra maestra del cine mudo. El actor también destacó en la fábula futurista Johnny Mnemonic (1995), de Robert Longo, donde se reencontró con Keanu Reeves, su coprotagonista en Mi Idaho privado (My Own Private Idaho, 1991) de Gus Van Sant. Más recientemente, el rostro de Udo Kier apareció en el tráiler del misterioso OD, un videojuego dirigido por Hideo Kojima a partir de un guion de Jordan Peele. Y lo esperamos en diciembre en El agente secreto (O Agente Secreto, 2025), del brasileño Kleber Mendonça Filho, quien ya lo había elegido para Bacurau (2019).

Udo Kier en Sangre para Drácula (1974)

Dos cineastas marcaron especialmente la vida de este actor de espíritu libre internacional. Primero, Rainer Werner Fassbinder, quien nació un año después de Udo Kier y lo conoció a temprana edad. Lo dirigió en La mujer del ferroviario (Bolwieser, 1977), La tercera generación (Die dritte Generation, 1979) y Lili Marleen (Una canción... Lilí Marlen) (Lili Marleen, 1981). Luego, Lars von Trier, quien convirtió al alemán (quien se había establecido en Palm Springs y se había convertido en una especie de californiano) en un rostro familiar en su universo a partir de Epidemic (1987), contratándolo nuevamente para Europa (1991), Rompiendo las olas (Breaking the Waves, 1996), Bailar en la oscuridad (Dancer in the Dark, 2000), Melancolía (Melancholia, 2011) y Nymphomaniac. Volumen 1 (2013). Estos dos grandes directores encontraron en Udo Kier un conducto para sus visiones de una humanidad atormentada, la encarnación de una violencia oculta bajo apariencias aparentemente mundanas, un hombre capaz de explorar cuestiones del bien y del mal, y los excesos ideológicos o morales. Acostumbrado a traspasar los límites, Udo Kier supo explorarlos en todas sus dimensiones.

“Águilas de la República”, "La noche americana"… El vértigo de los actores interpretando actores

Brigitte Bardot en Una vida privada (Vie privée, 1962), Louis Malle;  Sandrine Kiberlain en La Vie d'artiste (2007), de Marc Fitoussi... Los actores y las actices a veces se encuentran frente a personajes extrañamente familiares. Cine dentro del cine explorada por el actor libanés-sueco Fares Fares en la película de Tarik Saleh.

En Águilas de la República (Eagles of the Republic, 2025),  de Tarik Saleh , el actor Fares Fares interpreta a George Fahmy, "el actor más famoso de Egipto"», una estrella rica y adorada, mentiroso de profesión y en su vida privada, obligado a aceptar una película encargada por el gobierno autoritario de su país. ¿Cómo interpreta un actor a otro actor? ¿Qué tiene de especial este extraño bucle de juego dentro de otro juego? ¿Permite, o siquiera implica necesariamente, un elemento de sátira? Meterse en la piel de un actor requiere jugar con un doble ego: el propio y el del personaje. 

Grandes películas animadas para adultos sin niños (I)

Para celebrar el cine de animación, hemos seleccionado once joyas para ver en sus plataformas. Tesoros de poesía, tragedias, comedias, etc.

si escucha la palabra cine de animación, ¿qué le viene a la mente? ¿Pixar, Disney, Myazaki y películas infantiles? Sin embargo, esta forma de arte ha evolucionado a lo largo de las décadas para ya no dirigirse exclusivamente a ellos, sino también a los adultos. Al liberarse de los clichés, muchos directores se han aferrado a sus códigos para contar las historias vertiginosas del mundo adulto. Entre fábulas metafísicas, narrativas políticas y dramas íntimos, estas obras, a menudo conmovedoras, a veces perturbadoras, nos recuerdan que las imágenes dibujadas pueden impactar tan fuerte como las tomas de la vida real. Hemos seleccionado once películas de animación muy interesantes.

1. Red Hot Riding Hood (1943), de Tex Avery

Asombrado, el narrador accede a cumplir sus demandas y comienza nuevamente la historia de una manera totalmente distinta. Ahora, la historia toma parte en un ambiente urbano contemporáneo donde Caperucita Roja trabaja en un club nocturno, el Lobo es un mujeriego y la abuela es una acosadora de hombres. La escena más conocida es cuando Caperucita Roja está en el club nocturno cantando y el Lobo reacciona salvajemente ante el acto que realiza. La reacción era tan enérgica que algunas partes fueron censuradas. El final del cortometraje fue borrado, ya que mostraba el matrimonio del Lobo con la abuela, debido a que esta quedaba embarazada. La secuencia actual no es menos escandalosa. Muestra a la abuela persiguiendo al Lobo, quien regresa al club nocturno. Harto de las mujeres promete que se mataría antes de desear otra. Inmediatamente, aparece Caperucita Roja y el Lobo cumple su promesa. Su espíritu se queda en el club nocturno y reacciona de manera similar a como lo había hecho originalmente.

Red Hot Riding Hood es un cortometraje animado, dirigido por Tex Avery y estrenado el 8 de mayo de 1943 por Metro-Goldwyn-Mayer. En 1994 apareció en el séptimo puesto de la lista 50 Greatest Cartoons, realizada gracias a los votos de 1000 especialistas en la animación. El trabajo fue tremendamente influyente en el campo de la comedia animada e incluso de imagen real, inspirando la escena de La máscara en la que Jim Carrey ve por primera vez a Cameron Díaz, así mismo, fue foco de la censura de la época. La historia comienza como una versión común de la Caperucita Roja, hasta que los personajes se rebelan ante los papeles que deben interpretar.

2. Rebelión en la granja (Animal Farm, 1954), de Joy Batchelor y John Halas

Estamos en la Granja Manor, en la Inglaterra de los años cincuenta. Hartos de los maltratos que les da el brutal granjero Jones, todos los animales se unen en una violenta rebelión que excluye a todos los humanos: ha nacido la Granja Animal. Pero el entusiasmo se torna en decepción cuando los cerdos, con el dictatorial Napoleón a la cabeza, asuman el control de la revolución y, amparados por un fanatizado ejército de perros asesinos, instauren la tiranía y el terror en la naciente mini-república. Algunos animales comprenden, demasiado tarde, que sus porcinos líderes son tan o más despóticos que el borracho Jones... 

Adaptación animada de la famosa novela de Orwell, una alegoría política sobre la revolución bolchevique y el posterior sistema comunista.

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Isabelle Huppert y Marina Foïs en “La mujer más rica del mundo”

La película de Thierry Klifa se inspira en la historia de Liliane Bettencourt y su hija. Una conexión con la realidad, una actuación auténtica y un toque de misterio... El brillante dúo actoral, cuya tercera película juntos, interactúa con complicidad.

En la cáustica La mujer más rica del mundo (La femme La femme la plus riche du monde, 2025), en cines el 29 de octubre, Isabelle Huppert y Marina Foïs interpretan respectivamente a dos personajes cercanos y distantes de Liliane Bettencourt y su hija, Françoise Meyers. 

La donación millonaria de una nonagenaria a un joven artista desata un escándalo que lleva a su hija a destapar una presunta corrupción política en la que está implicado un ex presidente. Película inspirada en la figura de Liliane Bettencourt, la que fue la mujer más rica del mundo como heredera de L'Oréal y protagonista de uno de los escándalos más célebres de Francia.